Ciclos y Neurastenias en un mundo cruel

Rock Latino

Bersuit Vergarabat – Libertinaje [1998]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

Bersuit Vergarabat, originalmente llamados Bersuit Vergarabat Van de Ir y conocidos como La Bersuit, es un grupo de rock argentino, originario del barrio de Barracas, al sur de la ciudad de Buenos Aires, formado en 1988. Se hicieron notables a finales de los años noventa por combinar este género musical con ritmos latinoamericanos —como la cumbia, el tango, la murga, el reggae, la chacarera y el candombe— y letras cargadas de críticas hacia el sistema político y la sociedad.

Desde su primer trabajo debut, la obra de Bersuit Vergarabat se caracterizó por contener mensajes en contra del menemismo y críticas hacia políticos como Carlos Menem, Domingo Cavallo, Eduardo Duhalde, Carlos Ruckauf, entre otros. Las letras de sus canciones fueron censuradas y, en otros casos, los canales de televisión que trasmitían sus videoclips fueron demandados y tuvieron que pagar multas por los ataques que sufrían ciertos políticos, como también por las críticas a la sociedad argentina de los 90.

Pese a la censura, esto no hizo decaer la popularidad de la banda que comenzó a gozar de masividad y se convirtió en uno de los grupos más importantes del rock argentino y uno de los principales de Latinoamérica.

Pasó por diversas formaciones y su alineación más famosa estuvo constituida por: Gustavo Cordera (voz), Juan Subirá (teclados, acordeón y voz), Carlos Martín (batería y percusión), Oscar Righi (guitarra eléctrica), Pepe Céspedes (bajo y voz), Daniel Suárez (voz y coros), Alberto Verenzuela (guitarra) y Germán “Cóndor” Sbarbati (voz, coros y charango).

Una de las características de la banda es su forma de vestir en sus conciertos, al disfrazarse con pijamas que es en sí, un homenaje a los internos de la residencia psiquiátrica del Hospital Municipal José Tiburcio Borda de Buenos Aires y una respuesta contraria al atuendo de cuero, que usan los grupos normalmente vinculados con el rock y heavy metal. La banda ha demostrado una afinidad por todo lo relacionado con la locura y la marginación.

Además de encontrar el éxito en Buenos Aires y luego en todo el país, Bersuit Vergarabat ha atraído a aficionados de muchos países de América Latina, así como España, Estados Unidos, Reino Unido, Alemania, Japón entre otros. El éxito de la banda más allá de América Latina, depende en gran medida de su capacidad de reinventarse constantemente.

La banda entró en un receso durante el 2009, con la idea de que cada músico se dedicara a diferentes proyectos personales. Tras desavenencias entre su vocalista y los demás integrantes, debido a que el primero prefirió seguir con su carrera como solista, en en el año 2011 la agrupación volvería a los escenarios sin Gustavo Cordera.

Algunas de sus canciones más difundidas son “El tiempo no para” (cover de Cazuza), “Espíritu de esta selva”, “Yo tomo”, “Se viene”, “Sr. Cobranza” (cover de Las Manos de Filippi), “La argentinidad al palo”, “La bolsa”, “Negra murguera”, “La soledad”, “Mi caramelo”, “Sencillamente”, “Un pacto», “Esperando el impacto”, “Murguita del sur”, entre otras.

El álbum que hizo conocida a la banda a nivel nacional e internacional fue «Libertinaje», doble platino en Argentina, grabado entre abril y mayo de 1998 en los Estudios Panda de Buenos Aires y entre junio y julio en La Casa, producido por Gustavo Santaolalla y editado ese mismo año por Universal Music, a través de su sello Surco. Tras la partida de Sadrinas en 1996, ingresan Daniel Suárez y Germán Sbarbati; estos dos últimos, habían integrado una banda llamada Resortes Antagónicos, grupo que editó dos trabajos discográficos y poco tiempo después Héctor «Limón» García, líder y vocalista de Vía Varela, ingresaría a realizar los coros.

El disco fue muy criticado por los seguidores del gobierno del ex-presidente argentino Carlos Menem debido a las letras profundamente políticas y antimenemistas, como en el caso del corte de difusión del disco «Sr. Cobranza», una versión del tema de Las Manos de Filippi. Este material, catapultó a la banda al estrellato nacional e internacional, iniciando una gira de presentación en toda Argentina, Latinoamérica, España y Estados Unidos de Norteamérica.

La canción “Sr. Cobranza” (autoría de Las Manos de Filippi y popularizada por Bersuit Vergarabat) fue censurada por el Comité Federal de Radiodifusión (COMFER) debido a los ataques verbales que sufrían políticos argentinos en la letra. Esta canción logró entrar dentro del conteo de Las 100 grandiosas canciones de los 90s en castellano por la cadena de televisión musical VH1 Latinoamérica, obteniendo el puesto #72 de dicha lista. Además de “Sr. Cobranza”, entre los sencillos más destacados, se encuentran: “Se viene”, “Murguita del sur”, “Vuelos” y “¿Que pasó?”.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

 

  1.  «Yo Tomo» – 3:32
  2.  «A los Tambores» – 3:22
  3. «De Onda» – 3:01
  4. «Se Viene» – 3:25
  5. «Murguita del Sur» – 4:16
  6. «Sr. Cobranza» – 4:19
  7. «Vuelos» – 4:24
  8. «Gente de Mierdas» – 2:46
  9. «Sincerebro» – 3:29
  10. «A Marça de Deux» – 5:19
  11. «C.S.M.» – 2:40
  12. «¿Qué Pasó?» – 6:01
Calidad: FLAC

 

 

 

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Caifanes – El Silencio [1992]

 

[Ciclo de Rock Latinoamericano]

 

Caifanes es una banda mexicana de rock que estuvo activa de 1987 a 1995 y que volvió a escena a partir de 2011. Teniendo como origen la formación Las Insólitas Imágenes de Aurora, Caifanes emergió de la escena local de Ciudad de México como parte de la campaña difusora denominada Rock en Tu Idioma a finales de los años ochenta. En dicho tenor, dos de sus canciones (“Antes de que nos olviden” y “Será por eso”) están consideradas dentro de las 100 mejores (musicalmente) del rock mexicano. Cinco más de ellas (“Afuera”, “La célula que explota”, “Nubes”, “No dejes que…” y “Viento”), se encuentran dentro de las 120 más representativas (comercialmente) del rock latinoamericano.

En el lenguaje urbano, un «Caifán» es aquel que se resiste al engaño y a las compensaciones materiales y busca en el alma su recompensa. Por ello, su visión de la vida es siempre la de un abismo, pero un abismo poblado de prodigios. En los años 40 como en los 90, «Caifán» quiere decir inconforme.

La banda empezó como un cuarteto conformado por Saúl Hernández (guitarra y voz), Alfonso André (batería), Sabo Romo (bajo) y Diego Herrera (teclado y saxofón), lanzando en 1988 el álbum debut “Caifanes”. En 1989 se unió Alejandro Marcovich (guitarra líder) y, estructurados como quinteto, publicaron los álbumes “Caifanes. Volumen II” (mejor conocido como “El Diablito”) y “El silencio”. Al final de 1993 Romo y Herrera dejarían la banda y el trío restante publicaría el cuarto álbum, “El Nervio del Volcán”. Eventualmente, diferencias entre Hernández y Marcovich llevarían a la desintegración de Caifanes en 1995. Hernández continuaría con el proyecto Jaguares, el cual incluiría piezas de Caifanes además de nuevo material. Finalmente, en 2011, una vez reconciliado con Marcovich, Hernández formalmente reviviría Caifanes como quinteto.

El trayecto no fue fácil; la banda había juntado un presupuesto y tenían en mente grabar un disco bajo el cobijo de algún productor español; lamentablemente, el dinero comenzó a escasear y solo alcanzó para grabar un demo de cuatro canciones. La primera parada en una casa disquera fue en la desaparecida CBS México, en donde el director general de aquella casa disquera al ver su aspecto gótico, similar al look post punk de aquella época, no tuvo otra descripción de ellos que: “Parecen putos”. El gerente de la sucursal mexicana de CBS, escuchó con atención aquella cinta que la agrupación llevó, el trabajo fue de su agrado, pero por su aspecto y tras escuchar el demo de “Será por eso”, les negó algún contrato en firme, argumentando: “En CBS, nuestro negocio es vender discos, no ataudes”.

Cachorro López (productor de Los Abuelos de la Nada, Miguel Mateos, Andrés Calamaro) estaba midiendo el poder de convocatoria de Caifanes y no vaciló en darles su apoyo incondicional. El resultado fue la grabación de un primer LP, precedido del primer trabajo discográfico del grupo, que sería un EP con tres canciones, producido con la intención de probar la aceptación del grupo entre la posible audiencia; el resultado fue la venta de más de trescientas mil copias y, por lo tanto, la edición del primer LP.

Su primer álbum, “Caifanes” (también conocido por “Volumen I”, en referencia al siguiente álbum: “Caifanes. Volumen II”), fue editado en agosto de 1988 por RCA Ariola con producción de Cachorro López y el propio grupo. Los sencillos de este disco fueron “Mátenme porque me muero” y “Viento”, el primero de ellos fue su primer éxito. Gustavo Cerati, en aquel entonces guitarrista de Soda Stereo, participó como músico invitado en la grabación del álbum tocando la guitarra en “La bestia humana”.

En septiembre de 1989 el guitarrista Alejandro Marcovich se integró al grupo y ya con una formación sólida, como quinteto, se dirigió a Nueva York a grabar su segunda placa entre octubre y noviembre de ese año, de nuevo bajo la dirección de Óscar López en colaboración con Gustavo Santaolalla, Cachorro López y Daniel Freiberg. El resultado de este trabajo fue el “Volumen II”, mejor conocido como “El Diablito” (esto se debe a que en la portada del disco se incluye la imagen de un diablo que recuerda una tarjeta de lotería, acompañado por una leyenda que dice justamente: “El diablito”), editado por RCA / BMG Ariola en junio de 1990.

Después, se dirigieron a Wisconsin a grabar con Adrian Belew su tercer disco y, así, en mayo de 1992 RCA/BMG editó «El Silencio», su álbum más representativo y que es juzgado como la obra cumbre de la agrupación. Este disco se considera un clásico también, porque contiene una gran parte de los temas más representativos de Caifanes, interpretados por su formación como quinteto, además de que el uso de fusiones entre rock y música mexicana y latina se extiende a una gran cantidad de piezas.

Antes de que se publicara “El Silencio”, The Cure estaba en México y se propuso a Caifanes abrirle, pero se rehusaron puesto que primero querían presentar el álbum antes de hacer cosa alguna. Cuando dicho álbum salió a la venta, el grupo ya era un éxito en México, Centroamérica, algunos países de Sudamérica y entre la comunidad hispana de EUNA. En agosto de 1992 llenaron por completo el Hollywood Palladium de Los Ángeles.

Los temas promovidos como sencillos fueron “Nubes”, “Para que no digas que no pienso en ti” y “No dejes que…”. También destacaron del disco los temas “Piedra” (fusión de música mexicana y rock), “Metamorféame” (lo más acercado a un hard rock que Caifanes llegó a tener) y “Mariquita” (donde convierten un son jarocho anónimo en una canción de rock). Forma parte de la lista de los 100 discos que debes tener antes del fin del mundo, publicada en 2012 por Sony Music, y está considerado el álbum más importante del rock mexicano.

Según palabras de Saúl Hernández: “Ahí el grupo vivía otras circunstancias. Inclusive, personalmente. Era un momento extraño. Estábamos algo aislados, ya empezaba a haber como una especie de separación entre nosotros. No nos dábamos cuenta, pero estaba latente. Entonces, para mí, la única forma de plantear el disco era el silencio. Todo mundo pensaba muchas cosas, pero nadie se decía lo que quería. Hicimos el disco y estuvo padrísimo, pero fue de esos discos duros. Pero todavía había ganas de hacerlo, había amor. “Nos vamos juntos” la compuse para ellos. Pase lo que pase, vámonos. Todavía había esos momentos mágicos.”

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas de Saúl Hernández, excepto indicados)
 

  1.  «Metamorféame» (Caifanes) – 2:44
  2. «Nubes» (Saúl Hernández, Alejandro Marcovich, Sabo Romo) – 4:35
  3. «Piedra» (Saúl Hernández, Diego Herrera) – 4:34
  4. «Tortuga» (Saúl Hernández, Alejandro Marcovich) – 4:39
  5. «Nos Vamos Juntos» – 5:08
  6. «No Dejes Que…» – 4:40
  7. «Hasta Morir» (Saúl Hernández, Alejandro Marcovich, Alfonso André) – 3:45
  8. «Debajo de Tu Piel» – 3:31
  9. «Estás Dormida» (Alejandro Marcovich) – 3:37
  10. «Miércoles de Ceniza» – 4:53
  11. «El Comunicador» – 4:57
  12. «Para que No Digas que No Pienso en Ti» – 3:56
  13. «Vamos a Hacer un Silencio» – 5:16
  14. «Mariquita» (Tradicional) (bonus track) – 1:56
Calidad: FLAC

 

 

 


Manu Chao – Clandestino [1998]

[Resubida 2ª]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

José Manuel Arturo Tomás Chao, más conocido como Manu Chao, es un cantautor francés de origen español, de madre vasca y padre gallego, nacido el 21 de junio de 1961 en París. Fundador y cantante de la banda Mano Negra, le abrió las puertas a su carrera musical en solitario. Actualmente vive en Barcelona.

Manu Chao es hijo de Ramón Chao, gallego de Villalba (Lugo), y de Felisa Ortega, de origen vasco (Bilbao); hermano de Antoine Chao (Antonio) y primo de Santiago Casariego (Santi), con quienes formó Mano Negra en 1987, logrando un éxito considerable, sobre todo en Europa y América Latina. Chao comenzó su carrera musical en París, como músico callejero y tocando en grupos como Hot Pants y Los Carayos, que combinaban una variedad de lenguajes y estilos musicales. Su padre, periodista, fue a París por su carrera, y luego a Bolivia. Su madre emigró a Francia durante la dictadura franquista. Manu y su hermano crecieron en Sèvres, al oeste de París.

Se convirtió en solista después de la disolución de Mano Negra en 1995, y desde entonces ha estado de gira regularmente con su banda en vivo, Radio Bemba. Decidió asentarse en Barcelona. Manu es conocido por sus ideales políticos, muchas de las canciones de Chao hablan sobre el amor, la vida en los guetos y la inmigración, dado que la familia del cantante emigró de España a Francia durante los años de dictadura de Francisco Franco. Su mejor amigo, Jorge Abascal, fue de gran influencia en sus ideas políticas vinculadas al anarquismo, que pueden verse reflejadas en muchas de sus canciones, especialmente en “Clandestino”.

Tras publicar “Casa Babylon” (1994), Mano Negra se disolvió a cara de perro. Manu y algunos miembros de la banda actuaron entonces bajo el nombre de Radio Bemba, por culpa de disputas legales derivadas de la separación. Sin domicilio fijo y siempre dispuesto a colaboraciones externas (los mexicanos Tijuana No, los brasileños Skank, los argentinos Todos Tus Muertos o el español Tonino Carotone, entre muchos otros), preparó «Clandestino», su primer disco en solitario.

Concebido como un carné de viaje, fue grabándolo en diferentes países con su estudio portátil, incluyendo colaboraciones de músicos locales ―como la panderetera y cantante gallega Josefa de Bastavales― o selecciones de noticiarios radiados u otros discos. El álbum contiene muchas frases cortas, dos de las cuales son fragmentos de un discurso del Subcomandante Marcos. La música resultante difiere drásticamente de Mano Negra; las canciones fueron interpretadas principalmente en castellano con mucho menos pistas en francés, inglés y portugués, y el estilo musical había cambiado de estilos punk y alternativos al estilo calle vibe que Chao estaba buscando.

Sin altibajos ni pausa entre ellas, las canciones ―bellas e inmensas en su sencillez― se suceden de manera extraordinariamente natural, como si no pudiera ser de otro modo, justamente porque no puede ser, porque la amargura de “Desaparecido” y “Mentira” (con el sample de “Llorona”) reciben el tratamiento musical que precisan, porque “Welcome to Tijuana” es la agridulce fiesta fronteriza que has soñado, porque “Lágrimas de Oro” pide ese guaguancó, porque en “Minha Galera” están las calles de Río pero no las del carnaval. Porque “Clandestino” es la primera obra maestra de un Manu Chao inspirado, emocionante y maduro, que escribe y canta con conocimiento de causa, con el dolor y la pena (por los demás) muy dentro, y el amor en la piel.

El álbum fue publicado en octubre de 1998 a través de Virgin Records. Aunque no fue un éxito instantáneo, el álbum ganó un seguimiento constante en Francia con éxitos como “Bongo Bong” y “Clandestino”, y finalmente ganó el premio al mejor álbum de música World en los premios Victoires de la Musique de 1999. El éxito de “Clandestino” en todo el mundo, con más de tres millones de ejemplares vendidos y siendo certificado disco de diamante, no hizo que Manu volviera a plantearse una gira convencional. Al contrario, se embarcó en la inclasificable Feira das Mentiras, un espectáculo circense con el que recorrió el norte ibérico.

Es una de las producciones musicales francesas más vendidas del mundo. Sobre todo en América Central y del Sur donde “Clandestino” fue un gran éxito. Además, el álbum alcanzó el disco de platino en España y fue certificado disco de oro en Alemania. Tiene el número 862 en la lista 1001 discos que hay que escuchar antes de morir y el número 67 (de 100) en la lista Los mejores álbumes de rock francés por la edición francesa de la revista Rolling Stone.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Clandestino» – 2:28
  2. «Desaparecido» – 3:47
  3. «Bongo Bong» – 2:38
  4. «Je Ne T’Aime Plus» – 2:02
  5. «Mentira» – 4:37
  6. «Lágrimas de Oro» – 2:57
  7. «Mama Call» – 2:21
  8. «Luna y Sol» – 3:07
  9. «Por el Suelo (Esperando la Última Ola)» – 2:21
  10. «Welcome to Tijuana» – 4:04
  11. «Día Luna… Día Pena» – 1:30
  12. «Malegría» – 2:51
  13. «La Vie à 2» – 3:00
  14. «Minha Galera» – 2:21
  15. «La Despedida» – 3:09
  16. «El Viento» – 2:26

Calidad: APE

 

 

 


La Portuaria – Huija [1995]

[Resubida]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

La Portuaria fue una banda de rock argentino formada en 1989 en Buenos Aires. Desarrollaron un sonido de fusión, incorporando ritmos latinos sobre una base fuertemente influenciada por el jazz y el R&B. Tuvieron su primera exposición al gran público en el festival Mi Buenos Aires Rock, organizado en 1990 por la Municipalidad de la Ciudad de Buenos Aires. Con el tiempo incorporaron varios instrumentistas en torno al núcleo central del grupo, constituido por Christian Basso (bajo), Colo Belmonte (batería), Sebastián Schachtel (teclados), Diego Frenkel (guitarra y voz) y, desde 1990 hasta 1996, Axel Krygier (piano y saxofón). Han editado 10 discos, constituyendo una presencia importante en la escena musical argentina desde sus comienzos en adelante.

Diego Frenkel, Christian Basso y Sebastián Schachtel (columna vertebral de la banda) habían integrado el grupo Clap, que grabó un álbum en 1986. Ya por entonces sorprendieron por la versatilidad de ritmos y estilos. Tal es así que muchos los han definido como “world beat” (algo así como el ritmo de la aldea global). A fines de los 80 tras la disolución de Clap surge La Portuaria. Desde sus inicios su música escapaba a los modelos tradicionales del rock en Argentina. Se trataba de música fundamentalmente rítmica que exploraba y se nutría de los colores y sonidos de la música del mundo. La variedad rítmica y tímbrica siempre fue parte de la cosmogonía de la banda.

En 1989 debutan con su primer disco: “Rosas Rojas”, editado por la discográfica EMI. Por lo exótico de su propuesta, La Portuaria parecía estar al frente de una suerte de vanguardia rockera, pero sus canciones eran de fácil acceso al público. Viajan a España y a su regreso son invitados a participar en Mi Buenos Aires Rock, un festival organizado por la Municipalidad, que convocó a cien mil personas en la avenida Nueve de Julio. Si bien el público había asistido para escuchar a Charly García y a Luis Alberto Spinetta, fue una excelente oportunidad para presentar el trabajo de la banda, que no fue desaprovechada, a juzgar por los aplausos cosechados.

En 1991 el grupo inicia la producción de su segundo álbum, “Escenas de la Vida Amorosa”, editado nuevamente por EMI. El tema “El bar de la calle Rodney” se destaca como el éxito de la placa. Se presentan en el teatro Astros, donde desarrollan una arriesgada puesta en escena combinada con elementos teatrales no convencionales como la actuación de la agrupación El Descueve, con la participación de Fito Páez como invitado especial.

La consagración vendría con “Devorador de Corazones”, su tercer álbum de estudio, editado en 1993 por EMI Odeon con producción del propio grupo. El álbum obtuvo un éxito mucho más masivo que su álbum anterior de 1991, siendo un disco más cuidado, potente y exitoso que se destaca por el tema homónimo, “Selva” y “Nada es igual” (estos dos últimos cortados para difusión). El disco colocó a la banda en su grado máximo de exposición y obtuvo un disco de Oro pocos meses después de su lanzamiento y, a comienzos de 1994, el álbum llegó a ser disco platino. La influencia del hot jazz y de la música de fusión latina es más perceptible.

Después del exitoso disco “Devorador de Corazones”, La Portuaria quería continuar saciando sus famélicos deseos de fama. Casi sin perder tiempo, aunque concentrándose en la búsqueda del sonido ideal, la banda liderada por Diego Frenkel lanzó en 1995 su cuarto material, «Huija», grabado y mezclado en Nueva York (donde se trabajó con un criterio mucho más profundo de producción, logrando un sonido contundente y experimental) y editado nuevamente por EMI en 1995, con producción de Andrés Levin, Camus Celli y La Portuaria. Fue inmediatamente catalogado por la prensa como “uno de los más importantes del año”. El álbum también fue la presentación del nuevo baterista, Martín Ghersa.

El álbum repite la fórmula de su anterior álbum; con una producción más profesional a cargo de Andrés Levin, quien enfatizó los aspectos mestizos musicalmente (ya desde el mismo título es una exclamación de índole folclórica que remite a las aventuras del personaje de historietas Patoruzú), y fue grabado casi con el mismo concepto que “Devorador de Corazones”. La combinación entre el jazz y lo latino eran la principal herramienta con la que se valió esta producción. En palabras textuales de Frenkel: “un grito de alegría y explosión salvaje, guiso de mambo, hip hop, acid jazz, ritmo y blues y otros reciclajes contemporáneos”. Una definición bastante abarcadora de estilos, que sin embargo, pueden evidenciarse a lo largo del disco.

“Ruta” tiene ese pegadizo coro imposible de no cantar tras la primera vez que se escucha, que transforma a la canción en una de las más populares. “Supermambo” mantiene el tono alegre, fundamentalmente, con la letra. En el siguiente tema, como con “Nada es igual”, Frenkel vuelve al vacío despojándose de posesiones. “Donde hubo fuego”, frase de larga data, es otro de los temas que se destacan de este material que incluso sería utilizado por David Byrne. También “10 segundos” sería seleccionado para una recopilación de música americana por David Byrne. La Portuaria no se apartó demasiado del estilo que le dio el Disco de Oro con el anterior trabajo, por lo que “Huija” mantiene aquel nivel.

 

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Ruta» – 3:22
  2. «Supermambo» – 3:41
  3. «No Tengo Nada» – 3:46
  4. «Sofía» – 4:11
  5. «Dios» – 4:35
  6. «Ven a Mí» – 4:31
  7. «Vudú Danza» – 4:16
  8. «La Diablada» – 3:16
  9. «Donde Hubo Fuego» – 5:21
  10. «10 Segundos» – 3:40

Calidad: WAV

 

 

 


La Portuaria ‎– Devorador de Corazones [1993]

[Resubida]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

laportuaria-devoradorcorazonesLa Portuaria fue una banda de rock argentino formada en 1989 en Buenos Aires. Desarrollaron un sonido de fusión, incorporando ritmos latinos sobre una base fuertemente influenciada por el jazz y el R&B. Tuvieron su primera exposición al gran público en el festival Mi Buenos Aires Rock, organizado en 1990 por la Municipalidad de la Ciudad de Buenos Aires. Con el tiempo incorporaron varios instrumentistas en torno al núcleo central del grupo, constituido por Christian Basso (bajo), Colo Belmonte (batería), Sebastián Schachtel (teclados), Diego Frenkel (guitarra y voz) y, desde 1990 hasta 1996, Axel Krygier (piano y saxofón). Han editado 10 discos, constituyendo una presencia importante en la escena musical argentina desde sus comienzos en adelante.

Diego Frenkel, Christian Basso y Sebastián Schachtel (columna vertebral de la banda) habían integrado el grupo Clap, que grabó un álbum en 1986. Ya por entonces sorprendieron por la versatilidad de ritmos y estilos. Tal es así que muchos los han definido como “world beat” (algo así como el ritmo de la aldea global). A fines de los 80 tras la disolución de Clap surge La Portuaria. Desde sus inicios su música escapaba a los modelos tradicionales del rock en Argentina. Se trataba de música fundamentalmente rítmica que exploraba y se nutría de los colores y sonidos de la música del mundo. La variedad rítmica y tímbrica siempre fue parte de la cosmogonía de la banda.

En 1989 debutan con su primer disco: “Rosas Rojas”, editado por la discográfica EMI. Por lo exótico de su propuesta, La Portuaria parecía estar al frente de una suerte de vanguardia rockera, pero sus canciones eran de fácil acceso al público. Viajan a España y a su regreso son invitados a participar en Mi Buenos Aires Rock, un festival organizado por la Municipalidad, que convocó a cien mil personas en la avenida Nueve de Julio. Si bien el público había asistido para escuchar a Charly García y a Luis Alberto Spinetta, fue una excelente oportunidad para presentar el trabajo de la banda, que no fue desaprovechada, a juzgar por los aplausos cosechados.La Portuaria ‎– Devorador De Corazones

En 1991 el grupo inicia la producción de su segundo álbum, “Escenas de la Vida Amorosa”, editado nuevamente por EMI. El tema “El bar de la calle Rodney” se destaca como el éxito de la placa. Se presentan en el teatro Astros, donde desarrollan una arriesgada puesta en escena combinada con elementos teatrales no convencionales como la actuación de la agrupación El Descueve, con la participación de Fito Páez como invitado especial.

«Devorador de Corazones» es el tercer álbum de estudio de la banda argentina La Portuaria, editado en 1993 por EMI Odeon con producción del propio grupo. El álbum obtuvo un éxito mucho más masivo que su álbum anterior de 1991, resultando la consagración de la banda. El disco más cuidado, potente y exitoso se destaca por el tema homónimo, “Selva” y “Nada es igual” (estos dos últimos cortados para difusión). El disco colocó a la banda en su grado máximo de exposición y obtuvo un disco de Oro pocos meses después de su lanzamiento y, a comienzos de 1994, el álbum llegó a ser disco platino. La influencia del hot jazz y de la música de fusión latina es más perceptible.

Además de “Selva” también se desprenden otros buenos temas como la pegadiza “Nada es Igual” o “Devorador de Corazones”. Sin tanta repercusión “Nena de la Lluvia” es otra interesante composición. El disco aborda diferentes estilos, desde el jazz con “Jam sesión”, el ska con La Portuaria ‎– Devorador De Corazones“Portuaria Mix” o el pop “En la punta de un cabo”. Esa combinación de estilos caracterizó a esta buena banda que se mantendría en la escena del rock argentino durante gran parte de la década de los noventa.

El mismo año (1994), concluyen la primera gran gira nacional en el estadio Obras Sanitarias. Para la ocasión presentan un show junto a De La Guarda, que fue el espectáculo mas novedoso y original que se vio en el país, catapultando a La Portuaria como una de las mejores bandas del año.

 

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Devorador de Corazones» – 4:25
  2. «Selva» – 4:09
  3. «Nada Es Igual» – 2:58
  4. «Miedo» – 6:13
  5. «La Grieta» – 3:13
  6. «En la Punta de un Cabo» – 4:04
  7. «Alguna Vez» – 2:26
  8. «Portuaria Mix» – 3:58
  9. «Me Quedo Contigo» – 3:06
  10. «Paso a Paso» – 3:59
  11. «Nena de la Lluvia» – 5:16
  12. «El Pan de cada Día» – 4:14
  13. «Zamba de Mi Esperanza» – 5:41
  14. «Jam Session» – 11:52

Calidad: FLAC

 

 

 


La Portuaria ‎– Escenas de la Vida Amorosa [1991]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

laportuaria-escenasvidaamorosaLa Portuaria fue una banda de rock argentino formada en 1989 en Buenos Aires. Desarrollaron un sonido de fusión, incorporando ritmos latinos sobre una base fuertemente influenciada por el jazz y el R&B. Tuvieron su primera exposición al gran público en el festival Mi Buenos Aires Rock, organizado en 1990 por la Municipalidad de la Ciudad de Buenos Aires. Con el tiempo incorporaron varios instrumentistas en torno al núcleo central del grupo, constituido por Christian Basso (bajo), Colo Belmonte (batería), Sebastián Schachtel (teclados), Diego Frenkel (guitarra y voz) y, desde 1990 hasta 1996, Axel Krygier (piano y saxofón). Han editado 10 discos, constituyendo una presencia importante en la escena musical argentina desde sus comienzos en adelante.

Diego Frenkel, Christian Basso y Sebastián Schachtel (columna vertebral de la banda) habían integrado el grupo Clap, que grabó un álbum en 1986. Ya por entonces sorprendieron por la versatilidad de ritmos y estilos. Tal es así que muchos los han definido como “world beat” (algo así como el ritmo de la aldea global). A fines de los 80 tras la disolución de Clap surge La Portuaria. Desde sus inicios su música escapaba a los modelos tradicionales del rock en Argentina. Se trataba de música fundamentalmente rítmica que exploraba y se nutría de los colores y sonidos de la música del mundo. La variedad rítmica y tímbrica siempre fue parte de la cosmogonía de la banda.

En 1989 debutan con su primer disco: “Rosas Rojas”, editado por la discográfica EMI. Por lo exótico de su propuesta, La Portuaria parecía estar al frente de una suerte de vanguardia rockera, pero sus canciones eran de fácil acceso al público. Viajan a España y a su regreso son invitados laportuaria-escenasvidaamorosa-2a participar en Mi Buenos Aires Rock, un festival organizado por la Municipalidad, que convocó a cien mil personas en la avenida Nueve de Julio. Si bien el público había asistido para escuchar a Charly García y a Luis Alberto Spinetta, fue una excelente oportunidad para presentar el trabajo de la banda, que no fue desaprovechada, a juzgar por los aplausos cosechados.

En 1991 el grupo inicia la producción de su segundo álbum, «Escenas de la Vida Amorosa», editado nuevamente por EMI. El tema “El bar de la calle Rodney” se destaca como el éxito de la placa. Se presentan en el teatro Astros, donde desarrollan una arriesgada puesta en escena combinada con elementos teatrales no convencionales como la actuación de la agrupación El Descueve, con la participación de Fito Páez como invitado especial.

 

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Amar Es Difícil» – 3:32
  2. «El Bar de la Calle Rodney» – 3:46
  3. «Delicado» – 2:52
  4. «Mira las Nubes» – 4:02
  5. «Hombre sin Historia» – 3:22
  6. «Llora» – 3:23
  7. «Escenas de la Vida Amorosa» – 4:26
  8. «Ella» – 3:37
  9. «Los Mejores Amigos» – 4:18
  10. «Solitario» – 3:00
  11. «Hombres Trabajando» – 2:58
  12. «El Viaje» – 3:33
  13. «Ensoñado» – 3:58
  14. «Mujeres» – 3:32

Calidad: FLAC

 

 

 


Los Coyotes – Las Calientes Noches del Barrio (1987)

 

[Ciclo de Rock Ibérico]

 

loscoyotes-calientesnochesdelbarrioTrío madrileño fundado en 1979 por Víctor Aparicio (guitarra y voz), un gallego de Tuy, junto a Fernando Gilabert (bajo/contrabajo) y Celestino Albizu (batería). Posteriormente se añadió a la formación Ramón Godes (guitarra). Los Coyotes exhibían un furioso rockabilly con tintes psychobilly en sus primeros tiempos, que dejó paso a la avanzadilla del rock latino que aún tardaría bastante en llegar y más en explotar. Las primeras canciones de este grupo se movían entre el garaje-punk, el rock’n’roll y el psychobilly…

En 1982 editan para Grabaciones Accidentales, un Ep titulado “Extraño Corte de Pelo”, con portada de Alberto García Alix. A continuación vendría el maxi “Ella Es tan Extraña”, para Gasa en 1983. A partir del “Aquí Estoy de Nuevo” (tercer single de la banda editado un par de años antes de que saliese al mercado su primer larga duracion) para Gasa en 1983 y, sobre todo, el maxi “El Mono”, editado por Tres Cipreses-DRO en 1984, Coyotes empezaron a tirar descaradamente hacia la música latina. Seguiría un larga duración, para DRO en 1985, titulado “Mujer y Sentimiento”, del que se extrajo el single ‘Como un extranjero’, que llevaba en su cara B el corte ‘¿A quién quieres tú?’, un tema no incluido en ningún disco, consistente en una versión de Bo Diddley grabada en 1982.

loscoyotes-calientesnochesdelbarrio-2En 1987 lanzan el single promocional “La Estación del Amor”, acompañado de “El Hijo del Rocker” en su cara B, como anticipo de su LP «Las Calientes Noches del Barrio», grabado en Doublewtronics con Guillermo Peral en los controles y editado por 3 Cipreses / DRO en 1987, con producción de Luis Carlos Esteban y Víctor Aparicio. Las fotografías de la carpeta fueron obra del famoso fotógrafo madrileño Alberto García-Alix.

 

Fuente: Nueva Ola 80 / Zonde

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas de Víctor Aparicio, excepto 8: Ramón Godes, Víctor Aparicio)

  1. «La Estación del Amor» – 3:46
  2. «Las Calientes Noches del Barrio» – 3:56
  3. «El Hijo del Rocker» – 2:29
  4. «Razas» – 6:38
  5. «Muy Macho, Muy Lanzado, Muy Caliente» – 5:55
  6. «C.I. (Contacto Interestelar)» – 5:06
  7. «Procura Cuidar Tu Próximo Sueño» – 3:28
  8. «El Día en que Ganó el Mar» – 4:26

Calidad: 128 Kbps

 

Gracias al blog Sangrespañola por este archivo.

 

 

 


Los Coyotes – La Estación del Amor [Sg] (1987)

 

[Ciclo de Rock Ibérico]

 

loscoyotes-estacionamorTrío madrileño fundado en 1979 por Víctor Aparicio (guitarra y voz), un gallego de Tuy, junto a Fernando Gilabert (bajo/contrabajo) y Celestino Albizu (batería). Posteriormente se añadió a la formación Ramón Godes (guitarra). Los Coyotes exhibían un furioso rockabilly con tintes psychobilly en sus primeros tiempos, que dejó paso a la avanzadilla del rock latino que aún tardaría bastante en llegar y más en explotar. Las primeras canciones de este grupo se movían entre el garaje-punk, el rock’n’roll y el psychobilly…

En 1982 editan para Grabaciones Accidentales, un Ep titulado “Extraño Corte de Pelo”, con portada de Alberto García Alix. A continuación vendría el maxi “Ella Es tan Extraña”, para Gasa en 1983. A partir del “Aquí Estoy de Nuevo” (tercer single de la banda editado un par de años antes de que saliese al mercado su primer larga duracion) para Gasa en 1983 y, sobre todo, el maxi “El Mono”, editado por Tres Cipreses-DRO en 1984, Coyotes empezaron a tirar descaradamente hacia la música latina. Seguiría un larga duración, para DRO en 1985, titulado “Mujer y Sentimiento”, del que se extrajo el single ‘Como un extranjero’, que llevaba en su cara B el corte ‘¿A quién quieres tú?’, un tema no incluido en ningún disco, consistente en una versión de Bo Diddley grabada en 1982.

En 1987 lanzan el single promocional «La Estación del Amor», acompañado de “El Hijo del Rocker” en su cara B, como anticipo de su LP “Las Calientes Noches del Barrio”, grabado en Doublewtronics y editado por 3 Cipreses / DRO en 1987.

 

Fuente: Nueva Ola 80 / Zonde

 

 

Lista de canciones:

(Ambos temas de Víctor Aparicio)

  1. «La Estación del Amor» – 3:46
  2. «El Hijo del Rocker» – 2:29

Calidad: 128 Kbps

 

 

 


Mestizos – Por el Día y por la Noche [MiniLP] (1986)

 

[Ciclo de Rock Ibérico]

 

mestizos-dianocheLos Mestizos son un grupo originado en Huesca y formado por Juanjo Javierre (voz, teclados), Ernesto Rodellar (bajo), Jose Antonio Machuca (guitarra) y Jose Ramón Oto (guitarra); pronto sustituyen la caja de ritmos por Fernando Lozano (batería). Pioneros en la península por hacer una música garage muy hispana pero principalmente, en 1984 y con su nombre inicial de Ejercicios Espirituales, por experimentar con sonidos de rock latino que tardarían todavía años en popularizarse y que, en aquella época, realizaban grupos como Los Coyotes y Gabinete Caligari. También fueron pioneros al ser el primer grupo aragonés en entrar en el mercado de superventas.

En 1985 adoptarían su nombre definitivo y un año después vería la luz su primer álbum, el mini-lp «Por el Día y por la Noche». Grabado en julio de 1985 en los estudios J&M de Mejorada del Campo (Madrid), con pocos medios pero mucho talento y la producción de Ramón Godes, fue editado por el sello independiente 3 Cipreses en 1986. Se da la circunstancia de que el arte de carpeta, y las fotografías frontal y trasera, son obra de Antonio Bartrina, cantante y líder de Malevaje.

Cuenta con verdaderos himnos generacionales como “Está en el Aire”, que reza ‘Los chicos de provincias somos así’, frase que hoy forma parte del argot del artista oscense en particular y del aragonés en general y que ha sido utilizada para titular un documental, recopilatorios y algún que otro artículo. También a destacar la balada “No Dejes que Tus Lágrimas se Pierdan en la Arena” y una curiosa versión del “Te Estoy Amando Locamente” de Felipe Campuzano, que las Las Grecas popularizaron una década antes. Diferentes registros como el rockabilly, la rumba, el garage, el rock latino y hasta el pop, se encuentran en este ejercicio de estilo; un buen disco breve que nos muestra las influencias del grupo.

Tras este disco editarían “La Pócima del Amor” (DRO, 1987), “Qué Pasa en la Calle” (La Fábrica Magnética, 1991) y “Ya Es Hora de Regresar” (Producciones sin/con Pasiones, 2008), este último grabado en directo y que supondría el punto y final de esta importante banda, al menos hasta el momento.

mestizos-dianoche-2Decir Mestizos en Aragón es invocar el recuerdo de una singular aventura emprendida desde los confines de la periferia ibérica por un grupo de jóvenes oscenses que, a base de no poco desparpajo, un inequívoco orgullo provinciano, un puñado de soberbias canciones servidas con tanta convicción como limitaciones técnicas y una media de edad de apenas 18 años, tomaron por asalto la capital musical del reino para darse a conocer en todo el estado. Corrían los años ochenta y el país entero bullía en plena efervescencia musical y artística. Desde Huesca Los Mestizos surgieron ofreciendo una de las propuestas más interesantes de aquel variopinto panorama musical. Al natural asombro por la juventud de sus miembros se sumaba una inusitada propuesta en la que, con evidente amateurismo, trataban de conjugar los ásperos sonidos anglosajones con la esencia de lo hispano en una línea que les aproximaba a los Gabinete Caligari post-siniestros y Los Coyotes.

Incluso el propio nombre del grupo resultaba adecuado para tan osada propuesta, nombre que posteriormente ha devenido en un lugar común para definir esa corriente de fusión musical que enlaza lo latino con otros géneros anglosajones llamada “musica mestiza”. Los Mestizos fueron en ese sentido pioneros junto a los ya señalados Gabinete Caligari y Los Coyotes, constituyéndose en todo un referente dentro de la música ibérica de la época y adquiriendo un reconocimiento insospechado para un grupo surgido en los márgenes de una industria excesivamente centralizada en la capital.

 

Fuente: Nueva Ola 80 / Aragón Musical / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Ya Es Hora de Regresar» (José Ramón Oto, Juan José Javierre) – 3:38
  2. «Está en el Aire» (Juan José Javierre) – 3:36
  3. «Conducido por el Juego del Azar» (Juan José Javierre, Fernando Lozano) – 3:49
  4. «Por el Día y por la Noche» (Juan José Javierre) – 2:31
  5. «Te Estoy Amando Locamente» (Felipe Campuzano) – 3:57
  6. «No Dejes que Tus Lágrimas se Pierdan en la Arena» (Juan José Javierre) – 4:53
  7. «Tirando p’Alante» (José Antonio Machuca, Juan José Javierre) – 2:59

Calidad: 128 Kbps

 

Gracias al compañero Piwi por este archivo, aportado generosamente a Ciclotimia.

 

 

 


Bersuit Vergarabat – Y Punto… [1992]

[Resubida]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

Bersuit-YPuntoBersuit Vergarabat, originalmente llamados Bersuit Vergarabat Van de Ir y conocidos como La Bersuit, es un grupo de rock argentino, originario del barrio de Barracas, al sur de la ciudad de Buenos Aires, formado en 1988. Se hicieron notables a finales de los años noventa por combinar este género musical con ritmos latinoamericanos —como la cumbia, el tango, la murga, el reggae, la chacarera y el candombe— y letras cargadas de críticas hacia el sistema político y la sociedad.

Desde su primer trabajo debut, la obra de Bersuit Vergarabat se caracterizó por contener mensajes en contra del menemismo y críticas hacia políticos como Carlos Menem, Domingo Cavallo, Eduardo Duhalde, Carlos Ruckauf, entre otros. Las letras de sus canciones fueron censuradas y, en otros casos, los canales de televisión que trasmitían sus videoclips fueron demandados y tuvieron que pagar multas por los ataques que sufrían ciertos políticos, como también por las críticas a la sociedad argentina de los 90.

Pese a la censura, esto no hizo decaer la popularidad de la banda que comenzó a gozar de masividad y se convirtió en uno de los grupos más importantes del rock argentino y uno de los principales de Latinoamérica.

Pasó por diversas formaciones y su alineación más famosa estuvo constituida por: Gustavo Cordera (voz), Juan Subirá (teclados, acordeón y voz), Carlos Martín (batería y percusión), Oscar Righi (guitarra eléctrica), Pepe Céspedes (bajo y voz), Daniel Suárez (voz y coros), Alberto Verenzuela (guitarra) y Germán “Cóndor” Sbarbati (voz, coros y charango).

Una de las características de la banda es su forma de vestir en sus conciertos, al disfrazarse con pijamas que es en sí, un homenaje a los internos de la residencia psiquiátrica del Hospital Municipal José Tiburcio Borda de Buenos Aires y una respuesta contraria al atuendo de cuero, que usan los grupos normalmente vinculados con el rock y heavy metal. La banda ha demostrado una afinidad por todo lo relacionado con la locura y la marginación.

Además de encontrar el éxito en Buenos Aires y luego en todo el país, Bersuit Vergarabat ha atraído a aficionados de muchos países de América Latina, así como España, Estados Unidos, Reino Unido, Alemania, Japón entre otros. El éxito de la banda más allá de América Latina, depende en gran medida de su capacidad de reinventarse constantemente.

La banda entró en un receso durante el 2009, con la idea de que cada músico se dedicara a diferentes proyectos personales. Tras desavenencias entre su vocalista y los demás integrantes, debido a que el primero prefirió seguir con su carrera como solista, en en el año 2011 la agrupación volvería a los escenarios sin Gustavo Cordera.

Algunas de sus canciones más difundidas son “El tiempo no para” (cover de Cazuza), “Espíritu de esta selva”, “Yo tomo”, “Se viene”, “Sr. Cobranza” (cover de Las Manos de Filippi), “La argentinidad al palo”, “La bolsa”, “Negra murguera”, “La soledad”, “Mi caramelo”, “Sencillamente”, “Un pacto», “Esperando el impacto”, “Murguita del sur”, entre otras.

Bersuit-YPunto-2«Y Punto», titulado originalmente como “Bersuit Vergarabat y punto!”, es el nombre del primer álbum de la banda argentina de rock Bersuit Vergarabat, grabado entre enero y marzo de 1992 en Estudios Moebio de Buenos Aires y editado en 1992 por el sello Radio Trípoli, con producción de Sergio Fasanelli y Walter Kolm. Este trabajo debut contiene el primer éxito de la banda; una adaptación al castellano de la canción “El tiempo no para”, del músico brasileño Cazuza, que les trajo muy buena repercusión. En este álbum, participaron además el conductor de radio y televisión, Mario Pergollini y el actor de cine y teatro Gerardo Romano, en la canción “Homenaje a los locos del Borda”. El 26 de diciembre de ese mismo año, hicieron su primer Obras Sanitarias, para presentar su álbum y algunos otros temas inéditos.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

Lista de canciones:

 

  1.  «El Tiempo No Para» (Cazuza/Brandao) – 5:23
  2.  «La Papita» (Cordera) – 3:17
  3. «Diez Mil» (Martín/Bianco) – 4:18
  4. «Tuyu» (Cordera/Martín/Subirá/Céspedes/Righi/Bianco) – 4:45
  5. «Homenaje a los Locos del Borda» (Cordera/Subirá) – 5:44
  6. «Venganza de los Pobres Muertos (afro)» (Cordera/Martín/Subirá/Céspedes/Righi/Bianco) – 5:33
  7. «Hociquito de Ratón» (Cordera) – 2:35
  8. «La Logia (Iambo Iombo)» (Cordera/Bianco/Jara) – 3:57
  9. «Como Nada Puedo Hacer (puteo)» (Cordera/Céspedes) – 5:37
  10. «Sistema al Mejor Postor (La pantalla)» (Cordera) – 5:08
Calidad: FLAC