Ciclos y Neurastenias en un mundo cruel

Fusión

Os Resentidos – Por Alí, por Alá [Sg] (1988)

 

[Ciclo de Rock Ibérico]

 

Os Resentidos abrigaron con su calor La Movida de Vigo junto a bandas como Aerolíneas Federales, Golpes Bajos o Siniestro Total, y acercaron el rock gallego a todo el territorio nacional con “Galicia caníbal”, aunque para mucha gente siempre será “Fai un sol de carallo”, pero fueron mucho más que todo eso.

El cuarto álbum de los gallegos, “Fracaso Tropical” (GASA, 1988), fue un acierto a la hora de fusionar los ritmos tropicales, el rap, las gaitas, el idioma gallego y la peculiar forma de ver la vida desde el resentimiento.

El segundo sencillo extraido del album, «Por Alí, por Alá» (GASA, 1988), es uno de los mejores cortes del disco, el trabajo emigrante, los juegos de palabras y el humor se dan la mano en esta canción protesta plagada de gaitas y sintetizadores, “un volkswagen por alí / un volkswagen por alá… ningunha noite soñamos / Sherezade donde estás / sete velos te caerán”. La canción sería incluida en el doble CD que Amnistía Internacional editó en 1994 recogiendo temas, entre otros de Burning, Rosendo, Los Secretos y Juan Perro.

Fuente: Fernando Fernández Rego en LaFonoteca.net / Zonde
 

 

 

 

 

Lista de canciones:

 

  1. «Por Alí, por Alá» – 3:32
  2. «Camarada Sitting Bull» – 3:03

Calidad: 128 Kbps

 

 

Gracias al blog Sangrespañola por este archivo.

 

 

 


Talking Heads – Little Creatures [1985]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

Talking Heads fue una banda de rock experimental y dance punk (una de las más representativas bandas new wave, con elementos de estilos como el punk rock, rock progresivo y el funk predominante en el ambiente británico de los años ochenta, que recibe la influencia cultural del Art Pop y el minimal, expresado en sus letras impregnadas de experiencia alienada y claves musicales experimentales y mínimas) formada en Nueva York por David Byrne en el año 1974 junto a Chris Frantz y Tina Weymouth. Un par de años después, tras telonear a Ramones en el legendario club CBGB, se integraría a ella el guitarrista y teclista Jerry Harrison, quien anteriormente había grabado junto a The Modern Lovers. En una entrevista, Weymouth especificó cómo el grupo eligió el nombre Talking Heads: “Un amigo encontró el nombre en la guía de televisión, que explica el término usado por los estudios de televisión para describir el busto de una persona hablando acerca de ‘todo contenido, nada de acción'”.

Encabezada por el músico David Byrne, la banda alcanzó los primeros lugares de las listas de ventas en gran parte de Europa y Estados Unidos de Norteamérica. Puede resumirse el estilo y elegancia que destacó a esta agrupación en el filme “Stop Making Sense”, que fue realizado en el teatro Pantages de Hollywood y dirigido por Jonathan Demme. Esta representación es aclamada como uno de los ejemplos más representativos de su género.

El grupo tuvo rápidamente una gran aceptación y firmó para Sire Records en 1977, lanzando su primer single “Love – Building On Fire” en febrero de ese año. Su primer álbum, “Talking Heads: 77” fue lanzado a continuación y no contenía el primer single. Esto fue con su segundo álbum en 1978, “More Songs About Buildings and Food”, con el cual la banda comenzó su larga colaboración con el productor Brian Eno, quien previamente había trabajado con Roxy Music, David Bowie y Robert Fripp. La experimentación continuó con “Fear of Music” en 1979, el cual flirteaba con el oscuro estilo del post-punk rock. “Remain in Light”, fuertemente influenciado por el Afro-Beat (ritmos africanos) de la banda nigeriana Fela Kuti (de quienes Eno introdujo su música en la banda), explorando poliritmos africanos, haciendo que más tarde Byrne se interesase en la música mundial.

Después de ocho importantes álbumes de estudio, varias giras, vídeos musicales y premios, en el año 1991 el grupo anunció oficialmente su separación. En 2011 la revista Rolling Stone los ubicó de número 100 entre los grandes artistas de todos los tiempos.

«Little Creatures» es el sexto álbum de estudio de la banda de new wave norteamericana Talking Heads, grabado entre octubre de 1984 y marzo de 1985 en los Sigma Sound Studios de Nueva York, con producción del propio grupo, y editado el 10 de junio de 1985 por Sire Records (en EUNA) y por EMI en Europa. Se extrajeron tres sencillos del álbum: “The Lady Don’t Mind”, “Road to Nowhere” y “And She Was”. El último fue el que tuvo más éxito en EUNA, mientras que el segundo triunfó en Reino Unido y Europa.

El álbum examina temas de Americana (un conglomerado de diversas músicas estadounidenses) e incorpora elementos de la música country con varias canciones utilizando la steel guitar. Fue votado como el mejor álbum del año en las encuestas críticas Pazz & Jop de The Village Voice y es álbum más vendido de la banda con más de dos millones de copias vendidas en Estados Unidos de Norteamérica. La cubierta fue creada por el artista Howard Finster y fue seleccionada como cubierta del año por la revista Rolling Stone.

El álbum fue n° 1 en Nueva Zelanda, n° 2 en Australia, n° 4 en Austria, n° 9 en Alemania y n° 10 en Reino Unido y Suecia, siendo certificado doble platino en Estados Unidos de Norteamerica y disco de oro tanto en Reino Unido como en Alemania.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

Lista de canciones:

  1.  «And She Was» – 3:36
  2.  «Give Me Back My Name» – 3:20
  3.  «Creatures of Love» – 4:12
  4.  «The Lady Don’t Mind» – 4:03
  5.  «Perfect World» – 4:26
  6.  «Stay Up Late» – 3:51
  7.  «Walk It Down» – 4:42
  8.  «Television Man» – 6:10
  9.  «Road to Nowhere» – 4:19
  10.  «The Lady Don’t Mind (Extended Mix)» – 6:51

Calidad: 320 Kbps (a 48000 Hz)

 

Gracias al compañero Jaimolin por el archivo wav que ripeé a mp3 de máxima calidad.

 

 

 


Caballeros de la Quema – Fulanos de Nadie [2000]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

Caballeros de la Quema fue una banda de rock alternativo, oriunda de la ciudad de Morón en Buenos Aires, Argentina, que se formó en 1989. El punto de partida empezó con tres de los miembros de una banda de rock sinfónico llamada El Aleph (todos exalumnos del colegio Dorrego, de Morón), que formarían el embrión inicial de lo que tiempo después serían Los Caballeros de la Quema. Las tres primeras canciones que ensayaron con esa primitiva formación son bocetos que terminarían en “Tibia peste”, “Carlito” y “Buenos Aires esquina Vietnam”. Adoptaron el nombre revisando revistas; en una de ellas encontraron una nota al humorista Pepe Marrone, donde contaba que su primera troupé de circo se había llamado Los Caballeros de la Quema.

En aquel tiempo pasan por diferentes cambios de formación, que incluye el paso de Iván Noble a la voz, dejando la batería. Habían probado hasta cantantes femeninas hasta que Iván, quien escribía la mayoría de las letras, pasó a cantar. Martín Méndez e Iván todavía eran estudiantes de Sociología en la Universidad de Buenos Aires, ya se había incorporado Javier Cavo en la batería y Pablo Guerra se sumaba luego haber fundado Los Piojos.

En 1991 editan en forma independiente su primera producción en cassette titulada “Primavera Negra”. Al año siguiente (1992) esta maqueta será reeditada con más canciones. El sello Iguana Records (perteneciente a la discográfica BMG) se interesa en estos temas autoeditados y firman contrato para publicar sus siguientes trabajos.

En 1993 el sello Iguana Records (BMG) editó su primer CD titulado “Manos Vacías”. De allí saldrían clásicos como “Patri”, “Carlito” (con video de Picky Tallarico), “Gusanos” y “Buenos Aires esquina Vietman”, entre otros. Fueron invitados por Joaquín Sabina a abrir su show en el estadio de Ferro ante más de 15 mil espectadores.

En 1994 hicieron la música del filme Labios de Churrasco de Raúl Perrone y ese año editaron su segunda placa titulada “Sangrando”, además fueron invitados a abrir el cierre de la gira mundial de Aerosmith en Córdoba y Buenos Aires, para más de 50 mil personas. En 1995 abrieron los shows de The Cult y Slash’s Snakepit en el estadio Obras Sanitarias de Buenos Aires. Participaron de los compilados “Fuck You” que reunían versiones de la mítica banda argentina Sumo, recreando el clásico “Hola Frank”.

En 1996 editaron su tercera placa titulada “Perros, Perros y Perros” con temas como “No Chamuyes”, “Celofán”, “Hasta Estallar” (con la participación de León Gieco), “Qué Pasa en el Barrio?”, “Cuatro Copas” y “No Hay”, entre otros. Además, el álbum contiene el clásico de la banda “Luces de Bar” en su versión completa. El primer corte “No Chamuyes”, fue acompañado por un vídeo realizado por Raúl Perrone que consiguió la más alta rotación en los canales musicales de cable como MTV Latino y MuchMusic, además de rankear el tema entre los primeros puestos de FM Rock & Pop y Radio City (#1 durante dos semanas). Tras colmar la capacidad del lugar en la presentación oficial del álbum en Dr. Jekyll, compartieron escenario en festivales multitudinarios con Attaque 77, A.N.I.M.A.L., Massacre y Las Pelotas. Participaron del Festival Alternativo en el estadio de Ferro ante más de 20 000 personas compartiendo escenario con Marilyn Manson, Illya Kuryaki and the Valderramas, Los Fabulosos Cadillacs, entre otros.

«Fulanos de Nadie» es el sexto trabajo discográfico de Los Caballeros de la Quema, editado en agosto de 2000 por la discográfica BMG-Ariola, precedido por el primer corte “Rómulo y Remo” con vídeo filmado en 16 mm por la productora Negro Films, en el que participan, entre otros, León Gieco, Cacho Castaña, Fabián Gianola y Anabel Cherubito. El álbum presenta un tema que Iván Noble escribió junto a Joaquín Sabina, “Otro jueves cobarde”. Contó además con el aporte de Facundo Rosas, quien escribió “Sapo de otro pozo”. Joaquín Sabina no pudo estar presente en la grabación del tema, por lo que la primera edición del álbum incluye este tema sin la voz del cantautor. El disco fue reeditado en 2001, ahora sí con la colaboración de Sabina en el tema citado, y con un tema extra, un popurrí con varias demos que corresponden a canciones del disco.

La presentación oficial de “Fulanos de Nadie”, el 7 de octubre de 2000 en el Estadio Obras de Capital Federal, fue el reencuentro de Caballeros con su público porteño. Público que colmó, como el año anterior, las instalaciones del estadio de la avenida Libertador. Los músicos salieron a escena enfundados en trajes, como en la tapa del disco.

 

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «¿Qué Mirás?» – 2:59
  2. «Rómulo y Remo» – 4:35
  3. «Fulanos de Nadie» – 4:41
  4. «Basta para Mí» – 3:30
  5. «Bye, Bye, Rubia» – 5:35
  6. «Cero Mensaje en el Contestador» – 4:01
  7. «Sapo de Otro Pozo» – 4:19
  8. «Macho Chaparrón» – 3:55
  9. «Sacá los Garfios de Ahí» – 3:26
  10. «Ni a la Esquina» – 4:27
  11. «No Me Despaches Así» – 3:30
  12. «Otro Jueves Cobarde» – 5:20
  13. «Todo Tan Raro» – 5:13

Calidad: FLAC

 

 

 


Os Resentidos – Galicia Express [Sg] (1988)

 

[Ciclo de Rock Ibérico]

 

Podemos hablar de expansionismo cultural, de modernidad con vocación costumbrista, de crítica social, de surrealismo inteligente o de absorción y fusión de múltiples estilos con la mirada en la cultura y el humor característicos del terruño, de la República de Sitio Distinto, como llamaron a Galicia a lo largo de su carrera. Lo cierto es que Os Resentidos abrigaron con su calor La Movida de Vigo junto a bandas como Aerolíneas Federales, Golpes Bajos o Siniestro Total, y acercaron el rock gallego a todo el territorio nacional. La utilización del gallego, la irreverencia, una marginalidad poética y reivindicativa de sus raíces, y la fusión con vocación experimental -funky, rock, pop, folk, gaitas, sintetizadores- fueron sus señas de identidad. El grupo lo tiene claro, se define como “Os Resentidos de Vigo (gora Vigo Camasutra), una esquimal bus band de funkie depresivo. Nuestro trascendental concepto del funkie depresivo y del rock esquimal desborda obviamente la fugacidad del lenguaje y la opacidad traidora de la escritura (lapsus). Los motivos de nuestro resentimiento son amplios y confusos, puestos en situación normalmente, solemos declarar: una vez detectado el cáncer de mama galopante de la Santa Lucía de Miguel Ríos, llegó la hora (god save the mamas not the cancer)”.

Su líder y auténtico agitador cultural, Antón Reixa, es uno de los personajes más polifacéticos de nuestra escena. Poeta, cantante, director de cine, artista multimedia, columnista de prensa son algunas de sus principales ocupaciones, que no son pocas. Tras estudiar Filología Gallega en la Universidad de Santiago pone en marcha Os Resentidos, junto a Alberto Torrado -bajo-, Javier Soto -guitarra- y Rubén Losada -saxo-. Alberto compaginaba sus labores en el grupo con Siniestro Total, hasta que abandona definitivamente a Hernández y compañía en el 87. Javier por su parte, seguiría un camino inverso al de Alberto y abandonaría Os Resentidos en el 85 para enrolarse en Siniestro Total durante la gira del “Menos Mal que nos Queda Portugal” (DRO, 1984), siendo sustituido por Xavier Debesa.

En el 84 lanzan su primer trabajo, un maxi en 12” con aires post-punk compartido con Siniestro Total, “Surfin’ CCCP” (DRO, 1984), en el que cada grupo aporta dos cortes, y un año después sale a la venta su primer largo “Vigo Capital Lisboa” (GASA, 85). En él ya encontramos la esencia de lo que llegarían a ser, letras con un marcado humor en el que no se salva nada ni nadie -¿verdad, Paloma Gómez Borrero?-, la fusión de estilos como forma de vida y, por supuesto, las ganas de fiesta, de movida. Luego llegarían el rap, para poder decir más cosas en cada canción, y la conjunción perfecta entre sintetizadores y gaitas. La producción del disco no es la mejor, pero esto iría mejorando entrega tras entrega.

La mente hiperactiva de Antón Reixa continua trabajando a un ritmo frenético, y continúan entregándonos un largo por año. En el 86 sale “Fai un Sol de Carallo” (GASA, 1986), disco que contiene el gran hit de la formación, “Galicia Caníbal”, un éxito instantáneo que ha sobrevivido al grupo para traspasar las puertas de la cultura popular. El disco presenta una producción más cuidada y el sonido evoluciona considerablemente. Las programaciones están salpicadas de gaitas y Antón Reixa está más suelto que nunca.

“Música Doméstica” (GASA, 1987), tercer lp de los gallegos, baja el nivel de sus antecesores. Las composiciones de Antón Reixa no son tan brillantes y los arreglos se vuelven más previsibles y monótonos, encontramos aires rythm and blues, funky depresivo, cumbia, ritmos disco y sintetizadores, fusión de estilos marca de la casa que en esta ocasión se queda a medias.

Tan sólo un año después entregan su cuarto LP, “Fracaso Tropical” (GASA, 1988), plagado de ritmos y latinos y con el rap asomando de cuando en cuando. El primer sencillo extraído del álbum será «Galicia Express»; un tren arranca en Medina del Campo, una voz nos pone en situación, se trata del expreso Rías Baixas dirección Ourense, después de eso, los ritmos latinos, el rap, las gaitas y las revisiones del estribillo de “Like a rollin’ stone” de Bob Dylan y del “Castellanos de Castilla” de Rosalía de Castro hacen que el viaje a través de estaciones desiertas y andenes olvidados sea más plácido. Le acompaña en la cara B el tema inédito “Cono Sur”, grabado en 1987.

Fuente: Fernando Fernández Rego en LaFonoteca.net / Zonde
 

 

 

Lista de canciones:

 

  1. «Galicia Express» – 4:13
  2. «Cono Sur» – 3:45

Calidad: 128 Kbps

 

 

Gracias al blog Sangrespañola por este archivo.

 

 


Bersuit Vergarabat – De la Cabeza [2002]

[Resubida]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

Bersuit Vergarabat, originalmente llamados Bersuit Vergarabat Van de Ir y conocidos como La Bersuit, es un grupo de rock argentino, originario del barrio de Barracas, al sur de la ciudad de Buenos Aires, formado en 1988. Se hicieron notables a finales de los años noventa por combinar este género musical con ritmos latinoamericanos —como la cumbia, el tango, la murga, el reggae, la chacarera y el candombe— y letras cargadas de críticas hacia el sistema político y la sociedad.

Desde su primer trabajo debut, la obra de Bersuit Vergarabat se caracterizó por contener mensajes en contra del menemismo y críticas hacia políticos como Carlos Menem, Domingo Cavallo, Eduardo Duhalde, Carlos Ruckauf, entre otros. Las letras de sus canciones fueron censuradas y, en otros casos, los canales de televisión que trasmitían sus videoclips fueron demandados y tuvieron que pagar multas por los ataques que sufrían ciertos políticos, como también por las críticas a la sociedad argentina de los 90.

Pese a la censura, esto no hizo decaer la popularidad de la banda que comenzó a gozar de masividad y se convirtió en uno de los grupos más importantes del rock argentino y uno de los principales de Latinoamérica.

Pasó por diversas formaciones y su alineación más famosa estuvo constituida por: Gustavo Cordera (voz), Juan Subirá (teclados, acordeón y voz), Carlos Martín (batería y percusión), Oscar Righi (guitarra eléctrica), Pepe Céspedes (bajo y voz), Daniel Suárez (voz y coros), Alberto Verenzuela (guitarra) y Germán “Cóndor” Sbarbati (voz, coros y charango).

Una de las características de la banda es su forma de vestir en sus conciertos, al disfrazarse con pijamas que es en sí, un homenaje a los internos de la residencia psiquiátrica del Hospital Municipal José Tiburcio Borda de Buenos Aires y una respuesta contraria al atuendo de cuero, que usan los grupos normalmente vinculados con el rock y heavy metal. La banda ha demostrado una afinidad por todo lo relacionado con la locura y la marginación.

Además de encontrar el éxito en Buenos Aires y luego en todo el país, Bersuit Vergarabat ha atraído a aficionados de muchos países de América Latina, así como España, Estados Unidos, Reino Unido, Alemania, Japón entre otros. El éxito de la banda más allá de América Latina, depende en gran medida de su capacidad de reinventarse constantemente.

La banda entró en un receso durante el 2009, con la idea de que cada músico se dedicara a diferentes proyectos personales. Tras desavenencias entre su vocalista y los demás integrantes, debido a que el primero prefirió seguir con su carrera como solista, en en el año 2011 la agrupación volvería a los escenarios sin Gustavo Cordera.

Algunas de sus canciones más difundidas son “El tiempo no para” (cover de Cazuza), “Espíritu de esta selva”, “Yo tomo”, “Se viene”, “Sr. Cobranza” (cover de Las Manos de Filippi), “La argentinidad al palo”, “La bolsa”, “Negra murguera”, “La soledad”, “Mi caramelo”, “Sencillamente”, “Un pacto», “Esperando el impacto”, “Murguita del sur”, entre otras.

En 2002, la banda cumplía 10 años desde su primer disco publicado, por lo que a mediados del 2002 editaron «De la Cabeza», sexto álbum de la banda argentina Bersuit Vergarabat, grabado en vivo en el Estadio Obras Sanitarias y en Show Center de Haedo y publicado por Universal. En este CD quedaron plasmadas canciones viejas y dos temas inéditos: “Un pacto para vivir” y “Perro amor explota”. Este álbum consolidó a la banda entre las mejores de Argentina y la llevó a la cima de la popularidad con temas como “Mi caramelo” o “Sr. Cobranza”, un cover de Las Manos de Filippi, cantado por la gente casi en su totalidad.

Con este trabajo comenzaron la “Gira De la Cabeza con Bersuit” con la que recorrieron el país, además de presentarse en Latinoamérica, España y Estados Unidos y de hacer una serie de recitales en el estadio Luna Park de Buenos Aires. El disco alcanzó el triple platino por las más de 150 mil copias vendidas. Los dos shows en los que fue grabado el álbum fueron filmados y editados en un DVD con el mismo nombre en 2004, con el que consiguieron el galardón de DVD de platino.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1.  «De la Cabeza» – 0:30
  2. «El Tiempo No Para» – 5:21
  3.  «Venganza de los Pobres Muertos (Afro)» – 4:33
  4. «El Viejo de Arriba» – 3:58
  5. «Espíritu de esta Selva» – 3:55
  6. «Vuelos» – 5:44
  7. «Mi Caramelo» – 3:29
  8. «Un Pacto» – 4:55
  9. «Perro Amor Explota» – 4:28
  10. «Tuyú» – 5:21
  11. «Yo Tomo» – 3:46
  12. «Sr. Cobranza» – 4:16
  13. «La Bolsa» – 4:24
  14. «Murguita del Sur» – 5:03
  15. «Se Viene» – 3:40
  16. «Hociquito de Ratón» – 2:42 / «Diez Mil» – 4:18
Calidad: FLAC

 

 

 


Bersuit Vergarabat – Hijos del Culo [2000]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

Bersuit Vergarabat, originalmente llamados Bersuit Vergarabat Van de Ir y conocidos como La Bersuit, es un grupo de rock argentino, originario del barrio de Barracas, al sur de la ciudad de Buenos Aires, formado en 1988. Se hicieron notables a finales de los años noventa por combinar este género musical con ritmos latinoamericanos —como la cumbia, el tango, la murga, el reggae, la chacarera y el candombe— y letras cargadas de críticas hacia el sistema político y la sociedad.

Desde su primer trabajo debut, la obra de Bersuit Vergarabat se caracterizó por contener mensajes en contra del menemismo y críticas hacia políticos como Carlos Menem, Domingo Cavallo, Eduardo Duhalde, Carlos Ruckauf, entre otros. Las letras de sus canciones fueron censuradas y, en otros casos, los canales de televisión que trasmitían sus videoclips fueron demandados y tuvieron que pagar multas por los ataques que sufrían ciertos políticos, como también por las críticas a la sociedad argentina de los 90.

Pese a la censura, esto no hizo decaer la popularidad de la banda que comenzó a gozar de masividad y se convirtió en uno de los grupos más importantes del rock argentino y uno de los principales de Latinoamérica.

Pasó por diversas formaciones y su alineación más famosa estuvo constituida por: Gustavo Cordera (voz), Juan Subirá (teclados, acordeón y voz), Carlos Martín (batería y percusión), Oscar Righi (guitarra eléctrica), Pepe Céspedes (bajo y voz), Daniel Suárez (voz y coros), Alberto Verenzuela (guitarra) y Germán “Cóndor” Sbarbati (voz, coros y charango).

Una de las características de la banda es su forma de vestir en sus conciertos, al disfrazarse con pijamas que es en sí, un homenaje a los internos de la residencia psiquiátrica del Hospital Municipal José Tiburcio Borda de Buenos Aires y una respuesta contraria al atuendo de cuero, que usan los grupos normalmente vinculados con el rock y heavy metal. La banda ha demostrado una afinidad por todo lo relacionado con la locura y la marginación.

Además de encontrar el éxito en Buenos Aires y luego en todo el país, Bersuit Vergarabat ha atraído a aficionados de muchos países de América Latina, así como España, Estados Unidos, Reino Unido, Alemania, Japón entre otros. El éxito de la banda más allá de América Latina, depende en gran medida de su capacidad de reinventarse constantemente.

La banda entró en un receso durante el 2009, con la idea de que cada músico se dedicara a diferentes proyectos personales. Tras desavenencias entre su vocalista y los demás integrantes, debido a que el primero prefirió seguir con su carrera como solista, en en el año 2011 la agrupación volvería a los escenarios sin Gustavo Cordera.

Algunas de sus canciones más difundidas son “El tiempo no para” (cover de Cazuza), “Espíritu de esta selva”, “Yo tomo”, “Se viene”, “Sr. Cobranza” (cover de Las Manos de Filippi), “La argentinidad al palo”, “La bolsa”, “Negra murguera”, “La soledad”, “Mi caramelo”, “Sencillamente”, “Un pacto», “Esperando el impacto”, “Murguita del sur”, entre otras.

«Hijos del Culo», quinto álbum de la banda argentina Bersuit Vergarabat, fue grabado en 2000 en los Estudios Panda de Buenos Aires y en La Casa, producido por Gustavo Santaolalla y editado ese mismo año por Universal Music, a través de su sello Surco. El álbum fue certificado doble platino en Argentina.

Este disco contiene canciones como el himno futbolero “Toco y me voy”, un cuarteto como “La bolsa”, el candombe “Negra murguera” (en la que participaron en la grabación la murga uruguaya Falta y Resto) y una canción de cumbia, “El viejo de arriba”. Este material fue presentado en el Estadio Obras, hacia junio de 2001 y posteriormente, varias de las canciones de ese material, serían publicadas en un álbum en vivo. Tres demos de este disco quedaron registrados en el disco de rarezas “Lados BV”: “Proyecto Volador”, “Es Así” y “Somatizando” (ésta es una versión en vivo grabada en el Estadio Obras Sanitarias en 2000).

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1.  «El Gordo Motoneta» – 3:54
  2.  «La del Toro» – 4:05
  3. «El Viejo de Arriba» – 3:26
  4. «Canción de Juan» – 5:36
  5. «Desconexión Sideral» – 4:51
  6. «Porteño de Ley» – 3:46
  7. «Caroncha» – 5:05
  8. «La Petisita Culona» – 3:37
  9. «Toco y Me Voy» – 4:09
  10. «La Vida Boba» – 4:59
  11. «Grasún» – 3:58
  12. «Negra Murguera» – 5:50
  13. «La Bolsa» – 3:32
  14. «Veneno de Humanidad» – 5:17
  15. «Es Importante» – 3:29
Calidad: FLAC

 

 

 


Rage Against The Machine – Evil Empire [1996]

[Resubida 2ª]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

Rage Against the Machine (también conocido como Rage o RATM) es un grupo musical estadounidense de rap metal fundado en el año 1990 por Tom Morello y Zack de la Rocha. Junto con Tim Commerford y Brad Wilk, el grupo tocó durante toda la década de los años 1990 hasta su disolución en 2000.

Zack de la Rocha concibió el nombre Rage Against the Machine (en castellano: ‘Ira En Contra De La Máquina (o del Sistema)’) antes de la formación de la banda. Cuando Zack conoció a Tom Morello y formaron el grupo, el nombre Rage Against The Machine les pareció el más indicado para el tipo de música y de ideas que pretendían difundir. La “Máquina” (o el Sistema), según Morello, representa la globalización, el neoliberalismo, la alienación, el racismo, la brutalidad, la élite y la ignorancia, entre otras ideas.

Su estilo característico es una sólida fusión de hip hop, funk y heavy metal. Los solos de guitarra de Tom Morello se recalcan por sus prominentes usos de pedales y efectos, y sobresalen sus emulaciones de los scratchs y otros efectos de los DJ de hip hop. El cantante, Zack de la Rocha, participó en grupos de punk y hardcore metal antes de volverse un apasionado de las rimas del rap: de ahí viene su estilo agresivo de rapear y los fuertes gritos que incluye en algunas canciones. Se aprecia también un pequeño toque de jazz por parte del bajista Tim Commerford, que perteneció a un grupo de ese estilo a mediados de los años 1980; finalmente, la batería de Brad Wilk está cargada de ritmos funk especialmente contundentes. Este estilo de fusión fue más tarde imitado por otras bandas, atribuyéndosele la etiqueta de rap metal.

Son también conocidos por el contenido sociopolítico de sus canciones. Sus letras son rotundas, con un claro posicionamiento en contra del capitalismo, la globalización y la guerra. De tendencias políticas de izquierda, R.A.T.M. destacó, además, por sus múltiples iniciativas de protesta y solidaridad con distintos movimientos de reivindicación sociales y musicales. El cantante Zack de la Rocha participó en movimientos derivados del EZLN. En los días posteriores a los atentados del 11 de septiembre, las emisoras de radio estadounidenses habrían censurado al grupo por alentar el antipatriotismo.

La primera presentación del grupo fue en el garaje de uno de los amigos de Tim en Huntington Beach, California. El grupo tocó sólo cinco canciones que tenía escritas, pero tuvieron tanto éxito que las repitieron varias veces. Decidieron lanzarse a lo grande, por lo que ellos mismos grabaron una cinta con 12 canciones en un estudio local. Empezaron a tocar en clubes de los alrededores de Los Ángeles y consiguieron vender 5.000 copias de la cinta. Se fueron dando a conocer en el ambiente musical y actuaron como teloneros de Porno for Pyros en su primer gran concierto. Estuvieron en el segundo escenario del Lollapalooza II, en Los Ángeles, California, donde los vio un “caza-talentos”. Luego firmaron un contrato con Epic Records (una división de Sony BMG) y siguieron de gira, mientras empezaban a grabar el disco “Rage Against the Machine”.

En 1995, el grupo estaba en Atlanta grabando el nuevo disco, pero las cosas se complicaron más de lo que pensaban. Empezaron a ir de gira tan frecuentemente que no tuvieron tiempo suficiente para conocerse unos a otros. Aunque trataban de trabajar juntos, pronto se dieron cuenta de que ya no podían hacerlo. Entonces decidieron tomarse un descanso, durante el cual Zack se fue por varias semanas a Chiapas (México), mientras los demás hacían lo que querían en sus respectivos hogares.

Finalmente, decidieron seguir. Alquilaron un cuarto en frente de sus apartamentos en Los Ángeles, y, robando la electricidad con cables de los pasillos, empezaron a grabar su segundo disco: “Evil Empire” (en castellano: “Imperio Maligno”). A principios de 1996, Rage tocó en el festival australiano “Big Day Out”, y de ahí salió el vídeo de “Bulls On Parade”.

«Evil Empire» es el segundo álbum de la banda estadounidense de rap metal Rage Against the Machine. Fue lanzado al mercado en abril de 1996 por Epic, casi 4 años después de la salida de su primera álbum, “Rage Against the Machine”. La ilustración de portada fue realizada por Mel Ramos y la fotografía interior por Lisa Johnson.

El título del álbum, “Evil Empire” (Imperio del Mal), fue un calificativo usado durante el gobierno del entonces presidente de Estados Unidos de Norteamérica, Ronald Reagan, por este mismo y otros conservadores estadounidenses para describir a la entonces URSS. Pero según la ideología socialista de la banda, el sentido es lo contrario, calificando a EUNA como el “Evil Empire”.

“Evil Empire” debutó en el #1 de Billboard Top 200 y el sencillo “Bulls On Parade” llegó a puesto #11 del Modern Rock Tracks, mientras que el sencillo “Tire Me” obtuvo el Premio Grammy “Best Metal Performance”. En 2000 el álbum fue certificado triple platino.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «People of the Sun» – 2:30
  2. «Bulls on Parade» – 3:51
  3. «Vietnow» – 4:39
  4. «Revolver» – 5:30
  5. «Snakecharmer» – 3:55
  6. «Tire Me» – 3:00
  7. «Down Rodeo» – 5:20
  8. «Without a Face» – 3:36
  9. «Wind Below» – 5:50
  10. «Roll Right» – 4:22
  11. «Year of tha Boomerang» – 3:59

Calidad: FLAC

 

 

 


Rage Against The Machine – RATM [1992]

[Resubida 2ª]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

Rage Against the Machine (también conocido como Rage o RATM) es un grupo musical estadounidense de rap metal fundado en el año 1990 por Tom Morello y Zack de la Rocha. Junto con Tim Commerford y Brad Wilk, el grupo tocó durante toda la década de los años 1990 hasta su disolución en 2000.

Zack de la Rocha concibió el nombre Rage Against the Machine (en castellano: ‘Ira En Contra De La Máquina (o del Sistema)’) antes de la formación de la banda. Cuando Zack conoció a Tom Morello y formaron el grupo, el nombre Rage Against The Machine les pareció el más indicado para el tipo de música y de ideas que pretendían difundir. La “Máquina” (o el Sistema), según Morello, representa la globalización, el neoliberalismo, la alienación, el racismo, la brutalidad, la élite y la ignorancia, entre otras ideas.

Su estilo característico es una sólida fusión de hip hop, funk y heavy metal. Los solos de guitarra de Tom Morello se recalcan por sus prominentes usos de pedales y efectos, y sobresalen sus emulaciones de los scratchs y otros efectos de los DJ de hip hop. El cantante, Zack de la Rocha, participó en grupos de punk y hardcore metal antes de volverse un apasionado de las rimas del rap: de ahí viene su estilo agresivo de rapear y los fuertes gritos que incluye en algunas canciones. Se aprecia también un pequeño toque de jazz por parte del bajista Tim Commerford, que perteneció a un grupo de ese estilo a mediados de los años 1980; finalmente, la batería de Brad Wilk está cargada de ritmos funk especialmente contundentes. Este estilo de fusión fue más tarde imitado por otras bandas, atribuyéndosele la etiqueta de rap metal.

Son también conocidos por el contenido sociopolítico de sus canciones. Sus letras son rotundas, con un claro posicionamiento en contra del capitalismo, la globalización y la guerra. De tendencias políticas de izquierda, R.A.T.M. destacó, además, por sus múltiples iniciativas de protesta y solidaridad con distintos movimientos de reivindicación sociales y musicales. El cantante Zack de la Rocha participó en movimientos derivados del EZLN. En los días posteriores a los atentados del 11 de septiembre, las emisoras de radio estadounidenses habrían censurado al grupo por alentar el antipatriotismo.

La primera presentación del grupo fue en el garaje de uno de los amigos de Tim en Huntington Beach, California. El grupo tocó sólo cinco canciones que tenía escritas, pero tuvieron tanto éxito que las repitieron varias veces. Decidieron lanzarse a lo grande, por lo que ellos mismos grabaron una cinta con 12 canciones en un estudio local. Empezaron a tocar en clubes de los alrededores de Los Ángeles y consiguieron vender 5.000 copias de la cinta. Se fueron dando a conocer en el ambiente musical y actuaron como teloneros de Porno for Pyros en su primer gran concierto. Estuvieron en el segundo escenario del Lollapalooza II, en Los Ángeles, California, donde los vio un “caza-talentos”. Luego firmaron un contrato con Epic Records (una división de Sony BMG) y siguieron de gira, mientras empezaban a grabar el disco “Rage Against the Machine”.

«Rage Against the Machine» es el álbum debut de la banda, grabado entre abril y mayo de 1992 en los estudios Industrial Recording, Sound City Studios y Scream Studios de Los Ángeles, con producción de Garth ‘GGGarth’ Richardson y el propio grupo, y editado en noviembre de 1992 por Epic Records. Con una de las primeras fusiones integrales de géneros diversos como el hip hop y el rock, marca el precedente para la explosión, más orientada al nu metal de finales de los 90 por parte de Limp Bizkit, Korn y Deftones.

Por otra parte, el álbum se centra en un comentario político inflexible, lo cual lo aleja de otras bandas. Las canciones de Rage Against the Machine tienen tendencias a específicos mantras políticos de izquierda, interpretados con ira, con el vocalista entregado en un estilo similar al hip hop.

La cubierta del álbum tiene la controvertida fotografía del Thích Quảng Đức inmolándose en protesta al tratamiento de los budistas bajo el gobierno de Vietnam del Sur en vísperas de la Guerra de Vietnam.

El álbum fue seleccionado en el n°1 de Billboard Heatseekers y en el n° 45 del top 200 de esa misma cartelera, donde se mantuvo por 89 semanas. La revista Rolling Stone puso a este álbum en el puesto número 368 de la lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.

La canción “Wake Up” estuvo incluida en los créditos finales como uno de los OST de la película Matrix, y la canción “Killing in the Name” fue incluida en los videojuegos Grand Theft Auto: San Andreas y Guitar Hero II. En diciembre de 1993, lanzaron el vídeo de “Freedom”, para apoyar a Leonard Peltier.​ El vídeo combinaba escenas del grupo en vivo y del documental de 1992 “Incident at Oglala” con texto del libro de Peter Matthiessen “In the Spirit of Crazy Horse”. Se convirtió en el vídeo número #1 en EUNA.

En el 2000, Q Magazine catalogó el álbum como uno de los cincuenta mejores álbumes de rock pesado de la historia. La revista Kerrang catalogó a este disco en el puesto número 34 de su lista Los 100 álbumes que debes oír antes de morir. La revista Guitar World catalogó el álbum en el puesto número 21 de los 100 mejores discos de todos los tiempos.

Comenzaron su primera gira europea con Suicidal Tendencies e hiceron sucesivos conciertos a beneficio de Mumia Abu-Jamal,​ Leonard Peltier, la Liga Antinazi y al “Rock for Choice”. En 1993 estuvieron en Lollapalooza de nuevo. En Filadelfia, elevaron su notoriedad cuando hicieron una protesta en contra de la censura, en especial en contra de Parents Music Resource Center (PMRC), permaneciendo en el escenario completamente desnudos durante un total de 14 minutos.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Bombtrack» – 4:05
  2. «Killing in the Name» – 5:14
  3. «Take the Power Back» – 5:36
  4. «Settle for Nothing» – 4:48
  5. «Bullet in the Head» – 5:09
  6. «Know Your Enemy» – 4:55
  7. «Wake Up» – 6:04
  8. «Fistful of Steel» – 5:31
  9. «Township Rebellion» – 5:24
  10. «Freedom» – 6:08

Calidad: FLAC

 

 

 


Bersuit Vergarabat – Libertinaje [1998]

[Resubida]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

Bersuit Vergarabat, originalmente llamados Bersuit Vergarabat Van de Ir y conocidos como La Bersuit, es un grupo de rock argentino, originario del barrio de Barracas, al sur de la ciudad de Buenos Aires, formado en 1988. Se hicieron notables a finales de los años noventa por combinar este género musical con ritmos latinoamericanos —como la cumbia, el tango, la murga, el reggae, la chacarera y el candombe— y letras cargadas de críticas hacia el sistema político y la sociedad.

Desde su primer trabajo debut, la obra de Bersuit Vergarabat se caracterizó por contener mensajes en contra del menemismo y críticas hacia políticos como Carlos Menem, Domingo Cavallo, Eduardo Duhalde, Carlos Ruckauf, entre otros. Las letras de sus canciones fueron censuradas y, en otros casos, los canales de televisión que trasmitían sus videoclips fueron demandados y tuvieron que pagar multas por los ataques que sufrían ciertos políticos, como también por las críticas a la sociedad argentina de los 90.

Pese a la censura, esto no hizo decaer la popularidad de la banda que comenzó a gozar de masividad y se convirtió en uno de los grupos más importantes del rock argentino y uno de los principales de Latinoamérica.

Pasó por diversas formaciones y su alineación más famosa estuvo constituida por: Gustavo Cordera (voz), Juan Subirá (teclados, acordeón y voz), Carlos Martín (batería y percusión), Oscar Righi (guitarra eléctrica), Pepe Céspedes (bajo y voz), Daniel Suárez (voz y coros), Alberto Verenzuela (guitarra) y Germán “Cóndor” Sbarbati (voz, coros y charango).

Una de las características de la banda es su forma de vestir en sus conciertos, al disfrazarse con pijamas que es en sí, un homenaje a los internos de la residencia psiquiátrica del Hospital Municipal José Tiburcio Borda de Buenos Aires y una respuesta contraria al atuendo de cuero, que usan los grupos normalmente vinculados con el rock y heavy metal. La banda ha demostrado una afinidad por todo lo relacionado con la locura y la marginación.

Además de encontrar el éxito en Buenos Aires y luego en todo el país, Bersuit Vergarabat ha atraído a aficionados de muchos países de América Latina, así como España, Estados Unidos, Reino Unido, Alemania, Japón entre otros. El éxito de la banda más allá de América Latina, depende en gran medida de su capacidad de reinventarse constantemente.

La banda entró en un receso durante el 2009, con la idea de que cada músico se dedicara a diferentes proyectos personales. Tras desavenencias entre su vocalista y los demás integrantes, debido a que el primero prefirió seguir con su carrera como solista, en en el año 2011 la agrupación volvería a los escenarios sin Gustavo Cordera.

Algunas de sus canciones más difundidas son “El tiempo no para” (cover de Cazuza), “Espíritu de esta selva”, “Yo tomo”, “Se viene”, “Sr. Cobranza” (cover de Las Manos de Filippi), “La argentinidad al palo”, “La bolsa”, “Negra murguera”, “La soledad”, “Mi caramelo”, “Sencillamente”, “Un pacto», “Esperando el impacto”, “Murguita del sur”, entre otras.

El álbum que hizo conocida a la banda a nivel nacional e internacional fue «Libertinaje», doble platino en Argentina, grabado entre abril y mayo de 1998 en los Estudios Panda de Buenos Aires y entre junio y julio en La Casa, producido por Gustavo Santaolalla y editado ese mismo año por Universal Music, a través de su sello Surco. Tras la partida de Sadrinas en 1996, ingresan Daniel Suárez y Germán Sbarbati; estos dos últimos, habían integrado una banda llamada Resortes Antagónicos, grupo que editó dos trabajos discográficos y poco tiempo después Héctor «Limón» García, líder y vocalista de Vía Varela, ingresaría a realizar los coros.

El disco fue muy criticado por los seguidores del gobierno del ex-presidente argentino Carlos Menem debido a las letras profundamente políticas y antimenemistas, como en el caso del corte de difusión del disco «Sr. Cobranza», una versión del tema de Las Manos de Filippi. Este material, catapultó a la banda al estrellato nacional e internacional, iniciando una gira de presentación en toda Argentina, Latinoamérica, España y Estados Unidos de Norteamérica.

La canción “Sr. Cobranza” (autoría de Las Manos de Filippi y popularizada por Bersuit Vergarabat) fue censurada por el Comité Federal de Radiodifusión (COMFER) debido a los ataques verbales que sufrían políticos argentinos en la letra. Esta canción logró entrar dentro del conteo de Las 100 grandiosas canciones de los 90s en castellano por la cadena de televisión musical VH1 Latinoamérica, obteniendo el puesto #72 de dicha lista. Además de “Sr. Cobranza”, entre los sencillos más destacados, se encuentran: “Se viene”, “Murguita del sur”, “Vuelos” y “¿Que pasó?”.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

 

  1.  «Yo Tomo» – 3:32
  2.  «A los Tambores» – 3:22
  3. «De Onda» – 3:01
  4. «Se Viene» – 3:25
  5. «Murguita del Sur» – 4:16
  6. «Sr. Cobranza» – 4:19
  7. «Vuelos» – 4:24
  8. «Gente de Mierdas» – 2:46
  9. «Sincerebro» – 3:29
  10. «A Marça de Deux» – 5:19
  11. «C.S.M.» – 2:40
  12. «¿Qué Pasó?» – 6:01
Calidad: FLAC

 

 

 


Talking Heads – Road to Nowhere (Maxi) [1985]

[Resubida]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

Talking Heads fue una banda de rock experimental y dance punk (una de las más representativas bandas new wave, con elementos de estilos como el punk rock, rock progresivo y el funk predominante en el ambiente británico de los años ochenta, que recibe la influencia cultural del Art Pop y el minimal, expresado en sus letras impregnadas de experiencia alienada y claves musicales experimentales y mínimas) formada en Nueva York por David Byrne en el año 1974 junto a Chris Frantz y Tina Weymouth. Un par de años después, tras telonear a Ramones en el legendario club CBGB, se integraría a ella el guitarrista y teclista Jerry Harrison, quien anteriormente había grabado junto a The Modern Lovers. En una entrevista, Weymouth especificó cómo el grupo eligió el nombre Talking Heads: “Un amigo encontró el nombre en la guía de televisión, que explica el término usado por los estudios de televisión para describir el busto de una persona hablando acerca de ‘todo contenido, nada de acción'”.

Encabezada por el músico David Byrne, la banda alcanzó los primeros lugares de las listas de ventas en gran parte de Europa y Estados Unidos de Norteamérica. Puede resumirse el estilo y elegancia que destacó a esta agrupación en el filme “Stop Making Sense”, que fue realizado en el teatro Pantages de Hollywood y dirigido por Jonathan Demme. Esta representación es aclamada como uno de los ejemplos más representativos de su género.

El grupo tuvo rápidamente una gran aceptación y firmó para Sire Records en 1977, lanzando su primer single “Love – Building On Fire” en febrero de ese año. Su primer álbum, “Talking Heads: 77” fue lanzado a continuación y no contenía el primer single. Esto fue con su segundo álbum en 1978, “More Songs About Buildings and Food”, con el cual la banda comenzó su larga colaboración con el productor Brian Eno, quien previamente había trabajado con Roxy Music, David Bowie y Robert Fripp. La experimentación continuó con “Fear of Music” en 1979, el cual flirteaba con el oscuro estilo del post-punk rock. “Remain in Light”, fuertemente influenciado por el Afro-Beat (ritmos africanos) de la banda nigeriana Fela Kuti (de quienes Eno introdujo su música en la banda), explorando poliritmos africanos, haciendo que más tarde Byrne se interesase en la música mundial.

El maxi single «Road to Nowhere» fue el segundo sencillo del sexto álbum de Talking Heads, “Little Creatures”, grabado y mezclado por G.T. Thorngren y Jerry Harrison, y editado en septiembre de 1985 por Sire Records en Estados Unidos de Norteamérica y por EMI Records en Reino Unido y el resto del mundo. Alcanzó el nº 5 en Nueva Zelanda; el nº 6 en Alemania, Gran Bretaña, Irlanda y Sudáfrica; el nº 10 en Holanda, el nº 16 en Australia y el nº 25 en el Billboard estadounidense.

Acerca del tema principal, David Byrne explicó en las notas del recopilatorio “Once in a Lifetime: The Best of Talking Heads” (EMI, 1992): “Quería escribir una canción que presentara una mirada resignada e incluso alegre a la fatalidad. En nuestras muertes y en el apocalipsis (siempre inminente, gente)… Creo que tuvo éxito. El fragmento delantero, el coro blanco del gospel, está un poco pegado, porque no pensé que el resto de la canción fuera suficiente… Quiero decir, eran sólo dos acordes. Así que, por embarazo o vergüenza, escribí una sección de introducción que tenía un par más en ella.”

El video de la canción fue dirigido por Byrne y Stephen R. Johnson y presenta a la banda y varios objetos giratorios, como si estuvieran en su propio “camino a ninguna parte”. Fue nominado para “Mejor Video del Año” en los MTV Video Music Awards 1986. La ilustración de portada fue realizada por Howard Finster.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1.  «Road to Nowhere» – 4:19
  2.  «Television Man» (Extended Mix) – 8:00

Calidad: FLAC