Ciclos y Neurastenias en un mundo cruel

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Almen TNT – Maqueta + Single (1978-79)

 

[Ciclo de Rock Ibérico]

 

Almen TNT fue un grupo de rock urbano y proto-punk procedente de Mataró (Barcelona, Catalunya) que se sitúa en los albores de la década de los ochenta, siendo fundado en 1978, con Manolo Almen (voz), Jordi Marqués (guitarra), Joan Rectoret (bajo) y Juan Carlos Moreno “Dumba” (batería).

Almen, compositor y cantante con un talante reivindicador y con ganas de hacerse escuchar, se desplazó hasta Mataró en busca de músicos de sesión para materializar sus ideas musicales. Allí contactó con Jorge Marqués, guitarrista muy conocido en el ámbito del rock capitalino, ya que provenía del popular combo Hot Panotxa, grupo que participó en la versión catalana del “Viva el Rollo. Vol. 3”, un disco editado por la filial de Zafiro, Chapa Discos, con el no menos popular Mariscal Romero al mando. A su vez, también contactó al baterista Juan Carlos Moreno, a la sazón compañero de Jordi en Hot Panotxa, y con Joan Rectoret, prestigioso bajista por aquellos entonces, todavía activo hoy en día.

Fue uno de los primeros ejemplos de independentismo discográfico aunque demasiado “underground” para ser reconocido como tal. Manolo Almen y su grupo ocasional TNT publicaron una «Maqueta» en 1978 y, ya en el invierno de 1979, un single editado por EDA, «Ya Nadie Cree en la Revolución», en cuya cara B aparece “Ogro de Ciudad”. La presentación del disco se hizo en la sala Mágic de Barcelona, obteniendo críticas en diferentes direcciones por la prensa musical de aquel momento.

Un pintoresco y anacrónico “rock de protesta” que cayó en oídos sordos en la Barcelona de aquellos días y que también rubricó la desaparición de sus responsables. Como dato curioso, reseñar que en la Wikipedia inglesa, Almen-TNT consta como el primer grupo punk español.

Fuente: Nueva Ola 80 / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Esperando en Canaletas» – 4:19
  2. «Autostop» – 5:33
  3. «Gusanos de Gruyere» – 5:21
  4. «Ogro de Ciudad» – 4:53
  5. «Ya Nadie Cree en la Revolución» (single) – 3:56
  6. «Ogro de Ciudad» (single) – 4:37

Calidad: 128 Kbps

 

 

Gracias al blog Sangrespañola por este archivo.

 

 

 

Ana Popovic – Trilogy (2016)

 

[Otras Músicas]

 

Ana Popović, nacida en 1976 en Belgrado (Serbia) y emigrada a Memphis (Tennessee, EUNA) en 2012, es una virtuosa guitarrista y cantante de blues-rock. Su padre la introdujo en la música blues y comenzó a tocar la guitarra cuando tenía quince años. Alrededor de 1991 Ana sucumbe inevitablemente a los encantos de la guitarra. Su padre sigue ayudándola, pero se da cuenta de que el don natural de su hija para tocar el instrumento va más allá de sus propias habilidades y, aunque la familia no es rica, sus padres hacen lo imposible para que asista a clases particulares de guitarra, en las que Ana se deja el alma, sorprendiendo a su maestra con su progreso y el rápido desarrollo de un estilo propio.

En 1995 formó la banda Hush con Rade Popović (guitarra, voz), Milan Sarić (bajo) y Bojan Ivković (batería), con un estilo rhythm and blues, pero también incorporando elementos de funk y soul en su sonido. Durante 1996, Hush realizó giras por Yugoslavia y Grecia, y gracias a su directo en el Marsoni Blues Festival de Senta, Hush obtuvo la invitación para actuar en el Fifth International Blues, Jazz, Rock and Gastronomic Festival de Hungría, parte de cuya actuación fue incluida en un álbum en directo editado para celebrar el festival.

A lo largo de 1998, Hush tuvo más de 100 shows, tocando en clubs de blues y festivales del género, mientras registraban su álbum debut, “Hometown”, grabado en Studio Akademija y mezclado en VELJAM Studio, con producción de Aleksandar Radosavljević, y editado por el sello yugoslavo PGP-RTS en 1998. Contó con la colaboración de artistas invitados como Vojno Dizdar (piano y órgano), Petar “Pera Joe” Miladinović (armónica), Aleksandar Tomić (saxofón tenor) y Predrag Krstić (trompeta). Además de canciones propias, el disco incluye también versiones de algunos temas reputados del blues.

A finales de 1998, Popović fue a Utrecht (Holanda) para estudiar guitarra blues-jazz, lo que provocó el final de la banda Hush y el posterior inicio de la carrera en solitario de Ana, que comenzó un año después con la formación de su banda de acompañamiento en Holanda. En 2000, apareció junto a Eric Burdon, Taj Mahal, Buddy Miles, Double Trouble, Eric Gales y otros, en el álbum de tributo a Jimi Hendrix “Blue Haze: Songs of Jimi Hendrix” con una versión del tema “Belly Button Window”.

En 2001, apareció su álbum debut en solitario, “Hush!”, editado por el sello alemán Ruf Records. El álbum fue grabado en Memphis, con los miembros de la Ana Popović Band, así como otros músico de estudio. Fue producido por Jim Gaines, quien anteriormente trabajó con Carlos Santana, John Lee Hooker, Alexis Korner y otros grandes músicos. El álbum incluye a Bernard Allison como invitado y mostró ser exitoso, por lo que Popović abandonó sus estudios de guitarra para dedicarse exclusivamente a su actividad musical como profesional.

En 2003, Popović lanzó su segundo álbum en solitario, “Comfort to the Soul”, editado por el sello alemán Ruf Records. El álbum, grabado en Memphis y producido por Gaines, ofreció una fusión de blues, rock, soul y jazz. Durante el mismo año, en el Festival de Rhythm & Blues en Bélgica, fue invitada por Solomon Burke a unirse a él en el escenario, después de lo cual ella se unió a él en el resto de la gira como invitado.

Tras un disco en directo grabado en enero de 2005 en su actuación en el club Melkweg de Amsterdan y editado ese mismo año, titulado “Ana!”, en 2007 Popović publica con el sello norteamericano Eclecto Groove Records su tercer álbum de estudio, “Still Making History”, en el que vuelve a retomar su estilo característico de blues, rock y soul. El trabajo cuenta con un bonus consistente en la versión blues del primer tema del disco.

Con producción de Mark Dearnley, Tony Braunagel y Ana Popović, graba en California su cuarto álbum de estudio, “Blind for Love”, segundo disco producido en EUNA y editado de nuevo por el sello Eclecto Groove Records en 2009. El quinto álbum de estudio de Ana Popović en solitario, “Unconditional”, fue grabado en febrero de 2011 en Nueva Orleans (Louisiana) y editado de nuevo por el sello Eclecto Groove Records en agosto de 2011. Al igual que “Still Making History”, “Unconditional” alcanza el nº 1 en el Billboard Blues Chart estadounidense.

El séptimo álbum de estudio de Ana Popović en solitario, “Can You Stand the Heat”, grabado en Memphis y mezclado en Nashville, ambas de Tennesse, donde la guitarrista y cantante se trasladó a vivir, fue editado por el sello holandés ArtisteXclusive Records en marzo de 2013. En este disco aparece una versión del tema de los Rolling Stones “Rain Fall Down”.

«Trilogy» es el octavo álbum de estudio de Ana Popović en solitario, un álbum triple grabado en diversos estudios estadounidenses, con producción de Warren Riker, Ana Popović, Tom Hambridge, Cody Dickinson y Delfeayo Marsalis, y editado por el sello holandés ArtisteXclusive Records en mayo de 2016. Popović escribió o co-escribió la mayoría de las canciones de los tres discos (15 de los 23 temas). Colaboraron en su grabación muchos grandes artistas invitados, como el guitarrista Joe Bonamassa, el guitarrista de lap steel Robert Randolph, el rapero Al Kapone y los bateristas Bernard Purdie y Cody Dickinson (de North Mississippi Allstars).

El álbum se divide en tres discos, con tres estilos diferentes. El CD-1 (“Morning”) es su álbum soul, funk y R & B, producido por el ganador del premio Grammy Warren Riker y por Popović, y grabado en Esplanade Studios (Nueva Orleans, Louisiana), Royal Studios y Music + Arts Studio (Memphis, Tennessee), The Switchyard (Nashville, Tennessee), y Full Sail Studio (Orlando, Florida). Además de los fuertes trabajos de guitarra de Popović, “Morning” utiliza multitud de cuernos y piano, y presenta a Joe Bonamassa como guitarrista invitado en “Train”, terminando la canción con un smoking outro.

El CD-2 (“Mid-Day”) contiene el blues rock más típico en la música de Popović. Las canciones fueron grabadas y producidas por varias personas en diferentes lugares. Fue grabado por Warren Riker en Esplanade Studios, Nueva Orleans en Louisiana, por Tom Hambridge en The Switchyard, Nashville en Tennessee, y por Cody Dickinson en el rancho Zebra cerca de Memphis en Mississippi. Popović incluye una canción de duelo de guitarra “Woman to Love”, donde ella se dueló a sí misma a través de la magia de doble rastreo. El disco contiene un dúo conmovedor con Alphonzo Bailey, más conocido como el rapero Al Kapone.

Finalmente el CD-3 (“Midnight”) explora las tendencias jazzísticas de Popović. Este disco tiene más versiones que cualquiera de los otros, ya que cubre una canción de Tom Waits, un tema de Duke Ellington y también una canción de Billie Holiday. El disco de jazz fue grabado en Esplanade Studios, New Orleans en Louisiana, por Delfeayo Marsalis, y utiliza una variedad de saxofones, bajo acústico y batería, con Kyle Roussell en el piano. Popović probó una nueva guitarra para “Midnight”, usando un Gibson ES-175 para los números de jazz en lugar de su Strat habitual, que utiliza para el rock y el blues. Ella también adaptó su voz al jazz, dejando los gruñidos y los gritos de los dos primeros discos y cambiando a canturreo, desprendiendo un ambiente nocturno ahumado.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas de Ana Popović, excepto indicados)

 

CD-1 (“Morning”):

  1. «Love You Tonight» – 4:04
  2. «She Was a Doorman» (Popović, Shannon Sanders) – 4:03
  3. «Show You How Strong You Are» (Popović, Tommy L. Sims) – 3:23
  4. «Fencewalk» (Carlos Wilson, Louis Wilson, Ric Wilson, Skip Scarborough) – 4:21
  5. «Train» [con Joe Bonamassa] – 4:57
  6. «If Tomorrow Was Today» – 5:15
  7. «Long Road Down» – 4:32
  8. «Hook Me Up» [con Robert Randolph] (Johnny “Guitar” Watson) – 4:37
  9. «Too Late» – 5:26

CD-2 (“Mid-Day”):

  1. «You Got the Love» (Chaka Khan, Ray Parker Jr.) – 5:28
  2. «Johnnie Ray» (Popović, Kevin Bowe) – 3:46
  3. «Woman to Love» (Curtis Mayfield) – 3:19
  4. «Let’s Do It Again” [con Al Kapone] – 3:51
  5. «Who’s Yo’ Mama» – 3:18
  6. «Wasted» (Popović, M. van Meurs) – 2:18
  7. «Crying for Me» – 3:09

CD-3 (“Midnight”):

  1. «New Coat of Paint» (Tom Waits) – 3:27
  2. «Waiting on You» – 4:32
  3. «In a Sentimental Mood» (Duke Ellington, Manny Kurtz) – 3:39
  4. «Old Country» (Curtis Reginald Lewis, Nat Adderley) – 3:46
  5. «Waiting on You (Double-Time Swing)» – 3:59
  6. «Heaven’s Crying aka Song for the Next Generation» (Popović, M. van Meurs, K. Bowe, Cindy Scott) – 4:00
  7. «You Don’t Know What Love Is» (Don Raye, Gene de Paul) – 4:45

Calidad: 320 Kbps

 

 

 

Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota – Luzbelito [1996]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota (o simplemente Los Redondos) fue un grupo argentino de rock, formado en la ciudad de La Plata en 1976 y liderada por Carlos Alberto «Indio» Solari y Eduardo «Skay» Beilinson. En 1978 realizaron su primera presentación en Buenos Aires, con el reconocido guitarrista Conejo Jolivet, quien oficiaba de la primera guitarra, y el tecladista Roddy Castro quien además facilitó su lugar en las míticas salas de ensayo del subsuelo de la Av. Corrientes casi Av. 9 de julio. Posteriormente siguieron tocando en teatros underground hasta 1979, año en el que la banda decidió interrumpir momentáneamente sus shows. En 1981 el grupo retomó el rumbo de los pubs, para llegar a grabar su primer demo profesional en 1982, registradas en RCA en el demo “Demos RCA + Festival Pan Caliente”, que logran una importante difusión en las emisoras FM porteñas.

La banda creó con su música una original estética del rock, alcanzando masividad sin entrar en el circuito cultural oficial; manteniéndose independiente al margen de la industria musical durante sus 25 años de actividad y transformándose en la única banda (junto con La Renga) que, por principios, jamás se apoyó en los medios para difundir su trabajo. En general los recitales eran promovidos por el “boca en boca”. Por este motivo siempre fue una banda que estuvo al margen de festivales, reconocimiento mediático o premiaciones, sólo la Fundación Konex reconoció su trayectoria en 1995 con un Diploma al Mérito y en 2005 con el Premio Konex de Platino a la mejor banda de rock de la década, compartido con Divididos.

Considerada como una de las bandas más importantes del rock argentino y una de las más influyentes del rock en castellano, su obra siempre estuvo marcada por las metáforas en sus letras, la cultura, el vanguardismo en su puesta en escena y un imperante misticismo en sus obras gráficas. Representa un paradigma contracultural, reforzado y marcado por su producción independiente. Su influencia se ve en bandas como La Renga, Callejeros, Los Piojos, Los Gardelitos, Salta la Banca, El Bordo, La Beriso, Las Pastillas del Abuelo o Árbol.

Musicalmente, se destacan por sus instrumentales sumamente creativos, por una primera guitarra siempre presente ―ejecutando riffs y solos― en combinación con la voz y con agregados de otros instrumentos, tales como el saxofón, el violín, la trompeta, el piano, la armónica o percusión en varias de sus canciones.

«Luzbelito» es el séptimo álbum de estudio de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, grabado en Be Bop (San Pablo) y New River, Fort Lauderdale y El Pie (Buenos Aires) entre finales de 1994 y 1995, con producción del propio grupo, y publicado en 1996 por Del Cielito Records. Es uno de sus álbumes más oscuros y una de sus más polémicas obras, y a la vez uno de los más populares. Se trata un disco conceptual que, a través de la idea de un ficticio hijo del Demonio llamado Luzbelito, juega con las ambigüedades de las creencias y comportamientos humanos desde distintos puntos de vista. La edición argentina de la revista Rolling Stone ubicó al disco en el puesto 88 entre los 100 mejores discos del rock nacional. También “Mariposa Pontiac” fue considerado por Rock.com.ar como la 3° canción más destacada del rock nacional.

El álbum llevó más tiempo de producción que los anteriores, además de usar más estudios de grabación, destacando los temas “Luzbelito y las sirenas”, “¡Me matan, limón!”, “Juguetes perdidos” y “Mariposa Pontiac/Rock del País”, este último, junto con “Blues de la libertad”, fueron compuestos durante la primera época del grupo. Estos fueron compuestos incluso antes del lanzamiento del álbum “Gulp”, por lo que no comparten el estilo del resto del CD. Inicialmente, este álbum iba a estar compuesto por temas inéditos de la banda, pero el Indio Solari, en sus tiempos libres, comenzó a escribir canciones que tacharon casi todas las canciones del proyecto, quedando así estos dos únicos temas inéditos.

Musicalmente, el álbum cuenta con una atmósfera sombría y oscura, opresiva en ciertos pasajes, aunque con ciertos temas festivos. Es también el primer álbum de Los Redondos en ser vendido sin la tradicional caja plástica de los CD de audio, usando en cambio una presentación en caja de cartón y un elaborado mini-libro con ilustraciones alegóricas creadas, como en todos los discos de la banda exceptuando “En Directo”, por el artista Rocambole.

Sus seguidores, que se suelen identificar como “las bandas”, reclamaban la presencia del grupo sobre algún escenario. Por lo tanto, en junio de ese año (1996) se fija la cita en discoteca Go! de Mar del Plata. En esa oportunidad, el público llegó a la ciudad desde muy temprano y desde Buenos Aires se organizó la salida de los famosos “trenes ricoteros”. Finalmente ese año cerrarían con dos fechas en el mes de octubre los días 26 y 27 en el Estadio Polideportivo de Mar del Plata y en el Estadio 15 de abril de Unión de Santa Fe el día del cumpleaños de la banda, 28 de diciembre.

La polémica los vuelve a encontrar cuando la banda fue víctima de un acto de censura a raíz de un decreto del intendente de Olavarría (Eseverri), que prohibió los recitales programados para el 16 y 17 de agosto de 1997. La excusa oficial fue el temor a que se desataran hechos de violencia por parte de su audiencia, como era habitual. Tal situación hizo posible que la banda brinde una conferencia de prensa televisada en directo por primera vez en su vida, explicando las razones y dando la nueva fecha y lugar de los recitales. Finalmente el show se realizó sin incidentes en Tandil ante 21.000 personas, que soportaron una intensa lluvia durante todo el concierto.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas compuestos por Beilinson/Solari)

  1.  «Luzbelito y las Sirenas» – 4:06
  2. «Cruz Diablo!» – 4:13
  3. «Ella Baila con Todos» – 4:59
  4. «Fanfarria del Cabrío» – 5:09
  5. «Nuotatori Professionisti» – 4:41
  6. «Blues de la Libertad» – 5:00
  7. «La Dicha No Es una Cosa Alegre» – 5:35
  8. «Me Matan Limón!» – 3:35
  9. «Rock Yugular» – 7:04
  10. «Mariposa Pontiac – Rock del País» – 4:48
  11. «Juguetes Perdidos» – 7:10
Calidad: FLAC

 

 

 

Smashing Pumpkins – Mellon Collie & The Infinite Sadness [1995]

[Resubida Mejorada]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

The Smashing Pumpkins fue una banda estadounidense de rock alternativo formada en Chicago, Illinois, en 1988. Fundada por el vocalista Billy Corgan (voz, guitarra) y James Iha (guitarra rítmica), ellos incluyeron a Jimmy Chamberlin (batería), y D’arcy Wretzky (bajo), armando su formación original. La banda ha sufrido muchos cambios en su formación a lo largo de su existencia.

Repudiando las raíces musicales de punk rock de muchos contemporáneos del rock alternativo, los Pumpkins tienen un sonido diverso, densamente escalonado y pesado que se adhiere a un punk influido en filosofía en términos de entrega musical, que contiene elementos de rock gótico, heavy metal, dream pop, rock psicodélico, rock progresivo, shoegazing y electrónica en sus últimas grabaciones. Corgan es el compositor principal del grupo — sus grandes ambiciones musicales y sus letras catárticas le han dado forma a la banda y a sus canciones, que han sido descritas como “informes angustiados, magullados de un mundo de pesadillas de Billy Corgan”.

Smashing Pumpkins irrumpió en el mainstream musical con su segundo álbum, “Siamese Dream” de 1993. El grupo construyó su audiencia con extensas giras y su seguimiento de 1995, el doble álbum “Mellon Collie and the Infinite Sadness”, que debutó en el número uno en la lista Billboard 200. Con 20 millones de álbumes vendidos en EUNA, los Smashing Pumpkins eran una de las bandas más comercialmente exitosas y aclamadas por la crítica de la década de 1990. Sin embargo, las luchas internas, el uso de drogas y la disminución de las ventas de discos condujeron a su ruptura en 2000.

Durante 1995, Corgan se encierra en su apartamento y escribe 56 canciones para su nuevo álbum. Después de esta muestra de creatividad de Corgan, los Smashing se meten en el estudio para grabar su siguiente álbum, que Corgan describió como el “The Wall de los años 90”, en comparación con el afamado álbum doble conceptual de Pink Floyd. El resultado de esta explosión creativa es su tercer álbum de estudio, «Mellon Collie and the Infinite Sadness», un álbum doble de 28 canciones que debutó en el primer lugar del ranking Billboard de octubre de 1995, llegando a vender dieciséis millones de copias en el mundo y conseguir nueve discos de platino, convirtiéndose en el álbum doble más vendido de la década en ese momento.

Grabado entre marzo y agosto de 1995 en varios estudios de Chicago y mezclado en Los Ángeles, con producción del líder de la banda Billy Corgan junto a Flood y Alan Moulder, el álbum fue editado en octubre de 1995 a través del sello Virgin Records. El álbum contiene una gran diversidad de estilos, además de incorporar más peso musical por parte de la bajista D’arcy Wretzky y el segundo guitarrista James Iha que en los trabajos previos.

“Mellon Collie and the Infinite Sadness” es un álbum conceptual suelto, con la intención de que las canciones se unan de forma conceptual como símbolo del ciclo de la vida y la muerte. Billy Corgan dijo que el álbum está basado en “la condición humana de la pena mortal”. La naturaleza expansiva del álbum hace que se utilicen varios estilos distintos en sus canciones, contrastando con lo que algunos críticos describieron como “un sabor dimensional” de los dos álbumes previos. Se utiliza una variedad mucho más amplia de instrumentación, como piano (“Mellon Collie and the Infinite Sadness”), sintetizadores y loops de batería (“1979”), una orquesta (“Tonight, Tonight”), MIDI (“Beautiful”) e incluso saleros y tijeras (“Cupid de Locke”). Además, todas las piezas de guitarra del álbum están afinadas un semitono abajo para “hacer la música más grave”, según Corgan.

Precedido del sencillo “Bullet with Butterfly Wings” (nº 22 en las listas estadounidenses), el álbum debutó en el número uno de la lista del Billboard 200, siendo la primera y última vez que lo consiguiera la banda. Se extrajeron cuatro sencillos más -“1979” (nº 12); “Zero” (nº 29); “Tonight, Tonight” (nº 36); y “Thirty-Three” (nº 39) — a lo largo de 1996 y ha sido certificado con un disco de diamante por la RIAA por alcanzar los diez millones de discos vendidos.

Christopher John Farley de la revista Time dijo del álbum que era “el trabajo más ambicioso y conseguido de la banda hasta el día”. Farley escribió: “Uno tiene la sensación de que la banda tiró adelante de forma instintiva; el mero campo que abarca el álbum (28 canciones) no da pie a predicciones o ideas previas”. El crítico David Browne alabó la ambición de la banda y dijo que Mellon Collie and the Infinite Sadness es más que un mero trabajo de un melindroso y torturado obsesivo. Corgan se presenta a sí mismo como uno de los últimos verdaderos creyentes: alguien para quien vomitar toda esta música resulta de alguna manera arte mayor de época. No parece importarle las persistentes cuestiones sobre “venderse” del rock alternativo, y bien que hace: apunta a algo más alto y conquistador”.

El álbum ganó siete nominaciones a los premios Grammy de 1997, venciendo en la categoría de Mejor Interpretación de Hard Rock por la canción “Bullet with Butterfly Wings”. En 1998 fue votado por los lectores de la revista Q como el vigésimo noveno álbum más importante de todos los tiempos. En 2003, la revista Rolling Stone lo posicionó en el puesto número 487 de la lista de Rolling Stone de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos y la revista Time lo nombró como el “Mejor álbum de 1995”.

La edición en disco compacto del álbum fue dividida en dos CD, titulados “Dawn to Dusk” y “Twilight to Starlight”. La edición en disco de vinilo fue dividida en seis lados, titulados “Dawn”, “Tea Time”, “Dusk”, “Twilight”, “Midnight” y “Starlight”, e incluyó dos canciones adicionales (“Tonite Reprise” e “Infinite Sadness”), además de poseer una lista de canciones completamente diferente en cuanto a orden, respecto a las ediciones en disco compacto y casete.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas de Billy Corgan, excepto “Take Me Down”: James Iha, y “Farewell and Goodnight”: Corgan/Iha)

Dawn

01. «Mellon Collie and the Infinite Sadness» – 2:52
02. «Tonight, Tonight» – 4:14
03. «Thirty-Three» – 4:10
04. «In the Arms of Sleep» – 4:12
05. «Take Me Down» – 2:52

 

 

Tea Time

06. «Jellybelly» – 3:01
07. «Bodies» – 4:12
08. «To Forgive» – 4:17
09. «Here Is No Why» – 3:45
10. «Porcelina of the Vast Oceans» – 9:21

 

 

Dusk

11. «Bullet with Butterfly Wings» – 4:18
12. «Thru the Eyes of Ruby» – 7:38
13. «Muzzle» – 3:44
14. «Galapogos» – 4:47
15. «Tales of a Scorched Earth» – 3:46

 

 

Twilight

16. «1979» – 4:25
17. «Beautiful» – 4:18
18. «Cupid de Locke» – 2:50
19. «By Starlight» – 4:48
20. «We Only Come Out at Night» – 4:05

 

 

Midnight

21. «Where Boys Fear to Tread» – 4:22
22. «Zero» – 2:41
23. «Fuck You (An Ode to No One)» – 4:51
24. «Love» – 4:21
25. «X.Y.U.» – 7:07

 

 

Starlight

26. «Stumbleine» – 2:54
27. «Lily (My One and Only)» – 3:31
28. «Tonite Reprise» – 2:40
29. «Farewell and Goodnight» – 4:22
30. «Infinite Sadness» – 4:02

Calidad: 320 Kbps (a 48000 Hz)

 

 

Gracias al compañero David Paioneer por el archivo flac que ripeé a mp3 de máxima calidad.

 

 

 

Pistones – Cien Veces No [MiniLP] (1987)

 

[Ciclo de Rock Ibérico]

 

Los Pistones (nombre extraido de la unión de los nombres de dos de sus grupos favoritos: Sex Pistols y Ramones) se forman hacia 1980 en Madrid en torno a la figura de su cantante, guitarrista y compositor, Ricardo Chirinos, componente también de otra banda, Episodio, y que consigue crear una formación estable con Juan Luis Ambite al bajo, Frank López a los teclados y Ramón López a la batería. Esta formación se presentaría en público por primera vez en 1980 en la sala El Jardín, y pronto comienza a grabar las primeras maquetas, que empiezan a mover por las distintas emisoras de radio, y en las que ya se encontraban canciones como “Los Ramones”, “Nadie” o “Vuelve pronto”. Algunas de ellas se editarían posteriormente en recopilatorios como “4473910” (MR-Ariola, 1983) o “Maquetas” (MR, 1984).

Los Pistones encuentran entonces el apoyo de Paco Martín, el histórico fundador de la compañía Twins, entonces en Fonogram, que apadrina al grupo pero no consigue que ninguna discográfica apueste por ellos. Así que decide fundar una compañía independiente, junto con un socio, Julio R. Rodríguez, a la que bautizan con los apellidos de los promotores, MR. Así, se convierten en la primera referencia de este nuevo sello, con el EP “Las Siete Menos Cuarto” (MR, 1982), que incluye cuatro canciones llenas de magia, directas y sencillas, combinando sonidos sesenteros con otras influencias más de la época, con los oídos siempre puestos en los grupos británicos de power pop, como los Jags o los Vapors. El disco funcionó relativamente bien, a pesar de que el sonido dejaba bastante que desear y no hacía justicia a las canciones. Ese mismo año, graban otro de sus pequeños clásicos, el single “Los Ramones” (MR, 1982), completado con una buena canción nuevaolera en la Cara B como “Vuelve pronto”.

En 1983, con la compra de MR por Ariola, se toma la decisión, por fin, de editarles el ansiado LP. Antes, y como aperitivo, convencidos del potencial comercial de la canción “El pistolero”, deciden sacarla en single acompañada de una nueva versión de su clásico “Metadona”. Ambas canciones se incluirían en su LP “Persecución” (MR-Ariola, 1983). Con la entrada de Fabián Jolivet en la batería, Los Pistones comienzan a trabajar en las nuevas canciones. Fabián, músico profesional con conocimientos de producción, asume como primera preocupación la de mejorar el sonido, con ayuda del productor del trabajo, Ariel Rot, y el ingeniero Peter McNamee.

Ricardo Chirinos es llamado a filas y los Pistones ven su carrera frenada en seco, cuando estaban en plena cima. Ya nunca recuperarían su popularidad. Después de este parón, que dura tres años, los Pistones entran a grabar un nuevo disco, publicado ya por Ariola, y de nuevo producido por Ariel Rot: “Canciones de Lustre” (Ariola, 1986), del que destaca su famoso tema “Que el Sol te dé”. El disco pasa prácticamente desapercibido, con la inestimable ayuda de la compañía, que apenas lo promociona. Por ese motivo, el grupo abandona Ariola y vuelve a reunirse con su principal valedor, Paco Martín, ya en Twins.

En esta compañía, y con la vuelta del batería original, Ramón López, se estrenan con un mini-LP, «Cien Veces No» (Twins, 1987), en el que demuestran de nuevo su gran facilidad para hacer buenas canciones de power pop, como “Amiga Lola”, o baladas como la titular. Pero ya es algo tarde: los gustos han cambiado y el disco pasa de nuevo sin pena ni gloria. Definitivamente desilusionados, los Pistones deciden echar el cierre, poniendo fin -aunque sería de forma momentánea- a su, en muchos momentos, brillante trayectoria.

Fuente: Rafa García-Purriños en LaFonoteca.net

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Maldito el Día» – 4:36
  2. «Del Color del Hollín» – 3:19
  3. «Amiga Lola» – 2:31
  4. «Bajo las Aguas del Río» – 2:44
  5. «Cien Veces No» – 2:59

Calidad: 128 Kbps

 

 

Gracias al blog Sangrespañola por este archivo, aunque el bitrate real es de 128 y no de 192 kbps.

 

 

 

Novembre – Novembrine Waltz [2001]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

Novembre es una banda italiana de death metal progresivo y metal gótico formada en Roma en 1990. La banda comenzó como una banda de death metal tradicional llamada Catacomb, aunque fue evolucionando hasta practicar un sonido envolvente y atmosférico. Sus dos primeros álbumes, “Wish I Could Dream it Again” (1994) y “Arte Novecento” (1996) fueron publicados por el sello italiano Polyphemus, mientras que desde la edición de “Classica” (2000), la banda firmó un contrato con Century Media, sello con el que después lanzarían “Novembrine Waltz” (2001) y “Dreams d’Azur” (2002).

Más recientemente el grupo firmó un contrato con Peaceville Records para lanzar su sexto álbum, “Materia” (2006), y su siguiente álbum, “The Blue” (2007). Después de 8 años de ausencia, el grupo anunció que un nuevo álbum será lanzado en marzo o abril de 2016, pero a la vez que revelaron esta noticia, también se confirmó que su baterista Giussepe Orlando, dejó el grupo, dejando a Carmelo Orlando como el único miembro original. El álbum, llamado “Ursa”, fue lanzado el 1 de abril de 2016.

«Novembrine Waltz» es el cuato álbum de estudio de la banda italiana Novembre, un álbum europeo internacional, ya que fue grabado en The Outer Sounds Studios de Roma (excepto las voces de “Cloudbusting”, grabadas en Studio Hit Productions de Oslo, Noruega), mezclado en Sound Suite Studios de Marsella (Francia) y masterizado en los estudios DMS de Marl (Alemania), siendo editado en octubre de 2001 por Century Media. El diseño de carpeta fue elaborado por Stefan Wibbeke, con portada de Travis Smith y fotografía de la banda de Lucio Muzzi.

Las voces varían entre el canto limpio, el gruñido del death metal y gritos de black metal ásperos. El álbum cuenta con elementos más góticos que los lanzamientos anteriores, y contiene muchos elementos “europeos”, como el acordeón en “Distances” o el canto de “Everasia”.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas de Carmelo Orlando, excepto indicados)
 

  1. «Distances» – 6:17
  2. «Everasia» – 8:22
  3. «Come Pierrot» (Orlando, Massimiliano Pagliuso) – 6:30
  4. «Child of the Twilight» – 6:34
  5. «Cloudbusting» (Kate Bush) – 5:09
  6. «Flower» – 6:26
  7. «Valentine» – 7:20
  8. «Venezia Dismal» – 6:02
  9. «Conservatory Resonance» – 7:09

Calidad: 320 Kbps

 

 

Gracias al compañero Keko1965 por este archivo, cedido generosamente a Ciclotimia.

 

 

 

Juventud (Paolo Sorrentino, 2015) DVDrip

 

[Cine porque sí]

 

 

 

Datos de la película:

 

Título original: Youth – La Giovinezza
Año: 2015
Duración: 118 min.
País: Italia
Dirección: Paolo Sorrentino
Guión: Paolo Sorrentino
Música: David Lang
Fotografía: Luca Bigazzi
Reparto: Michael Caine, Harvey Keitel, Rachel Weisz, Paul Dano, Jane Fonda, Tom Lipinski, Poppy Corby-Tuech, Madalina Ghenea, Emilia Jones, Mark Kozelek, Anabel Kutay, Rebecca Calder, Ian Keir Attard, Roly Serrano
Productora: Coproducción Italia-Suiza-Francia-Reino Unido; Indigo Film / Medusa Film / C-Films / Bis Films / Pathé / Number 9 Films
Género: Drama / Comedia. Arte. Filosofía. Metacine

 

 

 

Premios:

  • 2015: Premios Oscar: Nominada a mejor canción
  • 2015: Premios César: Nominada a mejor película extranjera
  • 2015: Festival de Cannes: Sección oficial largometrajes a concurso
  • 2015: Globos de Oro: Nominada a mejor actriz reparto (Fonda) y canción original
  • 2015: Premios David di Donatello: Mejor música y canción original. 14 nominaciones
  • 2015: Premios del Cine Europeo: Mejor película, director y actor (Michael Caine)
  • 2015: Satellite Awards: Nominada a Mejor actriz de reparto (Jane Fonda)
  • 2015: Critics Choice Awards: Nominada a mejor canción original

 

 

 

Sinopsis:

Fred Ballinger (Michael Caine), un gran director de orquesta, pasa unas vacaciones en un hotel de los Alpes con su hija Lena y su amigo Mick, un director de cine al que le cuesta acabar su última película. Fred hace tiempo que ha renunciado a su carrera musical, pero hay alguien que quiere que vuelva a trabajar; desde Londres llega un emisario de la reina Isabel, que debe convencerlo para dirigir un concierto en el Palacio de Buckingham, con motivo del cumpleaños del príncipe Felipe. (FILMAFFINITY)

 

 

 

 

Críticas:

  • “La manufactura y propuesta visual tienen los alcances suficientes para ofrecer una pieza sugerente y seductora. (…) Puntuación ★★★½ (sobre 5)” Jesús Chavarría: Cine Premiere
  • “Michael Caine y Harvey Keitel realizan unas de las mejores interpretaciones de sus largas carreras en esta sabia, ingeniosa, y bellísima comedia dramática de Paolo Sorrentino.” Lou Lumenick: New York Post
  • ‘Juventud’ es mucho más directa y acongojante que ‘La grande bellezza’. La amargura que queda en la boca al final de las dos horas es mucho más genuina que la parafernalia exhibida en la ganadora del Oscar.” Pablo O. Scholz: Diario Clarín
  • ‘La juventud’ será, para algunos, absolutamente intoxicante en la forma en que forja su inmensa riqueza visual, la intensidad musical, la precisión actoral y el enfoque sin pretensiones a preocupaciones temáticas.” Todd McCarthy: The Hollywood Reporter
  • “El italiano Paolo Sorrentino sigue rindiendo homenaje a su amado Fellini con esta exquisita comedia coral sobre la amistad, el paso del tiempo y el sentido de la vida.” Alexis Puig: Diario Infobae
  • “Abróchense los cinturones para Jane Fonda, que da una sacudida sísmica a la exquisita meditación de Paolo Sorrentino sobre el arte y el paso del tiempo. (…) Puntuación: ★★★½ (sobre 4)” Peter Travers: Rolling Stone
  • “Brillante y emotivo Paolo Sorrentino. (…) dos actores excelsos al servicio de un director que dona sensaciones hermosas.” Carlos Boyero: Diario El País
  • “Fantástica película, triste y descreída, pero finalmente luminosa, entre Fellini y Resnais. (…) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)” Toni Vall: Cinemanía
  • “Abre los poros con encantadoras imágenes y se embadurna en ungüentos musicales relajantes, de vez en cuando variando el tratamiento con un tonificante chorro de drama frío, servido por unos actores-ayudantes inmaculadamente cuidados.” Lee Marshall: Screendaily
  • “Una película tan imperfecta, barroca y pomposa como finalmente irresistible e irritantemente bella.” Luis Martínez: Diario El Mundo
  • “Paolo Sorrentino (…) ofrece su película más tierna hasta la fecha, una rica y emotiva contemplación de la sabiduría de la vida.” Jay Weissberg: Variety
  • “Grande y bella (…) Hay momentos en «Youth» de absoluto contacto con la excelencia, con un tumulto de sentimientos a la brega.” Oti Rodríguez Marchante: Diario ABC

 

 

 

 

Datos de ripeo:

Película:

  • Tiempo: 02:03:34
  • Tamaño: 1541,85 MB
  • Idioma: Castellano

 

Vídeo:

  • Codificación: Xvid 64
  • Bitrate: 1287 kb/s
  • Resolución: 720 x 304

 

Audio:

  • Codificación: ac3 stereo
  • Bitrate: CBR 448 kb/s
  • Tasa muestreo: 44100 Hz

 

 

 

 

 

 

 

 

Trailer:

 

 

La Renga – Bailando en Una Pata [1995]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

La Renga es una banda de hard rock formada el 31 de diciembre de 1988, en el barrio porteño de Mataderos, al oeste de la ciudad de Buenos Aires. Compuesta por Gustavo “Chizzo” Nápoli (cantante principal, guitarra principal), Gabriel “Tete” Iglesias (bajo) y Jorge “Tanque” Iglesias (batería), quienes integran el grupo desde sus inicios, mientras que Manuel “Manu” Varela se les unió en 1994, gracias a Gabriel “Chiflo” Sánchez (saxo), miembro de la banda hasta 2008.

Se han rehusado a la exposición en los medios durante sus más de veinte años de trayectoria y cuentan, actualmente, con una producción absolutamente independiente, luego de pasar unos cuantos años dentro del sello PolyGram y Universal.

La Renga inició haciendo versiones de canciones de bandas como Creedence, Vox Dei y Manal, entre otras. Las primeras presentaciones las hicieron en el Club Larrazábal, Galpón del Sur, además del circuito underground de Buenos Aires. El nombre surgió como referencia a la época, donde parecía que siempre faltaba algo para poder encaminarse bien. También está la versión de Locura, quien dice que su pareja de ese entonces tenía una pierna 1,5 cm más corta que la otra, lo que le provocaba una perceptible cojera; es decir era coja, o «renga», y al Tete se le ocurrió ponerle así a la banda.

“Esquivando Charcos”, el primer disco de La Renga, fue grabado en 1991 y consta de la primera formación oficial de la banda: Chizzo, Locura, Tete y Tanque. A ellos se suma Chiflo, que por aquel entonces oficiaba de vientista del grupo Los Auténticos Decadentes. Al escuchar su forma de soplar, Tete le propuso de inmediato “poner unos caños” (grabar una sección de vientos) en el disco que venían preparando. El álbum fue grabado en dos lugares distintos, siete de los nueve temas fueron grabados en estudio y las dos canciones restantes (“La nave del olvido” y “Blues de Bolivia”) en su sala de ensayos. En primera instancia el disco contó con 1000 copias hechas por la misma banda, que fueron distribuidas en sus recitales. El álbum fue reeditado en 1998 por la compañía PolyGram.

Por problemas personales Locura decide separarse de la banda. Así comienza la búsqueda de alguien que lo reemplace, búsqueda que no dio resultados e hizo que Chizzo quede como primera y única guitarra. Gabriel “Chiflo” Sánchez no contaba con una banda fija, tocaba su saxo para bandas de punk rock como Los Parias, Alerta Roja y El Mercader, de reggae como Los Cafres y de ska-rock como Los Auténticos Decadentes. Chiflo poseía una influencia proveniente del jazz, la cual no descuidó al ser invitado a La Renga. La primera invitación llegó en 1989 cuando tocó en algunas canciones. Durante un lapso dejó de acercarse a La Renga hasta que en 1991, fue invitado nuevamente para grabar algunas canciones para “Esquivando Charcos”. En ese momento se sumó definitivamente a la banda.

De manera totalmente independiente, en noviembre de 1993 se edita el segundo álbum, “A Donde Me Lleva la Vida”, grabado en el estudio El Zoológico de Buenos Aires, sin embargo, la gran demanda del disco obliga a firmar con una discográfica con mayor poder de distribución. La mayor condición de esta nueva relación de la banda fue la independencia artística. El acuerdo se hace con PolyGram, quien lo reedita y distribuye a comienzos de 1994 a través de su sello Interdisc. Se publicó en CD y cassette y fue presentado oficialmente en el Estadio Obras Sanitarias el 19 de noviembre de 1994. Los recitales se vuelven cada vez más masivos, con público proveniente en su mayoría de los barrios humildes del Gran Buenos Aires.

«Bailando en Una Pata» es el tercer álbum de La Renga, el primero en vivo, y el primer y único VHS. Fue grabado en el concierto dado en el Estadio Obras Sanitarias de Buenos Aires el 30 de julio de 1995, ante más de 4.100 personas. El CD fue editado en septiembre de 1995 a través de la discográfica Universal Music, y el VHS en octubre del mismo año. La portada es una foto de un tragafuegos en plena ejecución de su acto, visto de frente, en un plano medio corto, con un par de antorchas dobles. Las fotos utilizadas son de Pablo Freytes.

El álbum contiene el tema que da nombre al mismo, nunca editado en una versión de estudio, además de una versión de “Born to be wild” en castellano, del grupo norteamericano Steppenwolf. La mayoría de las canciones pertenecen al álbum “Esquivando Charcos”, pero las versiones aquí contenidas se distinguen por su mejor calidad sonora, mucho más fiel al verdadero sonido de la banda.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas de Gustavo Nápoli, excepto 6: Mars Bonfire)

  1.  «Buseca y Vino Tinto» – 3:50
  2. «Moscas Verdes, para El Charlatán» – 5:17
  3. «Embrolos, Fatos y Paquetes» – 5:11
  4. «El Viento que Todo Empuja» – 6:19
  5. «El Juicio del Ganso» – 5:33
  6. «Nacido para Ser Salvaje (Born to Be Wild)» – 4:08
  7. «Intervalo» – 1:25
  8. «Negra Es Mi Alma, Negro Mi Corazón» – 5:01
  9. «Luciendo Mi Saquito Blusero» – 3:42
  10. «Blues de Bolivia» – 8:58
  11. «Somos los Mismos de Siempre» – 3:19
  12. «Voy a Bailar a la Nave del Olvido» – 5:07
  13. «Bailando en Una Pata» – 1:49
  14. «Cantito Popular» – 1:56

Calidad: FLAC

 

 

 

Propaganda – A Secret Wish (1985-Reed.2003)

 

[Otras Músicas]

 

Propaganda es una banda de synth pop, new wave y dance alemana, incurriendo a veces en la música new age, formada en 1982 en Düsseldorf por Ralf Dörper, miembro de la banda alemana Die Krupps. Para ello convocó a Andreas Thein y la vocalista Susanne Freytag. Más tarde incorporaron al músico y compositor Michael Mertens y a la cantante Claudia Brücken.

El grupo contó con gran éxito en la década de 1980 y el periodista musical Paul Morley puso en contacto a la banda con Trevor Horn, quien recientemente había fundado el sello ZTT Records, y, tras trasladarse la formación antes citada al Reino Unido, editaron en 1984 su primer sencillo titulado “Dr. Mabuse” (basado en el personaje del film de Fritz Lang), tras lo cual Andreas Thein dejaría la banda. El single alcanzaría el top 30 en Gran Bretaña y el top 10 en Alemania.

El segundo sencillo del grupo, “Duel”, sufrió mucho retraso y no apareció hasta abril de 1985. Se trataba de un tema más pop que llegó al nº 21 en las listas británicas.

La primera semana de julio de 1985 finalmente vio el lanzamiento de su álbum debut, «A Secret Wish», editado por ZTT Records y con producción de Stephen Lipson y Trevor Horn. Su primer álbum alcanzaría el puesto 16 en el ránking británico y tendría como sencillo más importante “p:Machinery”, que fue un gran éxito en Europa; unido a los dos sencillos anteriores, que también fueron incluidos en el álbum. El diseño de carpeta fue obra de The London Design Partnership, con fotografías de Anton Corbijn.

El grupo pasó el resto del año en su gira “Outside World”, tanto en Europa como en Norteamérica. Para los conciertos, se les unió Derek Forbes en el bajo, junto con su compañero ex-colegas de Simple Minds Brian McGee en la batería, y Kevin Armstrong en la guitarra, utilizando cintas de apoyo para la mayoría de las partes del teclado. Al mismo tiempo fue editado un álbum de remixes, “Wishful Thinking”, en noviembre de 1985. Originalmente destinado al mercado de clubes norteamericano, el álbum fue también publicado en Europa, pero contra los deseos del propio grupo. El álbum alcanzó el número 82 en el Reino Unido. Una versión remix de “p:Machinery” fue asimismo editada en single, tan solo cuatro meses después que la original. Aunque esta versión no obtuvo mucho éxito en Gran Bretaña, sí que fue más exitosa en Francia y Alemania.

“A Secret Wish” ha sido reeditado varias veces a través de los años -incluyendo una edición de lujo del vigésimo aniversario. La reedición más reciente es la edición de doble CD deluxe que marca el 25 aniversario del álbum. Sin embargo este archivo corresponde a la reedición remasterizada que ZTT Records realizó en 2003.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas compuestos por Mertens, Dorper y Brücken, excepto indicados)

  1.          «Dream Within a Dream» (Mertens) – 8:09
  2.          «The Murder of Love» – 5:15
  3.          «Jewel» – 6:22
  4.          «Duel» – 4:49
  5.          «Frozen Faces» (Mertens, Brücken, Freytag) – 4:25
  6.          «P-Machinery» (Mertens, Dorper) – 3:50
  7.          «Sorry for Laughing» (Malcolm Ross, Paul Haig) – 3:27
  8.          «Dr. Mabuse» (Mertens, Dorper, Thein) – 5:04
  9.          «The Chase» (Mertens, Dorper) – 4:06
  10.          «Strength to Dream» (Mertens, Dorper) – 3:02

Calidad: FLAC (24 bits)

 

 

 

Brighton 64 – Palabras con Sabor [Maxi] (1987)

 

[Ciclo de Rock Ibérico]

 

Uno de los máximos representantes del revival mod en nuestro país fue Brighton 64, encabezado por los hermanos Ricky y Albert Gil. Su afiliación al movimiento era total, como puede observarse en sus referencias -del soul del sello Stax a la obra literaria de Tom Wolffe-, su estética -que combinaban con un toque nuevaolero- y su arte gráfico.

Brighton 64 iniciaron su andadura en Barcelona a principios de los años 80. Junto a los hermanos Gil formaron parte de la banda en esos primeros días un buen montón de músicos que pasaron fugazmente por su historia, algunos incluso sin llegar a grabar nada. De entre ellos destaca Daniel Paradell (más conocido como Daniel Cros), que fuera su primer cantante y vocalista, pero que únicamente participó en algunos bolos.

De este modo, no tarda en llegar la primera grabación, el EP “Barcelona Blues” (Flor y Nata, 1983), en cuya grabación también participaron Toni a la batería y Carles Nadal a la guitarra, y que tuvo una acogida muy aceptable. Sin embargo, la conga continúa y Carles queda fuera. Los hermanos Gil montan una banda paralela, Los Novios, en la que junto a la vocalista, María Rodríguez-Rey (Los Amantes de María; más adelante hará coros para los Brighton 64), toca la batería Andreu Verdú (Killwatts, Kamenbert) y que se incorpora al primer grupo para grabar su siguiente trabajo a finales de ese mismo año, el sencillo “Deja de Tocar a Mi Chica” (Flor y nata, 1983), aunque pocos meses después abandonó ambas formaciones.

Es entonces cuando Tino Pebralbo se incorpora al grupo para dar paso a la formación “clásica” y estable del grupo, la que grabó “Haz el Amor” (Twins, 1985), primer LP -o mini-LP, según fuente- de Brighton 64, que se grabó en los estudios Tramontana de Madrid, los cuales no estaban dedicados a la grabación musical sino al doblaje cinematográfico. La obra sale adelante, incorporando sección de vientos y con portada tomada de uno de los grandes desnudos americanos de Tom Wesselmann. Para este disco, Brighton 64 ya tiene perfectamente definido su sonido, que gana enteros con la incorporación de Toni Peralbo y que les da consistencia y uniformidad. En ese sentido, y a pesar de los casi dos años mediados desde su anterior grabación, el estilo no ha cambiado nada, pero se ha enriquecido.

Aunque Brighton 64 no estuvieron metidos en ella, lo cierto es que La Movida empieza a quedar lejana y desfasada, y a mediados de los 80 se impone un nuevo revival buenrrollero que coloca a los Brighton 64 como relevantes. Con toda esa excitación en el aire, el grupo lanza el EP “La Casa de la Bomba” (EMI, 1986), anticipo del LP “El Problema Es la Edad” (EMI, 1987) y en el que Jordi Fontich aparece ya a los teclados. Brighton 64 habían dado el salto a una gran multinacional, y esto conlleva ciertos pros y contras. Lo bueno era mejores medios, así como una mayor difusión y promoción, con videoclips y todo, siendo estos sus trabajos más conocidos -en ambos figura “La casa de la bomba”, una de sus más significativas composiciones-; lo malo, las altas expectativas de la compañía. Estas no se vieron cubiertas y a finales de año el grupo estaba fuera de la misma.

Extraído también de su segundo LP “El Problema Es la Edad”, se lanza «Palabras con Sabor» en 1987 en dos formatos: sencillo, con “Mala Señal” en su lado B, y maxi, que incluye además su tema inédito “Semidirecto a Torrello”.

 

Fuente: Andrés Arévalo en LaFonoteca.net / Zonde

 

 

Lista de canciones:

  1. «Palabras con Sabor» (Albert Gil) – 3:33
  2. «Mala Señal» (Albert Gil, Ricard Gil) – 2:58
  3. «Semidirecto a Torrello» (Albert Gil) – 1:34

Calidad: 160-192 Kbps

 

 

Gracias al blog Sangrespañola por este archivo.

 

 

 

 

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