Ciclos y Neurastenias en un mundo cruel

Fusión

Rage Against The Machine – RATM [1992]

[Resubida Mejorada]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

Rage Against the Machine (también conocido como Rage o RATM) es un grupo musical estadounidense de rap metal fundado en el año 1990 por Tom Morello y Zack de la Rocha. Junto con Tim Commerford y Brad Wilk, el grupo tocó durante toda la década de los años 1990 hasta su disolución en 2000.

Zack de la Rocha concibió el nombre Rage Against the Machine (en castellano: ‘Ira En Contra De La Máquina (o del Sistema)’) antes de la formación de la banda. Cuando Zack conoció a Tom Morello y formaron el grupo, el nombre Rage Against The Machine les pareció el más indicado para el tipo de música y de ideas que pretendían difundir. La “Máquina” (o el Sistema), según Morello, representa la globalización, el neoliberalismo, la alienación, el racismo, la brutalidad, la élite y la ignorancia, entre otras ideas.

Su estilo característico es una sólida fusión de hip hop, funk y heavy metal. Los solos de guitarra de Tom Morello se recalcan por sus prominentes usos de pedales y efectos, y sobresalen sus emulaciones de los scratchs y otros efectos de los DJ de hip hop. El cantante, Zack de la Rocha, participó en grupos de punk y hardcore metal antes de volverse un apasionado de las rimas del rap: de ahí viene su estilo agresivo de rapear y los fuertes gritos que incluye en algunas canciones. Se aprecia también un pequeño toque de jazz por parte del bajista Tim Commerford, que perteneció a un grupo de ese estilo a mediados de los años 1980; finalmente, la batería de Brad Wilk está cargada de ritmos funk especialmente contundentes. Este estilo de fusión fue más tarde imitado por otras bandas, atribuyéndosele la etiqueta de rap metal.

Son también conocidos por el contenido sociopolítico de sus canciones. Sus letras son rotundas, con un claro posicionamiento en contra del capitalismo, la globalización y la guerra. De tendencias políticas de izquierda, R.A.T.M. destacó, además, por sus múltiples iniciativas de protesta y solidaridad con distintos movimientos de reivindicación sociales y musicales. El cantante Zack de la Rocha participó en movimientos derivados del EZLN. En los días posteriores a los atentados del 11 de septiembre, las emisoras de radio estadounidenses habrían censurado al grupo por alentar el antipatriotismo.

La primera presentación del grupo fue en el garaje de uno de los amigos de Tim en Huntington Beach, California. El grupo tocó sólo cinco canciones que tenía escritas, pero tuvieron tanto éxito que las repitieron varias veces. Decidieron lanzarse a lo grande, por lo que ellos mismos grabaron una cinta con 12 canciones en un estudio local. Empezaron a tocar en clubes de los alrededores de Los Ángeles y consiguieron vender 5.000 copias de la cinta. Se fueron dando a conocer en el ambiente musical y actuaron como teloneros de Porno for Pyros en su primer gran concierto. Estuvieron en el segundo escenario del Lollapalooza II, en Los Ángeles, California, donde los vio un “caza-talentos”. Luego firmaron un contrato con Epic Records (una división de Sony BMG) y siguieron de gira, mientras empezaban a grabar el disco “Rage Against the Machine”.

«Rage Against the Machine» es el álbum debut de la banda, grabado entre abril y mayo de 1992 en los estudios Industrial Recording, Sound City Studios y Scream Studios de Los Ángeles, con producción de Garth ‘GGGarth’ Richardson y el propio grupo, y editado en noviembre de 1992 por Epic Records. Con una de las primeras fusiones integrales de géneros diversos como el hip hop y el rock, marca el precedente para la explosión, más orientada al nu metal de finales de los 90 por parte de Limp Bizkit, Korn y Deftones.

Por otra parte, el álbum se centra en un comentario político inflexible, lo cual lo aleja de otras bandas. Las canciones de Rage Against the Machine tienen tendencias a específicos mantras políticos de izquierda, interpretados con ira, con el vocalista entregado en un estilo similar al hip hop.

La cubierta del álbum tiene la controvertida fotografía del Thích Quảng Đức inmolándose en protesta al tratamiento de los budistas bajo el gobierno de Vietnam del Sur en vísperas de la Guerra de Vietnam.

El álbum fue seleccionado en el n°1 de Billboard Heatseekers y en el n° 45 del top 200 de esa misma cartelera, donde se mantuvo por 89 semanas. La revista Rolling Stone puso a este álbum en el puesto número 368 de la lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.

La canción “Wake Up” estuvo incluida en los créditos finales como uno de los OST de la película Matrix, y la canción “Killing in the Name” fue incluida en los videojuegos Grand Theft Auto: San Andreas y Guitar Hero II. En diciembre de 1993, lanzaron el vídeo de “Freedom”, para apoyar a Leonard Peltier.​ El vídeo combinaba escenas del grupo en vivo y del documental de 1992 “Incident at Oglala” con texto del libro de Peter Matthiessen “In the Spirit of Crazy Horse”. Se convirtió en el vídeo número #1 en EUNA.

En el 2000, Q Magazine catalogó el álbum como uno de los cincuenta mejores álbumes de rock pesado de la historia. La revista Kerrang catalogó a este disco en el puesto número 34 de su lista Los 100 álbumes que debes oír antes de morir. La revista Guitar World catalogó el álbum en el puesto número 21 de los 100 mejores discos de todos los tiempos.

Comenzaron su primera gira europea con Suicidal Tendencies e hiceron sucesivos conciertos a beneficio de Mumia Abu-Jamal,​ Leonard Peltier, la Liga Antinazi y al “Rock for Choice”. En 1993 estuvieron en Lollapalooza de nuevo. En Filadelfia, elevaron su notoriedad cuando hicieron una protesta en contra de la censura, en especial en contra de Parents Music Resource Center (PMRC), permaneciendo en el escenario completamente desnudos durante un total de 14 minutos.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Bombtrack» – 4:05
  2. «Killing in the Name» – 5:14
  3. «Take the Power Back» – 5:36
  4. «Settle for Nothing» – 4:48
  5. «Bullet in the Head» – 5:09
  6. «Know Your Enemy» – 4:55
  7. «Wake Up» – 6:04
  8. «Fistful of Steel» – 5:31
  9. «Township Rebellion» – 5:24
  10. «Freedom» – 6:08

Calidad: FLAC

 

 

 


Bersuit Vergarabat – Libertinaje [1998]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

Bersuit Vergarabat, originalmente llamados Bersuit Vergarabat Van de Ir y conocidos como La Bersuit, es un grupo de rock argentino, originario del barrio de Barracas, al sur de la ciudad de Buenos Aires, formado en 1988. Se hicieron notables a finales de los años noventa por combinar este género musical con ritmos latinoamericanos —como la cumbia, el tango, la murga, el reggae, la chacarera y el candombe— y letras cargadas de críticas hacia el sistema político y la sociedad.

Desde su primer trabajo debut, la obra de Bersuit Vergarabat se caracterizó por contener mensajes en contra del menemismo y críticas hacia políticos como Carlos Menem, Domingo Cavallo, Eduardo Duhalde, Carlos Ruckauf, entre otros. Las letras de sus canciones fueron censuradas y, en otros casos, los canales de televisión que trasmitían sus videoclips fueron demandados y tuvieron que pagar multas por los ataques que sufrían ciertos políticos, como también por las críticas a la sociedad argentina de los 90.

Pese a la censura, esto no hizo decaer la popularidad de la banda que comenzó a gozar de masividad y se convirtió en uno de los grupos más importantes del rock argentino y uno de los principales de Latinoamérica.

Pasó por diversas formaciones y su alineación más famosa estuvo constituida por: Gustavo Cordera (voz), Juan Subirá (teclados, acordeón y voz), Carlos Martín (batería y percusión), Oscar Righi (guitarra eléctrica), Pepe Céspedes (bajo y voz), Daniel Suárez (voz y coros), Alberto Verenzuela (guitarra) y Germán “Cóndor” Sbarbati (voz, coros y charango).

Una de las características de la banda es su forma de vestir en sus conciertos, al disfrazarse con pijamas que es en sí, un homenaje a los internos de la residencia psiquiátrica del Hospital Municipal José Tiburcio Borda de Buenos Aires y una respuesta contraria al atuendo de cuero, que usan los grupos normalmente vinculados con el rock y heavy metal. La banda ha demostrado una afinidad por todo lo relacionado con la locura y la marginación.

Además de encontrar el éxito en Buenos Aires y luego en todo el país, Bersuit Vergarabat ha atraído a aficionados de muchos países de América Latina, así como España, Estados Unidos, Reino Unido, Alemania, Japón entre otros. El éxito de la banda más allá de América Latina, depende en gran medida de su capacidad de reinventarse constantemente.

La banda entró en un receso durante el 2009, con la idea de que cada músico se dedicara a diferentes proyectos personales. Tras desavenencias entre su vocalista y los demás integrantes, debido a que el primero prefirió seguir con su carrera como solista, en en el año 2011 la agrupación volvería a los escenarios sin Gustavo Cordera.

Algunas de sus canciones más difundidas son “El tiempo no para” (cover de Cazuza), “Espíritu de esta selva”, “Yo tomo”, “Se viene”, “Sr. Cobranza” (cover de Las Manos de Filippi), “La argentinidad al palo”, “La bolsa”, “Negra murguera”, “La soledad”, “Mi caramelo”, “Sencillamente”, “Un pacto», “Esperando el impacto”, “Murguita del sur”, entre otras.

El álbum que hizo conocida a la banda a nivel nacional e internacional fue «Libertinaje», doble platino en Argentina, grabado entre abril y mayo de 1998 en los Estudios Panda de Buenos Aires y entre junio y julio en La Casa, producido por Gustavo Santaolalla y editado ese mismo año por Universal Music, a través de su sello Surco. Tras la partida de Sadrinas en 1996, ingresan Daniel Suárez y Germán Sbarbati; estos dos últimos, habían integrado una banda llamada Resortes Antagónicos, grupo que editó dos trabajos discográficos y poco tiempo después Héctor «Limón» García, líder y vocalista de Vía Varela, ingresaría a realizar los coros.

El disco fue muy criticado por los seguidores del gobierno del ex-presidente argentino Carlos Menem debido a las letras profundamente políticas y antimenemistas, como en el caso del corte de difusión del disco «Sr. Cobranza», una versión del tema de Las Manos de Filippi. Este material, catapultó a la banda al estrellato nacional e internacional, iniciando una gira de presentación en toda Argentina, Latinoamérica, España y Estados Unidos de Norteamérica.

La canción “Sr. Cobranza” (autoría de Las Manos de Filippi y popularizada por Bersuit Vergarabat) fue censurada por el Comité Federal de Radiodifusión (COMFER) debido a los ataques verbales que sufrían políticos argentinos en la letra. Esta canción logró entrar dentro del conteo de Las 100 grandiosas canciones de los 90s en castellano por la cadena de televisión musical VH1 Latinoamérica, obteniendo el puesto #72 de dicha lista. Además de “Sr. Cobranza”, entre los sencillos más destacados, se encuentran: “Se viene”, “Murguita del sur”, “Vuelos” y “¿Que pasó?”.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

 

  1.  «Yo Tomo» – 3:32
  2.  «A los Tambores» – 3:22
  3. «De Onda» – 3:01
  4. «Se Viene» – 3:25
  5. «Murguita del Sur» – 4:16
  6. «Sr. Cobranza» – 4:19
  7. «Vuelos» – 4:24
  8. «Gente de Mierdas» – 2:46
  9. «Sincerebro» – 3:29
  10. «A Marça de Deux» – 5:19
  11. «C.S.M.» – 2:40
  12. «¿Qué Pasó?» – 6:01
Calidad: FLAC

 

 

 


Talking Heads – Road to Nowhere (Maxi) [1985]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

Talking Heads fue una banda de rock experimental y dance punk (una de las más representativas bandas new wave, con elementos de estilos como el punk rock, rock progresivo y el funk predominante en el ambiente británico de los años ochenta, que recibe la influencia cultural del Art Pop y el minimal, expresado en sus letras impregnadas de experiencia alienada y claves musicales experimentales y mínimas) formada en Nueva York por David Byrne en el año 1974 junto a Chris Frantz y Tina Weymouth. Un par de años después, tras telonear a Ramones en el legendario club CBGB, se integraría a ella el guitarrista y teclista Jerry Harrison, quien anteriormente había grabado junto a The Modern Lovers. En una entrevista, Weymouth especificó cómo el grupo eligió el nombre Talking Heads: “Un amigo encontró el nombre en la guía de televisión, que explica el término usado por los estudios de televisión para describir el busto de una persona hablando acerca de ‘todo contenido, nada de acción'”.

Encabezada por el músico David Byrne, la banda alcanzó los primeros lugares de las listas de ventas en gran parte de Europa y Estados Unidos de Norteamérica. Puede resumirse el estilo y elegancia que destacó a esta agrupación en el filme “Stop Making Sense”, que fue realizado en el teatro Pantages de Hollywood y dirigido por Jonathan Demme. Esta representación es aclamada como uno de los ejemplos más representativos de su género.

El grupo tuvo rápidamente una gran aceptación y firmó para Sire Records en 1977, lanzando su primer single “Love – Building On Fire” en febrero de ese año. Su primer álbum, “Talking Heads: 77” fue lanzado a continuación y no contenía el primer single. Esto fue con su segundo álbum en 1978, “More Songs About Buildings and Food”, con el cual la banda comenzó su larga colaboración con el productor Brian Eno, quien previamente había trabajado con Roxy Music, David Bowie y Robert Fripp. La experimentación continuó con “Fear of Music” en 1979, el cual flirteaba con el oscuro estilo del post-punk rock. “Remain in Light”, fuertemente influenciado por el Afro-Beat (ritmos africanos) de la banda nigeriana Fela Kuti (de quienes Eno introdujo su música en la banda), explorando poliritmos africanos, haciendo que más tarde Byrne se interesase en la música mundial.

El maxi single «Road to Nowhere» fue el segundo sencillo del sexto álbum de Talking Heads, “Little Creatures”, grabado y mezclado por G.T. Thorngren y Jerry Harrison, y editado en septiembre de 1985 por Sire Records en Estados Unidos de Norteamérica y por EMI Records en Reino Unido y el resto del mundo. Alcanzó el nº 5 en Nueva Zelanda; el nº 6 en Alemania, Gran Bretaña, Irlanda y Sudáfrica; el nº 10 en Holanda, el nº 16 en Australia y el nº 25 en el Billboard estadounidense.

Acerca del tema principal, David Byrne explicó en las notas del recopilatorio “Once in a Lifetime: The Best of Talking Heads” (EMI, 1992): “Quería escribir una canción que presentara una mirada resignada e incluso alegre a la fatalidad. En nuestras muertes y en el apocalipsis (siempre inminente, gente)… Creo que tuvo éxito. El fragmento delantero, el coro blanco del gospel, está un poco pegado, porque no pensé que el resto de la canción fuera suficiente… Quiero decir, eran sólo dos acordes. Así que, por embarazo o vergüenza, escribí una sección de introducción que tenía un par más en ella.”

El video de la canción fue dirigido por Byrne y Stephen R. Johnson y presenta a la banda y varios objetos giratorios, como si estuvieran en su propio “camino a ninguna parte”. Fue nominado para “Mejor Video del Año” en los MTV Video Music Awards 1986. La ilustración de portada fue realizada por Howard Finster.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1.  «Road to Nowhere» – 4:19
  2.  «Television Man» (Extended Mix) – 8:00

Calidad: FLAC

 

 

 


La Portuaria – Huija [1995]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

La Portuaria fue una banda de rock argentino formada en 1989 en Buenos Aires. Desarrollaron un sonido de fusión, incorporando ritmos latinos sobre una base fuertemente influenciada por el jazz y el R&B. Tuvieron su primera exposición al gran público en el festival Mi Buenos Aires Rock, organizado en 1990 por la Municipalidad de la Ciudad de Buenos Aires. Con el tiempo incorporaron varios instrumentistas en torno al núcleo central del grupo, constituido por Christian Basso (bajo), Colo Belmonte (batería), Sebastián Schachtel (teclados), Diego Frenkel (guitarra y voz) y, desde 1990 hasta 1996, Axel Krygier (piano y saxofón). Han editado 10 discos, constituyendo una presencia importante en la escena musical argentina desde sus comienzos en adelante.

Diego Frenkel, Christian Basso y Sebastián Schachtel (columna vertebral de la banda) habían integrado el grupo Clap, que grabó un álbum en 1986. Ya por entonces sorprendieron por la versatilidad de ritmos y estilos. Tal es así que muchos los han definido como “world beat” (algo así como el ritmo de la aldea global). A fines de los 80 tras la disolución de Clap surge La Portuaria. Desde sus inicios su música escapaba a los modelos tradicionales del rock en Argentina. Se trataba de música fundamentalmente rítmica que exploraba y se nutría de los colores y sonidos de la música del mundo. La variedad rítmica y tímbrica siempre fue parte de la cosmogonía de la banda.

En 1989 debutan con su primer disco: “Rosas Rojas”, editado por la discográfica EMI. Por lo exótico de su propuesta, La Portuaria parecía estar al frente de una suerte de vanguardia rockera, pero sus canciones eran de fácil acceso al público. Viajan a España y a su regreso son invitados a participar en Mi Buenos Aires Rock, un festival organizado por la Municipalidad, que convocó a cien mil personas en la avenida Nueve de Julio. Si bien el público había asistido para escuchar a Charly García y a Luis Alberto Spinetta, fue una excelente oportunidad para presentar el trabajo de la banda, que no fue desaprovechada, a juzgar por los aplausos cosechados.

En 1991 el grupo inicia la producción de su segundo álbum, “Escenas de la Vida Amorosa”, editado nuevamente por EMI. El tema “El bar de la calle Rodney” se destaca como el éxito de la placa. Se presentan en el teatro Astros, donde desarrollan una arriesgada puesta en escena combinada con elementos teatrales no convencionales como la actuación de la agrupación El Descueve, con la participación de Fito Páez como invitado especial.

La consagración vendría con “Devorador de Corazones”, su tercer álbum de estudio, editado en 1993 por EMI Odeon con producción del propio grupo. El álbum obtuvo un éxito mucho más masivo que su álbum anterior de 1991, siendo un disco más cuidado, potente y exitoso que se destaca por el tema homónimo, “Selva” y “Nada es igual” (estos dos últimos cortados para difusión). El disco colocó a la banda en su grado máximo de exposición y obtuvo un disco de Oro pocos meses después de su lanzamiento y, a comienzos de 1994, el álbum llegó a ser disco platino. La influencia del hot jazz y de la música de fusión latina es más perceptible.

Después del exitoso disco “Devorador de Corazones”, La Portuaria quería continuar saciando sus famélicos deseos de fama. Casi sin perder tiempo, aunque concentrándose en la búsqueda del sonido ideal, la banda liderada por Diego Frenkel lanzó en 1995 su cuarto material, «Huija», grabado y mezclado en Nueva York (donde se trabajó con un criterio mucho más profundo de producción, logrando un sonido contundente y experimental) y editado nuevamente por EMI en 1995, con producción de Andrés Levin, Camus Celli y La Portuaria. Fue inmediatamente catalogado por la prensa como “uno de los más importantes del año”. El álbum también fue la presentación del nuevo baterista, Martín Ghersa.

El álbum repite la fórmula de su anterior álbum; con una producción más profesional a cargo de Andrés Levin, quien enfatizó los aspectos mestizos musicalmente (ya desde el mismo título es una exclamación de índole folclórica que remite a las aventuras del personaje de historietas Patoruzú), y fue grabado casi con el mismo concepto que “Devorador de Corazones”. La combinación entre el jazz y lo latino eran la principal herramienta con la que se valió esta producción. En palabras textuales de Frenkel: “un grito de alegría y explosión salvaje, guiso de mambo, hip hop, acid jazz, ritmo y blues y otros reciclajes contemporáneos”. Una definición bastante abarcadora de estilos, que sin embargo, pueden evidenciarse a lo largo del disco.

“Ruta” tiene ese pegadizo coro imposible de no cantar tras la primera vez que se escucha, que transforma a la canción en una de las más populares. “Supermambo” mantiene el tono alegre, fundamentalmente, con la letra. En el siguiente tema, como con “Nada es igual”, Frenkel vuelve al vacío despojándose de posesiones. “Donde hubo fuego”, frase de larga data, es otro de los temas que se destacan de este material que incluso sería utilizado por David Byrne. También “10 segundos” sería seleccionado para una recopilación de música americana por David Byrne. La Portuaria no se apartó demasiado del estilo que le dio el Disco de Oro con el anterior trabajo, por lo que “Huija” mantiene aquel nivel.

 

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Ruta» – 3:22
  2. «Supermambo» – 3:41
  3. «No Tengo Nada» – 3:46
  4. «Sofía» – 4:11
  5. «Dios» – 4:35
  6. «Ven a Mí» – 4:31
  7. «Vudú Danza» – 4:16
  8. «La Diablada» – 3:16
  9. «Donde Hubo Fuego» – 5:21
  10. «10 Segundos» – 3:40

Calidad: WAV

 

 

 


Caballeros de la Quema – Manos Vacías [1993]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

Caballeros de la Quema fue una banda de rock alternativo, oriunda de la ciudad de Morón en Buenos Aires, Argentina, que se formó en 1989. El punto de partida empezó con tres de los miembros de una banda de rock sinfónico llamada El Aleph (todos exalumnos del colegio Dorrego, de Morón), que formarían el embrión inicial de lo que tiempo después serían Los Caballeros de la Quema. Las tres primeras canciones que ensayaron con esa primitiva formación son bocetos que terminarían en “Tibia peste”, “Carlito” y “Buenos Aires esquina Vietnam”. Adoptaron el nombre revisando revistas; en una de ellas encontraron una nota al humorista Pepe Marrone, donde contaba que su primera troupé de circo se había llamado Los Caballeros de la Quema.

En aquel tiempo pasan por diferentes cambios de formación, que incluye el paso de Iván Noble a la voz, dejando la batería. Habían probado hasta cantantes femeninas hasta que Iván, quien escribía la mayoría de las letras, pasó a cantar. Martín Méndez e Iván todavía eran estudiantes de Sociología en la Universidad de Buenos Aires, ya se había incorporado Javier Cavo en la batería y Pablo Guerra se sumaba luego haber fundado Los Piojos.

En 1991 editan en forma independiente su primera producción en cassette titulada “Primavera Negra”. Al año siguiente (1992) esta maqueta será reeditada con más canciones. El sello Iguana Records (perteneciente a la discográfica BMG) se interesa en estos temas autoeditados y firman contrato para publicar sus siguientes trabajos.

«Manos Vacías» es el primer álbum -y segundo trabajo- de la banda, grabado en los Estudios Panda y Del Cielito de Buenos Aires, masterizado en Sound Designer y editado en 1991 por el sello Iguana Records. Contiene canciones que formaron parte de su primer emprendimiento, “Primavera Negra”. De allí saldrían clásicos como “Patri” (considerada la 27ª mejor canción del rock argentino por Rock.com.ar.en 2007), “Carlito” (con video de Picky Tallarico), “Gusanos” y “Buenos Aires esquina Vietman”, entre otros.

Fueron invitados por Joaquín Sabina a abrir su show en el estadio de Ferro ante más de 15 mil espectadores. Realizan shows en Rosario, Santa Fe y Córdoba, además de Buenos Aires y Capital federal durante ese año. Las encuestas de fin de año los encontraron en los primeros lugares como banda revelación.

 

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Domingo Muerto» – 2:55
  2. «Bs.As. Esquina Vietnam» – 4:20
  3. «Tibia Peste» – 3:12
  4. «Patri» – 3:42
  5. «9 Días» – 2:16
  6. «Me Sobás la Espalda (Viuda Negra)» – 4:56
  7. «Con el Agua en los Pies» – 6:00
  8. «Similaun» – 3:03
  9. «Carlito» – 3:54
  10. «Gusanos» – 4:20
  11. «El Culo del Asunto» – 4:04
  12. «Primavera Negra» – 3:01
  13. «Milwaukee» – 8:00
  14. «Luces de Bar» – 1:30

Calidad: FLAC

 

 

 


La Portuaria ‎– Devorador de Corazones [1993]

[Resubida]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

laportuaria-devoradorcorazonesLa Portuaria fue una banda de rock argentino formada en 1989 en Buenos Aires. Desarrollaron un sonido de fusión, incorporando ritmos latinos sobre una base fuertemente influenciada por el jazz y el R&B. Tuvieron su primera exposición al gran público en el festival Mi Buenos Aires Rock, organizado en 1990 por la Municipalidad de la Ciudad de Buenos Aires. Con el tiempo incorporaron varios instrumentistas en torno al núcleo central del grupo, constituido por Christian Basso (bajo), Colo Belmonte (batería), Sebastián Schachtel (teclados), Diego Frenkel (guitarra y voz) y, desde 1990 hasta 1996, Axel Krygier (piano y saxofón). Han editado 10 discos, constituyendo una presencia importante en la escena musical argentina desde sus comienzos en adelante.

Diego Frenkel, Christian Basso y Sebastián Schachtel (columna vertebral de la banda) habían integrado el grupo Clap, que grabó un álbum en 1986. Ya por entonces sorprendieron por la versatilidad de ritmos y estilos. Tal es así que muchos los han definido como “world beat” (algo así como el ritmo de la aldea global). A fines de los 80 tras la disolución de Clap surge La Portuaria. Desde sus inicios su música escapaba a los modelos tradicionales del rock en Argentina. Se trataba de música fundamentalmente rítmica que exploraba y se nutría de los colores y sonidos de la música del mundo. La variedad rítmica y tímbrica siempre fue parte de la cosmogonía de la banda.

En 1989 debutan con su primer disco: “Rosas Rojas”, editado por la discográfica EMI. Por lo exótico de su propuesta, La Portuaria parecía estar al frente de una suerte de vanguardia rockera, pero sus canciones eran de fácil acceso al público. Viajan a España y a su regreso son invitados a participar en Mi Buenos Aires Rock, un festival organizado por la Municipalidad, que convocó a cien mil personas en la avenida Nueve de Julio. Si bien el público había asistido para escuchar a Charly García y a Luis Alberto Spinetta, fue una excelente oportunidad para presentar el trabajo de la banda, que no fue desaprovechada, a juzgar por los aplausos cosechados.La Portuaria ‎– Devorador De Corazones

En 1991 el grupo inicia la producción de su segundo álbum, “Escenas de la Vida Amorosa”, editado nuevamente por EMI. El tema “El bar de la calle Rodney” se destaca como el éxito de la placa. Se presentan en el teatro Astros, donde desarrollan una arriesgada puesta en escena combinada con elementos teatrales no convencionales como la actuación de la agrupación El Descueve, con la participación de Fito Páez como invitado especial.

«Devorador de Corazones» es el tercer álbum de estudio de la banda argentina La Portuaria, editado en 1993 por EMI Odeon con producción del propio grupo. El álbum obtuvo un éxito mucho más masivo que su álbum anterior de 1991, resultando la consagración de la banda. El disco más cuidado, potente y exitoso se destaca por el tema homónimo, “Selva” y “Nada es igual” (estos dos últimos cortados para difusión). El disco colocó a la banda en su grado máximo de exposición y obtuvo un disco de Oro pocos meses después de su lanzamiento y, a comienzos de 1994, el álbum llegó a ser disco platino. La influencia del hot jazz y de la música de fusión latina es más perceptible.

Además de “Selva” también se desprenden otros buenos temas como la pegadiza “Nada es Igual” o “Devorador de Corazones”. Sin tanta repercusión “Nena de la Lluvia” es otra interesante composición. El disco aborda diferentes estilos, desde el jazz con “Jam sesión”, el ska con La Portuaria ‎– Devorador De Corazones“Portuaria Mix” o el pop “En la punta de un cabo”. Esa combinación de estilos caracterizó a esta buena banda que se mantendría en la escena del rock argentino durante gran parte de la década de los noventa.

El mismo año (1994), concluyen la primera gran gira nacional en el estadio Obras Sanitarias. Para la ocasión presentan un show junto a De La Guarda, que fue el espectáculo mas novedoso y original que se vio en el país, catapultando a La Portuaria como una de las mejores bandas del año.

 

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Devorador de Corazones» – 4:25
  2. «Selva» – 4:09
  3. «Nada Es Igual» – 2:58
  4. «Miedo» – 6:13
  5. «La Grieta» – 3:13
  6. «En la Punta de un Cabo» – 4:04
  7. «Alguna Vez» – 2:26
  8. «Portuaria Mix» – 3:58
  9. «Me Quedo Contigo» – 3:06
  10. «Paso a Paso» – 3:59
  11. «Nena de la Lluvia» – 5:16
  12. «El Pan de cada Día» – 4:14
  13. «Zamba de Mi Esperanza» – 5:41
  14. «Jam Session» – 11:52

Calidad: FLAC

 

 

 


La Portuaria ‎– Escenas de la Vida Amorosa [1991]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

laportuaria-escenasvidaamorosaLa Portuaria fue una banda de rock argentino formada en 1989 en Buenos Aires. Desarrollaron un sonido de fusión, incorporando ritmos latinos sobre una base fuertemente influenciada por el jazz y el R&B. Tuvieron su primera exposición al gran público en el festival Mi Buenos Aires Rock, organizado en 1990 por la Municipalidad de la Ciudad de Buenos Aires. Con el tiempo incorporaron varios instrumentistas en torno al núcleo central del grupo, constituido por Christian Basso (bajo), Colo Belmonte (batería), Sebastián Schachtel (teclados), Diego Frenkel (guitarra y voz) y, desde 1990 hasta 1996, Axel Krygier (piano y saxofón). Han editado 10 discos, constituyendo una presencia importante en la escena musical argentina desde sus comienzos en adelante.

Diego Frenkel, Christian Basso y Sebastián Schachtel (columna vertebral de la banda) habían integrado el grupo Clap, que grabó un álbum en 1986. Ya por entonces sorprendieron por la versatilidad de ritmos y estilos. Tal es así que muchos los han definido como “world beat” (algo así como el ritmo de la aldea global). A fines de los 80 tras la disolución de Clap surge La Portuaria. Desde sus inicios su música escapaba a los modelos tradicionales del rock en Argentina. Se trataba de música fundamentalmente rítmica que exploraba y se nutría de los colores y sonidos de la música del mundo. La variedad rítmica y tímbrica siempre fue parte de la cosmogonía de la banda.

En 1989 debutan con su primer disco: “Rosas Rojas”, editado por la discográfica EMI. Por lo exótico de su propuesta, La Portuaria parecía estar al frente de una suerte de vanguardia rockera, pero sus canciones eran de fácil acceso al público. Viajan a España y a su regreso son invitados laportuaria-escenasvidaamorosa-2a participar en Mi Buenos Aires Rock, un festival organizado por la Municipalidad, que convocó a cien mil personas en la avenida Nueve de Julio. Si bien el público había asistido para escuchar a Charly García y a Luis Alberto Spinetta, fue una excelente oportunidad para presentar el trabajo de la banda, que no fue desaprovechada, a juzgar por los aplausos cosechados.

En 1991 el grupo inicia la producción de su segundo álbum, «Escenas de la Vida Amorosa», editado nuevamente por EMI. El tema “El bar de la calle Rodney” se destaca como el éxito de la placa. Se presentan en el teatro Astros, donde desarrollan una arriesgada puesta en escena combinada con elementos teatrales no convencionales como la actuación de la agrupación El Descueve, con la participación de Fito Páez como invitado especial.

 

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Amar Es Difícil» – 3:32
  2. «El Bar de la Calle Rodney» – 3:46
  3. «Delicado» – 2:52
  4. «Mira las Nubes» – 4:02
  5. «Hombre sin Historia» – 3:22
  6. «Llora» – 3:23
  7. «Escenas de la Vida Amorosa» – 4:26
  8. «Ella» – 3:37
  9. «Los Mejores Amigos» – 4:18
  10. «Solitario» – 3:00
  11. «Hombres Trabajando» – 2:58
  12. «El Viaje» – 3:33
  13. «Ensoñado» – 3:58
  14. «Mujeres» – 3:32

Calidad: FLAC

 

 

 


Os Resentidos – Música Doméstica (1987)

 

[Ciclo de Rock Ibérico]

 

osresentidos-musicadomesticaCuando se menciona el nombre de Os Resentidos a uno le vienen muchas ideas a la cabeza. Podemos hablar de expansionismo cultural, de modernidad con vocación costumbrista, de crítica social, de surrealismo inteligente o de absorción y fusión de múltiples estilos con la mirada en la cultura y el humor característicos del terruño, de la República de Sitio Distinto, como llamaron a Galicia a lo largo de su carrera. Lo cierto es que abrigaron con su calor La Movida de Vigo junto a bandas como Aerolíneas Federales, Golpes Bajos o Siniestro Total, y acercaron el rock gallego a todo el territorio nacional con “Galicia caníbal”, aunque para mucha gente siempre será “Fai un sol de carallo”, pero fueron mucho más que todo eso. La utilización del gallego, la irreverencia, una marginalidad poética y reivindicativa de sus raíces, y la fusión con vocación experimental -funky, rock, pop, folk, gaitas, sintetizadores- fueron sus señas de identidad. El grupo lo tiene claro, se define como “Os Resentidos de Vigo (gora Vigo Camasutra), una esquimal bus band de funkie depresivo. Nuestro trascendental concepto del funkie depresivo y del rock esquimal desborda obviamente la fugacidad del lenguaje y la opacidad traidora de la escritura (lapsus). Los motivos de nuestro resentimiento son amplios y confusos, puestos en situación normalmente, solemos declarar: una vez detectado el cáncer de mama galopante de la Santa Lucía de Miguel Ríos, llegó la hora (god save the mamas not the cancer)”.

Su líder y auténtico agitador cultural, Antón Reixa, es uno de los personajes más polifacéticos de nuestra escena. Poeta, cantante, director de cine, artista multimedia, columnista de prensa son algunas de sus principales ocupaciones, que no son pocas. Tras estudiar Filología Gallega en la Universidad de Santiago y ser uno de los fundadores de Comunicación Poética Rompente, colectivo con el que publicaría varios libros de poesía, en el 82 pone en marcha Os Resentidos, junto a Alberto Torrado -bajo-, Javier Soto -guitarra- y Rubén Losada -saxo-. Alberto compaginaba sus labores en el grupo con Siniestro Total, hasta que abandona definitivamente a Hernández y compañía en el 87. Javier por su parte, seguiría un camino inverso al de Alberto y abandonaría Os Resentidos en el 85 para enrolarse en Siniestro Total durante la gira del “Menos Mal que nos Queda Portugal” (DRO, 1984), siendo sustituido por Xavier Debesa.

En el 84 lanzan su primer trabajo, un maxi en 12” con aires post-punk compartido con Siniestro Total, “Surfin’ CCCP” (DRO, 1984), en el que cada grupo aporta dos cortes, y un año después sale a la venta su primer largo “Vigo Capital Lisboa” (GASA, 85). En él ya encontramos la esencia de lo que llegarían a ser, letras con un marcado humor en el que no se salva nada ni nadie -¿verdad, Paloma Gómez Borrero?-, la fusión de estilos como forma de vida y, por supuesto, las ganas de fiesta, de movida. Luego llegarían el rap, para poder decir más cosas en cada canción, y la conjunción perfecta entre sintetizadores y gaitas. La producción del disco no es la mejor, pero esto iría mejorando entrega tras entrega.

La mente hiperactiva de Antón Reixa continua trabajando a un ritmo frenético, y continúan entregándonos un largo por año. En el 86 sale “Fai un Sol de Carallo” (GASA, 1986), disco que contiene el gran hit de la formación, “Galicia Caníbal”, un éxito instantáneo que ha sobrevivido al grupo para traspasar las puertas de la cultura popular. El disco presenta una producción más cuidada y el sonido evoluciona considerablemente. Las programaciones están salpicadas de gaitas y Antón Reixa está más suelto que nunca.

«Música Doméstica» (GASA, 1987), tercer lp de los gallegos, baja el nivel de sus antecesores. Las composiciones de Antón Reixa no son tan brillantes y los arreglos se vuelven más previsibles y monótonos, encontramos aires rythm and blues, funky depresivo, cumbia, ritmos disco y sintetizadores, fusión de estilos marca de la casa que en esta ocasión se queda a medias.

osresentidos-musicadomestica-2Las orquestaciones inundan “Bamboleo (manada dance)”, corte inicial que pone de manifiesto que la cosa decae, lo que se confirma definitivamente en “Contrarios”, musicalmente se mantienen las orquestaciones, el saxo ocupa los primeros planos, mientras que a nivel compositivo algún destello como “a primeira comunión faise vestido de árbitro” o “a auga da cisterna tamén e da traída” pero muy poco para lo que nos tenían acostumbrados. Los ritmos latinos aparecen en “Cumbia china”, homenaje resentido en clave de cumbia a la miseria preservativa y a los barrios chinos de las grandes ciudades. “Zoo lóxico” no logra subir el listón y uno empieza a impacientarse, hasta que “Pandeirada mixta” con el folklore en una mano y una pandereta en la otra, trae de nuevo esa conjunción de tradición y modernidad, de humor y sátira, en la que siempre se movieron como pez en el agua.

En “Vigo 92” asumen con resignación que su ciudad no acogerá los juegos olímpicos y, entre ritmos disco con aires de fiebre de sábado noche, visualizan una olimpíada apocalíptica en la que el mamoneo por relevos, el jockey con pies descalzos y la esgrima con paraguas viejos están a la orden del día. Unas olimpiadas en las que la única final posible es el alcoholismo y en la que lo importante no es participar, sino sobrevivir.

El rythm and blues llega con “Un blues de cando non había tren” y los aires tribales con “¿De qué cor é a pel do maligno?”.“Etcétera” es un alivio fluorescente, la pasión desenfrenada en clave resentida -coros sensuales, lencería de safari y fauna de quita y pon- y es que “cando ti comes bombillas / estoy a anos luz de ti… apaga a luz / que me gusta a media luz”. Cierra “Sex o´clock”, un viaje intercultural sin reloj por el mundo del sexo en el que James Brown tiene su momento de gloria. Es la hora del sexo y vivo sin vivir en mí.

“Música Doméstica” es un disco irregular que nos depara algún que otro buen momento como “Pandeirada mixta”, “Vigo 92” o “Etcétera” pero que en líneas generales supone un paso atrás dentro de su trayectoria.

 

Fuente: Fernando Fernández Rego en LaFonoteca.net / Zonde
 

 

 

OsResentidos-VigoCapitalLisboa-3Lista de canciones:

  1. «Bamboleo (Manada Dance)» – 4:23
  2. «Contrarios» – 3:19
  3. «Cumbia China» – 3:25
  4. «Zoo Lóxico» – 2:40
  5. «Pandeirada Mixta» – 4:25
  6. «Vigo ’92» – 4:02
  7. «Un Blues de Cando Non Habia Tren» – 4:22
  8. «¿De Qué Cor É a Pel do Maligno?» – 2:41
  9. «Etcetera» – 3:53
  10. «Sex O’Clock» – 4:40

Calidad: VBR 128-192 Kbps

 

 

 

Gracias al blog Sangrespañola por este archivo.

 

 

 

 


Os Resentidos – Vigo Capital Lisboa (1984)

[Resubida]

 

[Ciclo de Rock Ibérico]

 

OsResentidos-VigoCapitalLisboaTras la conexión soviética de su primer EP compartido con Siniestro Total, “Surfin’ CCCP” (DRO, 1984), los círculos del poder se amplían con el contacto portugués y la idea de establecer un nuevo eje Vigo-Lisboa-Moscú cobra forma -aunque Portugal siga mirando hacia la pérfida Albión-. «Vigo Capital Lisboa», primer larga duración de Os Resentidos, se graba precisamente en el país hermano/vecino, concretamente en los Estúdios Radio Triunfo de Lisboa, con Sérgio Castro como técnico y bajo la producción de Paco Trinidad (rebautizado F. Trindade en los créditos), y es editado por Grabaciones Accidentales en 1984. El título y el gallo de la portada nos ponen sobre aviso, pero la composición de la contraportada en la que la bandera portuguesa es atravesada por el río Miño no deja lugar a dudas.

Pero que esto no nos despiste, en cuanto comienza la música la política queda a un lado y el delirio acapara todo el protagonismo. Su obsesión por la cultura esquimal se pone de manifiesto en el corte que abre el disco “Rock esquimal”, rock experimental salpicado de iglús, balalaikas y esquimales en posición fetal. De hecho Antón Reixa viajaría a Groenlandia en el 99, lo que le sirvió para verificar el hecho de que hay gallegos en todas partes, ya que se encontró con uno que llegó a bordo de un trasatlántico para turistas en el que tocaba la trompeta en la orquesta del barco y se quedó allí a vivir tras enamorarse de una lugareña.

OsResentidos-VigoCapitalLisboa-2“Dálle beibe dálle” trae la mala hostia, y nunca mejor dicho: “dalle beibe dalle / dunha hostia dunha vez” reza el estribillo entre ritmos repetitivos marcados por punteos de guitarra efectivos, un bajo juguetón y unos coros espaciales. Siniestro Total haría una versión del corte en su disco “Cultura Popular” (Virgin, 1997). “Paloma pómez bolero” es un delirio sexual marca de la casa, dedicado a la corresponsal de TVE en el Vaticano, Paloma Gómez Borrero, lo mejor, el final con un trasnochado “no ahora con las nuevas pastillas ya voy mejor”. El medio tiempo “Que fas Fassbinder” trae aires experimentales, generando una atmósfera enrarecida cargada de efectos siniestros y una letra próxima al surrealismo: “Que fas Fassbinder / que fas / canta este mambo subtitulado / que fas Fassbinder / que fas / sesión das cinco / cine de barrio”.

Tras la conexión gallego-africana de “Abdul”, vuelve el delirio con “Succión” (“mira cariño somos de esa clase de imbéciles que… chupa aquí mama na casa”) e “In the guetto”, con una declaración inicial de principios que capta toda nuestra atención entre un bajo hipnótico y una maraña de efectos: “quero mamarme ata caer / pero poder chejar deica o berbés / onde os mariñeiros cantan in the guetto de Elvis Presley”.

Cierra “Sexo macumba”, una de las grandes canciones del disco, altas cotas de surrealismo galaico: “Sexo macumba / dalle que non mira / baila está rumba / baila esta rumba conmigo / totus tuus / aí que voto útil”, y programaciones electrónicas inquietantes.

 

Fuente: Fernando Fernández Rego en LaFonoteca.net / Zonde
 

 

 

OsResentidos-VigoCapitalLisboa-3Lista de canciones:

  1. «Rock Esquimal» – 2:37
  2. «Dalle Beibe, Dalle» – 2:33
  3. «Paloma Pómez Bolero» – 3:37
  4. «Jet Society» – 2:23
  5. «Ma qui Cosa Dice» – 2:20
  6. «Alcohólica» – 2:24
  7. «Qué Fas Fassbinder» – 3:38
  8. «Abdul» – 4:00
  9. «Succión» – 2:42
  10. «Ponte Palúcida» – 2:34
  11. «In the Ghetto» – 3:15
  12. «Minusválida» – 2:39
  13. «Cazar un Ñu» – 2:42
  14. «Sexo Macumba» – 2:41

Calidad: 160 Kbps

 

 

 

Gracias al blog Sangrespañola por este archivo.

 

 

 


Iceberg – Sentiments (1977-Reed.2003)

[Resubida Mejorada]

 

[Ciclo de Rock Ibérico]

 

Iceberg-SentimentsIceberg fue un grupo catalán de rock progresivo y jazz rock, formado en 1974 en Barcelona por Max Sunyer (guitarra), Josep Mas “Kitflus” (teclados), Primitivo Sancho (bajo), Jordi Colomer (batería) y Ángel Riba (voz y saxo). Son músicos influenciados principalmente por Mahavishnu Orchestra, sobre todo en lo que las escalas de la guitarra se refiere; aunque en este caso el piano cobra igual protagonismo que la guitarra, sincronizados, en muchas ocasiones, increíblemente a la perfección. Surgieron ya retrasados al movimiento musical progresivo, que para entonces ya llevaba varios años sonando por Inglaterra y Estados Unidos de Norteamérica. Sacaron un primer disco en el que en la mitad de las canciones hay voz, pero a partir de ahí empezó a ser únicamente instrumental.

Banda pionera del rock sinfónico y progresivo en la península (estamos hablando sin duda de una de las cimas del progresivo ibérico, más que recomendable, con músicos increíbles), gracias sobre todo a su primer trabajo: “Tutankhamon”, considerado una pieza de colección. Ya sin cantante graban el disco “Coses Nostres” en 1976, “Sentiments” en 1977, “Iceberg en Directe” en 1978 y finalmente “Arc-en-Ciel”, en 1979. Max Sunyer y Kitflus formaron más tarde el grupo Pegasus junto a Rafael Escoté de Gotic y Santi Arisa de Fusioon.

Iceberg-Sentiments-2Su tercer disco –«Sentiments»– es otra obra maestra, donde profundizan en el jazz-rock (o jazz-fusión) con elementos andalusíes, aún con atisbos de su progresivo original. Editado originalmente por la Compañía Fonográfica Española, a través de su sello Bocaccio Records, ‎y distribuido por Zafiro en 1977, con producción del propio grupo; fue reeditado en formato CD en 1997 por Actual Records/Picap, y nuevamente por Picap en 2003 en formato digipack. Es para la mayoría de aficionados su mejor trabajo y uno de los mejores (o el mejor) disco progresivo hecho en Iberia. E incluso fuera es conocido (me atrevería a decir que incluso más que dentro de nuestras fronteras) por los seguidores del jazz-rock fusion como un clásico en la liga de los grandes del género, y en especial de la Mahavishnu Orchestra, grupo referencia que practicaba un estilo muy parecido.

La fórmula Iceberg consistía en un desarrollo melódico instrumental fundamentado en la magistral guitarra con toques mediterráneos de Max Sunyer y los teclados especulativos de Kliftus. Ese entramado melódico descansaba sobre un contundente ritmo de rock servido por el bajo de Primi y la batería de Jordi Colomer. Los cuatro músicos aparecieron ese año clasificados entre los cinco primeros en su instrumento en la votación que la revista Popular 1 realizó entre lectores y críticos musicales. Esto da una idea del potencial de la banda.

Iceberg-Sentiments-3Si el álbum anterior aportaba a la fusión el elemento distintivo del folclore levantino, en esta ocasión era la música arábigo-andaluza la que aportaba esa diferenciación con las producciones de otros grupos.

“Sentiments” conforma junto a “Coses Nostres” y a “Tutankhamon” la mejor trilogía llevada a cabo jamás por un grupo progresivo ibérico y ejemplifica perfectamente este estilo de música que fue admirada y alabada en la década de los 70 para prácticamente desaparecer posteriormente. Iceberg haría otros discos. Ninguno malo, es cierto, pero ninguno equiparable a estos tres.

 

Fuente: Wikipedia / Julián Molero en LaFonoteca.net / Zonde

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas compuestos por J. Suñé, excepto 3: J. Mas)

  1.  «Sentiments» – 1:36
  2. «Andalusia, Andalusia» – 5:39
  3.  «A Sevilla» – 5:15
  4.  «Ball de Les Fulles» – 6:34
  5.  «Magic» – 6:55
  6.  «Joguines» – 3:00
  7.  «Alegries del Mediterrani» – 9:17

Calidad: 320 Kbps