Ciclos y Neurastenias en un mundo cruel

Funk

Nina Hagen ‎– The Very Best Of [1990]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

Catharina Hagen (nacida en Berlín Este el 11 de marzo de 1955 cuando Berlín y la actual Alemania estaban divididos en dos estados), más conocida como Nina Hagen, es una cantante y actriz alemana, famosa por su mezcla de estilo punk y canto operístico. Nina aprendió ballet a temprana edad y demostró sorprendente habilidad como cantante, siendo considerada una niña prodigio por sus interpretaciones de ópera. Dejó el colegio cuando cursaba el décimo curso y se unió a la banda de covers Fritzens Dampferband.

Nina Hagen fue miembro de la banda Automobil, la cual tuvo una buena aceptación en la República Democrática Alemana. En 1976 su padrastro, Wolf Biermann, cantautor y artista de conocidas opiniones contrarias al gobierno de la RDA, fue invitado a presentarse en un espectáculo televisado al otro lado del telón de acero Biermann viajó a la RFA y ejecutó su presentación televisiva; cuando las autoridades de la RDA se negaron a permitirle traspasar de vuelta la frontera, su esposa, Eva-Maria Hagen protestó públicamente por este impedimento. Nina Hagen, ya convertida en estrella musical juvenil, se unió a la protesta de su madre y advirtió entonces que seguiría los pasos de su padrastro en lo musical y lo político, pero dentro de la RDA; ante esta situación las autoridades germanoorientales otorgaron el permiso de salida a toda la familia Biermann-Hagen, pero sin opción de retorno.

En 1977 Nina Hagen formó en la RFA la banda The Nina Hagen Band con la que un año después grabaría el disco homónimo que incluye temas como “TV-Glotzer (White Punks On Dope)” (un cover de The Tubes) y “Auf’m Bahnhof Zoo”.Durante una subsecuente gira europea, Hagen decide dejar la banda, aunque seguiría cumpliendo con el contrato para grabar un segundo álbum en 1979. “Unbehagen” (que en castellano significa «incomodidad» o «inquietud») fue producido con grabaciones que la banda hacía en Berlín y con las partes vocales que Nina grababa en California. Éste incluyó el tema “African Reggae” y “Lucky Number”, un cover de Lene Lovich. Mientras tanto, la persona pública de Nina Hagen fue llamando la atención de los medios de comunicación masiva. Protagonizó un escándalo durante una aparición en un talk show austriaco llamado Club 2, donde simuló una masturbación. También participó en la película Cha Cha junto al holandés leyenda del rock, Herman Brood y a su amiga Lene Lovich.

En 1982 Hagen realiza su primer disco como solista: “NunSexMonkRock”, una disonante mezcla de punk, funk y ópera; y ese mismo año comienza una gira mundial con No Problem Orchestra. En 1983 graba el álbum “Angstlos” e incluye un pequeño tour europeo. Para este tiempo las apariciones públicas de Nina Hagen se hacían extrañas y era frecuente que en sus discusiones incluyera temas relacionados con Dios, los extraterrestres y con su postura social y política. También se declaraba defensora de los derechos de los animales. Del álbum “Angstlos” se publicó una versión en inglés llamada “Fearless” (en castellano: «Intrépido») que generó dos de los máximos hits que se escucharon en las discotecas norteamericanas: “Zarah” (un cover de la canción “Ich weiss, es wird einmal ein Wunder geschehen” de Zarah Leander) y el éxito de la opera/punk/disco, “New York, New York” (que llegó al top 9 en el Billboard). Esta canción es diametralmente opuesta al clásico del mismo título cantado por Frank Sinatra y Liza Minnelli, y posiblemente por evitar confusiones es citada por algunas fuentes como “New York, N.Y.”. La cantante era tan célebre en esta época, que en 1985 participó en el famoso concierto colectivo Rock in Rio.

También en 1985 la estrella alemana lanzó “Nina Hagen In Ekstasy”; este álbum no tuvo el éxito del anterior aunque generó algunos hits como “Universal Radio” y la versión punk de “My Way” (tema popularizado por Frank Sinatra). Dos años después como celebración por sus 18 años con el punk graba “Punk Wedding EP”. Realiza un nuevo álbum en 1989 al que llamó simplemente “Nina Hagen”, el cual fue acompañado por otro tour europeo.

Nina Hagen se muda a París con su hija Cosma Shiva, donde vive toda la década de los 90. En 1991 con un nuevo disco llamado “Street” comienza una nueva gira por el viejo continente. Un año después conduce un programa televisivo en la cadena alemana RTLplus. En 1993 realiza “Revolution Ballroom” y dos años más tarde íntegramente en alemán “Freud Euch”, grabado en inglés como “Beehappy” en 1996.

«The Very Best of Nina Hagen» es una colección de grandes éxitos de Nina Hagen, editado en 1990 por CBS en toda Europa. Recoge sus hits en la Nina Hagen Band y también en solitario.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «TV-Glotzer (White Punks on Dope)» – 5:15
  2. «Superboy» – 4:01
  3. «African Reggae» – 6:17
  4. «Universelles Radio» – 3:34
  5. «Unbeschreiblich ♀» – 3:30
  6. «Smack Jack» – 5:10
  7. «Auf’m Bahnhof Zoo» – 5:25
  8. «Dread Love» – 4:02
  9. «Auf’m Rummel» – 4:32
  10. «New York / N.Y.» – 4:59
  11. «Wir Leben Noch (Lucky Number)» – 4:53
  12. «The Change» – 4:40
  13. «My Way» – 4:25
  14. «Heiss» – 4:11
  15. «Gott Im Himmel (Spirit in the Sky)» – 3:39
  16. «Zarah (Ich Weiss, Es Wird Einmal Ein Wunder Geschehn)» – 5:02

Calidad: FLAC

 

Gracias al compañero Yons por este archivo.

 

 

 


Ciudad Jardín – Poo-len (1988)

 

[Ciclo de Rock Ibérico]

 

Grupo madrileño formado en 1982 por Rodrigo de Lorenzo (voz), Eugenio Haro (bajo), Juan L. Vizcaya (batería) y Paul Gulanch (percusión). Mientras que Lorenzo venía del grupo Ella y Los Neumáticos, Eugenio simultaneaba su presencia en Ciudad Jardín con Glutamato Ye-yé, Juan L. hacía lo propio con Ejecutivos Agresivos y Paul en Derribos Arias.

Rock de espesas, pero envolventes, guitarras forman parte de las hornadas irritantes que se abrían paso por aquellos entonces, cuando la movida comenzaba a decaer. Sonidos muy cercanos al soul.

Después de grabar un ep homónimo, que no pudo ser editado hasta 1999, y dos álbumes para Fonomusic (“Falso” en 1985 y “Auténtico” en 1986), y tras el efímero paso de Santiago Agudo por el grupo (quien posteriormente formara La Coartada), ocupando el bajo que dejó el fallecimiento de Eugenio Haro, Ciudad Jardín se rehace por completo quedando conformado como trío, con Rodrigo a la cabeza y la incorporación de dos ex Objetivo Birmania, Paco R. Musulen y Luis Elices, en 1987. Aquí empiezan los aires funkies con ritmos mas tropicales.

En ese año, 1987, llegan a editar dos discos, ambos para La General / Fonomusic, el mini-lp “Dame Calidad”, que en su reedición CD incorporaría el single “¡Gato!” de 1986, y el lp “Toma Cantidad”, este último una reedición en formato largo del “Dame Calidad” que incluía un tema nuevo (“Mi Amooor”) y dos remixes de sus conocidas canciones “Emmanuel negra en el valle de los zombies” y “Las vacas”.

En 1988 aparece su nuevo trabajo, «Poo-Len», grabado en los Estudios Sonoland de Madrid y editado de nuevo por La General / Fonomusic, con temas tan divertidos como “Toda su vida dedicada a los demás” u “Óyeme, papel”. El diseño gráfico fue realizado por M. José Fernández Iglesias y Carlos del Valle, con fotografías de Tafanario y Fruch. “Óyeme papel” fue el primer single extraído, que no salió a la venta, sino que se hizo como disco promocional del grupo. El segundo sencillo elegido fue “Toda su vida dedicada a los demás”, una divertida historia de alarmas, bocinas y electrocuciones.

Fuente: Nueva Ola 80 / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Óyeme Papel» – 3:17
  2. «¿Cuánta Fruta? Un Regalo» – 3:20
  3. «Toda Su Vida Dedicada a los Demás» – 3:45
  4. «Un Meñique» – 3:49
  5. «El Mar Te Invitaba» – 3:34
  6. «Cactus Bello y Purísimo» – 3:25
  7. «Poo-Len» – 4:00
  8. «Su Vision de la Vida» – 3:50
  9. «Sed (Y No Habia Bar)» – 3:49
  10. «Nada Más y Nada Menos» – 4:19
  11. «No Hay Problemas» – 4:06

Calidad: 128 Kbps

 

Gracias al blog Sangrespañola por este archivo.

 

 

 

 


Los Brujos – Guerra de Nervios [1995]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

Los Brujos es una banda argentina de rock alternativo, que renovó la escena musical de los 90, encabezando el denominado “Nuevo Rock Argentino” junto a otras bandas como El Otro Yo, Massacre, Babasónicos, Peligrosos Gorriones, Juana La Loca, Los Visitantes, Tía Newton o Fun People, entre otros. La banda nació a comienzos de 1988 en Turdera, Gran Buenos Aires y tras tres trabajos discográficos, se disolvieron en 1998. El 7 de abril de 2014, regresaron a los escenarios.

Los Brujos nacen como una fusión entre dos jóvenes bandas vecinas de Turdera (sur de Gran Buenos Aires), Salto al Vacío y Los Pastrellos. La primera estaba formada por Gabriel Guerrisi (Guitarra y voz), Ricky Rúa (batería) y Gabriel Manelli (bajo); mientras que Los Pastrellos estaba compuesta por Fabio Pastrello (guitarra), Alejandro Alaci (voz) y Quique Ilid (batería). Vale aclarar que Fabio Pastrello y Gabriel Guerrisi son primos hermanos.

En el año 1988 ambas bandas compartieron un recital en el bar La Carpintería de Temperley, el buen resultado del show y los gustos en común fueron el disparador para unir ambas bandas y dar paso a Los Brujos, nombre que ya se encontraba registrado por un centenar de otros grupos pero del que obtuvieron un permiso provisorio para su utilización hasta que les fue cedido permanentemente. En su etapa de formación también participaron otros miembros, como Morticia Flowers y Viviana Tellas. Como lógicamente el grupo no podía tener dos bateristas, Ricky Rua decidió cantar en dúo con Alejandro Alaci, quedando Quique Illid como batero. Para fines de 1989 los recitales eran cada vez más concurridos y luego de una presentación en un festival en Cemento el músico y productor Daniel Melero les propone grabar su primer disco.

«Guerra de Nervios» es el tercer álbum de estudio de la banda argentina de rock alternativo Los Brujos, grabado y mezclado entre julio y septiembre de 1995 en los Estudios El Pie de Buenos Aires, con más de 400 horas de producción, y fue editado ese mismo año por la discográfica Sony Music. Este álbum cuenta con la presencia de invitados de lujo, como Gustavo Cerati, Daniel Melero, Gabo de Babasónicos, Aitor Graña de Juana La Loca, la baterista Andrea Álvarez y Sharly Demonio de DDT.

“Nuestro tercer disco se llama así porque en los shows de los brujos hay mucha energía que nace desde los cuerpos de cada integrante, y en el disco se transmite ese espíritu. Además un nervio es un receptor de estímulos y la música estimula varios al mismo tiempo, produciéndose de esta manera una guerra de nervios”, comentó Mala Yi (Ricky Rua) sobre el álbum.

Robo Yi (Alejandro Alaci) describe las distintas etapas: “Nuestros discos son como distintas películas del mismo director, que pueden distinguirse de acuerdo a la etapa que nos tocó vivir. El primer disco fue una película que remitía a historias y personajes mitológicos o ficticios. “San Cipriano” es una especie de film de terror y “Guerra de Nervios” es más bien un largometraje de ciencia ficción. El próximo álbum será un western” (Télam, 13/11/95).

Fue disco de oro en Argentina y actualmente se encuentra descatalogado. Este disco significo el último trabajo que editaron, ya que la banda anuncio su separación a través de su página http://www.losbrujos.com en 1998, aunque con su regreso oficial en 2014 la banda lanzó “Pong!” (2015), su cuarto álbum de estudio.

La frase en japonés que se pronuncia en “Psicosis Total” es la siguiente: “Los Brujos wa uchū kara kite iru no de mondai nai”, que en castellano significa “Los Brujos no tienen problemas porque vienen de otro planeta”. Los temas “Tónico para soñar I” y “Tónico para soñar III” contienen fragmentos de The Ventures, adaptados por Los Brujos.

En junio de 1995 se presentaron en el ciclo “Rock por una Universidad Democrática”, organizada por la FUBA en la Ciudad Universitaria, contra la Ley de Educación Superior. En el encuentro gratuito también participaron Juana La Loca y Los Cafres. Luego siguió el show con The Beastie Boys (en Obras) y el Nuevo Rock Argentino organizado por Rock & Pop, junto a Todos Tus Muertos, Peligrosos Gorriones y Massacre. Otro de sus recordados shows ocurrió en Parque Sarmiento junto a NOFX.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

 

  1.  «Victoria» – 1:36
  2. «Psicosis Total» – 2:27
  3. «Atlánticos» – 2:18
  4. «El Detonador» – 2:58
  5. «La Fiesta del Infierno» – 3:07
  6. «Aguaviva» – 2:46
  7. «Espiritu de Velocidad» – 2:45
  8. «Ondas Martinot» – 2:32
  9. «El Vengador» – 3:43
  10. «Azul Lucero» – 3:08
  11. «El Gato Rabioso» – 2:37
  12. «Nada» – 3:23
  13. «Gran Sheeld» – 0:24
  14. «Tónico para Soñar I» – 0:49
  15. «Tónico para Soñar II» – 2:30
  16. «Tónico para Soñar III» – 2:02
  17. «Reina en las Nieves» – 2:38
  18. «Captain Fetogia» – 3:45
  19. «Victoria II» – 1:33
Calidad: FLAC

 

 

 


Os Resentidos – Galicia Express [Sg] (1988)

 

[Ciclo de Rock Ibérico]

 

Podemos hablar de expansionismo cultural, de modernidad con vocación costumbrista, de crítica social, de surrealismo inteligente o de absorción y fusión de múltiples estilos con la mirada en la cultura y el humor característicos del terruño, de la República de Sitio Distinto, como llamaron a Galicia a lo largo de su carrera. Lo cierto es que Os Resentidos abrigaron con su calor La Movida de Vigo junto a bandas como Aerolíneas Federales, Golpes Bajos o Siniestro Total, y acercaron el rock gallego a todo el territorio nacional. La utilización del gallego, la irreverencia, una marginalidad poética y reivindicativa de sus raíces, y la fusión con vocación experimental -funky, rock, pop, folk, gaitas, sintetizadores- fueron sus señas de identidad. El grupo lo tiene claro, se define como “Os Resentidos de Vigo (gora Vigo Camasutra), una esquimal bus band de funkie depresivo. Nuestro trascendental concepto del funkie depresivo y del rock esquimal desborda obviamente la fugacidad del lenguaje y la opacidad traidora de la escritura (lapsus). Los motivos de nuestro resentimiento son amplios y confusos, puestos en situación normalmente, solemos declarar: una vez detectado el cáncer de mama galopante de la Santa Lucía de Miguel Ríos, llegó la hora (god save the mamas not the cancer)”.

Su líder y auténtico agitador cultural, Antón Reixa, es uno de los personajes más polifacéticos de nuestra escena. Poeta, cantante, director de cine, artista multimedia, columnista de prensa son algunas de sus principales ocupaciones, que no son pocas. Tras estudiar Filología Gallega en la Universidad de Santiago pone en marcha Os Resentidos, junto a Alberto Torrado -bajo-, Javier Soto -guitarra- y Rubén Losada -saxo-. Alberto compaginaba sus labores en el grupo con Siniestro Total, hasta que abandona definitivamente a Hernández y compañía en el 87. Javier por su parte, seguiría un camino inverso al de Alberto y abandonaría Os Resentidos en el 85 para enrolarse en Siniestro Total durante la gira del “Menos Mal que nos Queda Portugal” (DRO, 1984), siendo sustituido por Xavier Debesa.

En el 84 lanzan su primer trabajo, un maxi en 12” con aires post-punk compartido con Siniestro Total, “Surfin’ CCCP” (DRO, 1984), en el que cada grupo aporta dos cortes, y un año después sale a la venta su primer largo “Vigo Capital Lisboa” (GASA, 85). En él ya encontramos la esencia de lo que llegarían a ser, letras con un marcado humor en el que no se salva nada ni nadie -¿verdad, Paloma Gómez Borrero?-, la fusión de estilos como forma de vida y, por supuesto, las ganas de fiesta, de movida. Luego llegarían el rap, para poder decir más cosas en cada canción, y la conjunción perfecta entre sintetizadores y gaitas. La producción del disco no es la mejor, pero esto iría mejorando entrega tras entrega.

La mente hiperactiva de Antón Reixa continua trabajando a un ritmo frenético, y continúan entregándonos un largo por año. En el 86 sale “Fai un Sol de Carallo” (GASA, 1986), disco que contiene el gran hit de la formación, “Galicia Caníbal”, un éxito instantáneo que ha sobrevivido al grupo para traspasar las puertas de la cultura popular. El disco presenta una producción más cuidada y el sonido evoluciona considerablemente. Las programaciones están salpicadas de gaitas y Antón Reixa está más suelto que nunca.

“Música Doméstica” (GASA, 1987), tercer lp de los gallegos, baja el nivel de sus antecesores. Las composiciones de Antón Reixa no son tan brillantes y los arreglos se vuelven más previsibles y monótonos, encontramos aires rythm and blues, funky depresivo, cumbia, ritmos disco y sintetizadores, fusión de estilos marca de la casa que en esta ocasión se queda a medias.

Tan sólo un año después entregan su cuarto LP, “Fracaso Tropical” (GASA, 1988), plagado de ritmos y latinos y con el rap asomando de cuando en cuando. El primer sencillo extraído del álbum será «Galicia Express»; un tren arranca en Medina del Campo, una voz nos pone en situación, se trata del expreso Rías Baixas dirección Ourense, después de eso, los ritmos latinos, el rap, las gaitas y las revisiones del estribillo de “Like a rollin’ stone” de Bob Dylan y del “Castellanos de Castilla” de Rosalía de Castro hacen que el viaje a través de estaciones desiertas y andenes olvidados sea más plácido. Le acompaña en la cara B el tema inédito “Cono Sur”, grabado en 1987.

Fuente: Fernando Fernández Rego en LaFonoteca.net / Zonde
 

 

 

Lista de canciones:

 

  1. «Galicia Express» – 4:13
  2. «Cono Sur» – 3:45

Calidad: 128 Kbps

 

 

Gracias al blog Sangrespañola por este archivo.

 

 


Divididos – Narigón del Siglo [2000]

[Resubida]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

Divididos es una banda argentina de rock, fundada en 1988 en Hurlingham (provincia de Buenos Aires) por Ricardo Mollo y Diego Arnedo, ex-integrantes de Sumo, cuando ésta se disolvió por la muerte de su líder, Luca Prodan. En sus trabajos han incursionado en estilos musicales locales como el folklore. Ha sido galardonada en múltiples ocasiones tanto de forma grupal como individual. En el 2011 fue hacedora del Premio Gardel de Oro (la distinción más destacada de la música nacional) en reconocimiento a su exitosa trayectoria, premio que ha sido entregado sólo catorce veces a distintos artistas tales como Charly García, León Gieco, Mercedes Sosa y Gustavo Cerati, entre otros.

Tras la disolución de Sumo debido a la muerte de su cantante Luca Prodan el 22 de diciembre de 1987, el resto de sus integrantes Ricardo Mollo, Diego Arnedo, Roberto Pettinato, Alberto “Superman” Troglio y Germán Daffunchio deciden reflexionar acerca del futuro de la banda. Daffunchio y Timmy Mackern (productor de Sumo y amigo de Luca) vuelven a las sierras cordobesas y el resto de la banda se queda ensayando en una sala de El Palomar. El 5 de marzo de 1988, ya sin Luca Prodan en escena, Sumo se presenta en el Chateau Rock, con Daffunchio, Mollo, Pettinato, Arnedo y Troglio.

Ricardo Mollo (guitarra) y Diego Arnedo (bajo), junto al baterista Gustavo Collado (ex La Sobrecarga) forman «La División» que luego cambiaría de nombre para pasar a ser «Divididos». Ellos se juntan por primera vez en la casa de Poppy Manzanedo, donde vivía Gustavo Collado, Manzanedo fue el primer manager que tuvo Divididos, firmó el contrato con CBS para grabar su primer disco, “40 Dibujos Ahí en el Piso”.

«Narigón del Siglo», titulado originalmente “Narigón del siglo, yo te dejo perfumado en la esquina para siempre”, es el sexto álbum de estudio editado por la banda de rock argentina Divididos, lanzado en el año 2000 por la discográfica BMG.​ El mismo fue grabado en los estudios Abbey Road de Londres y marcaría una etapa de maduración para la banda, además de ser uno de sus discos más populares y aclamados tanto por los fans de la banda como los críticos.

Los dibujos de la portada fueron hechos por el bajista Diego Arnedo y el arte estuvo a cargo del diseñador Alejandro Ros. En cuanto al nombre del trabajo, Ricardo Mollo dijo lo siguiente: “Le pusimos Narigón del siglo porque los que marcaron los 80 y los 90 fueron los narigones, o sea, los mentirosos y los que toman cocaína. Lo de narigón es nuestro símbolo para hablar del vicio y la hipocresía de estos últimos años.”

Varios de sus temas se convertirían en himnos para el grupo. “Casi estatua” con una introducción hindú y una potencia demoledora abre el disco con mucha energía y sirve de aviso para lo que esta por venir, bajando unos desniveles le sigue la acústica “Par mil” uno de los cortes de difusión que más sonó en las radios en ese entonces, a continuación. “Spaghetti del rock”, una canción de amor dedicada a su ex Erica García y un verdadero clásico de Divididos y hasta del rock nacional. Algunos creen que está dedicada a Érica. Otros piensan que esta canción hace referencia a los medios de comunicación y a cómo estos interactúan con el mundo de la música; es decir, cómo los medios ven el beneficio propio a través de los artistas. Una tercera interpretación es que la canción hace referencia a ambos temas, y en especial a un documental sobre la vida de Luca Prodan que la banda no apoyó.

“Narigón del Siglo” recibió buenas críticas en su totalidad y paso a convertirse en uno de los mejores discos de la carrera de “La aplanadora del rock” y de todo el rock nacional de la década pasada. En el año 2007, la revista Rolling Stone de Argentina lo ubicó en el puesto 70.º de su lista de «Los 100 mejores álbumes del rock argentino»,​ aunque ascendió al puesto 69.º en la versión actualizada de la lista en 2013. Además la canción “Spaghetti del rock” fue elegida como la mejor de la década en una encuesta realizada por la revista Rolling Stone.

 
Fuente: Wikipedia / Zonde
 

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas compuestos por Diego Arnedo y Ricardo Mollo, excepto indicados)

  1. «Casi Estatua» (Mollo, Arnedo, Araujo) – 3:42
  2. «Par Mil» – 3:17
  3. «Tanto Anteojo» – 3:04
  4. «Qué Pasa Conmigo» – 4:02
  5. «Spaghetti del Rock» – 3:32
  6. «Elefantes en Europa» – 3:25
  7. «Vida de Topos» (Mollo, Arnedo, Araujo) – 5:03
  8. «La Ñapi de Mamá» (Mollo, Arnedo, Araujo) – 5:21
  9. «Como un Cuento» (Mollo, Arnedo, Araujo) – 4:46
  10. «Sopa de Tortuga» – 3:35
  11. «Pasiones Zurdas Derechas» (Mollo, Arnedo, Araujo) – 3:46
  12. «La Gente se Divierte» – 4:43
  13. «La Firma del Opa» – 1:56

Calidad: WAV

 

 

 


Red Hot Chili Peppers – By the Way [2002]

[Resubida 2ª]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

Red Hot Chili Peppers es una banda estadounidense formada en 1983 en Los Ángeles, California. La alineación de la banda está conformada por el vocalista Anthony Kiedis, el guitarrista Josh Klinghoffer, el bajista Michael “Flea” Balzary y el baterista Chad Smith. El estilo musical de la banda fusiona el funk tradicional con elementos de otros géneros incluyendo el rap, heavy metal, rock alternativo, punk rock y grunge. Son considerados los inventores del punk funk.

Además de Kiedis y Flea, la formación original del grupo la completaban el baterista Jack Irons y el guitarrista Hillel Slovak, quien murió de una sobredosis de heroína en 1988, resultando en la salida de Irons. Tras la llegada en 1989 de Chad Smith y John Frusciante como sustitutos de Irons y Slovak, esta formación grabaría los álbumes “Mother’s Milk” (1989), “Blood Sugar Sex Magik” (1991), “Californication” (1999), “By The Way” (2002), “Stadium Arcadium” (2006). Mientras los Red Hot Chili Peppers estaban de gira por Japón en 1992, Frusciante dejó la banda y no volvería hasta 1998. Dave Navarro se convirtió en su sustituto durante ese periodo y, con él, lanzaron el álbum “One Hot Minute” (1995).

“Blood Sugar Sex Magik” fue el gran salto al éxito internacional del grupo, siendo un referente claro de la fusión estilística que caracterizaría a los ’90. Tras el regreso de Frusciante en 1998, el cuarteto volvió a reunirse en el estudio para grabar “Californication”, que llegó a vender quince millones de copias, convirtiéndose en su álbum de más éxito comercial hasta la fecha. Se estima que desde su debut la banda ha vendido más de 110 millones de álbumes en todo el mundo. Los Red Hot Chili Peppers han ganado siete Premios Grammy y, en 2011, fueron elegidos para ingresar en el Rock and Roll Hall of Fame.

«By the Way» (en castellano: “A Propósito”) es el octavo álbum de estudio de la banda estadounidense de rock alternativo Red Hot Chili Peppers, grabado entre noviembre de 2001 y mayo de 2002 en los estudios Cello de Los Ángeles, California, con producción de Rick Rubin, y editado en julio de 2002 por Warner Bros. Records. Este vendió más de 282.000 copias en la primera semana, y alcanzó el puesto dos en el Billboard 200.​ El contenido lírico de “By the Way” difiere de los álbumes anteriores de los Chili Peppers debido a un acercamiento más sincero y reflexivo por parte del vocalista Anthony Kiedis a sus letras.

“By the Way” fue aplaudido por los críticos como una salida de los estilos anteriores de la banda, y es reconocido por las melodías poco animadas dadas por los Chili Peppers.​ Al guitarrista John Frusciante se le acreditan la mayoría de las melodías del álbum, líneas de bajo, progresiones de guitarra, y por lo tanto el cambio de dirección en la grabación: “su cálido y minucioso trabajo de guitarra y sus armonías vocales de estilo doo wop es lo que destaca en esta ocasión”.​ “By the Way” no tuvo prácticamente nada de la fusión de punk y funk con la que la banda se hizo conocida.​ Frusciante afirmó que escribir By the Way ha sido uno de los momentos más felices de mi vida“.​ Para Kiedis, “escribir By the Way… fue una experiencia totalmente diferente con respecto a Californication. John estaba nuevamente en sus cabales y rebosante de confianza“.

Fue disco de oro pocos meses después, el 26 de octubre de 2002.​ Cinco sencillos fueron lanzados a partir del álbum. De éstos, la canción titulada “By the Way” fue la más exitosa, alcanzando el puesto 2 de la lista de éxitos británica y el puesto 1 de la lista de éxitos de rock del Billboard. Aunque el álbum vendió menos copias que “Californication”, “By the Way” llegó al puesto dos del Billboard 200,​ un lugar más arriba que “Californication”. Mundialmente, el álbum alcanzó el puesto 1 del Top 40 británico​ y de las listas de éxitos de Suiza, Nueva Zelanda, Austria y Suecia,​ y el puesto 2 del Top 40 francés.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

    (Todos los temas escritos por Red Hot Chili Peppers excepto indicados)

  1. «By the Way» – 3:37
  2. «Universally Speaking» – 4:19
  3. «This Is the Place» – 4:17
  4. «Dosed» – 5:12
  5. «Don’t Forget Me» – 4:37
  6. «The Zephyr Song» – 3:52
  7. «Can’t Stop» – 4:29
  8. «I Could Die for You» – 3:13
  9. «Midnight» – 4:55
  10. «Throw Away Your Television» – 3:44
  11. «Cabron» – 3:38
  12. «Tear» – 5:17
  13. «On Mercury» – 3:28
  14. «Minor Thing» – 3:37
  15. «Warm Tape» – 4:16
  16. «Venice Queen» – 6:07
  17. «They’re Red Hot» (Robert Johnson) [bonus] – 1:00
  18. «Higher Ground» (Stevie Wonder) [bonus] – 3:20
  19. «Search and Destroy» (J.Osterberg & J.Williamson) [bonus] – 3:38
  20. «Castles Made of Sand» (Jimi Hendrix) [bonus] – 3:16

Calidad: FLAC

 

 

 


Talking Heads – Road to Nowhere (Maxi) [1985]

[Resubida]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

Talking Heads fue una banda de rock experimental y dance punk (una de las más representativas bandas new wave, con elementos de estilos como el punk rock, rock progresivo y el funk predominante en el ambiente británico de los años ochenta, que recibe la influencia cultural del Art Pop y el minimal, expresado en sus letras impregnadas de experiencia alienada y claves musicales experimentales y mínimas) formada en Nueva York por David Byrne en el año 1974 junto a Chris Frantz y Tina Weymouth. Un par de años después, tras telonear a Ramones en el legendario club CBGB, se integraría a ella el guitarrista y teclista Jerry Harrison, quien anteriormente había grabado junto a The Modern Lovers. En una entrevista, Weymouth especificó cómo el grupo eligió el nombre Talking Heads: “Un amigo encontró el nombre en la guía de televisión, que explica el término usado por los estudios de televisión para describir el busto de una persona hablando acerca de ‘todo contenido, nada de acción'”.

Encabezada por el músico David Byrne, la banda alcanzó los primeros lugares de las listas de ventas en gran parte de Europa y Estados Unidos de Norteamérica. Puede resumirse el estilo y elegancia que destacó a esta agrupación en el filme “Stop Making Sense”, que fue realizado en el teatro Pantages de Hollywood y dirigido por Jonathan Demme. Esta representación es aclamada como uno de los ejemplos más representativos de su género.

El grupo tuvo rápidamente una gran aceptación y firmó para Sire Records en 1977, lanzando su primer single “Love – Building On Fire” en febrero de ese año. Su primer álbum, “Talking Heads: 77” fue lanzado a continuación y no contenía el primer single. Esto fue con su segundo álbum en 1978, “More Songs About Buildings and Food”, con el cual la banda comenzó su larga colaboración con el productor Brian Eno, quien previamente había trabajado con Roxy Music, David Bowie y Robert Fripp. La experimentación continuó con “Fear of Music” en 1979, el cual flirteaba con el oscuro estilo del post-punk rock. “Remain in Light”, fuertemente influenciado por el Afro-Beat (ritmos africanos) de la banda nigeriana Fela Kuti (de quienes Eno introdujo su música en la banda), explorando poliritmos africanos, haciendo que más tarde Byrne se interesase en la música mundial.

El maxi single «Road to Nowhere» fue el segundo sencillo del sexto álbum de Talking Heads, “Little Creatures”, grabado y mezclado por G.T. Thorngren y Jerry Harrison, y editado en septiembre de 1985 por Sire Records en Estados Unidos de Norteamérica y por EMI Records en Reino Unido y el resto del mundo. Alcanzó el nº 5 en Nueva Zelanda; el nº 6 en Alemania, Gran Bretaña, Irlanda y Sudáfrica; el nº 10 en Holanda, el nº 16 en Australia y el nº 25 en el Billboard estadounidense.

Acerca del tema principal, David Byrne explicó en las notas del recopilatorio “Once in a Lifetime: The Best of Talking Heads” (EMI, 1992): “Quería escribir una canción que presentara una mirada resignada e incluso alegre a la fatalidad. En nuestras muertes y en el apocalipsis (siempre inminente, gente)… Creo que tuvo éxito. El fragmento delantero, el coro blanco del gospel, está un poco pegado, porque no pensé que el resto de la canción fuera suficiente… Quiero decir, eran sólo dos acordes. Así que, por embarazo o vergüenza, escribí una sección de introducción que tenía un par más en ella.”

El video de la canción fue dirigido por Byrne y Stephen R. Johnson y presenta a la banda y varios objetos giratorios, como si estuvieran en su propio “camino a ninguna parte”. Fue nominado para “Mejor Video del Año” en los MTV Video Music Awards 1986. La ilustración de portada fue realizada por Howard Finster.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1.  «Road to Nowhere» – 4:19
  2.  «Television Man» (Extended Mix) – 8:00

Calidad: FLAC

 

 

 


Divididos – Gol de Mujer [1998]

[Resubida]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

Divididos es una banda argentina de rock, fundada en 1988 en Hurlingham (provincia de Buenos Aires) por Ricardo Mollo y Diego Arnedo, ex-integrantes de Sumo, cuando ésta se disolvió por la muerte de su líder, Luca Prodan. En sus trabajos han incursionado en estilos musicales locales como el folklore. Ha sido galardonada en múltiples ocasiones tanto de forma grupal como individual. En el 2011 fue hacedora del Premio Gardel de Oro (la distinción más destacada de la música nacional) en reconocimiento a su exitosa trayectoria, premio que ha sido entregado sólo catorce veces a distintos artistas tales como Charly García, León Gieco, Mercedes Sosa y Gustavo Cerati, entre otros.

Tras la disolución de Sumo debido a la muerte de su cantante Luca Prodan el 22 de diciembre de 1987, el resto de sus integrantes Ricardo Mollo, Diego Arnedo, Roberto Pettinato, Alberto “Superman” Troglio y Germán Daffunchio deciden reflexionar acerca del futuro de la banda. Daffunchio y Timmy Mackern (productor de Sumo y amigo de Luca) vuelven a las sierras cordobesas y el resto de la banda se queda ensayando en una sala de El Palomar. El 5 de marzo de 1988, ya sin Luca Prodan en escena, Sumo se presenta en el Chateau Rock, con Daffunchio, Mollo, Pettinato, Arnedo y Troglio.

Ricardo Mollo (guitarra) y Diego Arnedo (bajo), junto al baterista Gustavo Collado (ex La Sobrecarga) forman «La División» que luego cambiaría de nombre para pasar a ser «Divididos». Ellos se juntan por primera vez en la casa de Poppy Manzanedo, donde vivía Gustavo Collado, Manzanedo fue el primer manager que tuvo Divididos, firmó el contrato con CBS para grabar su primer disco, “40 Dibujos Ahí en el Piso”.

Tras firmar contrato con la multinacional BMG en 1998 en Los Ángeles, aparece «Gol de Mujer», quinto álbum de estudio de la banda, grabado entre los años 1997 y 1998 en los estudios La Calandria, Del Cielito y TNT (todos en Buenos Aires), con producción de Ricardo Mollo, y editado en 1998 por BMG. El disco tiene tanto canciones rockeras, como “Nene de antes” y “Gol de mujer”, como folklóricas: “Vientito del Tucumán” (una versión del poema inédito de Atahualpa Yupanqui), “El gordo legüero”, “Clavador de Querubín” y “Niño hereje”, siendo esta mezcla una de las principales características de la banda, con el objetivo de “devolverle algo a la cultura”. También contiene una canción en homenaje al fallecido cantante de Sumo llamada “Luca” y hasta un pesado cover de Billy Bond y la Pesada del Rock and Roll (“Salgan al sol”). El material fue presentado el 25 de julio de 1988 en el Parque Sarmiento y luego en el Estadio Obras Sanitarias, y se ganó rápidamente la aprobación de sus seguidores.

Divididos volvería a su esencia y entregarían un disco fiel a su estilo luego del poco comercial y experimental “Otroletravaladna”. Los demoledores riffs “hendrixianos” de Mollo, los increíbles punteos de bajo de Arnedo son una experiencia más que cautivadora a la hora de escuchar cualquier trabajo de la aplanadora del rock. En esta oportunidad, el joven baterista Jorge Araujo se lució mucho más que en su primera participación en el grupo, estando a la altura de dos virtuosos como sus compañeros de trío.

 
Fuente: Wikipedia / Zonde
 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas compuestos por Diego Arnedo y Ricardo Mollo, excepto indicados)

  1. «Alma de Budín» – 2:56
  2. «Nene de Antes» (Mollo, Arnedo, Araujo) – 4:10
  3. «Luca» – 4:00
  4. «Clavador de Querubín» – 1:38
  5. «Sobrio a las Piñas / Quién se Tomó Todo el Vino» (Mollo, Arnedo, Araujo / Jiménez, Cueto, Altamirano) – 4:28
  6. «Amor Japonés» (Mollo, Arnedo, Araujo) – 3:19
  7. «Cabeza de Maceta» (Mollo, Arnedo, Araujo) – 2:45
  8. «Letra Gótica» – 2:01
  9. «Cosas de Baboon» – 3:12
  10. «Gol de Mujer» (Mollo, Arnedo, Araujo) – 4:32
  11. «Vientito de Tucumán» (Mollo, Arnedo, Araujo / Yupanqui) – 3:19
  12. «Niño Hereje» – 1:39
  13. «Zombie» – 4:15
  14. «El Fantasio» (Mollo, Arnedo, Araujo) – 5:51
  15. «Salgan al Sol» (Javier Martínez) – 1:46
  16. «El Gordo Legüero» – 1:47

Calidad: FLAC

 

 

 


Ana Popovic – Trilogy (2016)

[Resubida 2ª]

 

[Otras Músicas]

 

Ana Popović, nacida en 1976 en Belgrado (Serbia) y emigrada a Memphis (Tennessee, EUNA) en 2012, es una virtuosa guitarrista y cantante de blues-rock. Su padre la introdujo en la música blues y comenzó a tocar la guitarra cuando tenía quince años. Alrededor de 1991 Ana sucumbe inevitablemente a los encantos de la guitarra. Su padre sigue ayudándola, pero se da cuenta de que el don natural de su hija para tocar el instrumento va más allá de sus propias habilidades y, aunque la familia no es rica, sus padres hacen lo imposible para que asista a clases particulares de guitarra, en las que Ana se deja el alma, sorprendiendo a su maestra con su progreso y el rápido desarrollo de un estilo propio.

En 1995 formó la banda Hush con Rade Popović (guitarra, voz), Milan Sarić (bajo) y Bojan Ivković (batería), con un estilo rhythm and blues, pero también incorporando elementos de funk y soul en su sonido. Durante 1996, Hush realizó giras por Yugoslavia y Grecia, y gracias a su directo en el Marsoni Blues Festival de Senta, Hush obtuvo la invitación para actuar en el Fifth International Blues, Jazz, Rock and Gastronomic Festival de Hungría, parte de cuya actuación fue incluida en un álbum en directo editado para celebrar el festival.

A lo largo de 1998, Hush tuvo más de 100 shows, tocando en clubs de blues y festivales del género, mientras registraban su álbum debut, “Hometown”, grabado en Studio Akademija y mezclado en VELJAM Studio, con producción de Aleksandar Radosavljević, y editado por el sello yugoslavo PGP-RTS en 1998. Contó con la colaboración de artistas invitados como Vojno Dizdar (piano y órgano), Petar “Pera Joe” Miladinović (armónica), Aleksandar Tomić (saxofón tenor) y Predrag Krstić (trompeta). Además de canciones propias, el disco incluye también versiones de algunos temas reputados del blues.

A finales de 1998, Popović fue a Utrecht (Holanda) para estudiar guitarra blues-jazz, lo que provocó el final de la banda Hush y el posterior inicio de la carrera en solitario de Ana, que comenzó un año después con la formación de su banda de acompañamiento en Holanda. En 2000, apareció junto a Eric Burdon, Taj Mahal, Buddy Miles, Double Trouble, Eric Gales y otros, en el álbum de tributo a Jimi Hendrix “Blue Haze: Songs of Jimi Hendrix” con una versión del tema “Belly Button Window”.

En 2001, apareció su álbum debut en solitario, “Hush!”, editado por el sello alemán Ruf Records. El álbum fue grabado en Memphis, con los miembros de la Ana Popović Band, así como otros músico de estudio. Fue producido por Jim Gaines, quien anteriormente trabajó con Carlos Santana, John Lee Hooker, Alexis Korner y otros grandes músicos. El álbum incluye a Bernard Allison como invitado y mostró ser exitoso, por lo que Popović abandonó sus estudios de guitarra para dedicarse exclusivamente a su actividad musical como profesional.

En 2003, Popović lanzó su segundo álbum en solitario, “Comfort to the Soul”, editado por el sello alemán Ruf Records. El álbum, grabado en Memphis y producido por Gaines, ofreció una fusión de blues, rock, soul y jazz. Durante el mismo año, en el Festival de Rhythm & Blues en Bélgica, fue invitada por Solomon Burke a unirse a él en el escenario, después de lo cual ella se unió a él en el resto de la gira como invitado.

Tras un disco en directo grabado en enero de 2005 en su actuación en el club Melkweg de Amsterdan y editado ese mismo año, titulado “Ana!”, en 2007 Popović publica con el sello norteamericano Eclecto Groove Records su tercer álbum de estudio, “Still Making History”, en el que vuelve a retomar su estilo característico de blues, rock y soul. El trabajo cuenta con un bonus consistente en la versión blues del primer tema del disco.

Con producción de Mark Dearnley, Tony Braunagel y Ana Popović, graba en California su cuarto álbum de estudio, “Blind for Love”, segundo disco producido en EUNA y editado de nuevo por el sello Eclecto Groove Records en 2009. El quinto álbum de estudio de Ana Popović en solitario, “Unconditional”, fue grabado en febrero de 2011 en Nueva Orleans (Louisiana) y editado de nuevo por el sello Eclecto Groove Records en agosto de 2011. Al igual que “Still Making History”, “Unconditional” alcanza el nº 1 en el Billboard Blues Chart estadounidense.

El séptimo álbum de estudio de Ana Popović en solitario, “Can You Stand the Heat”, grabado en Memphis y mezclado en Nashville, ambas de Tennesse, donde la guitarrista y cantante se trasladó a vivir, fue editado por el sello holandés ArtisteXclusive Records en marzo de 2013. En este disco aparece una versión del tema de los Rolling Stones “Rain Fall Down”.

«Trilogy» es el octavo álbum de estudio de Ana Popović en solitario, un álbum triple grabado en diversos estudios estadounidenses, con producción de Warren Riker, Ana Popović, Tom Hambridge, Cody Dickinson y Delfeayo Marsalis, y editado por el sello holandés ArtisteXclusive Records en mayo de 2016. Popović escribió o co-escribió la mayoría de las canciones de los tres discos (15 de los 23 temas). Colaboraron en su grabación muchos grandes artistas invitados, como el guitarrista Joe Bonamassa, el guitarrista de lap steel Robert Randolph, el rapero Al Kapone y los bateristas Bernard Purdie y Cody Dickinson (de North Mississippi Allstars).

El álbum se divide en tres discos, con tres estilos diferentes. El CD-1 (“Morning”) es su álbum soul, funk y R & B, producido por el ganador del premio Grammy Warren Riker y por Popović, y grabado en Esplanade Studios (Nueva Orleans, Louisiana), Royal Studios y Music + Arts Studio (Memphis, Tennessee), The Switchyard (Nashville, Tennessee), y Full Sail Studio (Orlando, Florida). Además de los fuertes trabajos de guitarra de Popović, “Morning” utiliza multitud de cuernos y piano, y presenta a Joe Bonamassa como guitarrista invitado en “Train”, terminando la canción con un smoking outro.

El CD-2 (“Mid-Day”) contiene el blues rock más típico en la música de Popović. Las canciones fueron grabadas y producidas por varias personas en diferentes lugares. Fue grabado por Warren Riker en Esplanade Studios, Nueva Orleans en Louisiana, por Tom Hambridge en The Switchyard, Nashville en Tennessee, y por Cody Dickinson en el rancho Zebra cerca de Memphis en Mississippi. Popović incluye una canción de duelo de guitarra “Woman to Love”, donde ella se dueló a sí misma a través de la magia de doble rastreo. El disco contiene un dúo conmovedor con Alphonzo Bailey, más conocido como el rapero Al Kapone.

Finalmente el CD-3 (“Midnight”) explora las tendencias jazzísticas de Popović. Este disco tiene más versiones que cualquiera de los otros, ya que cubre una canción de Tom Waits, un tema de Duke Ellington y también una canción de Billie Holiday. El disco de jazz fue grabado en Esplanade Studios, New Orleans en Louisiana, por Delfeayo Marsalis, y utiliza una variedad de saxofones, bajo acústico y batería, con Kyle Roussell en el piano. Popović probó una nueva guitarra para “Midnight”, usando un Gibson ES-175 para los números de jazz en lugar de su Strat habitual, que utiliza para el rock y el blues. Ella también adaptó su voz al jazz, dejando los gruñidos y los gritos de los dos primeros discos y cambiando a canturreo, desprendiendo un ambiente nocturno ahumado.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas de Ana Popović, excepto indicados)

 

CD-1 (“Morning”):

  1. «Love You Tonight» – 4:04
  2. «She Was a Doorman» (Popović, Shannon Sanders) – 4:03
  3. «Show You How Strong You Are» (Popović, Tommy L. Sims) – 3:23
  4. «Fencewalk» (Carlos Wilson, Louis Wilson, Ric Wilson, Skip Scarborough) – 4:21
  5. «Train» [con Joe Bonamassa] – 4:57
  6. «If Tomorrow Was Today» – 5:15
  7. «Long Road Down» – 4:32
  8. «Hook Me Up» [con Robert Randolph] (Johnny “Guitar” Watson) – 4:37
  9. «Too Late» – 5:26

CD-2 (“Mid-Day”):

  1. «You Got the Love» (Chaka Khan, Ray Parker Jr.) – 5:28
  2. «Johnnie Ray» (Popović, Kevin Bowe) – 3:46
  3. «Woman to Love» (Curtis Mayfield) – 3:19
  4. «Let’s Do It Again” [con Al Kapone] – 3:51
  5. «Who’s Yo’ Mama» – 3:18
  6. «Wasted» (Popović, M. van Meurs) – 2:18
  7. «Crying for Me» – 3:09

CD-3 (“Midnight”):

  1. «New Coat of Paint» (Tom Waits) – 3:27
  2. «Waiting on You» – 4:32
  3. «In a Sentimental Mood» (Duke Ellington, Manny Kurtz) – 3:39
  4. «Old Country» (Curtis Reginald Lewis, Nat Adderley) – 3:46
  5. «Waiting on You (Double-Time Swing)» – 3:59
  6. «Heaven’s Crying aka Song for the Next Generation» (Popović, M. van Meurs, K. Bowe, Cindy Scott) – 4:00
  7. «You Don’t Know What Love Is» (Don Raye, Gene de Paul) – 4:45

Calidad: 320 Kbps

 

 

 


La Portuaria – Huija [1995]

[Resubida]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

La Portuaria fue una banda de rock argentino formada en 1989 en Buenos Aires. Desarrollaron un sonido de fusión, incorporando ritmos latinos sobre una base fuertemente influenciada por el jazz y el R&B. Tuvieron su primera exposición al gran público en el festival Mi Buenos Aires Rock, organizado en 1990 por la Municipalidad de la Ciudad de Buenos Aires. Con el tiempo incorporaron varios instrumentistas en torno al núcleo central del grupo, constituido por Christian Basso (bajo), Colo Belmonte (batería), Sebastián Schachtel (teclados), Diego Frenkel (guitarra y voz) y, desde 1990 hasta 1996, Axel Krygier (piano y saxofón). Han editado 10 discos, constituyendo una presencia importante en la escena musical argentina desde sus comienzos en adelante.

Diego Frenkel, Christian Basso y Sebastián Schachtel (columna vertebral de la banda) habían integrado el grupo Clap, que grabó un álbum en 1986. Ya por entonces sorprendieron por la versatilidad de ritmos y estilos. Tal es así que muchos los han definido como “world beat” (algo así como el ritmo de la aldea global). A fines de los 80 tras la disolución de Clap surge La Portuaria. Desde sus inicios su música escapaba a los modelos tradicionales del rock en Argentina. Se trataba de música fundamentalmente rítmica que exploraba y se nutría de los colores y sonidos de la música del mundo. La variedad rítmica y tímbrica siempre fue parte de la cosmogonía de la banda.

En 1989 debutan con su primer disco: “Rosas Rojas”, editado por la discográfica EMI. Por lo exótico de su propuesta, La Portuaria parecía estar al frente de una suerte de vanguardia rockera, pero sus canciones eran de fácil acceso al público. Viajan a España y a su regreso son invitados a participar en Mi Buenos Aires Rock, un festival organizado por la Municipalidad, que convocó a cien mil personas en la avenida Nueve de Julio. Si bien el público había asistido para escuchar a Charly García y a Luis Alberto Spinetta, fue una excelente oportunidad para presentar el trabajo de la banda, que no fue desaprovechada, a juzgar por los aplausos cosechados.

En 1991 el grupo inicia la producción de su segundo álbum, “Escenas de la Vida Amorosa”, editado nuevamente por EMI. El tema “El bar de la calle Rodney” se destaca como el éxito de la placa. Se presentan en el teatro Astros, donde desarrollan una arriesgada puesta en escena combinada con elementos teatrales no convencionales como la actuación de la agrupación El Descueve, con la participación de Fito Páez como invitado especial.

La consagración vendría con “Devorador de Corazones”, su tercer álbum de estudio, editado en 1993 por EMI Odeon con producción del propio grupo. El álbum obtuvo un éxito mucho más masivo que su álbum anterior de 1991, siendo un disco más cuidado, potente y exitoso que se destaca por el tema homónimo, “Selva” y “Nada es igual” (estos dos últimos cortados para difusión). El disco colocó a la banda en su grado máximo de exposición y obtuvo un disco de Oro pocos meses después de su lanzamiento y, a comienzos de 1994, el álbum llegó a ser disco platino. La influencia del hot jazz y de la música de fusión latina es más perceptible.

Después del exitoso disco “Devorador de Corazones”, La Portuaria quería continuar saciando sus famélicos deseos de fama. Casi sin perder tiempo, aunque concentrándose en la búsqueda del sonido ideal, la banda liderada por Diego Frenkel lanzó en 1995 su cuarto material, «Huija», grabado y mezclado en Nueva York (donde se trabajó con un criterio mucho más profundo de producción, logrando un sonido contundente y experimental) y editado nuevamente por EMI en 1995, con producción de Andrés Levin, Camus Celli y La Portuaria. Fue inmediatamente catalogado por la prensa como “uno de los más importantes del año”. El álbum también fue la presentación del nuevo baterista, Martín Ghersa.

El álbum repite la fórmula de su anterior álbum; con una producción más profesional a cargo de Andrés Levin, quien enfatizó los aspectos mestizos musicalmente (ya desde el mismo título es una exclamación de índole folclórica que remite a las aventuras del personaje de historietas Patoruzú), y fue grabado casi con el mismo concepto que “Devorador de Corazones”. La combinación entre el jazz y lo latino eran la principal herramienta con la que se valió esta producción. En palabras textuales de Frenkel: “un grito de alegría y explosión salvaje, guiso de mambo, hip hop, acid jazz, ritmo y blues y otros reciclajes contemporáneos”. Una definición bastante abarcadora de estilos, que sin embargo, pueden evidenciarse a lo largo del disco.

“Ruta” tiene ese pegadizo coro imposible de no cantar tras la primera vez que se escucha, que transforma a la canción en una de las más populares. “Supermambo” mantiene el tono alegre, fundamentalmente, con la letra. En el siguiente tema, como con “Nada es igual”, Frenkel vuelve al vacío despojándose de posesiones. “Donde hubo fuego”, frase de larga data, es otro de los temas que se destacan de este material que incluso sería utilizado por David Byrne. También “10 segundos” sería seleccionado para una recopilación de música americana por David Byrne. La Portuaria no se apartó demasiado del estilo que le dio el Disco de Oro con el anterior trabajo, por lo que “Huija” mantiene aquel nivel.

 

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Ruta» – 3:22
  2. «Supermambo» – 3:41
  3. «No Tengo Nada» – 3:46
  4. «Sofía» – 4:11
  5. «Dios» – 4:35
  6. «Ven a Mí» – 4:31
  7. «Vudú Danza» – 4:16
  8. «La Diablada» – 3:16
  9. «Donde Hubo Fuego» – 5:21
  10. «10 Segundos» – 3:40

Calidad: WAV