Ciclos y Neurastenias en un mundo cruel

Jazz

Esclarecidos – Por Amor al Comercio (1987-Reed.1988)

 

[Ciclo de Rock Ibérico]

 

A pesar de estar entre los más vanguardistas y nuevaoleros del Madrid de 1981, Esclarecidos nunca aparecen entre los grupos destacados (por los factores que sean, no necesariamente musicales) de La Movida. Curiosamente, contaban por entonces con buena parte de los ingredientes que caracterizaba a parte de esos grupos: estética postmoderna con colores llamativos y peinados atrevidos, canciones cantadas en castellano sobre cultura urbana, dosis de hedonismo, escapismo y ácida ironía; además, no tocaban demasiado mal. Lo que no era el común denominador de la época, y por si fuera poco, eran de Madrid. “En aquel tiempo nos considerábamos al margen; luego, a posteriori, es cuando nos dimos cuenta de que estábamos integrados. Pero entonces no nos lo planteábamos, son cosas que hemos analizado después, al sernos cuestionado por la prensa, etc.”, comenta Cristina Lliso, cara protagonista de la formación.
 
El grupo lo forman un puñado de personajes un poco curiosos, como tres arquitectos y un economista, un matrimonio, y una pareja de hermanos. “Al principio éramos un grupo de amigos, tocábamos casi sin instrumentos, nos divertía la idea… luego uno se compró una guitarra y nos pareció que ya era todo. Esto era hace cinco años. Improvisábamos en la discoteca del pueblo donde veraneábamos y nos tiraban tomates y todo, era un desastre.”, diría Cristina. En los inicios son Cristina Lliso (voz), Alfonso Pérez (batería y letras), Nacho Lliso (saxofón), Coyan Manzano (bajo) y Fernando Mata (guitarra).
 
Debido a que ningún sello discográfico se interesa por ellos, deciden crear un sello propio con gente de Décima Víctima. El sello se llama Grabaciones Accidentales SA (GASA) coincidiendo con otra iniciativa similar, la de Discos Radioactivos Organizados (DRO). La primera referencia de GASA será un single de Décima Víctima, la segunda ya será su primer single: “Música Para Convenios Colectivos” (GASA, 1982). Poco después un single de nombre peculiar: “Pánico en la Convención de Farmacéuticos” (GASA, 1982). Como curiosidad añadir que de la misma época es el sencillo “El Silencio de los Cisnes” (GASA, 1982) de El Último Sueño, un grupo post-punk, de los primeros de la escudería de GASA, y que erróneamente se atribuye a Esclarecidos.
 
Al año siguiente publican su primer mini-LP, “Esclarecidos” (GASA, 1983) de siete temas. Producido por Paco Trinidad (ex bajista de Ejecutivos Agresivos), que más adelante entrará a formar parte del grupo en algún que otro periodo de su larga existencia. GASA será absorbida por DRO en 1984, y con el tiempo, llegará a ser el sello de capital español con más fuerza durante buena parte de los 90.
 
El hecho de no depender para vivir de la música hará que hagan las cosas lentamente y cuando realmente les venga en gana. Esto hará que se desmarquen muy pronto de las corrientes musicales del momento… Aunque en el primer disco largo, “Esclarecidos 2” (GASA 1985), de nuevo producido por Paco Trinidad, se perciben claramente las influencias new wave que miran de reojo a Talking Heads, Elvis Costello y Blondie. Aparece una de sus primeras grandes canciones, “Arponera”, donde se inician en las baladas de arquitectura pop majestuosa, de belleza clásica, de magia emotiva e íntima, uno de sus mayores rasgos distintivos.
 

En «Por Amor al Comercio» (GASA 1987), el tercer disco, también producido por Paco Trinidad, ya perfilan un estilo muy propio y personal. Incluye una de sus grandes canciones, “Por amor al comercio”, con una letra de amor diferente a los cánones habituales y una melodía con perfume clásico todavía más inusual. Paco Trinidad entra a formar parte del grupo. Una curiosidad es su portada, con una foto de la cantante, Cristina Lliso, lo que no pasó ni pasará en los otros discos -normalmente ocupa sus portadas una ilustración-. “No existe ninguna intención de ocultarnos, es un invento vuestro. Lo de las portadas sí que es algo deliberado, casi siempre aparecen dibujos, motivos que no tienen nada que ver con la imagen del grupo, salvo en el tercer elepé, que salía la cara de Cristina”.

El grupo cosecha muy buenas críticas entre la prensa especializada. “Si, nos ha tratado maravillosamente. Lo peor que nos han llamado es pedantes. Pero a mi me gustaría saber qué ocurriría si Esclarecidos vendiera de repente quinientas mil copias haciendo el mismo tipo de canciones”. Un sonido que los hará reconocibles tanto para bien como para mal, trufado de medios tiempos, baladas y alguna que otra canción más trotona. Música para entendidos, que dirán algunos, música para snobs que dirán otros, música para yuppies, que dirán los más atrevidos.

Fuentes: Simó Reus en LaFonoteca.net / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «La Carta» – 3:25
  2. «¿Cuál Es la Diferencia?» – 2:35
  3. «Camina Deprisa» – 3:06
  4. «Por Amor al Comercio» – 3:28
  5. «Unas Congas y un Café» – 4:22
  6. «Apostar» – 3:22
  7. «Un Par de Frases» – 3:17
  8. «Señorita, por Favor» – 3:55
  9. «Los Buitres» – 3:00
  10. «Un Agujero en el Cielo» – 3:54
  11. «El Periódico» – 2:00
  12. «Estás Acabado» – 3:53
  13. «Arponera» – 2:50
  14. «Bajo la Nieve» – 3:20
  15. «Miles, Miles, Miles» – 5:33

Calidad: 256 Kbps


 

 

 

Anuncios

Astor Piazzolla – Adiós Nonino (1983-Ed.1998)

[Resubida]

 

[Otras Músicas]

 

Astor Pantaleón Piazzolla (Mar del Plata, 11 de marzo de 1921 – Buenos Aires, 4 de julio de 1992) fue un bandoneonista y compositor argentino considerado uno de los músicos más importantes del siglo XX,​ y el compositor más importante de tango en todo el mundo.

Estudió armonía, música clásica y contemporánea con la compositora y directora de orquesta francesa Nadia Boulanger. En su juventud tocó y realizó arreglos orquestales para el bandoneonista, compositor y director Aníbal Troilo. Cuando comenzó a hacer innovaciones en el tango en lo que respecta a ritmo, timbre y armonía, fue muy criticado por los tangueros de la “guardia vieja”, ortodoxos en cuanto a ritmo, melodía y orquestación.

Cuando en los años 1950 y 1960 los tangueros tradicionales —que lo consideraban “el asesino del tango”— decretaron que sus composiciones no eran tango, Piazzolla respondió con una nueva definición: “Es música contemporánea de Buenos Aires”.​ A pesar de esto, en Argentina las estaciones radiodifusoras no difundían sus obras y los comentaristas seguían atacando su arte. Durante años, tangueros y críticos musicales lo consideraron un esnob irrespetuoso que componía música “híbrida”, con exabruptos de armonía disonante.

Piazzolla se defendía atacando: “Sí, es cierto, soy un enemigo del tango; pero del tango como ellos lo entienden. Ellos siguen creyendo en el compadrito, yo no. Creen en el farolito, yo no. Si todo ha cambiado, también debe cambiar la música de Buenos Aires. Somos muchos los que queremos cambiar el tango, pero estos señores que me atacan no lo entienden ni lo van a entender jamás. Yo voy a seguir adelante, a pesar de ellos.”

En 1955 volvió desde París a Buenos Aires, donde formó una orquesta de cuerdas con músicos argentinos, en la que cantó Jorge Sobral (para esta formación compone “Tres minutos con la realidad”, obra síntesis entre el tango y la música de Stravinsky y Bartók), y el famoso Octeto Buenos Aires, conjunto considerado como el iniciador del tango moderno, tanto por su instrumentación (incluía por primera vez una guitarra eléctrica en un conjunto de tango), como por sus novedades armónicas y contrapuntísticas (acordes con 13as. aumentadas, seisillos y fugas).

En 1958 disuelve ambas formaciones y se marcha a Estados Unidos de Norteamérica, donde graba los dos únicos discos de lo que él llamó el jazz-tango (los cuales actualmente son muy difíciles de encontrar).

En 1959, durante una actuación en Puerto Rico, junto a Juan Carlos Copes y María Nieves, recibe la noticia de la muerte de su padre, Vicente Nonino Piazzolla. Astor vuelve a Nueva York, donde vivía con su familia, y allí compuso “Adiós Nonino”, su obra más célebre, que conservaría la sección rítmica del anterior tango “Nonino”, más una sentida elegía de despedida, que se convertiría en un sinónimo de Piazzolla a lo largo de los años.

Su hijo, Daniel Piazzolla recordaba la creación de esta obra: “Papá nos pidió que lo dejáramos solo durante unas horas. Nos metimos en la cocina. Primero hubo un silencio absoluto. Al rato, oímos que tocaba el bandoneón. Era una melodía muy triste, terriblemente triste. Estaba componiendo «Adiós Nonino».”

Frustrado por el intento del jazz-tango, vuelve a Buenos Aires en 1960 y forma la agrupación que definiría su estilo musical definitivamente: el Quinteto Nuevo Tango, formado en su primera versión, por Piazzolla en el bandoneón, Jaime Gosis en piano, Simón Bajour en violín, Kicho Díaz en contrabajo y Horacio Malvicino en guitarra eléctrica.

Con esta agrupación daría a conocer Adiós Nonino y todas las composiciones que dieron forma a su estilo y que serían las más recordadas: Las Estaciones (Verano Porteño, Otoño Porteño, Invierno Porteño y Primavera Porteña), La Serie del Ángel (Introducción al ángel, Milonga del ángel, Muerte del ángel y Resurrección del ángel), La Serie del Diablo (Tango diablo, Vayamos al diablo y Romance del diablo), Revirado, Fracanapa, Calambre, Buenos Aires Hora Cero, Decarísimo, Michelangelo ´70 y Fugata, entre otros. Esa última pieza está basada en la obra del compositor alemán Johann Sebastian Bach.

En 1973 sufre un infarto que le obliga a reducir su actividad, por lo que se instala en Italia, en donde permaneció grabando durante cinco años. Durante esos años formó el Conjunto Electrónico, un octeto integrado por bandoneón, piano eléctrico o acústico, órgano, guitarra, bajo eléctrico, batería, sintetizador y violín (el cual posteriormente fue reemplazado por una flauta traversa o saxo). La formación fue integrada por reconocidos músicos italianos como Giuseppe Prestipino (Pino Presti), bajo eléctrico, Tullio De Piscopo, batería. Tiempo más tarde, Astor incorporaría al octeto al cantante José Ángel Trelles.

En 1974 graba, junto a una orquesta de músicos italianos, los álbumes “Summit”, con Gerry Mulligan, y “Libertango”, cuyo éxito lo hace conocido en Europa. En 1975, después del fallecimiento de Aníbal Troilo, Astor compone en su memoria una obra en cuatro movimientos a la que llamó Suite Troileana, la cual grabó junto al Conjunto Electrónico. A partir de 1978 volvió a trabajar junto al quinteto Nuevo Tango y retomó la composición de obras sinfónicas y piezas de cámara.

En sus últimos años de vida fue reivindicado por intelectuales, jazzistas y músicos de rock de todo el mundo, al igual que por nuevos referentes del tango, y actualmente se lo considera como uno de los músicos argentinos más importantes en la historia de su país. Compuso también música para cerca de 40 películas.

El 4 de agosto de 1990 en París, sufrió una trombosis cerebral cayéndose en el baño de un apart-hotel parisino. Fue internado con un infarto cerebral del que no se recuperó. Lo trasladaron a Buenos Aires el 12 de agosto, de la que finalmente fallecería dos años después en Buenos Aires el 4 de julio de 1992, a los 71 años.​ Sus restos están inhumados en el cementerio Jardín de Paz, en la localidad de Pilar. En 1995 la Fundación Konex le confirió el Premio Konex de Honor por su incalculable aporte a la música en la Argentina.

En octubre de 1983, Piazzolla y su orquesta actúan en el Palacio del Congreso de Lugano, actuación grabada por la Radiotelevizione del Svizzera Italiana y Rete 2. Esta grabación fue recogida más tarde (1998) por Milan Music y Warner Music para su edición en formato CD, con el título de «Adiós Nonino».

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas compuestos por Astor Piazzolla)
 

  1.  «Adiós Nonino» – 8:33
  2.  «Escualo» – 3:13
  3. «Verano Porteño» – 6:34
  4. «Libertango» – 4:04
  5. «Biyuya» – 6:06
  6.  «Fracanapa» – 3:36
  7.  «Lunfardo» – 5:40
  8. «Revirado» – 3:16
  9. «Caliente» – 4:34
  10. «Decarísimo» – 2:40
  11.  «Milonga del Ángel» – 6:18
  12.  «Muerte del Ángel» – 2:50
  13. «Resurrección del Ángel» – 6:30

Calidad: FLAC

 

 

 


Sting & The Police – The Very Best Of (1997)

[Resubida]

 

[Otras Músicas]

 

Gordon Matthew Thomas Sumner, más conocido como Sting, es un músico británico que se desempeñó inicialmente como bajista, y más tarde como cantante y bajista del grupo musical The Police. Una vez tocó vistiendo una camiseta a rayas negras y amarillas, por aquel entonces jugaba en el segundo equipo de fútbol de Newcastle, y su compañero Gordon Solomon le dijo que parecía una abeja, tras lo cual todos empezaron a llamarle Sting (en castellano, ‘aguijón’), que usa como nombre artístico desde entonces de manera exclusiva, excepto para documentos oficiales.

Como miembro de The Police y como solista, Sting ha vendido más de cien millones de discos, ha recibido más de dieciséis Premios Grammy por su trabajo, recibiendo el primero por Mejor Interpretación de Rock Instrumental en 1981, y obtuvo una nominación a los premios Óscar por Mejor Canción.

En noviembre de 1997, la discográfica A&M Records publica el álbum recopilatorio «The Very Best of Sting & The Police», que reune 17 temas que habían sido grandes éxitos tanto de la banda The Police, como de Sting en solitario, más un nuevo remix de “Roxanne” realizado por el artista rap Sean “Puffy” Combs. El disco fue producido por Hugh Padgham, Sean “Puffy” Combs, Nigel Gray y Sting. Fue reeditado en 1998 por PolyGram International y nuevamente en 2002 por Universal Music, con distinta portada y diferente tracklist.

El álbum fue nº 1 en Reino Unido y Francia, nº 4 en Italia y Austria, nº 5 en Nueva Zelanda, nº 17 en Holanda, nº 18 en Alemania y nº 22 en Australia, aunque no logró pasar de puesto 46 en Estados Unidos de Norteamérica. Fue acreditado 4× platino en Gran Bretaña, doble disco de oro en Francia y disco de oro en Alemania, Italia, Austria, EUNA, Nueva Zelanda y Australia.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas escritos y compuestos por Sting, excepto indicado)
 

  1. The Police – «Message in a Bottle» – 4:50
  2. The Police – «Can’t Stand Losing You» – 3:00
  3. Sting – «Englishman in New York» – 4:27
  4. The Police – «Every Breath You Take» – 4:11
  5.  Sting – «Seven Days» – 4:38
  6. The Police – «Walking on the Moon» – 5:02
  7. Sting – «Fields of Gold» – 3:39
  8. Sting – «Fragile» – 3:53
  9. The Police – «Every Little Thing She Does Is Magic» – 4:20
  10.  The Police – «De Do Do Do, De Da Da Da» – 4:07
  11. Sting – «If You Love Somebody Set Them Free» – 4:14
  12. Sting – «Let Your Soul Be Your Pilot» (Edit) – 4:28
  13. Sting – «Russians» (Prokofiev, Sting) – 3:58
  14. Sting – «If I Ever Lose My Faith in You» – 4:30
  15. Sting – «When We Dance» (Edit) – 4:17
  16. The Police – «Don’t Stand So Close to Me» – 4:00
  17. The Police – «Roxanne» – 3:13
  18. The Police – «Roxanne ’97 (Puff Daddy Remix)» – 4:32

Calidad: FLAC

 

 

 


Ana Popovic – Trilogy (2016)

[Resubida 2ª]

 

[Otras Músicas]

 

Ana Popović, nacida en 1976 en Belgrado (Serbia) y emigrada a Memphis (Tennessee, EUNA) en 2012, es una virtuosa guitarrista y cantante de blues-rock. Su padre la introdujo en la música blues y comenzó a tocar la guitarra cuando tenía quince años. Alrededor de 1991 Ana sucumbe inevitablemente a los encantos de la guitarra. Su padre sigue ayudándola, pero se da cuenta de que el don natural de su hija para tocar el instrumento va más allá de sus propias habilidades y, aunque la familia no es rica, sus padres hacen lo imposible para que asista a clases particulares de guitarra, en las que Ana se deja el alma, sorprendiendo a su maestra con su progreso y el rápido desarrollo de un estilo propio.

En 1995 formó la banda Hush con Rade Popović (guitarra, voz), Milan Sarić (bajo) y Bojan Ivković (batería), con un estilo rhythm and blues, pero también incorporando elementos de funk y soul en su sonido. Durante 1996, Hush realizó giras por Yugoslavia y Grecia, y gracias a su directo en el Marsoni Blues Festival de Senta, Hush obtuvo la invitación para actuar en el Fifth International Blues, Jazz, Rock and Gastronomic Festival de Hungría, parte de cuya actuación fue incluida en un álbum en directo editado para celebrar el festival.

A lo largo de 1998, Hush tuvo más de 100 shows, tocando en clubs de blues y festivales del género, mientras registraban su álbum debut, “Hometown”, grabado en Studio Akademija y mezclado en VELJAM Studio, con producción de Aleksandar Radosavljević, y editado por el sello yugoslavo PGP-RTS en 1998. Contó con la colaboración de artistas invitados como Vojno Dizdar (piano y órgano), Petar “Pera Joe” Miladinović (armónica), Aleksandar Tomić (saxofón tenor) y Predrag Krstić (trompeta). Además de canciones propias, el disco incluye también versiones de algunos temas reputados del blues.

A finales de 1998, Popović fue a Utrecht (Holanda) para estudiar guitarra blues-jazz, lo que provocó el final de la banda Hush y el posterior inicio de la carrera en solitario de Ana, que comenzó un año después con la formación de su banda de acompañamiento en Holanda. En 2000, apareció junto a Eric Burdon, Taj Mahal, Buddy Miles, Double Trouble, Eric Gales y otros, en el álbum de tributo a Jimi Hendrix “Blue Haze: Songs of Jimi Hendrix” con una versión del tema “Belly Button Window”.

En 2001, apareció su álbum debut en solitario, “Hush!”, editado por el sello alemán Ruf Records. El álbum fue grabado en Memphis, con los miembros de la Ana Popović Band, así como otros músico de estudio. Fue producido por Jim Gaines, quien anteriormente trabajó con Carlos Santana, John Lee Hooker, Alexis Korner y otros grandes músicos. El álbum incluye a Bernard Allison como invitado y mostró ser exitoso, por lo que Popović abandonó sus estudios de guitarra para dedicarse exclusivamente a su actividad musical como profesional.

En 2003, Popović lanzó su segundo álbum en solitario, “Comfort to the Soul”, editado por el sello alemán Ruf Records. El álbum, grabado en Memphis y producido por Gaines, ofreció una fusión de blues, rock, soul y jazz. Durante el mismo año, en el Festival de Rhythm & Blues en Bélgica, fue invitada por Solomon Burke a unirse a él en el escenario, después de lo cual ella se unió a él en el resto de la gira como invitado.

Tras un disco en directo grabado en enero de 2005 en su actuación en el club Melkweg de Amsterdan y editado ese mismo año, titulado “Ana!”, en 2007 Popović publica con el sello norteamericano Eclecto Groove Records su tercer álbum de estudio, “Still Making History”, en el que vuelve a retomar su estilo característico de blues, rock y soul. El trabajo cuenta con un bonus consistente en la versión blues del primer tema del disco.

Con producción de Mark Dearnley, Tony Braunagel y Ana Popović, graba en California su cuarto álbum de estudio, “Blind for Love”, segundo disco producido en EUNA y editado de nuevo por el sello Eclecto Groove Records en 2009. El quinto álbum de estudio de Ana Popović en solitario, “Unconditional”, fue grabado en febrero de 2011 en Nueva Orleans (Louisiana) y editado de nuevo por el sello Eclecto Groove Records en agosto de 2011. Al igual que “Still Making History”, “Unconditional” alcanza el nº 1 en el Billboard Blues Chart estadounidense.

El séptimo álbum de estudio de Ana Popović en solitario, “Can You Stand the Heat”, grabado en Memphis y mezclado en Nashville, ambas de Tennesse, donde la guitarrista y cantante se trasladó a vivir, fue editado por el sello holandés ArtisteXclusive Records en marzo de 2013. En este disco aparece una versión del tema de los Rolling Stones “Rain Fall Down”.

«Trilogy» es el octavo álbum de estudio de Ana Popović en solitario, un álbum triple grabado en diversos estudios estadounidenses, con producción de Warren Riker, Ana Popović, Tom Hambridge, Cody Dickinson y Delfeayo Marsalis, y editado por el sello holandés ArtisteXclusive Records en mayo de 2016. Popović escribió o co-escribió la mayoría de las canciones de los tres discos (15 de los 23 temas). Colaboraron en su grabación muchos grandes artistas invitados, como el guitarrista Joe Bonamassa, el guitarrista de lap steel Robert Randolph, el rapero Al Kapone y los bateristas Bernard Purdie y Cody Dickinson (de North Mississippi Allstars).

El álbum se divide en tres discos, con tres estilos diferentes. El CD-1 (“Morning”) es su álbum soul, funk y R & B, producido por el ganador del premio Grammy Warren Riker y por Popović, y grabado en Esplanade Studios (Nueva Orleans, Louisiana), Royal Studios y Music + Arts Studio (Memphis, Tennessee), The Switchyard (Nashville, Tennessee), y Full Sail Studio (Orlando, Florida). Además de los fuertes trabajos de guitarra de Popović, “Morning” utiliza multitud de cuernos y piano, y presenta a Joe Bonamassa como guitarrista invitado en “Train”, terminando la canción con un smoking outro.

El CD-2 (“Mid-Day”) contiene el blues rock más típico en la música de Popović. Las canciones fueron grabadas y producidas por varias personas en diferentes lugares. Fue grabado por Warren Riker en Esplanade Studios, Nueva Orleans en Louisiana, por Tom Hambridge en The Switchyard, Nashville en Tennessee, y por Cody Dickinson en el rancho Zebra cerca de Memphis en Mississippi. Popović incluye una canción de duelo de guitarra “Woman to Love”, donde ella se dueló a sí misma a través de la magia de doble rastreo. El disco contiene un dúo conmovedor con Alphonzo Bailey, más conocido como el rapero Al Kapone.

Finalmente el CD-3 (“Midnight”) explora las tendencias jazzísticas de Popović. Este disco tiene más versiones que cualquiera de los otros, ya que cubre una canción de Tom Waits, un tema de Duke Ellington y también una canción de Billie Holiday. El disco de jazz fue grabado en Esplanade Studios, New Orleans en Louisiana, por Delfeayo Marsalis, y utiliza una variedad de saxofones, bajo acústico y batería, con Kyle Roussell en el piano. Popović probó una nueva guitarra para “Midnight”, usando un Gibson ES-175 para los números de jazz en lugar de su Strat habitual, que utiliza para el rock y el blues. Ella también adaptó su voz al jazz, dejando los gruñidos y los gritos de los dos primeros discos y cambiando a canturreo, desprendiendo un ambiente nocturno ahumado.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas de Ana Popović, excepto indicados)

 

CD-1 (“Morning”):

  1. «Love You Tonight» – 4:04
  2. «She Was a Doorman» (Popović, Shannon Sanders) – 4:03
  3. «Show You How Strong You Are» (Popović, Tommy L. Sims) – 3:23
  4. «Fencewalk» (Carlos Wilson, Louis Wilson, Ric Wilson, Skip Scarborough) – 4:21
  5. «Train» [con Joe Bonamassa] – 4:57
  6. «If Tomorrow Was Today» – 5:15
  7. «Long Road Down» – 4:32
  8. «Hook Me Up» [con Robert Randolph] (Johnny “Guitar” Watson) – 4:37
  9. «Too Late» – 5:26

CD-2 (“Mid-Day”):

  1. «You Got the Love» (Chaka Khan, Ray Parker Jr.) – 5:28
  2. «Johnnie Ray» (Popović, Kevin Bowe) – 3:46
  3. «Woman to Love» (Curtis Mayfield) – 3:19
  4. «Let’s Do It Again” [con Al Kapone] – 3:51
  5. «Who’s Yo’ Mama» – 3:18
  6. «Wasted» (Popović, M. van Meurs) – 2:18
  7. «Crying for Me» – 3:09

CD-3 (“Midnight”):

  1. «New Coat of Paint» (Tom Waits) – 3:27
  2. «Waiting on You» – 4:32
  3. «In a Sentimental Mood» (Duke Ellington, Manny Kurtz) – 3:39
  4. «Old Country» (Curtis Reginald Lewis, Nat Adderley) – 3:46
  5. «Waiting on You (Double-Time Swing)» – 3:59
  6. «Heaven’s Crying aka Song for the Next Generation» (Popović, M. van Meurs, K. Bowe, Cindy Scott) – 4:00
  7. «You Don’t Know What Love Is» (Don Raye, Gene de Paul) – 4:45

Calidad: 320 Kbps

 

 

 


La Portuaria – Huija [1995]

[Resubida]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

La Portuaria fue una banda de rock argentino formada en 1989 en Buenos Aires. Desarrollaron un sonido de fusión, incorporando ritmos latinos sobre una base fuertemente influenciada por el jazz y el R&B. Tuvieron su primera exposición al gran público en el festival Mi Buenos Aires Rock, organizado en 1990 por la Municipalidad de la Ciudad de Buenos Aires. Con el tiempo incorporaron varios instrumentistas en torno al núcleo central del grupo, constituido por Christian Basso (bajo), Colo Belmonte (batería), Sebastián Schachtel (teclados), Diego Frenkel (guitarra y voz) y, desde 1990 hasta 1996, Axel Krygier (piano y saxofón). Han editado 10 discos, constituyendo una presencia importante en la escena musical argentina desde sus comienzos en adelante.

Diego Frenkel, Christian Basso y Sebastián Schachtel (columna vertebral de la banda) habían integrado el grupo Clap, que grabó un álbum en 1986. Ya por entonces sorprendieron por la versatilidad de ritmos y estilos. Tal es así que muchos los han definido como “world beat” (algo así como el ritmo de la aldea global). A fines de los 80 tras la disolución de Clap surge La Portuaria. Desde sus inicios su música escapaba a los modelos tradicionales del rock en Argentina. Se trataba de música fundamentalmente rítmica que exploraba y se nutría de los colores y sonidos de la música del mundo. La variedad rítmica y tímbrica siempre fue parte de la cosmogonía de la banda.

En 1989 debutan con su primer disco: “Rosas Rojas”, editado por la discográfica EMI. Por lo exótico de su propuesta, La Portuaria parecía estar al frente de una suerte de vanguardia rockera, pero sus canciones eran de fácil acceso al público. Viajan a España y a su regreso son invitados a participar en Mi Buenos Aires Rock, un festival organizado por la Municipalidad, que convocó a cien mil personas en la avenida Nueve de Julio. Si bien el público había asistido para escuchar a Charly García y a Luis Alberto Spinetta, fue una excelente oportunidad para presentar el trabajo de la banda, que no fue desaprovechada, a juzgar por los aplausos cosechados.

En 1991 el grupo inicia la producción de su segundo álbum, “Escenas de la Vida Amorosa”, editado nuevamente por EMI. El tema “El bar de la calle Rodney” se destaca como el éxito de la placa. Se presentan en el teatro Astros, donde desarrollan una arriesgada puesta en escena combinada con elementos teatrales no convencionales como la actuación de la agrupación El Descueve, con la participación de Fito Páez como invitado especial.

La consagración vendría con “Devorador de Corazones”, su tercer álbum de estudio, editado en 1993 por EMI Odeon con producción del propio grupo. El álbum obtuvo un éxito mucho más masivo que su álbum anterior de 1991, siendo un disco más cuidado, potente y exitoso que se destaca por el tema homónimo, “Selva” y “Nada es igual” (estos dos últimos cortados para difusión). El disco colocó a la banda en su grado máximo de exposición y obtuvo un disco de Oro pocos meses después de su lanzamiento y, a comienzos de 1994, el álbum llegó a ser disco platino. La influencia del hot jazz y de la música de fusión latina es más perceptible.

Después del exitoso disco “Devorador de Corazones”, La Portuaria quería continuar saciando sus famélicos deseos de fama. Casi sin perder tiempo, aunque concentrándose en la búsqueda del sonido ideal, la banda liderada por Diego Frenkel lanzó en 1995 su cuarto material, «Huija», grabado y mezclado en Nueva York (donde se trabajó con un criterio mucho más profundo de producción, logrando un sonido contundente y experimental) y editado nuevamente por EMI en 1995, con producción de Andrés Levin, Camus Celli y La Portuaria. Fue inmediatamente catalogado por la prensa como “uno de los más importantes del año”. El álbum también fue la presentación del nuevo baterista, Martín Ghersa.

El álbum repite la fórmula de su anterior álbum; con una producción más profesional a cargo de Andrés Levin, quien enfatizó los aspectos mestizos musicalmente (ya desde el mismo título es una exclamación de índole folclórica que remite a las aventuras del personaje de historietas Patoruzú), y fue grabado casi con el mismo concepto que “Devorador de Corazones”. La combinación entre el jazz y lo latino eran la principal herramienta con la que se valió esta producción. En palabras textuales de Frenkel: “un grito de alegría y explosión salvaje, guiso de mambo, hip hop, acid jazz, ritmo y blues y otros reciclajes contemporáneos”. Una definición bastante abarcadora de estilos, que sin embargo, pueden evidenciarse a lo largo del disco.

“Ruta” tiene ese pegadizo coro imposible de no cantar tras la primera vez que se escucha, que transforma a la canción en una de las más populares. “Supermambo” mantiene el tono alegre, fundamentalmente, con la letra. En el siguiente tema, como con “Nada es igual”, Frenkel vuelve al vacío despojándose de posesiones. “Donde hubo fuego”, frase de larga data, es otro de los temas que se destacan de este material que incluso sería utilizado por David Byrne. También “10 segundos” sería seleccionado para una recopilación de música americana por David Byrne. La Portuaria no se apartó demasiado del estilo que le dio el Disco de Oro con el anterior trabajo, por lo que “Huija” mantiene aquel nivel.

 

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Ruta» – 3:22
  2. «Supermambo» – 3:41
  3. «No Tengo Nada» – 3:46
  4. «Sofía» – 4:11
  5. «Dios» – 4:35
  6. «Ven a Mí» – 4:31
  7. «Vudú Danza» – 4:16
  8. «La Diablada» – 3:16
  9. «Donde Hubo Fuego» – 5:21
  10. «10 Segundos» – 3:40

Calidad: WAV

 

 

 


La Portuaria ‎– Devorador de Corazones [1993]

[Resubida]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

laportuaria-devoradorcorazonesLa Portuaria fue una banda de rock argentino formada en 1989 en Buenos Aires. Desarrollaron un sonido de fusión, incorporando ritmos latinos sobre una base fuertemente influenciada por el jazz y el R&B. Tuvieron su primera exposición al gran público en el festival Mi Buenos Aires Rock, organizado en 1990 por la Municipalidad de la Ciudad de Buenos Aires. Con el tiempo incorporaron varios instrumentistas en torno al núcleo central del grupo, constituido por Christian Basso (bajo), Colo Belmonte (batería), Sebastián Schachtel (teclados), Diego Frenkel (guitarra y voz) y, desde 1990 hasta 1996, Axel Krygier (piano y saxofón). Han editado 10 discos, constituyendo una presencia importante en la escena musical argentina desde sus comienzos en adelante.

Diego Frenkel, Christian Basso y Sebastián Schachtel (columna vertebral de la banda) habían integrado el grupo Clap, que grabó un álbum en 1986. Ya por entonces sorprendieron por la versatilidad de ritmos y estilos. Tal es así que muchos los han definido como “world beat” (algo así como el ritmo de la aldea global). A fines de los 80 tras la disolución de Clap surge La Portuaria. Desde sus inicios su música escapaba a los modelos tradicionales del rock en Argentina. Se trataba de música fundamentalmente rítmica que exploraba y se nutría de los colores y sonidos de la música del mundo. La variedad rítmica y tímbrica siempre fue parte de la cosmogonía de la banda.

En 1989 debutan con su primer disco: “Rosas Rojas”, editado por la discográfica EMI. Por lo exótico de su propuesta, La Portuaria parecía estar al frente de una suerte de vanguardia rockera, pero sus canciones eran de fácil acceso al público. Viajan a España y a su regreso son invitados a participar en Mi Buenos Aires Rock, un festival organizado por la Municipalidad, que convocó a cien mil personas en la avenida Nueve de Julio. Si bien el público había asistido para escuchar a Charly García y a Luis Alberto Spinetta, fue una excelente oportunidad para presentar el trabajo de la banda, que no fue desaprovechada, a juzgar por los aplausos cosechados.La Portuaria ‎– Devorador De Corazones

En 1991 el grupo inicia la producción de su segundo álbum, “Escenas de la Vida Amorosa”, editado nuevamente por EMI. El tema “El bar de la calle Rodney” se destaca como el éxito de la placa. Se presentan en el teatro Astros, donde desarrollan una arriesgada puesta en escena combinada con elementos teatrales no convencionales como la actuación de la agrupación El Descueve, con la participación de Fito Páez como invitado especial.

«Devorador de Corazones» es el tercer álbum de estudio de la banda argentina La Portuaria, editado en 1993 por EMI Odeon con producción del propio grupo. El álbum obtuvo un éxito mucho más masivo que su álbum anterior de 1991, resultando la consagración de la banda. El disco más cuidado, potente y exitoso se destaca por el tema homónimo, “Selva” y “Nada es igual” (estos dos últimos cortados para difusión). El disco colocó a la banda en su grado máximo de exposición y obtuvo un disco de Oro pocos meses después de su lanzamiento y, a comienzos de 1994, el álbum llegó a ser disco platino. La influencia del hot jazz y de la música de fusión latina es más perceptible.

Además de “Selva” también se desprenden otros buenos temas como la pegadiza “Nada es Igual” o “Devorador de Corazones”. Sin tanta repercusión “Nena de la Lluvia” es otra interesante composición. El disco aborda diferentes estilos, desde el jazz con “Jam sesión”, el ska con La Portuaria ‎– Devorador De Corazones“Portuaria Mix” o el pop “En la punta de un cabo”. Esa combinación de estilos caracterizó a esta buena banda que se mantendría en la escena del rock argentino durante gran parte de la década de los noventa.

El mismo año (1994), concluyen la primera gran gira nacional en el estadio Obras Sanitarias. Para la ocasión presentan un show junto a De La Guarda, que fue el espectáculo mas novedoso y original que se vio en el país, catapultando a La Portuaria como una de las mejores bandas del año.

 

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Devorador de Corazones» – 4:25
  2. «Selva» – 4:09
  3. «Nada Es Igual» – 2:58
  4. «Miedo» – 6:13
  5. «La Grieta» – 3:13
  6. «En la Punta de un Cabo» – 4:04
  7. «Alguna Vez» – 2:26
  8. «Portuaria Mix» – 3:58
  9. «Me Quedo Contigo» – 3:06
  10. «Paso a Paso» – 3:59
  11. «Nena de la Lluvia» – 5:16
  12. «El Pan de cada Día» – 4:14
  13. «Zamba de Mi Esperanza» – 5:41
  14. «Jam Session» – 11:52

Calidad: FLAC

 

 

 


Tabletom – Mezclalina (1980-Reed.2016)

[Resubida]

 

[Ciclo de Rock Ibérico]

 

tabletom-mezclalinaTabletom es un grupo musical andaluz formado en el año 1976, a partir de una comuna anarco-hippie en los campos de Málaga, en la que militaron Roberto González (vocalista del grupo y conocido también como “Rockberto”), Jesús Ortiz (bajo y violín); Javier Denis (oboe y saxos); los hermanos Pedro “Perico” (guitarra) y José Manuel “Pepillo” Ramírez (flauta) y el batería y percusionista Paco Oliver (sustituido por Salvador Zurita algo después). Fusionaron y combinaron géneros tan dispares como el jazz, el rock, el reggae, el blues o el flamenco.

Su primer disco (“Mezclalina”, 1980), producido por Ricardo Pachón, los incorporó al rock andaluz, aunque su estilo ‘particular’ fuera a la larga tan incompatible con dicha etiqueta que provocó el desahucio por parte de la compañía (RCA), que se negó a promocionarlos ya desde un primer momento y los obligó (contra su voluntad) a convertirse en un grupo maldito prácticamente desde su mismo inicio.

De 1981 a 1985 sobreviven fundando su propia productora (que autoproduce el EP “Recuerdos del Futuro”) y distribuyendo comercialmente incluso cassettes (el álbum editado en cassette en 1984, “Rayya”). Desde 1981 funcionan como cuarteto (González, Ortíz, Ramírez & Ramírez) por la marcha de Denis y Zurita, y con diversos baterías colaboradores (N. Higueras, D. Belda o R. Baena).

A pesar de la pobre promoción en esas circunstancias, su directo demoledor y su cantante ‘carismático’ los hace conocidos por la propaganda boca a boca (decía la prensa entonces que el grupo ‘no tenía seguidores, sino incondicionales’. Y era verdad, en gran parte). En 1985 la banda se disuelve durante algunos años debido a la marcha de su bajista. Los hermanos Ramírez y Roberto González continúan tocando como Rockberto y los Castigos, en una etapa no satisfactoria en términos musicales para sus miembros.

En 1990 se asiste a la recuperación del grupo, ahora ya convertido en trío (por ausencia definitiva de J. Ortiz Morales, que pasa a la música contemporánea). Rockberto, Perico y Pepillo han sido desde entonces los pilares de un grupo que, si bien entronca con bastantes hilos del grupo original, se desarrolla ya, poco a poco, por otros derroteros más duros, secos, y menos psicodélicos que en la primera formación (considerada por los teóricos una de las apuestas tardías e insólitas del sonido Canterbury en España). Como banda, sin embargo, han seguido llevando formaciones bastante amplias a escena, ya que siempre han contado con la colaboración (y la complicidad y simpatía) de muchos músicos. Especialmente malagueños, pero no exclusivamente.

tabletom-mezclalina-2Hoy en día, a pesar del tiempo que llevan en activo, nunca han tenido demasiado éxito comercial reconocido. De hecho, la canción que más derechos de autor les ha generado –”Me estoy quitando”, un homenaje a Camarón y todo un himno en Málaga–, creada por ellos e incluida en su disco “Inoxidable” de 1991, fue conocida fuera del círculo del grupo gracias a que los extremeños Extremoduro la grabaron versionada en su disco “Agila”.

«Mezclalina» es el álbum debut de la banda malagueña Tabletom, editado en 1980 por RCA Records, con producción de Ricardo Pachón y grabado con Eugenio Muñoz y Luis Delgado como ingenieros de sonido. En él fusionan varios géneros en apariencia dispares, como el rock progresivo sinfónico, el flamenco, el jazz, el blues, el rock andaluz y la psicodelia. Todos los temas están acreditados a J. Ramírez, J. Denis, P. Maestre, J. Ortiz y R. González, con letras de éste último, excepto el tema que cierra el disco que es autoría exclusiva de Rockberto.

El álbum fue remasterizado y reeditado en formato CD en 2016 por Paisley Press. Este archivo corresponde a esta reedición.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

Lista de canciones:

  1. «Tipos Duros (En Memoria de Piyayo)» — 4:13
  2. «Ininteligible» — 7:15
  3. «Mezclalina» — 7:14
  4. «Zero-Zero» — 9:37
  5. «La Guerra (Contra la Guerra)» — 8:50

Calidad: FLAC

 

Gracias al compañero jmoranmu por este archivo flac, cedido generosamente a Ciclotimia.

 

 

 


Javier Krahe – Elígeme [Directo] (1988)

[Resubida]

 

[Otras Músicas]

 

Krahe-EligemeTal vez el más original de los cantautores. Sin duda el más corrosivo, el más libre, el más desvergonzado. Puede que el más genial. A un año y un mes de su muerte, sigue presente en la memoria de sus admiradores. Durante este último año, sus amigos artistas lo han recordado en recientes entrevistas, o han creado un cadáver exquisito pictórico en su honor. Se recaudó dinero para fundirle una estatua y se le pidió al ayuntamiento de Madrid que le pusiera una calle en su barrio, Malasaña. Sin embargo, igual que en vida, sus historias de amor siguen siendo casi secretas. Tras la semana de homenaje que se hace a los fallecidos, poco a poco se recupera lo cotidiano, y la obra de Krahe sigue siendo subterránea, ajena al conocimiento masivo. Pero resultó divertido durante unos días ver cómo Youtube, mano a mano con el infame reggaetón de turno, recomendaba la escucha de “Un burdo rumor”.

«Elígeme» (o “Elíjeme”, según la grafía de la portada) es el quinto disco de Javier Krahe (y sexto trabajo discográfico), editado originalmente en 1988 por el sello Elígeme Discos y reeditado más tarde por Lollipop. Se trata de un doble LP grabado en directo las noches del 22 y 23 de marzo de 1988, en la sala Elígeme de Madrid. Supone un repaso por los temas de sus anteriores discos, una especie de “antolojía” (cambiamos la g por la j del título, como hacía Juan Ramón Jiménez, por la j de Javier) de lo mejor de su producción de los años 80, además de incluir 4 canciones nuevas: “Olé, tus tetas”, “Canadá, Canadá”, “Cuervo ingenuo” (que ya había interpretado en el disco “Joaquín Sabina y Viceversa en Directo”, de Joaquín Sabina) y “Si lo llego a saber”.

En su grabación participaron, además del propio Javier Krahe en la voz, Tito Larregui (guitarra eléctrica), Germán Muñoz (contrabajo), Antonio Sánchez (guitarra acústica), Lorenzo Azcona (saxos y flauta) y Jimmy Ríos (batería y percusión).

Krahe-Eligeme-2No es, sin embargo, el primer trabajo en vivo de Krahe, pues el primero fue el mítico “La Mandrágora” (CBS, 1981) grabado en el bar de mismo nombre junto a Joaquín Sabina y Alberto Pérez, tres cantautores de trayectoria y fama completamente dispar. A pesar de tratarse del disco más vendido y conocido con diferencia de toda la carrera de Krahe, el autor siempre mostró desagrado ante aquel trabajo a seis manos. En las entrevistas comentaba que, cuando recibió el disco, sólo escuchó la primera cara, y al desagradarle, lo archivó en la estantería sin ni tan siquiera darle la vuelta.

Sin embargo, hacia finales de la década de 1980, le apetecía grabar un trabajo compilatorio en vivo. Rompió relación con CBS tras descubrir que le habían censurado el final de una canción de “Corral de Cuernos” (1985), y publicó con Hispavox su siguiente trabajo, “Haz lo que Quieras” (1987). Coincidían Hispavox y Krahe en su interés de publicar un álbum en directo, pero la discográfica le exigía dúos con invitados, a lo que Krahe, por el carácter solitario y autobiográfico de sus canciones y su trayectoria, se negó. Rescindido el contrato, entran en juego Víctor Claudín y Pedro Sahuquillo, que por entonces regentaban la sala Elígeme, donde se grabó el disco de Krahe.

El repertorio recopila lo mejor de sus discos previos. Así encontramos, entre las 18 canciones, 5 de “Valle de Lágrimas” (1981), 5 de “La Mandrágora” (1981), 4 de “Aparejo de Fortuna” (1984), sólo una de “Corral de Cuernos” (1985) y dos de “Haz lo que Quieras” (1987). A ellas se suman tres canciones inéditas y se repesca “Cuervo ingenuo”, vitriólica y mordaz crítica a Felipe González, polémicamente censurada por TVE, célebre por su inclusión en el superventas “Joaquín Sabina y Viceversa en Directo” (1986), pero que no había aparecido en ningún disco previo de Krahe.

Krahe-Eligeme-3Tras este disco, que ha visto algunas reediciones pero que aún así sigue siendo esquivo de localizar, Krahe pasa unos años prosiguiendo su periplo en salas, pero no verá publicar un nuevo trabajo hasta 5 años después, su regreso a la música con “Sacrificio de Dama” (Lollipop, 1993). Después, su carrera siguió edificándose con la misma independencia y autocoherencia como había hecho gala hasta entonces, y rubricando hasta sus últimos trabajos magníficas piezas de orfebrería lírica.

En 2009 fue reeditado por 18 Chulos en un pack junto a “Sacrificio de Dama” y “Versos de Tornillo”.

 

Fuente: Acordes Modernos / Víctor Claudín / Zonde

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «El Topo» (Javier Krahe) – 2:55
  2. «¿Dónde se Habrá Metido esta Mujer?» (Javier Krahe / Alberto Pérez Lapastora) – 2:04
  3. «La Hoguera» (Javier Krahe) – 4:24
  4. «Marieta» (Georges Brassens, traducida por Javier Krahe) – 3:19
  5. «La Tormenta» (Georges Brassens, traducida por Javier Krahe) – 5:27
  6. «El Tío Marcial» (Javier Krahe / Alberto Pérez Lapastora) – 5:29
  7. «El Cromosoma» (Javier Krahe / Jorge Krahe) – 3:22
  8. «Once Años Antes» (Javier Krahe / Jorge Krahe) – 4:32
  9. «Señor Juez» (Javier Krahe) – 4:20
  10. «Olé, Tus Tetas» (Javier Krahe / Antonio Sánchez) – 2:42
  11. «Sábanas de Seda» (Javier Krahe) – 5:14
  12. «Los Caminos del Señor» (Javier Krahe) – 5:01
  13. «Canadá, Canadá» (Javier Krahe) – 4:22
  14. «Cuervo Ingenuo» (Javier Krahe) – 4:46
  15. «Nembutal» (Javier Krahe) – 4:42
  16. «Paréntesis» (Javier Krahe) – 5:23
  17. «Auténtica y Total» – 3:16
  18. «… Y que Corra el Atleta» (Javier Krahe, Javier López de Guereña) – 4:10

Calidad: 128 Kbps

 

 

 


Iceberg – Sentiments (1977-Reed.2003)

[Resubida Mejorada]

 

[Ciclo de Rock Ibérico]

 

Iceberg-SentimentsIceberg fue un grupo catalán de rock progresivo y jazz rock, formado en 1974 en Barcelona por Max Sunyer (guitarra), Josep Mas “Kitflus” (teclados), Primitivo Sancho (bajo), Jordi Colomer (batería) y Ángel Riba (voz y saxo). Son músicos influenciados principalmente por Mahavishnu Orchestra, sobre todo en lo que las escalas de la guitarra se refiere; aunque en este caso el piano cobra igual protagonismo que la guitarra, sincronizados, en muchas ocasiones, increíblemente a la perfección. Surgieron ya retrasados al movimiento musical progresivo, que para entonces ya llevaba varios años sonando por Inglaterra y Estados Unidos de Norteamérica. Sacaron un primer disco en el que en la mitad de las canciones hay voz, pero a partir de ahí empezó a ser únicamente instrumental.

Banda pionera del rock sinfónico y progresivo en la península (estamos hablando sin duda de una de las cimas del progresivo ibérico, más que recomendable, con músicos increíbles), gracias sobre todo a su primer trabajo: “Tutankhamon”, considerado una pieza de colección. Ya sin cantante graban el disco “Coses Nostres” en 1976, “Sentiments” en 1977, “Iceberg en Directe” en 1978 y finalmente “Arc-en-Ciel”, en 1979. Max Sunyer y Kitflus formaron más tarde el grupo Pegasus junto a Rafael Escoté de Gotic y Santi Arisa de Fusioon.

Iceberg-Sentiments-2Su tercer disco –«Sentiments»– es otra obra maestra, donde profundizan en el jazz-rock (o jazz-fusión) con elementos andalusíes, aún con atisbos de su progresivo original. Editado originalmente por la Compañía Fonográfica Española, a través de su sello Bocaccio Records, ‎y distribuido por Zafiro en 1977, con producción del propio grupo; fue reeditado en formato CD en 1997 por Actual Records/Picap, y nuevamente por Picap en 2003 en formato digipack. Es para la mayoría de aficionados su mejor trabajo y uno de los mejores (o el mejor) disco progresivo hecho en Iberia. E incluso fuera es conocido (me atrevería a decir que incluso más que dentro de nuestras fronteras) por los seguidores del jazz-rock fusion como un clásico en la liga de los grandes del género, y en especial de la Mahavishnu Orchestra, grupo referencia que practicaba un estilo muy parecido.

La fórmula Iceberg consistía en un desarrollo melódico instrumental fundamentado en la magistral guitarra con toques mediterráneos de Max Sunyer y los teclados especulativos de Kliftus. Ese entramado melódico descansaba sobre un contundente ritmo de rock servido por el bajo de Primi y la batería de Jordi Colomer. Los cuatro músicos aparecieron ese año clasificados entre los cinco primeros en su instrumento en la votación que la revista Popular 1 realizó entre lectores y críticos musicales. Esto da una idea del potencial de la banda.

Iceberg-Sentiments-3Si el álbum anterior aportaba a la fusión el elemento distintivo del folclore levantino, en esta ocasión era la música arábigo-andaluza la que aportaba esa diferenciación con las producciones de otros grupos.

“Sentiments” conforma junto a “Coses Nostres” y a “Tutankhamon” la mejor trilogía llevada a cabo jamás por un grupo progresivo ibérico y ejemplifica perfectamente este estilo de música que fue admirada y alabada en la década de los 70 para prácticamente desaparecer posteriormente. Iceberg haría otros discos. Ninguno malo, es cierto, pero ninguno equiparable a estos tres.

 

Fuente: Wikipedia / Julián Molero en LaFonoteca.net / Zonde

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas compuestos por J. Suñé, excepto 3: J. Mas)

  1.  «Sentiments» – 1:36
  2. «Andalusia, Andalusia» – 5:39
  3.  «A Sevilla» – 5:15
  4.  «Ball de Les Fulles» – 6:34
  5.  «Magic» – 6:55
  6.  «Joguines» – 3:00
  7.  «Alegries del Mediterrani» – 9:17

Calidad: 320 Kbps

 

 

 


Pescado Rabioso – Artaud [1973-Reed.1996]

[Resubida]

[Ciclo de Rock Argentino]

 

PescadoRabioso-ArtaudPescado Rabioso fue una banda argentina de blues rock, rock progresivo y rock pesado, liderada por Luis Alberto Spinetta (guitarra y voz) y acompañado por el baterista Black Amaya y el bajista Osvaldo “Bocón” Frascino. El trío se transformó en cuarteto con la incorporación del teclista Carlos Cutaia y finalmente David Lebón sustituyó a Frascino.

Formada en 1971, se disuelve en 1973. A pesar de haber durado poco tiempo, su estilo y originalidad musical generó una revolución en el rock argentino, dejando una huella indeleble en el mismo. Su álbum “Pescado 2” ha sido considerado por la revista Rolling Stone como el 19º mejor álbum de la historia del rock argentino. Dos de sus canciones han sido ubicadas entre las mejores cien del rock argentino: “Me gusta ese tajo” (nº 57) y “El monstruo de la laguna (Algo flota en la laguna)” (nº 61), del álbum “Desatormentándonos”.

Después de la separación de Almendra en 1970 y de un viaje de siete meses que realizara por Brasil, Estados Unidos de Norteamérica y Europa, Luis Alberto Spinetta decidió formar una nueva banda. En sus propias palabras: “Yo quería hacer un grupo más violento, una música aún más violenta que el segundo disco de Almendra… Con Pescado intenté romper la ternura y el eje sensible de Almendra… Había partido de una música esencialmente ciudadana, tanguera, con reflejos de bossa-nova, con aires de jazz e influencia de Piazzola, y ahora me rebelaba contra eso creando riffs… Creo que fue una etapa medio punk”.

La banda tuvo tres integraciones. La primera integración fue el trío de Spinetta en guitarra y primera voz, Black Amaya en batería y Osvaldo “Bocón” Frascino en bajo. Ambos venían de Engranaje, una banda formada por Pappo, antes irse a Los Gatos. Cuando estaban grabando el primer álbum se agregó al grupo Carlos Cutaia en teclados. En octubre de 1972 el Bocón Frascino se retira de la banda y es reemplazado por David Lebón, quien dejó de ser baterista en Color Humano para tocar el bajo en la banda de Spinetta, con quien entablaría una estrecha amistad, llegando a vivir juntos durante un año.

Tras la publicación del segundo LP, el disco doble “Pescado 2”, comenzó a generarse una división en la banda: Amaya, Lebón y Cutaia pretendían moverse a un estilo más cercano al rythm & blues, mientras que Spinetta quería continuar en un estilo más “lírico” y complejo. Esto generaba una contradicción para Spinetta, que consideraba a Pescado Rabioso como su banda, lo cual en última instancia causó la marcha de todos los integrantes de la banda a excepción de Spinetta.

PescadoRabioso-Artaud-3Spinetta decidió entonces grabar las nuevas canciones que había compuesto él solo. En parte porque no le gustaba la idea de poner su propio nombre en un disco, y en parte para demostrarle a sus ex compañeros de banda que Pescado Rabioso era yo”, sin embargo, el disco “Artaud” sería lanzado bajo el nombre de Pescado Rabioso. En el disco puede leerse la siguiente explicación:

“Pescado Rabioso es una idea musical creada en 1971 por Luis Alberto Spinetta. A través de esta idea tocaron en grabaciones y actuaciones los siguientes músicos: Juan Carlos Amaya, Osvaldo Frascino, Carlos Miguel Cutaia y David Oscar Lebón. Los músicos que aparecen en este disco sólo están ligados a la idea Pescado Rabioso por las circunstancias de la grabación y a expreso pedido de Luis Alberto Spinetta.”

«Artaud» es el tercer álbum de estudio de Pescado Rabioso y el segundo como solista del músico de rock argentino Luis Alberto Spinetta. El disco, editado en 1973 por Talent/Microfón, se compone de cinco canciones en las que Spinetta interpreta todos los instrumentos, mientras que en los restantes lo acompañan su hermano Gustavo en batería, Rodolfo García en batería y coros, y Emilio del Guercio en bajo y coros, estos últimos ex-compañeros en Almendra y por entonces miembros de Aquelarre. Todos los temas fueron creados por Spinetta, aunque el crédito del disco pertenece a Pescado Rabioso. El disco fue presentado en una serie de recitales en el Teatro Astral.

El título del álbum hace referencia al poeta francés y creador del Teatro de la Crueldad, Antonin Artaud, a quién está dedicado. El concepto del disco está influido por su vida y obra, y expresa la reacción de Spinetta ante la misma. Se trata de una de las obras culminantes de la música latinoamericana, considerada en reiteradas oportunidades, no solo como el mejor disco de Spinetta, sino también del rock argentino.

La música de “Artaud” significa una ruptura en el estilo musical del llamado “rock nacional” en Argentina, y del rock latino en castellano, en general. También significa una ruptura en la obra de Spinetta, porque a partir de éste álbum Spinetta definiría una trayectoria musical que no tendría como fin el éxito popular y menos aún comercial, sino su propia necesidad expresiva sin condicionamientos de ningún tipo. El sonido del álbum es primordialmente acústico e intimista. Numerosas guitarras acústicas, un ascetismo marcado en los arreglos y un viraje abrupto respecto de su disco anterior. Las canciones son complejas y ya señalan una incorporación armónica del jazz en su música.

PescadoRabioso-Artaud-2La portada del disco original no es cuadrada, como era y sigue siendo usual en los discos, sino que fue diseñada por Spinetta para que tuviera una forma octogonal irregular de cuatro puntas, de fondo verde y con una mancha amarilla en su cuadrante inferior izquierdo. En el frente lleva una pequeña foto de Artaud viejo, en el ángulo superior derecho, mientras que en el contrafrente lleva una pequeña foto de Artaud similar, pero joven y en el ángulo superior izquierdo. La idea del diseño de la portada fue del propio Spinetta y el diseñador fue Juan Gatti, el artista responsable de varias tapas de los primeros años del rock argentino. Es considerada una obra maestra para toda una generación, y recordada como una de las joyas del diseño de portada de todos los tiempos.

El tema “Cantata de puentes amarillos” fue incluida en la posición nº 16 entre las 100 mejores de la historia del rock argentino, en la encuesta realizada por el sitio rock.com.ar. Las canciones “Bajan”, “Por”, “Todas las hojas son del viento” y “Cementerio Club”, también han sido destacadas entre las 10 mejores del músico.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas compuestos por Luis Alberto Spinetta)
 

  1.  «Todas las Hojas Son del Viento» – 2:13
  2. «Cementerio Club» – 5:00
  3. «Por» – 1:41
  4. «Superchería» – 4:18
  5. «La Sed Verdadera» – 3:31
  6. «Cantata de Puentes Amarillos» – 9:09
  7. «Bajan» – 3:26
  8. «A Starosta, el Idiota» – 3:15
  9. «Las Habladurías del Mundo» – 4:03
Calidad: FLAC