Ciclos y Neurastenias en un mundo cruel

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Talking Heads – Little Creatures [1985]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

Talking Heads fue una banda de rock experimental y dance punk (una de las más representativas bandas new wave, con elementos de estilos como el punk rock, rock progresivo y el funk predominante en el ambiente británico de los años ochenta, que recibe la influencia cultural del Art Pop y el minimal, expresado en sus letras impregnadas de experiencia alienada y claves musicales experimentales y mínimas) formada en Nueva York por David Byrne en el año 1974 junto a Chris Frantz y Tina Weymouth. Un par de años después, tras telonear a Ramones en el legendario club CBGB, se integraría a ella el guitarrista y teclista Jerry Harrison, quien anteriormente había grabado junto a The Modern Lovers. En una entrevista, Weymouth especificó cómo el grupo eligió el nombre Talking Heads: “Un amigo encontró el nombre en la guía de televisión, que explica el término usado por los estudios de televisión para describir el busto de una persona hablando acerca de ‘todo contenido, nada de acción'”.

Encabezada por el músico David Byrne, la banda alcanzó los primeros lugares de las listas de ventas en gran parte de Europa y Estados Unidos de Norteamérica. Puede resumirse el estilo y elegancia que destacó a esta agrupación en el filme “Stop Making Sense”, que fue realizado en el teatro Pantages de Hollywood y dirigido por Jonathan Demme. Esta representación es aclamada como uno de los ejemplos más representativos de su género.

El grupo tuvo rápidamente una gran aceptación y firmó para Sire Records en 1977, lanzando su primer single “Love – Building On Fire” en febrero de ese año. Su primer álbum, “Talking Heads: 77” fue lanzado a continuación y no contenía el primer single. Esto fue con su segundo álbum en 1978, “More Songs About Buildings and Food”, con el cual la banda comenzó su larga colaboración con el productor Brian Eno, quien previamente había trabajado con Roxy Music, David Bowie y Robert Fripp. La experimentación continuó con “Fear of Music” en 1979, el cual flirteaba con el oscuro estilo del post-punk rock. “Remain in Light”, fuertemente influenciado por el Afro-Beat (ritmos africanos) de la banda nigeriana Fela Kuti (de quienes Eno introdujo su música en la banda), explorando poliritmos africanos, haciendo que más tarde Byrne se interesase en la música mundial.

Después de ocho importantes álbumes de estudio, varias giras, vídeos musicales y premios, en el año 1991 el grupo anunció oficialmente su separación. En 2011 la revista Rolling Stone los ubicó de número 100 entre los grandes artistas de todos los tiempos.

«Little Creatures» es el sexto álbum de estudio de la banda de new wave norteamericana Talking Heads, grabado entre octubre de 1984 y marzo de 1985 en los Sigma Sound Studios de Nueva York, con producción del propio grupo, y editado el 10 de junio de 1985 por Sire Records (en EUNA) y por EMI en Europa. Se extrajeron tres sencillos del álbum: “The Lady Don’t Mind”, “Road to Nowhere” y “And She Was”. El último fue el que tuvo más éxito en EUNA, mientras que el segundo triunfó en Reino Unido y Europa.

El álbum examina temas de Americana (un conglomerado de diversas músicas estadounidenses) e incorpora elementos de la música country con varias canciones utilizando la steel guitar. Fue votado como el mejor álbum del año en las encuestas críticas Pazz & Jop de The Village Voice y es álbum más vendido de la banda con más de dos millones de copias vendidas en Estados Unidos de Norteamérica. La cubierta fue creada por el artista Howard Finster y fue seleccionada como cubierta del año por la revista Rolling Stone.

El álbum fue n° 1 en Nueva Zelanda, n° 2 en Australia, n° 4 en Austria, n° 9 en Alemania y n° 10 en Reino Unido y Suecia, siendo certificado doble platino en Estados Unidos de Norteamerica y disco de oro tanto en Reino Unido como en Alemania.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

Lista de canciones:

  1.  «And She Was» – 3:36
  2.  «Give Me Back My Name» – 3:20
  3.  «Creatures of Love» – 4:12
  4.  «The Lady Don’t Mind» – 4:03
  5.  «Perfect World» – 4:26
  6.  «Stay Up Late» – 3:51
  7.  «Walk It Down» – 4:42
  8.  «Television Man» – 6:10
  9.  «Road to Nowhere» – 4:19
  10.  «The Lady Don’t Mind (Extended Mix)» – 6:51

Calidad: 320 Kbps (a 48000 Hz)

 

Gracias al compañero Jaimolin por el archivo wav que ripeé a mp3 de máxima calidad.

 

 

 


Caballeros de la Quema – Fulanos de Nadie [2000]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

Caballeros de la Quema fue una banda de rock alternativo, oriunda de la ciudad de Morón en Buenos Aires, Argentina, que se formó en 1989. El punto de partida empezó con tres de los miembros de una banda de rock sinfónico llamada El Aleph (todos exalumnos del colegio Dorrego, de Morón), que formarían el embrión inicial de lo que tiempo después serían Los Caballeros de la Quema. Las tres primeras canciones que ensayaron con esa primitiva formación son bocetos que terminarían en “Tibia peste”, “Carlito” y “Buenos Aires esquina Vietnam”. Adoptaron el nombre revisando revistas; en una de ellas encontraron una nota al humorista Pepe Marrone, donde contaba que su primera troupé de circo se había llamado Los Caballeros de la Quema.

En aquel tiempo pasan por diferentes cambios de formación, que incluye el paso de Iván Noble a la voz, dejando la batería. Habían probado hasta cantantes femeninas hasta que Iván, quien escribía la mayoría de las letras, pasó a cantar. Martín Méndez e Iván todavía eran estudiantes de Sociología en la Universidad de Buenos Aires, ya se había incorporado Javier Cavo en la batería y Pablo Guerra se sumaba luego haber fundado Los Piojos.

En 1991 editan en forma independiente su primera producción en cassette titulada “Primavera Negra”. Al año siguiente (1992) esta maqueta será reeditada con más canciones. El sello Iguana Records (perteneciente a la discográfica BMG) se interesa en estos temas autoeditados y firman contrato para publicar sus siguientes trabajos.

En 1993 el sello Iguana Records (BMG) editó su primer CD titulado “Manos Vacías”. De allí saldrían clásicos como “Patri”, “Carlito” (con video de Picky Tallarico), “Gusanos” y “Buenos Aires esquina Vietman”, entre otros. Fueron invitados por Joaquín Sabina a abrir su show en el estadio de Ferro ante más de 15 mil espectadores.

En 1994 hicieron la música del filme Labios de Churrasco de Raúl Perrone y ese año editaron su segunda placa titulada “Sangrando”, además fueron invitados a abrir el cierre de la gira mundial de Aerosmith en Córdoba y Buenos Aires, para más de 50 mil personas. En 1995 abrieron los shows de The Cult y Slash’s Snakepit en el estadio Obras Sanitarias de Buenos Aires. Participaron de los compilados “Fuck You” que reunían versiones de la mítica banda argentina Sumo, recreando el clásico “Hola Frank”.

En 1996 editaron su tercera placa titulada “Perros, Perros y Perros” con temas como “No Chamuyes”, “Celofán”, “Hasta Estallar” (con la participación de León Gieco), “Qué Pasa en el Barrio?”, “Cuatro Copas” y “No Hay”, entre otros. Además, el álbum contiene el clásico de la banda “Luces de Bar” en su versión completa. El primer corte “No Chamuyes”, fue acompañado por un vídeo realizado por Raúl Perrone que consiguió la más alta rotación en los canales musicales de cable como MTV Latino y MuchMusic, además de rankear el tema entre los primeros puestos de FM Rock & Pop y Radio City (#1 durante dos semanas). Tras colmar la capacidad del lugar en la presentación oficial del álbum en Dr. Jekyll, compartieron escenario en festivales multitudinarios con Attaque 77, A.N.I.M.A.L., Massacre y Las Pelotas. Participaron del Festival Alternativo en el estadio de Ferro ante más de 20 000 personas compartiendo escenario con Marilyn Manson, Illya Kuryaki and the Valderramas, Los Fabulosos Cadillacs, entre otros.

«Fulanos de Nadie» es el sexto trabajo discográfico de Los Caballeros de la Quema, editado en agosto de 2000 por la discográfica BMG-Ariola, precedido por el primer corte “Rómulo y Remo” con vídeo filmado en 16 mm por la productora Negro Films, en el que participan, entre otros, León Gieco, Cacho Castaña, Fabián Gianola y Anabel Cherubito. El álbum presenta un tema que Iván Noble escribió junto a Joaquín Sabina, “Otro jueves cobarde”. Contó además con el aporte de Facundo Rosas, quien escribió “Sapo de otro pozo”. Joaquín Sabina no pudo estar presente en la grabación del tema, por lo que la primera edición del álbum incluye este tema sin la voz del cantautor. El disco fue reeditado en 2001, ahora sí con la colaboración de Sabina en el tema citado, y con un tema extra, un popurrí con varias demos que corresponden a canciones del disco.

La presentación oficial de “Fulanos de Nadie”, el 7 de octubre de 2000 en el Estadio Obras de Capital Federal, fue el reencuentro de Caballeros con su público porteño. Público que colmó, como el año anterior, las instalaciones del estadio de la avenida Libertador. Los músicos salieron a escena enfundados en trajes, como en la tapa del disco.

 

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «¿Qué Mirás?» – 2:59
  2. «Rómulo y Remo» – 4:35
  3. «Fulanos de Nadie» – 4:41
  4. «Basta para Mí» – 3:30
  5. «Bye, Bye, Rubia» – 5:35
  6. «Cero Mensaje en el Contestador» – 4:01
  7. «Sapo de Otro Pozo» – 4:19
  8. «Macho Chaparrón» – 3:55
  9. «Sacá los Garfios de Ahí» – 3:26
  10. «Ni a la Esquina» – 4:27
  11. «No Me Despaches Así» – 3:30
  12. «Otro Jueves Cobarde» – 5:20
  13. «Todo Tan Raro» – 5:13

Calidad: FLAC

 

 

 


Bersuit Vergarabat – De la Cabeza [2002]

[Resubida]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

Bersuit Vergarabat, originalmente llamados Bersuit Vergarabat Van de Ir y conocidos como La Bersuit, es un grupo de rock argentino, originario del barrio de Barracas, al sur de la ciudad de Buenos Aires, formado en 1988. Se hicieron notables a finales de los años noventa por combinar este género musical con ritmos latinoamericanos —como la cumbia, el tango, la murga, el reggae, la chacarera y el candombe— y letras cargadas de críticas hacia el sistema político y la sociedad.

Desde su primer trabajo debut, la obra de Bersuit Vergarabat se caracterizó por contener mensajes en contra del menemismo y críticas hacia políticos como Carlos Menem, Domingo Cavallo, Eduardo Duhalde, Carlos Ruckauf, entre otros. Las letras de sus canciones fueron censuradas y, en otros casos, los canales de televisión que trasmitían sus videoclips fueron demandados y tuvieron que pagar multas por los ataques que sufrían ciertos políticos, como también por las críticas a la sociedad argentina de los 90.

Pese a la censura, esto no hizo decaer la popularidad de la banda que comenzó a gozar de masividad y se convirtió en uno de los grupos más importantes del rock argentino y uno de los principales de Latinoamérica.

Pasó por diversas formaciones y su alineación más famosa estuvo constituida por: Gustavo Cordera (voz), Juan Subirá (teclados, acordeón y voz), Carlos Martín (batería y percusión), Oscar Righi (guitarra eléctrica), Pepe Céspedes (bajo y voz), Daniel Suárez (voz y coros), Alberto Verenzuela (guitarra) y Germán “Cóndor” Sbarbati (voz, coros y charango).

Una de las características de la banda es su forma de vestir en sus conciertos, al disfrazarse con pijamas que es en sí, un homenaje a los internos de la residencia psiquiátrica del Hospital Municipal José Tiburcio Borda de Buenos Aires y una respuesta contraria al atuendo de cuero, que usan los grupos normalmente vinculados con el rock y heavy metal. La banda ha demostrado una afinidad por todo lo relacionado con la locura y la marginación.

Además de encontrar el éxito en Buenos Aires y luego en todo el país, Bersuit Vergarabat ha atraído a aficionados de muchos países de América Latina, así como España, Estados Unidos, Reino Unido, Alemania, Japón entre otros. El éxito de la banda más allá de América Latina, depende en gran medida de su capacidad de reinventarse constantemente.

La banda entró en un receso durante el 2009, con la idea de que cada músico se dedicara a diferentes proyectos personales. Tras desavenencias entre su vocalista y los demás integrantes, debido a que el primero prefirió seguir con su carrera como solista, en en el año 2011 la agrupación volvería a los escenarios sin Gustavo Cordera.

Algunas de sus canciones más difundidas son “El tiempo no para” (cover de Cazuza), “Espíritu de esta selva”, “Yo tomo”, “Se viene”, “Sr. Cobranza” (cover de Las Manos de Filippi), “La argentinidad al palo”, “La bolsa”, “Negra murguera”, “La soledad”, “Mi caramelo”, “Sencillamente”, “Un pacto», “Esperando el impacto”, “Murguita del sur”, entre otras.

En 2002, la banda cumplía 10 años desde su primer disco publicado, por lo que a mediados del 2002 editaron «De la Cabeza», sexto álbum de la banda argentina Bersuit Vergarabat, grabado en vivo en el Estadio Obras Sanitarias y en Show Center de Haedo y publicado por Universal. En este CD quedaron plasmadas canciones viejas y dos temas inéditos: “Un pacto para vivir” y “Perro amor explota”. Este álbum consolidó a la banda entre las mejores de Argentina y la llevó a la cima de la popularidad con temas como “Mi caramelo” o “Sr. Cobranza”, un cover de Las Manos de Filippi, cantado por la gente casi en su totalidad.

Con este trabajo comenzaron la “Gira De la Cabeza con Bersuit” con la que recorrieron el país, además de presentarse en Latinoamérica, España y Estados Unidos y de hacer una serie de recitales en el estadio Luna Park de Buenos Aires. El disco alcanzó el triple platino por las más de 150 mil copias vendidas. Los dos shows en los que fue grabado el álbum fueron filmados y editados en un DVD con el mismo nombre en 2004, con el que consiguieron el galardón de DVD de platino.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1.  «De la Cabeza» – 0:30
  2. «El Tiempo No Para» – 5:21
  3.  «Venganza de los Pobres Muertos (Afro)» – 4:33
  4. «El Viejo de Arriba» – 3:58
  5. «Espíritu de esta Selva» – 3:55
  6. «Vuelos» – 5:44
  7. «Mi Caramelo» – 3:29
  8. «Un Pacto» – 4:55
  9. «Perro Amor Explota» – 4:28
  10. «Tuyú» – 5:21
  11. «Yo Tomo» – 3:46
  12. «Sr. Cobranza» – 4:16
  13. «La Bolsa» – 4:24
  14. «Murguita del Sur» – 5:03
  15. «Se Viene» – 3:40
  16. «Hociquito de Ratón» – 2:42 / «Diez Mil» – 4:18
Calidad: FLAC

 

 

 


Bersuit Vergarabat – Hijos del Culo [2000]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

Bersuit Vergarabat, originalmente llamados Bersuit Vergarabat Van de Ir y conocidos como La Bersuit, es un grupo de rock argentino, originario del barrio de Barracas, al sur de la ciudad de Buenos Aires, formado en 1988. Se hicieron notables a finales de los años noventa por combinar este género musical con ritmos latinoamericanos —como la cumbia, el tango, la murga, el reggae, la chacarera y el candombe— y letras cargadas de críticas hacia el sistema político y la sociedad.

Desde su primer trabajo debut, la obra de Bersuit Vergarabat se caracterizó por contener mensajes en contra del menemismo y críticas hacia políticos como Carlos Menem, Domingo Cavallo, Eduardo Duhalde, Carlos Ruckauf, entre otros. Las letras de sus canciones fueron censuradas y, en otros casos, los canales de televisión que trasmitían sus videoclips fueron demandados y tuvieron que pagar multas por los ataques que sufrían ciertos políticos, como también por las críticas a la sociedad argentina de los 90.

Pese a la censura, esto no hizo decaer la popularidad de la banda que comenzó a gozar de masividad y se convirtió en uno de los grupos más importantes del rock argentino y uno de los principales de Latinoamérica.

Pasó por diversas formaciones y su alineación más famosa estuvo constituida por: Gustavo Cordera (voz), Juan Subirá (teclados, acordeón y voz), Carlos Martín (batería y percusión), Oscar Righi (guitarra eléctrica), Pepe Céspedes (bajo y voz), Daniel Suárez (voz y coros), Alberto Verenzuela (guitarra) y Germán “Cóndor” Sbarbati (voz, coros y charango).

Una de las características de la banda es su forma de vestir en sus conciertos, al disfrazarse con pijamas que es en sí, un homenaje a los internos de la residencia psiquiátrica del Hospital Municipal José Tiburcio Borda de Buenos Aires y una respuesta contraria al atuendo de cuero, que usan los grupos normalmente vinculados con el rock y heavy metal. La banda ha demostrado una afinidad por todo lo relacionado con la locura y la marginación.

Además de encontrar el éxito en Buenos Aires y luego en todo el país, Bersuit Vergarabat ha atraído a aficionados de muchos países de América Latina, así como España, Estados Unidos, Reino Unido, Alemania, Japón entre otros. El éxito de la banda más allá de América Latina, depende en gran medida de su capacidad de reinventarse constantemente.

La banda entró en un receso durante el 2009, con la idea de que cada músico se dedicara a diferentes proyectos personales. Tras desavenencias entre su vocalista y los demás integrantes, debido a que el primero prefirió seguir con su carrera como solista, en en el año 2011 la agrupación volvería a los escenarios sin Gustavo Cordera.

Algunas de sus canciones más difundidas son “El tiempo no para” (cover de Cazuza), “Espíritu de esta selva”, “Yo tomo”, “Se viene”, “Sr. Cobranza” (cover de Las Manos de Filippi), “La argentinidad al palo”, “La bolsa”, “Negra murguera”, “La soledad”, “Mi caramelo”, “Sencillamente”, “Un pacto», “Esperando el impacto”, “Murguita del sur”, entre otras.

«Hijos del Culo», quinto álbum de la banda argentina Bersuit Vergarabat, fue grabado en 2000 en los Estudios Panda de Buenos Aires y en La Casa, producido por Gustavo Santaolalla y editado ese mismo año por Universal Music, a través de su sello Surco. El álbum fue certificado doble platino en Argentina.

Este disco contiene canciones como el himno futbolero “Toco y me voy”, un cuarteto como “La bolsa”, el candombe “Negra murguera” (en la que participaron en la grabación la murga uruguaya Falta y Resto) y una canción de cumbia, “El viejo de arriba”. Este material fue presentado en el Estadio Obras, hacia junio de 2001 y posteriormente, varias de las canciones de ese material, serían publicadas en un álbum en vivo. Tres demos de este disco quedaron registrados en el disco de rarezas “Lados BV”: “Proyecto Volador”, “Es Así” y “Somatizando” (ésta es una versión en vivo grabada en el Estadio Obras Sanitarias en 2000).

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1.  «El Gordo Motoneta» – 3:54
  2.  «La del Toro» – 4:05
  3. «El Viejo de Arriba» – 3:26
  4. «Canción de Juan» – 5:36
  5. «Desconexión Sideral» – 4:51
  6. «Porteño de Ley» – 3:46
  7. «Caroncha» – 5:05
  8. «La Petisita Culona» – 3:37
  9. «Toco y Me Voy» – 4:09
  10. «La Vida Boba» – 4:59
  11. «Grasún» – 3:58
  12. «Negra Murguera» – 5:50
  13. «La Bolsa» – 3:32
  14. «Veneno de Humanidad» – 5:17
  15. «Es Importante» – 3:29
Calidad: FLAC

 

 

 


Rage Against The Machine – Evil Empire [1996]

[Resubida 2ª]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

Rage Against the Machine (también conocido como Rage o RATM) es un grupo musical estadounidense de rap metal fundado en el año 1990 por Tom Morello y Zack de la Rocha. Junto con Tim Commerford y Brad Wilk, el grupo tocó durante toda la década de los años 1990 hasta su disolución en 2000.

Zack de la Rocha concibió el nombre Rage Against the Machine (en castellano: ‘Ira En Contra De La Máquina (o del Sistema)’) antes de la formación de la banda. Cuando Zack conoció a Tom Morello y formaron el grupo, el nombre Rage Against The Machine les pareció el más indicado para el tipo de música y de ideas que pretendían difundir. La “Máquina” (o el Sistema), según Morello, representa la globalización, el neoliberalismo, la alienación, el racismo, la brutalidad, la élite y la ignorancia, entre otras ideas.

Su estilo característico es una sólida fusión de hip hop, funk y heavy metal. Los solos de guitarra de Tom Morello se recalcan por sus prominentes usos de pedales y efectos, y sobresalen sus emulaciones de los scratchs y otros efectos de los DJ de hip hop. El cantante, Zack de la Rocha, participó en grupos de punk y hardcore metal antes de volverse un apasionado de las rimas del rap: de ahí viene su estilo agresivo de rapear y los fuertes gritos que incluye en algunas canciones. Se aprecia también un pequeño toque de jazz por parte del bajista Tim Commerford, que perteneció a un grupo de ese estilo a mediados de los años 1980; finalmente, la batería de Brad Wilk está cargada de ritmos funk especialmente contundentes. Este estilo de fusión fue más tarde imitado por otras bandas, atribuyéndosele la etiqueta de rap metal.

Son también conocidos por el contenido sociopolítico de sus canciones. Sus letras son rotundas, con un claro posicionamiento en contra del capitalismo, la globalización y la guerra. De tendencias políticas de izquierda, R.A.T.M. destacó, además, por sus múltiples iniciativas de protesta y solidaridad con distintos movimientos de reivindicación sociales y musicales. El cantante Zack de la Rocha participó en movimientos derivados del EZLN. En los días posteriores a los atentados del 11 de septiembre, las emisoras de radio estadounidenses habrían censurado al grupo por alentar el antipatriotismo.

La primera presentación del grupo fue en el garaje de uno de los amigos de Tim en Huntington Beach, California. El grupo tocó sólo cinco canciones que tenía escritas, pero tuvieron tanto éxito que las repitieron varias veces. Decidieron lanzarse a lo grande, por lo que ellos mismos grabaron una cinta con 12 canciones en un estudio local. Empezaron a tocar en clubes de los alrededores de Los Ángeles y consiguieron vender 5.000 copias de la cinta. Se fueron dando a conocer en el ambiente musical y actuaron como teloneros de Porno for Pyros en su primer gran concierto. Estuvieron en el segundo escenario del Lollapalooza II, en Los Ángeles, California, donde los vio un “caza-talentos”. Luego firmaron un contrato con Epic Records (una división de Sony BMG) y siguieron de gira, mientras empezaban a grabar el disco “Rage Against the Machine”.

En 1995, el grupo estaba en Atlanta grabando el nuevo disco, pero las cosas se complicaron más de lo que pensaban. Empezaron a ir de gira tan frecuentemente que no tuvieron tiempo suficiente para conocerse unos a otros. Aunque trataban de trabajar juntos, pronto se dieron cuenta de que ya no podían hacerlo. Entonces decidieron tomarse un descanso, durante el cual Zack se fue por varias semanas a Chiapas (México), mientras los demás hacían lo que querían en sus respectivos hogares.

Finalmente, decidieron seguir. Alquilaron un cuarto en frente de sus apartamentos en Los Ángeles, y, robando la electricidad con cables de los pasillos, empezaron a grabar su segundo disco: “Evil Empire” (en castellano: “Imperio Maligno”). A principios de 1996, Rage tocó en el festival australiano “Big Day Out”, y de ahí salió el vídeo de “Bulls On Parade”.

«Evil Empire» es el segundo álbum de la banda estadounidense de rap metal Rage Against the Machine. Fue lanzado al mercado en abril de 1996 por Epic, casi 4 años después de la salida de su primera álbum, “Rage Against the Machine”. La ilustración de portada fue realizada por Mel Ramos y la fotografía interior por Lisa Johnson.

El título del álbum, “Evil Empire” (Imperio del Mal), fue un calificativo usado durante el gobierno del entonces presidente de Estados Unidos de Norteamérica, Ronald Reagan, por este mismo y otros conservadores estadounidenses para describir a la entonces URSS. Pero según la ideología socialista de la banda, el sentido es lo contrario, calificando a EUNA como el “Evil Empire”.

“Evil Empire” debutó en el #1 de Billboard Top 200 y el sencillo “Bulls On Parade” llegó a puesto #11 del Modern Rock Tracks, mientras que el sencillo “Tire Me” obtuvo el Premio Grammy “Best Metal Performance”. En 2000 el álbum fue certificado triple platino.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «People of the Sun» – 2:30
  2. «Bulls on Parade» – 3:51
  3. «Vietnow» – 4:39
  4. «Revolver» – 5:30
  5. «Snakecharmer» – 3:55
  6. «Tire Me» – 3:00
  7. «Down Rodeo» – 5:20
  8. «Without a Face» – 3:36
  9. «Wind Below» – 5:50
  10. «Roll Right» – 4:22
  11. «Year of tha Boomerang» – 3:59

Calidad: FLAC

 

 

 


Rage Against The Machine – RATM [1992]

[Resubida 2ª]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

Rage Against the Machine (también conocido como Rage o RATM) es un grupo musical estadounidense de rap metal fundado en el año 1990 por Tom Morello y Zack de la Rocha. Junto con Tim Commerford y Brad Wilk, el grupo tocó durante toda la década de los años 1990 hasta su disolución en 2000.

Zack de la Rocha concibió el nombre Rage Against the Machine (en castellano: ‘Ira En Contra De La Máquina (o del Sistema)’) antes de la formación de la banda. Cuando Zack conoció a Tom Morello y formaron el grupo, el nombre Rage Against The Machine les pareció el más indicado para el tipo de música y de ideas que pretendían difundir. La “Máquina” (o el Sistema), según Morello, representa la globalización, el neoliberalismo, la alienación, el racismo, la brutalidad, la élite y la ignorancia, entre otras ideas.

Su estilo característico es una sólida fusión de hip hop, funk y heavy metal. Los solos de guitarra de Tom Morello se recalcan por sus prominentes usos de pedales y efectos, y sobresalen sus emulaciones de los scratchs y otros efectos de los DJ de hip hop. El cantante, Zack de la Rocha, participó en grupos de punk y hardcore metal antes de volverse un apasionado de las rimas del rap: de ahí viene su estilo agresivo de rapear y los fuertes gritos que incluye en algunas canciones. Se aprecia también un pequeño toque de jazz por parte del bajista Tim Commerford, que perteneció a un grupo de ese estilo a mediados de los años 1980; finalmente, la batería de Brad Wilk está cargada de ritmos funk especialmente contundentes. Este estilo de fusión fue más tarde imitado por otras bandas, atribuyéndosele la etiqueta de rap metal.

Son también conocidos por el contenido sociopolítico de sus canciones. Sus letras son rotundas, con un claro posicionamiento en contra del capitalismo, la globalización y la guerra. De tendencias políticas de izquierda, R.A.T.M. destacó, además, por sus múltiples iniciativas de protesta y solidaridad con distintos movimientos de reivindicación sociales y musicales. El cantante Zack de la Rocha participó en movimientos derivados del EZLN. En los días posteriores a los atentados del 11 de septiembre, las emisoras de radio estadounidenses habrían censurado al grupo por alentar el antipatriotismo.

La primera presentación del grupo fue en el garaje de uno de los amigos de Tim en Huntington Beach, California. El grupo tocó sólo cinco canciones que tenía escritas, pero tuvieron tanto éxito que las repitieron varias veces. Decidieron lanzarse a lo grande, por lo que ellos mismos grabaron una cinta con 12 canciones en un estudio local. Empezaron a tocar en clubes de los alrededores de Los Ángeles y consiguieron vender 5.000 copias de la cinta. Se fueron dando a conocer en el ambiente musical y actuaron como teloneros de Porno for Pyros en su primer gran concierto. Estuvieron en el segundo escenario del Lollapalooza II, en Los Ángeles, California, donde los vio un “caza-talentos”. Luego firmaron un contrato con Epic Records (una división de Sony BMG) y siguieron de gira, mientras empezaban a grabar el disco “Rage Against the Machine”.

«Rage Against the Machine» es el álbum debut de la banda, grabado entre abril y mayo de 1992 en los estudios Industrial Recording, Sound City Studios y Scream Studios de Los Ángeles, con producción de Garth ‘GGGarth’ Richardson y el propio grupo, y editado en noviembre de 1992 por Epic Records. Con una de las primeras fusiones integrales de géneros diversos como el hip hop y el rock, marca el precedente para la explosión, más orientada al nu metal de finales de los 90 por parte de Limp Bizkit, Korn y Deftones.

Por otra parte, el álbum se centra en un comentario político inflexible, lo cual lo aleja de otras bandas. Las canciones de Rage Against the Machine tienen tendencias a específicos mantras políticos de izquierda, interpretados con ira, con el vocalista entregado en un estilo similar al hip hop.

La cubierta del álbum tiene la controvertida fotografía del Thích Quảng Đức inmolándose en protesta al tratamiento de los budistas bajo el gobierno de Vietnam del Sur en vísperas de la Guerra de Vietnam.

El álbum fue seleccionado en el n°1 de Billboard Heatseekers y en el n° 45 del top 200 de esa misma cartelera, donde se mantuvo por 89 semanas. La revista Rolling Stone puso a este álbum en el puesto número 368 de la lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.

La canción “Wake Up” estuvo incluida en los créditos finales como uno de los OST de la película Matrix, y la canción “Killing in the Name” fue incluida en los videojuegos Grand Theft Auto: San Andreas y Guitar Hero II. En diciembre de 1993, lanzaron el vídeo de “Freedom”, para apoyar a Leonard Peltier.​ El vídeo combinaba escenas del grupo en vivo y del documental de 1992 “Incident at Oglala” con texto del libro de Peter Matthiessen “In the Spirit of Crazy Horse”. Se convirtió en el vídeo número #1 en EUNA.

En el 2000, Q Magazine catalogó el álbum como uno de los cincuenta mejores álbumes de rock pesado de la historia. La revista Kerrang catalogó a este disco en el puesto número 34 de su lista Los 100 álbumes que debes oír antes de morir. La revista Guitar World catalogó el álbum en el puesto número 21 de los 100 mejores discos de todos los tiempos.

Comenzaron su primera gira europea con Suicidal Tendencies e hiceron sucesivos conciertos a beneficio de Mumia Abu-Jamal,​ Leonard Peltier, la Liga Antinazi y al “Rock for Choice”. En 1993 estuvieron en Lollapalooza de nuevo. En Filadelfia, elevaron su notoriedad cuando hicieron una protesta en contra de la censura, en especial en contra de Parents Music Resource Center (PMRC), permaneciendo en el escenario completamente desnudos durante un total de 14 minutos.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Bombtrack» – 4:05
  2. «Killing in the Name» – 5:14
  3. «Take the Power Back» – 5:36
  4. «Settle for Nothing» – 4:48
  5. «Bullet in the Head» – 5:09
  6. «Know Your Enemy» – 4:55
  7. «Wake Up» – 6:04
  8. «Fistful of Steel» – 5:31
  9. «Township Rebellion» – 5:24
  10. «Freedom» – 6:08

Calidad: FLAC

 

 

 


Bersuit Vergarabat – Libertinaje [1998]

[Resubida]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

Bersuit Vergarabat, originalmente llamados Bersuit Vergarabat Van de Ir y conocidos como La Bersuit, es un grupo de rock argentino, originario del barrio de Barracas, al sur de la ciudad de Buenos Aires, formado en 1988. Se hicieron notables a finales de los años noventa por combinar este género musical con ritmos latinoamericanos —como la cumbia, el tango, la murga, el reggae, la chacarera y el candombe— y letras cargadas de críticas hacia el sistema político y la sociedad.

Desde su primer trabajo debut, la obra de Bersuit Vergarabat se caracterizó por contener mensajes en contra del menemismo y críticas hacia políticos como Carlos Menem, Domingo Cavallo, Eduardo Duhalde, Carlos Ruckauf, entre otros. Las letras de sus canciones fueron censuradas y, en otros casos, los canales de televisión que trasmitían sus videoclips fueron demandados y tuvieron que pagar multas por los ataques que sufrían ciertos políticos, como también por las críticas a la sociedad argentina de los 90.

Pese a la censura, esto no hizo decaer la popularidad de la banda que comenzó a gozar de masividad y se convirtió en uno de los grupos más importantes del rock argentino y uno de los principales de Latinoamérica.

Pasó por diversas formaciones y su alineación más famosa estuvo constituida por: Gustavo Cordera (voz), Juan Subirá (teclados, acordeón y voz), Carlos Martín (batería y percusión), Oscar Righi (guitarra eléctrica), Pepe Céspedes (bajo y voz), Daniel Suárez (voz y coros), Alberto Verenzuela (guitarra) y Germán “Cóndor” Sbarbati (voz, coros y charango).

Una de las características de la banda es su forma de vestir en sus conciertos, al disfrazarse con pijamas que es en sí, un homenaje a los internos de la residencia psiquiátrica del Hospital Municipal José Tiburcio Borda de Buenos Aires y una respuesta contraria al atuendo de cuero, que usan los grupos normalmente vinculados con el rock y heavy metal. La banda ha demostrado una afinidad por todo lo relacionado con la locura y la marginación.

Además de encontrar el éxito en Buenos Aires y luego en todo el país, Bersuit Vergarabat ha atraído a aficionados de muchos países de América Latina, así como España, Estados Unidos, Reino Unido, Alemania, Japón entre otros. El éxito de la banda más allá de América Latina, depende en gran medida de su capacidad de reinventarse constantemente.

La banda entró en un receso durante el 2009, con la idea de que cada músico se dedicara a diferentes proyectos personales. Tras desavenencias entre su vocalista y los demás integrantes, debido a que el primero prefirió seguir con su carrera como solista, en en el año 2011 la agrupación volvería a los escenarios sin Gustavo Cordera.

Algunas de sus canciones más difundidas son “El tiempo no para” (cover de Cazuza), “Espíritu de esta selva”, “Yo tomo”, “Se viene”, “Sr. Cobranza” (cover de Las Manos de Filippi), “La argentinidad al palo”, “La bolsa”, “Negra murguera”, “La soledad”, “Mi caramelo”, “Sencillamente”, “Un pacto», “Esperando el impacto”, “Murguita del sur”, entre otras.

El álbum que hizo conocida a la banda a nivel nacional e internacional fue «Libertinaje», doble platino en Argentina, grabado entre abril y mayo de 1998 en los Estudios Panda de Buenos Aires y entre junio y julio en La Casa, producido por Gustavo Santaolalla y editado ese mismo año por Universal Music, a través de su sello Surco. Tras la partida de Sadrinas en 1996, ingresan Daniel Suárez y Germán Sbarbati; estos dos últimos, habían integrado una banda llamada Resortes Antagónicos, grupo que editó dos trabajos discográficos y poco tiempo después Héctor «Limón» García, líder y vocalista de Vía Varela, ingresaría a realizar los coros.

El disco fue muy criticado por los seguidores del gobierno del ex-presidente argentino Carlos Menem debido a las letras profundamente políticas y antimenemistas, como en el caso del corte de difusión del disco «Sr. Cobranza», una versión del tema de Las Manos de Filippi. Este material, catapultó a la banda al estrellato nacional e internacional, iniciando una gira de presentación en toda Argentina, Latinoamérica, España y Estados Unidos de Norteamérica.

La canción “Sr. Cobranza” (autoría de Las Manos de Filippi y popularizada por Bersuit Vergarabat) fue censurada por el Comité Federal de Radiodifusión (COMFER) debido a los ataques verbales que sufrían políticos argentinos en la letra. Esta canción logró entrar dentro del conteo de Las 100 grandiosas canciones de los 90s en castellano por la cadena de televisión musical VH1 Latinoamérica, obteniendo el puesto #72 de dicha lista. Además de “Sr. Cobranza”, entre los sencillos más destacados, se encuentran: “Se viene”, “Murguita del sur”, “Vuelos” y “¿Que pasó?”.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

 

  1.  «Yo Tomo» – 3:32
  2.  «A los Tambores» – 3:22
  3. «De Onda» – 3:01
  4. «Se Viene» – 3:25
  5. «Murguita del Sur» – 4:16
  6. «Sr. Cobranza» – 4:19
  7. «Vuelos» – 4:24
  8. «Gente de Mierdas» – 2:46
  9. «Sincerebro» – 3:29
  10. «A Marça de Deux» – 5:19
  11. «C.S.M.» – 2:40
  12. «¿Qué Pasó?» – 6:01
Calidad: FLAC

 

 

 


Talking Heads – Road to Nowhere (Maxi) [1985]

[Resubida]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

Talking Heads fue una banda de rock experimental y dance punk (una de las más representativas bandas new wave, con elementos de estilos como el punk rock, rock progresivo y el funk predominante en el ambiente británico de los años ochenta, que recibe la influencia cultural del Art Pop y el minimal, expresado en sus letras impregnadas de experiencia alienada y claves musicales experimentales y mínimas) formada en Nueva York por David Byrne en el año 1974 junto a Chris Frantz y Tina Weymouth. Un par de años después, tras telonear a Ramones en el legendario club CBGB, se integraría a ella el guitarrista y teclista Jerry Harrison, quien anteriormente había grabado junto a The Modern Lovers. En una entrevista, Weymouth especificó cómo el grupo eligió el nombre Talking Heads: “Un amigo encontró el nombre en la guía de televisión, que explica el término usado por los estudios de televisión para describir el busto de una persona hablando acerca de ‘todo contenido, nada de acción'”.

Encabezada por el músico David Byrne, la banda alcanzó los primeros lugares de las listas de ventas en gran parte de Europa y Estados Unidos de Norteamérica. Puede resumirse el estilo y elegancia que destacó a esta agrupación en el filme “Stop Making Sense”, que fue realizado en el teatro Pantages de Hollywood y dirigido por Jonathan Demme. Esta representación es aclamada como uno de los ejemplos más representativos de su género.

El grupo tuvo rápidamente una gran aceptación y firmó para Sire Records en 1977, lanzando su primer single “Love – Building On Fire” en febrero de ese año. Su primer álbum, “Talking Heads: 77” fue lanzado a continuación y no contenía el primer single. Esto fue con su segundo álbum en 1978, “More Songs About Buildings and Food”, con el cual la banda comenzó su larga colaboración con el productor Brian Eno, quien previamente había trabajado con Roxy Music, David Bowie y Robert Fripp. La experimentación continuó con “Fear of Music” en 1979, el cual flirteaba con el oscuro estilo del post-punk rock. “Remain in Light”, fuertemente influenciado por el Afro-Beat (ritmos africanos) de la banda nigeriana Fela Kuti (de quienes Eno introdujo su música en la banda), explorando poliritmos africanos, haciendo que más tarde Byrne se interesase en la música mundial.

El maxi single «Road to Nowhere» fue el segundo sencillo del sexto álbum de Talking Heads, “Little Creatures”, grabado y mezclado por G.T. Thorngren y Jerry Harrison, y editado en septiembre de 1985 por Sire Records en Estados Unidos de Norteamérica y por EMI Records en Reino Unido y el resto del mundo. Alcanzó el nº 5 en Nueva Zelanda; el nº 6 en Alemania, Gran Bretaña, Irlanda y Sudáfrica; el nº 10 en Holanda, el nº 16 en Australia y el nº 25 en el Billboard estadounidense.

Acerca del tema principal, David Byrne explicó en las notas del recopilatorio “Once in a Lifetime: The Best of Talking Heads” (EMI, 1992): “Quería escribir una canción que presentara una mirada resignada e incluso alegre a la fatalidad. En nuestras muertes y en el apocalipsis (siempre inminente, gente)… Creo que tuvo éxito. El fragmento delantero, el coro blanco del gospel, está un poco pegado, porque no pensé que el resto de la canción fuera suficiente… Quiero decir, eran sólo dos acordes. Así que, por embarazo o vergüenza, escribí una sección de introducción que tenía un par más en ella.”

El video de la canción fue dirigido por Byrne y Stephen R. Johnson y presenta a la banda y varios objetos giratorios, como si estuvieran en su propio “camino a ninguna parte”. Fue nominado para “Mejor Video del Año” en los MTV Video Music Awards 1986. La ilustración de portada fue realizada por Howard Finster.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1.  «Road to Nowhere» – 4:19
  2.  «Television Man» (Extended Mix) – 8:00

Calidad: FLAC

 

 

 


La Portuaria – Huija [1995]

[Resubida]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

La Portuaria fue una banda de rock argentino formada en 1989 en Buenos Aires. Desarrollaron un sonido de fusión, incorporando ritmos latinos sobre una base fuertemente influenciada por el jazz y el R&B. Tuvieron su primera exposición al gran público en el festival Mi Buenos Aires Rock, organizado en 1990 por la Municipalidad de la Ciudad de Buenos Aires. Con el tiempo incorporaron varios instrumentistas en torno al núcleo central del grupo, constituido por Christian Basso (bajo), Colo Belmonte (batería), Sebastián Schachtel (teclados), Diego Frenkel (guitarra y voz) y, desde 1990 hasta 1996, Axel Krygier (piano y saxofón). Han editado 10 discos, constituyendo una presencia importante en la escena musical argentina desde sus comienzos en adelante.

Diego Frenkel, Christian Basso y Sebastián Schachtel (columna vertebral de la banda) habían integrado el grupo Clap, que grabó un álbum en 1986. Ya por entonces sorprendieron por la versatilidad de ritmos y estilos. Tal es así que muchos los han definido como “world beat” (algo así como el ritmo de la aldea global). A fines de los 80 tras la disolución de Clap surge La Portuaria. Desde sus inicios su música escapaba a los modelos tradicionales del rock en Argentina. Se trataba de música fundamentalmente rítmica que exploraba y se nutría de los colores y sonidos de la música del mundo. La variedad rítmica y tímbrica siempre fue parte de la cosmogonía de la banda.

En 1989 debutan con su primer disco: “Rosas Rojas”, editado por la discográfica EMI. Por lo exótico de su propuesta, La Portuaria parecía estar al frente de una suerte de vanguardia rockera, pero sus canciones eran de fácil acceso al público. Viajan a España y a su regreso son invitados a participar en Mi Buenos Aires Rock, un festival organizado por la Municipalidad, que convocó a cien mil personas en la avenida Nueve de Julio. Si bien el público había asistido para escuchar a Charly García y a Luis Alberto Spinetta, fue una excelente oportunidad para presentar el trabajo de la banda, que no fue desaprovechada, a juzgar por los aplausos cosechados.

En 1991 el grupo inicia la producción de su segundo álbum, “Escenas de la Vida Amorosa”, editado nuevamente por EMI. El tema “El bar de la calle Rodney” se destaca como el éxito de la placa. Se presentan en el teatro Astros, donde desarrollan una arriesgada puesta en escena combinada con elementos teatrales no convencionales como la actuación de la agrupación El Descueve, con la participación de Fito Páez como invitado especial.

La consagración vendría con “Devorador de Corazones”, su tercer álbum de estudio, editado en 1993 por EMI Odeon con producción del propio grupo. El álbum obtuvo un éxito mucho más masivo que su álbum anterior de 1991, siendo un disco más cuidado, potente y exitoso que se destaca por el tema homónimo, “Selva” y “Nada es igual” (estos dos últimos cortados para difusión). El disco colocó a la banda en su grado máximo de exposición y obtuvo un disco de Oro pocos meses después de su lanzamiento y, a comienzos de 1994, el álbum llegó a ser disco platino. La influencia del hot jazz y de la música de fusión latina es más perceptible.

Después del exitoso disco “Devorador de Corazones”, La Portuaria quería continuar saciando sus famélicos deseos de fama. Casi sin perder tiempo, aunque concentrándose en la búsqueda del sonido ideal, la banda liderada por Diego Frenkel lanzó en 1995 su cuarto material, «Huija», grabado y mezclado en Nueva York (donde se trabajó con un criterio mucho más profundo de producción, logrando un sonido contundente y experimental) y editado nuevamente por EMI en 1995, con producción de Andrés Levin, Camus Celli y La Portuaria. Fue inmediatamente catalogado por la prensa como “uno de los más importantes del año”. El álbum también fue la presentación del nuevo baterista, Martín Ghersa.

El álbum repite la fórmula de su anterior álbum; con una producción más profesional a cargo de Andrés Levin, quien enfatizó los aspectos mestizos musicalmente (ya desde el mismo título es una exclamación de índole folclórica que remite a las aventuras del personaje de historietas Patoruzú), y fue grabado casi con el mismo concepto que “Devorador de Corazones”. La combinación entre el jazz y lo latino eran la principal herramienta con la que se valió esta producción. En palabras textuales de Frenkel: “un grito de alegría y explosión salvaje, guiso de mambo, hip hop, acid jazz, ritmo y blues y otros reciclajes contemporáneos”. Una definición bastante abarcadora de estilos, que sin embargo, pueden evidenciarse a lo largo del disco.

“Ruta” tiene ese pegadizo coro imposible de no cantar tras la primera vez que se escucha, que transforma a la canción en una de las más populares. “Supermambo” mantiene el tono alegre, fundamentalmente, con la letra. En el siguiente tema, como con “Nada es igual”, Frenkel vuelve al vacío despojándose de posesiones. “Donde hubo fuego”, frase de larga data, es otro de los temas que se destacan de este material que incluso sería utilizado por David Byrne. También “10 segundos” sería seleccionado para una recopilación de música americana por David Byrne. La Portuaria no se apartó demasiado del estilo que le dio el Disco de Oro con el anterior trabajo, por lo que “Huija” mantiene aquel nivel.

 

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Ruta» – 3:22
  2. «Supermambo» – 3:41
  3. «No Tengo Nada» – 3:46
  4. «Sofía» – 4:11
  5. «Dios» – 4:35
  6. «Ven a Mí» – 4:31
  7. «Vudú Danza» – 4:16
  8. «La Diablada» – 3:16
  9. «Donde Hubo Fuego» – 5:21
  10. «10 Segundos» – 3:40

Calidad: WAV

 

 

 


Caballeros de la Quema – Manos Vacías [1993]

[Resubida]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

Caballeros de la Quema fue una banda de rock alternativo, oriunda de la ciudad de Morón en Buenos Aires, Argentina, que se formó en 1989. El punto de partida empezó con tres de los miembros de una banda de rock sinfónico llamada El Aleph (todos exalumnos del colegio Dorrego, de Morón), que formarían el embrión inicial de lo que tiempo después serían Los Caballeros de la Quema. Las tres primeras canciones que ensayaron con esa primitiva formación son bocetos que terminarían en “Tibia peste”, “Carlito” y “Buenos Aires esquina Vietnam”. Adoptaron el nombre revisando revistas; en una de ellas encontraron una nota al humorista Pepe Marrone, donde contaba que su primera troupé de circo se había llamado Los Caballeros de la Quema.

En aquel tiempo pasan por diferentes cambios de formación, que incluye el paso de Iván Noble a la voz, dejando la batería. Habían probado hasta cantantes femeninas hasta que Iván, quien escribía la mayoría de las letras, pasó a cantar. Martín Méndez e Iván todavía eran estudiantes de Sociología en la Universidad de Buenos Aires, ya se había incorporado Javier Cavo en la batería y Pablo Guerra se sumaba luego haber fundado Los Piojos.

En 1991 editan en forma independiente su primera producción en cassette titulada “Primavera Negra”. Al año siguiente (1992) esta maqueta será reeditada con más canciones. El sello Iguana Records (perteneciente a la discográfica BMG) se interesa en estos temas autoeditados y firman contrato para publicar sus siguientes trabajos.

«Manos Vacías» es el primer álbum -y segundo trabajo- de la banda, grabado en los Estudios Panda y Del Cielito de Buenos Aires, masterizado en Sound Designer y editado en 1991 por el sello Iguana Records. Contiene canciones que formaron parte de su primer emprendimiento, “Primavera Negra”. De allí saldrían clásicos como “Patri” (considerada la 27ª mejor canción del rock argentino por Rock.com.ar.en 2007), “Carlito” (con video de Picky Tallarico), “Gusanos” y “Buenos Aires esquina Vietman”, entre otros.

Fueron invitados por Joaquín Sabina a abrir su show en el estadio de Ferro ante más de 15 mil espectadores. Realizan shows en Rosario, Santa Fe y Córdoba, además de Buenos Aires y Capital federal durante ese año. Las encuestas de fin de año los encontraron en los primeros lugares como banda revelación.

 

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Domingo Muerto» – 2:55
  2. «Bs.As. Esquina Vietnam» – 4:20
  3. «Tibia Peste» – 3:12
  4. «Patri» – 3:42
  5. «9 Días» – 2:16
  6. «Me Sobás la Espalda (Viuda Negra)» – 4:56
  7. «Con el Agua en los Pies» – 6:00
  8. «Similaun» – 3:03
  9. «Carlito» – 3:54
  10. «Gusanos» – 4:20
  11. «El Culo del Asunto» – 4:04
  12. «Primavera Negra» – 3:01
  13. «Milwaukee» – 8:00
  14. «Luces de Bar» – 1:30

Calidad: FLAC

 

 

 


La Portuaria ‎– Devorador de Corazones [1993]

[Resubida]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

laportuaria-devoradorcorazonesLa Portuaria fue una banda de rock argentino formada en 1989 en Buenos Aires. Desarrollaron un sonido de fusión, incorporando ritmos latinos sobre una base fuertemente influenciada por el jazz y el R&B. Tuvieron su primera exposición al gran público en el festival Mi Buenos Aires Rock, organizado en 1990 por la Municipalidad de la Ciudad de Buenos Aires. Con el tiempo incorporaron varios instrumentistas en torno al núcleo central del grupo, constituido por Christian Basso (bajo), Colo Belmonte (batería), Sebastián Schachtel (teclados), Diego Frenkel (guitarra y voz) y, desde 1990 hasta 1996, Axel Krygier (piano y saxofón). Han editado 10 discos, constituyendo una presencia importante en la escena musical argentina desde sus comienzos en adelante.

Diego Frenkel, Christian Basso y Sebastián Schachtel (columna vertebral de la banda) habían integrado el grupo Clap, que grabó un álbum en 1986. Ya por entonces sorprendieron por la versatilidad de ritmos y estilos. Tal es así que muchos los han definido como “world beat” (algo así como el ritmo de la aldea global). A fines de los 80 tras la disolución de Clap surge La Portuaria. Desde sus inicios su música escapaba a los modelos tradicionales del rock en Argentina. Se trataba de música fundamentalmente rítmica que exploraba y se nutría de los colores y sonidos de la música del mundo. La variedad rítmica y tímbrica siempre fue parte de la cosmogonía de la banda.

En 1989 debutan con su primer disco: “Rosas Rojas”, editado por la discográfica EMI. Por lo exótico de su propuesta, La Portuaria parecía estar al frente de una suerte de vanguardia rockera, pero sus canciones eran de fácil acceso al público. Viajan a España y a su regreso son invitados a participar en Mi Buenos Aires Rock, un festival organizado por la Municipalidad, que convocó a cien mil personas en la avenida Nueve de Julio. Si bien el público había asistido para escuchar a Charly García y a Luis Alberto Spinetta, fue una excelente oportunidad para presentar el trabajo de la banda, que no fue desaprovechada, a juzgar por los aplausos cosechados.La Portuaria ‎– Devorador De Corazones

En 1991 el grupo inicia la producción de su segundo álbum, “Escenas de la Vida Amorosa”, editado nuevamente por EMI. El tema “El bar de la calle Rodney” se destaca como el éxito de la placa. Se presentan en el teatro Astros, donde desarrollan una arriesgada puesta en escena combinada con elementos teatrales no convencionales como la actuación de la agrupación El Descueve, con la participación de Fito Páez como invitado especial.

«Devorador de Corazones» es el tercer álbum de estudio de la banda argentina La Portuaria, editado en 1993 por EMI Odeon con producción del propio grupo. El álbum obtuvo un éxito mucho más masivo que su álbum anterior de 1991, resultando la consagración de la banda. El disco más cuidado, potente y exitoso se destaca por el tema homónimo, “Selva” y “Nada es igual” (estos dos últimos cortados para difusión). El disco colocó a la banda en su grado máximo de exposición y obtuvo un disco de Oro pocos meses después de su lanzamiento y, a comienzos de 1994, el álbum llegó a ser disco platino. La influencia del hot jazz y de la música de fusión latina es más perceptible.

Además de “Selva” también se desprenden otros buenos temas como la pegadiza “Nada es Igual” o “Devorador de Corazones”. Sin tanta repercusión “Nena de la Lluvia” es otra interesante composición. El disco aborda diferentes estilos, desde el jazz con “Jam sesión”, el ska con La Portuaria ‎– Devorador De Corazones“Portuaria Mix” o el pop “En la punta de un cabo”. Esa combinación de estilos caracterizó a esta buena banda que se mantendría en la escena del rock argentino durante gran parte de la década de los noventa.

El mismo año (1994), concluyen la primera gran gira nacional en el estadio Obras Sanitarias. Para la ocasión presentan un show junto a De La Guarda, que fue el espectáculo mas novedoso y original que se vio en el país, catapultando a La Portuaria como una de las mejores bandas del año.

 

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Devorador de Corazones» – 4:25
  2. «Selva» – 4:09
  3. «Nada Es Igual» – 2:58
  4. «Miedo» – 6:13
  5. «La Grieta» – 3:13
  6. «En la Punta de un Cabo» – 4:04
  7. «Alguna Vez» – 2:26
  8. «Portuaria Mix» – 3:58
  9. «Me Quedo Contigo» – 3:06
  10. «Paso a Paso» – 3:59
  11. «Nena de la Lluvia» – 5:16
  12. «El Pan de cada Día» – 4:14
  13. «Zamba de Mi Esperanza» – 5:41
  14. «Jam Session» – 11:52

Calidad: FLAC

 

 

 


La Portuaria ‎– Escenas de la Vida Amorosa [1991]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

laportuaria-escenasvidaamorosaLa Portuaria fue una banda de rock argentino formada en 1989 en Buenos Aires. Desarrollaron un sonido de fusión, incorporando ritmos latinos sobre una base fuertemente influenciada por el jazz y el R&B. Tuvieron su primera exposición al gran público en el festival Mi Buenos Aires Rock, organizado en 1990 por la Municipalidad de la Ciudad de Buenos Aires. Con el tiempo incorporaron varios instrumentistas en torno al núcleo central del grupo, constituido por Christian Basso (bajo), Colo Belmonte (batería), Sebastián Schachtel (teclados), Diego Frenkel (guitarra y voz) y, desde 1990 hasta 1996, Axel Krygier (piano y saxofón). Han editado 10 discos, constituyendo una presencia importante en la escena musical argentina desde sus comienzos en adelante.

Diego Frenkel, Christian Basso y Sebastián Schachtel (columna vertebral de la banda) habían integrado el grupo Clap, que grabó un álbum en 1986. Ya por entonces sorprendieron por la versatilidad de ritmos y estilos. Tal es así que muchos los han definido como “world beat” (algo así como el ritmo de la aldea global). A fines de los 80 tras la disolución de Clap surge La Portuaria. Desde sus inicios su música escapaba a los modelos tradicionales del rock en Argentina. Se trataba de música fundamentalmente rítmica que exploraba y se nutría de los colores y sonidos de la música del mundo. La variedad rítmica y tímbrica siempre fue parte de la cosmogonía de la banda.

En 1989 debutan con su primer disco: “Rosas Rojas”, editado por la discográfica EMI. Por lo exótico de su propuesta, La Portuaria parecía estar al frente de una suerte de vanguardia rockera, pero sus canciones eran de fácil acceso al público. Viajan a España y a su regreso son invitados laportuaria-escenasvidaamorosa-2a participar en Mi Buenos Aires Rock, un festival organizado por la Municipalidad, que convocó a cien mil personas en la avenida Nueve de Julio. Si bien el público había asistido para escuchar a Charly García y a Luis Alberto Spinetta, fue una excelente oportunidad para presentar el trabajo de la banda, que no fue desaprovechada, a juzgar por los aplausos cosechados.

En 1991 el grupo inicia la producción de su segundo álbum, «Escenas de la Vida Amorosa», editado nuevamente por EMI. El tema “El bar de la calle Rodney” se destaca como el éxito de la placa. Se presentan en el teatro Astros, donde desarrollan una arriesgada puesta en escena combinada con elementos teatrales no convencionales como la actuación de la agrupación El Descueve, con la participación de Fito Páez como invitado especial.

 

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Amar Es Difícil» – 3:32
  2. «El Bar de la Calle Rodney» – 3:46
  3. «Delicado» – 2:52
  4. «Mira las Nubes» – 4:02
  5. «Hombre sin Historia» – 3:22
  6. «Llora» – 3:23
  7. «Escenas de la Vida Amorosa» – 4:26
  8. «Ella» – 3:37
  9. «Los Mejores Amigos» – 4:18
  10. «Solitario» – 3:00
  11. «Hombres Trabajando» – 2:58
  12. «El Viaje» – 3:33
  13. «Ensoñado» – 3:58
  14. «Mujeres» – 3:32

Calidad: FLAC

 

 

 


Os Resentidos – Música Doméstica (1987)

[Resubida]

 

[Ciclo de Rock Ibérico]

 

osresentidos-musicadomesticaCuando se menciona el nombre de Os Resentidos a uno le vienen muchas ideas a la cabeza. Podemos hablar de expansionismo cultural, de modernidad con vocación costumbrista, de crítica social, de surrealismo inteligente o de absorción y fusión de múltiples estilos con la mirada en la cultura y el humor característicos del terruño, de la República de Sitio Distinto, como llamaron a Galicia a lo largo de su carrera. Lo cierto es que abrigaron con su calor La Movida de Vigo junto a bandas como Aerolíneas Federales, Golpes Bajos o Siniestro Total, y acercaron el rock gallego a todo el territorio nacional con “Galicia caníbal”, aunque para mucha gente siempre será “Fai un sol de carallo”, pero fueron mucho más que todo eso. La utilización del gallego, la irreverencia, una marginalidad poética y reivindicativa de sus raíces, y la fusión con vocación experimental -funky, rock, pop, folk, gaitas, sintetizadores- fueron sus señas de identidad. El grupo lo tiene claro, se define como “Os Resentidos de Vigo (gora Vigo Camasutra), una esquimal bus band de funkie depresivo. Nuestro trascendental concepto del funkie depresivo y del rock esquimal desborda obviamente la fugacidad del lenguaje y la opacidad traidora de la escritura (lapsus). Los motivos de nuestro resentimiento son amplios y confusos, puestos en situación normalmente, solemos declarar: una vez detectado el cáncer de mama galopante de la Santa Lucía de Miguel Ríos, llegó la hora (god save the mamas not the cancer)”.

Su líder y auténtico agitador cultural, Antón Reixa, es uno de los personajes más polifacéticos de nuestra escena. Poeta, cantante, director de cine, artista multimedia, columnista de prensa son algunas de sus principales ocupaciones, que no son pocas. Tras estudiar Filología Gallega en la Universidad de Santiago y ser uno de los fundadores de Comunicación Poética Rompente, colectivo con el que publicaría varios libros de poesía, en el 82 pone en marcha Os Resentidos, junto a Alberto Torrado -bajo-, Javier Soto -guitarra- y Rubén Losada -saxo-. Alberto compaginaba sus labores en el grupo con Siniestro Total, hasta que abandona definitivamente a Hernández y compañía en el 87. Javier por su parte, seguiría un camino inverso al de Alberto y abandonaría Os Resentidos en el 85 para enrolarse en Siniestro Total durante la gira del “Menos Mal que nos Queda Portugal” (DRO, 1984), siendo sustituido por Xavier Debesa.

En el 84 lanzan su primer trabajo, un maxi en 12” con aires post-punk compartido con Siniestro Total, “Surfin’ CCCP” (DRO, 1984), en el que cada grupo aporta dos cortes, y un año después sale a la venta su primer largo “Vigo Capital Lisboa” (GASA, 85). En él ya encontramos la esencia de lo que llegarían a ser, letras con un marcado humor en el que no se salva nada ni nadie -¿verdad, Paloma Gómez Borrero?-, la fusión de estilos como forma de vida y, por supuesto, las ganas de fiesta, de movida. Luego llegarían el rap, para poder decir más cosas en cada canción, y la conjunción perfecta entre sintetizadores y gaitas. La producción del disco no es la mejor, pero esto iría mejorando entrega tras entrega.

La mente hiperactiva de Antón Reixa continua trabajando a un ritmo frenético, y continúan entregándonos un largo por año. En el 86 sale “Fai un Sol de Carallo” (GASA, 1986), disco que contiene el gran hit de la formación, “Galicia Caníbal”, un éxito instantáneo que ha sobrevivido al grupo para traspasar las puertas de la cultura popular. El disco presenta una producción más cuidada y el sonido evoluciona considerablemente. Las programaciones están salpicadas de gaitas y Antón Reixa está más suelto que nunca.

«Música Doméstica» (GASA, 1987), tercer lp de los gallegos, baja el nivel de sus antecesores. Las composiciones de Antón Reixa no son tan brillantes y los arreglos se vuelven más previsibles y monótonos, encontramos aires rythm and blues, funky depresivo, cumbia, ritmos disco y sintetizadores, fusión de estilos marca de la casa que en esta ocasión se queda a medias.

osresentidos-musicadomestica-2Las orquestaciones inundan “Bamboleo (manada dance)”, corte inicial que pone de manifiesto que la cosa decae, lo que se confirma definitivamente en “Contrarios”, musicalmente se mantienen las orquestaciones, el saxo ocupa los primeros planos, mientras que a nivel compositivo algún destello como “a primeira comunión faise vestido de árbitro” o “a auga da cisterna tamén e da traída” pero muy poco para lo que nos tenían acostumbrados. Los ritmos latinos aparecen en “Cumbia china”, homenaje resentido en clave de cumbia a la miseria preservativa y a los barrios chinos de las grandes ciudades. “Zoo lóxico” no logra subir el listón y uno empieza a impacientarse, hasta que “Pandeirada mixta” con el folklore en una mano y una pandereta en la otra, trae de nuevo esa conjunción de tradición y modernidad, de humor y sátira, en la que siempre se movieron como pez en el agua.

En “Vigo 92” asumen con resignación que su ciudad no acogerá los juegos olímpicos y, entre ritmos disco con aires de fiebre de sábado noche, visualizan una olimpíada apocalíptica en la que el mamoneo por relevos, el jockey con pies descalzos y la esgrima con paraguas viejos están a la orden del día. Unas olimpiadas en las que la única final posible es el alcoholismo y en la que lo importante no es participar, sino sobrevivir.

El rythm and blues llega con “Un blues de cando non había tren” y los aires tribales con “¿De qué cor é a pel do maligno?”.“Etcétera” es un alivio fluorescente, la pasión desenfrenada en clave resentida -coros sensuales, lencería de safari y fauna de quita y pon- y es que “cando ti comes bombillas / estoy a anos luz de ti… apaga a luz / que me gusta a media luz”. Cierra “Sex o´clock”, un viaje intercultural sin reloj por el mundo del sexo en el que James Brown tiene su momento de gloria. Es la hora del sexo y vivo sin vivir en mí.

“Música Doméstica” es un disco irregular que nos depara algún que otro buen momento como “Pandeirada mixta”, “Vigo 92” o “Etcétera” pero que en líneas generales supone un paso atrás dentro de su trayectoria.

 

Fuente: Fernando Fernández Rego en LaFonoteca.net / Zonde
 

 

 

OsResentidos-VigoCapitalLisboa-3Lista de canciones:

  1. «Bamboleo (Manada Dance)» – 4:23
  2. «Contrarios» – 3:19
  3. «Cumbia China» – 3:25
  4. «Zoo Lóxico» – 2:40
  5. «Pandeirada Mixta» – 4:25
  6. «Vigo ’92» – 4:02
  7. «Un Blues de Cando Non Habia Tren» – 4:22
  8. «¿De Qué Cor É a Pel do Maligno?» – 2:41
  9. «Etcetera» – 3:53
  10. «Sex O’Clock» – 4:40

Calidad: VBR 128-192 Kbps

 

 

 

Gracias al blog Sangrespañola por este archivo.

 

 

 

 


Iceberg – Sentiments (1977-Reed.2003)

[Resubida Mejorada]

 

[Ciclo de Rock Ibérico]

 

Iceberg-SentimentsIceberg fue un grupo catalán de rock progresivo y jazz rock, formado en 1974 en Barcelona por Max Sunyer (guitarra), Josep Mas “Kitflus” (teclados), Primitivo Sancho (bajo), Jordi Colomer (batería) y Ángel Riba (voz y saxo). Son músicos influenciados principalmente por Mahavishnu Orchestra, sobre todo en lo que las escalas de la guitarra se refiere; aunque en este caso el piano cobra igual protagonismo que la guitarra, sincronizados, en muchas ocasiones, increíblemente a la perfección. Surgieron ya retrasados al movimiento musical progresivo, que para entonces ya llevaba varios años sonando por Inglaterra y Estados Unidos de Norteamérica. Sacaron un primer disco en el que en la mitad de las canciones hay voz, pero a partir de ahí empezó a ser únicamente instrumental.

Banda pionera del rock sinfónico y progresivo en la península (estamos hablando sin duda de una de las cimas del progresivo ibérico, más que recomendable, con músicos increíbles), gracias sobre todo a su primer trabajo: “Tutankhamon”, considerado una pieza de colección. Ya sin cantante graban el disco “Coses Nostres” en 1976, “Sentiments” en 1977, “Iceberg en Directe” en 1978 y finalmente “Arc-en-Ciel”, en 1979. Max Sunyer y Kitflus formaron más tarde el grupo Pegasus junto a Rafael Escoté de Gotic y Santi Arisa de Fusioon.

Iceberg-Sentiments-2Su tercer disco –«Sentiments»– es otra obra maestra, donde profundizan en el jazz-rock (o jazz-fusión) con elementos andalusíes, aún con atisbos de su progresivo original. Editado originalmente por la Compañía Fonográfica Española, a través de su sello Bocaccio Records, ‎y distribuido por Zafiro en 1977, con producción del propio grupo; fue reeditado en formato CD en 1997 por Actual Records/Picap, y nuevamente por Picap en 2003 en formato digipack. Es para la mayoría de aficionados su mejor trabajo y uno de los mejores (o el mejor) disco progresivo hecho en Iberia. E incluso fuera es conocido (me atrevería a decir que incluso más que dentro de nuestras fronteras) por los seguidores del jazz-rock fusion como un clásico en la liga de los grandes del género, y en especial de la Mahavishnu Orchestra, grupo referencia que practicaba un estilo muy parecido.

La fórmula Iceberg consistía en un desarrollo melódico instrumental fundamentado en la magistral guitarra con toques mediterráneos de Max Sunyer y los teclados especulativos de Kliftus. Ese entramado melódico descansaba sobre un contundente ritmo de rock servido por el bajo de Primi y la batería de Jordi Colomer. Los cuatro músicos aparecieron ese año clasificados entre los cinco primeros en su instrumento en la votación que la revista Popular 1 realizó entre lectores y críticos musicales. Esto da una idea del potencial de la banda.

Iceberg-Sentiments-3Si el álbum anterior aportaba a la fusión el elemento distintivo del folclore levantino, en esta ocasión era la música arábigo-andaluza la que aportaba esa diferenciación con las producciones de otros grupos.

“Sentiments” conforma junto a “Coses Nostres” y a “Tutankhamon” la mejor trilogía llevada a cabo jamás por un grupo progresivo ibérico y ejemplifica perfectamente este estilo de música que fue admirada y alabada en la década de los 70 para prácticamente desaparecer posteriormente. Iceberg haría otros discos. Ninguno malo, es cierto, pero ninguno equiparable a estos tres.

 

Fuente: Wikipedia / Julián Molero en LaFonoteca.net / Zonde

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas compuestos por J. Suñé, excepto 3: J. Mas)

  1.  «Sentiments» – 1:36
  2. «Andalusia, Andalusia» – 5:39
  3.  «A Sevilla» – 5:15
  4.  «Ball de Les Fulles» – 6:34
  5.  «Magic» – 6:55
  6.  «Joguines» – 3:00
  7.  «Alegries del Mediterrani» – 9:17

Calidad: 320 Kbps

 

 

 


Bersuit Vergarabat – Y Punto… [1992]

[Resubida]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

Bersuit-YPuntoBersuit Vergarabat, originalmente llamados Bersuit Vergarabat Van de Ir y conocidos como La Bersuit, es un grupo de rock argentino, originario del barrio de Barracas, al sur de la ciudad de Buenos Aires, formado en 1988. Se hicieron notables a finales de los años noventa por combinar este género musical con ritmos latinoamericanos —como la cumbia, el tango, la murga, el reggae, la chacarera y el candombe— y letras cargadas de críticas hacia el sistema político y la sociedad.

Desde su primer trabajo debut, la obra de Bersuit Vergarabat se caracterizó por contener mensajes en contra del menemismo y críticas hacia políticos como Carlos Menem, Domingo Cavallo, Eduardo Duhalde, Carlos Ruckauf, entre otros. Las letras de sus canciones fueron censuradas y, en otros casos, los canales de televisión que trasmitían sus videoclips fueron demandados y tuvieron que pagar multas por los ataques que sufrían ciertos políticos, como también por las críticas a la sociedad argentina de los 90.

Pese a la censura, esto no hizo decaer la popularidad de la banda que comenzó a gozar de masividad y se convirtió en uno de los grupos más importantes del rock argentino y uno de los principales de Latinoamérica.

Pasó por diversas formaciones y su alineación más famosa estuvo constituida por: Gustavo Cordera (voz), Juan Subirá (teclados, acordeón y voz), Carlos Martín (batería y percusión), Oscar Righi (guitarra eléctrica), Pepe Céspedes (bajo y voz), Daniel Suárez (voz y coros), Alberto Verenzuela (guitarra) y Germán “Cóndor” Sbarbati (voz, coros y charango).

Una de las características de la banda es su forma de vestir en sus conciertos, al disfrazarse con pijamas que es en sí, un homenaje a los internos de la residencia psiquiátrica del Hospital Municipal José Tiburcio Borda de Buenos Aires y una respuesta contraria al atuendo de cuero, que usan los grupos normalmente vinculados con el rock y heavy metal. La banda ha demostrado una afinidad por todo lo relacionado con la locura y la marginación.

Además de encontrar el éxito en Buenos Aires y luego en todo el país, Bersuit Vergarabat ha atraído a aficionados de muchos países de América Latina, así como España, Estados Unidos, Reino Unido, Alemania, Japón entre otros. El éxito de la banda más allá de América Latina, depende en gran medida de su capacidad de reinventarse constantemente.

La banda entró en un receso durante el 2009, con la idea de que cada músico se dedicara a diferentes proyectos personales. Tras desavenencias entre su vocalista y los demás integrantes, debido a que el primero prefirió seguir con su carrera como solista, en en el año 2011 la agrupación volvería a los escenarios sin Gustavo Cordera.

Algunas de sus canciones más difundidas son “El tiempo no para” (cover de Cazuza), “Espíritu de esta selva”, “Yo tomo”, “Se viene”, “Sr. Cobranza” (cover de Las Manos de Filippi), “La argentinidad al palo”, “La bolsa”, “Negra murguera”, “La soledad”, “Mi caramelo”, “Sencillamente”, “Un pacto», “Esperando el impacto”, “Murguita del sur”, entre otras.

Bersuit-YPunto-2«Y Punto», titulado originalmente como “Bersuit Vergarabat y punto!”, es el nombre del primer álbum de la banda argentina de rock Bersuit Vergarabat, grabado entre enero y marzo de 1992 en Estudios Moebio de Buenos Aires y editado en 1992 por el sello Radio Trípoli, con producción de Sergio Fasanelli y Walter Kolm. Este trabajo debut contiene el primer éxito de la banda; una adaptación al castellano de la canción “El tiempo no para”, del músico brasileño Cazuza, que les trajo muy buena repercusión. En este álbum, participaron además el conductor de radio y televisión, Mario Pergollini y el actor de cine y teatro Gerardo Romano, en la canción “Homenaje a los locos del Borda”. El 26 de diciembre de ese mismo año, hicieron su primer Obras Sanitarias, para presentar su álbum y algunos otros temas inéditos.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

Lista de canciones:

 

  1.  «El Tiempo No Para» (Cazuza/Brandao) – 5:23
  2.  «La Papita» (Cordera) – 3:17
  3. «Diez Mil» (Martín/Bianco) – 4:18
  4. «Tuyu» (Cordera/Martín/Subirá/Céspedes/Righi/Bianco) – 4:45
  5. «Homenaje a los Locos del Borda» (Cordera/Subirá) – 5:44
  6. «Venganza de los Pobres Muertos (afro)» (Cordera/Martín/Subirá/Céspedes/Righi/Bianco) – 5:33
  7. «Hociquito de Ratón» (Cordera) – 2:35
  8. «La Logia (Iambo Iombo)» (Cordera/Bianco/Jara) – 3:57
  9. «Como Nada Puedo Hacer (puteo)» (Cordera/Céspedes) – 5:37
  10. «Sistema al Mejor Postor (La pantalla)» (Cordera) – 5:08
Calidad: FLAC

 

 

 


Talking Heads – Once in a Lifetime: The Best of Talking Heads [1992]

[Resubida 2ª]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

TalkingHeads-BestTalking Heads fue una banda de rock experimental y dance punk (una de las más representativas bandas new wave, con elementos de estilos como el punk rock, rock progresivo y el funk predominante en el ambiente británico de los años ochenta, que recibe la influencia cultural del Art Pop y el minimal, expresado en sus letras impregnadas de experiencia alienada y claves musicales experimentales y mínimas) formada en Nueva York por David Byrne en el año 1974 junto a Chris Frantz y Tina Weymouth. Un par de años después, tras telonear a Ramones en el legendario club CBGB, se integraría a ella el guitarrista y teclista Jerry Harrison, quien anteriormente había grabado junto a The Modern Lovers. En una entrevista, Weymouth especificó cómo el grupo eligió el nombre Talking Heads: “Un amigo encontró el nombre en la guía de televisión, que explica el término usado por los estudios de televisión para describir el busto de una persona hablando acerca de ‘todo contenido, nada de acción'”.

Encabezada por el músico David Byrne, la banda alcanzó los primeros lugares de las listas de ventas en gran parte de Europa y Estados Unidos de Norteamérica. Puede resumirse el estilo y elegancia que destacó a esta agrupación en el filme “Stop Making Sense”, que fue realizado en el teatro Pantages de Hollywood y dirigido por Jonathan Demme. Esta representación es aclamada como uno de los ejemplos más representativos de su género.

El grupo tuvo rápidamente una gran aceptación y firmó para Sire Records en 1977, lanzando su primer single “Love – Building On Fire” en febrero de ese año.

Su primer álbum, “Talking Heads: 77” fue lanzado a continuación y no contenía el primer single. Esto fue con su segundo álbum en 1978, “More Songs About Buildings and Food”, con el cual la banda comenzó su larga colaboración con el productor Brian Eno, quien previamente había trabajado con Roxy Music, David Bowie y Robert Fripp. La experimentación continuó con “Fear of Music” en 1979, el cual flirteaba con el oscuro estilo del post-punk rock. “Remain in Light”, fuertemente influenciado por el Afro-Beat (ritmos africanos) de la banda nigeriana Fela Kuti (de quienes Eno introdujo su música en la banda), explorando poliritmos africanos, haciendo que más tarde Byrne se interesase en la música mundial.

TalkingHeads_InteriorDespués de ocho importantes álbumes de estudio, varias giras, vídeos musicales y premios, en el año 1991 el grupo anunció oficialmente su separación. En 2011 la revista Rolling Stone los ubicó de número 100 entre los grandes artistas de todos los tiempos.

Como curiosidad, la banda Radiohead, cambió su nombre inicial On a Friday a Radiohead inspirándose en una canción del álbum “True Stories” (1987) de Talking Heads llamada “Radio Head”. Esto fue a petición de la compañía discográfica con la que firmó su primer contrato.

«Once in a Lifetime: The Best of Talking Heads» es un álbum recopilatorio de la banda neoyorkina editado por EMI en octubre de 1992, una versión de único disco del “Sand in the Vaseline: Popular Favorites”, que fue editado fuera de Estados Unidos de Norteamérica y Reino Unido en lugar de dicho álbum (en EUNA el set era de tres discos y doble en RU). El compilatorio llegó al puesto n° 3 en ventas en Nueva Zelanda y fue certificado disco de oro en Reino Unido.

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas escritos por David Byrne, Chris Frantz, Jerry Harrison y Tina Weymouth, excepto indicados)

  1.  «Psycho Killer» (Byrne, Frantz, Weymouth)
  2.  «Take Me to the River» (Al Green, Mabon “Teenie” Hodges)
  3.  «Once in a Lifetime» (Byrne, Brian Eno, Frantz, Harrison, Weymouth)
  4.  «Burning Down the House»
  5.  «This Must Be the Place (Naive Melody)»
  6.  «Slippery People» [live]
  7.  «Life During Wartime» [live]
  8.  «And She Was» (Byrne)
  9.  «Road to Nowhere» (Byrne)
  10.  «Wild Wild Life» (Byrne)
  11.  «Blind»
  12.  «(Nothing But) Flowers»
  13.  «Sax and Violins»
  14.  «Lifetime Piling Up»

Calidad: 320 Kbps

 

 


Talking Heads – 77 [1977-Reed.1999]

[Resubida 2ª]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

TalkingHeads-77Talking Heads fue una banda de rock experimental y dance punk (una de las más representativas bandas new wave, con elementos de estilos como el punk rock, rock progresivo y el funk predominante en el ambiente británico de los años ochenta, que recibe la influencia cultural del Art Pop y el minimal, expresado en sus letras impregnadas de experiencia alienada y claves musicales experimentales y mínimas) formada en Nueva York por David Byrne en el año 1974 junto a Chris Frantz y Tina Weymouth. Un par de años después, tras telonear a Ramones en el legendario club CBGB, se integraría a ella el guitarrista y teclista Jerry Harrison, quien anteriormente había grabado junto a The Modern Lovers. En una entrevista, Weymouth especificó cómo el grupo eligió el nombre Talking Heads: “Un amigo encontró el nombre en la guía de televisión, que explica el término usado por los estudios de televisión para describir el busto de una persona hablando acerca de ‘todo contenido, nada de acción'”.

Encabezada por el músico David Byrne, la banda alcanzó los primeros lugares de las listas de ventas en gran parte de Europa y Estados Unidos de Norteamérica. Puede resumirse el estilo y elegancia que destacó a esta agrupación en el filme “Stop Making Sense”, que fue realizado en el teatro Pantages de Hollywood y dirigido por Jonathan Demme. Esta representación es aclamada como uno de los ejemplos más representativos de su género.

TalkingHeads_InteriorEl grupo tuvo rápidamente una gran aceptación y firmó para Sire Records en 1977, lanzando su primer single “Love – Building On Fire” en febrero de ese año. Su primer álbum, “Talking Heads: 77” fue lanzado a continuación y no contenía el primer single. Esto fue con su segundo álbum en 1978, “More Songs About Buildings and Food”, con el cual la banda comenzó su larga colaboración con el productor Brian Eno, quien previamente había trabajado con Roxy Music, David Bowie y Robert Fripp. La experimentación continuó con “Fear of Music” en 1979, el cual flirteaba con el oscuro estilo del post-punk rock. “Remain in Light”, fuertemente influenciado por el Afro-Beat (ritmos africanos) de la banda nigeriana Fela Kuti (de quienes Eno introdujo su música en la banda), explorando poliritmos africanos, haciendo que más tarde Byrne se interesase en la música mundial.

El álbum de debut de Talking Heads, «77» (conocido también como “Talking Heads: 77”), fue grabado en los Sundragon Studios de Nueva York entre 1976 y 1977, y editado en septiembre de 1977 por Sire Records en Estados Unidos de Norteamérica y Reino Unido y por Philips Records en el resto de Europa.

El trabajo estuvo en el puesto 60 de las listas británicas en 1978 y el sencillo “Psycho Killer” alcanzó el número 92 en el Billboard Hot 100 estadounidense. En 2003, el álbum fue situado en el puesto 290 en la lista “Los 500 Mejores Albumes de Todos Los Tiempos” de la revista Rolling Stone. En su libro de 1995, “The Alternative Music Almanac”, Alan Cross lo situó en el número 5 de sus “10 Clásicos Discos Alternativos”.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

Lista de canciones:

(Todos los temas de David Byrne, excepto 10: Byrne, Chris Frantz, Tina Weymouth)

  1.  «Uh-Oh, Love Comes to Town» – 2:48
  2.  «New Feeling» – 3:09
  3.  «Tentative Decisions» – 3:04
  4.  «Happy Day» – 3:55
  5.  «Who Is It?» – 1:41
  6.  «No Compassion» – 4:47
  7.  «The Book I Read» – 4:06
  8.  «Don’t Worry About the Government» – 3:00
  9.  «First Week / Last Week… Carefree» – 3:19
  10.  «Psycho Killer» – 4:19
  11.  «Pulled Up» – 4:29

Calidad: Wav-Pack

 

 


Seguridad Social – Furia Latina (1993)

[Ciclo de Rock Ibérico]

 

SeguridadSocial-FuriaLatinaGrupo valenciano formado entre los pueblos de Benetusser y Alfafar en el verano de 1981, empezándose a llamar Paranoicos. El primer concierto como Seguridad Social lo ofrecieron en el pub Chaplin de Benetusser. En 1984 editan su primer disco en formato larga duración, “En Desconcierto”, curioso y poco habitual empezar con un disco en directo, editado por el sello Citra Producciones, que fue grabado en la sala NCC (Nou Café Concert) el 25 de mayo de aquel año.

A lo largo de su carrera, Seguridad Social ha evolucionado desde el punk skatalítico de sus inicios hasta los ritmos latinos y mediterráneos. Se ha posicionado en un lugar privilegiado dentro del panorama musical ibérico. Con José Manuel Casany al frente, uno de los artista más notables de la música peninsular.

En «Furia Latina», disco grabado en Los Ángeles por el productor K.C. Porter y editado por Gasa en 1993, el mestizaje entre ritmos latinos y pop-rock dio frutos tan cabales como la mayoría de los temas que incluye el álbum. Como elemento destacable mencionar la versión de Pink Floyd, ‘Wish you were here’. De este disco destacan canciones como “Quiero tener tu presencia”, “El viajero” o “Mi rumba tarumba”, compuesta tras coincidir con Peret en un programa de televisión (el 5 de junio de 1992 en la gala de CIRCOM, entidad que aglutina las televisones autonómicas españolas) y mantener una larga charla con él. José Manuel dijo al respecto: “Al día siguiente, me desperté a las seis de la mañana, me puse a escribir y de ahí salió “Mi rumba tarumba”.

El grupo sufre una nueva variación en su estructura quedando como sigue: José Manuel Casañ (voz), Alberto Tarín (guitarra), Jesús Gabaldón (bajo), Rafa Villalba (batería), Luís Conte (percusiones) y Michael Thompson (sitar).

Fuente: NuevaOla80s / Wikipedia

 

Lista de canciones:

  1. «Me Siento Bien» – 3:17
  2. «El Hijo de mi Padre» – 3:04
  3. «Aceituna» – 2:35
  4. «Las Entrañas (Viaje por el Samsara)» – 5:43
  5. «El Viajero» – 7:46
  6. «Desierto de Amor» – 4:49
  7. «Mi Niña» – 3:05
  8. «Mi Rumba Tarumba» – 3:23
  9. «Amigo» – 4:59
  10. «¿Qué Quieres de Mí?» – 4:05
  11. «Wish You Were Here» – 4:39
  12. «Quiero Tener Tu Presencia» – 3:37

Calidad: FLAC

 


Os Resentidos – Fai un Sol de Carallo (1986)

[Resubida]

 

[Ciclo de Rock Ibérico]

 

OsResentidos-FaiunSoldeCaralloCuando se menciona el nombre de Os Resentidos a uno le vienen muchas ideas a la cabeza. Podemos hablar de expansionismo cultural, de modernidad con vocación costumbrista, de crítica social, de surrealismo inteligente o de absorción y fusión de múltiples estilos con la mirada en la cultura y el humor característicos del terruño, de la República de Sitio Distinto, como llamaron a Galicia a lo largo de su carrera. Lo cierto es que abrigaron con su calor La Movida de Vigo junto a bandas como Aerolíneas Federales, Golpes Bajos o Siniestro Total, y acercaron el rock gallego a todo el territorio nacional con “Galicia caníbal”, aunque para mucha gente siempre será “Fai un sol de carallo”, pero fueron mucho más que todo eso. La utilización del gallego, la irreverencia, una marginalidad poética y reivindicativa de sus raíces, y la fusión con vocación experimental -funky, rock, pop, folk, gaitas, sintetizadores- fueron sus señas de identidad. El grupo lo tiene claro, se define como “Os Resentidos de Vigo (gora Vigo Camasutra), una esquimal bus band de funkie depresivo. Nuestro trascendental concepto del funkie depresivo y del rock esquimal desborda obviamente la fugacidad del lenguaje y la opacidad traidora de la escritura (lapsus). Los motivos de nuestro resentimiento son amplios y confusos, puestos en situación normalmente, solemos declarar: una vez detectado el cáncer de mama galopante de la Santa Lucía de Miguel Ríos, llegó la hora (god save the mamas not the cancer)”.

Su líder y auténtico agitador cultural, Antón Reixa, es uno de los personajes más polifacéticos de nuestra escena. Poeta, cantante, director de cine, artista multimedia, columnista de prensa son algunas de sus principales ocupaciones, que no son pocas. Tras estudiar Filología Gallega en la Universidad de Santiago y ser uno de los fundadores de Comunicación Poética Rompente, colectivo con el que publicaría varios libros de poesía, en el 82 pone en marcha Os Resentidos, junto a Alberto Torrado -bajo-, Javier Soto -guitarra- y Rubén Losada -saxo-. Alberto compaginaba sus labores en el grupo con Siniestro Total, hasta que abandona definitivamente a Hernández y compañía en el 87. Javier por su parte, seguiría un camino inverso al de Alberto y abandonaría Os Resentidos en el 85 para enrolarse en Siniestro Total durante la gira del “Menos Mal que nos Queda Portugal” (DRO, 1984), siendo sustituido por Xavier Debesa.

En el 84 lanzan su primer trabajo, un maxi en 12” con aires post-punk compartido con Siniestro Total, “Surfin’ CCCP” (DRO, 1984), en el que cada grupo aporta dos cortes, y un año después sale a la venta su primer largo “Vigo Capital Lisboa” (GASA, 85). En él ya encontramos la esencia de lo que llegarían a ser, letras con un marcado humor en el que no se salva nada ni nadie -¿verdad, Paloma Gómez Borrero?-, la fusión de estilos como forma de vida y, por supuesto, las ganas de fiesta, de movida. Luego llegarían el rap, para poder decir más cosas en cada canción, y la conjunción perfecta entre sintetizadores y gaitas. La producción del disco no es la mejor, pero esto iría mejorando entrega tras entrega.

La mente hiperactiva de Antón Reixa continua trabajando a un ritmo frenético, y continúan entregándonos un largo por año. En el 86 sale “Fai un Sol de Carallo” (GASA, 1986), disco que contiene el gran hit de la formación, “Galicia Caníbal”, un éxito instantáneo que ha sobrevivido al grupo para traspasar las puertas de la cultura popular. El disco presenta una producción más cuidada y el sonido evoluciona considerablemente. Las programaciones están salpicadas de gaitas y Antón Reixa está más suelto que nunca.

2_InteriorCD“Con isto da movida haiche moito ye-yé que, de noite e de día, usa gafas de sol, ¡Fai un sol de carallo! Galicia caníbal”

«Fai un Sol de Carallo» (GASA, 1986) supone un salto cualitativo importante en la trayectoria del grupo, frente al carácter más amateur de su debut, su segundo largo presenta una producción y unos arreglos mucho más cuidados, el sonido se profesionaliza pero la esencia del grupo sigue siendo la misma, delirio y humor recalcitrante con aires punk.

La letra de “A-esfínter (gordo)” es digna de ser analizada por un comité de expertos psiquiatras, y lo digo en el mejor de los sentidos, surrealismo sin sentido aparente que logra sacarnos la mejor de las sonrisas. Y es que tras revelaciones como que A-esfínter tiene caries y no es terrorista arrepentido, Tutankamón -Come on, come on!- era bisexual y “30 días ten abril con mayo, xullo, setembro e novembro, 28 só un e os outros 31”, se preguntan si “¿vosotros dentistas sodes os terroristas?”. “Follow me” trae aires circenses, pero de un circo perteneciente a un universo paralelo, en el que el maestro de ceremonias habla Braille y Morse simultáneo sin complejos.

En “Pensionismo ou barbarie” nos dejan claro que media chepa es la mitad de una chepa pero que un mediopensionista no es el 50% de un pensionista, un hammond dirige la acción mientras unos coros destrozan el “Barbara Ann” de los Beach Boys aplicándole una ración de próstata. Y entonces llega “Galicia caníbal”, un ejercito de gaitas llega a nuestro oídos mientras Antón Reixa arremete contra la moda de la movida de usar gafas de sol de noche y de día, y es que “fai un sol de carallo”, mientras tanto, la matanza del cerdo planea por nuestra mente con la imagen de una “Galicia embutida” y la crítica social aparece en forma de unos coros que nos recuerdan que Etiopía tiene hambre y todo está muy mal organizado, la solución quizás sea más sencilla de lo que parece “dona tus riñones / un riñón a la merienda / dona tus riñones / otro riñón a la cena”. Una canción que traspasaría las fronteras gallegas convirtiéndose en un hit que hoy por hoy pertenece a la cultura popular.

Su preocupación por las regulaciones de empleo y la crisis de los astilleros se pone de manifiesto en “Sector naval”, sátira política en clave music hall en la que nos dejan claro que “mira nena, son como o sector naval / resistireí”.

Cierran el disco los aires siniestros de “Líbido rock”, un nuevo registro más new wave en el que los sufridores del asma venérea, los que chupan hostias y los coleccionistas de calendarios están de acuerdo en que “si estás tensa, non te poñas inalámbrica / jódete e baila”, pura filosofía.

 

Lista de canciones:

  1. «A-Esfinter (Gordo)» – 2:18
  2. «Mari, Mari» – 2:46
  3. «Follow Me» – 2:10
  4. «Pensionismo ou Barbarie» – 2:36
  5. «Alpinismo» – 3:45
  6. «En Kampuchea» – 2:30
  7. «Galicia Caníbal (Fai un Sol de Carallo)» – 3:40
  8. «Sector Naval» – 3:16
  9. «Ponte Piaf» – 2:52
  10. «Minoria Sij» – 3:38
  11. «Líbido Rock» – 3:30

Calidad: Wav-Pack

 

 


Polvos de Talco Baxter – Maxi (1986)

 

[Ciclo de Rock Ibérico]

 


PolvosTalcoBaxter-MaxiColorista y divertida banda valenciana de pop-rock ácido y surrealista en la que se mezclaban estilos como ska, funky, tex-mex, rhythm & blues… formada a finales de 1984 por Víctor Baxter (voz y teclados), Vicente Bernabeu “Lápidus” (guitarra), Eduardo Martí (bajo), Mariano Cubel (batería), Paco Matallín (percusión y coros) y Alfredo García (saxo).

Su bautismo de fuego es en abril de 1985 en la sala Gasolinera de Valencia. A partir de ese momento se suceden las actuaciones en tugurios, garitos, antros y demás salas de audiciones. En otoño del mismo año, la maqueta primeriza del grupo se situa en primer lugar de cara a la final del concurso de rock de La Vall d’Uxó auspiciado por Antena 3 y Polvos de Talco Baxter obtienen el primer premio.

Poco tiempo después la compañía independiente Citra ofrece el primer contrato discográfico. De esta manera, su primer disco homónimo («Polvos de Talco Baxter») en formato de maxi-single verá la luz a mediados de 1986, incluyendo cuatro temas cargados de la fina ironía de Víctor Baxter, canciones como ‘Ella es un muermo’ y ‘Juventud eterna’ en la cara A y ‘Nunca debiste cruzar el Ebro’ y ‘Vivo en Valencia’ en la cara B. Grabado en Citra Estudios de Valencia, con la colaboración de Salvador Chirivella, a la trompeta; Pepe Llusar, antiguo componente de Els Cinc Chics, a los teclados; y la líder de Manía, Margaret Lorene Seidler “Maggie”, como técnico de sonido y coros. La producción ejecutiva corrió a cargo de Alfonso Olcina.

z_TraseraComo pieza extra, se incluye la canción “Soc un pollastre (Soy un pollo)”, perteneciente al recopilatorio en lengua valenciana “Un poc de Rock” (Xiu Xiu Records, 1987), en el que el grupo participó junto a bandas como Morcillo el Bellaco y los Rítmicos, Seguridad Social, Karmas Kolectivos, Terminal Sur y Bongos Atómicos con Remigi Palmero. La producción fue de Esteban Leivas. Se consolida la banda incorporando a Pancho Barrera en los teclados y a Chiqui Modú en los coros. En este año 87 ganan, además, el concurso pop-rock de la Comunidad de Valencia.

En 1988, después de haber teloneado al grupo Deacon Blue, aparece “Suaves y Refinados” (Lp, Xirivella Records) grabado en Estudios Pertegás, colaborando de nuevo Salvador Chirivella a la trompeta, Carlos Marquina al saxo y Alicia Gilabert y Alejandro Bellido en los coros, producido por Quique Morales y J. L. González (Poe).

Después de varias apariciones en TV, festivales y una serie de actuaciones compartiendo escenario con grupos como Danza Invisible, La Polla Records, Seguridad Social, Loquillo, Gabinete Caligari, etc., a principios de los 90 el grupo se disuelve.

Fuente: NuevaOla80s
 
 
Lista de canciones:

 

  1. «Ella Es un Muermo» – 3:38
  2. «Juventud Eterna» – 3:47
  3. «Nunca Debiste Cruzar el Ebro» – 4:36
  4. «Vivo en Valencia» – 3:38
  5. «Soc un Pollastre» – 3:33
 

Calidad: 128 Kbps

 

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Seguridad Social – ¡Que no se Extinga la Llama! (1991)

[Ciclo de Rock Ibérico]

 

SeguridadSocial-QueNoExtingaLlamaGrupo valenciano formado entre los pueblos de Benetusser y Alfafar en el verano de 1981, empezándose a llamar Paranoicos. El primer concierto como Seguridad Social lo ofrecieron en el pub Chaplin de Benetusser. Debutaron, discográficamente hablando, con la aportación de un tema, ‘Tu único fan’, en el recopilatorio ‘Navidades Radioactivas’, editado por DRO en 1982, aunque un año después serían dos los temas aportados al mítico Lp, también por obra y gracia de DRO, ‘Punk, qué Punk’. Esos temas eran ‘Algo pasa en tu cabeza’ y ‘Cuando llegue a casa te desataré’.

En 1983, no obstante, es cuando podemos hablar de debú en solitario con un maxi de tres canciones editado por Citra. En 1984 editan su primer disco en formato larga duración, “En Desconcierto”, curioso y poco habitual empezar con un disco en directo, editado por el sello Citra Producciones, que fue grabado en la sala NCC (Nou Café Concert) el 25 de mayo de aquel año. En ese mismo año, 1984, editan un maxi titulado ‘No es fácil ser Dios’, una vez más con Citra de por medio.

En junio de 1985 ganaron el festival de Benidorm, que por aquellos años se quería modernizar y basarse en bandas nacionales. Pero pasaron del premio y destrozaron el hotel junto a Aurelio y los Vagabundos, a raíz de ello fueron “invitados” a abandonar la ciudad. El premio entonces se lo dieron a Círculo Vicioso. Ese mismo año publican “Sólo para Locos”, minilp editado por Citra Producciones, del que se extrajo como sencillo ‘Condenado/Soy un salmón’.

En 1986 se publica el maxi ‘Las chicas del mañana’ y en 1987 entran en el recopilatorio llamado “Un poc de rock”, editado por Xiu Xiu Records, y en donde varias bandas valencianas versioneaban temas populares valencianos en su lengua madre, el valençià. Ese mismo año, concretamente abril de 1987, Xiu Xiu Records de nuevo edita “La explosión de los pastelitos merengue”, su segundo larga duración que finalmente distribuye Plataforma.

En 1988 autoproducen el disco “Vino, Tabaco y Caramelos”, editado por Plataforma Discos y reeditado por Gasa (Grabaciones Accidentales, S.A.) un año después. En este disco, Seguridad Social deja el sonido punk, para aproximarse a la tierra del rock y del mestizaje sonoro. “Introglicerina” salió al mercado en 1990 editado por Gasa. Por estas fechas, el grupo tiene un enorme éxito en Francia, llegando a actuar en varias ciudades galas.

SegSocEn 1991 editan «Que No se Extinga la Llama» para el sello Gasa, el disco de mayor éxito hasta el momento, vendiendo casi 100.000 copias gracias a temas como ‘Chiquilla’, ‘Un pensamiento’, ‘Solo tú (Eres mi pasión)’, ‘Que no extinga la llama’ o ‘No verte más’. Los sencillos que se deciden extraer fueron ‘Chiquilla’, ‘Solo tú (Eres mi pasión)’, ‘No verte más’, ‘Que no se extinga la llama’ y ‘Ay Tenochtitlán!’, esta última canción en una versión más bonita y cañera que la del Lp. Cabe destacar como curiosidad que ‘Chiquilla’ fue uno de los primeros videoclips nacionales en ser emitidos por la MTV.

La formación cambia por completo, a excepción del incombustible alma mater del grupo José Manuel Casañ (voz), quedando compuesta por Miguel Angel Martínez (guitarra), Alberto Tarín (guitarra), Ricardo Esteve (guitarra española), Jesús Gabaldón (bajo) y Rafa Villalba (batería). Tanto Alberto como Rafa eran músicos conocidos sobradamente conocidos por tierras valencianas puesto que formaron parte de combos como Bongos Atómicos, Prefijo 96, Glamour o en solitario.

Fuente: NuevaOla80s

 

Lista de canciones:

(Todos los temas de José Manuel Casañ, excepto 4, 6 y 7: C. Perpiñá, E. Doceda, J. M. Casañ)

  1. «Chiquilla» – 3:07
  2. «Un Pensamiento» – 4:39
  3. «Tenochtitlán» – 3:27
  4. «Culo de Mal Asiento» – 3:16
  5. «De Cara al Mar» – 3:55
  6. «Solo Tú» – 3:50
  7. «Que No se Extinga la Llama» – 3:40
  8. «Cabezas Huecas» – 3:19
  9. «No Verte Más» – 5:21
  10. «Reggae Conexion» – 2:52

Calidad: FLAC

 


Iceberg – Coses Nostres (1976)

[Ciclo de Rock Ibérico]

Iceberg fue un grupo de rock progresivo y jazz rock de Barcelona, estuvo activo durante la década de los 70 en la España de la Transición. Pioneros del rock sinfónico o progresivo en la península, la banda se forma en 1974 con los siguientes componentes: Max Sunyer (guitarra), Josep Mas “Kitflus” (teclados), Primitivo Sancho (bajo), Jordi Colomer (batería) y Àngel Riba (voz y saxo), grabando su disco debut “Tutankhamon” en 1975; posteriormente pero ya sin cantante graban el disco “Coses nostres” en 1976, “Sentiments” en 1977, “Iceberg en directe” en 1978 y finalmente “Arc-en-ciel” en 1979. En su música se pueden apreciar ciertos aromas flamencos e incluso mediterráneos. Iceberg es la principal representación de Cataluña e ibérica en este estilo musical. Max Sunyer y Kitflus formaron más tarde el grupo Pegasus junto a Rafael Escoté de Gotic y Santi Arisa de Fusioon.
 
En septiembre de 1976 graban su segundo disco, «Coses Nostres», en los estudios Kirios con José Loeches como técnico de grabación, en el que la evolución musical les lleva a temas completamente instrumentales prescindiendo de la voz. Àngel Riba contribuye con el saxo, pero abandona el grupo posteriormente, aunque sigue vinculado a Iceberg como manager hasta 1978. El álbum fue producido por Alain Milhaud y editado por Bocaccio Records y la Compañía Fonográfica Española (CFE, 1976), y reeditado en formato CD en dos ocasiones, la primera por Actual Records en 1997 y, más tarde, por Picap en 2003. La primera cancíon del Lp, “Preludi i record”, fue sintonía de aquel mítico programa musical presentado por Carlos Tena y que fué “Pop Grama”.


Crítica:

Podemos entender éste como el primer LP en que Iceberg va a encontrarse con la forma de hacer música que le va a caracterizar. No es de extrañar que tras este disco se les comience a llamar “reyes del rock laietano” o se denominara su música como rock mediterráneo.
 
La ruptura respecto al anterior LP “Tutankhamon” (CFE, 1975) viene dada por la ausencia de voces para sumergirse en aguas instrumentales, el abandono  de la ampulosidad sinfónica para abrazar ritmos más asimilables a la palabra rock y el uso de una enérgica guitarra, ya sin discusión, como el principal elemento de la banda, en detrimento de los teclados y sobre todo de la voz. También la batería cambia notablemente su configuración con aumento de efectos de platos de todo tipo y menos sujeta a la pura servidumbre rítmica.
 
“Coses Nostres” (CFE, 1976) es ante todo fusión de fuentes dispares: rock progresivo tópico, jazz moderno, flamenco, sinfonismo y esa especia imprescindible, que aliña todo el guiso, llamada folclore catalán. En fin, un disco para cerrar los ojos y dejarse arrastrar despreocupadamente hacia abismos y laderas.
 
El tema más conocido de este LP fue “La flamenca eléctrica”. Una guitarra grandiosa que navega por todo el Mediterráneo preside una instrumentación atractiva con un bajo y unos teclados casi imperceptibles haciendo diabluras con la armonía mientras el batería fustiga los platos sin piedad. Un tema de obligada escucha, aunque éste no sea tu estilo preferido.
 
“Preludi i Record” también fue muy conocido, aunque casi por razones extramusicales, pues fue utilizado como sintonía de un programa de televisión de la época.
 
Precisamente estos dos temas fueron editados en formato single, el único, que sepamos, de la carrera de Iceberg.
por Julián Molero en LaFonoteca.net


Lista de canciones:

   (Todos los temas de Max Sunyer, excepto 1: Josep Mas y 4: Josep Mas/Max Sunyer)

  1.  «Preludi i Record» – 2:19
  2.  «Nova (Música de la Llum)» – 9:00
  3.  «L’Acústica (Referéncia d’un Canvi Interior)» – 9:18
  4.  «La d’en Kitflus» – 6:52
  5.  «La Flamenca Eléctrica» – 6:00
  6.  «A València» – 8:30
  7.  «11-8 (Manifest de la Follia)» – 6:40

Calidad: 224 Kbps


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