Ciclos y Neurastenias en un mundo cruel

Alternativo

Massacre – 12 Nuevas Patologías [2003]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

Massacre es una banda de rock argentina, pionera en el género denominado skate rock en Latinoamérica. Originalmente llamados Massacre Palestina, se formaron en Buenos Aires en el año 1986. Se conformó por estudiantes secundarios influidos por bandas de la costa oeste estadounidense, que fusionaban hardcore-surf-punk a fines de los setenta y comienzos de los ochenta. Entre sus influencias, se encuentran artistas como T.S.O.L, Dead Kennedys, Black Flag, Nirvana, The Cure, R.E.M., The Ramones, T. Rex, Sumo, Gustavo Cerati, Luis Alberto Spinetta, entre otros.

La primera formación contaba con Francisco Ruiz Ferreyra (Paco) en batería, José Armetta (Topo) en el bajo, Guillermo Cidade (Walas) en guitarra y Richard Serafini en voz. El primer disco homónimo de la banda fue un EP en vinilo, grabado en 1987 bajo el sello Radio Trípoli, que contenía cuatro canciones, hoy una pieza de colección. Junto a la salida del disco filman su primer vídeo del tema “Diferentes Maneras”, en la actualidad absolutamente perdido. La carrera del grupo se desarrolló durante años sobre la base de presentaciones en vivo y largas ausencias, hasta la posibilidad de grabar el primer álbum. Para octubre de 1989 Richard se despide de la formación y Wallas se encarga de las voces, dejando su puesto a Pablo Mondello (alias Pablo M. o El Tordo), ex compañero del secundario, eximio guitarrista y pilar fundamental en la concepción musical del grupo para los tiempos que vendrían. Con esta formación los Massacre recorrerían larga parte de su carrera.

Tras su primer álbum de estudio, “Sol Lucet Omnibus” (1992), se rebautizaron como Massacre, debido al atentado a la embajada de Israel en Argentina, en donde su apelativo “Palestina”, pudiera generar polémica.

Aunque la banda era conocida por su actitud basada en la autogestión durante más de veinte años de carrera, se la consideraba como una de las pocas bandas verdaderamente de culto de la Argentina, hasta la edición de su sexto disco de estudio, titulado “El Mamut” (2007); que alcanzó gran éxito, por lo que la banda alcanzó masividad a nivel popular, no solo en Argentina, sino también en el resto de Latinoamérica.

«12 Nuevas Patologías» es el quinto disco de Massacre, grabado en julio de 2003 en Estudios del Abasto, Buenos Aires, por Gonzalo Villagra y editado ese mismo año por el sello independiente Laika Records.

El álbum contiene doce temas agrupados por diferentes patologías individuales y colectivas, como obsesiones, culpas, fobias, miedos y dudas. En tanto a lo musical, el disco juega con sonidos electrónicos creando una atmósfera y clima de psicodelia. El corte de difusión fue “Querida Eugenia”, que contó con dos videos (uno de estilo documental, en la inauguración del Skate Park en Parque Sarmiento; el segundo, más artístico). También se destacan las canciones “Seguro es por mi culpa” y “Adiós caballo español”.

Charly Carnota, ex RIP y Tintoreros, que venía de la banda neoyorquina Manhattan Heroes, en su vuelta a Buenos Aires reemplazó a Chachi y se hizo cargo de la batería. El disco es denominado de “rock psicológico” o “rock terapéutico”, según entendidos.

 

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Adiós, Caballo Español» – 4:20
  2. «Querida Eugenia» – 3:46
  3. «La Nueva Amenaza» – 5:07
  4. «Heredarán la Tierra» – 5:06
  5. «Seguro Es por Mi Culpa» – 5:30
  6. «Bienvenido al Mundo de los Conflictuaditos» – 2:42
  7. «Ideal para el Invierno» – 4:34
  8. «Sofía, la Super Vedette» – 4:20
  9. «Río Siempre» – 5:04
  10. «Invasión de Aguavivas en Santa Mónica» – 3:33
  11. «Ambas Estatuas» – 7:17
  12. «Gilda Manson» – 9:02

Calidad: M4A

 

 

 


Los Piojos – Huracanes en Luna Plateada [2002]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

Los Piojos fue una banda argentina de rock formada a fines de 1988 y oriunda de Ciudad Jardín Lomas del Palomar, en el Gran Buenos Aires. De todas las bandas surgidas durante la década de los 90, Los Piojos se erigió como una de las más populares hasta incluso después de su separación, no sólo por su poder de convocatoria y las importantes cifras de ventas en sus álbumes, sino también por una discografía de carácter sólido que fue cada vez haciéndose más personal.

Durante finales de 1989 y principios de 1990 comienzan sus presentaciones en pequeños escenarios del rock porteño y bonaerense tales como el Teatro Arlequines, Graf Zeppelin, Ma Baker y La Plaza del Avión (en Ciudad Jardín) donde Ciro cantó por primera vez. En 1990 el grupo resultó elegido banda revelación por Los Redonditos de Ricota en la encuesta del “Sí!” de Clarín. Los redondos de Ricota habían presenciado varios de los shows del grupo, e incluso el guitarrista Skay subió a acompañarlos en algunas ocasiones.

En 1991 viajaron a Francia, invitados de una organización de los suburbios de París que luchaban contra los skinheads. Tocaron en el Festival Antirracista de Blondy. Aunque lo único gratis seria tocar. Los gastos del viaje corrieron por cuenta propia de Los Piojos que debieron pagar cuotas de 160 dólares para financiarlo. Así lograron compartir el escenario con grupos de Cuba, África, Marruecos, Burkina Faso, Malí, España y Francia. El contacto con Mano Negra fue importante para que la banda abriese la cabeza y entendiera que en la fusión de estilo estaba su futuro musical.

De regreso a Buenos Aires, el sueño del primer disco comenzaba a rondar por sus cabezas. El apoyo por parte de Patricio Rey resultó imprescindible para el grupo, de manera que la “Negra Poly”, manager ricotera, le recomendó al productor Gustavo Gauvry, de DBN, que se acercara a ver un show. Aquella vez, como tantas otras volvió a subir Skay Beilinson al escenario como para que quedase sellado un padrinazgo absoluto sobre los pibes del Palomar. Gauvry se interesó por ellos y enseguida les ofreció la edición y distribución del primer disco de la banda. Entre junio y agosto de 1992 ingresaron por primera vez a un estudio, en Del Cielito Records, estudios de Los Redondos, siendo su primera experiencia en grabaciones de estudio. En ese corto lapso registraron “Chactuchac”, el álbum debut de la banda. El disco fue editado por DBN/Del Cielito Records en agosto de 1992. El título del trabajo se refiere al sonido del tren.

«Huracanes en Luna Plateada» es el segundo álbum en vivo (y séptimo de su producción musical) de la banda Los Piojos, grabado entre junio de 2001 y septiembre de 2002. Con 20 temas registrados en los recitales en el estadio de Huracán (24 de noviembre de 2001), en el Luna Park (19, 20, 21 y 23 de julio de 2002), en el estadio de Gimnasia y Esgrima La Plata (12, 13, 19, 20 y 21 de abril de 2002), en el estadio de Newell’s Old Boys de Rosario (24 de agosto de 2002), en Pajas Blancas Center de Córdoba (14 de junio de 2002), en el Estadio Ruca Che de Neuquén (15 de junio de 2001) y en el Camping Luz y Fuerza de Mendoza (21 de septiembre de 2002).

El álbum es un doble CD producido artísticamente por su cantante Andrés Ciro junto a Ricardo Mollo (Divididos) y editado en noviembre de 2002 por El Farolito Discos.

 

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

 

CD 1:

  1. «María y José»
  2. «Babilonia»
  3. «Ximenita»
  4. «Taxi Boy»
  5. «A Veces»
  6. «Cancheros»
  7. «Yira Yira»
  8. «Muy Despacito»
  9. «Labios de Seda»
  10. «El Rey del Blues» (B. B. King)
  11. «Extraña Soledad»

CD 2:

  1. «Llevatelo»
  2. «Pensar en Nada»
  3. «El Farolito (La Rubia Tarada)»
  4. «Y Qué Más»
  5. «Fijate»
  6. «Morella»
  7. «Genius (El Mendigo del Dock Sud)»
  8. «El Balneario de los Doctores Crotos»
  9. «Little Red Rooster (Zapada)»

Calidad: FLAC

 

 

 


The Waterboys – The Waterboys [1983-Reed.2002]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

The Waterboys es una banda formada en 1983 por Mike Scott. La composición de la misma ha girado siempre en torno a músicos de Escocia, Inglaterra e Irlanda. Las sedes de la misma se han alternado entre Dublín, Spiddal, Londres, Nueva York y Findhorn. Su música ha pasado desde una mezcla de folk Celta hasta el rock’n’roll, siempre con un estilo muy personal otorgado por el talento de su líder Mike Scott.

Tras diez años de grabar y girar sin interrupción, en 1993 se disolvieron y Mike Scott inició su carrera en solitario. Se refundaron en el 2000 y continuaron girando y publicando discos. Para Mike, “No hay diferencia entre Waterboys y yo porque, para mí, significan la misma cosa”.

El sonido de los primeros Waterboys fue llamado The Big Sound tras un tema de su segundo álbum, “A Pagan Place”. Este estilo fue descrito por Mike como “una metáfora por ver la autoría de Dios en el mundo”. Sus influencias se encuentran entre Simple Minds, The Alarm, In Ta Nua, Big Country, Horhouse Flowers y World Party; este último formado por ex-miembros de los propios Waterboys. A finales de los 80 el sonido de la banda se hizo más folk con una formación más numerosa: según el propio grupo, the Raggle Taggle Band.

Más tarde volverían al sonido rock tras su reforma. Sus canciones, principalmente escritas por Scott, a menudo tratan de referencias literarias relacionadas con la espiritualidad (Mike estudió literatura inglesa y filosofía). Tanto la carrera en solitario de Mike como las de sus otros miembros han tenido éxito comercial, así como buenas críticas musicales.

«The Waterboys» es el álbum debut de la banda del mismo nombre, grabado entre diciembre de 1981 y noviembre de 1982 en los Redshop Studios de Londres, aún sin formar el grupo, y editado en julio de 1983 por el sello Chrysalis Records, con producción de Mike Scott y Rupert Hine. La portada del álbum es una fotografía del cantante Mike Scott realizada por Panny Charrington y diseñada por Stephanie Nash. El logotipo de Waterboys aparece en el cuadro azul pálido en la esquina superior derecha de la portada del álbum original (rosa pálido en la reedición de 2002). El símbolo, que simboliza el agua, continuó usándose a lo largo de la historia de la banda. Fue diseñado por Stephanie Nash de Island Records.

Mike Scott comenzó a formar una nueva banda para trabajar. A principios de 1982 reclutó a Anthony Thistlethwaite para el nuevo proyecto, que se convirtió en The Waterboys. Scott escuchó a Thistlethwaite por primera vez en un álbum de Nikki Sudden. Thistlethwaite trajo a un amigo suyo, Kevin Wilkinson, como baterista. Sudden describe los eventos como Scott “robándose” a los dos, pero señala que Scott podía pagar a Thistlethwaite y Wilkinson, mientras que Sudden no podía. Scott y Thistlethwaite grabaron “A Girl Called Johnny” en la primavera de 1982, y con Wilkinson y el bajista Nick Linden grabaron nuevas canciones en noviembre de 1982 en Redshop Studio, de las cuales, “I Will Not Follow”, aparece en este álbum.

“A Girl Called Johnny” fue lanzada tanto en sencillo como en maxi en marzo de 1983, precediendo al álbum por cuatro meses. La canción, un tributo a Patti Smith, “fracasó” para convertirse en un éxito. “December” también se lanzó como single (para la temporada navideña) en formatos de siete y doce pulgadas, con resultados comerciales similares.

Allmusic describe el sonido del álbum como “parte Van Morrison, parte U2”.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas escritos y compuestos por Mike Scott, excepto 12: John Caldwell)

  1. «December» – 6:47
  2. «A Girl Called Johnny» – 3:56
  3. «The Three Day Man» – 4:07
  4. «Gala» (Unedited) – 9:30
  5. «Where Are You Now When I Need You?» – 5:06
  6. «I Will Not Follow» – 5:16
  7. «It Should Have Been You» – 4:28
  8. «The Girl in the Swing» – 4:26
  9. «Savage Earth Heart» – 6:37
  10. «Something Fantastic» (bonus) – 3:11
  11. «Ready for the Monkeyhouse» (bonus) – 3:57
  12. «Another Kind of Circus» (bonus) – 4:04
  13. «A Boy in Black Leather» (bonus) – 7:03
  14. «December (Original 8-Track Mix)» (bonus) – 6:48
  15. «Jack of Diamonds» (bonus) – 0:50

Calidad: 320 Kbps (a 48000 Hz)

 

Gracias al compañero DjJohnny por el archivo flac que ripeé a mp3 de máxima calidad.

 

 

 


The Police – Live! [1995]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

The Police fue una importante e influyente banda inglesa de rock activa desde finales de la década de 1970 y comienzos de la de 1980. Su estilo musical estuvo marcado por influencias del rock, reggae y jazz. Se formó el año 1977 en Londres, comenzando a intentar abrirse paso en la movida punk. La formación habitual del grupo incluyó a Sting, voz y bajo; Andy Summers, guitarra y coros, y Stewart Copeland, batería y coros. Su debut discográfico se produjo con el single “Fall Out”, canción compuesta por Copeland, la que fue editada en el sello independiente IRS. El tema recogió una relativa resonancia, pero no fue suficiente para el despegue de la banda.

Liderados por Gordon Matthew Sumner, más conocido como Sting (nombre que significa “aguijón” en inglés, y que deriva de un jersey de rugby a rayas amarillas y negras, estilo avispa, que el bajista siempre llevaba puesto en su juventud), Andy Summers en la guitarra, y Stewart Copeland como baterista, The Police fue el conjunto británico más exitoso de los 80’s gracias a su impetuoso pop-rock “new wave” enriquecido por algunas dosis de reggae y un talento instrumental y compositivo sublime. Tocaron oficialmente hasta 1986, con un hiato entre marzo de 1984 hasta julio de 1986 y nunca emitieron un comunicado sobre su disolución. La banda ha vendido casi 70 millones de copias por el mundo.

Tras cinco álbumes exitosos y su separación sorpresiva en 1986, su discográfica -A&M Records- publicó el recopilatorio “Every Breath You Take (The Singles)” en octubre de ese mismo año, a modo de grandes éxitos como colofón de la carrera de The Police. Para la ocasión se regrabó “Don’t stand so close to me”, editada como “Don’t stand so close to me ’86”.

«Live!» es un álbum en vivo de The Police publicado en julio de 1995 (originalmente iba a ser publicado en 1985) por A&M Records. El disco uno contiene un concierto casi completo de la banda en noviembre de 1979 en el “Orpheum Theatre” en Boston, Massachusetts (grabado en consola de 2 canales por una emisora de radio). El disco dos contiene partes de dos conciertos el 2 y el 3 de noviembre de 1983 en Atlanta, en los tours del álbum “Synchronicity” (grabado en consola de 8 canales). Respecto a los conciertos de 1983 se vuelven a ver en DVD “Synchronicity” en el 2005. El guitarrista Andy Summer se encargó de la producción.

Además, este álbum demuestra la etapa del grupo durante su influencia punk en la década de ’70 y la etapa experimental de los ’80 de The Police arriba de un escenario. El álbum fue disco de platino en Estados Unidos de Norteamérica.

Fuente: Wikipedia

 

 

 

 

CD 1 (Orpheum WBCN / Boston Broadcast):

  1. «Next to You» – 2:58
  2. «So Lonely» – 7:33
  3. «Truth Hits Everybody» – 2:33
  4. «Walking on the Moon» – 4:59
  5. «Hole in My Life» – 4:08
  6. «Fall Out» – 2:46
  7. «Bring on the Night» – 5:16
  8. «Message in a Bottle» – 4:27
  9. «The Bed’s Too Big Without You» – 8:52
  10. «Peanuts» – 3:08
  11. «Roxanne» – 4:42
  12. «Can’t Stand Losing You» – 7:54
  13. «Landlord» – 2:27
  14. «Born in the 50’s» – 4:18
  15. «Be My Girl / Sally» – 4:51

CD 2 (Atlanta / Synchronicity Concert):

  1. «Synchronicity I» – 2:53
  2. «Synchronicity II» – 4:44
  3. «Walking in Your Footsteps» – 4:55
  4. «Message in a Bottle» – 4:35
  5. «O My God» – 3:36
  6. «De Do Do Do, De Da Da Da» – 4:32
  7. «Wrapped Around Your Finger» – 5:21
  8. «Tea in the Sahara» – 4:52
  9. «Spirits in the Material World» – 2:57
  10. «King of Pain» – 5:53
  11. «Don’t Stand so Close to Me» – 3:46
  12. «Every Breath You Take» – 4:37
  13. «Roxanne» – 6:10
  14. «Can’t Stand Losing You» – 6:48
  15. «So Lonely» – 7:26

Calidad: 320 Kbps (a 48000 Hz)

 

Gracias al compañero Duncan Jacques por el archivo flac que ripeé a mp3 de máxima calidad.

 

 

 

 


R.E.M. – Automatic for the People [1992]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

R.E.M. fue una banda de rock alternativo estadounidense formada en Athens, Georgia, en 1980 por el cantante Michael Stipe, el guitarrista Peter Buck, el bajista Mike Mills y el baterista Bill Berry. De las primeras bandas pioneras del rock alternativo, R.E.M. fue fundamental en la creación y desarrollo del género de rock alternativo. Allmusic declaró: “R.E.M. marcó el punto en el que el post-punk se convirtió en rock alternativo”. A principios de la década de 1980, el estilo musical de R.E.M. contrastaba con los géneros post-punk y new wave que la habían precedido.

R.E.M. consiguió rápidamente atención por el estilo arpegiado de la guitarra de Buck y las voces poco claras de Stipe. R.E.M. lanzó su primer sencillo, “Radio Free Europe”, en 1981 en el sello discográfico independiente Hib-Tone. Pronto se expanden por todo el estado y en 1982 publican un EP, “Chronic Town”, con la discográfica I.R.S. Records.​ Combinando folk-rock y punk logran que la crítica les defina como auténticos innovadores de la música. Pronto su expansión se traduce a todo el país. A principios de los años 1990, R.E.M. era enmarcado como una de las principales bandas pioneras del rock alternativo en haber alcanzado gran popularidad, lanzaron los álbumes más exitosos de la banda: “Out of Time” (1991) y “Automatic for the People” (1992), los cuales consolidaron totalmente al grupo. “Monster”, el siguiente álbum, fue un retorno a un sonido más orientado hacia el rock, con el que comenzaron una gira que se vio estropeada por emergencias médicas sufridas por la banda. En 1997, R.E.M. renovó su contrato con Warner Bros.

A finales de ese año, Bill Berry dejó la banda, dejando a Buck, Mills y Stipe como únicos miembros oficiales. Pasando por varios cambios en el estilo musical, el grupo continuó su carrera en la próxima década con variadas críticas y éxitos comerciales. R.E.M. vendieron más de 80 millones de discos en todo el mundo. ​En 2007, R.E.M. fue introducido al Salón de la Fama del Rock.​ R.E.M. se disolvió en septiembre de 2011, anunciando la separación en su sitio web.

«Automatic for the People» es el octavo álbum de la banda estadounidense de rock alternativo R.E.M., grabado entre 1991 y 1992 y editado por Warner Bros. Records en octubre de 1992, con producción de Scott Litt. Los sencillos extraídos fueron “Drive”, “Man on the Moon”, “The Sidewinder Sleeps Tonite”, “Everybody Hurts” y “Nightswimming”.

El álbum continúa con los elementos folk/country pop/rock clásico de discos anteriores como “Green” y “Out of Time”, pero con menos elementos pop y en general con un tono sombrío. Bono, líder de U2, se refirió a este álbum como “el disco de country más grande jamás hecho”. El título del álbum se refiere al lema de un restaurante de Athens, Georgia. La fotografía de la carátula no está relacionada con el restaurante, es un símbolo de un motel de Miami, donde fue grabado parte del álbum. El disco además fue grabado en New Orleans.

Después de “Out of Time”, un álbum exitoso, “Automatic for the People” entró a las listas de ventas de EE.UU. en el segundo puesto, vendiendo más de cuatro millones de copias, y se mantuvo varias semanas en el primer puesto en el Reino Unido. A pesar del éxito del nuevo álbum, R.E.M. rechazó hacer una gira, porque ya lo habían hecho para “Out of Time” el año anterior.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Drive» — 4:30
  2. «Try Not to Breathe» — 3:49
  3. «The Sidewinder Sleeps Tonite» — 4:06
  4. «Everybody Hurts» — 5:17
  5. «New Orleans Instrumental No. 1» — 2:12
  6. «Sweetness Follows» — 4:19
  7. «Monty Got a Raw Deal» — 3:16
  8. «Ignoreland» — 4:24
  9. «Star Me Kitten» — 3:15
  10. «Man on the Moon» — 5:12
  11. «Nightswimming» — 4:16
  12. «Find the River» — 3:49

Calidad: FLAC

 

 

 


Bad Religion – Recipe for Hate [1993]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

Bad Religion es una banda estadounidense de punk rock fundada en 1979 en el sur de California por Greg Graffin (voz), Jay Bentley (bajo), Jay Ziskrout (batería) y Brett Gurewitz (guitarra), a la que se le adjudica haber guiado el resurgimiento del punk rock en el mainstream, así como haber influenciado a lo largo de su trayectoria a un gran número de músicos del punk y del rock.

La banda ha contado con diferentes alineaciones a lo largo de sus 38 años de existencia, siendo Graffin el único miembro que ha sido constante; no obstante, la banda cuenta en el siglo XXI con tres de sus miembros originales: Greg Graffin, Brett Gurewitz y Jay Bentley.

Ha lanzado dieciséis álbumes de estudio, dos EP, tres álbumes compilatorios, un álbum en directo y tres DVD. Su álbum Suffer ha sido valorado por algunos críticos como el álbum de punk rock más relevante de todos los tiempos, aunque nunca tuvo un puesto en la lista de popularidad la Billboard. En 1993 la banda alcanzó un puesto de cartelera con su álbum Recipe for Hate, ese acontecimientos les dio fama mientras les aseguró el puesto número 14 de la lista Heatseekers de la Billboard de ese año. Su mayor éxito vino con Stranger than Fiction el primer álbum con el que consiguieron el disco de oro en Estados Unidos, desprendiéndose de él reconocidos singles como “21st Century (Digital Boy)” e “Infected”. La banda se mantuvo cosechando éxitos de manera más discreta en su nueva discográfica, Warner, sin Brett Gurewitz, quien se retirara en 1994 por motivos personales. El 2001 fue un año importante para la banda ya que marcó la vuelta de Gurewitz y el regreso de Bad Religion a Epitaph, discográfica de música independiente de la cual es el dueño. Desde este «renacer» para la banda, se ha mantenido con la misma alineación durante más de diez años seguidos y cinco álbumes.

Son conocidos particularmente por su sofisticado uso del estilo, metáfora, vocabulario, uso de iconos y armonías vocales (los denominados por la banda como oozin’ aahs); esto último consagrándolos como pioneros del naciente hardcore melódico. Sus letras suelen ser reflexivas en torno a sentimientos personales, ideologías de vida y responsabilidad social.

«Recipe for Hate» es el séptimo álbum del grupo de punk Bad Religion, grabado entre 1992 e inicios de 1993 en los estudios Westbeach Recorders de Hollywood, con producción del propio grupo, y editado en junio de 1993 por el sello independiente Epitaph. Este fue su último álbum en Epitaph Records durante nueve años (hasta “The Process of Belief”, 2002) y la banda se cambió a Atlantic Records, quien reeditó el álbum varios meses después de su lanzamiento.

Cuenta con la participación del vocalista de Pearl Jam Eddie Vedder, que canta algunas estrofas en la canción “Watch It Die”. El álbum comienza con el tema que da título al mismo, “Recipe for Hate”, canción que la banda suele tocar en sus conciertos.

Mientras que el álbum fue reeditado en una gran discográfica, “Recipe for Hate” recibió inicialmente reseñas mixtas de críticos de música. También fue el primer álbum de Bad Religion en EUNA debutando en el n° 14 en la lista de Heatseekers de Billboard, con los sencillos “American Jesus” y “Struck a Nerve”, en particular, convirtiéndose en los principales éxitos de la radio. El álbum también contiene canciones importantes como, “Recipe for Hate” y “Skyscraper”, que son las favoritas de los fanáticos y son elementos básicos de su show en vivo hoy; la primera es una canción con la que Bad Religion abre a menudo su espectáculo.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Recipe for Hate» (Graffin) — 2:02
  2. «Kerosene» (Gurewitz) — 2:41
  3. «American Jesus» (Gurewitz/Graffin) — 3:17
  4. «Portrait of Authority» (Graffin) — 2:44
  5. «Man With a Mission» (Gurewitz) — 3:11
  6. «All Good Soldiers» (Gurewitz) — 3:07
  7. «Watch It Die» (Graffin) — 2:34
  8. «Struck a Nerve» (Graffin) — 3:47
  9. «My Poor Friend Me» (Graffin) — 2:42
  10. «Lookin’ In» (Graffin) — 2:03
  11. «Don’t Pray on Me» (Gurewitz) — 2:42
  12. «Modern Day Catastrophists» (Graffin) — 2:46
  13. «Skyscraper» (Gurewitz) — 3:15
  14. «Stealth» (Bentley/Gurewitz/Schayer) — 0:42

Calidad: FLAC

 

 

 


Nirvana – In Utero [1993]

[Resubida Mejorada]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

Nirvana fue una banda de grunge y rock alternativo estadounidense procedente de Aberdeen, Washington, integrada por el vocalista y guitarrista Kurt Cobain y el bajista Krist Novoselic en 1987. Desde su formación, Nirvana pasó a través de una serie de frecuentes cambios de baterista hasta que en 1990 se les unió definitivamente el baterista Dave Grohl. Nirvana actualmente es considerada como una de las bandas más importantes e influyentes de la era moderna.

A finales de la década de los años 80 Nirvana se estableció como parte de la escena musical de Seattle con su álbum debut “Bleach”, lanzado bajo el sello independiente de Seattle, Sub Pop, en 1989. La banda finalmente llegó a desarrollar un sonido que se basaba en los contrastes dinámicos, a menudo versos tranquilos y coros intensos. Un año más tarde, la banda firmó con la discográfica DGC Records y en 1991 lanzó su segundo álbum: “Nevermind”. El primer sencillo del álbum, “Smells Like Teen Spirit”, escaló las listas musicales en todo el mundo e inició la explosión de lo que hasta ese momento era conocido como punk y rock alternativo en la escena musical mundial, en un movimiento al que los medios de la época se referirían como grunge. Además de Nirvana, otras bandas de la escena musical de Seattle como Pearl Jam, Alice in Chains y Soundgarden también ganaron popularidad; como resultado, el rock alternativo se convirtió en el género dominante en la radio y la televisión musical durante la primera mitad de la década de los 90.

El líder de la banda, Kurt Cobain se encontró a sí mismo referido en los medios de comunicación como «la voz de una generación» y a Nirvana como la «banda símbolo» de la Generación X. Cobain se sentía incómodo con la atención que se les brindaba y decidió enfocar la atención del público hacia la música de la banda, retando a la audiencia con su tercer álbum de estudio, “In Utero”. El álbum no tuvo el éxito ni las ventas esperadas y la popularidad de Nirvana disminuyó en los meses siguientes a la publicación del álbum. Sin embargo, buena parte de su audiencia alabó el interior «oscuro» de la banda, en especial después de su presentación en MTV Unplugged.

La corta carrera de Nirvana concluyó con la muerte de Cobain en 1994, pero su popularidad creció aún más en los años posteriores. Ocho años después de la muerte de Cobain, “You Know You’re Right”, una demo nunca terminada que la banda había grabado dos meses antes de la muerte de Cobain, escalaba las listas de radio y música de todo el mundo. En 2004 fueron colocados en el puesto nº 27 en la lista de los 100 mejores artistas de todos los tiempos de la revista Rolling Stone y en el puesto nº 14 según la revista Vh1. Desde su debut, la banda ha vendido más de 75 millones de álbumes a nivel mundial, incluyendo 10 millones de ejemplares de “Nevermind” en EUNA y 30 millones en todo el mundo. En el año 2014 Nirvana ingresó en el Salón de la Fama del Rock and Roll.

«In Utero» es el tercer y último álbum de estudio de la banda estadounidense de rock Nirvana, grabado en febrero de 1993 en el Pachyderm Studio de Canon Salls (Minnesota) y editado en septiembre del mismo año por DGC Records. Nirvana pretendía que esta grabación sonara diferente a la pulida producción de su anterior álbum, Nevermind (1991). A fin de lograr un sonido más natural y áspero, el grupo escogió trabajar con el productor y músico Steve Albini, conocido por su trabajo de producción en “Surfer Rosa” de Pixies. Las sesiones con Albini fueron productivas y notablemente rápidas: la versión inicial del álbum fue grabada y mezclada en dos semanas, lejos de los meses de grabación y mezcla en “Nevermind”. La música se grabó rápidamente con pocos trucos de estudio, y las letras de las canciones y la presentación del álbum incorporaban imágenes médicas que transmitían los puntos de vista del líder Kurt Cobain sobre su vida personal, su reciente paternidad y la nueva fama de la banda.

Usar a Albini como productor fue una jugada deliberada por parte de Nirvana para darle al álbum un sonido menos “artificial”, como si la banda hubiera querido alienar o distanciarse de su nueva audiencia que le prestó poca o nula atención a las bandas alternativas, oscuras o experimentales que Nirvana intentó apoyar (como es el caso de The Jesus Lizard). Por ejemplo, una de las canciones del álbum, llamada irónicamente “Radio Friendly Unit Shifter”, mostraba prolongados periodos de ruido de feedback o “retroalimentación”.

Poco después de terminar la grabación, comenzaron a circular rumores en la prensa acerca de la posibilidad de que DGC no lanzara el álbum en su estado original, ya que consideraba que el resultado no era viable comercialmente. Aunque Nirvana negó públicamente estas afirmaciones, el grupo no estaba completamente satisfecho con el sonido logrado por Albini. Este rehusó modificar aún más el álbum, por lo que al final la banda contrató al productor por largo tiempo de R.E.M., Scott Litt, para hacer cambios menores en el sonido del álbum y volver a mezclar los sencillos “Heart-Shaped Box” y “All Apologies”, con Cobain adicionando instrumentación y vocales.

Con “In Utero”, la banda también se enfrentó a la censura. Grandes cadenas de almacenes como Kmart y Wal-Mart se negaron a tener el álbum en sus estanterías, alegando que títulos de canciones como “Rape Me” y el collage de fetos plásticos en la contraportada del álbum eran muy “controvertidos” para cadenas “orientadas a la familia”. Entonces la banda aceptó cambiar el diseño del álbum, lanzando una versión “limpia”, que también cambiaba el nombre de “Rape Me” por “Waif Me”. Sin embargo, con la excepción de la mezcla de Litt de “Pennyroyal Tea”, la música incluida era idéntica al lanzamiento común. Cuando le preguntaron sobre la versión editada, Cobain dijo que muchos residentes de pequeños pueblos (especialmente en el centro de EUNA) no tenían tiendas locales de música, y tenían que comprar sus álbumes en grandes cadenas de almacenes como Kmart.

Si bien no tuvo el mismo nivel de ventas que “Nevermind”, “In Utero” entró, tras su lanzamiento, en el número 1 del Billboard 200 y recibió los elogios de la crítica por suponer un cambio drástico con respecto a su anterior álbum. La grabación fue certificada cinco veces con disco de platino por la RIAA, al vender más de cinco millones de copias en Estados Unidos de Norteamérica, y tuvo ventas mundiales de quince millones de copias.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas de Kurt Cobain, excepto 2: Nirvana)

  1. «Serve the Servants» – 3:34
  2. «Scentless Apprentice» – 3:47
  3. «Heart-Shaped Box» – 4:39
  4. «Rape Me» – 2:49
  5. «Frances Farmer Will Have Her Revenge on Seattle» – 4:07
  6. «Dumb» – 2:29
  7. «Very Ape» – 1:55
  8. «Milk It» – 3:52
  9. «Pennyroyal Tea» – 3:36
  10. «Radio Friendly Unit Shifter» – 4:49
  11. «Tourette’s» – 1:33
  12. «All Apologies» – 3:50

Calidad: FLAC

 

 

 


Talking Heads – Little Creatures [1985]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

Talking Heads fue una banda de rock experimental y dance punk (una de las más representativas bandas new wave, con elementos de estilos como el punk rock, rock progresivo y el funk predominante en el ambiente británico de los años ochenta, que recibe la influencia cultural del Art Pop y el minimal, expresado en sus letras impregnadas de experiencia alienada y claves musicales experimentales y mínimas) formada en Nueva York por David Byrne en el año 1974 junto a Chris Frantz y Tina Weymouth. Un par de años después, tras telonear a Ramones en el legendario club CBGB, se integraría a ella el guitarrista y teclista Jerry Harrison, quien anteriormente había grabado junto a The Modern Lovers. En una entrevista, Weymouth especificó cómo el grupo eligió el nombre Talking Heads: “Un amigo encontró el nombre en la guía de televisión, que explica el término usado por los estudios de televisión para describir el busto de una persona hablando acerca de ‘todo contenido, nada de acción'”.

Encabezada por el músico David Byrne, la banda alcanzó los primeros lugares de las listas de ventas en gran parte de Europa y Estados Unidos de Norteamérica. Puede resumirse el estilo y elegancia que destacó a esta agrupación en el filme “Stop Making Sense”, que fue realizado en el teatro Pantages de Hollywood y dirigido por Jonathan Demme. Esta representación es aclamada como uno de los ejemplos más representativos de su género.

El grupo tuvo rápidamente una gran aceptación y firmó para Sire Records en 1977, lanzando su primer single “Love – Building On Fire” en febrero de ese año. Su primer álbum, “Talking Heads: 77” fue lanzado a continuación y no contenía el primer single. Esto fue con su segundo álbum en 1978, “More Songs About Buildings and Food”, con el cual la banda comenzó su larga colaboración con el productor Brian Eno, quien previamente había trabajado con Roxy Music, David Bowie y Robert Fripp. La experimentación continuó con “Fear of Music” en 1979, el cual flirteaba con el oscuro estilo del post-punk rock. “Remain in Light”, fuertemente influenciado por el Afro-Beat (ritmos africanos) de la banda nigeriana Fela Kuti (de quienes Eno introdujo su música en la banda), explorando poliritmos africanos, haciendo que más tarde Byrne se interesase en la música mundial.

Después de ocho importantes álbumes de estudio, varias giras, vídeos musicales y premios, en el año 1991 el grupo anunció oficialmente su separación. En 2011 la revista Rolling Stone los ubicó de número 100 entre los grandes artistas de todos los tiempos.

«Little Creatures» es el sexto álbum de estudio de la banda de new wave norteamericana Talking Heads, grabado entre octubre de 1984 y marzo de 1985 en los Sigma Sound Studios de Nueva York, con producción del propio grupo, y editado el 10 de junio de 1985 por Sire Records (en EUNA) y por EMI en Europa. Se extrajeron tres sencillos del álbum: “The Lady Don’t Mind”, “Road to Nowhere” y “And She Was”. El último fue el que tuvo más éxito en EUNA, mientras que el segundo triunfó en Reino Unido y Europa.

El álbum examina temas de Americana (un conglomerado de diversas músicas estadounidenses) e incorpora elementos de la música country con varias canciones utilizando la steel guitar. Fue votado como el mejor álbum del año en las encuestas críticas Pazz & Jop de The Village Voice y es álbum más vendido de la banda con más de dos millones de copias vendidas en Estados Unidos de Norteamérica. La cubierta fue creada por el artista Howard Finster y fue seleccionada como cubierta del año por la revista Rolling Stone.

El álbum fue n° 1 en Nueva Zelanda, n° 2 en Australia, n° 4 en Austria, n° 9 en Alemania y n° 10 en Reino Unido y Suecia, siendo certificado doble platino en Estados Unidos de Norteamerica y disco de oro tanto en Reino Unido como en Alemania.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

Lista de canciones:

  1.  «And She Was» – 3:36
  2.  «Give Me Back My Name» – 3:20
  3.  «Creatures of Love» – 4:12
  4.  «The Lady Don’t Mind» – 4:03
  5.  «Perfect World» – 4:26
  6.  «Stay Up Late» – 3:51
  7.  «Walk It Down» – 4:42
  8.  «Television Man» – 6:10
  9.  «Road to Nowhere» – 4:19
  10.  «The Lady Don’t Mind (Extended Mix)» – 6:51

Calidad: 320 Kbps (a 48000 Hz)

 

Gracias al compañero Jaimolin por el archivo wav que ripeé a mp3 de máxima calidad.

 

 

 


Gustavo Cerati – Ahí Vamos [2006]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

Gustavo Cerati fue un músico, cantautor, compositor y productor discográfico argentino, considerado uno de los más influyentes y reconocidos músicos del rock latinoamericano. Obtuvo fama y reconocimiento internacional por haber sido el vocalista, guitarrista y compositor principal de la banda de rock Soda Stereo, una de las bandas más importantes e influyentes de la música latina. Luego de la disolución de la banda, obtuvo también reconocimiento y éxito en su carrera solista, que consta de cinco álbumes de estudio y de diversas incursiones junto a otros músicos. Su camino como solista se inició a comienzos de los años noventa, en paralelo a dicha banda, debido a un receso que se había tomado el grupo tras una fuerte crisis. En esa instancia Cerati publicó su primer álbum como solista, “Amor Amarillo” (1993); pero con el regreso de Soda Stereo su carrera solista quedó en suspenso hasta la disolución absoluta de la banda.

Después de Soda Stereo, Cerati experimentó con diferentes estilos, desde la música electrónica (“Colores Santos”, Cerati y Melero, 1992) (Plan V) a la música sinfónica. En 2007 Soda Stereo regresó en una gira llamada “Me Verás Volver”, luego de la cual sus integrantes retomaron sus actividades por separado. El 15 de mayo de 2010 padeció un accidente cerebrovascular isquémico en el club Moulin Rouge del vecindario Sabana Grande en Caracas​, que lo dejó en estado de coma por más de cuatro años, falleciendo el 4 de septiembre de 2014 a causa de un paro respiratorio en la Clínica ALCLA de Buenos Aires.

A lo largo de su carrera como solista ganó y fue nominado para numerosos premios, entre ellos Grammy Latino, Konex, MTV y Gardel. El 5 de diciembre de 2013, el músico fue nombrado Ciudadano Ilustre, una distinción que le fue otorgada por la Legislatura de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires​ en reconocimiento a su trayectoria. En su edición de septiembre de 2012, la revista Rolling Stone posicionó a Cerati en el puesto n° 3 de los 100 mejores guitarristas del rock nacional.

A partir de ese momento, Soda entró en un silencio que sólo se vio interrumpido por las versiones no oficiales de su separación definitiva. Mientras tanto, Gustavo se unió a tres músicos chilenos no profesionales (Andrés Bucci, Guillermo Ugarte y Christian Powditch), para constituir Plan V, proyecto electrónico que se plasma en dos discos: Plan V (1996), de origen trasandino; y el segundo trabajo, Plan Black V Dog (1998), que fue compartido con los ingleses Black Dog, y editado en el año 1998 luego de la separación de Soda Stereo.

Luego de la disolución de Soda Stereo, Cerati se dedicó a la experimentación electrónica junto al músico Flavio Etcheto, formando un dúo que llamaron Ocio y que editó su disco “Medida Universal” a mediados de 1999. También participó en un disco homenaje a The Police junto a Andy Summers (guitarrista original del grupo británico) y el talentoso baterista Vinnie Colaiuta, con una versión del tema “Bring on the night”.

Después de una larga y expectante espera de los fanáticos y de la escena musical, el 28 de junio de 1999 vio la luz su primer álbum solista luego de la separación de Soda Stereo, “Bocanada”. Fue grabado en el estudio CasaSubmarina (de Buenos Aires) y en los famosos estudios Abbey Road (de Londres) y contó con la participación de Leo García en coros y voz, Fernando Nalé en bajo, Flavio Etcheto en teclados, y Martín Carrizo en batería.

El 4 de abril de 2006, Cerati lanzó de manera simultánea en México, Colombia y Argentina, su nueva producción «Ahí Vamos», cuarto álbum de estudio como solista del músico, grabado en octubre de 2005 en los estudios Unísono de Buenos Aires, con producción de Tweety González, y editado en abril de 2006 por Sony International. El álbum obtuvo buenas críticas y popularidad, especialmente en Argentina, Chile, Colombia y México. En Argentina alcanzó el disco de platino antes de salir a la venta, debido a los pedidos por anticipado. En México consiguió el disco de oro en las primeras semanas de haberse publicado. Fue sin lugar a dudas el trabajo discográfico mejor recibido tanto por la crítica como por el público de la carrera de Gustavo Cerati.

El disco implicó un regreso a su pasado roquero y crudo que lo caracterizaba en álbumes como “Canción Animal” y “Dynamo” de Soda Stereo. Además, “Ahí Vamos” ganó otros dos Grammy Latino como Mejor álbum de rock y Álbum del año. El primer sencillo del álbum fue “Crimen”, que fue lanzado en abril de 2006 y ganó gran popularidad en América Latina y España; “Crimen” también ganó el premio a la mejor canción rock en los Grammy Latinos. El segundo sencillo fue “La Excepción”, lanzado en septiembre. Luego salieron tres cortes de difusión más: “Adiós”, “Lago en el Cielo” y “Me Quedo Aquí”. “Adiós” fue escrita junto a su hijo Benito.

En la mezcla se sumó el ingeniero y músico venezolano Héctor Castillo, quien ha trabajado con artistas de la talla de Pete Townshend, David Bowie, Lou Reed y Suzanne Vega, entre otros. El disco fue masterizado por Howie Weinberg en el estudio Masterdisk (en Nueva York). Cerati realizó un gira por Latinoamérica, España y Estados Unidos para promocionar el disco y el 12 de octubre tocó por primera vez en Londres en The Forum. La gira comprendió 76 shows, viéndose interrumpida en junio de 2007 por la confirmación del reencuentro de la antigua banda de Gustavo Cerati Soda Stereo, que se desintegró en septiembre de 1997.

 

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Al Fin Sucede» – 3:26
  2. «La Excepción» – 4:09
  3. «Uno entre 1000» – 4:07
  4. «Caravana» – 4:08
  5. «Adiós» – 3:51
  6. «Me Quedo Aquí» – 3:34
  7. «Lago en el Cielo» – 5:05
  8. «Dios Nos Libre» – 4:29
  9. «Otra Piel» – 4:37
  10. «Médium» – 5:30
  11. «Bomba de Tiempo» – 5:08
  12. «Crimen» – 3:48
  13. «Jugo de Luna» – 4:03

Calidad: FLAC

 

 

 


Bad Religion ‎– Generator [1992]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

Bad Religion es una banda estadounidense de punk rock fundada en 1979 en el sur de California por Greg Graffin (voz), Jay Bentley (bajo), Jay Ziskrout (batería) y Brett Gurewitz (guitarra), a la que se le adjudica haber guiado el resurgimiento del punk rock en el mainstream, así como haber influenciado a lo largo de su trayectoria a un gran número de músicos del punk y del rock.

La banda ha contado con diferentes alineaciones a lo largo de sus 38 años de existencia, siendo Graffin el único miembro que ha sido constante; no obstante, la banda cuenta en el siglo XXI con tres de sus miembros originales: Greg Graffin, Brett Gurewitz y Jay Bentley.

Ha lanzado dieciséis álbumes de estudio, dos EP, tres álbumes compilatorios, un álbum en directo y tres DVD. Su álbum Suffer ha sido valorado por algunos críticos como el álbum de punk rock más relevante de todos los tiempos, aunque nunca tuvo un puesto en la lista de popularidad la Billboard. En 1993 la banda alcanzó un puesto de cartelera con su álbum Recipe for Hate, ese acontecimientos les dio fama mientras les aseguró el puesto número 14 de la lista Heatseekers de la Billboard de ese año. Su mayor éxito vino con Stranger than Fiction el primer álbum con el que consiguieron el disco de oro en Estados Unidos, desprendiéndose de él reconocidos singles como “21st Century (Digital Boy)” e “Infected”. La banda se mantuvo cosechando éxitos de manera más discreta en su nueva discográfica, Warner, sin Brett Gurewitz, quien se retirara en 1994 por motivos personales. El 2001 fue un año importante para la banda ya que marcó la vuelta de Gurewitz y el regreso de Bad Religion a Epitaph, discográfica de música independiente de la cual es el dueño. Desde este «renacer» para la banda, se ha mantenido con la misma alineación durante más de diez años seguidos y cinco álbumes.

Son conocidos particularmente por su sofisticado uso del estilo, metáfora, vocabulario, uso de iconos y armonías vocales (los denominados por la banda como oozin’ aahs); esto último consagrándolos como pioneros del naciente hardcore melódico. Sus letras suelen ser reflexivas en torno a sentimientos personales, ideologías de vida y responsabilidad social.

«Generator» es el sextoo álbum del grupo de punk Bad Religion, grabado en mayo de 1991 en los estudios Westbeach Recorders de Hollywood, con producción de Brett Gurewitz, y editado en marzo de 1992 por el sello independiente Epitaph. Este es el primer álbum con el batería Bobby Schayer, quién reemplazó al batería anterior Pete Finestone, que dejó la banda en 1991 para concentrarse sólo en la banda The Fishermen, tras la grabación y el tour del álbum anterior “Against the Grain”.

La banda grabó “Generator” con algunos cambios, como canciones más largas y más trabajadas, y también se produjo la enésima y definitiva marcha de Finestone en la batería, ocupándola Bobby Schayer. Sin embargo, esta sería la última fuga de Finestone de la banda, ya que no volvió más.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Generator» — 3:21
  2. «Too Much to Ask» — 2:45
  3. «No Direction» — 3:14
  4. «Tomorrow» — 1:56
  5. «Two Babies in the Dark» — 2:25
  6. «Heaven Is Falling» — 2:04
  7. «Atomic Garden» — 3:10
  8. «The Answer» — 3:21
  9. «Fertile Crescent» — 2:08
  10. «Chimaera» — 2:28
  11. «Only Entertainment» — 3:12

Calidad: FLAC