Ciclos y Neurastenias en un mundo cruel

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Green Day – Dookie [1994]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

Green Day es una banda punk integrada por Billie Joe Armstrong (guitarras y voz), Mike Dirnt (bajo) y Tré Cool (batería). El grupo, originario de Oakland (California), se gestó prematuramente en 1987 bajo el nombre de Sweet Children, el grupo adquirió la formación actual en 1989, cuando se cambiaron al nombre actual y se incorporó el baterista Tré Cool. Algunos años después, en 1994, el conjunto firmó con Reprise Records, con este sello lanzaron el aclamado “Dookie”, que llevó el sonido de finales de la década del 70 a la nueva generación, además de convertirse en un éxito internacional y vender más de 10 millones de copias en los Estados Unidos Norteamericanos y 16 millones en todo el mundo.

Green Day, junto a otras bandas como The Offspring y Rancid, fueron los enlaces que produjeron el renacimiento y popularización del punk rock en Estados Unidos de Norteamérica; las masivas ventas produjeron la apertura de una ola de grupos neo punk y punk metal. Diez años después muchos de esos conjuntos se encuentran inactivos o disueltos, mientras que Green Day sigue en plena vanguardia musical con las óperas rock “American Idiot” y “21st Century Breakdown” de 2004 y 2009 respectivamente, ambas con un Premio Grammy al mejor álbum de rock.

El conjunto estadounidense ha vendido alrededor de 65 millones de discos en todo el mundo y 25 millones sólo en su país. A mediados de 2011 la revista Kerrang! los nombró como el segundo grupo más influyente surgido en los últimos treinta años, sólo por detrás de Metallica. Según la publicación quincenal Rolling Stone, es el mejor conjunto punk de la historia.

El segundo álbum del grupo, “Kerplunk”, alcanzó a vender 55.000 copias (numerosa cifra teniendo en cuenta que el disco fue producido de forma independiente), ese éxito underground fue un gran atractivo que vieron las casas discográficas. El productor Rob Cavallo, representante de Reprise Records, logró seducir al grupo. Así, Green Day terminó amistosamente su contrato con Lookout! Records para firmar con Reprise (subsidiaria de Warner Bros) en 1994.

La acción de firmar con un sello multinacional, fue (y siguió siendo) un hecho muy criticado por los fanáticos de la época en que tocaban en el club 924 Gilman Street, llegando a catalogar a Green Day de «vendidos». El club expulsó inmediatamente a la banda luego de que se conociese la noticia de su fichaje por Reprise. Aparecieron grafitis en las paredes del Gilman Street con leyendas como “¡Muerte a Green Day!”. En unas reflexiones que hizo su cantante y líder Billie Joe Armstrong sobre aquel periodo a la revista Spin en 1999, aseguró que “no podía volver a la escena punk, fuéramos el mayor éxito de la historia o el mayor fracaso […] Lo único que podía hacer era seguir e ir adelante”.

El mismo Rob Cavallo, quien había atraído a Green Day para Reprise Records, fue escogido como productor principal del nuevo álbum, mientras que Jerry Finn fue el encargado de la mezcla del disco. Green Day, en un principio, entregó una demo a Cavallo, y tras escuchar la cinta en el coche de camino a casa, sintió que había “tropezado con algo grande”. La sesión de grabación de la banda duró solo tres semanas entre septiembre y octubre de 1993, el álbum fue remezclado dos veces. Pero al conjunto no le había agradado la primera mezcla. Por ello, Cavallo remezcló las pistas en los Fantasy Studios de Berkeley, California. Armstrong aseguró que la banda quería crear un sonido seco “similar al disco de los Sex Pistols o los primeros álbumes de Black Sabbath”. Armstrong, más tarde, dijo de su experiencia en el estudio que “todo estaba ya compuesto, todo lo que tuvimos que hacer era representarlo”.

Así se editó el primero de febrero de 1994 el primer álbum de Green Day con Reprise y tercer trabajo en su trayectoria, se llamó «Dookie», y significó el álbum clásico por excelencia del pop punk, convirtiéndose en un éxito en todo el mundo, consiguiendo llegar al puesto número dos en el Billboard 200 estadounidense y logrando entrar en las listas de seis países más: nº 1 en Nueva Zelanda, nº 3 en Suecia, nº 4 en Austria, nº 6 en Suiza, nº 11 en Finlandia y nº 13 en Reino Unido.

La mayoría del contenido del álbum fue compuesto por Armstrong, excepto “Emenius Sleepus” que fue coescrita por Armstrong y el bajista Mike Dirnt y la pista oculta “All by Myself”, compuesta por el baterista Tré Cool. El álbum está basado en experiencias de los miembros de la banda tales como ansiedad, ataques de pánico, masturbación, orientaciones sexuales, aburrimiento y antiguas novias, y es que en el momento de la grabación ninguno de ellos superaba los 22 años de edad.

Fueron extraídos cinco sencillos: “Longview”, la regrabada “Welcome to Paradise”, “Basket Case”, “She” y “When I Come Around”. El disco es el más exitoso de Green Day en ventas hasta la fecha con 20 millones de copias vendidas en todo el mundo. “Dookie” ganó el premio Grammy al mejor álbum de música alternativa en 1995 y es el único álbum de diamante que posee Green Day. Fue el álbum de rock alternativo más exitoso de la década, solo superado por “Nevermind” de Nirvana, y “Blood Sugar Sex Magik” de Red Hot Chili Peppers. El éxito de Green Day, abrió el camino a bandas como Rancid y The Offspring, saliendo a la venta discos como “Wolves” y “Smash”, respectivamente, y en poco tiempo, el resurgimiento del punk a mediados de los años 1990 se encontraba en pleno apogeo.

El sencillo “Longview” tiene una firma de bajo que el propio bajista Dirnt escribió mientras estaba bajo los efectos de LSD. En principio olvidó gran parte de ello, pero recuerda partes que fueron incluidas en la canción. Armstrong declaró que la canción trataba principalmente sobre el aburrimiento, masturbación y fumar cannabis, con evidencias en las letras (“cuando la masturbación perdió su diversión / estás jodidamente descansado”).

“Welcome to Paradise”, el segundo sencillo extraído de Dookie, ya apareció en el segundo álbum de estudio de la banda, “Kerplunk”. La canción fue regrabada, con un sonido distinto para “Dookie”. No se realizó un videoclip para la canción.

“She” fue un sencillo únicamente distribuido por radio y fue compuesto por Armstrong con relación a una antigua novia que le muestra al novio un poema feminista con idéntico título. A cambio, Armstrong escribió la letra de “She” y se la enseñó. Ella se mudó más tarde a Ecuador y pidió a Armstrong que pusiera finalmente “She” en el álbum. Esa misma ex-novia es el tema central de las canciones “Sassafras Roots” y “Chump”.

En el éxito “Basket Case”, que apareció en muchas listas de éxitos en todo el mundo, también se reflejan experiencias personales de Armstrong que influenciaron la composición del sencillo. La canción trata sobre los ataques de ansiedad de Armstrong y sus sentimientos de “volverse loco” antes de diagnosticársele desórdenes de pánico. El vídeo musical fue grabado en una institución mental abandonada.

El último sencillo extraído del álbum, “When I Come Around”, fue nuevamente inspirado por una mujer, actualmente la esposa de Armstrong pero por aquel entonces su ex-novia, Adrienne. Tras una discusión entre la pareja, Armstrong dejó a Adrienne para pasar más tiempo a solas.

El nombre del álbum es una referencia a la diarrea que sufrían a menudo los miembros de la banda, que se referían a ella como “liquid dookie” (caca líquida, en castellano) tras haber comido alimentos en mal estado mientras estaban de gira. En un principio el nombre del álbum iba a titularse precisamente así, “Liquid Dookie”, pero fue cambiado finalmente ya que lo consideraron “demasiado grosero”, por lo que lo cambiaron a, simplemente, “Dookie”. El diseño de la portada es una ilustración de Richie Bucher, que describió en ella bombas lanzadas sobre personas y edificios. En el centro hay una explosión con el nombre de la banda en la parte superior.

El álbum fue bien recibido por algún sector de la crítica especializada, como Allmusic que describió a Dookie como “una obra estelar de punk moderno que muchos han tratado de emular pero nadie ha mejorado”. En 1994, Time consideró a “Dookie” el mejor disco de rock de ese año y el tercero mejor a nivel global. El New York Times, a comienzos de 1995, describió el sonido de “Dookie” como “punk que se vuelve pop rápido, divertido, pegadizo […]; la apatía rara vez sonó tan apasionada”.

Fuente: Wikipedia

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todas las letras escritas por Billie Joe Armstrong, excepto donde se indique, toda la música compuesta por Green Day)

  1.     «Burnout» – 2:07
  2.     «Having a Blast» – 2:45
  3.     «Chump» – 2:53
  4.     «Longview» – 3:58
  5.     «Welcome to Paradise» – 3:44
  6.     «Pulling Teeth» – 2:30
  7.     «Basket Case» – 3:01
  8.     «She» – 2:14
  9.     «Sassafras Roots» – 2:37
  10.     «When I Come Around» – 2:58
  11.     «Coming Clean» – 1:34
  12.     «Emenius Sleepus» (letra: Mike Dirnt) – 1:43
  13.     «In the End» – 1:46
  14.     «F.O.D.» – 5:47 (contiene el tema oculto «All by Myself»)

Calidad: FLAC

 

 

 

Karmas Colectivos – El Último Sueño [MiniLP] (1987)

 

[Ciclo de Rock Ibérico]

 

A mediados de 1982 nace el grupo valenciano Karmas Colectivos, un sexteto fuertemente influenciado por la música británica de la época, tomando como referentes a grupos de la talla de U2, Simple Minds o The Cure. La formación la lideraba un veterano de la música valenciana, Vicente Comas “Paloma”, antiguo integrante de Stardust, Doble Zero, Fanzine o Tomates Eléctricos, entre otros; junto a Comas, encontramos a Salva Ortiz (batería), Vicente Sabater (teclados), José Luis Granell (saxo), Salva Sanambrosio (bajo) y Sol Rodríguez (coros).
 
Miguel Jiménez, amigo de “Paloma”, se responsabiliza de la banda como manager y así, en 1985, quedan finalistas del certamen Pop Rock’85 de la Comunidad Valenciana, participando poco después en la grabación del disco del concurso (editado por Val-Disc), con el tema “Existencia”, una muestra más que respetable del mejor sonido del sexteto elaborada por toda la banda.
 
Al año siguiente ganan el concurso organizado por la cadena SER, a escala nacional, lo que les lleva a grabar en los Estudios Kirios de Madrid su primer maxi-single, “Psicodependencia”, producido por los propios Karmas Colectivos y José Godofredo, miembro de Ceremonia, que solía colaborar esporádicamente con el sexteto, y editado por DRO en 1986. Cabe remarcar que el tema “Apoyada en el Aire” les sirvió como reclamo para la promoción del Maxi, el cual llegó a estar en el numero dos en las listas de R.N.E.
 
A partir de entonces el grupo disfruta de sus mejores momentos con abundantes conciertos, discográficas interesadas, críticas inmejorables, etc. A mediados de 1987, la banda hace una incursión en los estudios U.M.A. de Castellón para grabar lo que sería su primer Mini-Lp, al que titularon «El Último Sueño», compuesto por seis vigorosas canciones donde predominaron aún más los sonidos eventuales venidos de las islas británicas. Incluso en ocasiones, la voz de Vicente Comes llega a parecerse enormemente a la emitida por el líder de los Simple Minds, Jim Kerr. Con producción de Jo Dworniak y Duncan Bridgeman, los que fueran cerebros de I Level, el Mini-Lp fue editado por la novedosa compañía discográfica valenciana Plataforma Discos, que de esta manera ve como inauguran sus referencias.
 
Como primer sencillo se extrajo “En Cualquier Dimensión”, que apareció como cara B, mientras que en el otro lado se reflejó la misma pieza en inglés, “In Any Dimension”. El disco contaría con ediciones especiales en inglés para Europa y Norteamérica, publicadas por Midnight Music (los mismos temas regrabados en inglés y producidos por Nick Ralph), recibiendo un gran reconocimiento por parte de los críticos musicales de países tan dispares como Francia, Alemania, Holanda y Bélgica, gracias a su versión en Europa de “El Último Sueño”/”The Last Dream”, e incluso celebran importantes conciertos al lado de The Essence, Front 242 o Sad Lovers And Giants.

El disco contó con una modificación en su formación, Sol Rodríguez, compañera sentimental de Vicente Comes hasta la fecha, contrajo matrimonio con éste, y a su vez dejó a Karmas Colectivos desempeñando unas tareas mas hogareñas.

Un segundo single emergió de su Mini-Lp, “Shu Enna”, un vinilo de edición limitada en el que compartirían surcos con otro grupo valenciano del mismo sello Plataforma Discos, Carmina Burana. Siguiendo en 1987 Midnight Music edita un recopilatorio con varios grupos de su alineación llamado ‘Diamonds In The Dark’, y Karmas Colectivos aporta el tema en su versión inglesa de “No Quiero Estar en esta Guerra”/”I Don´t Want to Get into this War”. Front 242, The Essence, A Popular History Of Sign o Carmina Burana figuran en éste extraordinario larga duración.

Por estas mismas fechas, participan en varias ocasiones en “El gran musical”, llegando a actuar ante 50.000 personas en la Playa de la Malvarrosa. A finales de ese mismo año graban “El Joc de Viure (El juego de vivir)” -compuesta por Miquel Gil, miembro de Terminal Sur, y adaptada por los mismos Karmas Colectivos-, que formaría parte del recopilatorio en lengua valenciana “Un Poc de Rock”. Un grupo con estas tendencias y raíces británicas resultaba extrañísimo oírles cantar en valenciano.

Debido a las continuas idas y venidas de sus componentes, que alternaban Karmas Colectivos con otras formaciones, el quinteto se va apagando poco a poco; Vicente Sabater y Salva Ortiz que ya están muy metidos en Presuntos Implicados, prefieren la popularidad de los de Yecla (y dinero), que ir a los, cada vez mas escasos, conciertos de Karmas Colectivos; lo que provocaría su separación definitiva a finales de 1987, echándose a perder un magnífico ejemplar único y difícil de igualar.

Fuente: NuevaOla80s / ValenciaCanta
 

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Karmas Colectivos» – 4:14
  2. «Shu Enna» – 5:34
  3. «Esperaré» – 4:50
  4. «No Quiero Estar en esta Guerra» – 3:52
  5. «En Cualquier Dimensión» – 4:24
  6. «El Último Sueño» – 3:16

Calidad: 320 Kbps

 

Gracias a Surfinbicho en el blog DerribosBajoelAgua por este archivo.

 

 

 

Yardbirds – Greatest Hits (2000)

 

[Otras Músicas]

 

 

 

The Yardbirds es un grupo de rock y rhythm & blues británico formado en 1963, particularmente activo durante la década de 1960, siendo una de las bandas de la llamada Invasión británica. La banda se separó en 1968, aunque volvieron a la actividad en los años 1990.

Su estilo estuvo enfocado en una especie de versión inglesa de lo que estaban haciendo los músicos tradicionales de blues norteamericanos, y del mismo modo llegaron a trabajar en colaboración con destacados bluesmen como Sonny Boy Williamson II. Aparte de la influencia que tuvo en la época, la cual fue moderada, las razones por las que más se recuerda a esta agrupación es porque de sus filas salieron tres de los guitarristas más importantes de la historia del rock: Eric Clapton, Jeff Beck y Jimmy Page, y por ser el grupo precursor a Led Zeppelin.

El grupo se formó en las afueras al sur-oeste de Londres, como derivación del Metropolitan Blues Quartet, grupo que Keith Relf (voz) y Paul Samwell-Smith (bajo) habían formado originalmente. Después de unírseles Chris Dreja (guitarra), McCarty (batería) y “Top” Topham (guitarra), a finales de mayo de 1963, se decidió cambiar el nombre a Blue-Sounds, y luego de un par de conciertos en septiembre de 1963, se decidieron por el nombre definitivo: Yardbirds, que era a la vez una expresión para vagabundos merodeando por los patios del ferrocarril esperando un tren, y también una referencia al saxofonista de jazz Charlie “Yardbird” Parker.

El guitarrista original Anthony “Top” Topham decidió irse y fue reemplazado por Eric Clapton en octubre de 1963. El empresario Giorgio Gomelsky se convirtió en apoderado de la banda y en su primer productor. Bajo la dirección de Gomelsky los Yardbirds firmaron con sello Columbia-EMI en febrero de 1964. Su primer álbum fue el “Five Live Yardbirds”, un directo grabado en el mítico Marquee Club de Londres.

Clapton por su parte también se aleja del grupo para formar Cream, siendo reemplazado por un joven y aún ignoto Jeff Beck en 1965; con Beck grabarían entre 1965 y 1966 los LPs “Having a Rave Up” y “Yardbirds”. El bajista Samwell-Smith se retira de la banda, y es reemplazado provisoriamente por Jimmy Page, un reputado sesionista en aquel entonces, por lo cual Page y Beck convivieron en las filas de los Yardbirds por un breve período, aquel en bajo y este en primera guitarra: a ambos se los puede ver juntos en la fugaz aparición de la banda en la cinta “Blow-Up” de Michelangelo Antonioni (1966), interpretando el tema “Stroll On”. No obstante Beck también se aleja del grupo en 1966, para seguir sus proyectos personales, pasando Jimmy Page a la primera guitarra, y constituyéndose The Yardbirds en cuarteto, con el guitarrista rítmico Chris Dreja pasando al bajo. Con esa formación (Page-Dreja-Relf-McCarty) grabarían el álbum “Little Games” (1967), un disco de rock psicodélico y R&B que marcaría la disolución del grupo.

Cuando The Yardbirds se disuelve, hacia 1968, Jimmy Page decide reunir a una nueva banda a su alrededor que en principio sería bautizada como “The New Yardbirds”; poco después esta nueva banda derivaría en Led Zeppelin.

«Greatest Hits» es un álbum recopilatorio de Yardbirds editado en Alemania en el año 2000 por el sello Flash, con producción de Masters Records. Recoge algunos de sus temas más famosos y algunas rarezas.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

 

  1.  «For Your Love» – 2:30
  2.  «I’m a Man» – 2:32
  3. «Pretty Girl» – 3:02
  4. «Five Long Years» – 1:40
  5. «Jeff’s Blues» – 1:38
  6.  «Shapes of Things» – 2:21
  7. «Steeled Blues» – 1:37
  8. «The Train Kept a Rolling» – 1:40
  9. «Boom Boom» – 2:20
  10. «Got Love If You Want It» – 2:30
  11. «Evil Hearted You» – 2:20
  12. «I Ain’t Got You» – 1:58
  13. «Good Morning Little Schoolgirl» – 2:43
  14. «My Girl Sloopy» – 1:37
  15. «A Certain Girl» – 2:15
  16. «Here’t Is» – 1:35

Calidad: 320 Kbps (a 48000 Hz)

 

Gracias a la compañera Minie por el archivo wav que ripeé a mp3 de máxima calidad.

 

 

 

 

Bersuit Vergarabat – Libertinaje [1998]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

Bersuit Vergarabat, originalmente llamados Bersuit Vergarabat Van de Ir y conocidos como La Bersuit, es un grupo de rock argentino, originario del barrio de Barracas, al sur de la ciudad de Buenos Aires, formado en 1988. Se hicieron notables a finales de los años noventa por combinar este género musical con ritmos latinoamericanos —como la cumbia, el tango, la murga, el reggae, la chacarera y el candombe— y letras cargadas de críticas hacia el sistema político y la sociedad.

Desde su primer trabajo debut, la obra de Bersuit Vergarabat se caracterizó por contener mensajes en contra del menemismo y críticas hacia políticos como Carlos Menem, Domingo Cavallo, Eduardo Duhalde, Carlos Ruckauf, entre otros. Las letras de sus canciones fueron censuradas y, en otros casos, los canales de televisión que trasmitían sus videoclips fueron demandados y tuvieron que pagar multas por los ataques que sufrían ciertos políticos, como también por las críticas a la sociedad argentina de los 90.

Pese a la censura, esto no hizo decaer la popularidad de la banda que comenzó a gozar de masividad y se convirtió en uno de los grupos más importantes del rock argentino y uno de los principales de Latinoamérica.

Pasó por diversas formaciones y su alineación más famosa estuvo constituida por: Gustavo Cordera (voz), Juan Subirá (teclados, acordeón y voz), Carlos Martín (batería y percusión), Oscar Righi (guitarra eléctrica), Pepe Céspedes (bajo y voz), Daniel Suárez (voz y coros), Alberto Verenzuela (guitarra) y Germán “Cóndor” Sbarbati (voz, coros y charango).

Una de las características de la banda es su forma de vestir en sus conciertos, al disfrazarse con pijamas que es en sí, un homenaje a los internos de la residencia psiquiátrica del Hospital Municipal José Tiburcio Borda de Buenos Aires y una respuesta contraria al atuendo de cuero, que usan los grupos normalmente vinculados con el rock y heavy metal. La banda ha demostrado una afinidad por todo lo relacionado con la locura y la marginación.

Además de encontrar el éxito en Buenos Aires y luego en todo el país, Bersuit Vergarabat ha atraído a aficionados de muchos países de América Latina, así como España, Estados Unidos, Reino Unido, Alemania, Japón entre otros. El éxito de la banda más allá de América Latina, depende en gran medida de su capacidad de reinventarse constantemente.

La banda entró en un receso durante el 2009, con la idea de que cada músico se dedicara a diferentes proyectos personales. Tras desavenencias entre su vocalista y los demás integrantes, debido a que el primero prefirió seguir con su carrera como solista, en en el año 2011 la agrupación volvería a los escenarios sin Gustavo Cordera.

Algunas de sus canciones más difundidas son “El tiempo no para” (cover de Cazuza), “Espíritu de esta selva”, “Yo tomo”, “Se viene”, “Sr. Cobranza” (cover de Las Manos de Filippi), “La argentinidad al palo”, “La bolsa”, “Negra murguera”, “La soledad”, “Mi caramelo”, “Sencillamente”, “Un pacto», “Esperando el impacto”, “Murguita del sur”, entre otras.

El álbum que hizo conocida a la banda a nivel nacional e internacional fue «Libertinaje», doble platino en Argentina, grabado entre abril y mayo de 1998 en los Estudios Panda de Buenos Aires y entre junio y julio en La Casa, producido por Gustavo Santaolalla y editado ese mismo año por Universal Music, a través de su sello Surco. Tras la partida de Sadrinas en 1996, ingresan Daniel Suárez y Germán Sbarbati; estos dos últimos, habían integrado una banda llamada Resortes Antagónicos, grupo que editó dos trabajos discográficos y poco tiempo después Héctor «Limón» García, líder y vocalista de Vía Varela, ingresaría a realizar los coros.

El disco fue muy criticado por los seguidores del gobierno del ex-presidente argentino Carlos Menem debido a las letras profundamente políticas y antimenemistas, como en el caso del corte de difusión del disco «Sr. Cobranza», una versión del tema de Las Manos de Filippi. Este material, catapultó a la banda al estrellato nacional e internacional, iniciando una gira de presentación en toda Argentina, Latinoamérica, España y Estados Unidos de Norteamérica.

La canción “Sr. Cobranza” (autoría de Las Manos de Filippi y popularizada por Bersuit Vergarabat) fue censurada por el Comité Federal de Radiodifusión (COMFER) debido a los ataques verbales que sufrían políticos argentinos en la letra. Esta canción logró entrar dentro del conteo de Las 100 grandiosas canciones de los 90s en castellano por la cadena de televisión musical VH1 Latinoamérica, obteniendo el puesto #72 de dicha lista. Además de “Sr. Cobranza”, entre los sencillos más destacados, se encuentran: “Se viene”, “Murguita del sur”, “Vuelos” y “¿Que pasó?”.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

 

  1.  «Yo Tomo» – 3:32
  2.  «A los Tambores» – 3:22
  3. «De Onda» – 3:01
  4. «Se Viene» – 3:25
  5. «Murguita del Sur» – 4:16
  6. «Sr. Cobranza» – 4:19
  7. «Vuelos» – 4:24
  8. «Gente de Mierdas» – 2:46
  9. «Sincerebro» – 3:29
  10. «A Marça de Deux» – 5:19
  11. «C.S.M.» – 2:40
  12. «¿Qué Pasó?» – 6:01
Calidad: FLAC

 

 

 

Las Mejores Portadas del Rock Alternativo [I] (1970-1975)

 

[Neurastenias]

 

 

Voy a abrir una nueva serie de listas con el mejor arte gráfico en las cubiertas de los discos, en este caso inicio con el Rock Alternativo entre 1970 y 1975, un periodo muy fértil en imaginación, ideas innovadoras y vanguardistas, y un excelente buen gusto artístico que se plasmó en las portadas musicales, haciendo más atrayente su contenido.

Seguramente mi selección, extrictamente personal y subjetiva, atendiendo a mis propios gustos, cause disenso entre l@s seguidor@s ciclotímic@s, así que sería conveniente que me dijérais cuáles habríais elegido. Os animo a elaborar vuestras propias listas.

Más adelante continuaré avanzando sobre este tema con nuevas listas, no sólo del Rock Alternativo, sino del Ibérico también. Saludos y espero que disfrutéis esta selección visual.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

System of a Down – Hypnotize [2005]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

System of a Down (también conocida por su acrónimo, SOAD) es una banda de metal alternativo de ascendencia armenia formada en Los Angeles, California, en el año 1995. En un comienzo se llamaron Soil, pero luego adoptaron el nombre System of a Down inspirados por el poema “Victims of a Down”, escrito por el guitarrista Daron Malakian. Está compuesta por Serj Tankian (composición, voz, teclado y ocasionalmente guitarra), Daron Malakian (composición, guitarra y voz), Shavo Odadjian (bajo) y John Dolmayan (batería). Son famosos por realizar canciones en cuyas letras se manifiestan en contra del maltrato infantil, la violencia, la guerra, los genocidios, la pornografía y el machismo, el predominio de los intereses materialistas en la sociedad, las desigualdades sociales, físicas e ideológicas, la intolerancia o la discriminación, entre otros.

En sus cinco discos editados hasta la fecha, System of a Down usa una amplia gama de instrumentos, incluyendo guitarras eléctricas barítonas, mandolinas eléctricas, cítaras, guitarras clásicas de 12 cuerdas (tiple) y otros instrumentos de Asia. Sus influencias más notables provienen de las bandas que empezaron con el heavy metal. También tuvieron influencias de géneros como el jazz fusión, folk, hard rock, rock psicodélico, funk, blues e industrial. Además tienen influencias políticas, que se reflejan en sus discursos contra el sistema estadounidense, la inconsciencia social y el abuso de poder. Esta fórmula social y musical le ha acarreado, desde la publicación de su primer álbum -en 1998-, buenos resultados tanto del público, que hizo de “System of a Down” un disco de platino, como de una parte de la crítica musical. Fue elegida mejor banda alternativa del año 2005 en los MTV Europe Music Awards celebrados en Lisboa. También participaron en el año 2006 del documental “Screamers” de la directora Carla Garapedian, señalando los horrores del genocidio moderno que comenzó en Armenia en 1915. Es la primera banda desde The Beatles que ha alcanzado dos veces la cima de ventas de álbumes en Estados Unidos de Norteamérica en el mismo año, con “Mezmerize” e “Hypnotize”.​ System of a Down ha vendido más de 40 millones de discos en todo el mundo.

«Hypnotize» (en castellano: Hipnotizar) es el quinto álbum de estudio de System of a Down y la segunda parte que completa el disco doble “Mezmerize/Hypnotize”. Fue grabado entre mayo y diciembre de 2004 en The Mansion de Los Ángeles (California), con producción de Rick Rubin y Daron Malakian, y editado el 22 de noviembre de 2005 por American Recordings / Columbia Records, seis meses después del lanzamiento de “Mezmerize”. Al igual que la primera parte, tuvo gran éxito y alcanzó el número 1 en varios países, con lo que la banda se convertiría en una de las pocas en lograr dos álbumes número 1 en un mismo año.

“Hypnotize” contiene doce nuevas canciones en una edición especial diseñada por Vartan Malakian, padre del guitarrista y compositor Daron Malakian. Contiene los sencillos “Hypnotize” y “Lonely Day”. La última canción del álbum, “Soldier Side”, completa a “Soldier Side – Intro”, la cual aparece en el álbum “Mezmerize”.

El álbum fue nº 1 en EUNA, Canadá y Nueva Zelanda, nº 3 en Australia y nº 11 en Reino Unido, siendo certificado disco de oro y platino por RIAA el 13 de diciembre de 2005, y finalizó ese año en el primer puesto del Billboard. También fue certificado platino en Brasil, Irlanda, Finlandia y Nueva Zelanda, y disco de oro en Australia, Alemania, Austria y Suiza. Es el primer álbum de System of a Down en el que no aparecen guitarras acústicas.

Entertainment Weekly dijo del trabajo: “El grupo está exhibiendo un lado sensible hasta entonces subexplorado, compensando sus riffs de marca registrada con destellos del lirismo delicado”. Por su parte, la revista Rolling Stone comentó: “El infierno corre de inmediato sobre las guitarras escalonadas en staccato de Malakian y el furioso martilleo de Dolmayan”.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas compuestos por Tankian/Malakian, excepto indicados)

  1. «Attack» – 3:06
  2. «Dreaming» (Serj Tankian, Daron Malakian, Shavo Odadjian) – 3:59
  3. «Kill Rock ‘N Roll» (Daron Malakian) – 2:28
  4. «Hypnotize» – 3:09
  5. «Stealing Society» – 2:58
  6. «Tentative» – 3:36
  7. «U-Fig» (Serj Tankian, Daron Malakian, Shavo Odadjian) – 2:55
  8. «Holy Mountains» – 5:28
  9. «Vicinity of Obscenity» – 2:51
  10. «She’s Like Heroin» (Daron Malakian) – 2:44
  11. «Lonely Day» (Daron Malakian) – 2:47
  12. «Soldier Side» (Daron Malakian) – 3:40

Calidad: FLAC

 

 

 

Cómplices – Manzanas (1987-Reed.1988)

 

[Ciclo de Rock Ibérico]

 

El grupo de pop-rock vigués Cómplices nace en 1987, cuando Teo Cardalda y Germán Copinni deciden deshacer su anterior grupo, Golpes Bajos, para ir cada uno por su lado. Cardalda forma entonces Cómplices, junto a su pareja María Monsonis y los músicos Tino DiGeraldo y Billy Villegas.

Su estreno discográfico sería en formato breve: el sencillo y el maxi-single “Serás Mi Cómplice”, producido por Julián Ruiz y editado por RCA en 1987, adelanto del que iba a ser su primer álbum, “Manzanas”, publicado en 1988 por la misma discográfica. El maxi incluía dos versiones del tema que le da título.

«Manzanas» es el álbum debut de Cómplices, publicado en 1987 por RCA Victor y distribuido por BMG Ariola, con producción de Julián Ruiz. Teo Cardalda, además de su trabajo al piano, voz y guitarra, se encargó de los arreglos instrumentales, en compañía de María Monsonis (voz), Tino Di Geraldo (batería, guitarra) y Billy Villegas (bajo). Como colaborador, contaron con Javier Losada en la caja de ritmos. El álbum sería reeditado en formato CD en 1988.

Con un estilo más tranquilo y melódico al que hasta entonces llevaba Teo, el nuevo sonido cuaja sin embargo en los gustos pop de la época, haciendo de la banda uno de los sucesos comerciales de fines de los 80 y principios de los 90.

Fuente: Discogs / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1.  «Dama del Río» (J. Gallero/T. Cardalda) – 5:11
  2. «Manzanas» (J. Gallero/Mª Monsonís/T. Cardalda) – 3:21
  3.  «Loco Alquimista» (A. Vega/Mª Monsonís/T. Cardalda) – 3:52
  4. «La Marea» (C. Bullejos/Mª Monsonís/T. Cardalda) – 3:10
  5. «Sonrisa Plateada» (J.Mª Cano/T. Cardalda) – 3:28
  6. «Venderse o Morir» (J. Gallero/Mª Monsonís/T. Cardalda) – 4:21
  7. «Serás Mi Cómplice» (H. Camacho/T. Cardalda) – 4:51
  8. «Carita de Panoli» (F. Márquez/T. Cardalda) – 4:11
  9. «El Viajero de la Lluvia Negra» (J. Gallero/Mª Monsonís/T. Cardalda) – 3:43
  10. «Un Mar sin Fondo» (J. Gallero/Mª Monsonís/T. Cardalda) – 4:44
Calidad: 256-320 Kbps

 

 

Gracias a Spokaa en el blog No Es Extraño Este Vinilo? por este archivo.

 

 

 

Toma de la Bastilla (Resubidas)

 

[Neurastenias]

 

 

 

El 14 de julio de 1789 en París se produce la Toma de la Bastilla. A pesar de que la fortaleza medieval conocida como la Bastilla sólo custodiaba a siete prisioneros, su caída en manos de los revolucionarios parisinos supuso simbólicamente el fin del Antiguo Régimen y el punto inicial de la Revolución Francesa. La rendición de la prisión, símbolo del despotismo de la monarquía francesa, provocó un auténtico sismo social tanto en Francia como en el resto de Europa, llegando sus ecos hasta la lejana Rusia.

La Bastille había sido durante años la cárcel de muchas víctimas de la arbitrariedad monárquica. Allí se encarcelaba sin juicio a los señalados por el Rey con una simple lettre de cachet. Era una fortaleza medieval en pleno París, cuyo uso militar ya no se justificaba. En los Cuadernos de quejas de la ciudad de París ya se pedía su destrucción, y el ministro Necker pensaba destruirla desde 1784 por su alto coste de mantenimiento. En 1788 se había decidido su cierre, lo que explica que tuviera pocos presos en 1789. En el momento de su caída, el 14 de julio de 1789, sólo acogía a cuatro falsificadores, a un enfermo mental (Auguste Tavernier), a un noble condenado por incesto y a un cómplice de Robert François Damiens, autor de una tentativa de asesinato sobre Luis XV.

La imagen revolucionaria ampliamente difundida del mito de una prisión donde se pudrían las víctimas de la monarquía no corresponde por lo tanto con el uso de la fortaleza en el momento de su toma, dado que la fortaleza había perdido en parte su función de prisión de Estado. Pero refleja una realidad que sí había existido desde el siglo XVII, cuando el Cardenal Richelieu empezó a utilizarla como cárcel de Estado.

A las 8 de la mañana del 15 de julio de 1789, en el Palacio de Versalles, en el momento de su despertar, el duque de Rochefoucauld-Liancourt informó a Luis XVI de la toma de la Bastilla.

– “Pero ¿es una rebelión?”- preguntó Luis XVI.
– “No, señor, no es una rebelión, es una revolución.”- respondió el duque.

Aportar una prueba de que se estaba presente en el momento de la toma de la Bastilla supuso un gran prestigio en la carrera de los que se autodenominaron patriotas. El 19 de junio de 1790, a propuesta del diputado Armand Camus, la Asamblea Nacional votó por aclamación un decreto en el que se decidió dar un lugar preeminente a los «vencedores de la Bastilla» en los actos de la primera Fiesta de la Federación que se iba a celebrar al mes siguiente. Pero un decreto del día 25 les retiró ese honor para reservarlo a la Guardia Nacional. Se les otorgó una pensión, un uniforme, un fusil y una espada con su nombre grabado, un brazalete y una medalla, y un diploma de agradecimiento de la patria. ​Una comisión examinó de marzo a junio de 1790 las pruebas aportadas por los postulantes y censó oficialmente en ese momento a 954 combatientes, entre civiles y guardias. En 1832, bajo la Monarquía de Julio, se revisó la lista, rechazándose algunos expedientes por considerarse «dudosos» y fijando la cifra final en 630.

Según algunos autores,​ la importancia de la toma de la Bastilla ha sido exagerada por los historiadores románticos, como Jules Michelet, que quisieron hacerla un símbolo fundador de la República. Pero los documentos de la época dejan constancia de que el 14 de julio de 1789, la fortaleza estaba defendida por 32 soldados suizos y 82 «inválidos de guerra», disponiendo de cañones y de municiones en abundancia. El asedio se saldó con 98 muertos, 60 heridos y 13 mutilados, entre los asaltantes. El acontecimiento tuvo una fuerte resonancia en Europa entera, no tanto por la importancia del suceso, sino por su valor simbólico, que aún perdura como hito en la historia de las revoluciones.

 

 

 

 

 

 

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Buenas noches revolucionarias, buen fin de semana y ¡Salud!.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Ciclo de Rock Alternativo

 

 

The Godfathers – Birth, School, Work, Death (Maxi) [1987]

 

 

 

Peter Murphy – Love Hysteria [1988]

 

 

 

Alien Sex Fiend – Another Planet [1988]

 

 

 

Flesh for Lulu – Plastic Fantastic [1989]

 

 

 

 

 

Ciclo de Rock Latinoamericano

 

 

 

Attaque 77 ‎– Rabioso! La Pesadilla Recién Comienza (Directo) [1991]

 

 

 

Attaque 77 – Todo Está al Revés [1993]

 

 

 

 

 

Ciclo de Rock Ibérico

 

 

 

Desechables – La Maqueta (1982-Reed.1999)

 

 

 

Kortatu – Kortatu (1985-Reed.1998)

 

 

 

Monstruación! ‎– Cornellà Ciutat d’Afrika [Maqueta] (1987)

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Queens of the Stone Age – QOTSA (Special Edition) [1998-2011]

[Resubida Mejorada]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

Queens of the Stone Age (también conocidos, simplemente, como Queens o QOTSA) es una banda estadounidense de rock alternativo originaria de Palm Desert (California). Fue formada en 1997 por Josh Homme, dos años después de la desintegración de Kyuss, su banda anterior, y contó con la participación de sus excompañeros Nick Oliveri y Alfredo Hernández.

Queens ha lanzado cinco álbumes de estudio y tres EPs. Su música, al igual que la de Kyuss, ha sido catalogada dentro del stoner rock, aunque la banda rechaza este término. Ha sido nominada a cuatro premios Grammy por sus canciones “No One Knows”, “Go With the Flow”, “Little Sister” y “Sick, Sick, Sick”.

En 1996 la banda Kyuss, pionera del stoner rock y stoner metal, se disolvió tras cuatro álbumes de estudio y sus componentes se recolocaron rápidamente en nuevos proyectos. El guitarrista Josh Homme entró en Screaming Trees,​ y el bajista Nick Oliveri se marchó a la banda de punk rock The Dwarves. El batería Brant Bjork ya estaba tocando con Fu Manchu y el vocalista John Garcia formó Slo Burn y más tarde Unida.

En 1997 Homme estaba viviendo en Seattle y se encontraba de gira con Screaming Trees cuando se puso en contacto con Matt Cameron, batería de los también disueltos Soundgarden, para grabar algunas demos bajo el nombre de Gamma Ray. Homme volvió a Palm Desert tras la grabación y contactó con el batería de la última etapa de Kyuss, Alfredo Hernández. Sin embargo, ya existía una banda alemana de power metal llamada Gamma Ray, así que Homme decidió cambiar el nombre por el de Queens of the Stone Age; este nombre se debe a una broma que realizó Chris Goss, componente de Master of Reality y productor, durante la grabación de uno de los álbumes de Kyuss: “Chicos, sonáis como las reinas de la edad de piedra”.

Un año después la banda comenzó la grabación de su primer álbum en los Monkey Studios de Palm Springs (California), con Bruce Jacoby y Steve Feldman en los controles y producción de Josh Homme, y marcó las bases de lo que Homme definió como robot rock. «Queens of the Stone Age» se puso a la venta el 22 de septiembre de 1998 mediante Loosegroove Records, un sello discográfico independiente que fundó el guitarrista de Pearl Jam, Stone Gossard. Todas las canciones del álbum fueron compuestas por Homme. La banda logró un relativo éxito en las radios alternativas estadounidenses con su sencillo “If Only”. El diseño de carpeta fue de Frank Kozik y Josh Homme, con fotografías de Tony Tornay (portada e interior) y Lisa Johnson (trasera).

El álbum autotitulado fue todo un éxito tanto para fans como para la crítica especializada, aún ambos sorprendidos por la desintegración de los míticos Kyuss y por la rápida creación de otra banda que continuaba con varios de sus ex componentes y con una línea musical similar. En febrero de 2006, el CD recibió la calificación de disco de platino en el Reino Unido.

En la parte final de “I Was a Teenage Handmodel”, última canción del álbum, se puede escuchar el mensaje que dejó Oliveri en el contestador de Homme resaltando su placer por haber sido invitado a formar parte de la banda. Es importante decir que Oliveri se unió a la banda después de que el álbum fuera grabado y que todas las canciones del mismo fueran compuestas por Homme.

 

La banda, ya con Oliveri y Dave Catching trabajando de lleno en ella, se embarcó en una gira para promocionar su álbum debut que duraría cerca de dos años y en la que actuarían junto a grupos como Bad Religion, Rage Against the Machine o The Smashing Pumpkins.

En 2011 se lanzó una re-edición del álbum con temas añadidos a cargo del sello californiano Rekords Rekords, fundado por el propio Josh Homme.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Listado de canciones:

  (Todos los temas compuestos por Josh Homme)

  1.     «Regular John» – 4:35
  2.     «Avon» – 3:22
  3.     «If Only» – 3:20
  4.     «Walkin’ on the Sidewalks» – 5:03
  5.     «You Would Know» – 4:16
  6.     «The Bronze» – 3:45 (*)
  7.     «How to Handle a Rope» – 3:30
  8.     «Mexicola» – 4:54
  9.     «Hispanic Impressions» – 2:44
  10.     «You Can’t Quit Me Baby» – 6:33
  11.     «These Aren’t the Droids You’re Looking for» – 3:07 (*)
  12.     «Give the Mule What He Wants» – 3:09
  13.     «Spiders and Vinegaroons» – 6:26 (*)
  14.     «I Was a Teenage Hand Model» – 5:01

    (*) Nuevos temas incluidos en la Edición Especial de 2011

Calidad: FLAC (24 bits)

 

 

 

La Renga – Despedazado por Mil Partes [1996]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

La Renga es una banda de hard rock formada el 31 de diciembre de 1988, en el barrio porteño de Mataderos, al oeste de la ciudad de Buenos Aires. Compuesta por Gustavo “Chizzo” Nápoli (cantante principal, guitarra principal), Gabriel “Tete” Iglesias (bajo) y Jorge “Tanque” Iglesias (batería), quienes integran el grupo desde sus inicios, mientras que Manuel “Manu” Varela se les unió en 1994, gracias a Gabriel “Chiflo” Sánchez (saxo), miembro de la banda hasta 2008.

Se han rehusado a la exposición en los medios durante sus más de veinte años de trayectoria y cuentan, actualmente, con una producción absolutamente independiente, luego de pasar unos cuantos años dentro del sello PolyGram y Universal.

La Renga inició haciendo versiones de canciones de bandas como Creedence, Vox Dei y Manal, entre otras. Las primeras presentaciones las hicieron en el Club Larrazábal, Galpón del Sur, además del circuito underground de Buenos Aires. El nombre surgió como referencia a la época, donde parecía que siempre faltaba algo para poder encaminarse bien. También está la versión de Locura, quien dice que su pareja de ese entonces tenía una pierna 1,5 cm más corta que la otra, lo que le provocaba una perceptible cojera; es decir era coja, o «renga», y al Tete se le ocurrió ponerle así a la banda.

“Esquivando Charcos”, el primer disco de La Renga, fue grabado en 1991 y consta de la primera formación oficial de la banda: Chizzo, Locura, Tete y Tanque. A ellos se suma Chiflo, que por aquel entonces oficiaba de vientista del grupo Los Auténticos Decadentes. Al escuchar su forma de soplar, Tete le propuso de inmediato “poner unos caños” (grabar una sección de vientos) en el disco que venían preparando. El álbum fue grabado en dos lugares distintos, siete de los nueve temas fueron grabados en estudio y las dos canciones restantes (“La nave del olvido” y “Blues de Bolivia”) en su sala de ensayos. En primera instancia el disco contó con 1000 copias hechas por la misma banda, que fueron distribuidas en sus recitales. El álbum fue reeditado en 1998 por la compañía PolyGram.

De manera totalmente independiente, en noviembre de 1993 se edita el segundo álbum, “A Donde Me Lleva la Vida”, grabado en el estudio El Zoológico de Buenos Aires, sin embargo, la gran demanda del disco obliga a firmar con una discográfica con mayor poder de distribución. La mayor condición de esta nueva relación de la banda fue la independencia artística. El acuerdo se hace con PolyGram, quien lo reedita y distribuye a comienzos de 1994 a través de su sello Interdisc.

«Despedazado por Mil Partes» es el cuarto álbum de estudio de la banda argentina de hard rock La Renga, grabado en los Estudios Ion de Buenos Aires, con producción de Ricardo Mollo (de Divididos) y el propio grupo, y editado en octubre de 1996 por la discográfica PolyGram a través de su sello Interdisc. Fue presentado en el estadio Obras los días 13, 14, 20 y 21 de diciembre del mismo año. El trabajo está incluido en la lista de los 100 Mejores álbumes del rock argentino según la revista Rolling Stone.

Las ilustraciones son de Marcelo Zeballos; el diseño gráfico es del Estudio Del Federico. La portada, en la que aparece el dibujo de la cabeza coronada de un ángel, con sus respectivas alas, si es puesta del revés, lo que previamente era un ángel alado pasa a ser una especie de demonio con el cráneo partido a la mitad y con el hueco de las fosas nasales a la vista.

Fue el álbum de mayor éxito e impacto de La Renga, el que más hizo crecer la cantidad de seguidores que tenía la banda. Entre estas canciones se encuentran “Balada del Diablo y la Muerte” que, junto a “El Revelde”, del álbum “La Renga”, son las canciones más conocidas por los que no son adeptos a la banda. También incluye clásicos del grupo como “El Final Es en Donde Partí”, “Lo Frágil de la Locura” o “A la Carga Mi Rocanrol”. El tema “Veneno” es una versión de la banda La Negra. La última pista, “Hablando de la Libertad”, se convirtió en el cierre de todos los conciertos de la banda.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas de Gustavo Nápoli, excepto 9: Marcelo Ferrari)

  1.  «Desnudo para Siempre» – 4:08
  2. «A la Carga Mi Rocanrol» – 3:46
  3. «El Final Es en Donde Partí» – 4:36
  4. «Balada del Diablo y la Muerte» – 5:36
  5. «Cuando Vendrán» – 4:21
  6. «Psilocybe Mexicana» – 5:36
  7. «Paja Brava» – 6:01
  8. «Lo Frágil de la Locura» – 4:19
  9. «Veneno» – 4:08
  10. «El Viento que Todo Empuja» – 5:21
  11. «Triste Canción de Amor» – 5:09

Calidad: FLAC

 

 

 

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