Ciclos y Neurastenias en un mundo cruel

Más reciente

Alan Parsons Project – I Robot (1977-Reed.1984)

 

[Otras Músicas]

 

 

The Alan Parsons Project fue un grupo británico de rock progresivo formado en 1975 en Londres y activo hasta 1990. Liderado por el productor, ingeniero y compositor Alan Parsons y el productor ejecutivo, compositor y vocalista Eric Woolfson, en él participaron varios músicos de estudio y un grupo amplio de cantantes. En conjunto grabaron un total de 11 discos, acreditándose la mayoría de las canciones como Parsons/Woolfson, que lograron vender más de 50.000.000 de copias.

La mayoría de los discos de The Alan Parsons Project son álbumes conceptuales que comienzan con una canción instrumental que se fusiona con la segunda canción. También suele incluir una canción instrumental, en lo que sería el comienzo de la cara B, y finaliza con una canción energética y poderosa o melancólica y de tiempo lento. Una característica destacable es que en cada disco interpretan los temas varios cantantes invitados como Lenny Zakatek, John Miles, Gary Brookers, Chris Rainbow o Colin Blunstone, ejerciendo Eric Woolfson como cantante de manera esporádica. Por contra existe un grupo reducido y bastante estable de músicos de estudio que participaron con regularidad en las grabaciones como el arreglista y director de orquesta Andrew Powell, el guitarrista Ian Bairnson, el bajista y vocalista David Paton o el percusionista Stuart Elliot.

Alan Parsons y Eric Woolfson se conocieron en el verano de 1974 durante unas sesiones de trabajo en los Estudios Abbey Road. En aquel momento Parsons ejercía labores de ingeniero de sonido para Pink Floyd y por su parte Woolfson, letrista y compositor, era músico de estudio y estaba creando un disco inspirado en las obras de Edgar Allan Poe. Fruto de su encuentro decidieron unir sus talentos repartiéndose funciones: Parsons ejercería de productor y realizaría labores de ingeniería de sonido en las canciones compuestas por ambos. Su primera referencia se editó en mayo de 1976 “Tales of Mystery and Imagination”, que se convirtió en un éxito, alcanzando el Top40 de la lista Billboard.

El grupo lanzó diez discos más, con un gran cuidado en la producción y creatividad, como “I Robot” (1977). Gozó de gran popularidad entre 1980 y 1985 con los álbumes “The Turn of a Friendly Card” (1980) o “Eye in the Sky” (1982), “Ammonia Avenue” (1983) y “Vulture Culture” (1984). Algunas de sus canciones más destacadas son “Don’t Answer Me”, “Time”, “Eye in the Sky”, “Lucifer”, “Silence & I” o “Games People Play”. Hasta 2015 se han editado además 14 discos recopilatorios con las canciones de diferentes etapas.

«I Robot» es el segundo álbum de The Alan Parsons Project, grabado y mezclado en los Abbey Road Studios de Londres entre diciembre de 1976 y marzo de 1977, producido por Alan Parsons, y editado en junio de 1977 por Arista Records. En este álbum conceptual, inspirado en el conjunto de relatos cortos “Yo, Robot” del escritor ruso-estadounidense Isaac Asimov, se utilizan extensivamente las nuevas capacidades del sintetizador Moog de los estudios de la EMI, sello que fuese pionero en el uso de tales facilidades en el disco debut del mismo grupo, “Tales of Mystery and Imagination”.

Eric Woolfson realmente habló con Asimov, quien se mostró entusiasmado con la idea. Como ya se habían concedido los derechos a una empresa de televisión/cine, el título del álbum fue alterado ligeramente eliminando la coma, y el tema y las letras fueron hechas para tratar más genéricamente sobre robots en vez de específicas al universo Asimov.

La cubierta interior decía: “I Robot… The story of the rise of the machine and the decline of man, which paradoxically coincided with his discovery of the wheel… and a warning that his brief dominance of this planet will probably end, because man tried to create robot in his own image”. (“Yo Robot… La historia del ascenso de la máquina y el declive del hombre, que paradójicamente coincidió con su descubrimiento de la rueda… y una advertencia de que su breve dominio de este planeta probablemente terminará, porque el hombre trató de crear el robot a su propia imagen.”) El título de la canción final, “Génesis Ch.1 V.32”, sigue este tema por lo que supone una continuación de la historia de la creación, ya que el primer capítulo del Génesis sólo tiene 31 versículos.

Más de 30 años después, el sonido inigualable de la apertura del álbum nos dice que ciertas obras musicales son inmunes al paso del tiempo: “I Robot” podría bien pasar por un álbum grabado en el siglo XXI. Este es quizás, el legado más importante de esos años, el resistir las modas y el paso del tiempo, que es justamente lo que sin duda The Alan Parsons Project quiso lograr. “I Robot” llegó al puesto 9 en la lista Billboard norteamericana.

El álbum fue reeditado en formato CD por primera vez en 1984 por Arista Records en Europa. Este archivo corresponde a esta última reedición.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas compuestos por Alan Parsons y Eric Woolfson, excepto 9: Andrew Powell)
 

  1.  «I Robot» – 6:02
  2.  «I Wouldn’t Want to Be Like You» – 3:22
  3. «Some Other Time» – 4:06
  4. «Breakdown» – 3:50
  5. «Don’t Let It Show» – 4:24
  6. «The Voice» – 5:24
  7. «Nucleus» – 3:31
  8.  «Day After Day (The Show Must Go On)» – 3:49
  9.  «Total Eclipse» – 3:09
  10. «Genesis Ch. 1, V. 32» – 3:28

Calidad: FLAC

 

 

 

Anuncios

Cat Stevens – Teaser & The Firecat (1971-Reed.2004)

 

[Otras Músicas]

 

Yusuf Islam (nacido Steven Demetre Georgiou en Londres, el 21 de julio de 1948) es un músico británico más conocido por su antiguo nombre artístico, Cat Stevens. Hijo de madre sueca y de padre greco-chipriota, cuando tenía 8 años sus padres se separaron pero siguieron conviviendo como familia en la misma casa. Musicalmente es el heredero de una formación clásica pero también del amor por lo popular y por las danzas y canciones folclóricas griegas que escuchaba su padre. Su nombre (Cat Stevens) surgió porque su novia decía que tenía ojos de gato. Logró hacer su primer disco gracias a su hermano, que un día gritó a toda una calle que su hermano tenía gran talento y así lograron su primer contrato en EMI Music.

Con el nombre artístico Cat Stevens vendió millones de discos, especialmente entre los años 1960 y 1970. Sus tempranos álbumes de los 70, “Tea for the Tillerman” y “Teaser and the Firecat”, fueron ambos certificados triple platino en Norteamérica. Su estilo musical es melódico, entre el rock hippie y la balada pop, incluyendo toques folk de influencia tanto británica como griega.

Su álbum “Catch Bull at Four” de 1972 encabezó la lista Billboard 200 por tres semanas y estuvo en el tope de las listas de éxitos en Australia por quince semanas.​ Composiciones como “The First Cut Is the Deepest”, “Father and Son”, “Wild World”, “Peace Train”, “Moonshadow” y “Morning Has Broken” se han convertido en referentes del folk rock y han sido grabadas por una gran cantidad de artistas y bandas.

Después de una experiencia cercana a la muerte, alrededor de 1978, decidió convertirse al islam y abandonar la música. Es entonces cuando adoptó el nombre Yusuf Islam. Muchas de las canciones más famosas de Cat Stevens fueron publicadas en los años previos a su conversión al islam y él es cuidadoso respecto a sus derechos. Por ejemplo no ha permitido que sus canciones se usen en anuncios comerciales.

A sugerencia de Mijaíl Gorbachov le fue otorgado el premio Hombre por la Paz. Sin embargo, desde que dejó el mundo de la música, Yusuf Islam no ha dejado de cantar y grabar canciones religiosas (llamadas anachid). Actualmente sigue participando en conciertos junto con otros artistas con el fin de recaudar fondos para ayuda humanitaria. En 2007 recibió el premio Ivor Novello por su “extraordinaria colección de canciones”. Fue introducido en el Salón de la fama del Rock and Roll en 2014.

«Teaser and the Firecat» es el quinto álbum de estudio del cantautor británico Cat Stevens, grabado entre finales de 1970 e inicios de 1971, con producción de Paul Samwell-Smith, y editado en octubre de 1971 por Island Records. El álbum contiene las canciones “Morning Has Broken”, “Moon Shadow” y “Peace Train”, que lograron radiodifusión y fueron un éxito tanto en Europa como en Norteamérica. El disco fue un éxito comercial, superando en ventas al anterior álbum de Stevens, “Tea for the Tillerman”.

El álbum fue nº 1 en Australia, nº 2 en EUNA y nº 3 en Reino Unido, siendo certificado triple platino en Estados Unidos de Norteamérica y disco de oro en Gran Bretaña. En 2004, el álbum remasterizado fue incluido en la colección del diario El País “Los Discos de Tu Vida” y editado en colaboración con Island Records. Este archivo corresponde a esta reedición.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas compuestos por Cat Stevens, excepto indicado)

  1.   «The Wind» — 1:42
  2.   «RubyLove» — 2:37
  3.   «If I Laugh» — 3:20
  4.   «Changes IV» — 3:33
  5.   «How Can I Tell You» — 4:26
  6.   «Tuesday’s Dead» — 3:36
  7.   «Morning Has Broken» (letra de Eleanor Farjeon) — 3:22
  8.   «Bitterblue» — 3:13
  9.   «Moonshadow» — 2:52
  10.   «Peace Train» — 4:15

Calidad: FLAC

 

 

 

Luis Eduardo Aute – Lo Mejor (1986-Reed.1990)

 

[Otras Músicas]

 

Luis Eduardo Aute Gutiérrez-Répide (Manila, 13 de septiembre de 1943)​ es un músico, cantautor, director de cine, actor, escultor, escritor, pintor y poeta nacido en Filipinas y asentado en Madrid. Aunque es principalmente conocido como cantautor, también destaca como pintor y como director de cine. Habla las lenguas castellano, inglés, catalán, francés, italiano y tagalo.

En 1965 durante un viaje a Madrid conoce a la cantante Massiel. Al concluir el servicio militar en mayo del año siguiente vuelve a Madrid y viaja a São Paulo para participar en la Bienal de pintura con tres cuadros de gran formato. En Brasil descubre la música de Bob Dylan y Joan Báez y al regresar, animado por Massiel y bajo el influjo de Dylan, escribe cinco canciones: “Don Ramón”, “Made in Spain”, “Rojo sobre negro”, “Aleluya nº1” y “Rosas en el mar”, que en un principio ofrece a Massiel aunque finalmente ésta sólo llega a grabar la última, convirtiéndola en un éxito rotundo.

La versión de “Rosas en el mar” de Massiel fue un gran éxito, por lo que RCA decide publicar “Aleluya nº1” interpretada por Aute, mientras Zafiro la publica interpretada por Massiel. El tema es un rotundo éxito a nivel internacional, realizándose por diversos cantantes versiones en Checoslovaquia, Francia, Italia, Brasil, Japón e Hispanoamérica.

En 1972, RCA publica el recopilatorio “Álbum (1966-67)”, con temas ya publicados, y al año siguiente Rosa León publica su primer disco, en el que se incluyen siete canciones de Aute, como “Las cuatro y diez”, “De alguna manera” o “La secretaria ideal”.

Ante el éxito obtenido, y con la promesa de libertad absoluta por parte de la compañía discográfica y del productor y escritor José Manuel Caballero Bonald (incluyendo la no obligación de aparecer en televisión ni de dar recitales en público), Aute vuelve al mundo de la música como intérprete y ese mismo año de 1973 graba “Rito” para Ariola, que saldría al año siguiente y que constituye el primero de los discos de la trilogía “Canciones de amor y de muerte”.

En 1975 se edita “Espuma”, con el subtítulo “canciones eróticas” y cuya contraportada incluye sendas citas de Paul Éluard y Vicente Aleixandre. De este trabajo, que tuvo un considerable éxito, se extrajo el single “Anda”, una de sus canciones más conocidas. A continuación comienza a grabar los temas de su siguiente disco, “Sarcófago”. El tema de este nuevo trabajo es la muerte por lo que, al no ser un tema comercial, se ve obligado por la compañía de discos a grabar “Babel”, un trabajo más comercial que finalmente saldría en 1976, mientras que “Sarcófago” lo hace en 1977. “Babel” es una especie de divertimento satírico e irónico sobre la sociedad de la época, con críticas a los toros, el fútbol, la base americana de Torrejón, el consumismo…

En 1977 comienza a escribir las canciones de su disco “Albanta” y varios poemas para lo que sería su nuevo libro “La liturgia del desorden”. Las cantantes Marisol, Massiel, Ana Belén y Rosa León graban canciones escritas por él. En febrero de 1978 actúa en Albacete acompañado a la guitarra por Jos Martin en una fiesta organizada por el sindicato CNT y en la que también participan Chicho Sánchez Ferlosio, Jesús Munárriz y Moncho Alpuente. Ante el éxito obtenido, a la semana siguiente actúa en Cuenca.

A continuación graba “Albanta”, nombre inventado por su hijo Pablo para referirse a un país imaginario e ideal. El disco supone un giro en su carrera, ya que los arreglos están dirigidos a la interpretación en directo y es el que tiene sonidos más roqueros de toda su discografía, fruto de la dirección musical y los arreglos de Teddy Bautista. Incluye el tema “Al alba”, probablemente el más famoso y significativo de toda la carrera de Aute, dedicado a las víctimas de los últimos fusilamientos del franquismo pero que no obstante consiguió burlar la censura de la época. “A por el mar” es otro de los himnos de la época. En julio es invitado por el gobierno cubano a participar en el Festival Mundial de la Juventud de La Habana, donde canta con Pablo Milanés, Silvio Rodríguez y Amaury Pérez, miembros de la Nueva Trova Cubana.

En 1986 graba el doble disco, con título homenaje a Pablo Neruda, “20 Canciones de Amor y un Poema Desesperado”, en el que revisa veinte de sus más conocidos temas y que termina con un poema recitado acompañado a la guitarra por Paco de Lucía. Participa en la grabación en el Teatro Salamanca del disco en directo “Joaquín Sabina y Viceversa en directo”, dedicándole a Joaquín Sabina una canción titulada “Pongamos que hablo de Joaquín”.

Ese mismo año, 1986, Ariola edita el recopilatorio «Lo Mejor de Luis Eduardo Aute» en formato LP. Cuatro años después, en 1990, es reeditado en CD dentro de la colección “Vida Cotidiana y Canciones” que realiza Ediciones del Prado, con permiso de BMG Ariola. Este archivo corresponde a esta reedición.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas compuestos por Luis Eduardo Aute)

  1.   «Al Alba» – 4:57
  2.   «De Alguna Manera» – 3:48
  3.   «Lástima, Luis» – 5:12
  4.   «Pasaba por Aquí» – 3:36
  5.   «No Te Desnudes Todavía» – 4:31
  6.   «Cuando Duermes» – 6:24
  7.   «Las Cuatro y Diez» – 3:17
  8.   «Una de Dos» – 4:57
  9.   «Siento que Te Estoy Perdiendo» – 5:51
  10.   «Lentamente» – 5:00
  11.   «Dos o Tres Segundos de Ternura» – 5:18
  12.   «Anda» – 4:11

Calidad: FLAC

 

 

 

Resubidas Alternativas (XVI)

 

[Neurastenias]

 

 

 

Resubo hoy 8 archivos del Ciclo de Rock Alternativo. Espero que los disfrutéis y dejéis vuestros comentarios para que los archivos no mueran.

Y de paso actualizo números:
214 seguidor@s y 252.141 visitas totales.
Creciendo alternativamente.
¡Salud, ciclotímic@s!

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Ciclo de Rock Alternativo

 

 

The Clash – London Calling [1979-Reed.1999]

 

 

 

The Cure – Faith [1981-Reed.1985]

 

 

 

Echo & The Bunnymen – Bring on the Dancing Horses (Maxi) [1985]

 

 

 

Echo & The Bunnymen – Lips Like Sugar (Maxi) [1987]

 

 

 

Alien Sex Fiend – Another Planet [1988]

 

 

 

Celestial Season – Solar Lovers [1995]

 

 

 

Queens of the Stone Age – QOTSA (Special Edition) [1998-2011]

 

 

 

System of a Down – Hypnotize [2005]

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Astor Piazzolla – Adiós Nonino (1983-Ed.1998)

 

[Otras Músicas]

 

Astor Pantaleón Piazzolla (Mar del Plata, 11 de marzo de 1921 – Buenos Aires, 4 de julio de 1992) fue un bandoneonista y compositor argentino considerado uno de los músicos más importantes del siglo XX,​ y el compositor más importante de tango en todo el mundo.

Estudió armonía, música clásica y contemporánea con la compositora y directora de orquesta francesa Nadia Boulanger. En su juventud tocó y realizó arreglos orquestales para el bandoneonista, compositor y director Aníbal Troilo. Cuando comenzó a hacer innovaciones en el tango en lo que respecta a ritmo, timbre y armonía, fue muy criticado por los tangueros de la “guardia vieja”, ortodoxos en cuanto a ritmo, melodía y orquestación.

Cuando en los años 1950 y 1960 los tangueros tradicionales —que lo consideraban “el asesino del tango”— decretaron que sus composiciones no eran tango, Piazzolla respondió con una nueva definición: “Es música contemporánea de Buenos Aires”.​ A pesar de esto, en Argentina las estaciones radiodifusoras no difundían sus obras y los comentaristas seguían atacando su arte. Durante años, tangueros y críticos musicales lo consideraron un esnob irrespetuoso que componía música “híbrida”, con exabruptos de armonía disonante.

Piazzolla se defendía atacando: “Sí, es cierto, soy un enemigo del tango; pero del tango como ellos lo entienden. Ellos siguen creyendo en el compadrito, yo no. Creen en el farolito, yo no. Si todo ha cambiado, también debe cambiar la música de Buenos Aires. Somos muchos los que queremos cambiar el tango, pero estos señores que me atacan no lo entienden ni lo van a entender jamás. Yo voy a seguir adelante, a pesar de ellos.”

En 1955 volvió desde París a Buenos Aires, donde formó una orquesta de cuerdas con músicos argentinos, en la que cantó Jorge Sobral (para esta formación compone “Tres minutos con la realidad”, obra síntesis entre el tango y la música de Stravinsky y Bartók), y el famoso Octeto Buenos Aires, conjunto considerado como el iniciador del tango moderno, tanto por su instrumentación (incluía por primera vez una guitarra eléctrica en un conjunto de tango), como por sus novedades armónicas y contrapuntísticas (acordes con 13as. aumentadas, seisillos y fugas).

En 1958 disuelve ambas formaciones y se marcha a Estados Unidos de Norteamérica, donde graba los dos únicos discos de lo que él llamó el jazz-tango (los cuales actualmente son muy difíciles de encontrar).

En 1959, durante una actuación en Puerto Rico, junto a Juan Carlos Copes y María Nieves, recibe la noticia de la muerte de su padre, Vicente Nonino Piazzolla. Astor vuelve a Nueva York, donde vivía con su familia, y allí compuso “Adiós Nonino”, su obra más célebre, que conservaría la sección rítmica del anterior tango “Nonino”, más una sentida elegía de despedida, que se convertiría en un sinónimo de Piazzolla a lo largo de los años.

Su hijo, Daniel Piazzolla recordaba la creación de esta obra: “Papá nos pidió que lo dejáramos solo durante unas horas. Nos metimos en la cocina. Primero hubo un silencio absoluto. Al rato, oímos que tocaba el bandoneón. Era una melodía muy triste, terriblemente triste. Estaba componiendo «Adiós Nonino».”

Frustrado por el intento del jazz-tango, vuelve a Buenos Aires en 1960 y forma la agrupación que definiría su estilo musical definitivamente: el Quinteto Nuevo Tango, formado en su primera versión, por Piazzolla en el bandoneón, Jaime Gosis en piano, Simón Bajour en violín, Kicho Díaz en contrabajo y Horacio Malvicino en guitarra eléctrica.

Con esta agrupación daría a conocer Adiós Nonino y todas las composiciones que dieron forma a su estilo y que serían las más recordadas: Las Estaciones (Verano Porteño, Otoño Porteño, Invierno Porteño y Primavera Porteña), La Serie del Ángel (Introducción al ángel, Milonga del ángel, Muerte del ángel y Resurrección del ángel), La Serie del Diablo (Tango diablo, Vayamos al diablo y Romance del diablo), Revirado, Fracanapa, Calambre, Buenos Aires Hora Cero, Decarísimo, Michelangelo ´70 y Fugata, entre otros. Esa última pieza está basada en la obra del compositor alemán Johann Sebastian Bach.

En 1973 sufre un infarto que le obliga a reducir su actividad, por lo que se instala en Italia, en donde permaneció grabando durante cinco años. Durante esos años formó el Conjunto Electrónico, un octeto integrado por bandoneón, piano eléctrico o acústico, órgano, guitarra, bajo eléctrico, batería, sintetizador y violín (el cual posteriormente fue reemplazado por una flauta traversa o saxo). La formación fue integrada por reconocidos músicos italianos como Giuseppe Prestipino (Pino Presti), bajo eléctrico, Tullio De Piscopo, batería. Tiempo más tarde, Astor incorporaría al octeto al cantante José Ángel Trelles.

En 1974 graba, junto a una orquesta de músicos italianos, los álbumes “Summit”, con Gerry Mulligan, y “Libertango”, cuyo éxito lo hace conocido en Europa. En 1975, después del fallecimiento de Aníbal Troilo, Astor compone en su memoria una obra en cuatro movimientos a la que llamó Suite Troileana, la cual grabó junto al Conjunto Electrónico. A partir de 1978 volvió a trabajar junto al quinteto Nuevo Tango y retomó la composición de obras sinfónicas y piezas de cámara.

En sus últimos años de vida fue reivindicado por intelectuales, jazzistas y músicos de rock de todo el mundo, al igual que por nuevos referentes del tango, y actualmente se lo considera como uno de los músicos argentinos más importantes en la historia de su país. Compuso también música para cerca de 40 películas.

El 4 de agosto de 1990 en París, sufrió una trombosis cerebral cayéndose en el baño de un apart-hotel parisino. Fue internado con un infarto cerebral del que no se recuperó. Lo trasladaron a Buenos Aires el 12 de agosto, de la que finalmente fallecería dos años después en Buenos Aires el 4 de julio de 1992, a los 71 años.​ Sus restos están inhumados en el cementerio Jardín de Paz, en la localidad de Pilar. En 1995 la Fundación Konex le confirió el Premio Konex de Honor por su incalculable aporte a la música en la Argentina.

En octubre de 1983, Piazzolla y su orquesta actúan en el Palacio del Congreso de Lugano, actuación grabada por la Radiotelevizione del Svizzera Italiana y Rete 2. Esta grabación fue recogida más tarde (1998) por Milan Music y Warner Music para su edición en formato CD, con el título de «Adiós Nonino».

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas compuestos por Astor Piazzolla)
 

  1.  «Adiós Nonino» – 8:33
  2.  «Escualo» – 3:13
  3. «Verano Porteño» – 6:34
  4. «Libertango» – 4:04
  5. «Biyuya» – 6:06
  6.  «Fracanapa» – 3:36
  7.  «Lunfardo» – 5:40
  8. «Revirado» – 3:16
  9. «Caliente» – 4:34
  10. «Decarísimo» – 2:40
  11.  «Milonga del Ángel» – 6:18
  12.  «Muerte del Ángel» – 2:50
  13. «Resurrección del Ángel» – 6:30

Calidad: FLAC

 

 

 

Television – Marquee Moon [1977]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

Television es una banda estadounidense de rock formada en Nueva York a mediados de los años 1970.​ A pesar de haberse formado en medio de la eclosión del movimiento punk neoyorquino, el exquisito contrapunto guitarrístico entre su líder y vocalista Tom Verlaine y Richard Lloyd, así como su libertad a la hora de componer, hacen de esta banda un fenómeno artístico en sí mismo, libre de toda clasificación. Television fue la primera banda de rock que tocó en el famoso club CBGB, en el que posteriormente tocarían artistas como Patti Smith, Ramones, Blondie y Talking Heads, entre otras bandas importantes de punk y new wave.

El álbum debut del grupo, “Marquee Moon”, fue lanzado en 1977 y es considerado una obra maestra y un clásico.​ El grupo editó otro álbum al año siguiente titulado “Adventure”, tras el cual se separó, pero se volvió a juntar en 1992 para grabar un álbum autotitulado, y a pesar de volver a separarse, han realizado presentaciones en vivo ocasionalmente.​ A pesar de la calidad superlativa de su obra, Television nunca fue una banda muy popular, y solo con el paso del tiempo han sido justipreciados.

La banda originalmente se llamaba The Neon Boys y estaba conformada por Tom Verlaine, Billy Ficca y Richard Hell. Verlaine y Hell, (cuyos nombres reales son Thomas Miller y Richard Meyers respectivamente) se conocían desde que eran adolescentes. El grupo grabó algunos sencillos con esa formación entre 1972 y 1973. Ese último año, el grupo se reformó cambiando su nombre a Television, e incorporando a Richard Lloyd como segundo guitarrista.​ Lloyd se unió al grupo luego de ver una presentación en vivo del mismo y de hablar con el mánager del grupo, Terry Ork. También en 1973 Verlaine participó en el primer sencillo de Patti Smith, “Hey Joe”/”Piss Factory”, con quien además editó un libro de poesía titulado “The Night”.

«Marquee Moon», grabado en 1975 en los A & R Studios de Nueva York, con producción de Andy Johns y Tom Verlaine, y editado en mayo de 1977 por Elektra Records, es el primer álbum de estudio de la banda. Es considerado piedra angular del sonido neoyorkino y una obra maestra. Según el crítico Stephen Thomas Erlewine es un álbum “revolucionario” debido a sus “largas y entretejidas secciones instrumentales”. El sonido de “Marquee Moon” por momentos se acerca al punk (Television fue una de las bandas más importantes de la escena de Nueva York y del club CBGB), pero con ciertos aspectos más cercanos al art rock. El centro de atención es la forma en que se entrelazan las guitarras de Tom Verlaine y Richard Lloyd.

Si bien al momento de su lanzamiento, el álbum alcanzó el puesto número 28 en la lista británica, el álbum no ha vendido muchas unidades en Estados Unidos de Norteamérica, haciendo de “Marquee Moon”, sin embargo, un álbum de culto y uno de los más importantes de la escena de Nueva York. El álbum fue un éxito en el underground y entre la crítica,​ pero no entre el público estadounidense (a pesar de que la banda salió de gira con Peter Gabriel), aunque tuvo éxito en las listas de Reino Unido, en donde llegó al puesto 28, con la ayuda del single “Prove It” y de una gira con Blondie. La foto de la tapa del álbum fue tomada por Robert Mapplethorpe, un fotógrafo que también sacó la foto de la tapa del debut de Patti Smith, “Horses”.

En 2003 el álbum fue considerado por el New Musical Express como el cuarto mejor disco de todos los tiempos, en el mismo año la cadena televisiva VH1 lo colocó en puesto número 83 de los mejores discos de la historia. Pitchfork Media lo colocó como el tercer mejor disco de la década del 70.

Fuente: Wikipedia

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas compuestos por Tom Verlaine)

  1.     «See No Evil» – 3:56
  2.     «Venus» – 3:48
  3.     «Friction» – 4:42
  4.     «Marquee Moon» – 9:57
  5.     «Elevation» – 5:07
  6.     «Guiding Light» – 5:35
  7.     «Prove It» – 5:02
  8.     «Torn Curtain» – 7:00

Calidad: 320 Kbps (a 48000 Hz)

 

 

Gracias al compañero 3nd3r por el archivo flac que ripeé a mp3 de máxima calidad.

 

 

 

Vacaciones (Resubidas)

 

[Neurastenias]

 

 

 

Como el número de seguidor@s ha caído últimamente de 226 a 211, los comentarios son inexistentes por completo aunque los archivos siguen descargándose, voy a tomarme unas justas y merecidas vacaciones. Haré algún viaje y sacaré de mi cabeza el estrés del trabajo remunerado y éste del blog, aunque haya por ahí algún listillo que habla sin saber del tema sobre lo que es trabajo y lo que es poco menos que robo descarado.

Calculo que me tomaré en torno a dos meses de descanso. Si a mi regreso no veo comentarios de ninguna índole suficientes para mantener este empeño de Ciclotimia, no me molestaré en continuar la tarea o bien lo haré cuando me dé la real gana. Me cansé, compañer@s.

Para no dejar un agrio sabor de boca con esta despedida temporal, resubo hoy 12 archivos de los ciclos musicales del blog. Espero que los disfrutéis antes de vuelvan a caer por falta de comentarios.

Salud y hasta la vista.

 

 

 

 

 

 

Números de Ciclotimia: 211 seguidor@s y 250.207 visitas totales.

 

 

 

 

 

Ciclo de Rock Alternativo

 

 

 

Throwing Muses – Throwing Muses [1986]

 

 

 

Throwing Muses ‎– Chains Changed (EP) [1987-Reed.1998]

 

 

 

Elastica – Elastica [1995-Reed.1996]

 

 

 

30 Seconds to Mars – 30 STM [2002]

 

 

 

 

 

Ciclo de Rock Ibérico

 

 

 

Kaka de Luxe – Las Canciones Malditas (1978-1983)

 

 

 

Ishinohana – La Flor de Piedra (1986)

 

 

 

La Polla Records – No Somos Nada (1987-Reed.1994)

 

 

 

Joaquín Sabina – Hotel, Dulce Hotel (1987)

 

 

 

 

 

Otras Músicas

 

 

 

Ian McCulloch – September Song [Maxi] (1984)

 

 

 

 

 

Ciclo de Rock Latinoamericano

 

 

 

La Renga – Bailando en Una Pata [1995]

 

 

 

Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota – Luzbelito [1996]

 

 

 

Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota – Último Bondi a Finisterre [1998]

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Resubidas Latinoamericanas (IV)

 

[Neurastenias]

 

 

Han ido cayendo algunos archivos del ciclo más joven de Ciclotimia durante estos últimos meses, así que hoy reintegro estos siete álbumes (seis, pero uno doble) a su lugar de importancia en el Ciclo de Rock Latinoamericano, al que guardo especial cariño tanto por ser el benjamín de la casa como por albergar verdadera buena música.

De paso, actualizo datos: 213 seguidor@s y 249.435 visitas totales a este espacio libre. No está nada mal: a pesar del parón en comentarios en estos últimos meses y el descenso de seguidor@s, los números siguen subiendo en visitas.

Espero que disfrutéis de estos archivos que pongo de nuevo a vuestra disposición y que paséis un buen fin de semana rockero.

Salud, ciclotímic@s.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Ciclo de Rock Latinoamericano

 

 

Almafuerte – Del Entorno [1996]

 

 

 

Catupecu Machu ‎– Dale! [1997]

 

 

 

Soda Stereo – El Último Concierto [1997]

 

 

 

Andrés Calamaro – Alta Suciedad [1997]

 

 

 

Divididos – Gol de Mujer [1998]

 

 

 

Los Piojos – Azul [1998]

 

 

 

 

 

 

 

Divididos – Narigón del Siglo [2000]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

Divididos es una banda argentina de rock, fundada en 1988 en Hurlingham (provincia de Buenos Aires) por Ricardo Mollo y Diego Arnedo, ex-integrantes de Sumo, cuando ésta se disolvió por la muerte de su líder, Luca Prodan. En sus trabajos han incursionado en estilos musicales locales como el folklore. Ha sido galardonada en múltiples ocasiones tanto de forma grupal como individual. En el 2011 fue hacedora del Premio Gardel de Oro (la distinción más destacada de la música nacional) en reconocimiento a su exitosa trayectoria, premio que ha sido entregado sólo catorce veces a distintos artistas tales como Charly García, León Gieco, Mercedes Sosa y Gustavo Cerati, entre otros.

Tras la disolución de Sumo debido a la muerte de su cantante Luca Prodan el 22 de diciembre de 1987, el resto de sus integrantes Ricardo Mollo, Diego Arnedo, Roberto Pettinato, Alberto “Superman” Troglio y Germán Daffunchio deciden reflexionar acerca del futuro de la banda. Daffunchio y Timmy Mackern (productor de Sumo y amigo de Luca) vuelven a las sierras cordobesas y el resto de la banda se queda ensayando en una sala de El Palomar. El 5 de marzo de 1988, ya sin Luca Prodan en escena, Sumo se presenta en el Chateau Rock, con Daffunchio, Mollo, Pettinato, Arnedo y Troglio.

Ricardo Mollo (guitarra) y Diego Arnedo (bajo), junto al baterista Gustavo Collado (ex La Sobrecarga) forman «La División» que luego cambiaría de nombre para pasar a ser «Divididos». Ellos se juntan por primera vez en la casa de Poppy Manzanedo, donde vivía Gustavo Collado, Manzanedo fue el primer manager que tuvo Divididos, firmó el contrato con CBS para grabar su primer disco, “40 Dibujos Ahí en el Piso”.

«Narigón del Siglo», titulado originalmente “Narigón del siglo, yo te dejo perfumado en la esquina para siempre”, es el sexto álbum de estudio editado por la banda de rock argentina Divididos, lanzado en el año 2000 por la discográfica BMG.​ El mismo fue grabado en los estudios Abbey Road de Londres y marcaría una etapa de maduración para la banda, además de ser uno de sus discos más populares y aclamados tanto por los fans de la banda como los críticos.

Los dibujos de la portada fueron hechos por el bajista Diego Arnedo y el arte estuvo a cargo del diseñador Alejandro Ros. En cuanto al nombre del trabajo, Ricardo Mollo dijo lo siguiente: “Le pusimos Narigón del siglo porque los que marcaron los 80 y los 90 fueron los narigones, o sea, los mentirosos y los que toman cocaína. Lo de narigón es nuestro símbolo para hablar del vicio y la hipocresía de estos últimos años.”

Varios de sus temas se convertirían en himnos para el grupo. “Casi estatua” con una introducción hindú y una potencia demoledora abre el disco con mucha energía y sirve de aviso para lo que esta por venir, bajando unos desniveles le sigue la acústica “Par mil” uno de los cortes de difusión que más sonó en las radios en ese entonces, a continuación. “Spaghetti del rock”, una canción de amor dedicada a su ex Erica García y un verdadero clásico de Divididos y hasta del rock nacional. Algunos creen que está dedicada a Érica. Otros piensan que esta canción hace referencia a los medios de comunicación y a cómo estos interactúan con el mundo de la música; es decir, cómo los medios ven el beneficio propio a través de los artistas. Una tercera interpretación es que la canción hace referencia a ambos temas, y en especial a un documental sobre la vida de Luca Prodan que la banda no apoyó.

“Narigón del Siglo” recibió buenas críticas en su totalidad y paso a convertirse en uno de los mejores discos de la carrera de “La aplanadora del rock” y de todo el rock nacional de la década pasada. En el año 2007, la revista Rolling Stone de Argentina lo ubicó en el puesto 70.º de su lista de «Los 100 mejores álbumes del rock argentino»,​ aunque ascendió al puesto 69.º en la versión actualizada de la lista en 2013. Además la canción “Spaghetti del rock” fue elegida como la mejor de la década en una encuesta realizada por la revista Rolling Stone.

 
Fuente: Wikipedia / Zonde
 

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas compuestos por Diego Arnedo y Ricardo Mollo, excepto indicados)

  1. «Casi Estatua» (Mollo, Arnedo, Araujo) – 3:42
  2. «Par Mil» – 3:17
  3. «Tanto Anteojo» – 3:04
  4. «Qué Pasa Conmigo» – 4:02
  5. «Spaghetti del Rock» – 3:32
  6. «Elefantes en Europa» – 3:25
  7. «Vida de Topos» (Mollo, Arnedo, Araujo) – 5:03
  8. «La Ñapi de Mamá» (Mollo, Arnedo, Araujo) – 5:21
  9. «Como un Cuento» (Mollo, Arnedo, Araujo) – 4:46
  10. «Sopa de Tortuga» – 3:35
  11. «Pasiones Zurdas Derechas» (Mollo, Arnedo, Araujo) – 3:46
  12. «La Gente se Divierte» – 4:43
  13. «La Firma del Opa» – 1:56

Calidad: WAV

 

 

 

Las Mejores Portadas del Rock Alternativo [II] (1976-1980)

 

[Neurastenias]

 

 

Doy seguimiento al mejor arte gráfico en las cubiertas de los discos, en esta ocasión con el Rock Alternativo entre 1976 y 1980, un periodo de buenas fotografías e ilustraciones, y un excelente gusto estilístico que se plasmó en las portadas musicales, haciendo más atrayente su contenido.

Seguramente mi selección, extrictamente personal y subjetiva, atendiendo a mis propios gustos, cause disenso entre l@s seguidor@s ciclotímic@s, así que sería conveniente que me dijérais cuáles habríais elegido. Os animo a elaborar vuestras propias listas.

Más adelante continuaré avanzando sobre este tema con nuevas listas, no sólo del Rock Alternativo, sino del Ibérico también. Saludos y espero que disfrutéis esta selección visual.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

HÉCTOR CASTILLA

Literatura, música y algún vicio más

SerieB songs

En busca de la canción perfecta

Ciclotimia Zondica

Ciclos y Neurastenias en un mundo cruel

Sangre Española

Lo mejor de la música española del siglo XX

The Daily Post

The Art and Craft of Blogging

The WordPress.com Blog

The latest news on WordPress.com and the WordPress community.