Ciclos y Neurastenias en un mundo cruel

Fusión

Caballeros de la Quema – Manos Vacías [1993]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

Caballeros de la Quema fue una banda de rock alternativo, oriunda de la ciudad de Morón en Buenos Aires, Argentina, que se formó en 1989. El punto de partida empezó con tres de los miembros de una banda de rock sinfónico llamada El Aleph (todos exalumnos del colegio Dorrego, de Morón), que formarían el embrión inicial de lo que tiempo después serían Los Caballeros de la Quema. Las tres primeras canciones que ensayaron con esa primitiva formación son bocetos que terminarían en “Tibia peste”, “Carlito” y “Buenos Aires esquina Vietnam”. Adoptaron el nombre revisando revistas; en una de ellas encontraron una nota al humorista Pepe Marrone, donde contaba que su primera troupé de circo se había llamado Los Caballeros de la Quema.

En aquel tiempo pasan por diferentes cambios de formación, que incluye el paso de Iván Noble a la voz, dejando la batería. Habían probado hasta cantantes femeninas hasta que Iván, quien escribía la mayoría de las letras, pasó a cantar. Martín Méndez e Iván todavía eran estudiantes de Sociología en la Universidad de Buenos Aires, ya se había incorporado Javier Cavo en la batería y Pablo Guerra se sumaba luego haber fundado Los Piojos.

En 1991 editan en forma independiente su primera producción en cassette titulada “Primavera Negra”. Al año siguiente (1992) esta maqueta será reeditada con más canciones. El sello Iguana Records (perteneciente a la discográfica BMG) se interesa en estos temas autoeditados y firman contrato para publicar sus siguientes trabajos.

«Manos Vacías» es el primer álbum -y segundo trabajo- de la banda, grabado en los Estudios Panda y Del Cielito de Buenos Aires, masterizado en Sound Designer y editado en 1991 por el sello Iguana Records. Contiene canciones que formaron parte de su primer emprendimiento, “Primavera Negra”. De allí saldrían clásicos como “Patri” (considerada la 27ª mejor canción del rock argentino por Rock.com.ar.en 2007), “Carlito” (con video de Picky Tallarico), “Gusanos” y “Buenos Aires esquina Vietman”, entre otros.

Fueron invitados por Joaquín Sabina a abrir su show en el estadio de Ferro ante más de 15 mil espectadores. Realizan shows en Rosario, Santa Fe y Córdoba, además de Buenos Aires y Capital federal durante ese año. Las encuestas de fin de año los encontraron en los primeros lugares como banda revelación.

 

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Domingo Muerto» – 2:55
  2. «Bs.As. Esquina Vietnam» – 4:20
  3. «Tibia Peste» – 3:12
  4. «Patri» – 3:42
  5. «9 Días» – 2:16
  6. «Me Sobás la Espalda (Viuda Negra)» – 4:56
  7. «Con el Agua en los Pies» – 6:00
  8. «Similaun» – 3:03
  9. «Carlito» – 3:54
  10. «Gusanos» – 4:20
  11. «El Culo del Asunto» – 4:04
  12. «Primavera Negra» – 3:01
  13. «Milwaukee» – 8:00
  14. «Luces de Bar» – 1:30

Calidad: FLAC

 

 

 


La Portuaria ‎– Devorador de Corazones [1993]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

laportuaria-devoradorcorazonesLa Portuaria fue una banda de rock argentino formada en 1989 en Buenos Aires. Desarrollaron un sonido de fusión, incorporando ritmos latinos sobre una base fuertemente influenciada por el jazz y el R&B. Tuvieron su primera exposición al gran público en el festival Mi Buenos Aires Rock, organizado en 1990 por la Municipalidad de la Ciudad de Buenos Aires. Con el tiempo incorporaron varios instrumentistas en torno al núcleo central del grupo, constituido por Christian Basso (bajo), Colo Belmonte (batería), Sebastián Schachtel (teclados), Diego Frenkel (guitarra y voz) y, desde 1990 hasta 1996, Axel Krygier (piano y saxofón). Han editado 10 discos, constituyendo una presencia importante en la escena musical argentina desde sus comienzos en adelante.

Diego Frenkel, Christian Basso y Sebastián Schachtel (columna vertebral de la banda) habían integrado el grupo Clap, que grabó un álbum en 1986. Ya por entonces sorprendieron por la versatilidad de ritmos y estilos. Tal es así que muchos los han definido como “world beat” (algo así como el ritmo de la aldea global). A fines de los 80 tras la disolución de Clap surge La Portuaria. Desde sus inicios su música escapaba a los modelos tradicionales del rock en Argentina. Se trataba de música fundamentalmente rítmica que exploraba y se nutría de los colores y sonidos de la música del mundo. La variedad rítmica y tímbrica siempre fue parte de la cosmogonía de la banda.

En 1989 debutan con su primer disco: “Rosas Rojas”, editado por la discográfica EMI. Por lo exótico de su propuesta, La Portuaria parecía estar al frente de una suerte de vanguardia rockera, pero sus canciones eran de fácil acceso al público. Viajan a España y a su regreso son invitados a participar en Mi Buenos Aires Rock, un festival organizado por la Municipalidad, que convocó a cien mil personas en la avenida Nueve de Julio. Si bien el público había asistido para escuchar a Charly García y a Luis Alberto Spinetta, fue una excelente oportunidad para presentar el trabajo de la banda, que no fue desaprovechada, a juzgar por los aplausos cosechados.La Portuaria ‎– Devorador De Corazones

En 1991 el grupo inicia la producción de su segundo álbum, “Escenas de la Vida Amorosa”, editado nuevamente por EMI. El tema “El bar de la calle Rodney” se destaca como el éxito de la placa. Se presentan en el teatro Astros, donde desarrollan una arriesgada puesta en escena combinada con elementos teatrales no convencionales como la actuación de la agrupación El Descueve, con la participación de Fito Páez como invitado especial.

«Devorador de Corazones» es el tercer álbum de estudio de la banda argentina La Portuaria, editado en 1993 por EMI Odeon con producción del propio grupo. El álbum obtuvo un éxito mucho más masivo que su álbum anterior de 1991, resultando la consagración de la banda. El disco más cuidado, potente y exitoso se destaca por el tema homónimo, “Selva” y “Nada es igual” (estos dos últimos cortados para difusión). El disco colocó a la banda en su grado máximo de exposición y obtuvo un disco de Oro pocos meses después de su lanzamiento y, a comienzos de 1994, el álbum llegó a ser disco platino. La influencia del hot jazz y de la música de fusión latina es más perceptible.

Además de “Selva” también se desprenden otros buenos temas como la pegadiza “Nada es Igual” o “Devorador de Corazones”. Sin tanta repercusión “Nena de la Lluvia” es otra interesante composición. El disco aborda diferentes estilos, desde el jazz con “Jam sesión”, el ska con La Portuaria ‎– Devorador De Corazones“Portuaria Mix” o el pop “En la punta de un cabo”. Esa combinación de estilos caracterizó a esta buena banda que se mantendría en la escena del rock argentino durante gran parte de la década de los noventa.

El mismo año (1994), concluyen la primera gran gira nacional en el estadio Obras Sanitarias. Para la ocasión presentan un show junto a De La Guarda, que fue el espectáculo mas novedoso y original que se vio en el país, catapultando a La Portuaria como una de las mejores bandas del año.

 

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Devorador de Corazones» – 4:25
  2. «Selva» – 4:09
  3. «Nada Es Igual» – 2:58
  4. «Miedo» – 6:13
  5. «La Grieta» – 3:13
  6. «En la Punta de un Cabo» – 4:04
  7. «Alguna Vez» – 2:26
  8. «Portuaria Mix» – 3:58
  9. «Me Quedo Contigo» – 3:06
  10. «Paso a Paso» – 3:59
  11. «Nena de la Lluvia» – 5:16
  12. «El Pan de cada Día» – 4:14
  13. «Zamba de Mi Esperanza» – 5:41
  14. «Jam Session» – 11:52

Calidad: FLAC

 

 

 


La Portuaria ‎– Escenas de la Vida Amorosa [1991]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

laportuaria-escenasvidaamorosaLa Portuaria fue una banda de rock argentino formada en 1989 en Buenos Aires. Desarrollaron un sonido de fusión, incorporando ritmos latinos sobre una base fuertemente influenciada por el jazz y el R&B. Tuvieron su primera exposición al gran público en el festival Mi Buenos Aires Rock, organizado en 1990 por la Municipalidad de la Ciudad de Buenos Aires. Con el tiempo incorporaron varios instrumentistas en torno al núcleo central del grupo, constituido por Christian Basso (bajo), Colo Belmonte (batería), Sebastián Schachtel (teclados), Diego Frenkel (guitarra y voz) y, desde 1990 hasta 1996, Axel Krygier (piano y saxofón). Han editado 10 discos, constituyendo una presencia importante en la escena musical argentina desde sus comienzos en adelante.

Diego Frenkel, Christian Basso y Sebastián Schachtel (columna vertebral de la banda) habían integrado el grupo Clap, que grabó un álbum en 1986. Ya por entonces sorprendieron por la versatilidad de ritmos y estilos. Tal es así que muchos los han definido como “world beat” (algo así como el ritmo de la aldea global). A fines de los 80 tras la disolución de Clap surge La Portuaria. Desde sus inicios su música escapaba a los modelos tradicionales del rock en Argentina. Se trataba de música fundamentalmente rítmica que exploraba y se nutría de los colores y sonidos de la música del mundo. La variedad rítmica y tímbrica siempre fue parte de la cosmogonía de la banda.

En 1989 debutan con su primer disco: “Rosas Rojas”, editado por la discográfica EMI. Por lo exótico de su propuesta, La Portuaria parecía estar al frente de una suerte de vanguardia rockera, pero sus canciones eran de fácil acceso al público. Viajan a España y a su regreso son invitados laportuaria-escenasvidaamorosa-2a participar en Mi Buenos Aires Rock, un festival organizado por la Municipalidad, que convocó a cien mil personas en la avenida Nueve de Julio. Si bien el público había asistido para escuchar a Charly García y a Luis Alberto Spinetta, fue una excelente oportunidad para presentar el trabajo de la banda, que no fue desaprovechada, a juzgar por los aplausos cosechados.

En 1991 el grupo inicia la producción de su segundo álbum, «Escenas de la Vida Amorosa», editado nuevamente por EMI. El tema “El bar de la calle Rodney” se destaca como el éxito de la placa. Se presentan en el teatro Astros, donde desarrollan una arriesgada puesta en escena combinada con elementos teatrales no convencionales como la actuación de la agrupación El Descueve, con la participación de Fito Páez como invitado especial.

 

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Amar Es Difícil» – 3:32
  2. «El Bar de la Calle Rodney» – 3:46
  3. «Delicado» – 2:52
  4. «Mira las Nubes» – 4:02
  5. «Hombre sin Historia» – 3:22
  6. «Llora» – 3:23
  7. «Escenas de la Vida Amorosa» – 4:26
  8. «Ella» – 3:37
  9. «Los Mejores Amigos» – 4:18
  10. «Solitario» – 3:00
  11. «Hombres Trabajando» – 2:58
  12. «El Viaje» – 3:33
  13. «Ensoñado» – 3:58
  14. «Mujeres» – 3:32

Calidad: FLAC

 

 

 


Os Resentidos – Música Doméstica (1987)

 

[Ciclo de Rock Ibérico]

 

osresentidos-musicadomesticaCuando se menciona el nombre de Os Resentidos a uno le vienen muchas ideas a la cabeza. Podemos hablar de expansionismo cultural, de modernidad con vocación costumbrista, de crítica social, de surrealismo inteligente o de absorción y fusión de múltiples estilos con la mirada en la cultura y el humor característicos del terruño, de la República de Sitio Distinto, como llamaron a Galicia a lo largo de su carrera. Lo cierto es que abrigaron con su calor La Movida de Vigo junto a bandas como Aerolíneas Federales, Golpes Bajos o Siniestro Total, y acercaron el rock gallego a todo el territorio nacional con “Galicia caníbal”, aunque para mucha gente siempre será “Fai un sol de carallo”, pero fueron mucho más que todo eso. La utilización del gallego, la irreverencia, una marginalidad poética y reivindicativa de sus raíces, y la fusión con vocación experimental -funky, rock, pop, folk, gaitas, sintetizadores- fueron sus señas de identidad. El grupo lo tiene claro, se define como “Os Resentidos de Vigo (gora Vigo Camasutra), una esquimal bus band de funkie depresivo. Nuestro trascendental concepto del funkie depresivo y del rock esquimal desborda obviamente la fugacidad del lenguaje y la opacidad traidora de la escritura (lapsus). Los motivos de nuestro resentimiento son amplios y confusos, puestos en situación normalmente, solemos declarar: una vez detectado el cáncer de mama galopante de la Santa Lucía de Miguel Ríos, llegó la hora (god save the mamas not the cancer)”.

Su líder y auténtico agitador cultural, Antón Reixa, es uno de los personajes más polifacéticos de nuestra escena. Poeta, cantante, director de cine, artista multimedia, columnista de prensa son algunas de sus principales ocupaciones, que no son pocas. Tras estudiar Filología Gallega en la Universidad de Santiago y ser uno de los fundadores de Comunicación Poética Rompente, colectivo con el que publicaría varios libros de poesía, en el 82 pone en marcha Os Resentidos, junto a Alberto Torrado -bajo-, Javier Soto -guitarra- y Rubén Losada -saxo-. Alberto compaginaba sus labores en el grupo con Siniestro Total, hasta que abandona definitivamente a Hernández y compañía en el 87. Javier por su parte, seguiría un camino inverso al de Alberto y abandonaría Os Resentidos en el 85 para enrolarse en Siniestro Total durante la gira del “Menos Mal que nos Queda Portugal” (DRO, 1984), siendo sustituido por Xavier Debesa.

En el 84 lanzan su primer trabajo, un maxi en 12” con aires post-punk compartido con Siniestro Total, “Surfin’ CCCP” (DRO, 1984), en el que cada grupo aporta dos cortes, y un año después sale a la venta su primer largo “Vigo Capital Lisboa” (GASA, 85). En él ya encontramos la esencia de lo que llegarían a ser, letras con un marcado humor en el que no se salva nada ni nadie -¿verdad, Paloma Gómez Borrero?-, la fusión de estilos como forma de vida y, por supuesto, las ganas de fiesta, de movida. Luego llegarían el rap, para poder decir más cosas en cada canción, y la conjunción perfecta entre sintetizadores y gaitas. La producción del disco no es la mejor, pero esto iría mejorando entrega tras entrega.

La mente hiperactiva de Antón Reixa continua trabajando a un ritmo frenético, y continúan entregándonos un largo por año. En el 86 sale “Fai un Sol de Carallo” (GASA, 1986), disco que contiene el gran hit de la formación, “Galicia Caníbal”, un éxito instantáneo que ha sobrevivido al grupo para traspasar las puertas de la cultura popular. El disco presenta una producción más cuidada y el sonido evoluciona considerablemente. Las programaciones están salpicadas de gaitas y Antón Reixa está más suelto que nunca.

«Música Doméstica» (GASA, 1987), tercer lp de los gallegos, baja el nivel de sus antecesores. Las composiciones de Antón Reixa no son tan brillantes y los arreglos se vuelven más previsibles y monótonos, encontramos aires rythm and blues, funky depresivo, cumbia, ritmos disco y sintetizadores, fusión de estilos marca de la casa que en esta ocasión se queda a medias.

osresentidos-musicadomestica-2Las orquestaciones inundan “Bamboleo (manada dance)”, corte inicial que pone de manifiesto que la cosa decae, lo que se confirma definitivamente en “Contrarios”, musicalmente se mantienen las orquestaciones, el saxo ocupa los primeros planos, mientras que a nivel compositivo algún destello como “a primeira comunión faise vestido de árbitro” o “a auga da cisterna tamén e da traída” pero muy poco para lo que nos tenían acostumbrados. Los ritmos latinos aparecen en “Cumbia china”, homenaje resentido en clave de cumbia a la miseria preservativa y a los barrios chinos de las grandes ciudades. “Zoo lóxico” no logra subir el listón y uno empieza a impacientarse, hasta que “Pandeirada mixta” con el folklore en una mano y una pandereta en la otra, trae de nuevo esa conjunción de tradición y modernidad, de humor y sátira, en la que siempre se movieron como pez en el agua.

En “Vigo 92” asumen con resignación que su ciudad no acogerá los juegos olímpicos y, entre ritmos disco con aires de fiebre de sábado noche, visualizan una olimpíada apocalíptica en la que el mamoneo por relevos, el jockey con pies descalzos y la esgrima con paraguas viejos están a la orden del día. Unas olimpiadas en las que la única final posible es el alcoholismo y en la que lo importante no es participar, sino sobrevivir.

El rythm and blues llega con “Un blues de cando non había tren” y los aires tribales con “¿De qué cor é a pel do maligno?”.“Etcétera” es un alivio fluorescente, la pasión desenfrenada en clave resentida -coros sensuales, lencería de safari y fauna de quita y pon- y es que “cando ti comes bombillas / estoy a anos luz de ti… apaga a luz / que me gusta a media luz”. Cierra “Sex o´clock”, un viaje intercultural sin reloj por el mundo del sexo en el que James Brown tiene su momento de gloria. Es la hora del sexo y vivo sin vivir en mí.

“Música Doméstica” es un disco irregular que nos depara algún que otro buen momento como “Pandeirada mixta”, “Vigo 92” o “Etcétera” pero que en líneas generales supone un paso atrás dentro de su trayectoria.

 

Fuente: Fernando Fernández Rego en LaFonoteca.net / Zonde
 

 

 

OsResentidos-VigoCapitalLisboa-3Lista de canciones:

  1. «Bamboleo (Manada Dance)» – 4:23
  2. «Contrarios» – 3:19
  3. «Cumbia China» – 3:25
  4. «Zoo Lóxico» – 2:40
  5. «Pandeirada Mixta» – 4:25
  6. «Vigo ’92» – 4:02
  7. «Un Blues de Cando Non Habia Tren» – 4:22
  8. «¿De Qué Cor É a Pel do Maligno?» – 2:41
  9. «Etcetera» – 3:53
  10. «Sex O’Clock» – 4:40

Calidad: VBR 128-192 Kbps

 

 

 

Gracias al blog Sangrespañola por este archivo.

 

 

 

 


Os Resentidos – Vigo Capital Lisboa (1984)

[Resubida]

 

[Ciclo de Rock Ibérico]

 

OsResentidos-VigoCapitalLisboaTras la conexión soviética de su primer EP compartido con Siniestro Total, “Surfin’ CCCP” (DRO, 1984), los círculos del poder se amplían con el contacto portugués y la idea de establecer un nuevo eje Vigo-Lisboa-Moscú cobra forma -aunque Portugal siga mirando hacia la pérfida Albión-. «Vigo Capital Lisboa», primer larga duración de Os Resentidos, se graba precisamente en el país hermano/vecino, concretamente en los Estúdios Radio Triunfo de Lisboa, con Sérgio Castro como técnico y bajo la producción de Paco Trinidad (rebautizado F. Trindade en los créditos), y es editado por Grabaciones Accidentales en 1984. El título y el gallo de la portada nos ponen sobre aviso, pero la composición de la contraportada en la que la bandera portuguesa es atravesada por el río Miño no deja lugar a dudas.

Pero que esto no nos despiste, en cuanto comienza la música la política queda a un lado y el delirio acapara todo el protagonismo. Su obsesión por la cultura esquimal se pone de manifiesto en el corte que abre el disco “Rock esquimal”, rock experimental salpicado de iglús, balalaikas y esquimales en posición fetal. De hecho Antón Reixa viajaría a Groenlandia en el 99, lo que le sirvió para verificar el hecho de que hay gallegos en todas partes, ya que se encontró con uno que llegó a bordo de un trasatlántico para turistas en el que tocaba la trompeta en la orquesta del barco y se quedó allí a vivir tras enamorarse de una lugareña.

OsResentidos-VigoCapitalLisboa-2“Dálle beibe dálle” trae la mala hostia, y nunca mejor dicho: “dalle beibe dalle / dunha hostia dunha vez” reza el estribillo entre ritmos repetitivos marcados por punteos de guitarra efectivos, un bajo juguetón y unos coros espaciales. Siniestro Total haría una versión del corte en su disco “Cultura Popular” (Virgin, 1997). “Paloma pómez bolero” es un delirio sexual marca de la casa, dedicado a la corresponsal de TVE en el Vaticano, Paloma Gómez Borrero, lo mejor, el final con un trasnochado “no ahora con las nuevas pastillas ya voy mejor”. El medio tiempo “Que fas Fassbinder” trae aires experimentales, generando una atmósfera enrarecida cargada de efectos siniestros y una letra próxima al surrealismo: “Que fas Fassbinder / que fas / canta este mambo subtitulado / que fas Fassbinder / que fas / sesión das cinco / cine de barrio”.

Tras la conexión gallego-africana de “Abdul”, vuelve el delirio con “Succión” (“mira cariño somos de esa clase de imbéciles que… chupa aquí mama na casa”) e “In the guetto”, con una declaración inicial de principios que capta toda nuestra atención entre un bajo hipnótico y una maraña de efectos: “quero mamarme ata caer / pero poder chejar deica o berbés / onde os mariñeiros cantan in the guetto de Elvis Presley”.

Cierra “Sexo macumba”, una de las grandes canciones del disco, altas cotas de surrealismo galaico: “Sexo macumba / dalle que non mira / baila está rumba / baila esta rumba conmigo / totus tuus / aí que voto útil”, y programaciones electrónicas inquietantes.

 

Fuente: Fernando Fernández Rego en LaFonoteca.net / Zonde
 

 

 

OsResentidos-VigoCapitalLisboa-3Lista de canciones:

  1. «Rock Esquimal» – 2:37
  2. «Dalle Beibe, Dalle» – 2:33
  3. «Paloma Pómez Bolero» – 3:37
  4. «Jet Society» – 2:23
  5. «Ma qui Cosa Dice» – 2:20
  6. «Alcohólica» – 2:24
  7. «Qué Fas Fassbinder» – 3:38
  8. «Abdul» – 4:00
  9. «Succión» – 2:42
  10. «Ponte Palúcida» – 2:34
  11. «In the Ghetto» – 3:15
  12. «Minusválida» – 2:39
  13. «Cazar un Ñu» – 2:42
  14. «Sexo Macumba» – 2:41

Calidad: 160 Kbps

 

 

 

Gracias al blog Sangrespañola por este archivo.

 

 

 


Iceberg – Sentiments (1977-Reed.2003)

[Resubida Mejorada]

 

[Ciclo de Rock Ibérico]

 

Iceberg-SentimentsIceberg fue un grupo catalán de rock progresivo y jazz rock, formado en 1974 en Barcelona por Max Sunyer (guitarra), Josep Mas “Kitflus” (teclados), Primitivo Sancho (bajo), Jordi Colomer (batería) y Ángel Riba (voz y saxo). Son músicos influenciados principalmente por Mahavishnu Orchestra, sobre todo en lo que las escalas de la guitarra se refiere; aunque en este caso el piano cobra igual protagonismo que la guitarra, sincronizados, en muchas ocasiones, increíblemente a la perfección. Surgieron ya retrasados al movimiento musical progresivo, que para entonces ya llevaba varios años sonando por Inglaterra y Estados Unidos de Norteamérica. Sacaron un primer disco en el que en la mitad de las canciones hay voz, pero a partir de ahí empezó a ser únicamente instrumental.

Banda pionera del rock sinfónico y progresivo en la península (estamos hablando sin duda de una de las cimas del progresivo ibérico, más que recomendable, con músicos increíbles), gracias sobre todo a su primer trabajo: “Tutankhamon”, considerado una pieza de colección. Ya sin cantante graban el disco “Coses Nostres” en 1976, “Sentiments” en 1977, “Iceberg en Directe” en 1978 y finalmente “Arc-en-Ciel”, en 1979. Max Sunyer y Kitflus formaron más tarde el grupo Pegasus junto a Rafael Escoté de Gotic y Santi Arisa de Fusioon.

Iceberg-Sentiments-2Su tercer disco –«Sentiments»– es otra obra maestra, donde profundizan en el jazz-rock (o jazz-fusión) con elementos andalusíes, aún con atisbos de su progresivo original. Editado originalmente por la Compañía Fonográfica Española, a través de su sello Bocaccio Records, ‎y distribuido por Zafiro en 1977, con producción del propio grupo; fue reeditado en formato CD en 1997 por Actual Records/Picap, y nuevamente por Picap en 2003 en formato digipack. Es para la mayoría de aficionados su mejor trabajo y uno de los mejores (o el mejor) disco progresivo hecho en Iberia. E incluso fuera es conocido (me atrevería a decir que incluso más que dentro de nuestras fronteras) por los seguidores del jazz-rock fusion como un clásico en la liga de los grandes del género, y en especial de la Mahavishnu Orchestra, grupo referencia que practicaba un estilo muy parecido.

La fórmula Iceberg consistía en un desarrollo melódico instrumental fundamentado en la magistral guitarra con toques mediterráneos de Max Sunyer y los teclados especulativos de Kliftus. Ese entramado melódico descansaba sobre un contundente ritmo de rock servido por el bajo de Primi y la batería de Jordi Colomer. Los cuatro músicos aparecieron ese año clasificados entre los cinco primeros en su instrumento en la votación que la revista Popular 1 realizó entre lectores y críticos musicales. Esto da una idea del potencial de la banda.

Iceberg-Sentiments-3Si el álbum anterior aportaba a la fusión el elemento distintivo del folclore levantino, en esta ocasión era la música arábigo-andaluza la que aportaba esa diferenciación con las producciones de otros grupos.

“Sentiments” conforma junto a “Coses Nostres” y a “Tutankhamon” la mejor trilogía llevada a cabo jamás por un grupo progresivo ibérico y ejemplifica perfectamente este estilo de música que fue admirada y alabada en la década de los 70 para prácticamente desaparecer posteriormente. Iceberg haría otros discos. Ninguno malo, es cierto, pero ninguno equiparable a estos tres.

 

Fuente: Wikipedia / Julián Molero en LaFonoteca.net / Zonde

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas compuestos por J. Suñé, excepto 3: J. Mas)

  1.  «Sentiments» – 1:36
  2. «Andalusia, Andalusia» – 5:39
  3.  «A Sevilla» – 5:15
  4.  «Ball de Les Fulles» – 6:34
  5.  «Magic» – 6:55
  6.  «Joguines» – 3:00
  7.  «Alegries del Mediterrani» – 9:17

Calidad: 320 Kbps

 

 

 


Bersuit Vergarabat – Y Punto… [1992]

[Resubida]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

Bersuit-YPuntoBersuit Vergarabat, originalmente llamados Bersuit Vergarabat Van de Ir y conocidos como La Bersuit, es un grupo de rock argentino, originario del barrio de Barracas, al sur de la ciudad de Buenos Aires, formado en 1988. Se hicieron notables a finales de los años noventa por combinar este género musical con ritmos latinoamericanos —como la cumbia, el tango, la murga, el reggae, la chacarera y el candombe— y letras cargadas de críticas hacia el sistema político y la sociedad.

Desde su primer trabajo debut, la obra de Bersuit Vergarabat se caracterizó por contener mensajes en contra del menemismo y críticas hacia políticos como Carlos Menem, Domingo Cavallo, Eduardo Duhalde, Carlos Ruckauf, entre otros. Las letras de sus canciones fueron censuradas y, en otros casos, los canales de televisión que trasmitían sus videoclips fueron demandados y tuvieron que pagar multas por los ataques que sufrían ciertos políticos, como también por las críticas a la sociedad argentina de los 90.

Pese a la censura, esto no hizo decaer la popularidad de la banda que comenzó a gozar de masividad y se convirtió en uno de los grupos más importantes del rock argentino y uno de los principales de Latinoamérica.

Pasó por diversas formaciones y su alineación más famosa estuvo constituida por: Gustavo Cordera (voz), Juan Subirá (teclados, acordeón y voz), Carlos Martín (batería y percusión), Oscar Righi (guitarra eléctrica), Pepe Céspedes (bajo y voz), Daniel Suárez (voz y coros), Alberto Verenzuela (guitarra) y Germán “Cóndor” Sbarbati (voz, coros y charango).

Una de las características de la banda es su forma de vestir en sus conciertos, al disfrazarse con pijamas que es en sí, un homenaje a los internos de la residencia psiquiátrica del Hospital Municipal José Tiburcio Borda de Buenos Aires y una respuesta contraria al atuendo de cuero, que usan los grupos normalmente vinculados con el rock y heavy metal. La banda ha demostrado una afinidad por todo lo relacionado con la locura y la marginación.

Además de encontrar el éxito en Buenos Aires y luego en todo el país, Bersuit Vergarabat ha atraído a aficionados de muchos países de América Latina, así como España, Estados Unidos, Reino Unido, Alemania, Japón entre otros. El éxito de la banda más allá de América Latina, depende en gran medida de su capacidad de reinventarse constantemente.

La banda entró en un receso durante el 2009, con la idea de que cada músico se dedicara a diferentes proyectos personales. Tras desavenencias entre su vocalista y los demás integrantes, debido a que el primero prefirió seguir con su carrera como solista, en en el año 2011 la agrupación volvería a los escenarios sin Gustavo Cordera.

Algunas de sus canciones más difundidas son “El tiempo no para” (cover de Cazuza), “Espíritu de esta selva”, “Yo tomo”, “Se viene”, “Sr. Cobranza” (cover de Las Manos de Filippi), “La argentinidad al palo”, “La bolsa”, “Negra murguera”, “La soledad”, “Mi caramelo”, “Sencillamente”, “Un pacto», “Esperando el impacto”, “Murguita del sur”, entre otras.

Bersuit-YPunto-2«Y Punto», titulado originalmente como “Bersuit Vergarabat y punto!”, es el nombre del primer álbum de la banda argentina de rock Bersuit Vergarabat, grabado entre enero y marzo de 1992 en Estudios Moebio de Buenos Aires y editado en 1992 por el sello Radio Trípoli, con producción de Sergio Fasanelli y Walter Kolm. Este trabajo debut contiene el primer éxito de la banda; una adaptación al castellano de la canción “El tiempo no para”, del músico brasileño Cazuza, que les trajo muy buena repercusión. En este álbum, participaron además el conductor de radio y televisión, Mario Pergollini y el actor de cine y teatro Gerardo Romano, en la canción “Homenaje a los locos del Borda”. El 26 de diciembre de ese mismo año, hicieron su primer Obras Sanitarias, para presentar su álbum y algunos otros temas inéditos.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

Lista de canciones:

 

  1.  «El Tiempo No Para» (Cazuza/Brandao) – 5:23
  2.  «La Papita» (Cordera) – 3:17
  3. «Diez Mil» (Martín/Bianco) – 4:18
  4. «Tuyu» (Cordera/Martín/Subirá/Céspedes/Righi/Bianco) – 4:45
  5. «Homenaje a los Locos del Borda» (Cordera/Subirá) – 5:44
  6. «Venganza de los Pobres Muertos (afro)» (Cordera/Martín/Subirá/Céspedes/Righi/Bianco) – 5:33
  7. «Hociquito de Ratón» (Cordera) – 2:35
  8. «La Logia (Iambo Iombo)» (Cordera/Bianco/Jara) – 3:57
  9. «Como Nada Puedo Hacer (puteo)» (Cordera/Céspedes) – 5:37
  10. «Sistema al Mejor Postor (La pantalla)» (Cordera) – 5:08
Calidad: FLAC

 

 

 


Os Resentidos – Vigo 92 [Sg] (1987)

 

[Ciclo de Rock Ibérico]

 

OsResentidos-Vigo92Podemos hablar de expansionismo cultural, de modernidad con vocación costumbrista, de crítica social, de surrealismo inteligente o de absorción y fusión de múltiples estilos con la mirada en la cultura y el humor característicos del terruño, de la República de Sitio Distinto, como llamaron a Galicia a lo largo de su carrera. Lo cierto es que Os Resentidos abrigaron con su calor La Movida de Vigo junto a bandas como Aerolíneas Federales, Golpes Bajos o Siniestro Total. La utilización del gallego, la irreverencia, una marginalidad poética y reivindicativa de sus raíces, y la fusión con vocación experimental -funky, rock, pop, folk, gaitas, sintetizadores- fueron sus señas de identidad.

El grupo lo tiene claro, se define como “Os Resentidos de Vigo (gora Vigo Camasutra), una esquimal bus band de funkie depresivo. Nuestro trascendental concepto del funkie depresivo y del rock esquimal desborda obviamente la fugacidad del lenguaje y la opacidad traidora de la escritura (lapsus). Los motivos de nuestro resentimiento son amplios y confusos, puestos en situación normalmente, solemos declarar: una vez detectado el cáncer de mama galopante de la Santa Lucía de Miguel Ríos, llegó la hora (god save the mamas not the cancer)”.

OsResentidos-Vigo92-2Tras sus primeros trabajos publicados: el maxi compartido con Siniestro Total “Surfin’ CCCP” (DRO, 1984), su primer largo “Vigo Capital Lisboa” (GASA, 1985) y su segundo “Fai un Sol de Carallo” (GASA, 1986); editan “Música Doméstica” (GASA, 1987), de donde se extrae el sencillo «Vigo 92», grabado con Eugenio Muñoz a los controles y producción de Paco Trinidad, y editado por Grabaciones Accidentales con distribución de DRO.

En “Vigo 92” asumen con resignación que su ciudad no acogerá los juegos olímpicos y, entre ritmos disco con aires de fiebre de sábado noche, visualizan una olimpíada apocalíptica en la que el mamoneo por relevos, el jockey con pies descalzos y la esgrima con paraguas viejos están a la orden del día. Unas olimpiadas en las que la única final posible es el alcoholismo y en la que lo importante no es participar, sino sobrevivir.

 

Fuente: Fernando Fernández Rego en LaFonoteca.net / Zonde
 

 

 

Lista de canciones:

 

  1. «Vigo 92» – 4:00
  2. «Lourdes – Fatima» – 4:12

Calidad: 192 Kbps

 

Gracias a Surfinbicho en el blog DerribosBajoelAgua por este archivo, aunque su bitrate real es de 192 kbps y no 320, ya que son mp3 engordados.

 

 


Talking Heads – Once in a Lifetime: The Best of Talking Heads [1992]

[Resubida 2ª]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

TalkingHeads-BestTalking Heads fue una banda de rock experimental y dance punk (una de las más representativas bandas new wave, con elementos de estilos como el punk rock, rock progresivo y el funk predominante en el ambiente británico de los años ochenta, que recibe la influencia cultural del Art Pop y el minimal, expresado en sus letras impregnadas de experiencia alienada y claves musicales experimentales y mínimas) formada en Nueva York por David Byrne en el año 1974 junto a Chris Frantz y Tina Weymouth. Un par de años después, tras telonear a Ramones en el legendario club CBGB, se integraría a ella el guitarrista y teclista Jerry Harrison, quien anteriormente había grabado junto a The Modern Lovers. En una entrevista, Weymouth especificó cómo el grupo eligió el nombre Talking Heads: “Un amigo encontró el nombre en la guía de televisión, que explica el término usado por los estudios de televisión para describir el busto de una persona hablando acerca de ‘todo contenido, nada de acción'”.

Encabezada por el músico David Byrne, la banda alcanzó los primeros lugares de las listas de ventas en gran parte de Europa y Estados Unidos de Norteamérica. Puede resumirse el estilo y elegancia que destacó a esta agrupación en el filme “Stop Making Sense”, que fue realizado en el teatro Pantages de Hollywood y dirigido por Jonathan Demme. Esta representación es aclamada como uno de los ejemplos más representativos de su género.

El grupo tuvo rápidamente una gran aceptación y firmó para Sire Records en 1977, lanzando su primer single “Love – Building On Fire” en febrero de ese año.

Su primer álbum, “Talking Heads: 77” fue lanzado a continuación y no contenía el primer single. Esto fue con su segundo álbum en 1978, “More Songs About Buildings and Food”, con el cual la banda comenzó su larga colaboración con el productor Brian Eno, quien previamente había trabajado con Roxy Music, David Bowie y Robert Fripp. La experimentación continuó con “Fear of Music” en 1979, el cual flirteaba con el oscuro estilo del post-punk rock. “Remain in Light”, fuertemente influenciado por el Afro-Beat (ritmos africanos) de la banda nigeriana Fela Kuti (de quienes Eno introdujo su música en la banda), explorando poliritmos africanos, haciendo que más tarde Byrne se interesase en la música mundial.

TalkingHeads_InteriorDespués de ocho importantes álbumes de estudio, varias giras, vídeos musicales y premios, en el año 1991 el grupo anunció oficialmente su separación. En 2011 la revista Rolling Stone los ubicó de número 100 entre los grandes artistas de todos los tiempos.

Como curiosidad, la banda Radiohead, cambió su nombre inicial On a Friday a Radiohead inspirándose en una canción del álbum “True Stories” (1987) de Talking Heads llamada “Radio Head”. Esto fue a petición de la compañía discográfica con la que firmó su primer contrato.

«Once in a Lifetime: The Best of Talking Heads» es un álbum recopilatorio de la banda neoyorkina editado por EMI en octubre de 1992, una versión de único disco del “Sand in the Vaseline: Popular Favorites”, que fue editado fuera de Estados Unidos de Norteamérica y Reino Unido en lugar de dicho álbum (en EUNA el set era de tres discos y doble en RU). El compilatorio llegó al puesto n° 3 en ventas en Nueva Zelanda y fue certificado disco de oro en Reino Unido.

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas escritos por David Byrne, Chris Frantz, Jerry Harrison y Tina Weymouth, excepto indicados)

  1.  «Psycho Killer» (Byrne, Frantz, Weymouth)
  2.  «Take Me to the River» (Al Green, Mabon “Teenie” Hodges)
  3.  «Once in a Lifetime» (Byrne, Brian Eno, Frantz, Harrison, Weymouth)
  4.  «Burning Down the House»
  5.  «This Must Be the Place (Naive Melody)»
  6.  «Slippery People» [live]
  7.  «Life During Wartime» [live]
  8.  «And She Was» (Byrne)
  9.  «Road to Nowhere» (Byrne)
  10.  «Wild Wild Life» (Byrne)
  11.  «Blind»
  12.  «(Nothing But) Flowers»
  13.  «Sax and Violins»
  14.  «Lifetime Piling Up»

Calidad: 320 Kbps

 

 


Talking Heads – 77 [1977-Reed.1999]

[Resubida 2ª]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

TalkingHeads-77Talking Heads fue una banda de rock experimental y dance punk (una de las más representativas bandas new wave, con elementos de estilos como el punk rock, rock progresivo y el funk predominante en el ambiente británico de los años ochenta, que recibe la influencia cultural del Art Pop y el minimal, expresado en sus letras impregnadas de experiencia alienada y claves musicales experimentales y mínimas) formada en Nueva York por David Byrne en el año 1974 junto a Chris Frantz y Tina Weymouth. Un par de años después, tras telonear a Ramones en el legendario club CBGB, se integraría a ella el guitarrista y teclista Jerry Harrison, quien anteriormente había grabado junto a The Modern Lovers. En una entrevista, Weymouth especificó cómo el grupo eligió el nombre Talking Heads: “Un amigo encontró el nombre en la guía de televisión, que explica el término usado por los estudios de televisión para describir el busto de una persona hablando acerca de ‘todo contenido, nada de acción'”.

Encabezada por el músico David Byrne, la banda alcanzó los primeros lugares de las listas de ventas en gran parte de Europa y Estados Unidos de Norteamérica. Puede resumirse el estilo y elegancia que destacó a esta agrupación en el filme “Stop Making Sense”, que fue realizado en el teatro Pantages de Hollywood y dirigido por Jonathan Demme. Esta representación es aclamada como uno de los ejemplos más representativos de su género.

TalkingHeads_InteriorEl grupo tuvo rápidamente una gran aceptación y firmó para Sire Records en 1977, lanzando su primer single “Love – Building On Fire” en febrero de ese año. Su primer álbum, “Talking Heads: 77” fue lanzado a continuación y no contenía el primer single. Esto fue con su segundo álbum en 1978, “More Songs About Buildings and Food”, con el cual la banda comenzó su larga colaboración con el productor Brian Eno, quien previamente había trabajado con Roxy Music, David Bowie y Robert Fripp. La experimentación continuó con “Fear of Music” en 1979, el cual flirteaba con el oscuro estilo del post-punk rock. “Remain in Light”, fuertemente influenciado por el Afro-Beat (ritmos africanos) de la banda nigeriana Fela Kuti (de quienes Eno introdujo su música en la banda), explorando poliritmos africanos, haciendo que más tarde Byrne se interesase en la música mundial.

El álbum de debut de Talking Heads, «77» (conocido también como “Talking Heads: 77”), fue grabado en los Sundragon Studios de Nueva York entre 1976 y 1977, y editado en septiembre de 1977 por Sire Records en Estados Unidos de Norteamérica y Reino Unido y por Philips Records en el resto de Europa.

El trabajo estuvo en el puesto 60 de las listas británicas en 1978 y el sencillo “Psycho Killer” alcanzó el número 92 en el Billboard Hot 100 estadounidense. En 2003, el álbum fue situado en el puesto 290 en la lista “Los 500 Mejores Albumes de Todos Los Tiempos” de la revista Rolling Stone. En su libro de 1995, “The Alternative Music Almanac”, Alan Cross lo situó en el número 5 de sus “10 Clásicos Discos Alternativos”.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

Lista de canciones:

(Todos los temas de David Byrne, excepto 10: Byrne, Chris Frantz, Tina Weymouth)

  1.  «Uh-Oh, Love Comes to Town» – 2:48
  2.  «New Feeling» – 3:09
  3.  «Tentative Decisions» – 3:04
  4.  «Happy Day» – 3:55
  5.  «Who Is It?» – 1:41
  6.  «No Compassion» – 4:47
  7.  «The Book I Read» – 4:06
  8.  «Don’t Worry About the Government» – 3:00
  9.  «First Week / Last Week… Carefree» – 3:19
  10.  «Psycho Killer» – 4:19
  11.  «Pulled Up» – 4:29

Calidad: Wav-Pack