Ciclos y Neurastenias en un mundo cruel

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Divididos – Narigón del Siglo [2000]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

Divididos es una banda argentina de rock, fundada en 1988 en Hurlingham (provincia de Buenos Aires) por Ricardo Mollo y Diego Arnedo, ex-integrantes de Sumo, cuando ésta se disolvió por la muerte de su líder, Luca Prodan. En sus trabajos han incursionado en estilos musicales locales como el folklore. Ha sido galardonada en múltiples ocasiones tanto de forma grupal como individual. En el 2011 fue hacedora del Premio Gardel de Oro (la distinción más destacada de la música nacional) en reconocimiento a su exitosa trayectoria, premio que ha sido entregado sólo catorce veces a distintos artistas tales como Charly García, León Gieco, Mercedes Sosa y Gustavo Cerati, entre otros.

Tras la disolución de Sumo debido a la muerte de su cantante Luca Prodan el 22 de diciembre de 1987, el resto de sus integrantes Ricardo Mollo, Diego Arnedo, Roberto Pettinato, Alberto “Superman” Troglio y Germán Daffunchio deciden reflexionar acerca del futuro de la banda. Daffunchio y Timmy Mackern (productor de Sumo y amigo de Luca) vuelven a las sierras cordobesas y el resto de la banda se queda ensayando en una sala de El Palomar. El 5 de marzo de 1988, ya sin Luca Prodan en escena, Sumo se presenta en el Chateau Rock, con Daffunchio, Mollo, Pettinato, Arnedo y Troglio.

Ricardo Mollo (guitarra) y Diego Arnedo (bajo), junto al baterista Gustavo Collado (ex La Sobrecarga) forman «La División» que luego cambiaría de nombre para pasar a ser «Divididos». Ellos se juntan por primera vez en la casa de Poppy Manzanedo, donde vivía Gustavo Collado, Manzanedo fue el primer manager que tuvo Divididos, firmó el contrato con CBS para grabar su primer disco, “40 Dibujos Ahí en el Piso”.

«Narigón del Siglo», titulado originalmente “Narigón del siglo, yo te dejo perfumado en la esquina para siempre”, es el sexto álbum de estudio editado por la banda de rock argentina Divididos, lanzado en el año 2000 por la discográfica BMG.​ El mismo fue grabado en los estudios Abbey Road de Londres y marcaría una etapa de maduración para la banda, además de ser uno de sus discos más populares y aclamados tanto por los fans de la banda como los críticos.

Los dibujos de la portada fueron hechos por el bajista Diego Arnedo y el arte estuvo a cargo del diseñador Alejandro Ros. En cuanto al nombre del trabajo, Ricardo Mollo dijo lo siguiente: “Le pusimos Narigón del siglo porque los que marcaron los 80 y los 90 fueron los narigones, o sea, los mentirosos y los que toman cocaína. Lo de narigón es nuestro símbolo para hablar del vicio y la hipocresía de estos últimos años.”

Varios de sus temas se convertirían en himnos para el grupo. “Casi estatua” con una introducción hindú y una potencia demoledora abre el disco con mucha energía y sirve de aviso para lo que esta por venir, bajando unos desniveles le sigue la acústica “Par mil” uno de los cortes de difusión que más sonó en las radios en ese entonces, a continuación. “Spaghetti del rock”, una canción de amor dedicada a su ex Erica García y un verdadero clásico de Divididos y hasta del rock nacional. Algunos creen que está dedicada a Érica. Otros piensan que esta canción hace referencia a los medios de comunicación y a cómo estos interactúan con el mundo de la música; es decir, cómo los medios ven el beneficio propio a través de los artistas. Una tercera interpretación es que la canción hace referencia a ambos temas, y en especial a un documental sobre la vida de Luca Prodan que la banda no apoyó.

“Narigón del Siglo” recibió buenas críticas en su totalidad y paso a convertirse en uno de los mejores discos de la carrera de “La aplanadora del rock” y de todo el rock nacional de la década pasada. En el año 2007, la revista Rolling Stone de Argentina lo ubicó en el puesto 70.º de su lista de «Los 100 mejores álbumes del rock argentino»,​ aunque ascendió al puesto 69.º en la versión actualizada de la lista en 2013. Además la canción “Spaghetti del rock” fue elegida como la mejor de la década en una encuesta realizada por la revista Rolling Stone.

 
Fuente: Wikipedia / Zonde
 

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas compuestos por Diego Arnedo y Ricardo Mollo, excepto indicados)

  1. «Casi Estatua» (Mollo, Arnedo, Araujo) – 3:42
  2. «Par Mil» – 3:17
  3. «Tanto Anteojo» – 3:04
  4. «Qué Pasa Conmigo» – 4:02
  5. «Spaghetti del Rock» – 3:32
  6. «Elefantes en Europa» – 3:25
  7. «Vida de Topos» (Mollo, Arnedo, Araujo) – 5:03
  8. «La Ñapi de Mamá» (Mollo, Arnedo, Araujo) – 5:21
  9. «Como un Cuento» (Mollo, Arnedo, Araujo) – 4:46
  10. «Sopa de Tortuga» – 3:35
  11. «Pasiones Zurdas Derechas» (Mollo, Arnedo, Araujo) – 3:46
  12. «La Gente se Divierte» – 4:43
  13. «La Firma del Opa» – 1:56

Calidad: WAV

 

 

 

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QOTSA – Songs for The Deaf [2002]

[Resubida Mejorada]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

Queens of the Stone Age (también conocidos como QOTSA) es una banda estadounidense de rock alternativo originaria de Palm Desert (California). Fue formada en 1997 por Josh Homme, dos años después de la desintegración de Kyuss, su banda anterior, y contó con la participación de sus excompañeros Nick Oliveri y Alfredo Hernández. QOTSA ha lanzado cinco álbumes de estudio y tres EPs. Su música, al igual que la de Kyuss, ha sido catalogada dentro del stoner rock, aunque la banda rechaza este término. Ha sido nominada a cuatro premios Grammy por sus canciones “No One Knows”, “Go With the Flow”, “Little Sister” y “Sick, Sick, Sick”.

Las “Desert Sessions” que Homme estaba organizando en El Rancho de la Luna, California, provocó que la banda adquiriese un nuevo sonido en 2001 junto a Mark Lanegan, que influyó en la transición de sonido del grupo: “preparamos otra sesión con la colaboración de Dean Ween, PJ Harvey, Twiggy Ramírez y mi buen amigo Jesee Devil Hughes. Hay un modo de ser inteligentemente estúpido y es poniéndole fronteras a los sonidos del rock and roll, porque todos tienen los mismos elementos primarios. Y los paisajes emocionales y físicos tienen que empapar todo lo que tocas. El desierto lo llevó dentro y sé que es un lugar muy romántico para otros, y entiendo por qué, ya que son paisajes muy abiertos que tienen su manera de hacerte sentir pequeño. No eres importante en el desierto”.

A finales de 2001 y comienzos de 2002, Homme logró reclutar a Dave Grohl de nuevo en una batería para grabar un álbum después de su pasado en Nirvana. Con respecto a Grohl, si es o no un miembro fijo, Homme responde que “él está en su propia banda, Foo Fighters. Creo que esa es su prioridad. Lo que hicimos juntos fue cosa de un momento, como si buscáramos el momento clásico, ideal. Lo haces porque no pasa muy a menudo. Esa es la sensación que hemos tenido desde que somos amigos y ahora lo plasmamos en un disco”.

El sonido pesado del stoner rock y las continuas comparaciones con Nirvana se acentúan con la inclusión de Grohl y de otro de los músicos importantes del grunge de comienzos de los noventa en Seattle: Mark Lanegan, vocalista de Screaming Trees. También se une a la banda el guitarrista Troy Van Leeuwen, ex-miembro de A Perfect Circle.

«Songs for the Deaf» es su tercer álbum de estudio, lanzado el 27 de agosto de 2002 por Interscope Records. El álbum está considerado como conceptual, inspirado en unos días en los que Homme condujo por los desiertos de Southern California acompañado solamente por unas emisoras de radio en castellano.

Con “Songs for the Deaf”, QOTSA logra el éxito definitivo a nivel internacional, alabado conjuntamente por crítica y fans y consiguiendo el puesto 17 del Billboard 200 de 2002. Tres sencillos fueron extraídos del disco: “No One Knows” (n° 1 en el Modern Rock Tracks de 2002), “Go with the Flow” y “First It Giveth”. El disco consiguió el disco de oro en Estados Unidos de Norteamérica, habiendo vendido 900.000 copias en 2003.

La revista Rolling Stone lo incluye en su lista “50 mejores álbumes de 2002”, al igual que la revista británica Q. La revista londinense Uncut sitúa el álbum en el número 31 de su lista “Los mejores 100 álbumes del año” y, por último, Kerrang! le da el número 1 de 2002. “Songs for the Deaf” recibió dos nominaciones a mejor actuación hard rock en los premios Grammy por sus singles “No One Knows” (2003) y “Go with the Flow” (2004).

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1.     «You Think I Ain’t Worth A Dollar, But I Feel Like A Millionaire» (Homme, Lalli, Oliveri) – 3:14
  2.     «No One Knows» (Homme, Lanegan, Oliveri) – 4:38
  3.     «First It Giveth» (Homme, Oliveri) – 3:20
  4.     «A Song for The Dead» (Homme, Lanegan, Oliveri) – 5:50
  5.     «The Sky Is Fallin’» (Homme, Oliveri) – 6:16
  6.     «Six Shooter» (Homme, Oliveri) – 1:20
  7.     «Hangin’ Tree» (Homme, Lanegan, Johannes, Oliveri) – 3:05
  8.     «Go With the Flow» (Homme, Oliveri) – 3:07
  9.     «Gonna Leave You» (Spanish Version) (Homme, Oliveri) – 2:54
  10.     «Do It Again» (Homme, Oliveri) – 4:04
  11.     «God Is in the Radio» (Homme, Lanegan, Oliveri) – 6:05
  12.     «Another Love Song» (Homme, Oliveri) – 3:16
  13.     «A Song for The Deaf» (Homme, Lanegan, Oliveri) – 6:19
  14.     «Mosquito Song» (Hidden Track) (Homme, Melchiondo, Oliveri) – 5:38
  15. «The Lost Art of Keeping a Secret» (Live at The Troubadour) – 3:38
  16.     «Everybody´s Gonna Be Happy» (Bonus Track) (The Kinks) – 2:35

Calidad: FLAC (24 bit)

 

 

 


La Renga – La Renga [1998]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

La Renga es una banda de hard rock formada el 31 de diciembre de 1988, en el barrio porteño de Mataderos, al oeste de la ciudad de Buenos Aires. Compuesta por Gustavo “Chizzo” Nápoli (cantante principal, guitarra principal), Gabriel “Tete” Iglesias (bajo) y Jorge “Tanque” Iglesias (batería), quienes integran el grupo desde sus inicios, mientras que Manuel “Manu” Varela se les unió en 1994, gracias a Gabriel “Chiflo” Sánchez (saxo), miembro de la banda hasta 2008.

Se han rehusado a la exposición en los medios durante sus más de veinte años de trayectoria y cuentan, actualmente, con una producción absolutamente independiente, luego de pasar unos cuantos años dentro del sello PolyGram y Universal.

La Renga inició haciendo versiones de canciones de bandas como Creedence, Vox Dei y Manal, entre otras. Las primeras presentaciones las hicieron en el Club Larrazábal, Galpón del Sur, además del circuito underground de Buenos Aires. El nombre surgió como referencia a la época, donde parecía que siempre faltaba algo para poder encaminarse bien. También está la versión de Locura, quien dice que su pareja de ese entonces tenía una pierna 1,5 cm más corta que la otra, lo que le provocaba una perceptible cojera; es decir era coja, o «renga», y al Tete se le ocurrió ponerle así a la banda.

“Esquivando Charcos”, el primer disco de La Renga, fue grabado en 1991 y consta de la primera formación oficial de la banda: Chizzo, Locura, Tete y Tanque. A ellos se suma Chiflo, que por aquel entonces oficiaba de vientista del grupo Los Auténticos Decadentes. Al escuchar su forma de soplar, Tete le propuso de inmediato “poner unos caños” (grabar una sección de vientos) en el disco que venían preparando. El álbum fue grabado en dos lugares distintos, siete de los nueve temas fueron grabados en estudio y las dos canciones restantes (“La nave del olvido” y “Blues de Bolivia”) en su sala de ensayos. En primera instancia el disco contó con 1000 copias hechas por la misma banda, que fueron distribuidas en sus recitales. El álbum fue reeditado en 1998 por la compañía PolyGram.

De manera totalmente independiente, en noviembre de 1993 se edita el segundo álbum, “A Donde Me Lleva la Vida”, grabado en el estudio El Zoológico de Buenos Aires, sin embargo, la gran demanda del disco obliga a firmar con una discográfica con mayor poder de distribución. La mayor condición de esta nueva relación de la banda fue la independencia artística. El acuerdo se hace con PolyGram, quien lo reedita y distribuye a comienzos de 1994 a través de su sello Interdisc.

“Despedazado por Mil Partes” es el cuarto álbum de estudio de la banda argentina de hard rock La Renga, grabado en los Estudios Ion de Buenos Aires, con producción de Ricardo Mollo (de Divididos) y el propio grupo, y editado en octubre de 1996 por la discográfica PolyGram a través de su sello Interdisc. Fue presentado en el estadio Obras los días 13, 14, 20 y 21 de diciembre del mismo año. El trabajo está incluido en la lista de los 100 Mejores álbumes del rock argentino según la revista Rolling Stone.

Fue el álbum de mayor éxito e impacto de La Renga, el que más hizo crecer la cantidad de seguidores que tenía la banda. Entre estas canciones se encuentran “Balada del Diablo y la Muerte” que, junto a “El Revelde”, del álbum “La Renga”, son las canciones más conocidas por los que no son adeptos a la banda. También incluye clásicos del grupo como “El Final Es en Donde Partí”, “Lo Frágil de la Locura” o “A la Carga Mi Rocanrol”. El tema “Veneno” es una versión de la banda La Negra. La última pista, “Hablando de la Libertad”, se convirtió en el cierre de todos los conciertos de la banda.

«La Renga» es el quinto álbum de la banda argentina. Conocido como “El disco de la estrella”, por la gran estrella blanca en la tapa, o simplemente “La Renga”, aunque en realidad no presenta ningún nombre, fue grabado y mezclado en los Estudios El Pie de Buenos Aires, con producción de Ricardo Mollo y el propio grupo, y editado en 1998 por la discográfica PolyGram a través de su sello Interdisc. Las ilustraciones son de Marcelo Zeballos, Medusa, Fito, Fernando Avila; el diseño gráfico es del Estudio Del Federico.

La presentación del álbum se hizo con dos shows en el estadio de Atlanta (con Los Piojos como invitados), los cuales convocaron a 50.000 personas, además de veintidós recitales por las provincias. Dos espectáculos en el estadio de Huracán se realizaron al finalizar la gira, haciendo un repaso de toda la historia.

La canción de mayor difusión de este álbum fue “El Revelde”. La falta de ortografía en la palabra rebelde fue intencional para dar énfasis a la idea de rebeldía. Una canción que resalta sobre las otras por el ostinato de la guitarra y la batería en las estrofas, y su pulso acelerado. La crítica más directa al gobierno de turno es “Vende patria clon”, canción que anuncia la desaparición por la venta de la Confederación Argentina. Otros temas como “El terco”, “Tripa y corazón”, “Bien alto” y “El twist del pibe” se han convertido en clásicos de la banda, siendo ejecutados posteriormente en la mayoría de los conciertos.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas de Gustavo Nápoli, excepto 7: Vera, Sánchez)

  1.  «El Terco» – 4:29
  2. «Tripa y Corazón» – 2:51
  3. «Bien Alto» – 3:26
  4. «El Hombre de la Estrella» – 3:21
  5. «Vende Patria Clon» – 2:36
  6. «El Revelde» – 3:23
  7. «Me Hice Canción» – 3:45
  8. «Cuando Estés Acá» – 4:55
  9. «El Twist del Pibe» – 3:00
  10. «Reíte» – 5:47
  11. «Ser Yo» – 3:40

Calidad: FLAC

 

 

 


Queens of the Stone Age – QOTSA (Special Edition) [1998-2011]

[Resubida 2ª]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

Queens of the Stone Age (también conocidos, simplemente, como Queens o QOTSA) es una banda estadounidense de rock alternativo originaria de Palm Desert (California). Fue formada en 1997 por Josh Homme, dos años después de la desintegración de Kyuss, su banda anterior, y contó con la participación de sus excompañeros Nick Oliveri y Alfredo Hernández.

Queens ha lanzado cinco álbumes de estudio y tres EPs. Su música, al igual que la de Kyuss, ha sido catalogada dentro del stoner rock, aunque la banda rechaza este término. Ha sido nominada a cuatro premios Grammy por sus canciones “No One Knows”, “Go With the Flow”, “Little Sister” y “Sick, Sick, Sick”.

En 1996 la banda Kyuss, pionera del stoner rock y stoner metal, se disolvió tras cuatro álbumes de estudio y sus componentes se recolocaron rápidamente en nuevos proyectos. El guitarrista Josh Homme entró en Screaming Trees,​ y el bajista Nick Oliveri se marchó a la banda de punk rock The Dwarves. El batería Brant Bjork ya estaba tocando con Fu Manchu y el vocalista John Garcia formó Slo Burn y más tarde Unida.

En 1997 Homme estaba viviendo en Seattle y se encontraba de gira con Screaming Trees cuando se puso en contacto con Matt Cameron, batería de los también disueltos Soundgarden, para grabar algunas demos bajo el nombre de Gamma Ray. Homme volvió a Palm Desert tras la grabación y contactó con el batería de la última etapa de Kyuss, Alfredo Hernández. Sin embargo, ya existía una banda alemana de power metal llamada Gamma Ray, así que Homme decidió cambiar el nombre por el de Queens of the Stone Age; este nombre se debe a una broma que realizó Chris Goss, componente de Master of Reality y productor, durante la grabación de uno de los álbumes de Kyuss: “Chicos, sonáis como las reinas de la edad de piedra”.

Un año después la banda comenzó la grabación de su primer álbum en los Monkey Studios de Palm Springs (California), con Bruce Jacoby y Steve Feldman en los controles y producción de Josh Homme, y marcó las bases de lo que Homme definió como robot rock. «Queens of the Stone Age» se puso a la venta el 22 de septiembre de 1998 mediante Loosegroove Records, un sello discográfico independiente que fundó el guitarrista de Pearl Jam, Stone Gossard. Todas las canciones del álbum fueron compuestas por Homme. La banda logró un relativo éxito en las radios alternativas estadounidenses con su sencillo “If Only”. El diseño de carpeta fue de Frank Kozik y Josh Homme, con fotografías de Tony Tornay (portada e interior) y Lisa Johnson (trasera).

El álbum autotitulado fue todo un éxito tanto para fans como para la crítica especializada, aún ambos sorprendidos por la desintegración de los míticos Kyuss y por la rápida creación de otra banda que continuaba con varios de sus ex componentes y con una línea musical similar. En febrero de 2006, el CD recibió la calificación de disco de platino en el Reino Unido.

En la parte final de “I Was a Teenage Handmodel”, última canción del álbum, se puede escuchar el mensaje que dejó Oliveri en el contestador de Homme resaltando su placer por haber sido invitado a formar parte de la banda. Es importante decir que Oliveri se unió a la banda después de que el álbum fuera grabado y que todas las canciones del mismo fueran compuestas por Homme.

 

La banda, ya con Oliveri y Dave Catching trabajando de lleno en ella, se embarcó en una gira para promocionar su álbum debut que duraría cerca de dos años y en la que actuarían junto a grupos como Bad Religion, Rage Against the Machine o The Smashing Pumpkins.

En 2011 se lanzó una re-edición del álbum con temas añadidos a cargo del sello californiano Rekords Rekords, fundado por el propio Josh Homme.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Listado de canciones:

  (Todos los temas compuestos por Josh Homme)

  1.     «Regular John» – 4:35
  2.     «Avon» – 3:22
  3.     «If Only» – 3:20
  4.     «Walkin’ on the Sidewalks» – 5:03
  5.     «You Would Know» – 4:16
  6.     «The Bronze» – 3:45 (*)
  7.     «How to Handle a Rope» – 3:30
  8.     «Mexicola» – 4:54
  9.     «Hispanic Impressions» – 2:44
  10.     «You Can’t Quit Me Baby» – 6:33
  11.     «These Aren’t the Droids You’re Looking for» – 3:07 (*)
  12.     «Give the Mule What He Wants» – 3:09
  13.     «Spiders and Vinegaroons» – 6:26 (*)
  14.     «I Was a Teenage Hand Model» – 5:01

    (*) Nuevos temas incluidos en la Edición Especial de 2011

Calidad: FLAC (24 bits)

 

 

 


La Renga – Despedazado por Mil Partes [1996]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

La Renga es una banda de hard rock formada el 31 de diciembre de 1988, en el barrio porteño de Mataderos, al oeste de la ciudad de Buenos Aires. Compuesta por Gustavo “Chizzo” Nápoli (cantante principal, guitarra principal), Gabriel “Tete” Iglesias (bajo) y Jorge “Tanque” Iglesias (batería), quienes integran el grupo desde sus inicios, mientras que Manuel “Manu” Varela se les unió en 1994, gracias a Gabriel “Chiflo” Sánchez (saxo), miembro de la banda hasta 2008.

Se han rehusado a la exposición en los medios durante sus más de veinte años de trayectoria y cuentan, actualmente, con una producción absolutamente independiente, luego de pasar unos cuantos años dentro del sello PolyGram y Universal.

La Renga inició haciendo versiones de canciones de bandas como Creedence, Vox Dei y Manal, entre otras. Las primeras presentaciones las hicieron en el Club Larrazábal, Galpón del Sur, además del circuito underground de Buenos Aires. El nombre surgió como referencia a la época, donde parecía que siempre faltaba algo para poder encaminarse bien. También está la versión de Locura, quien dice que su pareja de ese entonces tenía una pierna 1,5 cm más corta que la otra, lo que le provocaba una perceptible cojera; es decir era coja, o «renga», y al Tete se le ocurrió ponerle así a la banda.

“Esquivando Charcos”, el primer disco de La Renga, fue grabado en 1991 y consta de la primera formación oficial de la banda: Chizzo, Locura, Tete y Tanque. A ellos se suma Chiflo, que por aquel entonces oficiaba de vientista del grupo Los Auténticos Decadentes. Al escuchar su forma de soplar, Tete le propuso de inmediato “poner unos caños” (grabar una sección de vientos) en el disco que venían preparando. El álbum fue grabado en dos lugares distintos, siete de los nueve temas fueron grabados en estudio y las dos canciones restantes (“La nave del olvido” y “Blues de Bolivia”) en su sala de ensayos. En primera instancia el disco contó con 1000 copias hechas por la misma banda, que fueron distribuidas en sus recitales. El álbum fue reeditado en 1998 por la compañía PolyGram.

De manera totalmente independiente, en noviembre de 1993 se edita el segundo álbum, “A Donde Me Lleva la Vida”, grabado en el estudio El Zoológico de Buenos Aires, sin embargo, la gran demanda del disco obliga a firmar con una discográfica con mayor poder de distribución. La mayor condición de esta nueva relación de la banda fue la independencia artística. El acuerdo se hace con PolyGram, quien lo reedita y distribuye a comienzos de 1994 a través de su sello Interdisc.

«Despedazado por Mil Partes» es el cuarto álbum de estudio de la banda argentina de hard rock La Renga, grabado en los Estudios Ion de Buenos Aires, con producción de Ricardo Mollo (de Divididos) y el propio grupo, y editado en octubre de 1996 por la discográfica PolyGram a través de su sello Interdisc. Fue presentado en el estadio Obras los días 13, 14, 20 y 21 de diciembre del mismo año. El trabajo está incluido en la lista de los 100 Mejores álbumes del rock argentino según la revista Rolling Stone.

Las ilustraciones son de Marcelo Zeballos; el diseño gráfico es del Estudio Del Federico. La portada, en la que aparece el dibujo de la cabeza coronada de un ángel, con sus respectivas alas, si es puesta del revés, lo que previamente era un ángel alado pasa a ser una especie de demonio con el cráneo partido a la mitad y con el hueco de las fosas nasales a la vista.

Fue el álbum de mayor éxito e impacto de La Renga, el que más hizo crecer la cantidad de seguidores que tenía la banda. Entre estas canciones se encuentran “Balada del Diablo y la Muerte” que, junto a “El Revelde”, del álbum “La Renga”, son las canciones más conocidas por los que no son adeptos a la banda. También incluye clásicos del grupo como “El Final Es en Donde Partí”, “Lo Frágil de la Locura” o “A la Carga Mi Rocanrol”. El tema “Veneno” es una versión de la banda La Negra. La última pista, “Hablando de la Libertad”, se convirtió en el cierre de todos los conciertos de la banda.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas de Gustavo Nápoli, excepto 9: Marcelo Ferrari)

  1.  «Desnudo para Siempre» – 4:08
  2. «A la Carga Mi Rocanrol» – 3:46
  3. «El Final Es en Donde Partí» – 4:36
  4. «Balada del Diablo y la Muerte» – 5:36
  5. «Cuando Vendrán» – 4:21
  6. «Psilocybe Mexicana» – 5:36
  7. «Paja Brava» – 6:01
  8. «Lo Frágil de la Locura» – 4:19
  9. «Veneno» – 4:08
  10. «El Viento que Todo Empuja» – 5:21
  11. «Triste Canción de Amor» – 5:09

Calidad: FLAC

 

 

 


Catupecu Machu ‎– Dale! [1997]

[Resubida]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

Catupecu Machu es una banda argentina de rock, formada en 1994 en el barrio porteño de Villa Luro. Al principio, se formó por los hermanos Fernando Ruiz Díaz, Gabriel Ruiz Díaz. Actualmente está formada por Fernando Ruiz Díaz en voz, guitarras y bajo, Agustín Rocino en batería, Martín “Macabre” González en teclados, bajo y coros y Sebastián Cáceres en bajo y guitarras.

Su música se enmarca dentro del rock alternativo, el pop-rock y la experimentación sonora, dentro de un formato de canción. Desde sus inicios los críticos la consideraron como una de las bandas más enérgicas e innovadoras del rock argentino. Respecto al significado del nombre del grupo, Fernando Ruiz Díaz lo inventó muchos años antes que existiera la banda, refiriéndose a un animal imaginario y fue el que improvisó al momento de nombrar al grupo en su primera actuación pensando en que iba a ser momentáneo, pero finalmente, fue permanente.

A fines de 1996 participaron de un compilado hecho por la revista Revólver, llamado “Hard Rock Casé”, donde interpretaban “Dale!” y “Elevador”. En realidad, el disco “Dale!” contendría la mayoría de los temas grabados en este demo y los anteriores.

Conformados como trío, el grupo estaba integrado por Gabriel Ruiz Díaz en bajo, Fernando Ruiz Díaz en guitarra y voz y Abril Sosa en batería. Luego de transitar el under porteño, en agosto de 1997 editan en forma independiente en su propio sello Mueve! Discos su álbum debut, «Dale!», llamando la atención de la escena musical de Argentina por su novedosa propuesta y sus viscerales shows en vivo. Fue producido, grabado y mezclado por Gabriel Ruiz Díaz en el propio estudio del grupo “La Sala” entre mayo y agosto de 1997.

Los temas “Dale!” y “La Polca” fueron elegidos como cortes de difusión para las radios. Dichos temas también serían promocionados en forma de videoclip para MTV. El videoclip de “Dale!”, el primero de la banda, fue dirigido por Cristian Gielmetti y fue emitido en 1997; por su parte, el vídeo de “La Polca” fue dirigido por Juan Baldana y Leo Aramburu y se emitió por televisión en 1997. En la segunda mitad de ese año, un programa de la radio Rock&Pop ayudó a la publicidad de la banda al incluir el tema “Elevador” como su canción de apertura. Así, convirtió el tema en el primer hit radial de Catupecu.

La prensa y la banda coincidieron al notar que el público de Catupecu, a diferencia de la gran mayoría de las bandas de la época, era heterogéneo, es decir, de todas las tribus urbanas venía gente a presenciar sus shows. La revista argentina de rock nacional El Acople, que mantiene una vieja relación de amistad con la banda (crecieron en la misma época) opinó en una de sus ediciones que Catupecu “es la única banda respetada por todas las tribus urbanas”, agregando luego que “se ve reflejado en la diversidad de personas que hay ahí de cualquier palo o edad”. La Revista Madhouse le preguntó a Fernando Ruiz Díaz en una ocasión si no consideraba “un peligro” que ese tipo de público se le pegara (ya que el fanatismo por la música, era en ese momento en la Argentina algo extremo e inconsciente, similar al del fútbol o la política), a lo que Fernando contestó que siempre llevaban un “público Catupecu”, y que eso significaba que no importa de dónde venía la gente porque no existe la “tribu Catupecu”, porque según él, Catupecu es para todos, para cualquiera, y que la responsabilidad de un músico era cuidar de que en un show no se le “fuese de las manos”.

 
Fuente: Wikipedia / Zonde
 

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas de Fernando Ruiz Díaz y Gabriel Ruiz Díaz, excepto indicados)

  1. «Todo Pasa, Todo Queda» – 2:30
  2. «Calavera Deforme» (F. Ruiz Díaz, G. Ruiz Díaz, Marcelo Baraj) – 4:30
  3. «Los Tres Deseos» – 4:24
  4. «El Lugar» – 3:53
  5. «Apirié Omapare Piaroló» (F. Ruiz Díaz, G. Ruiz Díaz, Abril Sosa) – 2:26
  6. «Elevador» – 4:28
  7. «Come Together» (John Lennon, Paul McCartney) – 4:17
  8. «Mil Voces Finas» – 3:46
  9. «Dale!» – 5:10
  10. «La Polca» – 4:41
  11. «Ritual» (F. Ruiz Díaz, G. Ruiz Díaz, Sosa) – 5:25
  12. «La Llama» – 3:56
  13. «Le Di Sol» – 3:20
  14. «Hay Casi un Metro al Agua» (F. Ruiz Díaz, G. Ruiz Díaz, Sosa) – 4:11
  15. «–» – 1:00
  16. «El Sueño» – 5:23

Calidad: FLAC

 

 

 


Divididos – Gol de Mujer [1998]

[Resubida]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

Divididos es una banda argentina de rock, fundada en 1988 en Hurlingham (provincia de Buenos Aires) por Ricardo Mollo y Diego Arnedo, ex-integrantes de Sumo, cuando ésta se disolvió por la muerte de su líder, Luca Prodan. En sus trabajos han incursionado en estilos musicales locales como el folklore. Ha sido galardonada en múltiples ocasiones tanto de forma grupal como individual. En el 2011 fue hacedora del Premio Gardel de Oro (la distinción más destacada de la música nacional) en reconocimiento a su exitosa trayectoria, premio que ha sido entregado sólo catorce veces a distintos artistas tales como Charly García, León Gieco, Mercedes Sosa y Gustavo Cerati, entre otros.

Tras la disolución de Sumo debido a la muerte de su cantante Luca Prodan el 22 de diciembre de 1987, el resto de sus integrantes Ricardo Mollo, Diego Arnedo, Roberto Pettinato, Alberto “Superman” Troglio y Germán Daffunchio deciden reflexionar acerca del futuro de la banda. Daffunchio y Timmy Mackern (productor de Sumo y amigo de Luca) vuelven a las sierras cordobesas y el resto de la banda se queda ensayando en una sala de El Palomar. El 5 de marzo de 1988, ya sin Luca Prodan en escena, Sumo se presenta en el Chateau Rock, con Daffunchio, Mollo, Pettinato, Arnedo y Troglio.

Ricardo Mollo (guitarra) y Diego Arnedo (bajo), junto al baterista Gustavo Collado (ex La Sobrecarga) forman «La División» que luego cambiaría de nombre para pasar a ser «Divididos». Ellos se juntan por primera vez en la casa de Poppy Manzanedo, donde vivía Gustavo Collado, Manzanedo fue el primer manager que tuvo Divididos, firmó el contrato con CBS para grabar su primer disco, “40 Dibujos Ahí en el Piso”.

Tras firmar contrato con la multinacional BMG en 1998 en Los Ángeles, aparece «Gol de Mujer», quinto álbum de estudio de la banda, grabado entre los años 1997 y 1998 en los estudios La Calandria, Del Cielito y TNT (todos en Buenos Aires), con producción de Ricardo Mollo, y editado en 1998 por BMG. El disco tiene tanto canciones rockeras, como “Nene de antes” y “Gol de mujer”, como folklóricas: “Vientito del Tucumán” (una versión del poema inédito de Atahualpa Yupanqui), “El gordo legüero”, “Clavador de Querubín” y “Niño hereje”, siendo esta mezcla una de las principales características de la banda, con el objetivo de “devolverle algo a la cultura”. También contiene una canción en homenaje al fallecido cantante de Sumo llamada “Luca” y hasta un pesado cover de Billy Bond y la Pesada del Rock and Roll (“Salgan al sol”). El material fue presentado el 25 de julio de 1988 en el Parque Sarmiento y luego en el Estadio Obras Sanitarias, y se ganó rápidamente la aprobación de sus seguidores.

Divididos volvería a su esencia y entregarían un disco fiel a su estilo luego del poco comercial y experimental “Otroletravaladna”. Los demoledores riffs “hendrixianos” de Mollo, los increíbles punteos de bajo de Arnedo son una experiencia más que cautivadora a la hora de escuchar cualquier trabajo de la aplanadora del rock. En esta oportunidad, el joven baterista Jorge Araujo se lució mucho más que en su primera participación en el grupo, estando a la altura de dos virtuosos como sus compañeros de trío.

 
Fuente: Wikipedia / Zonde
 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas compuestos por Diego Arnedo y Ricardo Mollo, excepto indicados)

  1. «Alma de Budín» – 2:56
  2. «Nene de Antes» (Mollo, Arnedo, Araujo) – 4:10
  3. «Luca» – 4:00
  4. «Clavador de Querubín» – 1:38
  5. «Sobrio a las Piñas / Quién se Tomó Todo el Vino» (Mollo, Arnedo, Araujo / Jiménez, Cueto, Altamirano) – 4:28
  6. «Amor Japonés» (Mollo, Arnedo, Araujo) – 3:19
  7. «Cabeza de Maceta» (Mollo, Arnedo, Araujo) – 2:45
  8. «Letra Gótica» – 2:01
  9. «Cosas de Baboon» – 3:12
  10. «Gol de Mujer» (Mollo, Arnedo, Araujo) – 4:32
  11. «Vientito de Tucumán» (Mollo, Arnedo, Araujo / Yupanqui) – 3:19
  12. «Niño Hereje» – 1:39
  13. «Zombie» – 4:15
  14. «El Fantasio» (Mollo, Arnedo, Araujo) – 5:51
  15. «Salgan al Sol» (Javier Martínez) – 1:46
  16. «El Gordo Legüero» – 1:47

Calidad: FLAC

 

 

 


Rata Blanca – En Vivo en Buenos Aires [1996]

[Resubida]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

Rata Blanca es una banda argentina de heavy metal formada en la zona del Bajo Flores (Buenos Aires) en 1985, y que está considerada una de las más importantes e influyentes del heavy metal en castellano, aunque durante su carrera también han incorporado power metal y metal neoclásico, combinando pesados riffs con estructuras melódicas y armónicas de la música clásica. Con los años han sido clasificados en distintos subgéneros, sin embargo la banda se considera simplemente “rock metálico”.

El grupo se lanza al estrellato en la década del 90, destacándose como una de las bandas argentinas más populares de todos los tiempos. Tres de sus álbumes han sido incluidos entre los mejores 250 del rock latinoamericano. Su carrera parece impulsarse a los más altos niveles cuando en 1990 publican su segundo disco, “Magos, Espadas y Rosas”, con más de 5 millones de copias vendidas hasta la actualidad, logrando varias distinciones, y que le ha valido el comienzo de una larga hegemonía en el contexto internacional, estableciendo firmemente su reputación como banda en vivo.

Muchos de sus temas han logrado un alcance de popularidad hasta entonces inimaginables para el rock pesado. Ostentan durante su trayectoria 12 discos de oro, 10 de platino y 3 doble platino, haciéndolos la banda del género más exitosa de su país, como así también una de las más reconocidas internacionalmente. La química se basa en el virtuosismo de Walter Giardino y la poderosa voz de Adrián Barilari.

En 1985, el guitarrista Walter Giardino abandona el popular grupo V8. Viendo que el panorama de la música pesada en Argentina estaba en sus peores momentos y no había propuestas que respondiesen a sus intereses musicales, le comunicó a Gustavo Rowek (ex baterista de V8) su idea de grabar independientemente un demo con los temas de su autoría, para que le sirviera como carta de presentación en Inglaterra, ya que había pensado emigrar del país. El baterista accedió y la grabación tuvo lugar en los Estudios Buenos Aires. Junto a Guillermo Sánchez (bajo) y a Saúl Blanch (voz), un representante del rock duro de los ’70, ex-Plus, arman el primer germen del grupo. Los primeros dos años de Rata Blanca fueron de ensayo antes de su debut un 15 de agosto de 1987 en el teatro “Luz y Fuerza” en Buenos Aires ante 600 personas que colmaron la capacidad del lugar.

La música de Rata Blanca tomó desprevenido a un público poco acostumbrado al heavy metal clásico. También se terminaba el mito de que los metaleros eran personas con poca cultura musical: “La banda tiene la potencia y la rítmica de heavy metal sumadas a estructuras melódicas y armónicas de la música clásica. Escucho a Paganini, Bach, Mozart, Vivaldi y Beethoven con el mismo interés que a Deep Purple, Rainbow, Judas Priest, Accept y AC/DC”, decía Walter Giardino.

«En Vivo en Buenos Aires» es el primer álbum en directo de Rata Blanca, grabado en el Estudio Móvil Pichon Dalpont en octubre de 1992 en uno de los tres conciertos ofrecidos en el Teatro Opera de Buenos Aires, masterizado en el Estudio Polygram Discos y editado en septiembre de 1996 por Polydor Records, con producción de Walter Giardino. Contó con la participación de la Orquesta de Cámara Solistas Bach, con la dirección del maestro Osvaldo Requena. Se trata de un trabajo de ribetes sinfónicos, aunando el rock and roll con lo orquestal, con la inclusión de algunas piezas clásicas de Bach y de Antonio Vivaldi en la selección. El arte de carpeta fue realizado por Osvaldo González, con fotografías de Guillermo Monteleone.

Durante 1996 se presentaron en el homenaje a V8 en el estadio Obras. Tras la edición de este disco en directo, concluye el contrato de la banda con Polygram.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1.  «Quizá Empiece Otra Vez» (W. Giardino) – 6:50
  2. «Sólo para Amarte» (S. Blanch, W. Giardino) – 5:24
  3. «Hombre de Hielo» (A. Barilari, W. Giardino) – 5:07
  4. «Ángeles de Acero» (G. Rowek, W. Giardino) – 4:08
  5. «Aria en Sol, de la Suite #3» (J. S. Bach) – 2:52
  6. «3º Movimiento de La Primavera (de “Las Cuatro Estaciones”)» (A. Vivaldi) – 1:39
  7. «Capricho Árabe – Preludio Obsesivo» (R. Conso, W. Giardino) – 4:03
  8. «Días Duros» (Perigo, W. Giardino) – 6:52
  9. «Nada Es Fácil sin Tu Amor» (W. Giardino) – 9:01
  10. «La Leyenda del Hada y el Mago» (Giardino, W. Giardino) – 5:42

Calidad: FLAC

 

 

Gracias al blog Rock de Acá!!! por este archivo.

 

 

 


Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota – Luzbelito [1996]

[Resubida]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota (o simplemente Los Redondos) fue un grupo argentino de rock, formado en la ciudad de La Plata en 1976 y liderada por Carlos Alberto «Indio» Solari y Eduardo «Skay» Beilinson. En 1978 realizaron su primera presentación en Buenos Aires, con el reconocido guitarrista Conejo Jolivet, quien oficiaba de la primera guitarra, y el tecladista Roddy Castro quien además facilitó su lugar en las míticas salas de ensayo del subsuelo de la Av. Corrientes casi Av. 9 de julio. Posteriormente siguieron tocando en teatros underground hasta 1979, año en el que la banda decidió interrumpir momentáneamente sus shows. En 1981 el grupo retomó el rumbo de los pubs, para llegar a grabar su primer demo profesional en 1982, registradas en RCA en el demo “Demos RCA + Festival Pan Caliente”, que logran una importante difusión en las emisoras FM porteñas.

La banda creó con su música una original estética del rock, alcanzando masividad sin entrar en el circuito cultural oficial; manteniéndose independiente al margen de la industria musical durante sus 25 años de actividad y transformándose en la única banda (junto con La Renga) que, por principios, jamás se apoyó en los medios para difundir su trabajo. En general los recitales eran promovidos por el “boca en boca”. Por este motivo siempre fue una banda que estuvo al margen de festivales, reconocimiento mediático o premiaciones, sólo la Fundación Konex reconoció su trayectoria en 1995 con un Diploma al Mérito y en 2005 con el Premio Konex de Platino a la mejor banda de rock de la década, compartido con Divididos.

Considerada como una de las bandas más importantes del rock argentino y una de las más influyentes del rock en castellano, su obra siempre estuvo marcada por las metáforas en sus letras, la cultura, el vanguardismo en su puesta en escena y un imperante misticismo en sus obras gráficas. Representa un paradigma contracultural, reforzado y marcado por su producción independiente. Su influencia se ve en bandas como La Renga, Callejeros, Los Piojos, Los Gardelitos, Salta la Banca, El Bordo, La Beriso, Las Pastillas del Abuelo o Árbol.

Musicalmente, se destacan por sus instrumentales sumamente creativos, por una primera guitarra siempre presente ―ejecutando riffs y solos― en combinación con la voz y con agregados de otros instrumentos, tales como el saxofón, el violín, la trompeta, el piano, la armónica o percusión en varias de sus canciones.

«Luzbelito» es el séptimo álbum de estudio de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, grabado en Be Bop (San Pablo) y New River, Fort Lauderdale y El Pie (Buenos Aires) entre finales de 1994 y 1995, con producción del propio grupo, y publicado en 1996 por Del Cielito Records. Es uno de sus álbumes más oscuros y una de sus más polémicas obras, y a la vez uno de los más populares. Se trata un disco conceptual que, a través de la idea de un ficticio hijo del Demonio llamado Luzbelito, juega con las ambigüedades de las creencias y comportamientos humanos desde distintos puntos de vista. La edición argentina de la revista Rolling Stone ubicó al disco en el puesto 88 entre los 100 mejores discos del rock nacional. También “Mariposa Pontiac” fue considerado por Rock.com.ar como la 3° canción más destacada del rock nacional.

El álbum llevó más tiempo de producción que los anteriores, además de usar más estudios de grabación, destacando los temas “Luzbelito y las sirenas”, “¡Me matan, limón!”, “Juguetes perdidos” y “Mariposa Pontiac/Rock del País”, este último, junto con “Blues de la libertad”, fueron compuestos durante la primera época del grupo. Estos fueron compuestos incluso antes del lanzamiento del álbum “Gulp”, por lo que no comparten el estilo del resto del CD. Inicialmente, este álbum iba a estar compuesto por temas inéditos de la banda, pero el Indio Solari, en sus tiempos libres, comenzó a escribir canciones que tacharon casi todas las canciones del proyecto, quedando así estos dos únicos temas inéditos.

Musicalmente, el álbum cuenta con una atmósfera sombría y oscura, opresiva en ciertos pasajes, aunque con ciertos temas festivos. Es también el primer álbum de Los Redondos en ser vendido sin la tradicional caja plástica de los CD de audio, usando en cambio una presentación en caja de cartón y un elaborado mini-libro con ilustraciones alegóricas creadas, como en todos los discos de la banda exceptuando “En Directo”, por el artista Rocambole.

Sus seguidores, que se suelen identificar como “las bandas”, reclamaban la presencia del grupo sobre algún escenario. Por lo tanto, en junio de ese año (1996) se fija la cita en discoteca Go! de Mar del Plata. En esa oportunidad, el público llegó a la ciudad desde muy temprano y desde Buenos Aires se organizó la salida de los famosos “trenes ricoteros”. Finalmente ese año cerrarían con dos fechas en el mes de octubre los días 26 y 27 en el Estadio Polideportivo de Mar del Plata y en el Estadio 15 de abril de Unión de Santa Fe el día del cumpleaños de la banda, 28 de diciembre.

La polémica los vuelve a encontrar cuando la banda fue víctima de un acto de censura a raíz de un decreto del intendente de Olavarría (Eseverri), que prohibió los recitales programados para el 16 y 17 de agosto de 1997. La excusa oficial fue el temor a que se desataran hechos de violencia por parte de su audiencia, como era habitual. Tal situación hizo posible que la banda brinde una conferencia de prensa televisada en directo por primera vez en su vida, explicando las razones y dando la nueva fecha y lugar de los recitales. Finalmente el show se realizó sin incidentes en Tandil ante 21.000 personas, que soportaron una intensa lluvia durante todo el concierto.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas compuestos por Beilinson/Solari)

  1.  «Luzbelito y las Sirenas» – 4:06
  2. «Cruz Diablo!» – 4:13
  3. «Ella Baila con Todos» – 4:59
  4. «Fanfarria del Cabrío» – 5:09
  5. «Nuotatori Professionisti» – 4:41
  6. «Blues de la Libertad» – 5:00
  7. «La Dicha No Es una Cosa Alegre» – 5:35
  8. «Me Matan Limón!» – 3:35
  9. «Rock Yugular» – 7:04
  10. «Mariposa Pontiac – Rock del País» – 4:48
  11. «Juguetes Perdidos» – 7:10
Calidad: FLAC

 

 

 


La Renga – Bailando en Una Pata [1995]

[Resubida]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

La Renga es una banda de hard rock formada el 31 de diciembre de 1988, en el barrio porteño de Mataderos, al oeste de la ciudad de Buenos Aires. Compuesta por Gustavo “Chizzo” Nápoli (cantante principal, guitarra principal), Gabriel “Tete” Iglesias (bajo) y Jorge “Tanque” Iglesias (batería), quienes integran el grupo desde sus inicios, mientras que Manuel “Manu” Varela se les unió en 1994, gracias a Gabriel “Chiflo” Sánchez (saxo), miembro de la banda hasta 2008.

Se han rehusado a la exposición en los medios durante sus más de veinte años de trayectoria y cuentan, actualmente, con una producción absolutamente independiente, luego de pasar unos cuantos años dentro del sello PolyGram y Universal.

La Renga inició haciendo versiones de canciones de bandas como Creedence, Vox Dei y Manal, entre otras. Las primeras presentaciones las hicieron en el Club Larrazábal, Galpón del Sur, además del circuito underground de Buenos Aires. El nombre surgió como referencia a la época, donde parecía que siempre faltaba algo para poder encaminarse bien. También está la versión de Locura, quien dice que su pareja de ese entonces tenía una pierna 1,5 cm más corta que la otra, lo que le provocaba una perceptible cojera; es decir era coja, o «renga», y al Tete se le ocurrió ponerle así a la banda.

“Esquivando Charcos”, el primer disco de La Renga, fue grabado en 1991 y consta de la primera formación oficial de la banda: Chizzo, Locura, Tete y Tanque. A ellos se suma Chiflo, que por aquel entonces oficiaba de vientista del grupo Los Auténticos Decadentes. Al escuchar su forma de soplar, Tete le propuso de inmediato “poner unos caños” (grabar una sección de vientos) en el disco que venían preparando. El álbum fue grabado en dos lugares distintos, siete de los nueve temas fueron grabados en estudio y las dos canciones restantes (“La nave del olvido” y “Blues de Bolivia”) en su sala de ensayos. En primera instancia el disco contó con 1000 copias hechas por la misma banda, que fueron distribuidas en sus recitales. El álbum fue reeditado en 1998 por la compañía PolyGram.

Por problemas personales Locura decide separarse de la banda. Así comienza la búsqueda de alguien que lo reemplace, búsqueda que no dio resultados e hizo que Chizzo quede como primera y única guitarra. Gabriel “Chiflo” Sánchez no contaba con una banda fija, tocaba su saxo para bandas de punk rock como Los Parias, Alerta Roja y El Mercader, de reggae como Los Cafres y de ska-rock como Los Auténticos Decadentes. Chiflo poseía una influencia proveniente del jazz, la cual no descuidó al ser invitado a La Renga. La primera invitación llegó en 1989 cuando tocó en algunas canciones. Durante un lapso dejó de acercarse a La Renga hasta que en 1991, fue invitado nuevamente para grabar algunas canciones para “Esquivando Charcos”. En ese momento se sumó definitivamente a la banda.

De manera totalmente independiente, en noviembre de 1993 se edita el segundo álbum, “A Donde Me Lleva la Vida”, grabado en el estudio El Zoológico de Buenos Aires, sin embargo, la gran demanda del disco obliga a firmar con una discográfica con mayor poder de distribución. La mayor condición de esta nueva relación de la banda fue la independencia artística. El acuerdo se hace con PolyGram, quien lo reedita y distribuye a comienzos de 1994 a través de su sello Interdisc. Se publicó en CD y cassette y fue presentado oficialmente en el Estadio Obras Sanitarias el 19 de noviembre de 1994. Los recitales se vuelven cada vez más masivos, con público proveniente en su mayoría de los barrios humildes del Gran Buenos Aires.

«Bailando en Una Pata» es el tercer álbum de La Renga, el primero en vivo, y el primer y único VHS. Fue grabado en el concierto dado en el Estadio Obras Sanitarias de Buenos Aires el 30 de julio de 1995, ante más de 4.100 personas. El CD fue editado en septiembre de 1995 a través de la discográfica Universal Music, y el VHS en octubre del mismo año. La portada es una foto de un tragafuegos en plena ejecución de su acto, visto de frente, en un plano medio corto, con un par de antorchas dobles. Las fotos utilizadas son de Pablo Freytes.

El álbum contiene el tema que da nombre al mismo, nunca editado en una versión de estudio, además de una versión de “Born to be wild” en castellano, del grupo norteamericano Steppenwolf. La mayoría de las canciones pertenecen al álbum “Esquivando Charcos”, pero las versiones aquí contenidas se distinguen por su mejor calidad sonora, mucho más fiel al verdadero sonido de la banda.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas de Gustavo Nápoli, excepto 6: Mars Bonfire)

  1.  «Buseca y Vino Tinto» – 3:50
  2. «Moscas Verdes, para El Charlatán» – 5:17
  3. «Embrolos, Fatos y Paquetes» – 5:11
  4. «El Viento que Todo Empuja» – 6:19
  5. «El Juicio del Ganso» – 5:33
  6. «Nacido para Ser Salvaje (Born to Be Wild)» – 4:08
  7. «Intervalo» – 1:25
  8. «Negra Es Mi Alma, Negro Mi Corazón» – 5:01
  9. «Luciendo Mi Saquito Blusero» – 3:42
  10. «Blues de Bolivia» – 8:58
  11. «Somos los Mismos de Siempre» – 3:19
  12. «Voy a Bailar a la Nave del Olvido» – 5:07
  13. «Bailando en Una Pata» – 1:49
  14. «Cantito Popular» – 1:56

Calidad: FLAC

 

 

 


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