Ciclos y Neurastenias en un mundo cruel

Progresivo

Mike Oldfield – Incantations [Deluxe Edition] (1978-Reed.2011)

 

[Otras Músicas]

 

Entre 1971 y 1973 Mike Oldfield comenzó a ordenar las ideas musicales que bullían en su cabeza. Usando una grabadora de cuatro pistas que le prestó Kevin Ayers, dos pistas en un sentido y las otras dos en el otro, descubrió que si cubría el cabezal de borrado con un trocito de cartón podía grabar en cuatro pistas. De esta forma podría empezar a grabar las ideas necesarias para realizar su gran proyecto: crear una sinfonía, similar a las composiciones de gran escala para orquesta con diferentes movimientos que se podían encontrar en muchas obras de música clásica, pero utilizando para ello instrumentos de toda índole, sobre todo pertenecientes al mundo del pop-rock. Se ha mencionado que la Quinta Sinfonía de Jean Sibelius le influyó profundamente por aquel entonces.

Con la grabadora prestada se metió en el dormitorio de la casa que compartía con los otros miembros del grupo (Kevin Ayers & The Whole World), y las ideas para su nuevo trabajo empezaron lentamente a tomar forma. Ya metido en faena, Mike se decidió a tocar todos los instrumentos él mismo, y pensó que no le sería difícil con su don natural para la música el poder dominar casi cualquier instrumento; desde el xilófono al piano de cola, la guitarra clásica, el órgano Farfisa… Mientras aún trabajaba con Kevin Ayers, ayudaba también en las grabaciones que se hacían en los famosos estudios Abbey Road de Londres, donde tuvo la oportunidad de compartir algunas conversaciones con The Beatles. Pronto descubrió que el estudio tenía un almacén repleto de todo tipo de instrumentos, algunos de los cuales pertenecían al cuarteto de Liverpool, así que se las arreglaba para llegar más temprano y, mientras los demás usuarios del estudio llegaban, él experimentaba con esos instrumentos e incorporaba nuevos sonidos y texturas a su proyecto. Ensimismado en un trabajo que sabía iba a ser revolucionario, se propuso plasmar en él todas las profundas emociones que estaba experimentando como explorador de un campo musical virgen. La obra que estaba componiendo sería, además, un trabajo que se convertiría gradualmente en el vehículo para descargar sus emociones más profundas, y con las que más le estaba costando vivir.

Después de crear una primera maqueta, empezó a recorrer todas las discográficas tratando de convencer a alguien para que apoyase su proyecto. Por toda respuesta obtuvo negativas de las discográficas, que argumentaban que aquello “no era comercial” y que, si en algún caso llegaba a editarse, nadie lo compraría; obviamente, eso le había pasado por poner su fe en aquella poco trabajada maqueta. Tras haber compuesto la hipnótica introducción (la melodía más emblemática de su primera obra), seguiría acordándose de aquello: ¡si tan solo pudiese grabarlo, editarlo y promocionarlo!

El cuarto álbum de estudio de Mike Oldfield, «Incantations», fue producido por Mike Oldfield y publicado por Virgin Records el 24 de noviembre de 1978. Se trata de un álbum doble grabado en Througham Slam, Inglaterra, entre diciembre de 1977 y septiembre de 1978. Durante la composición de “Incantations”, Oldfield se inspiró en poemas acerca de Hiawatha, por Henry Wordsworth Longfellow, y Diana, por Ben Johnson, y leyendas celtas. El resultado es un álbum donde se fusiona rock progresivo con música celta y percusión africana, en un estilo cercano al New Age. Entre los músicos de sesión se encuentran Mike Laird, Pierre Moerlen y Sally Oldfield. “Incantations” llegó al puesto 14 en el Reino Unido durante 14 semanas.

La portada fue nuevamente realizada por Trevor Key. La playa de la fotografía de portada es Cala Pregonda, en Menorca. La funda actual del CD tiene un tipo de letra diferente al de la ilustración del LP original. Las primeras copias del álbum venían con un póster que mostraba una fotografía sutilmente diferente de la utilizada en la portada.

En 2000, Virgin Records reeditó “Incantations” en versión remasterizada para la colección “Mike Oldfield Remasters”. En 2011, Universal reeditó el álbum en un solo CD con el single “Guilty”, como bonus track. La reedición de 2011 del álbum recibió nuevas ilustraciones, mostrando una nueva fotografía de la misma formación rocosa y ninguna imagen de Oldfield. La Edición Deluxe contenía el disco de la edición estándar, así como un segundo disco que contiene singles y otras piezas más pequeñas, y un DVD con mezclas 5.1, vídeos promocionales y una versión en vivo del álbum.

Fuente: Wikipedia

 

 

 

 

CD 1:

  1. «Part One» – 19:11
  2. «Part Two» – 19:34
  3. «Part Three» – 16:58
  4. «Part Four» – 16:57
  5. «Guilty» – 4:14

CD 2:

  1. «Diana» – 6:35
  2. «Northumbrian» – 2:56
  3. «Piano Improvisation» – 5:38
  4. «Hiawatha» – 9:01
  5. «Canon for Two Vibraphones» – 2:49
  6. «William Tell Overture» – 3:55
  7. «Cuckoo Song» – 3:22
  8. «Pipe Tune» – 3:27
  9. «Wrekorder Wrondo» – 2:35
  10. «Guilty» – 6:38
  11. «Diana – Desiderata» – 7:05

Calidad: FLAC

 

 

 


Anathema – Judgement [1999]

[Resubida]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

Anathema es una banda británica fundada en Liverpool en 1990 y que, junto con Paradise Lost y My Dying Bride, colaboró con el desarrollo del doomdeath metal. A partir de su tercer álbum, “Eternity” (1996), Anathema se ha ido alejando paulatinamente de la escena doom e incluso del metal, siendo considerada en la actualidad una banda de rock progresivo y rock alternativo, con influencias de un rock progresivo atmosférico.
 
«Judgement» es el quinto álbum de la banda de rock/metal británica Anathema, grabado y mezclado en los estudios Damage Inc. (Ventimiglia, Italia) entre febrero y abril de 1999 y editado el 21 de junio de 1999 por Music for Nations. Si “Alternative 4” había dejado totalmente atrás el sonido doom, se puede considerar a “Judgement” como el último álbum de Anathema dentro del metal con influencias góticas, es decir, el último en contar con guitarras realmente pesadas, poniendo énfasis en temas lentos y experimentales. Este nuevo sonido ha sido comparado con bandas como Pink Floyd y Jeff Buckley.
 

“One Last Goodbye” fue dedicado a Helen Cavanagh (1949-1998), madre de los hermanos Cavanagh. Las canciones “Deep”, “Pitiless”, “Forgotten Hopes” y “Destiny Is Dead” estaban continuadas entre sí en el álbum original como si formaran una sola pieza del álbum. Los singles editados fueron “Deep” y “Make it Right”.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Deep» – 4:54
  2. «Pitiless» – 3:10
  3. «Forgotten Hopes» – 3:50
  4. «Destiny Is Dead» – 1:46
  5. «Make It Right (F.F.S.)» – 4:19
  6. «One Last Goodbye» – 5:23
  7. «Parisienne Moonlight» – 2:09
  8. «Judgement» – 4:20
  9. «Don’t Look Too Far» – 4:56
  10. «Emotional Winter» – 5:54
  11. «Wings of Good» – 6:29
  12. «Anyone, Anywhere» – 4:50
  13. «2000 & Gone» – 4:50

Calidad: 320 Kbps

 

 

 


Pink Floyd – Live at Pompeii [1972-Reed.2002]

[Resubida]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

Pink Floyd es una banda de rock británica, considerada un icono cultural del rock del siglo xx y una de las bandas más influyentes en la historia de la música, que obtuvo gran popularidad gracias a su música psicodélica que evolucionó hacia el rock progresivo con el paso del tiempo. Es conocido por sus canciones de alto contenido filosófico, la experimentación sónica, las innovadoras portadas de sus discos y sus elaborados espectáculos en vivo. Sus ventas sobrepasan los más de 300 millones de álbumes vendidos en todo el mundo.

Pink Floyd comenzó con gran éxito en la escena underground londinense a finales de los años sesenta, con Syd Barrett como principal compositor. La salida de Barrett hizo que el cantante y bajista Roger Waters se convirtiera gradualmente en la fuerza conductora y dominante en la primera mitad de los años setenta, la época de mayor éxito en ventas de la banda, hasta su abandono en 1985. El grupo grabó durante esta época muchos álbumes que se convirtieron en grandes éxitos comerciales, como “The Dark Side of the Moon” (1973), “Wish You Were Here” (1975), “Animals” (1977) y “The Wall” (1979).

Después de 1973, Pink Floyd se distanció de la psicodelia y se convirtió en una banda difícil de clasificar. Los distintos estilos de cada uno de los compositores confluyeron en uno único, que cristalizó en las dos obras más importantes de su discografía, para crítica y público: “The Dark Side of the Moon” (1973) y “Wish You Were Here” (1975). En ambas obras, Gilmour se convirtió en el principal vocalista de la formación, mientras que los coros femeninos y el saxofón de Dick Parry adquirieron especial relevancia. El ambiente de colaboración se había ido enfriando en la época anterior, hasta que Waters tomó el timón compositivo, en el aspecto musical y letrístico, en el disco “The Dark Side of the Moon”. La última colaboración de Wright como vocalista y como compositor se dio en los temas “Time” y “Shine on You Crazy Diamond”, respectivamente, mientras que las aportaciones compositivas de Gilmour descendieron abruptamente hasta que Waters dejó la banda en 1985.

«Live at Pompeii» es una película documental de un concierto del grupo de rock británico Pink Floyd actuando en el antiguo anfiteatro romano de Pompeya sin público. Las interpretaciones de “Echoes”, “One of These Days” y “A Saucerful of Secrets” fueron filmadas entre el 4 de octubre y el 7 de octubre de 1971, mientras que el resto de canciones fueron filmadas en un estudio de París junto con proyecciones del anfiteatro de Pompeya. Estas secuencias de París fueron filmadas a finales de 1971 y comienzos de 1972, y pueden distinguirse por la presencia de barba de Rick Wright. Esta versión fue distribuida en cines en septiembre de 1972 y también se incluye en la versión en DVD como extras. En agosto de 1974 se publicó otra versión que combina el material de Pompeya con filmaciones durante las sesiones del disco “The Dark Side of the Moon” en los estudios Abbey Road.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

 

  1.  «Logo» — 1:44
  2.  «Intro / Echoes Part 1» — 11:26
  3. «Careful with that Axe, Eugene» — 6:20
  4. «A Saucerful of Secrets» — 9:45
  5. «One of These Days I’m Going to Cut You Into Little Pieces» — 5:19
  6.  «Set the Controls for the Heart of the Sun» — 9:49
  7.  «Echoes Part 2» — 13:00
  8. «Mademoiselle Nobs» (Seamus) — 1:49
  9. «Interviews» — 7:04
  10. «Interviews» — 5:50

Calidad: FLAC

 

 

 


Itoiz – Eremuko Dunen Atzetik Dabil (1988)

 

[Ciclo de Rock Ibérico]

 

Itoiz fue un grupo vasco de folk rock y rock progresivo formado en Motrico en 1978, aunque en realidad la cosa venía de mas atrás. Nació de un grupo de verbena llamado Indar Trabes, en el que estaban todos los futuros miembros de Itoiz. Indar Trabes eran bastante conocidos por el País Vasco, pero eso mismo les movió a no usar ese nombre para su disco, pues el público podría pensar que su música era la misma que tocaban en los bailes de los pueblos.

El primer disco, “Itoiz” (1978), es una absoluta maravilla. El hecho de que cantasen en euskera hizo difícil que el gran público les aceptara en otros lugares. La formación era: Juan Carlos Pérez (voz y guitarra), José Garate (bajo y voz), Antton Fernández (teclados), Joseba Erkiaga (flauta) y Estanis Osinalde (batería), más su mánager Ángel Azkarraga que también figuraba en este primer disco como un miembro más. El disco tiene mucho de folk, un tanto de jazz y bastante de progresivo. “Lau Teilatu” se convertiría en el himno de la banda, una canción que en el País Vasco es muy conocida y los catapultó al éxito. Curiosamente, la letra habla de dos amigos que se encuentran por las fiestas de los pueblos, clara referencia al pasado del grupo por las verbenas.

El grupo se deshizo como consecuencia de los compromisos militares de sus miembros y su líder, Juan Carlos Pérez, decidió sacar un disco en solitario. Toda la música era suya, mientras que para las surrealistas letras recurrió de nuevo a Joseba Alkalde. El disco se llamó “Ezekiel” (1980) y, para aprovechar el tirón de “Lau Teilatu”, acabó apareciendo bajo el nombre de Itoiz, pese a que sólo Fernández y Erkiaga colaboraban en él junto a Pérez. El resto eran músicos de estudio contratados para la ocasión. Sin embargo, el resultado fue extraordinario. Un paso adelante en el sonido aventurero del grupo, que incorpora cantantes femeninas en algún tema y bastantes novedades instrumentales como el uso de saxo, violín o cuatro. Todos los títulos de las canciones hacen referencia al personaje de Ezekiel, para acentuar el carácter conceptual del disco, aunque se puede decir que son letras de difícil entendimiento.

Tras este disco vuelve Foisis, una vez acabada la mili, e Itoiz continúa su trayectoria como grupo. Su siguiente trabajo es “Alkolea” (1982) que significa un cierto paso atrás. Todas las canciones son de Pérez, salvo “Marilyn: sagardotegia eta jazzmana”, un curioso reggae con órgano de Antton Fernández. La formación se ve alterada por la marcha de Joseba Erkiaga, que solo colabora en una de las canciones con la gaita gallega, sustituyéndole un segundo guitarrista, German Ors. A partir de ese momento, Itoiz siempre tendría otro guitarrista, aunque hubo mucha variación en este puesto. También se marcho Osinalde, que seria sustituido en el disco por Ángel Celada. Igualmente tienen a Paco Chamorro con el saxo.

De todos modos, “Alkolea” es un disco estimable, aunque inferior a sus dos formidables predecesores. Un tanto más popero, eso sí, pero todavía nada demasiado preocupante. O eso parecía hasta que apareció “Musikaz Blai” (1983). Itoiz se tiran de cabeza al pop, más bien al ska, impulsados por su nuevo guitarrista Jean Mari Ecay. Aparte de eso, contratan a una especie de caja de ritmos humana llamada Jimmy Arrabit y mantienen al resto de la formación. En este disco se perdió toda la magia del grupo.

No obstante, las ventas del disco son muy buenas y el grupo es cada vez más popular en el País Vasco, así que insisten y siguen haciendo mas de lo mismo en “Espaloian” (1985). Antton Fernández deja el grupo e Itoiz queda reducido a un cuarteto (Pérez, Ecay, Garate y Arrabit), a los que se une una serie de músicos de estudio. El peso de Ecay en el grupo es tan grande que Pérez solamente canta en este disco, todas las guitarras (y parte del bajo) corresponden al francés. Para dar una idea de donde quedaron los tiempos progresivos, el disco se cierra con una canción llamada “Clash eta Pistols”.

Itoiz intenta expandir su mercado y, con la mirada puesta en Francia, graban un mini-LP en Paris con titulo en francés, “Ambulance” (1987). Fue lo mejor de toda esta época popera, aunque a años luz de los tres primeros discos. Tal vez por la marcha de Jean Mari Ecay, que es sustituido por Xabi Pery.

De todos modos, Itoiz estaba acabado. El grupo decide que su época ha terminado y se despide con un disco en directo, «…Eremuko Dunen Atzetik Dabil» (1988), grabado en vivo los días 11 y 12 de agosto de 1987 y editado en un doble vinilo por Elkar. Casi todas las canciones son de los dos últimos discos, dejando para el final las cuatro únicas procedentes de los tres primeros, nada de “Musikaz Blai”.

Fuente: NuevaOla80 / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Intro» – 4:12
  2. «Non Nangoen» – 3:20
  3. «Egun Motela» – 5:10
  4. «Igandean» – 4:54
  5. «Zuk Ez Duzu Nahi» – 4:43
  6. «Desolatio» – 4:29
  7. «Elurretan» – 4:42
  8. «Espaloian» – 3:39
  9. «Tximeleta Reggae» – 3:37
  10. «Ambulance» – 4:27
  11. «Hegal Egiten» – 4:45
  12. «Non Podo Mais» – 4:40
  13. «Marilyn» – 3:40
  14. «Ezekielen Prophezia» – 4:36
  15. «Foisis Jauna» – 2:43
  16. «Lau Teilatu» – 4:50

Calidad: 320 Kbps

 

 

Gracias al compañero Bizio por este archivo.

 

 

 


Alan Parsons Project – Vulture Culture (1985)

[Resubida]

 

[Otras Músicas]

 

 

The Alan Parsons Project fue un grupo británico de rock progresivo formado en 1975 en Londres y activo hasta 1990. Liderado por el productor, ingeniero y compositor Alan Parsons y el productor ejecutivo, compositor y vocalista Eric Woolfson, en él participaron varios músicos de estudio y un grupo amplio de cantantes. En conjunto grabaron un total de 11 discos, acreditándose la mayoría de las canciones como Parsons/Woolfson, que lograron vender más de 50.000.000 de copias.

La mayoría de los discos de The Alan Parsons Project son álbumes conceptuales que comienzan con una canción instrumental que se fusiona con la segunda canción. También suele incluir una canción instrumental, en lo que sería el comienzo de la cara B, y finaliza con una canción energética y poderosa o melancólica y de tiempo lento. Una característica destacable es que en cada disco interpretan los temas varios cantantes invitados como Lenny Zakatek, John Miles, Gary Brookers, Chris Rainbow o Colin Blunstone, ejerciendo Eric Woolfson como cantante de manera esporádica. Por contra existe un grupo reducido y bastante estable de músicos de estudio que participaron con regularidad en las grabaciones como el arreglista y director de orquesta Andrew Powell, el guitarrista Ian Bairnson, el bajista y vocalista David Paton o el percusionista Stuart Elliot.

Alan Parsons y Eric Woolfson se conocieron en el verano de 1974 durante unas sesiones de trabajo en los Estudios Abbey Road. En aquel momento Parsons ejercía labores de ingeniero de sonido para Pink Floyd y por su parte Woolfson, letrista y compositor, era músico de estudio y estaba creando un disco inspirado en las obras de Edgar Allan Poe. Fruto de su encuentro decidieron unir sus talentos repartiéndose funciones: Parsons ejercería de productor y realizaría labores de ingeniería de sonido en las canciones compuestas por ambos. Su primera referencia se editó en mayo de 1976 “Tales of Mystery and Imagination”, que se convirtió en un éxito, alcanzando el Top40 de la lista Billboard.

El grupo lanzó diez discos más, con un gran cuidado en la producción y creatividad, como “I Robot” (1977). Gozó de gran popularidad entre 1980 y 1985 con los álbumes “The Turn of a Friendly Card” (1980) o “Eye in the Sky” (1982), “Ammonia Avenue” (1983) y “Vulture Culture” (1984). Algunas de sus canciones más destacadas son “Don’t Answer Me”, “Time”, “Eye in the Sky”, “Lucifer”, “Silence & I” o “Games People Play”. Hasta 2015 se han editado además 14 discos recopilatorios con las canciones de diferentes etapas.

«Vulture Culture» (en castellano: La Cultura del Buitre) es el octavo álbum de The Alan Parsons Project, grabado en los Abbey Road Studios de Londres entre mayo y julio de 1984, producido por Alan Parsons y Eric Woolfson, y editado en febrero de 1985 por Arista Records. Se pensó originalmente como el disco dos en un álbum doble, del cual “Ammonia Avenue” iba a ser el disco uno. Finalmente ambos fueron editados por separado. La portada muestra una suerte de pulsera metálica representando un uróboros devorando su propia cola, alegoría que -entre otros conceptos- simbolizaba el devenir cíclico de las cosas (aunque en este caso el reptil posee cabeza de buitre).

Siguiendo con el sello estilístico propio de la banda, el disco incluye una mezcla de canciones pop rock accesibles, contrastadas con otras de corte más progresivo y experimental. Aunque la música de The Alan Parsons Project fue virando hacia el sonido FM a lo largo de los años 80, la calidad musical se mantuvo fiel a sus orígenes.

El single principal, “Let’s Talk About Me”, alcanzó el “Top 40” alemán, y el álbum tuvo muy buena acogida en Europa continental. La recepción en Estados Unidos de Norteamérica fue tibia pero llegó a ser certificado disco de oro.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas compuestos por Alan Parsons y Eric Woolfson)
 

  1.  «Lets Talk About Me» – 4:22
  2.  «Separate Lives» – 4:42
  3. «Days Are Numbers (The Traveller)» – 4:02
  4. «Sooner or Later» – 4:26
  5. «Vulture Culture» – 5:21
  6. «Hawkeye» – 3:48
  7. «Somebody Out There» – 4:56
  8. «The Same Old Sun» – 5:24

Calidad: FLAC

 

 

 


Alan Parsons Project – Eve (1979-Reed.1990)

 

[Otras Músicas]

 

 

The Alan Parsons Project fue un grupo británico de rock progresivo formado en 1975 en Londres y activo hasta 1990. Liderado por el productor, ingeniero y compositor Alan Parsons y el productor ejecutivo, compositor y vocalista Eric Woolfson, en él participaron varios músicos de estudio y un grupo amplio de cantantes. En conjunto grabaron un total de 11 discos, acreditándose la mayoría de las canciones como Parsons/Woolfson, que lograron vender más de 50.000.000 de copias.

La mayoría de los discos de The Alan Parsons Project son álbumes conceptuales que comienzan con una canción instrumental que se fusiona con la segunda canción. También suele incluir una canción instrumental, en lo que sería el comienzo de la cara B, y finaliza con una canción energética y poderosa o melancólica y de tiempo lento. Una característica destacable es que en cada disco interpretan los temas varios cantantes invitados como Lenny Zakatek, John Miles, Gary Brookers, Chris Rainbow o Colin Blunstone, ejerciendo Eric Woolfson como cantante de manera esporádica. Por contra existe un grupo reducido y bastante estable de músicos de estudio que participaron con regularidad en las grabaciones como el arreglista y director de orquesta Andrew Powell, el guitarrista Ian Bairnson, el bajista y vocalista David Paton o el percusionista Stuart Elliot.

Alan Parsons y Eric Woolfson se conocieron en el verano de 1974 durante unas sesiones de trabajo en los Estudios Abbey Road. En aquel momento Parsons ejercía labores de ingeniero de sonido para Pink Floyd y por su parte Woolfson, letrista y compositor, era músico de estudio y estaba creando un disco inspirado en las obras de Edgar Allan Poe. Fruto de su encuentro decidieron unir sus talentos repartiéndose funciones: Parsons ejercería de productor y realizaría labores de ingeniería de sonido en las canciones compuestas por ambos. Su primera referencia se editó en mayo de 1976 “Tales of Mystery and Imagination”, que se convirtió en un éxito, alcanzando el Top40 de la lista Billboard.

El grupo lanzó diez discos más, con un gran cuidado en la producción y creatividad, como “I Robot” (1977). Gozó de gran popularidad entre 1980 y 1985 con los álbumes “The Turn of a Friendly Card” (1980) o “Eye in the Sky” (1982), “Ammonia Avenue” (1983) y “Vulture Culture” (1984). Algunas de sus canciones más destacadas son “Don’t Answer Me”, “Time”, “Eye in the Sky”, “Lucifer”, “Silence & I” o “Games People Play”. Hasta 2015 se han editado además 14 discos recopilatorios con las canciones de diferentes etapas.

«Eve» es el cuarto álbum de The Alan Parsons Project, grabado en los Super Bear Studios de Londres entre diciembre de 1978 y junio de 1979, producido por Alan Parsons y Eric Woolfson, y editado en agosto de 1979 por Arista Records. La temática se centra en aspectos particularmente humanos, como las relaciones afectivas hombre-mujer (“If I Could Change Your Mind”), las fortalezas y fe ocultas del hombre (“Don’t Hold Me Back”) y la esperanza y el romanticismo, aspectos tradicionalmente ajenos a la temática de la mayoría de las obras de Alan Parsons. Un álbum bastante atípico en comparación al resto de su obra, el cual jamás deja de relucir en sus arreglos y creatividad electrónica (“Lucifer”, “I’d Rather Be a Man”).

El instrumental “Lucifer” fue un hit en Europa, mientras que “Damned If I Do” alcanzó el Top 30 americano. Generalmente es con esta pieza con la que el grupo abre en sus conciertos.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas compuestos por Alan Parsons y Eric Woolfson)
 

  1.  «Lucifer» – 5:06
  2.  «You Lie Down with Dogs» – 3:46
  3. «I’d Rather Be a Man» – 3:53
  4. «You Won’t Be There» – 3:34
  5. «Winding Me Up» – 4:04
  6. «Damned if I Do» – 4:48
  7. «Don’t Hold Back» – 3:37
  8.  «Secret Garden» – 4:41
  9. «If I Could Change Your Mind» – 5:43

Calidad: FLAC

 

 

 


Alan Parsons Project – Pyramid (1978-Reed.1988)

[Resubida]

 

[Otras Músicas]

 

 

The Alan Parsons Project fue un grupo británico de rock progresivo formado en 1975 en Londres y activo hasta 1990. Liderado por el productor, ingeniero y compositor Alan Parsons y el productor ejecutivo, compositor y vocalista Eric Woolfson, en él participaron varios músicos de estudio y un grupo amplio de cantantes. En conjunto grabaron un total de 11 discos, acreditándose la mayoría de las canciones como Parsons/Woolfson, que lograron vender más de 50.000.000 de copias.

La mayoría de los discos de The Alan Parsons Project son álbumes conceptuales que comienzan con una canción instrumental que se fusiona con la segunda canción. También suele incluir una canción instrumental, en lo que sería el comienzo de la cara B, y finaliza con una canción energética y poderosa o melancólica y de tiempo lento. Una característica destacable es que en cada disco interpretan los temas varios cantantes invitados como Lenny Zakatek, John Miles, Gary Brookers, Chris Rainbow o Colin Blunstone, ejerciendo Eric Woolfson como cantante de manera esporádica. Por contra existe un grupo reducido y bastante estable de músicos de estudio que participaron con regularidad en las grabaciones como el arreglista y director de orquesta Andrew Powell, el guitarrista Ian Bairnson, el bajista y vocalista David Paton o el percusionista Stuart Elliot.

Alan Parsons y Eric Woolfson se conocieron en el verano de 1974 durante unas sesiones de trabajo en los Estudios Abbey Road. En aquel momento Parsons ejercía labores de ingeniero de sonido para Pink Floyd y por su parte Woolfson, letrista y compositor, era músico de estudio y estaba creando un disco inspirado en las obras de Edgar Allan Poe. Fruto de su encuentro decidieron unir sus talentos repartiéndose funciones: Parsons ejercería de productor y realizaría labores de ingeniería de sonido en las canciones compuestas por ambos. Su primera referencia se editó en mayo de 1976 “Tales of Mystery and Imagination”, que se convirtió en un éxito, alcanzando el Top40 de la lista Billboard.

El grupo lanzó diez discos más, con un gran cuidado en la producción y creatividad, como “I Robot” (1977). Gozó de gran popularidad entre 1980 y 1985 con los álbumes “The Turn of a Friendly Card” (1980) o “Eye in the Sky” (1982), “Ammonia Avenue” (1983) y “Vulture Culture” (1984). Algunas de sus canciones más destacadas son “Don’t Answer Me”, “Time”, “Eye in the Sky”, “Lucifer”, “Silence & I” o “Games People Play”. Hasta 2015 se han editado además 14 discos recopilatorios con las canciones de diferentes etapas.

«Pyramid» es el tercer álbum de The Alan Parsons Project, grabado y mezclado en los Abbey Road Studios de Londres entre septiembre de 1977 y febrero de 1978, producido por Alan Parsons, y editado en mayo de 1978 por Arista Records. Se trata de un álbum conceptual centrado en la pirámides de Gizeh (o Gizah). En el momento en que se concibió el álbum, el interés en el poder de la pirámide y Tutankhamon estaba muy extendido en Estados Unidos de Norteamérica y el Reino Unido. Las notas interiores dicen “Desde el ascenso y la caída de una antigua dinastía, hasta la búsqueda de una llave para descubrir los secretos del universo, este álbum busca amplificar los ecos inquietantes del pasado y explorar los misterios no resueltos del presente. Pirámide… la última maravilla restante del mundo antiguo”.

Aunque “Pyramid” no tenga una continuidad en lo musical, la tiene en lo lírico. En las letras, a lo largo del disco, se puede apreciar una reflexión acerca del poder del destino sobre las ideas y proyectos de los humanos (simples criaturas mortales cuya esencial fragilidad se hace notar desde la perspectiva global de la historia y del orden del universo). Este concepto se refleja sobre todo en la canción que cierra la cara A del LP, “Can’t Take It With You”, en el que se sostiene la idea de que la muerte significa la interrupción de cualquier proyecto que se tenga en mente para el futuro.

El álbum también incursiona en el new wave, un género que estaba surgiendo en Gran Bretaña en el momento de la grabación del álbum. Muchos artistas progresistas y de soft rock incorporaron este estilo en sus álbumes durante el período comprendido entre finales de 1977 y 1979. En este álbum, el género es levemente evidente, a través del ritmo, en canciones como “Can’t Take It With You” e inmensamente en otros como “Pyramania”.

La portada del álbum corrió a cargo del estudio gráfico Hipgnosis, que ya trabajó con The Alan Parsons Project en otros álbumes. “Pyramid” fue nominado para el premio Grammy de 1978 por el mejor álbum de ingeniería no clásico. El disco fue nº 13 en Noruega, nº 25 en Canadá, nº 26 en EUNA y nº 49 en Reino Unido.

El álbum fue reeditado en formato CD por primera vez en 1984 por Arista Records en Europa y remasterizado en 1988 por Arista. Este archivo corresponde a esta última reedición.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas compuestos por Alan Parsons y Eric Woolfson)
 

  1.  «Voyager» – 2:24
  2.  «What Goes Up…» – 3:31
  3. «The Eagle Will Rise Again» – 4:20
  4. «One More River» – 4:15
  5. «Can’t Take It With You» – 5:05
  6. «In the Lap of the Gods» – 5:27
  7. «Pyramania» – 2:44
  8.  «Hyper-Gamma-Spaces» – 4:19
  9. «Shadow of a Lonely Man» – 5:34

Calidad: FLAC

 

 

 


Roger Waters – Radio K.A.O.S. [1987]

[Resubida 2ª]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

George Roger Waters (Surrey, Reino Unido, 6 de septiembre de 1943),​ más conocido como Roger Waters, es un músico, compositor y activista británico. Es conocido por ser uno de los fundadores y miembro del grupo musical Pink Floyd, convirtiéndose tras la marcha de Syd Barrett en el compositor y conceptual de la banda. Además de ser el bajista, también compartió el lugar de cantante principal. Con él, Pink Floyd alcanzó éxito mundial en la década de 1970 gracias a sus álbumes conceptuales The Dark Side of the Moon, Wish You Were Here, Animals y The Wall. Dejó la banda en 1985 debido a diferencias creativas y legales con los otros integrantes.

Grabó en estudio cuatro discos en solitario: “The Pros and Cons of Hitch Hiking” (1984), “Radio K.A.O.S.” (1987), “Amused to Death” (1992) e “Is This the Life We Really Want?” (2017). En 1986, contribuyó a la banda sonora de la película “Cuando el viento sopla”. En 1990, organizó uno de los conciertos con más asistencia de la historia, “The Wall – Live in Berlin”, con 300 000 espectadores. En 1996, fue admitido en el Salón de la Fama del Rock de Estados Unidos y del Reino Unido como miembro de Pink Floyd.

El segundo álbum de estudio (tercero si incluimos la banda sonora del film “When the Wind Blows”) del cofundador de Pink Floyd, Roger Waters, en solitario fue «Radio K.A.O.S.», editado en junio de 1987 a través de EMI (en Reino Unido) y Columbia Records (en EUNA). El disco, como sus álbumes previos y muchos de sus trabajos durante su periodo en Pink Floyd, es un álbum conceptual. La temática se centra en torno a una serie de factores clave de la política en la década de 1980, como el monetarismo y su efecto en los ciudadanos. También critica el gobierno de Margaret Thatcher, como ya hizo en “The Final Cut” con Pink Floyd, otro álbum del que Waters fue autor. Otras influencias que concurren en el disco incluyen también la cultura popular de los años 80, así como las opciones y consecuencias de la Guerra Fría y su efecto sobre la política y la sociedad mundiales.

El trabajo nos muestra a Billy, un discapacitado físico y mental de Gales, quien es forzado a vivir con su tío David en Los Ángeles después de que su hermano Benny sea encarcelado por protestar contra el gobierno, tras su despido de su puesto de trabajo en la minería, debido a las “fuerzas del mercado”. El álbum explora el pensamiento y punto de vista de Billy acerca del mundo a través de una conversación en el aire entre él y Jim, un DJ en una emisora de radio local ficticia llamada Radio KAOS.

Internacionalmente, “Radio K.A.O.S.” sólo entró en listas de ventas de dos países, alcanzando el número 25 en el Reino Unido y el número 50 en los Estados Unidos Norteamericanos. El álbum tuvo cuatro singles: “Radio Waves” fue lanzado como sencillo principal, llegando al puesto número 74 en el Reino Unido; “Sunset Strip” llegó al n° 15 en EUNA; “The Tide Is Turning” alcanzó el n° 54 en Reino Unido, y “Who Needs Information”, que no entró en listas.

El arte y estilo visual del diseño del álbum está basado en el código Morse.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas de Roger Waters)
 

  1.  «Radio Waves» – 4:58
  2.  «Who Needs Information» – 5:55
  3. «Me or Him» – 5:23
  4. «The Powers that Be» – 4:36
  5. «Sunset Strip» – 4:45
  6.  «Home» – 6:00
  7.  «Four Minutes» – 4:00
  8. «The Tide Is Turning (After Live Aid)» – 5:43

Calidad: 320 Kbps

 

 

 


Mike Oldfield – Tubular Bells II (1992)

[Resubida]

 

[Otras Músicas]

 

«Tubular Bells II» es el decimoquinto álbum de Mike Oldfield, grabado en Los Ángeles en 1992, con producción de Trevor Horn, y editado con su nueva discográfica, Warner Music, en agosto del mismo año. El álbum se concibió como una secuela del disco Tubular Bells de 1973. A este le siguió Tubular Bells III en 1998.

La discográfica Virgin Records había estado presionando durante varios años a Oldfield para que publicara una secuela de “Tubular Bells” antes de que terminara su contrato con ellos, pero Oldfield estaba dudando si hacerlo o no. A pesar de todo, el penúltimo disco que hizo con Virgin, “Amarok”, fue más o menos una secuela conceptual de su disco de 1976 “Ommadawn”.

Para “Tubular Bells II”, Oldfield contó con la ayuda de Tom Newman, que también le había ayudado con el original y con Trevor Horn. “Early Stages” es una primera versión de lo que más tarde se convertiría en “Sentinel” se incluyó en la Cara B del single “Sentinel”.

“Tubular Bells II” sigue en parte la estructura musical de “Tubular Bells”. Se cogieron los temas del original y se recompusieron y se tocaron con más instrumentos. El resultado, un álbum con las mismas variaciones temáticas pero musicalmente nuevo. De hecho, muchos temas se pueden considerar como variaciones de temas de “Tubular Bells”, mientras que otros no tienen mucho que ver salvo las sensaciones que puedan generar.

Si en “Tubular Bells” encontramos un tema recurrente, es a partir del final de “Sentinel” donde aparece un tema, siendo al final de “The Bell” donde se hace más notable. Y también, al contrario que el tema final de Tubular Bells, “Moonshine” es una composición original de Oldfield.

El actor inglés Alan Rickman, fue el encargado de anunciar los instrumentos al final de la primera mitad. Y en el estreno en Edimburgo el papel lo interpretó John Gordon Sinclair. Algunos de los títulos se cogieron de los relatos cortos de Arthur C. Clarke, incluyendo “Sentinel” y “Sunjammer”. Otros títulos pueden hacer referencia a la ciencia ficción o al espacio en general, como por ejemplo “Dark Star” y “Weightless”. “Dark Star” es también el título de una película de ciencia ficción de John Carpenter, que salió en 1973, el mismo año de publicación de Tubular Bells.

El álbum vuelve a utilizar el mismo tubo metálico (representando a un tubo de campanas tubulares. Es de color dorado sobre un fondo azul, al contrario que el del anterior disco, en el que la campana es gris sobre un fondo marítimo. Ambas imágenes fueron hechas por Trevor Key. “Tubular Bells II” llegó al puesto 1 en el Reino Unido y al puesto 5 de la lista de álbumes de New Age en 1992.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas de Mike Oldfield)
 

  1.  «Sentinel» – 8:06
  2. «Dark Star» – 2:16
  3. «Clear Light» – 5:47
  4. «Blue Saloon» – 2:58
  5. «Sunjammer» – 2:32
  6. «Red Dawn» – 1:49
  7. «The Bell» – 6:55
  8. «Weightless» – 5:43
  9. «The Great Plain» – 4:46
  10. «Sunset Door» – 2:23
  11. «Tattoo» – 4:14
  12. «Altered State» – 5:12
  13. «Maya Gold» – 4:00
  14. «Moonshine» – 2:20

Calidad: FLAC

 

 

 


Pink Floyd – The Final Cut [1983]

[Resubida 3ª]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

Pink Floyd es una banda de rock británica, considerada un icono cultural del rock del siglo xx y una de las bandas más influyentes en la historia de la música, que obtuvo gran popularidad gracias a su música psicodélica que evolucionó hacia el rock progresivo con el paso del tiempo. Es conocido por sus canciones de alto contenido filosófico, la experimentación sónica, las innovadoras portadas de sus discos y sus elaborados espectáculos en vivo. Sus ventas sobrepasan los más de 300 millones de álbumes vendidos en todo el mundo.

Pink Floyd comenzó con gran éxito en la escena underground londinense a finales de los años sesenta, con Syd Barrett como principal compositor. La salida de Barrett hizo que el cantante y bajista Roger Waters se convirtiera gradualmente en la fuerza conductora y dominante en la primera mitad de los años setenta, la época de mayor éxito en ventas de la banda, hasta su abandono en 1985. El grupo grabó durante esta época muchos álbumes que se convirtieron en grandes éxitos comerciales, como “The Dark Side of the Moon” (1973), “Wish You Were Here” (1975), “Animals” (1977) y “The Wall” (1979).

Después de 1973, Pink Floyd se distanció de la psicodelia y se convirtió en una banda difícil de clasificar. Los distintos estilos de cada uno de los compositores confluyeron en uno único, que cristalizó en las dos obras más importantes de su discografía, para crítica y público: “The Dark Side of the Moon” (1973) y “Wish You Were Here” (1975). En ambas obras, Gilmour se convirtió en el principal vocalista de la formación, mientras que los coros femeninos y el saxofón de Dick Parry adquirieron especial relevancia. El ambiente de colaboración se había ido enfriando en la época anterior, hasta que Waters tomó el timón compositivo, en el aspecto musical y letrístico, en el disco “The Dark Side of the Moon”. La última colaboración de Wright como vocalista y como compositor se dio en los temas “Time” y “Shine on You Crazy Diamond”, respectivamente, mientras que las aportaciones compositivas de Gilmour descendieron abruptamente hasta que Waters dejó la banda en 1985.

«The Final Cut» —en castellano: El corte final— es el duodécimo álbum de estudio de la banda británica de rock progresivo Pink Floyd. Grabado entre julio y diciembre de 1982 con producción de Roger Waters, se lanzó al mercado en marzo de 1983 a través de la compañía discográfica Harvest Records en el Reino Unido y varias semanas después a través de Columbia Records en Estados Unidos de Norteamérica. Se trata de un álbum conceptual, sin la participación de Rick Wright quien fue despedido por Waters en 1981, y es el último de la banda en contar con la participación de Roger Waters, quien aparece acreditado como compositor y letrista de todas las canciones del disco. La mayoría de ellas cuentan con la voz de Waters como vocalista principal; el guitarrista líder David Gilmour aporta su voz a sólo una de las doce canciones del disco, “Not Now John”.

“The Final Cut” se planeó como banda sonora para la película de 1982 “Pink Floyd The Wall”. Bajo su título inicial “Spare Bricks”, la idea era que contuviese canciones de “The Wall” sin cambios o simplemente regrabadas para la película. Algunos ejemplos incluían “When the Tigers Broke Free” y “Bring the Boys Back Home”. Sin embargo, el bajista, vocalista principal y principal compositor Roger Waters planeaba incluir además material nuevo para expandir la narrativa de “The Wall”. Finalmente se le cambió el nombre a “The Final Cut”, que es una referencia a la obra “Julio César” del dramaturgo inglés William Shakespeare: “This was the most unkindest cut of all”.​ “When the Tigers Broke Free” se lanzó como sencillo el 26 de julio de 1982, con “Bring the Boys Back Home” como Cara B.

Debido a la guerra de las Malvinas, Waters decidió cambiar de dirección y comenzó a componer material nuevo. Siendo un socialista de corazón, vio la respuesta de invasión de la Primera Ministra del Reino Unido Margaret Thatcher como algo innecesario y jingoísta, por lo que decidió dedicar el nuevo álbum – titulado provisionalmente “Requiem for a Post-War Dream”— a su padre, Eric Fletcher Waters (muerto en la Segunda Guerra Mundial). Esta nueva dirección creativa creó una serie de disputas entre Waters y Gilmour. Varias piezas musicales de The Wall, incluyendo “Your Possible Pasts”, “One of the Few”, “The Final Cut” y “The Hero’s Return”, se habían apartado para “Spare Bricks”. A pesar de que Pink Floyd había reutilizado material antiguo en otras ocasiones, Gilmour sentía que no era lo suficientemente bueno para el nuevo disco. Quería componer material nuevo, pero Waters tenía dudas, ya que Gilmour prácticamente no había contribuido con letras en los últimos tiempos.

Recién comenzada la guerra de las Malvinas, Waters la convirtió en una crítica a la guerra, además de tratar lo que él consideraba la traición para con su padre. Repitiendo el estilo de ópera rock de su predecesor, “The Wall” (1979), se grabó en ocho estudios distintos de Inglaterra, entre julio y diciembre de 1982. Al igual que en la mayoría de la discografía de Pink Floyd, se contrataron una gran cantidad de músicos de sesión como colaboradores, aunque la grabación del mismo estuvo dominada por la creciente tensión entre Waters y el resto de la banda, especialmente Gilmour. El diseño artístico corrió a cargo de Waters, reflejando el contenido del álbum. “The Final Cut” llegó a lo más alto de la lista británica de álbumes, aunque recibió críticas mezcladas.

Para acompañar al álbum, se lanzaron 4 cortometrajes llamados: “The Final Cut”. La película, basada en una selección de canciones del disco,​ fue producida por Waters y dirigida por su cuñado Willie Christie. Para su elaboración se usaron cuatro canciones: “The Gunner’s Dream”, “The Final Cut”, “The Fletcher Memorial Home” y “Not Now John”. En ella se ve a Waters contándole sus secretos más íntimos a un psiquiatra llamado A. Parker-Marshall. También aparece en la película Alex McAvoy, quien ya había participado en “Pink Floyd The Wall”.

Después del lanzamiento del álbum cada miembro de la banda se concentró en sus proyectos en solitario, aunque poco después Waters anunció que dejaba el grupo, además de intentar que Gilmour y el batería Nick Mason nunca volviesen a utilizar el nombre de Pink Floyd. Con posterioridad Gilmour ha expresado en varias ocasiones su desagrado con gran parte de “The Final Cut”, muchas veces viéndose como una obra en solitario de Waters. Ninguna de las canciones del disco han sido tocadas en directo por Pink Floyd, aunque algunas sí ha tocado Waters en sus giras en solitario.

En 2004, la remasterización del álbum incluyó el tema “When the Tigers Broke Free” que apareció en “Pink Floyd The Wall” y en el álbum “Echoes: The Best of Pink Floyd”.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas de Roger Waters)
 

  1.  «The Post War Dream» — 3:00
  2.  «Your Possible Pasts» — 4:21
  3. «One of the Few» — 1:25
  4. «The Hero’s Return» — 2:57
  5. «The Gunner’s Dream» — 5:04
  6.  «Paranoid Eyes» — 3:45
  7.  «Get Your Filthy Hands Off My Desert» — 1:18
  8. «The Fletcher Memorial Home» — 4:10
  9. «Southampton Dock» — 2:05
  10. «The Final Cut» — 4:52
  11. «Not Now John» — 5:02
  12. «Two Suns in the Sunset» — 5:17

Calidad: FLAC

 

 

 


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