Ciclos y Neurastenias en un mundo cruel

Más reciente

Flema – Caretofobia II [2001]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

Flema es una banda de punk rock, formada en Avellaneda (en el sur del Gran Buenos Aires) en el año 1986 por Juan Manuel Fandiño, quien fuera el fundador y compositor de los primeros temas y quien le dió el nombre a la banda. Flema grabó nueve trabajos discográficos de forma independiente, hasta la trágica muerte de Ricky Espinosa, ocurrida el 30 de mayo de 2002. Luego de este hecho, los demás integrantes de la banda continuaron bajo el nombre de Topos.

Durante el año 2007, Pepe Carballo, Fernando Rossi, Gonzalo Díaz Colodrelo y Luichy Gribaldo decidieron volver con Flema con motivo de los festejos por los veinte años de la formación de la banda (1987-2007), realizando un exitoso show para más de 2000 personas en el que mucha gente no pudo entrar por haberse agotado las localidades. Durante 2008 la banda se presentó con gran éxito en el festival Cosquín Rock y en Santiago de Chile.

Los comienzos de la agrupación cuando un joven llamado Juan Manuel Fandiño, emprendió la idea de formar una banda de punk rock. Fandiño fue quien le puso el nombre y aportó las primeras canciones y la antigua casa de sus padres ―que llamaba La Covacha― como sala de ensayo. Flema con su nombre, se formó en 1986 entre unos compañeros de colegio llamados Juan Fandiño, Mariano Vilela y Pablo Pérez. Con la incorporación de Ricardo Espinosa en 1988, graban un compilado en vivo, titulado “Invasión 88”, junto a otras bandas punk argentinas como Attaque 77, Defensa y Justicia, Comando Suicida y Conmoción Cerebral entre otras.

Después del alejamiento de la mayoría de sus miembros originales a finales de 1991, Ricky Espinosa toma el rol de cantante y rearmaría la banda con una nueva formación junto a los hermanos Fernando y Santiago Rossi, y músicos como Pepe Carballo, Luichy Gribaldo y Gonzalo Díaz Colodrelo.

En el año 1992 graban “Pogo, Mosh & Slam”, un cassette que contenía doce temas y tenía la particularidad de que, para su distribución, se realizaban copias caseras de la cinta, se fotocopiaba la carátula y se pintaba con lápiz de color. Al año siguiente repiten grabación de maqueta, esta vez con “Nunca Nos Fuimos”, cassette con siete temas autoeditado y distribuido por la propia banda en 1994.

Por fin editan su álbum debut en 1994 con el sello Sick Boy Records, un trabajo de extenso título: “El Exceso y/o Abuso de Drogas y Alcohol es Perjudicial para Tu Salud… ¡Cuidate, Nadie lo Hará por Vos!”, y también abundante de contenido: veinte temas. Corriendo el año 1995, Flema ya está consolidada como banda referente en el circuito punk argentino. Llega una especie de momento cumbre de la banda, al tocar como teloneros de The Ramones junto con Doble Fuerza.

En 1996 “Nunca Nos Fuimos” fue reeditado por Sick Boy Records como álbum oficial agregándole cinco canciones extras (los últimos 5 cortes). El disco fue masterizado por Andrés Mayo y la producción fue realizada por Jorge Antonio Ibarruela y el propio grupo. La placa tuvo gran aceptación, y en ella aparecen canciones como “Si yo soy así”, “Nunca nos fuimos” y “Corriendo con Satán”. Debido a un error del técnico de grabación, el tema “Fernando Anda en Skate” es en realidad una mezcla diferente de “Corriendo con Satán”. El arte de carpeta y fotocromía fueron de Víctor Macri, con diseño de portada de Ignacio Misiti.

“Caretofobia, disco 2” (aunque conocido comúnmente como «Caretofobia II») es el quinto álbum de estudio de la banda de punk rock argentina Flema, grabado en el Complejo Musical La Viga entre marzo y agosto de 2000 por Pablo Podestá y Martín Altuna, mezclado y masterizado entre agosto y septiembre de 2001 en el mismo estudio y editado en el año 2001 por Cicatriz Discos. El diseño artístico fue de Sebastián Corona, con fotos de Víktor Mansilla.

Junto con “Caretofobia, disco 1” (2000) forman el primer álbum doble de Flema. El título refiere, en forma humorística, una fobia hacia las personas de alta sociedad. Estos discos estuvieron muy escasos, debido a que solo salieron dos tiradas de quinientos discos para cada uno de los compactos. “Caretofobia 1” contiene dieciocho canciones y “Caretofobia 2”, dieciséis.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas de Ricky Espinosa, excepto indicados)
 

  1.  «Intro» – 0:04
  2.  «La Manija» – 2:15
  3. «Hoy Yo Puedo Volar» – 2:18
  4. «Hoy Me Siento Mal» – 1:05
  5. «Demasiado Nada» – 3:07
  6. «Te Querré» (eléctrico) – 2:17
  7. «Vigilante» – 1:42
  8. «Síndrome 2000» (Fernando Rossi) – 2:06
  9. «Mandibuleás» (pseudo-eléctrico) (Juan Fandiño, R. Espinosa) – 2:03
  10. «Viejo y Cansado» – 2:10
  11. «Ch. (Amigos)» – 1:29
  12. «Él Es la Autoridad» – 2:26
  13. «Me Hundo un Poco Más» (acústico) – 3:09
  14. «No Quiero Ir a la Guerra» – 1:56
  15. «Bajar» (acústico) – 3:13
  16. «Conclusión» – 0:12
Calidad: FLAC

 

 

 

Anuncios

The Stooges – Fun House [1970-Reed.1998]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

The Stooges, también conocidos como Iggy and The Stooges, fue una banda de rock surgida en 1967 en Detroit (Estados Unidos de Norteamérica) considerada un referente del garage rock y pionera tanto de la música como de la subcultura punk.

En 2016 The Stooges se separa después de haber finalizado su último álbum de estudio titulado “Ready to Die” (2013). Ese mismo año, se lanzó la película documental Gimme Danger dirigida por Jim Jarmusch sobre la banda, estrenándose mundialmente en el Festival de Cannes.

James Newell Osterberg, más conocido por Iggy Pop, tocó en diversas bandas de Ann Arbor (Míchigan) antes de crear la suya. Osterberg se inspiró para formar The Stooges tras conocer en una visita a Chicago al batería de blues Sam Lay. De esta forma, James regresó a Detroit con la idea de crear un estilo de tocar blues completamente nuevo.

La banda que Osterberg creó estaría formada por él, como vocalista, los hermanos Ron (guitarra) y Scott Asheton (batería), y su amigo Dave Alexander (bajo). Los demás miembros de la banda apodaron a James “Pop” debido al parecido que guardaba con un vecino suyo. Sería poco después, tras presenciar un concierto de MC5 en su ciudad, cuando Osteeberg se denominó a sí mismo “Iggy Pop”.

El debut de la banda tuvo lugar en un concierto de Halloween que estos dieron en su casa de State Street, en 1967. Poco más tarde, tocaron en el Grande Ballroom (Detroit), junto a grupos como MC5 y otros, dándose así a conocer. The Stooges ganó reputación rápidamente debido a lo violentas y ruidosas que eran sus actuaciones. Pop, especialmente, ganó fama gracias a lo extraño que era su comportamiento sobre el escenario, untando en su torso crema de cacahuete y carne de hamburguesa, haciéndose cortes con trozos de vidrio y mostrando sus genitales al público, entre otras cosas.

The Stooges fueron descubiertos por el observador de Elektra Records Danny Fields (quien más tarde también descubriría y se convertiría en el mánager de Ramones), firmando así un contrato para dicha compañía. Su primer álbum, cuyo nombre es el mismo que el de la banda, salió en 1969, obteniendo muy pocas ventas así como un no grato recibimiento por parte de los críticos de aquella época.

El segundo álbum, “Fun House”, lanzado en 1970 y considerado por muchos como el mejor disco de The Stooges, tampoco logró alcanzar un notoriamente mejor recibimiento. En este último, el grupo trató de plasmar la fuerza y la energía que desprendían en sus actuaciones en vivo. En junio de ese mismo año, la banda tocó en el Pop Festival de Cincinnati. Durante su actuación, Iggy Pop se dejó caer en repetidas ocasiones sobre el público, el cual lo sostuvo por encima de la muchedumbre. Este hecho se convirtió en una de las imágenes icónicas del rock a partir de entonces.

«Fun House» es el segundo álbum del grupo estadounidense The Stooges, editado en 1970 por Elektra Records. El disco, considerado una piedra angular del llamado proto-punk, fue grabado en los estudios Elektra Sound Recorders de Los Ángeles, California, en mayo de 1970, y fue producido por Don Gallucci, quien trató de recrear en el estudio el sonido visceral y sin vueltas de la banda en directo.

De acuerdo al crítico especializado Mark Deming, de Allmusic.com, quien calificó a este trabajo con un puntaje óptimo (5/5): Fun House es donde el genio loco de Iggy Pop aflora plenamente por primera vez, siendo este álbum el documento ideal del grupo, en su cima más sudorosa, cruda y ruidosa.”​ Por su parte, el periodista Joe Tangari de Pitchfork Media, quien le otorgó un 9.4/10, escribió: “El aún abrasivo primer disco de The Stooges suena comparativamente ‘gentil’ respecto al apocalíptico Fun House, mostrando una banda en su mejor momento estallando en tu cara.”

En agosto de ese mismo año, Alexander fue despedido temporalmente del grupo por encontrarse demasiado ebrio en escena en el International Music Festival de Goose Lake, siendo rápidamente reemplazado por una sucesión de nuevos bajistas. Llegados a este punto, la banda casi al completo (con la notable excepción de Ron Asheton) se habían vuelto consumidores habituales de drogas como la heroína, siendo Iggy Pop el peor ejemplo de todos. El resultado final de todo esto fue la anulación del contrato que The Stooges tenía con Elektra Records.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas escritos y compuestos por The Stooges)

  1. «Down on the Street» — 3:42
  2. «Loose» — 3:33
  3. «T.V. Eye» — 4:17
  4. «Dirt» — 7:00
  5. «1970» (también conocida como “I Feel Alright”) — 5:14
  6. «Fun House» — 7:45
  7. «L.A. Blues» — 4:52

Calidad: FLAC

 

 

 

Silvio Rodríguez – Días y Flores (1975)

 

[Otras Músicas]

 

Silvio Rodríguez Domínguez es un cantautor, guitarrista y poeta cubano, exponente característico de la música de su país surgida con la Revolución Cubana, conocida como la Nueva Trova Cubana, que comparte con otros reconocidos cantautores tales como Pablo Milanés, Noel Nicola y Vicente Feliú. Colaboró para la Revolución desde sus inicios, como educador, dibujante, escritor, compositor, militar y político. Su carrera musical la inició ejerciendo como conductor de televisión, para luego integrarse al Grupo de Experimentación Sonora, entidad dirigida por Leo Brouwer, y finalmente consolidándose como solista.

Con más de cuatro décadas de carrera musical, ha escrito al menos quinientas cuarenta y ocho canciones y publicado una veintena de álbumes, siendo uno de los cantautores de mayor trascendencia internacional de habla hispana. Acabando el siglo XX, fue elegido en su país junto a Ernesto Lecuona como el mejor compositor cubano del siglo, mientras que a nivel internacional fue galardonado, junto a Joan Manuel Serrat, como el mejor cantautor hispanoamericano de la segunda mitad de siglo y en 1997 como Artista Unesco por la Paz. En el siglo XXI, por su parte, recibió el premio ALBA de 2010, además de recibir el grado de doctor Honoris Causa en la Universidad Nacional Mayor de San Marcos del Perú, la Universidad Veracruzana de México y la Universidad Nacional de Córdoba de Argentina.

De acuerdo con diversas clasificaciones musicales, entre los discos más relevantes del cantautor pueden mencionarse algunos de los primeros, tales como “Días y Flores” (1975), “Al Final de este Viaje” (1978), “Mujeres” (1978), “Rabo de Nube” (1980) y “Unicornio” (1982).

«Días y Flores» es el primer álbum oficial del cantautor cubano Silvio Rodríguez, grabado en el estudio de grabación de la EGREM (La Habana, Cuba) entre 1974 y 1975, con producción de Frank Fernández, y editado en 1975 por EGREM en Cuba y por Fonomusic en Europa. En España, debido a la dictadura de Francisco Franco hubo que cambiar el nombre del disco por “Te Doy una Canción”, ya que se censuraron los temas “Santiago de Chile” y “Días y Flores” (este último daba el nombre al disco); esas canciones se sustituyeron por “Madre” y “Te doy una canción”. Con el final de la dictadura, las dos canciones fueron agregadas de nuevo y las nuevas ediciones en España pasaron a tener trece canciones.

En Chile circula un casete llamado “Te Doy una Canción”, que no contiene los temas “Santiago de Chile”, “Playa Girón”, “Como esperando abril” y “Pequeña serenata diurna”, pero que incluye la versión clásica de “Te doy una canción” y una versión en vivo de “Mariposas”. También circula un CD parecido al español, que agrega el tema “Madre” a continuación de “Santiago de Chile”, y cambia “Días y flores” por “Te doy una canción”.

El disco mantiene parte de las sonoridades del Grupo de Experimentación Sonora del ICAIC, con sus fusiones entre música tradicional cubana con elementos del rock y el jazz.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas compuestos y escritos por Silvio Rodríguez)

  1.   «Como Esperando Abril» – 3:24
  2.   «Playa Girón» – 3:24
  3.   «El Mayor» – 3:34
  4.   «La Vergüenza» – 3:15
  5.   «Sueño con Serpientes» – 5:33
  6.   «Pequeña Serenata Diurna» – 2:58
  7.   «Esta Canción» – 4:00
  8.   «Yo Digo que las Estrellas» – 3:29
  9.   «En el Claro de la Luna» – 4:57
  10. «Santiago de Chile» – 4:23
  11. «Días y Flores» – 4:01

Calidad: FLAC

 

 

 

 

Esta subida y este disco se los dedico a mi mujer, que tanto gusta de la música de Silvio, al igual que yo. Buenos momentos hemos pasado escuchando las canciones del maestro.

 

 

Escenas de mi Barrio (IX): Buenas Noches y Buena Suerte

 

[Neurastenias]

 

Las bolsas de las últimas compras del día, sobre las siete de la tarde, pesan demasiado como para pararse a reflexionar… y menos comentar algo con viandantes. Pero mientras sobrepaso a un trío especialmente lento en la acera, escucho a la abuela de avanzada edad y acento gallego, aferrada al brazo de una joven que presumo su nieta, decir que los ecologistas son muy exagerados, que el mundo no está tan mal como vaticinan y que sus proclamas son alarmistas. Llevo en las bolsas unos 15 kilos de peso y ya no soy muy joven, así que prescindo de mi natural impulso de detenerme e inquirir “¿exagerados en denunciar la desmesurada desforestarión y la falta de hábitat natural de multitud de especies, incluida la nuestra, o el alarmismo de la contaminación masiva que ha conseguido un cambio climático que acabará con el equilibrio planetario, e incluso con el ser humano?”. No, no. Tengo una compra pesada en los brazos y ganas de llegar a casa para deshacerme de estas molestias y descansar.

Me detengo un momento en la verdulería por un encargo de mi mujer que había olvidado; tardo poco porque mis compras siempre van al grano (en un estúpido monólogo televisivo esto tendría alguna supuesta gracia), pero el caso es que llegando al portón de entrada del edificio donde vivo… ¿adivináis a quién encuentro? Como soy más rápido en eso de sacar las llaves del bolsillo del pantalón, en lugar de buscarlas en un bolso enorme mientras se farfulla “no sé, no sé, y yo sin gafas no veo nada”, educadamente abro la pesada puerta y la mantengo para el paso del trío en cuestión. Los jóvenes, pareja sin duda, me agradecen el gesto de palabra y con una sincera sonrisa. La abuela no. Los jóvenes deciden subir por la escalera a pesar de mi insistencia en que suban los tres en el ascensor, que yo lo haré después. Debo aclarar que estoy fumando. Nunca accedo al ascensor/descensor con humo que exhibir.

Nos dejan solos a la abuela y a mí. Un simulacro de simpatía que no es sino muestra estúpida de buena educación nos lleva al interior de la caja metálica. Y algo me dice, desde que abro la puerta del engendro mecánico con la mano que sostiene el cigarrillo, que éste no es un buen viaje. Ella entra y pulsa arrebatada el número del piso de su destino. Pienso que si su nieta y su agradable cónyuge no estuvieran por las escaleras, jamás habría subido con “el pintas este”, que vengo a ser yo. Sonrío. Yo voy a un piso superior, pero de no ser así a esta mujer no le hubiera importado lo más mínimo. Primero ella. Reconozco esa torpe, ingrata e ignorante actitud burguesa de supuesta superioridad. Por lo tanto hago una excepción a mis normas: me llevo el cigarrillo, ya casi en la colilla, a los labios y me doy un respiro, que exhalo antes de llegar al piso que tanto insistió en marcar.

Se despide con un simple “hasta luego” nada sincero, ya que en su rostro se ve su deseo de no volver a verme jamás en la vida. Es mutuo. Al entrar en mi apartamento y después de dejar todas las bolsas de la compra, me siento aliviado y a resguardo de la mierda de gente que hay en este mundo. Y en algunos más.

 

 

 

 

Zonde, San Telmo (Buenos Aires), agosto de 2016

 

 

 

 

 

 

Barricada – Noche de Rock & Roll (1983-Reed.1998)

[Resubida Mejorada]

 

[Ciclo de Rock Ibérico]

 

Para encontrar los inicios de Barricada hay que desplazarse hasta Txantrea, barrio periférico obrero de Pamplona, y fijarnos en Enrique Villarreal Armendariz, un chaval desgarbado con los dientes excesivamente largos y rostro acaballado al que apodan en el barrio El Drogas por su pinta de estar permanentemente enfermo. Decide entonces probar a pegarle a la guitarra y a cantar en un grupo llamado Punk Sapos Band y acompaña a la guitarra y al bajo a Kafarnaún con más arrojo que técnica. Otra de sus formas de pasar el tiempo es pegarle a la birra en el Viana, un bareto que frecuenta y donde se hizo la foto de portada del primer disco de los Barri, “Noche de Rock & Roll”, y cuenta las escaramuzas con la madera, cómo ha corrido delante de ellos.

Así andaba madurando la idea de crear un grupo y madurando sus canciones, cuando, saliendo de paseo con su novia Mamen por el rastro, ve la actuación de un grupo rockero de por allí llamado Némesis. A Enrique le llama la atención un guitarrista habilidoso y enérgico al que tuvo la suerte de encontrarse en el bus unos días después. Ni corto ni perezoso Enrique se presenta; el chaval se llama Francisco Javier pero todos le llaman Boni, y le comenta de pasada que se acabó ese grupo, que ha tenido movida con ellos. A Enrique le hacen los ojos chiribitas y le propone el rollo que tiene pensado, convence a Boni y así empiezan a ensayar. Se apuntan a clases de solfeo y aunque la armonía y el pentagrama no les acaban de convencer, consiguen las llaves del local donde se imparten las clases y allí se pusieron a hacer ruido, dándole una forma embrionaria a las seis o siete primeras canciones de los Barri. Poco después conocen a Mikel Astrain, un joven que le da a las baquetas en otro grupo y al que, poco a poco, Enrique Drogas fue llevándoselo a su terreno, ya que estaba comprometido con otra formación. Mientras tanto, habían tenido la ayuda interina de José Landa de Kafarnaún, grupo del que ficharon a otro guitarrista, Sergio Osés que ya conocía a Drogas de cuando este arrimaba el hombro en su grupo.

En febrero de 1983 se meten en el estudio por primera vez y editan «Noche de Rock & Roll» (Soñua, 1983) en el que cuentan con la colaboración de Ramoncín en los arreglos. El disco lo tienen que grabar dos veces, ya que el primer intento al mezclarlo tuvo un resultado desastroso, así que deciden hacer un gasto mayor y, como buenamente pueden, contratan un estudio en Donostia (Estudios Tsunami); allí vuelven a grabar el disco en “dos días con sus respectivas noches y a base de litros de carajillo y cervezas, más un día para las mezclas”, confiesa el grupo más adelante.

Pocas esperanzas pueden estar depositadas en ti cuando te apodan Drogas. Partiendo de esta base y con la seguridad que da el no tener gran cosa que perder, Barricada lanzó su primer trabajo con la rapidez y la prisa como compañeras de viaje. Y a cualquiera que en 1983 le dijeras que cuatro chavales de barrio a medio descarriar iban a convertirse con los años en un referente de la música en Iberia, le provocaría una carcajada que se escucharía hasta en el barrio de Txantrea.

Y es que la falta de medios es evidente; las guitarras están poco depuradas, la batería de Mikel suena chusca y barriobajera, incluso parece adivinarse algo de ruido de fondo en algún corte; se perdieron mezclas y hubo que regrabar con muchas prisas. Incluso el mismo Drogas bromea diciendo que este álbum de debut es “el carajillo hecho disco”.

Sin embargo, y siendo consciente de todo esto, ya desde la carcajada malévola de Drogas de “En silla eléctrica”, te das cuenta de que estás ante un disco con alma; Sergio Osés, que canta en casi todas las canciones, le pone mucho entusiasmo en la voz; los riffs metaleros incrustados en las estructuras rockeras guiñan con complicidad a los aficionados más deseosos de alzar los cuernos con la diestra, y, cuando te quieres dar cuenta, tu pie ya se te ha ido al ritmo de “Esperando en un billar”; y a poco que te fijes notas que las letras están impregnadas de rebeldía y descontento, pero con un punto melancólico que parece denotar la desesperanza y la falta de futuro que les ha tocado vivir.

Y luego están los estribillos, con buenos remaches en forma de coro, para que no se muevan; y por supuesto todo muy puesto en su sitio, no tuvieron mucho tiempo ni dinero para grabar, pero con lo que tenían las cosas han estado claras y ordenaditas, que ya habrá tiempo de complicarse; conscientes o no de ello, el lado fuerte del disco es precisamente la sencillez y la autenticidad que rezuman. Destaca quizá entre todas “Esta es una noche de rock’n’roll” por sus segundas y terceras guitarras redoblándose a lo Iron Maiden, pero el resto para nada desmerece, en “Sin ver la cara a nadie” Boni le pega con fuerza y habilidad a las 6 cuerdas que están en un merecido primer plano, y la armónica de Ramoncín le da el toque nostálgico que “Pídemelo otra vez” necesita.

No son los Judas, tampoco los Ramones. Son los Barri, y no necesitan nada más, ni siquiera lo necesitaron en 1983, aunque alguno pudiera reírse de pensarlo.

Fuente: Guillermo Malagamba Triana en LaFonoteca.net

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «En la Silla Electrica» – 4:31
  2. «Esperando en un Billar» – 3:44
  3. «Alambre de Espino» – 4:24
  4. «Que Estalle la Bomba» – 4:52
  5. «Esta Es una Noche de Rock & Roll» – 4:57
  6. «Sin Ver la Cara a Nadie» – 4:28
  7. «Pídemelo Otra Vez» – 5:53
  8. «Picadura de Escorpión» – 2:16

Calidad: APE

 

Gracias al compañero jmoranmu por este archivo ape, cedido generosamente a Ciclotimia.

 

 

 

 

The Sisters of Mercy – This Corrosion (Maxi) [1987]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

The Sisters of Mercy es uno de los grupos más importantes de rock gótico, formado en Leeds (Inglaterra) en 1980, en plena época post-punk. La banda ha citado como influencias a Leonard Cohen, Motörhead, The Stooges y Suicide entre otras; el propio Cohen escribió e interpretó una canción titulada “Sisters of Mercy” en su álbum de debut. Sisters of Mercy comparten estas influencias con otros grupos de la que fue denominada primera ola de la música gótica.

A pesar de que la banda posee una considerable base de seguidores relacionados con la llamada subcultura gótica, The Sisters of Mercy se consideran a sí mismos ante todo y principalmente como una banda de rock. Aun así, no ha impedido que actúen con asiduidad en festivales centrados en este estilo. Además, The Sisters of Mercy fueron una importante influencia para los grupos pertenecientes a la segunda ola del rock gótico ya que fue la que más repercusión tuvo en esta generación. En un primer momento, al igual que los pioneros, rechazaban la etiqueta o estilo que les definían pero al poco fue aceptado comúnmente en la época tanto por ellos como por las demás formaciones.

El grupo cesó su actividad discográfica en 1993, cuando se declararon en huelga contra su compañía editora, Time Warner, a la cual acusaban de incompetencia y de quedarse con sus royalties. Aunque Time Warner dejó ir a la banda en 1997, ésta no firmó contrato con otra discográfica, ni tampoco eligió unirse a ningún sello independiente, a pesar de mostrar numerosas canciones nuevas en sus actuaciones en directo.

Desde 1985, cuando los otros miembros originales del grupo lo abandonaron, The Sisters of Mercy se convirtió en el vehículo artístico de Andrew Eldritch. Los miembros fundadores de la banda formaron por su cuenta los grupos Ghost Dance y The Mission.

«This Corrosion» es un sencillo (y maxi) de la banda británica de rock gótico The Sisters of Mercy, grabado en los Power Station Studios de Nueva York y editado en septiembre de 1987 por Merciful Release/WEA, con producción de Jim Steinman; apareció dos meses antes del lanzamiento del álbum “Floodland” en el que estaba incluido el tema. “This Corrosion” se remonta al conflicto entre Eldritch y sus ex compañeros de banda que estaban ahora en The Mission. La letra es una parodia del cliché sin sentido de las letras de rock.

“Escribí ‘This Corrosion’ y sentí que solo exigía el toque de Steinman, si ‘toque’ es una palabra lo suficientemente discreta para lo que hace”, dijo Eldritch. “Cuando dije, ‘¿No es un poco exagerado?’ él contestaba: ‘No’… Me sentí muy satisfecho con su éxito. Pensé: ‘Genial, Top of the Pops, brillante'”.

El tema alcanzó el nº 6 en Irlanda, nº 7 en Reino Unido y nº 17 en Alemania.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas escritos y compuestos por Andrew Eldritch)

  1.  «This Corrosion» — 11:21
  2.  «Torch» — 3:55
  3.  «Colours» — 4:16

Calidad: 320 Kbps (a 48000 Hz)

 

Gracias al compañero Jaimolin por el archivo flac que ripeé a mp3 de máxima calidad.

 

 

 

La Polla Records – En Directo (1988-Reed.1989)

 

[Ciclo de Rock Ibérico]

 

Preguntado por los comienzos del grupo, allá por el año 1978, Evaristo Páramos, el cantante de la formación, menciona dos características del punk que le atrajeron a él y otros cuatro chavales más de Salvatierra (Araba) para formar la que se convertiría en una de las bandas de referencia de este género. De entrada, no era necesario en absoluto saber tocar bien ningún instrumento y además “se podía cantar en el lenguaje de la calle”. Fue así como, al no haber otra cosa que hacer, tocar en un grupo punk junto a Fernando Murua Quintana -Fernandito- (batería), Maleguin (bajo), Txarly (guitarra) y Sume (guitarra), amigos de diferentes cuadrillas del pueblo con afinidades en sus gustos musicales, se convirtió en la única alternativa válida. Puestos a hablar mal, lo mejor era empezar con el nombre del grupo: nacía así La Polla Records (LPR).

Su primer disco en vivo, «En Directo» (Ohiuka, 1988), fue grabado en la sala Llargi de Lakuntza los días 15 y 16 de mayo de 1988. Las mezclas, realizadas en los estudios Elkar de Lasarte, corrieron a cargo de Jean Phocas.

El arranque con “La justicia” y los alaridos de Evaristo consiguen poner los pelos de punta. Un auténtico acierto para romper el hielo. Unas cuantas jotas anti-sistema entre canción y canción y gritos de ánimo del tipo “Aupa el punk patatero mecagoendios” le dan el toque agro-punk del que nunca renegó la banda.

No están todas las canciones evidentemente, y se pueden echar en falta algunos de sus temas clásicos de la época, pero lo que hay está más que bien resuelto. Sabe a poco, pero es un documento sonoro más que válido de cómo sonaba la banda en uno de sus momentos más dulces, el que va hasta “Donde se Habla” (Oihuka, 1988). Es interesante compararlo con el sonido de los otros directos que grabó la banda mucho después. Aquí todavía suenan sin la contundencia metálica con la que se revistieron en sus últimos discos.

Ahora bien, el grupo no guarda buen recuerdo del resultado final: “Fue como ir a misa. Una cagada”.

Fuente: TGL en LaFonoteca.net / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «La Justicia»
  2. «Lucky Man for You»
  3. «No Somos Nada»
  4. «Socios a la Fuerza»
  5. «Canción de Cuna»
  6. «Cara al Culo»
  7. «Los 7 Enanitos»
  8. «Confusión»
  9. «Canarios y Jilgueros»
  10. «Porno en Acción»
  11. «El Gurú»
  12. «Odio a los Partidos»
  13. «Hipócritas»
  14. «Rata 1»
  15. «Rata 2»
  16. «Quiero Ver»
  17. «Tu Más Enérgica Repulsa»
  18. «Txus»
  19. «Nuestra Alegre Juventud»
  20. «El Avestruz»

Calidad: FLAC

 

 

Gracias al compañero Bizio por este archivo.

 

 

 

Clan of Xymox – Medusa [1986]

[Resubida Mejorada]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

Clan of Xymox, también conocidos simplemente como Xymox, es una banda gótica de Dark Wave (se les considera pioneros de este sonido, junto a Dead Can Dance y Cocteau Twins) formada en 1984 en Nimega (Holanda) y compuesta por Ronny Moorings, Mojca Zugna, Mario Usai y Agnes Jasper, aunque la formación original se basaba en Ronny Moorings, Pieter Nooten y Anke Wolbert.

Clan Of Xymox dio la base principal del sonido new wave siniestro, en algunos casos se notan las canciones instrumentales de fondo para adquirir un sonido atmosférico y, en otras, el uso de sintetizadores y caja de ritmos para generar sonidos electrónicos que crean un ambiente apocalíptico o siniestro.

De 1985 a 1988 sacaron sus primeros discos con la discográfica 4-AD (cabe destacar que la discográfica 4-AD ha producido a grupos como The Pixies y Cocteau Twins), con un primer trabajo llamado como ellos y el famoso disco “Medusa” que, para la mayoría de los seguidores de Clan of Xymox, son los mejores trabajos.

En 1988 topan con la discográfica Wing y acortan su nombre a “Xymox”. A partir del cambio de discográfica, Xymox comenzó a aparecer en la lista Billboard y en diversas listas de música alternativa. De ahí que 4AD aprovechase la oportunidad de remezclarlos y reeditarlos en el año 2000, añadiendo “Blind Hearts”, “Scum” y “A Million Things”, otro de los temas que más han dado a conocer a la formación a medio camino entre la electrónica oscura y el rock gótico.

En 1989 sacaron uno de sus álbumes mejor vendidos, “Twist of Shadows”, con el cual comenzaron una exitosa gira mundial; fue el paso definitivo para Xymox a la hora de abrirse camino entre el público norteamericano.

En 1997 Ronny Moorings, fundador y líder indiscutible, retomó el nombre de Clan of Xymox y la banda firmó para un nuevo sello, Tess Records. Así apareció “Out of the Rain”, el EP que daría paso al álbum “Hidden Faces”, disco que de nuevo les llevó de gira. Este trabajo contó con la producción de Dave M. Allen y John A. Rivers, quienes trabajasen para bandas como The Sisters Of Mercy, The Cure, Dead Can Dance o Love and Rockets. Con este álbum, Clan of Xymox obtuvo el reconocimiento a nivel internacional, puesto que la gira posterior trascendió no sólo el continente europeo y EE.UU., sino que también los holandeses abrieron sus miras hacia el público sudamericano.

«Medusa» es el segundo álbum de Clan of Xymox, producido por John Fryer y el propio grupo y editado en noviembre de 1986 por 4-AD. En él encontraremos temas clásicos del grupo, como “Louise”, “Back Door” o el propio “Medusa”, canciones que ya en 1987 estaban más que radiadas y pinchadas en Europa. La fotografía de portada fue realizada por Nigel Grierson.

“Medusa” es visto por algunos críticos como el punto más alto de la carrera del grupo. Los sonidos describen el disco como un “logro primordial […] cada canción suena como el final de una obertura épica melancólica”. Melody Maker escribió: “Elegante, eficiente, incluso dramático, Xymox entiende el valor de una subestimación directa […] Un brillante destello de esperanza en estos días de apagón”.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas escritos por Ronny Moorings, Pieter Nooten y Anka Wolbert)

  1. «Theme I» — 2:54
  2. «Medusa» — 5:53
  3. «Michelle» — 2:59
  4. «Theme II» — 1:43
  5. «Louise» — 5:17
  6. «Lorretine» — 3:33
  7. «Agonised by Love» — 5:18
  8. «Masquerade» — 3:54
  9. «After the Call» — 5:55
  10. «Back Door» — 4:52

Calidad: 320 Kbps (a 48 KHz)

 

Gracias al compañero Jaimolin por el archivo wav que ripeé a mp3 de máxima calidad.

 

 

 

Andrés Calamaro – El Salmón [2000]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

Andrés Calamaro (Buenos Aires, 22 de agosto de 1961) es un cantante, músico (teclista y guitarrista), compositor y productor discográfico argentino, creador de una personalísima obra que ha suscitado tanta admiración y fervor como críticas, sobre todo por su manera de afrontar las grabaciones y la dirección de su carrera. A lo largo de su trayectoria musical ha pertenecido a bandas como Los Abuelos de la Nada y Los Rodríguez, teniendo también una destacada carrera como solista. Ha vivido a lo largo de su vida alternando entre Buenos Aires y Madrid.

Canciones brillantes y absolutamente populares como “Mi enfermedad”, “Sin documentos”, “Salud (dinero y amor)” o “Para no olvidar” con Los Rodríguez dispararon la fama de Calamaro en Argentina y sobre todo en España, y el músico bonaerense retomó en 1997 su carrera en solitario con “Alta Suciedad” (DRO, 1997), cargado de hits inmediatos como “Flaca”. Andrés redobló la apuesta con “Honestidad Brutal” (DRO, 1999), un disco doble que supuso una “reacción” a su predecesor, y con “El Salmón” (DRO, 2000), con el que llevó la apuesta por la inmediatez al extremo, creando un álbum quíntuple donde las buenas ideas se mezclan con otras no tan buenas de un modo caótico. Tras publicar “El Salmón”, Calamaro, en un difícil momento personal, abandonó los escenarios y tardaría bastante en volver a dar señales de vida a nivel discográfico: su vuelta a los palcos se documentó en el directo “El Regreso” (DRO / Warner Argentina, 2005).

Cuatro años después -y despistando a la audiencia- el compositor torrencial aparcaba sus canciones para vestirse un traje de intérprete que lució en “El Cantante” (GASA / DRO, 2004) y “Tinta Roja” (DRO / Atlantic, 2006), discos de versiones del folclore latinoamericano con un toque eminentemente flamenco, en la compañía de músicos como Niño Josele o Jerry González y bajo la producción del afamado Javier Limón. En “El Palacio de las Flores” (GASA / DRO, 2006) Andrés vuelve a configurar un repertorio basado fundamentalmente en canciones nuevas. Es un disco en el que se nota de forma muy acusada la impronta del productor, el prestigioso cantautor argentino Litto Nebia. El resultado es irregular, inferior al de la siguiente entrega, “La Lengua Popular”, en el que temas como “Carnaval de Brasil”, “Cinco minutos más” o “Soy tuyo” traen de vuelta al mejor Calamaro.

«El Salmón» es el séptimo disco del músico argentino Andrés Calamaro, grabado entre diciembre de 1999 y mayo de 2000 en los Estudios Sintonía de Madrid y Camboya/Suipacha Hotel de Buenos Aires, masterizado en los Estudios Eurosonic de Madrid, con producción del propio artista, y editado en el año 2000 por los sellos discográficos Warner Music Argentina y GASA / DRO East West. Este álbum se caracteriza por ser un disco quíntuple, el cual luego se simplificaría a un solo disco con 25 temas y a un disco doble llamado “Salmonalipsis Now” editado en 2011.

En el trabajo colaboraron artistas como: El Cuino Scornik, Liberto Villagrassa, Lulo Pérez, El Niño Bruno, Candi Avello, Gringui Herrera, Pappo Napolitano, Ciro Fogliata, Guille Martín, Jose Mª Cortina, Ariel Rot, Andy Chango, Gaby Carámbula, Enrique Bunbury, Jaime Urrutia, Cachorro López, El Papa Ikoroh, Tito Losavio, Miguel Zavaleta, Jaime DB, Martín García Reynoso, Jorge Larrosa, Ñete, Fernando Samalea, Alex Badreddine, Coro Mogólico.

Los sencillos extraídos del quíntuple álbum fueron: “El Salmón”, “Días Distintos”, “Tuyo Siempre”, “All You Need Is Pop”, “Revolución Turra” y “Crucifícame”.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

CD 1:

  1.  «Output-Input»
  2. «El Salmón»
  3. «Días Distintos»
  4. «Tuyo Siempre»
  5. «Ok, Perdón»
  6. «Horarios Esclavos»
  7. «Nos Volveremos a Ver»
  8. «Gaviotas»
  9. «All U Need Is Pop»
  10. «Cafetín de Buenos Aires»
  11. «Enola Gay»
  12. «Para Seguir»
  13. «Revolución Turra»
  14. «Rumbo Errado»
  15. «Mi Funeral 11»
  16. «Crucifícame»
  17. «Vigilante Medio Argentino»
  18. «Me Fui Volando»
  19. «Chicas»
  20. «Tu Pavada»
  21. «Time Is on Mi Side»
  22. «Revolucion Turra»

 

 

CD 2:

  1. «Todas Son Iguales»
  2. «Jugando al Limite»
  3. «Querrámonos»
  4. «Alfonsina y el Mar»
  5. «El Mambo»
  6. «N.Q.T.Q.E. Llega»
  7. «La Diabla»
  8. «Laura Va»
  9. «Porque Soy Así»
  10. «Barrio de Tango»
  11. «Qué Ritmo Triste»
  12. «Mi Lobotomía»
  13. «No Sé Olvidar»
  14. «Nadie»
  15. «Lo que No Existe Más»
  16. «El Camino Entero»
  17. «P.N.S.U.R.H.Q.S.U.R. (Recuerdo Reloco)»
  18. «Freaks»
  19. «The Long and Winding Road»

 

 

CD 3:

  1. «El Viejo»
  2. «No Se Puede Vivir del Amor»
  3. «Durazno Sangrando»
  4. «Revistas»
  5. «Aguas Peligrosas»
  6. «Pálido Reflejo»
  7. «El Muro de Berlín»
  8. «El Día D»
  9. «I Will»
  10. «Ojos, Dos Ojos»
  11. «Río Manso»
  12. «Somos Feos»
  13. «Dejar de Vivir»
  14. «Chocolate»
  15. «Canalla»
  16. «Mi Autopista»
  17. «Reality Bomb»
  18. «Blow Up»
  19. «Palabras Luminosas»
  20. «El Día que Me Quieras»

 

 

CD 4:

  1. «Empanadas de Vigilia»
  2. «Steely Feeling»
  3. «All You Need Is Pop» (Voz: Enrique Bunbury)
  4. «100% de Nada»
  5. «Expulsado del Paraíso»
  6. «You Won’t See Me»
  7. «Séptimo Hijo Varón»
  8. «Under My Thumb»
  9. «Lameme el Orto»
  10. «Rumba del Perro»
  11. «No Te Bancaste»
  12. «Ciudadano Pesado»
  13. «Metálico Cha Cha»
  14. «No Woman No Cry»
  15. «C.N.I.M.Q.U.C.D.P.»
  16. «Oh Darling»
  17. «Un Barco, Un Poco»
  18. «Lorena»
  19. «Presos de Nuestra Libertad»
  20. «Horizontes»

 

 

CD 5:

  1. «Problemas»
  2. «La Verdadera Libertad»
  3. «Los Ejes de Mi Carreta»
  4. «Un Poco de Diente por Diente»
  5. «Culo sin Asiento»
  6. «Libros Sapiensales, Parte II»
  7. «¡Ay de Mí!»
  8. «Malena»
  9. «Adentro Mío»
  10. «Corta pero Ancha»
  11. «Para los Demás»
  12. «Sexy Sadie»
  13. «Nuestra Piel»
  14. «Papa Say»
  15. «Cocaine»
  16. «Varón, Dijo la Partera»
  17. «Paraísos Perdidos»
  18. «Así»
  19. «Me Cago en Todo»
  20. «Valentina»
  21. «H.M.Q.D.E.P.»
  22. «Este Es el Final de Mi Carrera»

Calidad: FLAC

 

 

 

The Angels – Face to Face [1978-Reed.2008]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

The Angels es una banda australiana de hard rock formada en Adelaida en 1974 por John Brewster en guitarra rítmica y coros, su hermano Rick Brewster en guitarra solista y coros, y Bernard “Doc” Neeson en voz principal y guitarra. Más tarde se unieron Graham “Buzz” Bidstrup (batería y coros) y Chris Bailey (bajo y coros). La agrupación luego se trasladó a Sídney, donde gozó de gran popularidad, lanzando exitosos sencillos como “Am I Ever Gonna See Your Face Again”, “Take a Long Line”, “Marseilles”, “Shadow Boxer”, “No Secrets”, “We Gotta Get Out of This Place”, “Let the Night Roll On”, y “Dogs Are Talking”.

The Angels fueron citados por Guns N’ Roses al igual que algunas bandas de la escena de Seattle (agrupaciones de grunge), incluyendo a Pearl Jam y Nirvana, como una gran influencia en su sonido. Junto a bandas como AC/DC, Rose Tattoo, Wolfmother e INXS, The Angels ha logrado dar reconocimiento internacional al rock australiano.

The Angels fueron incluidos en el Salón de la Fama de ARIA en octubre de 1998 con la alineación de Bailey, John y Rick Brewster, Eccles y Neeson. El musicólogo australiano, Ian McFarlane, declaró que The Angels tuvo un profundo efecto en la escena de música en vivo australiana de finales de los años 1970 / principios de los 80. [Ellos] ayudaron a redefinir la tradición del pub rock australiano … [su] marca sin lujos, el duro boogie rock atrajo a los amantes del pub en un número sin precedentes. A su vez, los shows de The Angels elevaron el estándar esperado de la música en vivo. Después de 20 años en el camino, la banda mostró pocas señales de disminuir la fiebre del hard rock”. Chris Bailey murió el 4 de abril de 2013, a los 62 años, después de que le diagnosticaran cáncer de garganta. Doc Neeson murió el 4 de junio de 2014, a la edad de 67 años, de un tumor cerebral.

«Face to Face» es el segundo álbum de The Angels, grabado en los Albert Studios de Sidney y editado en junio de 1978 por el sello Albert Productions, con producción de Mark Opitz y el propio grupo. Llegó al puesto 18 en The Kent Music Report Albums Chart, que daría origen a la ARIA australiana. Por ventas de 280.000 copias, fue acreditado con 4 discos de platino. Los sencillos del álbum editados fueron “Comin’ Down”, “Take a Long Line”, “Straight Jacket” y “After the Rain”.

La versión internacional del álbum fue lanzada en marzo de 1980 adoptando la banda el nombre de Angel City (por motivos legales), como una compilación de canciones de la versión australiana de “Face to Face” y de su tercer álbum de estudio, “No Exit” (junio de 1979). También incluyó una versión regrabada de “Am I Ever Gonna See Your Face Again”, que se había emitido como su primer single en marzo de 1976 desde su primer álbum, “The Angels”.

La portada del álbum fue diseñada por Peter Ledger y ganó el premio Rey del Pop por ‘Mejor Diseño de Portada de Álbum’ en 1979. En octubre de 2010, “Face to Face” apareció en el libro, Los 100 Mejores Álbumes Australianos. La versión internacional del álbum fue reeditada en CD por Rock Candy Records en 2011.

El musicólogo australiano Ian McFarlane describió a “Face to Face” como un lanzamiento en “un momento decisivo” tanto para el grupo como para Mark Opitz. Ed Nimmervoll, del sitio web Howlspace, opinó que “entregó una dura mezcla de punk y metal. La banda lo trajo a casa en el escenario detrás de su teatral cantante principal, saltando y gesticulando maníacamente, destacando el drama en las letras. En todos los sentidos fueron uno de los grupos más emocionantes del país, y las giras exhaustivas trajeron a la banda una generación de fanáticos leales”. John Floyd de AllMusic calificó la versión internacional en tres de cinco estrellas.

En 2008 el disco fue remasterizado y reeditado en formato CD Digipak por Albert Productions, incluyendo cinco bonus tracks, grabados en directo en la sala La Trobe. Este archivo corresponde a dicha reedición.

Fuente: Wikipedia (en inglés) / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Straight Jacket» – 3:18
  2. «After the Rain» – 3:08
  3. «Love Takes Care» – 3:40
  4. «Take a Long Line» – 2:58
  5. «Marseilles» – 4:50
  6. «Live It Up» – 3:49
  7. «Be with You» – 3:42
  8. «Outcast» – 4:43
  9. «I Ain’t the One» – 2:29
  10. «Comin’ Down» – 3:23
  11. «Straight Jacket (Live at La Trobe)» – 4:35
  12. «After the Rain (Live at La Trobe)» – 3:43
  13. «Marseilles (Live at La Trobe)» – 5:57
  14. «Be with You (Live at La Trobe)» – 4:50
  15. «Comin’ Down (Live at La Trobe)» – 3:51

Calidad: 320 Kbps (a 48000 Hz)

 

Gracias al compañero Dj Johnny por el archivo flac que ripeé a mp3 de máxima calidad.

 

 

 

borROCKalari

Transmitid la cultura a todo el mundo, sin distinción de razas ni categorías.

HÉCTOR CASTILLA

Literatura, música y algún vicio más

SerieB songs

En busca de la canción perfecta

Ciclotimia Zondica

Ciclos y Neurastenias en un mundo cruel

Sangre Española

Lo mejor de la música española del siglo XX

The Daily Post

The Art and Craft of Blogging

The WordPress.com Blog

The latest news on WordPress.com and the WordPress community.