Ciclos y Neurastenias en un mundo cruel

Funk

Talking Heads – Road to Nowhere (Maxi) [1985]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

Talking Heads fue una banda de rock experimental y dance punk (una de las más representativas bandas new wave, con elementos de estilos como el punk rock, rock progresivo y el funk predominante en el ambiente británico de los años ochenta, que recibe la influencia cultural del Art Pop y el minimal, expresado en sus letras impregnadas de experiencia alienada y claves musicales experimentales y mínimas) formada en Nueva York por David Byrne en el año 1974 junto a Chris Frantz y Tina Weymouth. Un par de años después, tras telonear a Ramones en el legendario club CBGB, se integraría a ella el guitarrista y teclista Jerry Harrison, quien anteriormente había grabado junto a The Modern Lovers. En una entrevista, Weymouth especificó cómo el grupo eligió el nombre Talking Heads: “Un amigo encontró el nombre en la guía de televisión, que explica el término usado por los estudios de televisión para describir el busto de una persona hablando acerca de ‘todo contenido, nada de acción'”.

Encabezada por el músico David Byrne, la banda alcanzó los primeros lugares de las listas de ventas en gran parte de Europa y Estados Unidos de Norteamérica. Puede resumirse el estilo y elegancia que destacó a esta agrupación en el filme “Stop Making Sense”, que fue realizado en el teatro Pantages de Hollywood y dirigido por Jonathan Demme. Esta representación es aclamada como uno de los ejemplos más representativos de su género.

El grupo tuvo rápidamente una gran aceptación y firmó para Sire Records en 1977, lanzando su primer single “Love – Building On Fire” en febrero de ese año. Su primer álbum, “Talking Heads: 77” fue lanzado a continuación y no contenía el primer single. Esto fue con su segundo álbum en 1978, “More Songs About Buildings and Food”, con el cual la banda comenzó su larga colaboración con el productor Brian Eno, quien previamente había trabajado con Roxy Music, David Bowie y Robert Fripp. La experimentación continuó con “Fear of Music” en 1979, el cual flirteaba con el oscuro estilo del post-punk rock. “Remain in Light”, fuertemente influenciado por el Afro-Beat (ritmos africanos) de la banda nigeriana Fela Kuti (de quienes Eno introdujo su música en la banda), explorando poliritmos africanos, haciendo que más tarde Byrne se interesase en la música mundial.

El maxi single «Road to Nowhere» fue el segundo sencillo del sexto álbum de Talking Heads, “Little Creatures”, grabado y mezclado por G.T. Thorngren y Jerry Harrison, y editado en septiembre de 1985 por Sire Records en Estados Unidos de Norteamérica y por EMI Records en Reino Unido y el resto del mundo. Alcanzó el nº 5 en Nueva Zelanda; el nº 6 en Alemania, Gran Bretaña, Irlanda y Sudáfrica; el nº 10 en Holanda, el nº 16 en Australia y el nº 25 en el Billboard estadounidense.

Acerca del tema principal, David Byrne explicó en las notas del recopilatorio “Once in a Lifetime: The Best of Talking Heads” (EMI, 1992): “Quería escribir una canción que presentara una mirada resignada e incluso alegre a la fatalidad. En nuestras muertes y en el apocalipsis (siempre inminente, gente)… Creo que tuvo éxito. El fragmento delantero, el coro blanco del gospel, está un poco pegado, porque no pensé que el resto de la canción fuera suficiente… Quiero decir, eran sólo dos acordes. Así que, por embarazo o vergüenza, escribí una sección de introducción que tenía un par más en ella.”

El video de la canción fue dirigido por Byrne y Stephen R. Johnson y presenta a la banda y varios objetos giratorios, como si estuvieran en su propio “camino a ninguna parte”. Fue nominado para “Mejor Video del Año” en los MTV Video Music Awards 1986. La ilustración de portada fue realizada por Howard Finster.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1.  «Road to Nowhere» – 4:19
  2.  «Television Man» (Extended Mix) – 8:00

Calidad: FLAC

 

 

 


Divididos – Gol de Mujer [1998]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

Divididos es una banda argentina de rock, fundada en 1988 en Hurlingham (provincia de Buenos Aires) por Ricardo Mollo y Diego Arnedo, ex-integrantes de Sumo, cuando ésta se disolvió por la muerte de su líder, Luca Prodan. En sus trabajos han incursionado en estilos musicales locales como el folklore. Ha sido galardonada en múltiples ocasiones tanto de forma grupal como individual. En el 2011 fue hacedora del Premio Gardel de Oro (la distinción más destacada de la música nacional) en reconocimiento a su exitosa trayectoria, premio que ha sido entregado sólo catorce veces a distintos artistas tales como Charly García, León Gieco, Mercedes Sosa y Gustavo Cerati, entre otros.

Tras la disolución de Sumo debido a la muerte de su cantante Luca Prodan el 22 de diciembre de 1987, el resto de sus integrantes Ricardo Mollo, Diego Arnedo, Roberto Pettinato, Alberto “Superman” Troglio y Germán Daffunchio deciden reflexionar acerca del futuro de la banda. Daffunchio y Timmy Mackern (productor de Sumo y amigo de Luca) vuelven a las sierras cordobesas y el resto de la banda se queda ensayando en una sala de El Palomar. El 5 de marzo de 1988, ya sin Luca Prodan en escena, Sumo se presenta en el Chateau Rock, con Daffunchio, Mollo, Pettinato, Arnedo y Troglio.

Ricardo Mollo (guitarra) y Diego Arnedo (bajo), junto al baterista Gustavo Collado (ex La Sobrecarga) forman «La División» que luego cambiaría de nombre para pasar a ser «Divididos». Ellos se juntan por primera vez en la casa de Poppy Manzanedo, donde vivía Gustavo Collado, Manzanedo fue el primer manager que tuvo Divididos, firmó el contrato con CBS para grabar su primer disco, “40 Dibujos Ahí en el Piso”.

Tras firmar contrato con la multinacional BMG en 1998 en Los Ángeles, aparece «Gol de Mujer», quinto álbum de estudio de la banda, grabado entre los años 1997 y 1998 en los estudios La Calandria, Del Cielito y TNT (todos en Buenos Aires), con producción de Ricardo Mollo, y editado en 1998 por BMG. El disco tiene tanto canciones rockeras, como “Nene de antes” y “Gol de mujer”, como folklóricas: “Vientito del Tucumán” (una versión del poema inédito de Atahualpa Yupanqui), “El gordo legüero”, “Clavador de Querubín” y “Niño hereje”, siendo esta mezcla una de las principales características de la banda, con el objetivo de “devolverle algo a la cultura”. También contiene una canción en homenaje al fallecido cantante de Sumo llamada “Luca” y hasta un pesado cover de Billy Bond y la Pesada del Rock and Roll (“Salgan al sol”). El material fue presentado el 25 de julio de 1988 en el Parque Sarmiento y luego en el Estadio Obras Sanitarias, y se ganó rápidamente la aprobación de sus seguidores.

Divididos volvería a su esencia y entregarían un disco fiel a su estilo luego del poco comercial y experimental “Otroletravaladna”. Los demoledores riffs “hendrixianos” de Mollo, los increíbles punteos de bajo de Arnedo son una experiencia más que cautivadora a la hora de escuchar cualquier trabajo de la aplanadora del rock. En esta oportunidad, el joven baterista Jorge Araujo se lució mucho más que en su primera participación en el grupo, estando a la altura de dos virtuosos como sus compañeros de trío.

 
Fuente: Wikipedia / Zonde
 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas compuestos por Diego Arnedo y Ricardo Mollo, excepto indicados)

  1. «Alma de Budín» – 2:56
  2. «Nene de Antes» (Mollo, Arnedo, Araujo) – 4:10
  3. «Luca» – 4:00
  4. «Clavador de Querubín» – 1:38
  5. «Sobrio a las Piñas / Quién se Tomó Todo el Vino» (Mollo, Arnedo, Araujo / Jiménez, Cueto, Altamirano) – 4:28
  6. «Amor Japonés» (Mollo, Arnedo, Araujo) – 3:19
  7. «Cabeza de Maceta» (Mollo, Arnedo, Araujo) – 2:45
  8. «Letra Gótica» – 2:01
  9. «Cosas de Baboon» – 3:12
  10. «Gol de Mujer» (Mollo, Arnedo, Araujo) – 4:32
  11. «Vientito de Tucumán» (Mollo, Arnedo, Araujo / Yupanqui) – 3:19
  12. «Niño Hereje» – 1:39
  13. «Zombie» – 4:15
  14. «El Fantasio» (Mollo, Arnedo, Araujo) – 5:51
  15. «Salgan al Sol» (Javier Martínez) – 1:46
  16. «El Gordo Legüero» – 1:47

Calidad: FLAC

 

 

 


Ana Popovic – Trilogy (2016)

 

[Otras Músicas]

 

Ana Popović, nacida en 1976 en Belgrado (Serbia) y emigrada a Memphis (Tennessee, EUNA) en 2012, es una virtuosa guitarrista y cantante de blues-rock. Su padre la introdujo en la música blues y comenzó a tocar la guitarra cuando tenía quince años. Alrededor de 1991 Ana sucumbe inevitablemente a los encantos de la guitarra. Su padre sigue ayudándola, pero se da cuenta de que el don natural de su hija para tocar el instrumento va más allá de sus propias habilidades y, aunque la familia no es rica, sus padres hacen lo imposible para que asista a clases particulares de guitarra, en las que Ana se deja el alma, sorprendiendo a su maestra con su progreso y el rápido desarrollo de un estilo propio.

En 1995 formó la banda Hush con Rade Popović (guitarra, voz), Milan Sarić (bajo) y Bojan Ivković (batería), con un estilo rhythm and blues, pero también incorporando elementos de funk y soul en su sonido. Durante 1996, Hush realizó giras por Yugoslavia y Grecia, y gracias a su directo en el Marsoni Blues Festival de Senta, Hush obtuvo la invitación para actuar en el Fifth International Blues, Jazz, Rock and Gastronomic Festival de Hungría, parte de cuya actuación fue incluida en un álbum en directo editado para celebrar el festival.

A lo largo de 1998, Hush tuvo más de 100 shows, tocando en clubs de blues y festivales del género, mientras registraban su álbum debut, “Hometown”, grabado en Studio Akademija y mezclado en VELJAM Studio, con producción de Aleksandar Radosavljević, y editado por el sello yugoslavo PGP-RTS en 1998. Contó con la colaboración de artistas invitados como Vojno Dizdar (piano y órgano), Petar “Pera Joe” Miladinović (armónica), Aleksandar Tomić (saxofón tenor) y Predrag Krstić (trompeta). Además de canciones propias, el disco incluye también versiones de algunos temas reputados del blues.

A finales de 1998, Popović fue a Utrecht (Holanda) para estudiar guitarra blues-jazz, lo que provocó el final de la banda Hush y el posterior inicio de la carrera en solitario de Ana, que comenzó un año después con la formación de su banda de acompañamiento en Holanda. En 2000, apareció junto a Eric Burdon, Taj Mahal, Buddy Miles, Double Trouble, Eric Gales y otros, en el álbum de tributo a Jimi Hendrix “Blue Haze: Songs of Jimi Hendrix” con una versión del tema “Belly Button Window”.

En 2001, apareció su álbum debut en solitario, “Hush!”, editado por el sello alemán Ruf Records. El álbum fue grabado en Memphis, con los miembros de la Ana Popović Band, así como otros músico de estudio. Fue producido por Jim Gaines, quien anteriormente trabajó con Carlos Santana, John Lee Hooker, Alexis Korner y otros grandes músicos. El álbum incluye a Bernard Allison como invitado y mostró ser exitoso, por lo que Popović abandonó sus estudios de guitarra para dedicarse exclusivamente a su actividad musical como profesional.

En 2003, Popović lanzó su segundo álbum en solitario, “Comfort to the Soul”, editado por el sello alemán Ruf Records. El álbum, grabado en Memphis y producido por Gaines, ofreció una fusión de blues, rock, soul y jazz. Durante el mismo año, en el Festival de Rhythm & Blues en Bélgica, fue invitada por Solomon Burke a unirse a él en el escenario, después de lo cual ella se unió a él en el resto de la gira como invitado.

Tras un disco en directo grabado en enero de 2005 en su actuación en el club Melkweg de Amsterdan y editado ese mismo año, titulado “Ana!”, en 2007 Popović publica con el sello norteamericano Eclecto Groove Records su tercer álbum de estudio, “Still Making History”, en el que vuelve a retomar su estilo característico de blues, rock y soul. El trabajo cuenta con un bonus consistente en la versión blues del primer tema del disco.

Con producción de Mark Dearnley, Tony Braunagel y Ana Popović, graba en California su cuarto álbum de estudio, “Blind for Love”, segundo disco producido en EUNA y editado de nuevo por el sello Eclecto Groove Records en 2009. El quinto álbum de estudio de Ana Popović en solitario, “Unconditional”, fue grabado en febrero de 2011 en Nueva Orleans (Louisiana) y editado de nuevo por el sello Eclecto Groove Records en agosto de 2011. Al igual que “Still Making History”, “Unconditional” alcanza el nº 1 en el Billboard Blues Chart estadounidense.

El séptimo álbum de estudio de Ana Popović en solitario, “Can You Stand the Heat”, grabado en Memphis y mezclado en Nashville, ambas de Tennesse, donde la guitarrista y cantante se trasladó a vivir, fue editado por el sello holandés ArtisteXclusive Records en marzo de 2013. En este disco aparece una versión del tema de los Rolling Stones “Rain Fall Down”.

«Trilogy» es el octavo álbum de estudio de Ana Popović en solitario, un álbum triple grabado en diversos estudios estadounidenses, con producción de Warren Riker, Ana Popović, Tom Hambridge, Cody Dickinson y Delfeayo Marsalis, y editado por el sello holandés ArtisteXclusive Records en mayo de 2016. Popović escribió o co-escribió la mayoría de las canciones de los tres discos (15 de los 23 temas). Colaboraron en su grabación muchos grandes artistas invitados, como el guitarrista Joe Bonamassa, el guitarrista de lap steel Robert Randolph, el rapero Al Kapone y los bateristas Bernard Purdie y Cody Dickinson (de North Mississippi Allstars).

El álbum se divide en tres discos, con tres estilos diferentes. El CD-1 (“Morning”) es su álbum soul, funk y R & B, producido por el ganador del premio Grammy Warren Riker y por Popović, y grabado en Esplanade Studios (Nueva Orleans, Louisiana), Royal Studios y Music + Arts Studio (Memphis, Tennessee), The Switchyard (Nashville, Tennessee), y Full Sail Studio (Orlando, Florida). Además de los fuertes trabajos de guitarra de Popović, “Morning” utiliza multitud de cuernos y piano, y presenta a Joe Bonamassa como guitarrista invitado en “Train”, terminando la canción con un smoking outro.

El CD-2 (“Mid-Day”) contiene el blues rock más típico en la música de Popović. Las canciones fueron grabadas y producidas por varias personas en diferentes lugares. Fue grabado por Warren Riker en Esplanade Studios, Nueva Orleans en Louisiana, por Tom Hambridge en The Switchyard, Nashville en Tennessee, y por Cody Dickinson en el rancho Zebra cerca de Memphis en Mississippi. Popović incluye una canción de duelo de guitarra “Woman to Love”, donde ella se dueló a sí misma a través de la magia de doble rastreo. El disco contiene un dúo conmovedor con Alphonzo Bailey, más conocido como el rapero Al Kapone.

Finalmente el CD-3 (“Midnight”) explora las tendencias jazzísticas de Popović. Este disco tiene más versiones que cualquiera de los otros, ya que cubre una canción de Tom Waits, un tema de Duke Ellington y también una canción de Billie Holiday. El disco de jazz fue grabado en Esplanade Studios, New Orleans en Louisiana, por Delfeayo Marsalis, y utiliza una variedad de saxofones, bajo acústico y batería, con Kyle Roussell en el piano. Popović probó una nueva guitarra para “Midnight”, usando un Gibson ES-175 para los números de jazz en lugar de su Strat habitual, que utiliza para el rock y el blues. Ella también adaptó su voz al jazz, dejando los gruñidos y los gritos de los dos primeros discos y cambiando a canturreo, desprendiendo un ambiente nocturno ahumado.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas de Ana Popović, excepto indicados)

 

CD-1 (“Morning”):

  1. «Love You Tonight» – 4:04
  2. «She Was a Doorman» (Popović, Shannon Sanders) – 4:03
  3. «Show You How Strong You Are» (Popović, Tommy L. Sims) – 3:23
  4. «Fencewalk» (Carlos Wilson, Louis Wilson, Ric Wilson, Skip Scarborough) – 4:21
  5. «Train» [con Joe Bonamassa] – 4:57
  6. «If Tomorrow Was Today» – 5:15
  7. «Long Road Down» – 4:32
  8. «Hook Me Up» [con Robert Randolph] (Johnny “Guitar” Watson) – 4:37
  9. «Too Late» – 5:26

CD-2 (“Mid-Day”):

  1. «You Got the Love» (Chaka Khan, Ray Parker Jr.) – 5:28
  2. «Johnnie Ray» (Popović, Kevin Bowe) – 3:46
  3. «Woman to Love» (Curtis Mayfield) – 3:19
  4. «Let’s Do It Again” [con Al Kapone] – 3:51
  5. «Who’s Yo’ Mama» – 3:18
  6. «Wasted» (Popović, M. van Meurs) – 2:18
  7. «Crying for Me» – 3:09

CD-3 (“Midnight”):

  1. «New Coat of Paint» (Tom Waits) – 3:27
  2. «Waiting on You» – 4:32
  3. «In a Sentimental Mood» (Duke Ellington, Manny Kurtz) – 3:39
  4. «Old Country» (Curtis Reginald Lewis, Nat Adderley) – 3:46
  5. «Waiting on You (Double-Time Swing)» – 3:59
  6. «Heaven’s Crying aka Song for the Next Generation» (Popović, M. van Meurs, K. Bowe, Cindy Scott) – 4:00
  7. «You Don’t Know What Love Is» (Don Raye, Gene de Paul) – 4:45

Calidad: 320 Kbps

 

 

 


La Portuaria – Huija [1995]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

La Portuaria fue una banda de rock argentino formada en 1989 en Buenos Aires. Desarrollaron un sonido de fusión, incorporando ritmos latinos sobre una base fuertemente influenciada por el jazz y el R&B. Tuvieron su primera exposición al gran público en el festival Mi Buenos Aires Rock, organizado en 1990 por la Municipalidad de la Ciudad de Buenos Aires. Con el tiempo incorporaron varios instrumentistas en torno al núcleo central del grupo, constituido por Christian Basso (bajo), Colo Belmonte (batería), Sebastián Schachtel (teclados), Diego Frenkel (guitarra y voz) y, desde 1990 hasta 1996, Axel Krygier (piano y saxofón). Han editado 10 discos, constituyendo una presencia importante en la escena musical argentina desde sus comienzos en adelante.

Diego Frenkel, Christian Basso y Sebastián Schachtel (columna vertebral de la banda) habían integrado el grupo Clap, que grabó un álbum en 1986. Ya por entonces sorprendieron por la versatilidad de ritmos y estilos. Tal es así que muchos los han definido como “world beat” (algo así como el ritmo de la aldea global). A fines de los 80 tras la disolución de Clap surge La Portuaria. Desde sus inicios su música escapaba a los modelos tradicionales del rock en Argentina. Se trataba de música fundamentalmente rítmica que exploraba y se nutría de los colores y sonidos de la música del mundo. La variedad rítmica y tímbrica siempre fue parte de la cosmogonía de la banda.

En 1989 debutan con su primer disco: “Rosas Rojas”, editado por la discográfica EMI. Por lo exótico de su propuesta, La Portuaria parecía estar al frente de una suerte de vanguardia rockera, pero sus canciones eran de fácil acceso al público. Viajan a España y a su regreso son invitados a participar en Mi Buenos Aires Rock, un festival organizado por la Municipalidad, que convocó a cien mil personas en la avenida Nueve de Julio. Si bien el público había asistido para escuchar a Charly García y a Luis Alberto Spinetta, fue una excelente oportunidad para presentar el trabajo de la banda, que no fue desaprovechada, a juzgar por los aplausos cosechados.

En 1991 el grupo inicia la producción de su segundo álbum, “Escenas de la Vida Amorosa”, editado nuevamente por EMI. El tema “El bar de la calle Rodney” se destaca como el éxito de la placa. Se presentan en el teatro Astros, donde desarrollan una arriesgada puesta en escena combinada con elementos teatrales no convencionales como la actuación de la agrupación El Descueve, con la participación de Fito Páez como invitado especial.

La consagración vendría con “Devorador de Corazones”, su tercer álbum de estudio, editado en 1993 por EMI Odeon con producción del propio grupo. El álbum obtuvo un éxito mucho más masivo que su álbum anterior de 1991, siendo un disco más cuidado, potente y exitoso que se destaca por el tema homónimo, “Selva” y “Nada es igual” (estos dos últimos cortados para difusión). El disco colocó a la banda en su grado máximo de exposición y obtuvo un disco de Oro pocos meses después de su lanzamiento y, a comienzos de 1994, el álbum llegó a ser disco platino. La influencia del hot jazz y de la música de fusión latina es más perceptible.

Después del exitoso disco “Devorador de Corazones”, La Portuaria quería continuar saciando sus famélicos deseos de fama. Casi sin perder tiempo, aunque concentrándose en la búsqueda del sonido ideal, la banda liderada por Diego Frenkel lanzó en 1995 su cuarto material, «Huija», grabado y mezclado en Nueva York (donde se trabajó con un criterio mucho más profundo de producción, logrando un sonido contundente y experimental) y editado nuevamente por EMI en 1995, con producción de Andrés Levin, Camus Celli y La Portuaria. Fue inmediatamente catalogado por la prensa como “uno de los más importantes del año”. El álbum también fue la presentación del nuevo baterista, Martín Ghersa.

El álbum repite la fórmula de su anterior álbum; con una producción más profesional a cargo de Andrés Levin, quien enfatizó los aspectos mestizos musicalmente (ya desde el mismo título es una exclamación de índole folclórica que remite a las aventuras del personaje de historietas Patoruzú), y fue grabado casi con el mismo concepto que “Devorador de Corazones”. La combinación entre el jazz y lo latino eran la principal herramienta con la que se valió esta producción. En palabras textuales de Frenkel: “un grito de alegría y explosión salvaje, guiso de mambo, hip hop, acid jazz, ritmo y blues y otros reciclajes contemporáneos”. Una definición bastante abarcadora de estilos, que sin embargo, pueden evidenciarse a lo largo del disco.

“Ruta” tiene ese pegadizo coro imposible de no cantar tras la primera vez que se escucha, que transforma a la canción en una de las más populares. “Supermambo” mantiene el tono alegre, fundamentalmente, con la letra. En el siguiente tema, como con “Nada es igual”, Frenkel vuelve al vacío despojándose de posesiones. “Donde hubo fuego”, frase de larga data, es otro de los temas que se destacan de este material que incluso sería utilizado por David Byrne. También “10 segundos” sería seleccionado para una recopilación de música americana por David Byrne. La Portuaria no se apartó demasiado del estilo que le dio el Disco de Oro con el anterior trabajo, por lo que “Huija” mantiene aquel nivel.

 

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Ruta» – 3:22
  2. «Supermambo» – 3:41
  3. «No Tengo Nada» – 3:46
  4. «Sofía» – 4:11
  5. «Dios» – 4:35
  6. «Ven a Mí» – 4:31
  7. «Vudú Danza» – 4:16
  8. «La Diablada» – 3:16
  9. «Donde Hubo Fuego» – 5:21
  10. «10 Segundos» – 3:40

Calidad: WAV

 

 

 


Caballeros de la Quema – Manos Vacías [1993]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

Caballeros de la Quema fue una banda de rock alternativo, oriunda de la ciudad de Morón en Buenos Aires, Argentina, que se formó en 1989. El punto de partida empezó con tres de los miembros de una banda de rock sinfónico llamada El Aleph (todos exalumnos del colegio Dorrego, de Morón), que formarían el embrión inicial de lo que tiempo después serían Los Caballeros de la Quema. Las tres primeras canciones que ensayaron con esa primitiva formación son bocetos que terminarían en “Tibia peste”, “Carlito” y “Buenos Aires esquina Vietnam”. Adoptaron el nombre revisando revistas; en una de ellas encontraron una nota al humorista Pepe Marrone, donde contaba que su primera troupé de circo se había llamado Los Caballeros de la Quema.

En aquel tiempo pasan por diferentes cambios de formación, que incluye el paso de Iván Noble a la voz, dejando la batería. Habían probado hasta cantantes femeninas hasta que Iván, quien escribía la mayoría de las letras, pasó a cantar. Martín Méndez e Iván todavía eran estudiantes de Sociología en la Universidad de Buenos Aires, ya se había incorporado Javier Cavo en la batería y Pablo Guerra se sumaba luego haber fundado Los Piojos.

En 1991 editan en forma independiente su primera producción en cassette titulada “Primavera Negra”. Al año siguiente (1992) esta maqueta será reeditada con más canciones. El sello Iguana Records (perteneciente a la discográfica BMG) se interesa en estos temas autoeditados y firman contrato para publicar sus siguientes trabajos.

«Manos Vacías» es el primer álbum -y segundo trabajo- de la banda, grabado en los Estudios Panda y Del Cielito de Buenos Aires, masterizado en Sound Designer y editado en 1991 por el sello Iguana Records. Contiene canciones que formaron parte de su primer emprendimiento, “Primavera Negra”. De allí saldrían clásicos como “Patri” (considerada la 27ª mejor canción del rock argentino por Rock.com.ar.en 2007), “Carlito” (con video de Picky Tallarico), “Gusanos” y “Buenos Aires esquina Vietman”, entre otros.

Fueron invitados por Joaquín Sabina a abrir su show en el estadio de Ferro ante más de 15 mil espectadores. Realizan shows en Rosario, Santa Fe y Córdoba, además de Buenos Aires y Capital federal durante ese año. Las encuestas de fin de año los encontraron en los primeros lugares como banda revelación.

 

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Domingo Muerto» – 2:55
  2. «Bs.As. Esquina Vietnam» – 4:20
  3. «Tibia Peste» – 3:12
  4. «Patri» – 3:42
  5. «9 Días» – 2:16
  6. «Me Sobás la Espalda (Viuda Negra)» – 4:56
  7. «Con el Agua en los Pies» – 6:00
  8. «Similaun» – 3:03
  9. «Carlito» – 3:54
  10. «Gusanos» – 4:20
  11. «El Culo del Asunto» – 4:04
  12. «Primavera Negra» – 3:01
  13. «Milwaukee» – 8:00
  14. «Luces de Bar» – 1:30

Calidad: FLAC

 

 

 


Los Locos – Los Locos (1987)

 

[Ciclo de Rock Ibérico]

 

Desde Gijón, Asturias, Los Locos facturaron un pop-rock con guiños soul, funk y rhythm ‘n’ blues. Ellos eran Carlos Redondo (voz y bajo), Francisco Martínez “Paco Loco” (guitarras) y Jaime Belaustegui (batería), antes en los Ilegales de Jorge Martínez, con Boni Pérez como letrista del grupo. Previos a la explosión del “indie”, el grupo tuvo un moderado éxito en Asturias, pero en el resto de Iberia apenas tuvo repercusión, ni de crítica ni de ventas, a pesar de que su breve pero notoria discografía merecía mayor atención.

En 1984 Los Locos ganan el 1er Concurso de maquetas de Radio Asturias F.M., lo que les lleva a grabar su primer trabajo, el maxi-single “Recuerda Marrakech”, grabado en el estudio Doublewtronics en noviembre de 1984, editado por la Sociedad Fonográfica Asturiana y distribuido comercialmente por Hispavox en 1985. En él colaboran músicos de sesión que participaron en discos de grandes grupos de “la movida”, como Wally Fraza a la percusión (Peor Imposible, Danza Invisible), Javier Paxariño al saxo (La República, Miguel Ríos) y Stephen Frankevich a la trompeta (Sindicato Malone, Peor Imposible). La idea de portada fue de F. Martínez con fotografías de Guillermo Alvarez.

En 1987 entran a los asturianos Estudios Eolo para grabar su primer Lp, «Los Locos», con producción de René De Coupaud, editado por el sello independiente El Cohete junto a Producciones Twins, y distribuido por DRO. Un disco muy marcado por el soul clásico y la new wave británica: sus influencias más evidentes eran Elvis Costello, Nick Lowe y, sobre todo, Joe Jackson, de quien Redondo, un extraordinario vocalista, sin duda de los mejores que ha dado el pop ibérico en toda su historia, era un devoto confeso.

En 1988 publican “El Segundo de Los Locos”, en 1991 “Algo Salvaje”, en 1993 “Un Zumbido de Amor” y a finales de ese año el grupo se disolvió, publicándose un notable disco en directo, “Los Locos en Concierto” (Pecsa, 1993). Tras su disolución, en 1994 se editó un recopilatorio titulado “Singles”.

Posteriormente Carlos Redondo produjo varios grupos del llamado Xixón Sound (Nosotrash, Eliminator Jr.) y militó en un grupo folk llamado Felpeyu. Lamentablemente falleció en 2006 víctima de un accidente de tráfico. Paco Loco tocó en Australian Blonde y es un reconocidísimo productor (Mercromina, Travolta, Maga, Lori Meyers…). Jaime Belaustegui tocó en Ilegales y ahora acompaña a Jorge Martínez en su grupo “Jorge Ilegal y Los Magníficos”. Boni Pérez es profesor de literatura en un instituto de Gijón.

Fuente: Diversas fuentes / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Hotel sin Baños» – 4:23
  2. «Little Caesar» – 3:07
  3. «Cebo para Otros Brazos» – 3:33
  4. «Algo que se Esconde» – 3:58
  5. «Pequeñas Masacres» – 4:36
  6. «Summer Story» – 1:42
  7. «Crime Is Easy» – 3:58
  8. «Así Cayeron los Dados» – 4:01
  9. «Nada de Eso» – 2:56
  10. «Sabor de Polvo» – 5:15
  11. «Detrás de la Verdad» – 4:48

Calidad: 160 Kbps

 

 

Gracias a Culyrroyo por este archivo, aunque su bitrate real es de 160 kbps y no de 320 como lo ofrece.

 

 

 

 


Lenny Kravitz – 5 [1998-Reed.1999]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

lennykravitz-5Lenny Kravitz, nacido en Nueva York el 26 de mayo de 1964, es un cantante, compositor, multi-instrumentista y productor, cuyo estilo “retro” incorpora elementos del blues, rock, soul, funk, reggae, hard rock, psychedelic, folk & balada. Además de ser la voz principal y las de apoyo, a menudo toca todas las guitarras, bajo, batería, teclados y percusión él mismo cuando graba.

Lenny ganó el premio Grammy al “Best Male Rock Vocal Performance” cuatro años seguidos, de 1999 a 2002, y está situado en la 93ª posición de los “100 mejores artistas de Hard Rock” de VH1. Lenny Kravitz ha vendido 40 millones de discos en todo el mundo. Pero además tiene en su poder uno de los más amplios conjuntos de hits musicales que lo han alzado al apogeo desde su primera aparición en 1989.

“Let Love Rule” es el álbum debut del músico Lenny Kravitz, publicado en septiembre de 1989 por Virgin Records America. Su entonces esposa, Lisa Bonet, escribió para este disco la letra de “Fear” y co-escribió la letra de la canción, “Rosemary”. Llegó al nº 61 del Billboard 200, mientras que el álbum gráfico alcanzó el nº 56 en el Reino Unido. Inicialmente, el álbum fue un éxito moderado en Estados Unidos de Norteamérica, pero se convirtió en una gran hazaña en todo el mundo, especialmente en Europa, vendiendo más de 2 millones de copias.

Su segundo trabajo, “Mama Said”, fue editado en abril de 1991 por Virgin Records. Se caracterizó por las grandes influencias musicales de artistas exitosos como Jimi Hendrix y Curtis Mayfield, un álbum que reflejó la música de los años 1970, y obtuvo tres certificaciones de platino. El por entonces, guitarrista de Guns N’ Roses, Slash, co-escribió y participó en la canción “Always on the Run”. También tocó en “Fields of Joy”. La canción “All I Ever Wanted” fue co-escrita por Sean Lennon. El álbum vendió más de 3 millones de copias en todo el mundo y estableció la popularidad de Kravitz en el mercado mundial.lennykravitz-5-2

“Are You Gonna Go My Way”, su tercer álbum de estudio, fue editado en marzo de 1993 por Virgin Records. Inspirado por sonidos de la música de los 70, tiene como curiosidad el haber sido grabado en vivo desde el estudio, como se hacía en aquella época. Se convirtió en el primer álbum de Kravitz en ingresar al Top 20 del Billboard 200 y obtiene el primer puesto en Australia y el Reino Unido, alcanzando el éxito masivo en todo el mundo que ayudó a establecer su popularidad como artista. El álbum fue certificado Doble Platino en EUNA, donde llegó a vender más de 2,2 millones de copias, con un total de más de 4 millones de copias en ventas en todo el mundo.

Su cuarto álbum de estudio, “Circus”, fue editado en septiembre de 1995 por Virgin Records. Alcanzó la posición nº 10 en el Billboard 200 y nº 5 en la Lista Musical Británica de Álbumes, convirtiéndose en el primer álbum de Kravitz en lograr un top 10 en EUNA y el segundo en Reino Unido. Hasta marzo de 2008, “Circus” vendió 534.000 unidades en EUNA. Se extrajeron cuatro sencillos del álbum: “Rock and Roll Is Dead”, “Circus”, “Can’t Get You Off My Mind” y “The Resurrection”.

«5» es el quinto álbum de estudio del cantante estadounidense de hard rock Lenny Kravitz, grabado entre 1997 y 1988 y editado el 12 de mayo de 1998 por Virgin Records America. El álbum contó con éxitos como “Fly Away” y “I Belong to You”, que ayudó a Kravitz a expandir su éxito en Europa. El álbum ganó dos premios Grammys. En la producción del álbum, Kravitz trabajó con sonidos de tecnología digital como sintetizadores y bucles de cinta proporcionando al álbum un mejor sonido moderno. El álbum contenía más de sus canciones inspiradas en los ’70s, el funk y el soul, mezclado con su estilo rock.

lennykravitz-5-3“5” llegó al lugar #28 en el Billboard 200 y al #18 en el UK Album Chart. A partir de marzo de 2008, “5” ha vendido 3 millones de unidades en Estados Unidos de Norteamérica, más de 6 millones de unidades en todo el mundo, convirtiéndose en el álbum de estudio con mayor éxito de Kravitz en ventas comerciales. Inicialmente, el álbum recibió críticas mediocres por algunos críticos y su ascenso al éxito comercial fue bastante lento hasta el punto en que se obtuvo un gran éxito a finales de 1998 y durante todo el año 1999. Sin embargo, el álbum recibió certificaciones multi-platino en muchos países, produciendo una masiva cadena de éxitos en todo el mundo y convirtiéndose en uno de los álbumes más exitosos de 1999. El álbum obtuvo múltiples nominaciones a los premios y le dio a Kravitz sus dos primeros premios Grammy en la categoría de mejor interpretación vocal de rock masculina por los hits “Fly Away” y “American Woman”.

Se extrajeron hasta seis sencillos del trabajo: “If You Can’t Say No”, “Thinking of You”, “I Belong to You”, “Fly Away”, “American Woman” y “Black Velveteen”. El álbum fue reeditado en 1999, incluyendo el sencillo más reciente de Lenny Kravitz de la banda sonora de Austin Powers: The Spy Who Shagged Me, “American Woman”, además de un bonus track llamado “Without You” – inicialmente un lado B de “If You Can’t Say No”.

 

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas escritos por Lenny Kravitz, excepto 14: Bachman, Cummings, Kale, Peterson)

  1.  «Live» – 5:12
  2.  «Supersoulfighter» – 4:58
  3.  «I Belong to You» – 4:17
  4.  «Black Velveteen» – 4:48
  5.  «If You Can’t Say No…» – 5:17
  6.  «Thinking of You» – 6:24
  7.  «Take Time» – 4:31
  8.  «Fly Away» – 3:41
  9.  «It’s Your Life» – 5:02
  10.  «Straight Cold Player» – 4:19
  11.  «Little Girl’s Eyes» – 7:44
  12. «You’re My Flavor» – 3:48
  13. «Can We Find a Reason?» – 6:24
  14. «American Woman» (Bonus Track) – 4:21
  15. «Without You» (Bonus Track) – 4:47

Calidad: FLAC

 

 

 


Jane’s Addiction – Nothing’s Shocking [1988]

[Resubida 2ª]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

janesaddiction-nothingsshockingJane’s Addiction es una banda estadounidense de rock alternativo formada en Los Ángeles en 1985. La banda está compuesta por Perry Farrell (voz), Dave Navarro (guitarra), Eric Avery (bajo) y Stephen Perkins (batería). Después de separarse en 1991, una breve gira los volvió a unir en 1997, con otra nueva reunión en 2001 y luego se separaron en 2004. Jane’s Addiction desde entonces se han reunido de nuevo en 2008, con el miembro fundador Eric Avery de regreso en el bajo. El estilo musical de la banda tiene influencias de variadas raíces, en una variedad de géneros incluyendo funk rock y heavy metal.

Jane’s Addiction fue una de las primeras bandas en surgir del movimiento de rock alternativo de los 90 que ganaron atención de los medios de comunicación y consiguiendo éxito comercial en Estados Unidos de Norteamérica. Su gira de despedida inicial puso en marcha el festival Lollapalooza, un escaparate de rock alternativo. Como resultado, Jane’s Addiction se convirtieron en iconos de lo que Farrell llamó la “Alternative Nation”. La banda esta en el puesto 35 en “VH1’s 100 Greatest Artists of Hard Rock”.

Jane’s Addiction se forman a partir de las cenizas de la anterior banda de Perry Farrell, Psi-com. En el verano de 1985, Farrell estaba buscando un nuevo bajista para su flaqueante banda, cuando fue presentado a Eric Avery. Farrell y Avery mostraban admiración por Joy Division y The Velvet Underground y comenzaron a ensayar juntos, aunque nunca Avery se convirtió en un miembro de pleno derecho del grupo casi desintegrado de Farrell. El nuevo grupo se denominó “Jane’s Addiction” en honor de la compañera de piso de Farrell, Jane Bainter, quien era adicta a las drogas. En su encarnación temprana, Jane’s Addiction pasó por tres guitarristas, e incluyó a Matt Chaikin, perteneciente a Kommunity FK, en la batería.

janesaddiction-nothingsshocking-2Después de que Chaikin no se presentase a varios ensayos, Farrell comenzó a buscar un nuevo batería. La hermana de Avery, Rebecca sugirió a su novio Stephen Perkins. Avery dudaba debido a sus diferencias en cuanto a gustos musicales, pero finalmente cedió. Después de que Perkins fuese contratado como batería, Rebecca Avery y Perkins prometieron meter a su amigo Dave Navarro en el grupo. Basado en la recomendación de Perkins, la banda audicionó a Navarro y posteriormente lo contrató.

Jane’s Addiction se convirtió en una sensación en la escena de clubs de Los Ángeles, principalmente como cabeza de cartel en Scream. La banda se ganó pronto el interés de una variedad de sellos discográficos. Mientras que el grupo había decidido firmar con Warner Bros. Records, Jane’s Addiction insistió en la lanzar su debut en la discográfica independiente Triple X Records primero, por lo que su álbum de debut homónimo, “Jane’s Adicction”, fue editado bajo ese sello en 1987.

En enero de 1988, Jane’s Addiction entró a los estudios Eldorado Recording Studios de Los Ángeles para grabar su segundo álbum de estudio, «Nothing’s Shocking», publicado en agosto de 1988 por Warner Music, llevando como nombre un verso de la canción “Ted, Just Admit It…” y con producción de Dave Jerden y Perry Farrell. Después del lanzamiento del álbum, la banda salió de gira como teloneros de Iggy Pop y The Ramones. Al final de la gira, Jane’s Addiction fue el titular en clubes y teatros.

janesaddiction-nothingsshocking-3El disco obtuvo la posición 103 en el Billboard 200 estadounidense. Además, el álbum fue nominado a los premios Grammy de 1989, y la revista Rolling Stone lo incluyó en su lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos en el puesto 309, así como en la lista de las 100 mejores carátulas en el puesto 19. Finalmente fue certificado disco de platino en EUNA, por ventas superiores al millón de copias, y disco de plata en Reino Unido.

“Mountain Song” fue lanzado como sencillo, sin embargo, MTV se negó a poner el videoclip, debido a que contenía una escena de completa desnudez frontal. Farrell decidió entonces lanzar comercialmente el vídeo musical añadiendo material en vivo. El sencillo “Jane Says” alcanzó el puesto n° 6 en el Modern Rock Tracks; los otros dos sencillos (“Mountain Song” y “Ocean Size”) no entraron en listas.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas de Farrell, excepto indicados)

  1. «Up the Beach» – 3:00
  2. «Ocean Size» (Avery/Farrell/Navarro/Perkins) – 4:20
  3. «Had a Dad» – 3:45
  4. «Ted, Just Admit It…» (Farrell/Navarro/Perkins) – 7:22
  5. «Standing in the Shower…Thinking» – 3:03
  6. «Summertime Rolls» (Avery/Farrell/Navarro/Perkins) – 6:18
  7. «Mountain Song» – 4:03
  8. «Idiots Rule» – 3:00
  9. «Jane Says» – 4:52
  10. «Thank You Boys» – 1:02
  11. «Pig’s in Zen» – 4:30

Calidad: FLAC

 

 

 


La Portuaria ‎– Devorador de Corazones [1993]

[Resubida]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

laportuaria-devoradorcorazonesLa Portuaria fue una banda de rock argentino formada en 1989 en Buenos Aires. Desarrollaron un sonido de fusión, incorporando ritmos latinos sobre una base fuertemente influenciada por el jazz y el R&B. Tuvieron su primera exposición al gran público en el festival Mi Buenos Aires Rock, organizado en 1990 por la Municipalidad de la Ciudad de Buenos Aires. Con el tiempo incorporaron varios instrumentistas en torno al núcleo central del grupo, constituido por Christian Basso (bajo), Colo Belmonte (batería), Sebastián Schachtel (teclados), Diego Frenkel (guitarra y voz) y, desde 1990 hasta 1996, Axel Krygier (piano y saxofón). Han editado 10 discos, constituyendo una presencia importante en la escena musical argentina desde sus comienzos en adelante.

Diego Frenkel, Christian Basso y Sebastián Schachtel (columna vertebral de la banda) habían integrado el grupo Clap, que grabó un álbum en 1986. Ya por entonces sorprendieron por la versatilidad de ritmos y estilos. Tal es así que muchos los han definido como “world beat” (algo así como el ritmo de la aldea global). A fines de los 80 tras la disolución de Clap surge La Portuaria. Desde sus inicios su música escapaba a los modelos tradicionales del rock en Argentina. Se trataba de música fundamentalmente rítmica que exploraba y se nutría de los colores y sonidos de la música del mundo. La variedad rítmica y tímbrica siempre fue parte de la cosmogonía de la banda.

En 1989 debutan con su primer disco: “Rosas Rojas”, editado por la discográfica EMI. Por lo exótico de su propuesta, La Portuaria parecía estar al frente de una suerte de vanguardia rockera, pero sus canciones eran de fácil acceso al público. Viajan a España y a su regreso son invitados a participar en Mi Buenos Aires Rock, un festival organizado por la Municipalidad, que convocó a cien mil personas en la avenida Nueve de Julio. Si bien el público había asistido para escuchar a Charly García y a Luis Alberto Spinetta, fue una excelente oportunidad para presentar el trabajo de la banda, que no fue desaprovechada, a juzgar por los aplausos cosechados.La Portuaria ‎– Devorador De Corazones

En 1991 el grupo inicia la producción de su segundo álbum, “Escenas de la Vida Amorosa”, editado nuevamente por EMI. El tema “El bar de la calle Rodney” se destaca como el éxito de la placa. Se presentan en el teatro Astros, donde desarrollan una arriesgada puesta en escena combinada con elementos teatrales no convencionales como la actuación de la agrupación El Descueve, con la participación de Fito Páez como invitado especial.

«Devorador de Corazones» es el tercer álbum de estudio de la banda argentina La Portuaria, editado en 1993 por EMI Odeon con producción del propio grupo. El álbum obtuvo un éxito mucho más masivo que su álbum anterior de 1991, resultando la consagración de la banda. El disco más cuidado, potente y exitoso se destaca por el tema homónimo, “Selva” y “Nada es igual” (estos dos últimos cortados para difusión). El disco colocó a la banda en su grado máximo de exposición y obtuvo un disco de Oro pocos meses después de su lanzamiento y, a comienzos de 1994, el álbum llegó a ser disco platino. La influencia del hot jazz y de la música de fusión latina es más perceptible.

Además de “Selva” también se desprenden otros buenos temas como la pegadiza “Nada es Igual” o “Devorador de Corazones”. Sin tanta repercusión “Nena de la Lluvia” es otra interesante composición. El disco aborda diferentes estilos, desde el jazz con “Jam sesión”, el ska con La Portuaria ‎– Devorador De Corazones“Portuaria Mix” o el pop “En la punta de un cabo”. Esa combinación de estilos caracterizó a esta buena banda que se mantendría en la escena del rock argentino durante gran parte de la década de los noventa.

El mismo año (1994), concluyen la primera gran gira nacional en el estadio Obras Sanitarias. Para la ocasión presentan un show junto a De La Guarda, que fue el espectáculo mas novedoso y original que se vio en el país, catapultando a La Portuaria como una de las mejores bandas del año.

 

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Devorador de Corazones» – 4:25
  2. «Selva» – 4:09
  3. «Nada Es Igual» – 2:58
  4. «Miedo» – 6:13
  5. «La Grieta» – 3:13
  6. «En la Punta de un Cabo» – 4:04
  7. «Alguna Vez» – 2:26
  8. «Portuaria Mix» – 3:58
  9. «Me Quedo Contigo» – 3:06
  10. «Paso a Paso» – 3:59
  11. «Nena de la Lluvia» – 5:16
  12. «El Pan de cada Día» – 4:14
  13. «Zamba de Mi Esperanza» – 5:41
  14. «Jam Session» – 11:52

Calidad: FLAC

 

 

 


La Portuaria ‎– Escenas de la Vida Amorosa [1991]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

laportuaria-escenasvidaamorosaLa Portuaria fue una banda de rock argentino formada en 1989 en Buenos Aires. Desarrollaron un sonido de fusión, incorporando ritmos latinos sobre una base fuertemente influenciada por el jazz y el R&B. Tuvieron su primera exposición al gran público en el festival Mi Buenos Aires Rock, organizado en 1990 por la Municipalidad de la Ciudad de Buenos Aires. Con el tiempo incorporaron varios instrumentistas en torno al núcleo central del grupo, constituido por Christian Basso (bajo), Colo Belmonte (batería), Sebastián Schachtel (teclados), Diego Frenkel (guitarra y voz) y, desde 1990 hasta 1996, Axel Krygier (piano y saxofón). Han editado 10 discos, constituyendo una presencia importante en la escena musical argentina desde sus comienzos en adelante.

Diego Frenkel, Christian Basso y Sebastián Schachtel (columna vertebral de la banda) habían integrado el grupo Clap, que grabó un álbum en 1986. Ya por entonces sorprendieron por la versatilidad de ritmos y estilos. Tal es así que muchos los han definido como “world beat” (algo así como el ritmo de la aldea global). A fines de los 80 tras la disolución de Clap surge La Portuaria. Desde sus inicios su música escapaba a los modelos tradicionales del rock en Argentina. Se trataba de música fundamentalmente rítmica que exploraba y se nutría de los colores y sonidos de la música del mundo. La variedad rítmica y tímbrica siempre fue parte de la cosmogonía de la banda.

En 1989 debutan con su primer disco: “Rosas Rojas”, editado por la discográfica EMI. Por lo exótico de su propuesta, La Portuaria parecía estar al frente de una suerte de vanguardia rockera, pero sus canciones eran de fácil acceso al público. Viajan a España y a su regreso son invitados laportuaria-escenasvidaamorosa-2a participar en Mi Buenos Aires Rock, un festival organizado por la Municipalidad, que convocó a cien mil personas en la avenida Nueve de Julio. Si bien el público había asistido para escuchar a Charly García y a Luis Alberto Spinetta, fue una excelente oportunidad para presentar el trabajo de la banda, que no fue desaprovechada, a juzgar por los aplausos cosechados.

En 1991 el grupo inicia la producción de su segundo álbum, «Escenas de la Vida Amorosa», editado nuevamente por EMI. El tema “El bar de la calle Rodney” se destaca como el éxito de la placa. Se presentan en el teatro Astros, donde desarrollan una arriesgada puesta en escena combinada con elementos teatrales no convencionales como la actuación de la agrupación El Descueve, con la participación de Fito Páez como invitado especial.

 

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Amar Es Difícil» – 3:32
  2. «El Bar de la Calle Rodney» – 3:46
  3. «Delicado» – 2:52
  4. «Mira las Nubes» – 4:02
  5. «Hombre sin Historia» – 3:22
  6. «Llora» – 3:23
  7. «Escenas de la Vida Amorosa» – 4:26
  8. «Ella» – 3:37
  9. «Los Mejores Amigos» – 4:18
  10. «Solitario» – 3:00
  11. «Hombres Trabajando» – 2:58
  12. «El Viaje» – 3:33
  13. «Ensoñado» – 3:58
  14. «Mujeres» – 3:32

Calidad: FLAC