Ciclos y Neurastenias en un mundo cruel

Alternativo

Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota – Luzbelito [1996]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota (o simplemente Los Redondos) fue un grupo argentino de rock, formado en la ciudad de La Plata en 1976 y liderada por Carlos Alberto «Indio» Solari y Eduardo «Skay» Beilinson. En 1978 realizaron su primera presentación en Buenos Aires, con el reconocido guitarrista Conejo Jolivet, quien oficiaba de la primera guitarra, y el tecladista Roddy Castro quien además facilitó su lugar en las míticas salas de ensayo del subsuelo de la Av. Corrientes casi Av. 9 de julio. Posteriormente siguieron tocando en teatros underground hasta 1979, año en el que la banda decidió interrumpir momentáneamente sus shows. En 1981 el grupo retomó el rumbo de los pubs, para llegar a grabar su primer demo profesional en 1982, registradas en RCA en el demo “Demos RCA + Festival Pan Caliente”, que logran una importante difusión en las emisoras FM porteñas.

La banda creó con su música una original estética del rock, alcanzando masividad sin entrar en el circuito cultural oficial; manteniéndose independiente al margen de la industria musical durante sus 25 años de actividad y transformándose en la única banda (junto con La Renga) que, por principios, jamás se apoyó en los medios para difundir su trabajo. En general los recitales eran promovidos por el “boca en boca”. Por este motivo siempre fue una banda que estuvo al margen de festivales, reconocimiento mediático o premiaciones, sólo la Fundación Konex reconoció su trayectoria en 1995 con un Diploma al Mérito y en 2005 con el Premio Konex de Platino a la mejor banda de rock de la década, compartido con Divididos.

Considerada como una de las bandas más importantes del rock argentino y una de las más influyentes del rock en castellano, su obra siempre estuvo marcada por las metáforas en sus letras, la cultura, el vanguardismo en su puesta en escena y un imperante misticismo en sus obras gráficas. Representa un paradigma contracultural, reforzado y marcado por su producción independiente. Su influencia se ve en bandas como La Renga, Callejeros, Los Piojos, Los Gardelitos, Salta la Banca, El Bordo, La Beriso, Las Pastillas del Abuelo o Árbol.

Musicalmente, se destacan por sus instrumentales sumamente creativos, por una primera guitarra siempre presente ―ejecutando riffs y solos― en combinación con la voz y con agregados de otros instrumentos, tales como el saxofón, el violín, la trompeta, el piano, la armónica o percusión en varias de sus canciones.

«Luzbelito» es el séptimo álbum de estudio de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, grabado en Be Bop (San Pablo) y New River, Fort Lauderdale y El Pie (Buenos Aires) entre finales de 1994 y 1995, con producción del propio grupo, y publicado en 1996 por Del Cielito Records. Es uno de sus álbumes más oscuros y una de sus más polémicas obras, y a la vez uno de los más populares. Se trata un disco conceptual que, a través de la idea de un ficticio hijo del Demonio llamado Luzbelito, juega con las ambigüedades de las creencias y comportamientos humanos desde distintos puntos de vista. La edición argentina de la revista Rolling Stone ubicó al disco en el puesto 88 entre los 100 mejores discos del rock nacional. También “Mariposa Pontiac” fue considerado por Rock.com.ar como la 3° canción más destacada del rock nacional.

El álbum llevó más tiempo de producción que los anteriores, además de usar más estudios de grabación, destacando los temas “Luzbelito y las sirenas”, “¡Me matan, limón!”, “Juguetes perdidos” y “Mariposa Pontiac/Rock del País”, este último, junto con “Blues de la libertad”, fueron compuestos durante la primera época del grupo. Estos fueron compuestos incluso antes del lanzamiento del álbum “Gulp”, por lo que no comparten el estilo del resto del CD. Inicialmente, este álbum iba a estar compuesto por temas inéditos de la banda, pero el Indio Solari, en sus tiempos libres, comenzó a escribir canciones que tacharon casi todas las canciones del proyecto, quedando así estos dos únicos temas inéditos.

Musicalmente, el álbum cuenta con una atmósfera sombría y oscura, opresiva en ciertos pasajes, aunque con ciertos temas festivos. Es también el primer álbum de Los Redondos en ser vendido sin la tradicional caja plástica de los CD de audio, usando en cambio una presentación en caja de cartón y un elaborado mini-libro con ilustraciones alegóricas creadas, como en todos los discos de la banda exceptuando “En Directo”, por el artista Rocambole.

Sus seguidores, que se suelen identificar como “las bandas”, reclamaban la presencia del grupo sobre algún escenario. Por lo tanto, en junio de ese año (1996) se fija la cita en discoteca Go! de Mar del Plata. En esa oportunidad, el público llegó a la ciudad desde muy temprano y desde Buenos Aires se organizó la salida de los famosos “trenes ricoteros”. Finalmente ese año cerrarían con dos fechas en el mes de octubre los días 26 y 27 en el Estadio Polideportivo de Mar del Plata y en el Estadio 15 de abril de Unión de Santa Fe el día del cumpleaños de la banda, 28 de diciembre.

La polémica los vuelve a encontrar cuando la banda fue víctima de un acto de censura a raíz de un decreto del intendente de Olavarría (Eseverri), que prohibió los recitales programados para el 16 y 17 de agosto de 1997. La excusa oficial fue el temor a que se desataran hechos de violencia por parte de su audiencia, como era habitual. Tal situación hizo posible que la banda brinde una conferencia de prensa televisada en directo por primera vez en su vida, explicando las razones y dando la nueva fecha y lugar de los recitales. Finalmente el show se realizó sin incidentes en Tandil ante 21.000 personas, que soportaron una intensa lluvia durante todo el concierto.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas compuestos por Beilinson/Solari)

  1.  «Luzbelito y las Sirenas» – 4:06
  2. «Cruz Diablo!» – 4:13
  3. «Ella Baila con Todos» – 4:59
  4. «Fanfarria del Cabrío» – 5:09
  5. «Nuotatori Professionisti» – 4:41
  6. «Blues de la Libertad» – 5:00
  7. «La Dicha No Es una Cosa Alegre» – 5:35
  8. «Me Matan Limón!» – 3:35
  9. «Rock Yugular» – 7:04
  10. «Mariposa Pontiac – Rock del País» – 4:48
  11. «Juguetes Perdidos» – 7:10
Calidad: FLAC

 

 

 


Smashing Pumpkins – Mellon Collie & The Infinite Sadness [1995]

[Resubida Mejorada]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

The Smashing Pumpkins fue una banda estadounidense de rock alternativo formada en Chicago, Illinois, en 1988. Fundada por el vocalista Billy Corgan (voz, guitarra) y James Iha (guitarra rítmica), ellos incluyeron a Jimmy Chamberlin (batería), y D’arcy Wretzky (bajo), armando su formación original. La banda ha sufrido muchos cambios en su formación a lo largo de su existencia.

Repudiando las raíces musicales de punk rock de muchos contemporáneos del rock alternativo, los Pumpkins tienen un sonido diverso, densamente escalonado y pesado que se adhiere a un punk influido en filosofía en términos de entrega musical, que contiene elementos de rock gótico, heavy metal, dream pop, rock psicodélico, rock progresivo, shoegazing y electrónica en sus últimas grabaciones. Corgan es el compositor principal del grupo — sus grandes ambiciones musicales y sus letras catárticas le han dado forma a la banda y a sus canciones, que han sido descritas como “informes angustiados, magullados de un mundo de pesadillas de Billy Corgan”.

Smashing Pumpkins irrumpió en el mainstream musical con su segundo álbum, “Siamese Dream” de 1993. El grupo construyó su audiencia con extensas giras y su seguimiento de 1995, el doble álbum “Mellon Collie and the Infinite Sadness”, que debutó en el número uno en la lista Billboard 200. Con 20 millones de álbumes vendidos en EUNA, los Smashing Pumpkins eran una de las bandas más comercialmente exitosas y aclamadas por la crítica de la década de 1990. Sin embargo, las luchas internas, el uso de drogas y la disminución de las ventas de discos condujeron a su ruptura en 2000.

Durante 1995, Corgan se encierra en su apartamento y escribe 56 canciones para su nuevo álbum. Después de esta muestra de creatividad de Corgan, los Smashing se meten en el estudio para grabar su siguiente álbum, que Corgan describió como el “The Wall de los años 90”, en comparación con el afamado álbum doble conceptual de Pink Floyd. El resultado de esta explosión creativa es su tercer álbum de estudio, «Mellon Collie and the Infinite Sadness», un álbum doble de 28 canciones que debutó en el primer lugar del ranking Billboard de octubre de 1995, llegando a vender dieciséis millones de copias en el mundo y conseguir nueve discos de platino, convirtiéndose en el álbum doble más vendido de la década en ese momento.

Grabado entre marzo y agosto de 1995 en varios estudios de Chicago y mezclado en Los Ángeles, con producción del líder de la banda Billy Corgan junto a Flood y Alan Moulder, el álbum fue editado en octubre de 1995 a través del sello Virgin Records. El álbum contiene una gran diversidad de estilos, además de incorporar más peso musical por parte de la bajista D’arcy Wretzky y el segundo guitarrista James Iha que en los trabajos previos.

“Mellon Collie and the Infinite Sadness” es un álbum conceptual suelto, con la intención de que las canciones se unan de forma conceptual como símbolo del ciclo de la vida y la muerte. Billy Corgan dijo que el álbum está basado en “la condición humana de la pena mortal”. La naturaleza expansiva del álbum hace que se utilicen varios estilos distintos en sus canciones, contrastando con lo que algunos críticos describieron como “un sabor dimensional” de los dos álbumes previos. Se utiliza una variedad mucho más amplia de instrumentación, como piano (“Mellon Collie and the Infinite Sadness”), sintetizadores y loops de batería (“1979”), una orquesta (“Tonight, Tonight”), MIDI (“Beautiful”) e incluso saleros y tijeras (“Cupid de Locke”). Además, todas las piezas de guitarra del álbum están afinadas un semitono abajo para “hacer la música más grave”, según Corgan.

Precedido del sencillo “Bullet with Butterfly Wings” (nº 22 en las listas estadounidenses), el álbum debutó en el número uno de la lista del Billboard 200, siendo la primera y última vez que lo consiguiera la banda. Se extrajeron cuatro sencillos más -“1979” (nº 12); “Zero” (nº 29); “Tonight, Tonight” (nº 36); y “Thirty-Three” (nº 39) — a lo largo de 1996 y ha sido certificado con un disco de diamante por la RIAA por alcanzar los diez millones de discos vendidos.

Christopher John Farley de la revista Time dijo del álbum que era “el trabajo más ambicioso y conseguido de la banda hasta el día”. Farley escribió: “Uno tiene la sensación de que la banda tiró adelante de forma instintiva; el mero campo que abarca el álbum (28 canciones) no da pie a predicciones o ideas previas”. El crítico David Browne alabó la ambición de la banda y dijo que Mellon Collie and the Infinite Sadness es más que un mero trabajo de un melindroso y torturado obsesivo. Corgan se presenta a sí mismo como uno de los últimos verdaderos creyentes: alguien para quien vomitar toda esta música resulta de alguna manera arte mayor de época. No parece importarle las persistentes cuestiones sobre “venderse” del rock alternativo, y bien que hace: apunta a algo más alto y conquistador”.

El álbum ganó siete nominaciones a los premios Grammy de 1997, venciendo en la categoría de Mejor Interpretación de Hard Rock por la canción “Bullet with Butterfly Wings”. En 1998 fue votado por los lectores de la revista Q como el vigésimo noveno álbum más importante de todos los tiempos. En 2003, la revista Rolling Stone lo posicionó en el puesto número 487 de la lista de Rolling Stone de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos y la revista Time lo nombró como el “Mejor álbum de 1995”.

La edición en disco compacto del álbum fue dividida en dos CD, titulados “Dawn to Dusk” y “Twilight to Starlight”. La edición en disco de vinilo fue dividida en seis lados, titulados “Dawn”, “Tea Time”, “Dusk”, “Twilight”, “Midnight” y “Starlight”, e incluyó dos canciones adicionales (“Tonite Reprise” e “Infinite Sadness”), además de poseer una lista de canciones completamente diferente en cuanto a orden, respecto a las ediciones en disco compacto y casete.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas de Billy Corgan, excepto “Take Me Down”: James Iha, y “Farewell and Goodnight”: Corgan/Iha)

Dawn

01. «Mellon Collie and the Infinite Sadness» – 2:52
02. «Tonight, Tonight» – 4:14
03. «Thirty-Three» – 4:10
04. «In the Arms of Sleep» – 4:12
05. «Take Me Down» – 2:52

 

 

Tea Time

06. «Jellybelly» – 3:01
07. «Bodies» – 4:12
08. «To Forgive» – 4:17
09. «Here Is No Why» – 3:45
10. «Porcelina of the Vast Oceans» – 9:21

 

 

Dusk

11. «Bullet with Butterfly Wings» – 4:18
12. «Thru the Eyes of Ruby» – 7:38
13. «Muzzle» – 3:44
14. «Galapogos» – 4:47
15. «Tales of a Scorched Earth» – 3:46

 

 

Twilight

16. «1979» – 4:25
17. «Beautiful» – 4:18
18. «Cupid de Locke» – 2:50
19. «By Starlight» – 4:48
20. «We Only Come Out at Night» – 4:05

 

 

Midnight

21. «Where Boys Fear to Tread» – 4:22
22. «Zero» – 2:41
23. «Fuck You (An Ode to No One)» – 4:51
24. «Love» – 4:21
25. «X.Y.U.» – 7:07

 

 

Starlight

26. «Stumbleine» – 2:54
27. «Lily (My One and Only)» – 3:31
28. «Tonite Reprise» – 2:40
29. «Farewell and Goodnight» – 4:22
30. «Infinite Sadness» – 4:02

Calidad: 320 Kbps (a 48000 Hz)

 

 

Gracias al compañero David Paioneer por el archivo flac que ripeé a mp3 de máxima calidad.

 

 

 


The Cure – Faith [1981-Reed.1985]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

The Cure es una banda inglesa de rock alternativo y post punk formada en 1976 en Crawley, Inglaterra. Su trayectoria musical se inició a finales de los años setenta y principios de los ochenta, alcanzando la cota más alta de popularidad a principios de los noventa. Ha sido considerado uno de los grupos referentes del rock alternativo, la new wave, el rock gótico y el post punk, influenciaron a bandas del panorama indie como Mogwai o Interpol y, a su vez, estuvieron influenciados por la escena shoegaze inglesa por grupos como My Bloody Valentine. Hasta 2013, The Cure ha editado trece álbumes de estudio, treinta y cuatro sencillos y numerosos recopilatorios y reediciones, vendiendo en su carrera musical alrededor de 30 millones de discos en todo el mundo. The Cure fue nominado en 1993 y en 2001 al Grammy en la categoría de mejor disco de música alternativa.

En su primera etapa musical, The Cure desarrolló un estilo propio dentro de la corriente del post-punk. Fue considerado un grupo del culto dentro de la corriente del rock gótico —en inglés llamada dark wave— durante la primera mitad de los años ochenta. Alcanzaron altas cuotas de popularidad en Inglaterra gracias a su sencillo “A Forest”, perteneciente a su segundo trabajo “Seventeen Seconds” de 1980, el cual se posicionó en el puesto 31 de las listas de éxitos.

En 1981, la banda se reunió de nuevo con Mike Hedges, productor de “Seventeen Seconds”, para grabar su siguiente álbum, «Faith», que reincidió en la introspección y en la atmósfera contenida en su anterior disco. El tercer trabajo de la banda fue grabado entre septiembre y noviembre de 1980 y entre febrero y marzo de 1981 en los Estudios Morgan (estudio 1) de Londres, siendo editado en abril de 1981 por Fiction Records y Polydor Records.

“Faith” fue considerado un álbum de culto dentro del llamado rock gótico por su carácter depresivo y por sus letras existenciales. Junto con el anterior “Seventeen Seconds” y el posterior “Pornography”, “Faith” es el segundo movimiento de la llamada “trilogía clásica”, cuyos álbumes están continuados entre sí.

La temática principal del álbum fue el cada vez mayor agnosticismo que sintió Robert Smith —cuya infancia estuvo fuertemente marcada por un adoctrinamiento católico— y su progresiva falta de fe. Otro de los temas secundarios de “Faith” fue la añoranza de la infancia perdida, con referencias claras en las letras de “The holy hour” o “Primary”, y en citas del propio Robert Smith pertenecientes a aquella época: «Tenía 21 años, pero me sentía realmente viejo. Sentí que la vida había perdido sentido. No tenía fe en nada. No veía demasiado sentido en continuar con mi vida».

“Faith” es el primer disco de The Cure en incluir la guitarra barítona/bajo de seis cuerdas. La portada del álbum la compone una foto de la abadía de Bolton en la niebla, lugar que Smith solía frecuentar en pequeño. Desde su publicación en 1981, “Faith” ha ido ganando peso dentro de la discografía de The Cure, erigiéndose como uno de los más importantes de su carrera. “Faith” es también, por su contexto histórico, el máximo deudor del celebrado “Closer” del grupo post-punk, Joy Division.

El álbum alcanzó el puesto 14 en las listas británicas en 1981, siendo certificado disco de plata. En Nueva Zelanda alcanzó el nº 1. Como adelanto del álbum, se editó en sencillo “Primary” en marzo de 1981. A finales de ese mismo año, The Cure lanzó el sencillo “Charlotte Sometimes”, basado en la novela homónima de Penelope Farmer, no incluido en ningún álbum de estudio de la banda.

En 1985 fue reeditado en formato CD por el sello Fiction Records y nuevamente en 1988 por Elektra Records. Este archivo corresponde a la primera reedición.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas escritos por Robert Smith y compuestos por Smith/Gallup/Tolhurst)

  1. «The Holy Hour» – 4:25
  2. «Primary» – 3:35
  3. «Other Voices» – 4:28
  4. «All Cats Are Grey» – 5:28
  5. «The Funeral Party» – 4:14
  6. «Doubt» – 3:11
  7. «The Drowning Man» – 4:50
  8. «Faith» – 6:43

Calidad: 320 Kbps (a 48000 Hz)

 

 

Gracias al compañero Jaimolin por el archivo wav que ripeé a mp3 de máxima calidad.

 

 

 

 


New Order – The Peel Sessions 1 (EP) [1988]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

New Order (en castellano, Nuevo Orden) es un grupo británico de synthpop y rock alternativo formado en 1980 por Sumner (voz, guitarras, teclado y sintetizador), Peter Hook (bajo y voces) y Morris (batería, batería electrónica y sintetizadores)- los miembros restantes de Joy Division al suicidio de su líder y vocalista Ian Curtis- con la adición de Gilbert (teclado, sintetizador y guitarra). Actualmente se conforma por Bernard Sumner, Stephen Morris, Gillian Gilbert, Phil Cunningham y Tom Chapman. En sus inicios New Order tuvo un estilo musical fácilmente comparable con el del grupo anterior (rock gótico) hasta que encontró un sonido característico propio, una fusión entre la música electrónica dance y el new wave o post-punk.

New Order se ha convertido en una de las bandas más aclamadas por la crítica y una de las más influyentes de la década de los 80′ en todo el mundo. Durante sus primeros años estuvieron fuertemente influenciados por el legado musical de su anterior banda Joy Division, pero su experiencia en la temprana escena de Nueva York a inicios de la década de 1980, expandió su conocimiento en la música dance y les contribuyó a incorporar elementos de ese estilo en sus obras. El hit de la banda publicado en 1983 “Blue Monday”, se convirtió en el disco de 12 pulgadas más vendido de toda la historia. Es el claro ejemplo de cómo la banda transformó su sonido y adquirió su propia esencia. Fueron la banda representativa de la desaparecida discográfica independiente de Manchester, Factory Records.

En 1993 se separaron admitiendo tensión y problemas internos entre los integrantes de la banda, pero a pesar de ello, en 1998 se reunieron nuevamente.

El ep «The Peel Sessions 1», grabado en las sesiones del programa radiofónico de la BBC de John Peel en junio de 1981, fue editado en formato maxi-single en 1986 por Strange Fruit y distribuido por Pinnacle, con producción de Tony Wilson y el propio grupo. En 1988 el mismo sello lo reeditó en formato CD; este archivo corresponde a dicha reedición. El diseño de carpeta fue de Wyke Studios.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas de B. Dicken, G. Gilbert, P. Hook, S. Morris)
 

  1. «Truth» – 4:20
  2. «Senses» – 4:15
  3. «I.C.B.» – 5:15
  4. «Dreams Never End» – 3:05

Calidad: 320 Kbps

 

Gracias al compañero 3nd3r por el archivo flac que ripeé a mp3 de máxima calidad.

 

 

 


New Order – The Peel Sessions 2 (EP) [1988]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

New Order (en castellano, Nuevo Orden) es un grupo británico de synthpop y rock alternativo formado en 1980 por Sumner (voz, guitarras, teclado y sintetizador), Peter Hook (bajo y voces) y Morris (batería, batería electrónica y sintetizadores)- los miembros restantes de Joy Division al suicidio de su líder y vocalista Ian Curtis- con la adición de Gilbert (teclado, sintetizador y guitarra). Actualmente se conforma por Bernard Sumner, Stephen Morris, Gillian Gilbert, Phil Cunningham y Tom Chapman. En sus inicios New Order tuvo un estilo musical fácilmente comparable con el del grupo anterior (rock gótico) hasta que encontró un sonido característico propio, una fusión entre la música electrónica dance y el new wave o post-punk.

New Order se ha convertido en una de las bandas más aclamadas por la crítica y una de las más influyentes de la década de los 80′ en todo el mundo. Durante sus primeros años estuvieron fuertemente influenciados por el legado musical de su anterior banda Joy Division, pero su experiencia en la temprana escena de Nueva York a inicios de la década de 1980, expandió su conocimiento en la música dance y les contribuyó a incorporar elementos de ese estilo en sus obras. El hit de la banda publicado en 1983 “Blue Monday”, se convirtió en el disco de 12 pulgadas más vendido de toda la historia. Es el claro ejemplo de cómo la banda transformó su sonido y adquirió su propia esencia. Fueron la banda representativa de la desaparecida discográfica independiente de Manchester, Factory Records.

En 1993 se separaron admitiendo tensión y problemas internos entre los integrantes de la banda, pero a pesar de ello, en 1998 se reunieron nuevamente.

El ep «The Peel Sessions 2», grabado en las sesiones del programa radiofónico de la BBC de John Peel en junio de 1982, fue editado en formato maxi-single en 1986 por Strange Fruit y distribuido por Pinnacle, con producción de Tony Wilson y el propio grupo. En 1988 el mismo sello lo reeditó en formato CD; este archivo corresponde a dicha reedición. El diseño de carpeta fue de Wyke Studios.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas de New Order, excepto 1: Keith Hudson)
 

  1. «Turn the Heater On» – 5:00
  2. «We All Stand» – 5:15
  3. «Too Late» – 3:35
  4. «5-8-6» – 6:05

Calidad: 320 Kbps

 

 

Gracias al compañero 3nd3r por el archivo flac que ripeé a mp3 de máxima calidad.

 

 

 


Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota – Lobo Suelto, Cordero Atado [1993]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota (o simplemente Los Redondos) fue un grupo argentino de rock, formado en la ciudad de La Plata en 1976 y liderada por Carlos Alberto «Indio» Solari y Eduardo «Skay» Beilinson. En 1978 realizaron su primera presentación en Buenos Aires, con el reconocido guitarrista Conejo Jolivet, quien oficiaba de la primera guitarra, y el tecladista Roddy Castro quien además facilitó su lugar en las míticas salas de ensayo del subsuelo de la Av. Corrientes casi Av. 9 de julio. Posteriormente siguieron tocando en teatros underground hasta 1979, año en el que la banda decidió interrumpir momentáneamente sus shows. En 1981 el grupo retomó el rumbo de los pubs, para llegar a grabar su primer demo profesional en 1982, registradas en RCA en el demo “Demos RCA + Festival Pan Caliente”, que logran una importante difusión en las emisoras FM porteñas.

La banda creó con su música una original estética del rock, alcanzando masividad sin entrar en el circuito cultural oficial; manteniéndose independiente al margen de la industria musical durante sus 25 años de actividad y transformándose en la única banda (junto con La Renga) que, por principios, jamás se apoyó en los medios para difundir su trabajo. En general los recitales eran promovidos por el “boca en boca”. Por este motivo siempre fue una banda que estuvo al margen de festivales, reconocimiento mediático o premiaciones, sólo la Fundación Konex reconoció su trayectoria en 1995 con un Diploma al Mérito y en 2005 con el Premio Konex de Platino a la mejor banda de rock de la década, compartido con Divididos.

Considerada como una de las bandas más importantes del rock argentino y una de las más influyentes del rock en castellano, su obra siempre estuvo marcada por las metáforas en sus letras, la cultura, el vanguardismo en su puesta en escena y un imperante misticismo en sus obras gráficas. Representa un paradigma contracultural, reforzado y marcado por su producción independiente. Su influencia se ve en bandas como La Renga, Callejeros, Los Piojos, Los Gardelitos, Salta la Banca, El Bordo, La Beriso, Las Pastillas del Abuelo o Árbol.

Musicalmente, se destacan por sus instrumentales sumamente creativos, por una primera guitarra siempre presente ―ejecutando riffs y solos― en combinación con la voz y con agregados de otros instrumentos, tales como el saxofón, el violín, la trompeta, el piano, la armónica o percusión en varias de sus canciones.

Su primer álbum de estudio, “Gulp!”, mezclado en los estudios MIA con Lito Vitale como operador y músico invitado, fue editado por el sello Wormo en 1985 con distribución comercial que corrió por cuenta de Carmen Castro (la “Negra Poly”) quien desde sus inicios fue la mánager del grupo. “Oktubre” fue su segundo álbum de estudio, publicado en 1986 por el sello discográfico Wormo. El trabajo terminó de lanzarlos a la masividad. Destaca el tema “Ji ji ji”, catalogado popularmente como «el pogo más grande del mundo» (en alusión al fervor que la canción genera en los espectadores cuando es tocada en vivo), y ocupa el quinto lugar en una encuesta realizada por la revista Rolling Stone, acerca de las 100 canciones más destacadas del Rock Nacional Argentino. En 2007, la versión argentina de la revista Rolling Stone situó a “Oktubre” en el puesto n.º 4 en su lista de Los 100 mejores álbumes del rock argentino.

“Un Baión para el Ojo Idiota” es su tercer álbum de estudio, editado en 1988 por Wormo y más tarde por el sello del grupo Del Cielito Records. La totalidad de los temas son clásicos del rock argentino, y algunos virtuales himnos, como “Todo un palo” o “Vamos las bandas”. El cuarto álbum de estudio del grupo, “¡Bang! ¡Bang!, Estás Liquidado”, fue editado en 1989 por el sello del grupo Del Cielito Records y más tarde en formato CD por el sello del grupo reconstituido en Patricio Rey Discos. La edición argentina de la revista Rolling Stone lo ubicó en el puesto 33° entre los 100 mejores discos del rock nacional. “La Mosca y La Sopa” es el quinto álbum de estudio de la banda, publicado en 1991 por el sello Del Cielito Records. Es uno de los álbumes emblema de la banda junto a “Oktubre”, con éxitos como “Blues de la Artillería”, “Mi Perro Dinamita”, “Salando las Heridas” y “El Pibe de los Astilleros”. El álbum marcó un éxito masivo estando varios meses en los primeros puestos de las radios argentinas.

“En Directo” es un álbum en vivo de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, editado en 1992 por el sello Del Cielito Records. Es considerado como el álbum “pirata oficial” de la banda y fue el primero en ser masterizado en Estados Unidos de Norteamérica. Recoge los fragmentos más destacados de los conciertos brindados durante los recitales en el Teatro de Verano de Montevideo (Uruguay) el 8 de diciembre de 1989 y en el mítico Estadio Obras Sanitarias de Buenos Aires el 29 de diciembre de 1991.

«Lobo Suelto, Cordero Atado», sexto álbum de estudio y séptimo oficial de la banda, se trata en realidad de dos álbumes temáticos sobre Lupus el Lobo y de Rulo el Cordero, con distintas canciones y portadas totalmente opuestas. Ambos fueron grabados entre marzo y julio de 1993 en los estudios Del Cielito y editados el día 4 de diciembre de 1993 por el sello Del Cielito Records. Es el primer – y único – álbum doble del grupo. El arte de tapa estuvo a cargo de Rocambole en el vol. 1 y del bajista Semilla Bucciarelli en el vol. 2.

Si bien las grabaciones se realizaron en Argentina, en los estudios Del Cielito, una visita del productor Gustavo Gauvry y el técnico de sonido Mario Breuer a Estados Unidos de Norteamérica desembocó en la posibilidad de realizar la masterización de “Lobo Suelto, Cordero Atado” en aquel país, hecho que, en medio de la persistente búsqueda de sonido por parte de la banda, no pudo ser más oportuno. Siguieron algunos viajes, y la concreción de la mezcla se efectuó en un estudio de Miami y luego fue completada en Los Ángeles.

Temas destacados del doble disco son “Rock para el Negro Atila”, “Yo Caníbal”, “Caña Seca y un Membrillo” y “Un ángel para tu soledad”, presentando un rock más dinámico con ciertas innovaciones que mejoraban la calidad del sonido del álbum. Se incluyen también canciones experimentales como “Invocación”, “Capricho magyar” y “Soga de Caín”. Como curiosidad, la canción “¡Es hora de levantarse, querido! (¿dormiste bien?)” está dedicada al periodista de Página/12 Carlos Polimeni, quién acusó al Indio Solari de haber sido profesor de educación física en un colegio militar. Solari respondió diciendo “La única gimnasia que he hecho, ha sido destapar botellas”.

La presentación del álbum se realizó en el estadio de Huracán en dos fechas separadas, una dedicada íntegramente a “Lobo Suelto” (19 de noviembre de 1993) y otra a “Cordero Atado” (20 de noviembre de 1993), en estos recitales tuvieron varios invitados, entre ellos el coro femenino Las Blacanblus, y también volvió a la banda un ex integrante de los primeros tiempos, Conejo Jolivet; él cual también participó en varios shows de 1994 y 1995, luego regresó más tarde en 1998 en los dos recitales de Racing Club de Avellaneda, donde presentaron “Último Bondi a Finisterre” y donde Conejo toca en casi la totalidad de los temas.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas compuestos por Beilinson/Solari)

CD 1:

  1.  «Invocación» – 1:00
  2.  «Rock para el Negro Atila» – 4:00
  3. «Sorpresa de Shangai» – 3:40
  4. «Shopping Disco-Zen» – 2:48
  5. «Un Ángel para Tu Soledad» – 3:52
  6. «Buenas Noticias» – 3:44
  7. «Susanita» – 3:44
  8. «Capricho Magyar» (Instrumental) – 0:58
  9. «Espejismo» – 5:34
  10. «Gran Ley» – 3:30
  11. «La Hija del Fletero» – 3:16
  12. «El Lobo Caído» – 3:36
  13. «Sushi» (Instrumental) – 1:06

 

 

CD 2:

  1. «Yo Caníbal» – 2:58
  2. «Ladrón de Mi Cerebro» – 3:35
  3. «¡Es Hora de Levantarse, Querido! (¿Dormiste Bien?)» – 3:36
  4. «Perdiendo el Tiempo» – 3:52
  5. «Caña Seca y un Membrillo» – 4:28
  6. «Soga de Caín» (Instrumental) – 1:20
  7. «Lavi-Rap» – 4:12
  8. «El Arte del Buen Comer» – 4:37
  9. «¡Lobo, ¿Estás?!» – 3:02
  10. «Botija Rapado» – 2:49
  11. «San Telmo» (Instrumental) – 0:43
  12. «Etiqueta Negra» – 5:39
Calidad: FLAC

 

 

 


Rage Against the Machine – Live & Rare [1997]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

Rage Against the Machine (también conocido como Rage o RATM) es un grupo musical estadounidense de rap metal fundado en el año 1990 por Tom Morello y Zack de la Rocha. Junto con Tim Commerford y Brad Wilk, el grupo tocó durante toda la década de los años 1990 hasta su disolución en 2000.

Zack de la Rocha concibió el nombre Rage Against The Machine (en castellano: ‘Ira En Contra De La Máquina (o del Sistema)’) antes de la formación de la banda. Cuando Zack conoció a Tom Morello y formaron el grupo, el nombre Rage Against The Machine les pareció el más indicado para el tipo de música y de ideas que pretendían difundir. La “Máquina” (o el Sistema), según Morello, representa la globalización, el neoliberalismo, la alienación, el racismo, la brutalidad, la élite y la ignorancia, entre otras ideas.

Su estilo característico es una sólida fusión de hip hop, funk y heavy metal. Los solos de guitarra de Tom Morello se recalcan por sus prominentes usos de pedales y efectos, y sobresalen sus emulaciones de los scratchs y otros efectos de los DJ de hip hop. El cantante, Zack de la Rocha, participó en grupos de punk y hardcore metal antes de volverse un apasionado de las rimas del rap: de ahí viene su estilo agresivo de rapear y los fuertes gritos que incluye en algunas canciones. Se aprecia también un pequeño toque de jazz por parte del bajista Tim Commerford, que perteneció a un grupo de ese estilo a mediados de los años 1980; finalmente, la batería de Brad Wilk está cargada de ritmos funk especialmente contundentes. Este estilo de fusión fue más tarde imitado por otras bandas, atribuyéndosele la etiqueta de rap metal.

Son también conocidos por el contenido sociopolítico de sus canciones. Sus letras son rotundas, con un claro posicionamiento en contra del capitalismo, la globalización y la guerra. De tendencias políticas de izquierda, R.A.T.M. destacó, además, por sus múltiples iniciativas de protesta y solidaridad con distintos movimientos de reivindicación sociales y musicales. El cantante Zack de la Rocha participó en movimientos derivados del EZLN. En los días posteriores a los atentados del 11 de septiembre, las emisoras de radio estadounidenses habrían censurado al grupo por alentar el antipatriotismo.

A mediados de 1996 el grupo apareció en el programa de televisión Saturday Night Live de la cadena NBC, provocando un incidente que le valió ser censurado de por vida de esta cadena de televisión. Al día siguiente, el vídeo de “Bulls on Parade” fue emitido por MTV y dos días después se lanzó “Evil Empire”. Rage actuó gratuitamente en la Universidad Estatal de California, mientras “Evil Empire” entraba al Billboard 200 como número #1, superando al disco de Alanis Morissette “Jagged Little Pill”.

En el verano de 1997, Rage Against the Machine y el Wu-Tang Clan estuvieron de gira juntos, y fueron la atracción musical más popular de ese verano en Estados Unidos de Norteamérica. Aparecieron en actos como el Warped Tour, H.O.R.D.E, y el Lilith Fair Tour. Rage lanzó el 25 de noviembre un DVD titulado “Rage Against the Machine”, que contenía varias presentaciones en vivo que habían grabado durante todo su historial, y también los cinco vídeos que habían hecho sin censura. “The Ghost of Tom Joad”, una canción de Bruce Springsteen versionada por la banda en vivo, también formaba parte del DVD.

«Live & Rare» (En vivo y raro) es un álbum en vivo de Rage Against the Machine lanzado por Sony Music en julio de 1997 solamente para Japón. En EUNA, el álbum se puede adquirir sólo en algunas sedes de la industria musical, pero se encontró sobre todo en Japón debido a los intereses japoneses en RATM. Se trata de un álbum compuesto a partir de “bootlegs oficiales” disponibles anteriormente en otros sencillos (como por ejemplo la versión de “Fuck tha Police” de N.W.A. que anteriormente estuvo disponible en red, una edición limitada del sencillo “Guerrilla Radio”).

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

 

  1. «Bullet in the Head (Live)» – 5:42
  2. «Settle for Nothing (Live)» – 4:57
  3. «Bombtrack (Live)» – 5:53
  4. «Take the Power Back (Live)» – 6:11
  5. «Freedom (Live)» – 5:58
  6. «Intro (Black Steel in the Hour of Chaos) (Live)» – 3:40
  7. «Zapata’s Blood (Live)» – 3:47
  8. «Without A Face (Live)» – 4:04
  9. «Hadda Be Playing on the Jukebox (Live)» – 8:02
  10. «Fuck tha Police (Live)» – 4:07
  11. «Darkness» – 3:40
  12. «Clear the Lane» – 3:48
  • Temas 1 y 2 grabados en directo en Amsterdam, 7 de febrero de 1993.
  • Tema 3 grabado en directo en Minneapolis (Minnesota, 5 de abril de 1993.
  • Temas 4 y 5 grabados en directo en Vancouver, Columbia Británica (Canadá), 11 de abril de 1993.
  • Temas 6 a 8 grabados en directo en Hilversum (Holanda), 27 de mayo de 1996.
  • Tema 9 grabado en directo en Detroit (Michigan), 9 de julio de 1993.
  • Tema 10 grabado en directo en Washington D.C., en el concierto a beneficio de Mania Abu Jamal, 13 de agosto de 1995.

Calidad: FLAC

 

 

 


The Stranglers – La Folie [1981-Reed.1987]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

The Stranglers es una banda de rock del Reino Unido formada en 1974 originalmente con el nombre de “The Guildford Stranglers” y se les considera como una de las precursoras del punk, pero más por sus actitudes que por la similitud musical, ya que han explorado multitud de estilos. La banda dio sus primeros pasos en los circuitos de pub rock y finalmente alcanzó la categoría de grupo de mainstream con un notable éxito comercial, especialmente en el Reino Unido y el resto de Europa. En aquél han conseguido que 17 de sus álbumes y 23 de sus sencillos hayan entrado en las listas del Top 40.

El grupo comienza su carrera con el nombre de Guildford Stranglers en Chiddington, una localidad cercana a Guildford (condado de Surrey, Inglaterra) en 1974, con Brian Duffy, nombre real de Jet Black, batería de la banda, el cantante y guitarrista Hugh Cornwell, el bajista y también vocalista Jean Jacques Burnel, y el guitarrista, teclista y cantante Hans Wärmling, los miembros de la primera formación, aunque este último, procedente de Suecia, fue pronto reemplazado en los teclados por Dave Greenfield y regresó a su país tras abandonar el grupo.

En diciembre de 1976 United Artists les ofreció 40.000 libras esterlinas por un contrato en exclusiva. Stranglers aceptaron y en febrero de 1977 grababan su primer single, titulado ‘(Get a) Grip (on yourself)’, que llegó al número 4 de las listas de éxitos británicas. Un par de meses después apareció el álbum debut “Rattus Norvegicus”, que fue aclamado por el público. Con estas primeras canciones el grupo supo imponerse. En sus letras se metían con todo: con el punk convencional y con el modo de hacer y de decir las cosas en aquel tiempo. Por ciertas durísimas palabras dirigidas a las mujeres y al feminismo fueron acusados de misoginia. La selecta ideología del grupo se sustentaba sobre una música refinada, rica en matices y en sonoridad, netamente superior a la producción media de aquel período.

El grupo, muy prolífico, editó en septiembre de 1977 (cinco meses después de su debut en larga duración) su segundo álbum, “No More Heroes”, que llegó al segundo puesto de las listas de éxitos, mientras que el single homónimo entró en el Top 10, confirmando su fortuna comercial. En el transcurso de sólo dos años Stranglers habían conquistado un papel relevante en la escena británica, por encima de los demás grupos punk. Sus actuaciones en vivo eran duras, agresivas, descaradas, mientras que sus discos mostraban cada vez un mayor refinamiento.

«La Folie» es el sexto álbum de estudio de la banda inglesa The Stranglers, grabado y producido por Steve Churchyard y Tony Visconti en septiembre de 1981 en The Manor Studio (Oxfordshire, Inglaterra), mezclado en los Good Earth Studios de Londres y editado en noviembre de 1981 por el sello Liberty Records (perteneciente a EMI Records). El diseño de carpeta fue de la empresa Shoot That Tiger!, con fotografías de Phil Jude (portada) y Ava Carrier (trasera). Es el primero de sus álbumes en el cual se deja sentir el viento del nuevo decenio, los años ochenta, y que cierra definitivamente su período punk.

El título del álbum en francés literalmente se traduce como “locura”. En varias entrevistas, la banda relató que esto se refería a “La Locura del Amor” y que conceptualmente, cada una de las canciones en el álbum tenía la intención de explorar un tipo o aspecto diferente de “amor”.

The Stranglers había sido inicialmente la más exitosa comercialmente banda de punk rock y new wave de la época en el Reino Unido, pero en 1981 su éxito había disminuido notablemente. “La Folie” fue un intento consciente de entregar un producto más comercial. Los sencillos editados fueron “Let Me Introduce You to the Family” (nº 42 en Reino Unido), “Golden Brown” (nº 2) y “La Folie” (nº 47).

Ha habido mucha controversia en torno a las letras de “Golden Brown”. En su libro de 2001 “The Stranglers – Song By Song”, Hugh Cornwell declara que “‘Golden Brown’ funciona en dos niveles, se trata de la heroína y también de una chica”. Esencialmente, las letras describen cómo “ambos me proporcionaron momentos placenteros”. Hugh Cornwell relató en en mismo libro que el título correcto de la canción de apertura del álbum era “Non Stop Nun”, y aparentemente no había sabido que la compañía de discos la había impreso simplemente como “Non Stop”.

En este punto Stranglers son una banda de rock a todos los efectos. Los años transcurridos han marcado su evolución hacia una música más tranquila, que encuentra su exaltación en el álbum “Feline” (1982), que contiene el éxito ‘The european female’ y señala su paso a la compañía Epic.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas de The Stranglers, excepto 5: Milton Mezz Mezzrow)
 

  1. «Non Stop» – 2:29
  2. «Everybody Loves You When You’re Dead» – 2:41
  3. «Tramp» – 3:04
  4. «Let Me Introduce You to the Family» – 3:07
  5. «Ain’t Nothin’ to It» – 3:56
  6. «The Man They Love to Hate» – 4:22
  7. «Pin Up» – 2:46
  8. «It Only Takes Two to Tango» – 3:37
  9. «Golden Brown» – 3:28
  10. «How to Find True Love and Happiness in the Present Day» – 3:04
  11. «La Folie» – 6:04
  12. «Cruel Garden» (bonus) – 2:14

Calidad: 320 Kbps (a 48000 Hz)

 

 

Gracias al compañero Jaimolin por el archivo wav que ripeé a mp3 de máxima calidad.

 

 

 

 


Caballeros de la Quema – Manos Vacías [1993]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

Caballeros de la Quema fue una banda de rock alternativo, oriunda de la ciudad de Morón en Buenos Aires, Argentina, que se formó en 1989. El punto de partida empezó con tres de los miembros de una banda de rock sinfónico llamada El Aleph (todos exalumnos del colegio Dorrego, de Morón), que formarían el embrión inicial de lo que tiempo después serían Los Caballeros de la Quema. Las tres primeras canciones que ensayaron con esa primitiva formación son bocetos que terminarían en “Tibia peste”, “Carlito” y “Buenos Aires esquina Vietnam”. Adoptaron el nombre revisando revistas; en una de ellas encontraron una nota al humorista Pepe Marrone, donde contaba que su primera troupé de circo se había llamado Los Caballeros de la Quema.

En aquel tiempo pasan por diferentes cambios de formación, que incluye el paso de Iván Noble a la voz, dejando la batería. Habían probado hasta cantantes femeninas hasta que Iván, quien escribía la mayoría de las letras, pasó a cantar. Martín Méndez e Iván todavía eran estudiantes de Sociología en la Universidad de Buenos Aires, ya se había incorporado Javier Cavo en la batería y Pablo Guerra se sumaba luego haber fundado Los Piojos.

En 1991 editan en forma independiente su primera producción en cassette titulada “Primavera Negra”. Al año siguiente (1992) esta maqueta será reeditada con más canciones. El sello Iguana Records (perteneciente a la discográfica BMG) se interesa en estos temas autoeditados y firman contrato para publicar sus siguientes trabajos.

«Manos Vacías» es el primer álbum -y segundo trabajo- de la banda, grabado en los Estudios Panda y Del Cielito de Buenos Aires, masterizado en Sound Designer y editado en 1991 por el sello Iguana Records. Contiene canciones que formaron parte de su primer emprendimiento, “Primavera Negra”. De allí saldrían clásicos como “Patri” (considerada la 27ª mejor canción del rock argentino por Rock.com.ar.en 2007), “Carlito” (con video de Picky Tallarico), “Gusanos” y “Buenos Aires esquina Vietman”, entre otros.

Fueron invitados por Joaquín Sabina a abrir su show en el estadio de Ferro ante más de 15 mil espectadores. Realizan shows en Rosario, Santa Fe y Córdoba, además de Buenos Aires y Capital federal durante ese año. Las encuestas de fin de año los encontraron en los primeros lugares como banda revelación.

 

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Domingo Muerto» – 2:55
  2. «Bs.As. Esquina Vietnam» – 4:20
  3. «Tibia Peste» – 3:12
  4. «Patri» – 3:42
  5. «9 Días» – 2:16
  6. «Me Sobás la Espalda (Viuda Negra)» – 4:56
  7. «Con el Agua en los Pies» – 6:00
  8. «Similaun» – 3:03
  9. «Carlito» – 3:54
  10. «Gusanos» – 4:20
  11. «El Culo del Asunto» – 4:04
  12. «Primavera Negra» – 3:01
  13. «Milwaukee» – 8:00
  14. «Luces de Bar» – 1:30

Calidad: FLAC

 

 

 


Flesh for Lulu – Plastic Fantastic [1989]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

Flesh for Lulu es una banda británica de rock alternativo formada en Brixton, Londres, activa entre 1982 y 1992, y más recientemente desde 2013 con una nueva formación. Su música fue una mezcla de New York Dolls y Rolling Stones con la atmósfera y la estética sombrías del rock gótico.

Nick Marsh (voz y guitarra) y James Mitchell (batería) fundaron la banda y pronto reclutaron a Rocco (de Wasted Youth, guitarra y coros) y a Glen Bishop (bajo), tomando su nombre de una película norteamericana de culto. Firmaron con Polydor Records en 1983 y poco después el bajista Glen Bishop abandonó para unirse a Under Two Flags, siendo reemplazado por Kevin Mills (de Specimen).

El álbum de debut homónimo “Flesh for Lulu” fue editado en 1984 a través de Polydor Records, con producción de Hein Hoven, Harvey Birrell y el propio grupo. El sello les hizo esperar un año para editar el álbum, aduciendo que no encontraba en él ningún posible hit o éxito comercial. Por lo tanto la banda firmó contrato con Hybrid Records en 1985 y editó el mini LP “Blue Sisters Swing”, producido por Craig Leon. La imagen de la portada de dos monjas besándose originó que el álbum fuera prohibido en Estados Unidos de Norteamérica y Europa. Flesh for Lulu entonces se unió a Statik Records, quien lanzó “Big Fun City” más tarde en ese mismo año.

Al año siguiente, 1986, la banda firmó con Beggars Banquet Records y su canción “I Go Crazy” fue incluida en “Some Kind of Wonderful” y se vio radiada en las emisoras universitarias estadounidenses de rock. Esto permitió a Flesh for Lulu sostener una exitosa gira por EUNA.

El cuarto álbum de Flesh for Lulu, «Plastic Fantastic», fue grabado en los Rhinoceros Studios de Sydney (Australia) y los Eastcote Studios de Londres, con producción de Mark Opitz y Zeus B. Held, y editado en 1989 a través de Beggars Banquet Records en el Reino Unido y por Capitol Records en EUNA. Los ingenieros de sonido durante la grabación de las canciones fueron Allan Wright y Phillip Bagnell. El diseño de carpeta fue de Steve Webbon y el propio grupo, con fotografías de Paul Cox (portada) y Graham Mitchell.

En 1989, “Decline and Fall” se convirtió en un top 15 hit en el nuevo Modern Rock Tracks. Al año siguiente, “Time and Space”, escrito por el miembro más reciente Del Strangefish (ex-guitarrista de Peter and the Test Tube Babies) se convirtió en su mayor éxito en EUNA, alcanzando el top 10 de la lista Modern Rock. Tras fallar las negociaciones con Capitol Records, el proyecto de un nuevo disco con Hollywood Records no se concretó. La banda se disolvió poco después, con el cantante Nick Marsh diciendo: “La razón por la que Flesh se dividió realmente es porque no había un claro… Acuñando el más antiguo cliché de todos, hubo diferencias musicales. Es cierto, hubo dos separadas líneas de pensamiento”.

Fuente: Wikipedia (en inglés) / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Decline and Fall» – 4:26
  2. «House of Cards» – 4:41
  3. «Time and Space» – 3:57
  4. «Every Little Word» – 4:26
  5. «Slowdown» – 4:33
  6. «Highwire» – 3:46
  7. «Slide» – 3:42
  8. «Day One» – 4:33
  9. «Choosing You» – 2:06
  10. «Stupid on the Street» – 4:07
  11. «Avenue» – 4:15
  12. «Plastic Fantastic» – 4:50

Calidad: 320 Kbps (a 48000 Hz)

 

 

Gracias al compañero 240 por el archivo flac que ripeé a mp3 de máxima calidad.

 

 

 


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