Ciclos y Neurastenias en un mundo cruel

Entradas etiquetadas como “New Wave

Talking Heads – Little Creatures [1985]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

Talking Heads fue una banda de rock experimental y dance punk (una de las más representativas bandas new wave, con elementos de estilos como el punk rock, rock progresivo y el funk predominante en el ambiente británico de los años ochenta, que recibe la influencia cultural del Art Pop y el minimal, expresado en sus letras impregnadas de experiencia alienada y claves musicales experimentales y mínimas) formada en Nueva York por David Byrne en el año 1974 junto a Chris Frantz y Tina Weymouth. Un par de años después, tras telonear a Ramones en el legendario club CBGB, se integraría a ella el guitarrista y teclista Jerry Harrison, quien anteriormente había grabado junto a The Modern Lovers. En una entrevista, Weymouth especificó cómo el grupo eligió el nombre Talking Heads: “Un amigo encontró el nombre en la guía de televisión, que explica el término usado por los estudios de televisión para describir el busto de una persona hablando acerca de ‘todo contenido, nada de acción'”.

Encabezada por el músico David Byrne, la banda alcanzó los primeros lugares de las listas de ventas en gran parte de Europa y Estados Unidos de Norteamérica. Puede resumirse el estilo y elegancia que destacó a esta agrupación en el filme “Stop Making Sense”, que fue realizado en el teatro Pantages de Hollywood y dirigido por Jonathan Demme. Esta representación es aclamada como uno de los ejemplos más representativos de su género.

El grupo tuvo rápidamente una gran aceptación y firmó para Sire Records en 1977, lanzando su primer single “Love – Building On Fire” en febrero de ese año. Su primer álbum, “Talking Heads: 77” fue lanzado a continuación y no contenía el primer single. Esto fue con su segundo álbum en 1978, “More Songs About Buildings and Food”, con el cual la banda comenzó su larga colaboración con el productor Brian Eno, quien previamente había trabajado con Roxy Music, David Bowie y Robert Fripp. La experimentación continuó con “Fear of Music” en 1979, el cual flirteaba con el oscuro estilo del post-punk rock. “Remain in Light”, fuertemente influenciado por el Afro-Beat (ritmos africanos) de la banda nigeriana Fela Kuti (de quienes Eno introdujo su música en la banda), explorando poliritmos africanos, haciendo que más tarde Byrne se interesase en la música mundial.

Después de ocho importantes álbumes de estudio, varias giras, vídeos musicales y premios, en el año 1991 el grupo anunció oficialmente su separación. En 2011 la revista Rolling Stone los ubicó de número 100 entre los grandes artistas de todos los tiempos.

«Little Creatures» es el sexto álbum de estudio de la banda de new wave norteamericana Talking Heads, grabado entre octubre de 1984 y marzo de 1985 en los Sigma Sound Studios de Nueva York, con producción del propio grupo, y editado el 10 de junio de 1985 por Sire Records (en EUNA) y por EMI en Europa. Se extrajeron tres sencillos del álbum: “The Lady Don’t Mind”, “Road to Nowhere” y “And She Was”. El último fue el que tuvo más éxito en EUNA, mientras que el segundo triunfó en Reino Unido y Europa.

El álbum examina temas de Americana (un conglomerado de diversas músicas estadounidenses) e incorpora elementos de la música country con varias canciones utilizando la steel guitar. Fue votado como el mejor álbum del año en las encuestas críticas Pazz & Jop de The Village Voice y es álbum más vendido de la banda con más de dos millones de copias vendidas en Estados Unidos de Norteamérica. La cubierta fue creada por el artista Howard Finster y fue seleccionada como cubierta del año por la revista Rolling Stone.

El álbum fue n° 1 en Nueva Zelanda, n° 2 en Australia, n° 4 en Austria, n° 9 en Alemania y n° 10 en Reino Unido y Suecia, siendo certificado doble platino en Estados Unidos de Norteamerica y disco de oro tanto en Reino Unido como en Alemania.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

Lista de canciones:

  1.  «And She Was» – 3:36
  2.  «Give Me Back My Name» – 3:20
  3.  «Creatures of Love» – 4:12
  4.  «The Lady Don’t Mind» – 4:03
  5.  «Perfect World» – 4:26
  6.  «Stay Up Late» – 3:51
  7.  «Walk It Down» – 4:42
  8.  «Television Man» – 6:10
  9.  «Road to Nowhere» – 4:19
  10.  «The Lady Don’t Mind (Extended Mix)» – 6:51

Calidad: 320 Kbps (a 48000 Hz)

 

Gracias al compañero Jaimolin por el archivo wav que ripeé a mp3 de máxima calidad.

 

 

 


Alarma!!! – Alarma!!! (1984)

 

[Ciclo de Rock Ibérico]

 

Año 1981. Las sobras del caldo Cucharada devengan en una escisión del mismo que resucita en tres mosqueteros ya hacendados con la antiguo formación (José Manuel de Tena -voz rasgada y bajo- y José Manuel Díez -batería y voces-) y Jaime Asua -guitarra y voces- que había hecho colaboraciones esporádicas con estos. Es Manolo Tena quien impulsa esta nueva aventura dando muestras de su tenacidad y fortaleza de la que ya da buena cuenta su sufrida trayectoria profesional. Al principio se hacen llamar FBI pero después su mimetismo con The Police (donde les ubica la critica especializada) les lleva a The Alarm que castellanizan como Alarma!!!
 
Para ahorrar estupefacción en el lector, diremos que los Alarma!!! tratan de buscar la alquimia entre la new wave y ese rock urbano sin concesiones, duro, barriobajero; prestan además aliños adicionales salpicados de funk, reggae, after-punk y una especie de proto ska. Esta búsqueda y su ecuación les estamparán contra un público que se divide entre lo heavy y lo pop-plasticazo, quedando nuestros héroes en una yerma tierra de nadie que sólo el paso del tiempo ha devuelto su color y fertilidad. Así pues es esa autenticidad (genotipo de los Cucharada) incardinada en la ardua lucha por lograr concordia entre rumbos contradictorios las que les acarreará la etiqueta too much en los lobbies comercialoides de entonces. El propio Tena lo describiría así reflexionando acerca del primer disco del grupo: “Nuestro trabajo, en esa época, fue absolutamente digno. A mi me gustaba decir que no éramos como José Luis López Vázquez, que ha hecho películas con gente tan diferente como Antonio Ozores o Saura, sino que sólo hacíamos las de Saura. Nos había costado pasar mucha hambre llegar hasta allí, pero éramos félices siguiendo esa línea”.
 
En el año 1984 debutan con sus antiguos camaradas de Leño. Tras eso, el sello Mercury lanza su primer LP homónimo, «Alarma!!!» (Mercury, 1984), que había sido grabado el año anterior en los estudios Eurosonic y Musigrama contando con Carlos Narea a la producción y Pepe Loeches como ingeniero de sonido. A pesar de la calidad del mismo, la hostia es sonada e incomprensible. Se ha hablado de que este trabajo acusaba perturbadoramente esa especie de bipolaridad new wave y punk-rock; quizás, aunque a nuestro entender joyas que además fueron escopeteadas en hasta tres singles de temas estandartes: “Lola”, “Para ti”, y “Tu amor”, debieran haber hollado mejor azar y apertura musical sin complejos, por un público que debido a las transformaciones del país empezaba a preferir papilla antes que buena materia prima. Con todo, como veremos, este disco sí que achaca algunas elecciones desafortunadas en su repertorio y una producción y arreglos que no acaban de abrazar bien la aterradora y visceral ejecución y patología de un grupo cuyos directos debían de dejar sin respiración o habla.
 
El inencontrable primer LP de Alarma!!! ha sobrevivido con dignidad y coherencia a un olvido colectivo, y es que la ingente cantidad de temas casi míticos, estandartes de estados alterados, injusticias sociales, crónicas urbanas de las sucias calles y ácidas críticas a los convecionalismos de la sociedad deja perplejo al oyente futuro que no da crédito a la mala fortuna de esta formación. Dicho esto, es verdad que afecta a su calidad una producción que peca a veces de pragmática, y algunas elecciones desafortunadas en las propuestas que desentonan con la grandeza y carisma de otros temas.
 

La movida empieza con “Para ti” de la dupla Díez – Tena, que es un himno generacional del mismo modo en que lo acabó siendo el amargo “Frío”; la primera vez que lo escuché pensé que me sonaba, que ya lo había oído, como si formase parte de la memoria auditiva de una vida anterior, sobria, rockera, valiente y con una de la mejoras letras de Tena. Aunque lo analizaremos más detenidamente en el apartado de sencillos diremos que su mensaje sigue tan vigente como el primer día, un canto a los perdedores, al malditismo social respecto de la autenticidad y la envidia que genera la libertad de opción, los sueños, su integridad personal.

Le sigue frenéticamente, casi mejor esquizofrénica, “Perdido una vez más”, un tema verdaderamente conceptual, que con sus zigzagueantes riffs de guitarra y redobles de batería intensos emula perfectamente ese estado de ansiedad que precede al consumo, o a la imposibilidad de satisfacción de ese vértigo, del dilema ante la adicción y las visiones tétricas provocadas por la abstemia, un buen tema.

“Manía depresiva”, uno de los mejores cortes acerca de la propensión que tenemos en las sociedades occidentales por tirar la toalla, empujados por la celeridad, por los desencuentros y las compulsiones; la ejecución del tema es impresionante: un buen tempo de guitarras y batería que parece ir a destiempo para que el desasosiego en el interlocutor sea mayor. Jaime está brutal en el colofón final; por su parte, Manolo, con una voz más oscurecida parece hacer un guiño a la persecución del caballo y si no atención: “Salgo corriendo cuando entras en mi cama, pero me alcanzas en el ascensor / me abrazas a traición / da igual lo que piense, da igual lo que intente / por qué te empeñas en arruinar mi vida / siempre me encuentras adonde vaya, ni en sueños logro escapar de ti / empiezo a sonreír a los psiquiatras / y en los sucesos pronto se hablará de mi”. Casi ná.

Respecto a “Nunca pasa nada”, es sin duda el peor tema de este LP que empasta con unos versos anodinos y un ritmo sincopado excesivo la hasta ahora buena marcha del disco. Tampoco se puede catalogar a “Mentiras” de interesante, una melodía muy acertada pero una temática que queda vulgar en comparación con el resto del trabajo que se arriesga con anhelos, crónicas y denuncias suicidas, así pues disfrutable pero inferior respecto a lo que nos suele regalar la pluma de Tena.

A partir de aquí empieza el bombardeo del surco con temas que deberían figurar con letras de oro en el museo rock en este país: “Tu amor” del que el propio Sabina diría envidiar esos versos tan a la nueva ola: “Tu amor de plástico y hermético, tan electrodoméstico / tu amor calienta pero no quema”; un rockazo. “Lola”, crónica de la prostitución con unos ingeniosos versos y un estribillo muy pegadizo lleno de cinismo.

Para seguir con esta línea valiente, valiente “Reina del Neón”, con mejor estilo melódico y poético que Almodóvar, Tena afronta uno de los fenómenos que más polémicas y rechazo generaban en una España que empezaba a juguetear con sus estrenadas libertades, líneas de guitarras contundentes y un señor Díez muy inspirado en el estribillo dan empaque y contundencia a cosas como: “Encerrado en el cuerpo de un hombre sin suerte sabiendo que él todo mujer se siente / camina indiferente por la acera de enfrente, ¿qué le importa a esa gente que le llama indecente”, simplemente maravillosa, lúgubre, adelantada.

“¿Qué tipo de desastre eres tú?” es una de las grandes sorpresas de este larga duración y anticipaba lo que sería el increíble segundo album, con una producción más acertada y un ritmo contagioso. Este tema desenfadado vuelve a fagocitar la mala estrella de los perdedores con un guiño cómico e irónico a los que lo intentan, a los que pierden, a los que fueron sin relevancia ni apoyos, a aquellos cuyo ímpetu y vísceras dejaron impronta y sobrevivieron a un ostracismo absurdo.

Fuente: Wilson Maravella en LaFonoteca.net

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Para Ti» (Díez, Tena) – 4:00
  2. «Perdido una Vez Más» (Asúa, Tena) – 2:52
  3. «Manía Depresiva» (Asúa, Tena) – 3:20
  4. «Nunca Pasa Nada» (Asúa, Tena) – 2:58
  5. «Mentiras» (Díez, Tena) – 4:12
  6. «Tu Amor» (Asúa, Tena) – 3:33
  7. «Lola» (Tena) – 4:40
  8. «Reina del Neón» (Tena) – 5:00
  9. «¿Qué Tipo de Desastre Eres Tú?» (Tena) – 3:50

Calidad: FLAC

 

Gracias al compañero Bizio por este archivo.

 

 

 


Topo – Pret a Porter (1980)

 

[Ciclo de Rock Ibérico]

 

Topo es una de las grandes formaciones de la historia del rock urbano ibérico, formado en 1978 en Madrid. Con diferentes etapas, con altibajos, con éxitos y fracasos, pero merecedora de ser considerada como una de las bandas de primer nivel en el incipiente rock peninsular de los 70. Surgió como una escisión de la mítica formación Asfalto, los cuales ese mismo año habían publicado su disco debut. El disco obtiene gran éxito en listas, pero la grabación y el resultado final no satisfacen al grupo. Así pues, José Luis Jiménez (bajo y voz) y Lele Laina (guitarra y voz) se embarcan en la creación de otra banda junto a Terry Barrios (batería; ex de Los Zurdos, ex Franklin y ex Trilogía) y Víctor Ruiz (teclados; ex Alubión).

Rápidamente graban en los estudios Kirios de Alcorcón (Madrid) su primer plástico a finales de 1978, de titulo homónimo, que sería publicado en enero de 1979 y contenía éxitos atemporales como “Vallecas 1996” o “Mis amigos dónde estarán”. Con este disco se colocaron en la primera línea del rock estatal. A pesar de ello su compañía discográfica, Chapa Discos, lejos de apoyar incondicionalmente la música de sus bandas, mostró que sólo buscaba formas de enriquecerse rápida y fácilmente.

La entrada en los años 80 vino acompañada de dos fenómenos musicales: a nivel patrio, la movida madrileña, y a nivel internacional la new wave. Muchos productores, como Teddy Bautista, quisieron subirse a este carro, lo que derivó en resultados poco agraciados para algunos de los grupos más destacados del rock madrileño, como Leño (con el álbum Más madera) o los propios Topo. Con estas premisas, en 1980, impulsan al grupo a realizar un disco “nuevaolero”, al estilo de lo que funcionaba en Gran Bretaña, con un sonido próximo a The Police, producido por Teddy Bautista, que sería titulado «Prêt à Porter» y editado en junio de 1980 por Chapa Discos. Este intento fracasa estrepitosamente y hace que Topo abandone la discográfica.

En palabras de José Luis Jiménez: “En el año 80 todos jugaban a ser New Wave y modernos. Incluso Neil Young, todo el mundo cambió la estrategia. Nos llamó Teddy Bautista, que había sido el productor del primero y nos dijo que lo que hacíamos no molaba (…). Nosotros habíamos hecho la continuación lógica del primero, y nos dieron la vuelta a la tortilla de golpe y porrazo, nos decían que nosotros sí podíamos hacerlo. Así que hicimos unos temas con alfileres, nos fuimos al estudio, lo cambiamos todo completamente y nos convertimos. Los temas se redujeron de tiempo, se hicieron allí mismo: alguno en quince minutos, y nos decían que aquello ya valía. Al final cogimos la torta y nos la llevamos, aquello era una ensalada, Teddy había metido percusión por todos lados, lo llevamos a un técnico llamado Brian, que lo mezcló todo, hizo algo práctico, quitó percusión y salvamos los muebles.”

En 1981 fichan con CBS/Epic, discográfica que editó su tercer y último trabajo con la formación original, “Marea Negra” (1982), un disco de rock puro con grandes composiciones y espectacular sonido, bajo la producción de Carlos Narea. Un álbum genial e imprescindible. En 1984 la formación se separó. Jiménez formó un nuevo Topo con la inclusión de Cacho Casal (batería y voz), Luis Cruz (guitarras y voces) y Pablo Salinas (teclados, guitarras y voces), y publicaron “Ciudad de Músicos”. El grupo se disolvió a finales de los ochenta.

Fuente: Sangre Española + Wikipedia

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas de José Luis Jiménez, excepto indicados)

  1.  «Vudu Baby» (José Luis Jiménez, Lele Laina) – 3:07
  2.  «Radio 10» – 3:06
  3.  «Hollywood» – 2:50
  4.  «Traeme Tu Amor» (Sam Cooke / Trad.: José Luis Jiménez) – 3:00
  5.  «Te Siento Cerca (José Luis Jiménez, Lele Laina) – 3:00
  6.  «Inesperadamente (Nace una Canción)» – 2:30
  7.  «Eva» – 3:20
  8.  «Reina del Vagón» – 3:38
  9.  «El Extraterrestre» (José Luis Jiménez, Lele Laina) – 3:13
  10. «Correcaminos» (Topo) – 3:37
  11. «Pret a Porter» – 2:59

Calidad: FLAC

 

Gracias al compañero Bizio por este archivo.

 

 

 


Corazón Rebelde – Corazón Rebelde (1984)

 

[Ciclo de Rock Ibérico]

 

A fines de 1980, cuando el invierno comenzaba a instalarse en París, Cacho, Luis Emilio y Rodrigo Vásquez, tres jóvenes hermanos chilenos, hijos de un ex militante de izquierda exiliado por el gobierno de Augusto Pinochet, cansados de la falta de canales de expresión para su emotividad latina, decidieron formar junto al franco tunecino Cyril Noaco un grupo al que bautizaron como Corazón Rebelde, una banda cuya original propuesta mezclaba el punk, elementos del rock tradicional y música como la rumba y otros ritmos latinos y folklóricos.
 
El líder de la agrupación, el cantante, guitarrista y compositor Cacho Vásquez, un inquieto y carismático joven que gracias a su apariencia física y su 1.90 de estatura trabajaría ocasionalmente de modelo publicitario y lograría cierta fama literaria en Francia en 1985 gracias al libro “Sebasto´s Angels”, uno de los libros mejor acogidos ese año por la siempre exigente crítica gala (coescrito junto a su madre), relató que el momento en que decidieron fundar el grupo fue cuando escucharon a The Clash, uno de los grupos emblemas del punk británico. “Los Clash nos abrieron una puerta. Al principio no sabíamos ni tocar. Formábamos parte del movimiento punk sin tocar como ellos, no sabíamos usar la distorsión. En la creación musical comenzamos a mezclar estilos porque nosotros éramos así. Todavía soy una persona multi historia, multi países y multi idioma. Éramos buenos por el tipo de propuesta, de mezcla entre culturas e historias. En mi casa de París había fotos de Carlos Gardel en la pared y los exiliados chilenos escuchaban a grupos como Quilapayún e Inti Illimani, mientras que a nosotros nos voló la cabeza el rock y el movimiento punk y nos gustaba algunas cosas del jazz como Miles Davis, así que nos salió naturalmente esa cosa medio punk-folklórica-latino-electrónica. Esa mezcla todavía la mantengo y me reivindico no como punk, sino que como punkie. Sigo sin saber leer ni escribir música. Tengo experiencia para cantar y lo mío es la canción simple”.
 
Decididos a armar una banda igual de furiosa y comprometida que The Clash, de quienes heredaron gran parte de la dureza del estilo y el espíritu intransablemente comprometido con la rebeldía juvenil, Corazón Rebelde grabó en 1983 un primer maxi-single compuesto por las canciones “Adónde Van/ Barcelona” (DRO, 1983), con el que pudieron conseguir tocatas en clubes nocturnos de París y en establecimientos donde se juntaban algunos chilenos desterrados.
 
Si bien Cacho Vásquez y sus hermanos habían pasado toda su juventud en Francia, decidieron cantar todas sus letras en castellano, en las cuales se aludía continuamente a Chile y su situación social y político en curso. Las canciones “Adónde van”, “Santiago”, “Desaparecidos” y “Valparaíso”, por ejemplo, aludían al golpe militar, los detenidos-desaparecidos y el exilio, mientras que “Tíos de acero” hablaba de cómo la marginación social destruía progresivamente la infancia (“Y los niños en las calles juegan a vivir”, decía una parte de la letra). Otros temas, como “Radio Bemba” y “Barcelona”, en tanto, se referían a temas más lúdicos o insólitas y divertidas situaciones (“Francisco Franco y el Che Guevara sentados en un bar se venden… por igual”, cantaban en esta última). “Había una rabia inconsciente que queríamos escupir. Rescatábamos lo que éramos en cada una de nuestras canciones, pero asumido desde una perspectiva viva. El rock era nuestro elemento mediador y nuestra auténtica motivación”, explicó el mismo Cacho Vásquez, compositor y vocalista de Corazón Rebelde, banda que, según la prensa francesa, formaba parte del movimiento musical conocido como “rock del exilio”.
 
Un sello independiente europeo financió la grabación del primer disco de Corazón Rebelde, «Corazón Rebelde» (DRO, 1984 -en España- y Mino Music, 1985 -en Francia), un notable trabajo que incluía 10 canciones (“Radio Bemba”, “Tíos de acero”, “La muerte (García Lorca)”, “Desaparecidos”, “Valparaíso”, “Barcelona”; “Santiago”, “El ejército del Ebro (Tradicional)”, “Adónde van” y “Muñeca”) y que se editó en Francia en 1985. Este disco debut, que contó con la producción del músico uruguayo Carlos “Pájaro” Canzani, colaborador de Los Jaivas, llegó ese mismo año a manos de Ricardo García, fundador del sello chileno Alerce, quien decidió editarlo en un cassette. Este cassette tuvo un impacto limitado, sobre todo por la situación política reinante en Chile (léase gobierno militar en el poder) y porque Corazón Rebelde nunca visitó Chile para presentarlo, pero se popularizó sobre todo en el ámbito universitario y por el famoso sistema “de boca a boca”, es decir, la persona que lo compraba se lo recomendaba a alguien más o bien lo hacía escuchar a sus amigos.
 

Corazón Rebelde grabaría posteriormente algunos singles aislados, nuevas versiones de sus temas clásicos y en 1988 un segundo maxi-single en Los Ángeles, California, que incluyó los temas “De quoi je me mele” y “Soledad”, que se transformó en su última publicación antes de la disolución oficial del grupo, ocurrida ese mismo año. En 1995 Corazón Rebelde fueron incluidos en el disco compilatorio del sello Alerce “Rock chileno. Una década: 1985-1995”, con los temas “Santiago” y “Adónde van”.

Después de la disolución de Corazón Rebelde los hermanos Luis Emilio y Rodrigo Vásquez permanecieron en París, dedicados a labores ajenas a la música, mientras que Cacho Vásquez se avecindó en 1997 en Cuba por algunos años y visitó Chile en el 2001 para presentar su primer álbum solista, “Cacho Vásquez”, un trabajo de fusión entre ritmos caribeños y algunos elementos rock. Al año siguiente publicaría un libro autobiográfico con la historia del grupo, junto a su madre, la psicóloga y ensayista Ana Vásquez.

Fuente: Guioteca / Discogs

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Radio Bemba» – 4:36
  2. «La Muerte» (García Lorca) – 4:35
  3. «Desaparecidos» – 3:01
  4. «Tíos de Acero» – 3:38
  5. «Valparaíso» – 4:43
  6. «Barcelona» – 3:57
  7. «Santiago» – 4:06
  8. «El Ejército del Ebro» (Tradicional) – 3:40
  9. «Adónde Van» – 4:14
  10. «Muñeca» – 3:43

Calidad: 128 Kbps


 

 

 


Esclarecidos – Por Amor al Comercio (1987-Reed.1988)

 

[Ciclo de Rock Ibérico]

 

A pesar de estar entre los más vanguardistas y nuevaoleros del Madrid de 1981, Esclarecidos nunca aparecen entre los grupos destacados (por los factores que sean, no necesariamente musicales) de La Movida. Curiosamente, contaban por entonces con buena parte de los ingredientes que caracterizaba a parte de esos grupos: estética postmoderna con colores llamativos y peinados atrevidos, canciones cantadas en castellano sobre cultura urbana, dosis de hedonismo, escapismo y ácida ironía; además, no tocaban demasiado mal. Lo que no era el común denominador de la época, y por si fuera poco, eran de Madrid. “En aquel tiempo nos considerábamos al margen; luego, a posteriori, es cuando nos dimos cuenta de que estábamos integrados. Pero entonces no nos lo planteábamos, son cosas que hemos analizado después, al sernos cuestionado por la prensa, etc.”, comenta Cristina Lliso, cara protagonista de la formación.
 
El grupo lo forman un puñado de personajes un poco curiosos, como tres arquitectos y un economista, un matrimonio, y una pareja de hermanos. “Al principio éramos un grupo de amigos, tocábamos casi sin instrumentos, nos divertía la idea… luego uno se compró una guitarra y nos pareció que ya era todo. Esto era hace cinco años. Improvisábamos en la discoteca del pueblo donde veraneábamos y nos tiraban tomates y todo, era un desastre.”, diría Cristina. En los inicios son Cristina Lliso (voz), Alfonso Pérez (batería y letras), Nacho Lliso (saxofón), Coyan Manzano (bajo) y Fernando Mata (guitarra).
 
Debido a que ningún sello discográfico se interesa por ellos, deciden crear un sello propio con gente de Décima Víctima. El sello se llama Grabaciones Accidentales SA (GASA) coincidiendo con otra iniciativa similar, la de Discos Radioactivos Organizados (DRO). La primera referencia de GASA será un single de Décima Víctima, la segunda ya será su primer single: “Música Para Convenios Colectivos” (GASA, 1982). Poco después un single de nombre peculiar: “Pánico en la Convención de Farmacéuticos” (GASA, 1982). Como curiosidad añadir que de la misma época es el sencillo “El Silencio de los Cisnes” (GASA, 1982) de El Último Sueño, un grupo post-punk, de los primeros de la escudería de GASA, y que erróneamente se atribuye a Esclarecidos.
 
Al año siguiente publican su primer mini-LP, “Esclarecidos” (GASA, 1983) de siete temas. Producido por Paco Trinidad (ex bajista de Ejecutivos Agresivos), que más adelante entrará a formar parte del grupo en algún que otro periodo de su larga existencia. GASA será absorbida por DRO en 1984, y con el tiempo, llegará a ser el sello de capital español con más fuerza durante buena parte de los 90.
 
El hecho de no depender para vivir de la música hará que hagan las cosas lentamente y cuando realmente les venga en gana. Esto hará que se desmarquen muy pronto de las corrientes musicales del momento… Aunque en el primer disco largo, “Esclarecidos 2” (GASA 1985), de nuevo producido por Paco Trinidad, se perciben claramente las influencias new wave que miran de reojo a Talking Heads, Elvis Costello y Blondie. Aparece una de sus primeras grandes canciones, “Arponera”, donde se inician en las baladas de arquitectura pop majestuosa, de belleza clásica, de magia emotiva e íntima, uno de sus mayores rasgos distintivos.
 

En «Por Amor al Comercio» (GASA 1987), el tercer disco, también producido por Paco Trinidad, ya perfilan un estilo muy propio y personal. Incluye una de sus grandes canciones, “Por amor al comercio”, con una letra de amor diferente a los cánones habituales y una melodía con perfume clásico todavía más inusual. Paco Trinidad entra a formar parte del grupo. Una curiosidad es su portada, con una foto de la cantante, Cristina Lliso, lo que no pasó ni pasará en los otros discos -normalmente ocupa sus portadas una ilustración-. “No existe ninguna intención de ocultarnos, es un invento vuestro. Lo de las portadas sí que es algo deliberado, casi siempre aparecen dibujos, motivos que no tienen nada que ver con la imagen del grupo, salvo en el tercer elepé, que salía la cara de Cristina”.

El grupo cosecha muy buenas críticas entre la prensa especializada. “Si, nos ha tratado maravillosamente. Lo peor que nos han llamado es pedantes. Pero a mi me gustaría saber qué ocurriría si Esclarecidos vendiera de repente quinientas mil copias haciendo el mismo tipo de canciones”. Un sonido que los hará reconocibles tanto para bien como para mal, trufado de medios tiempos, baladas y alguna que otra canción más trotona. Música para entendidos, que dirán algunos, música para snobs que dirán otros, música para yuppies, que dirán los más atrevidos.

Fuentes: Simó Reus en LaFonoteca.net / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «La Carta» – 3:25
  2. «¿Cuál Es la Diferencia?» – 2:35
  3. «Camina Deprisa» – 3:06
  4. «Por Amor al Comercio» – 3:28
  5. «Unas Congas y un Café» – 4:22
  6. «Apostar» – 3:22
  7. «Un Par de Frases» – 3:17
  8. «Señorita, por Favor» – 3:55
  9. «Los Buitres» – 3:00
  10. «Un Agujero en el Cielo» – 3:54
  11. «El Periódico» – 2:00
  12. «Estás Acabado» – 3:53
  13. «Arponera» – 2:50
  14. «Bajo la Nieve» – 3:20
  15. «Miles, Miles, Miles» – 5:33

Calidad: 256 Kbps


 

 

 


The Police – Regatta de Blanc [1979]

[Resubida]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

The Police fue una importante e influyente banda inglesa de rock activa desde finales de la década de 1970 y comienzos de la de 1980. Su estilo musical estuvo marcado por influencias del rock, reggae y jazz. Se formó el año 1977 en Londres, comenzando a intentar abrirse paso en la movida punk. La formación habitual del grupo incluyó a Sting, voz y bajo; Andy Summers, guitarra y coros, y Stewart Copeland, batería y coros. Su debut discográfico se produjo con el single “Fall Out”, canción compuesta por Copeland, la que fue editada en el sello independiente IRS. El tema recogió una relativa resonancia, pero no fue suficiente para el despegue de la banda.

Liderados por Gordon Matthew Sumner, más conocido como Sting (nombre que significa “aguijón” en inglés, y que deriva de un jersey de rugby a rayas amarillas y negras, estilo avispa, que el bajista siempre llevaba puesto en su juventud), Andy Summers en la guitarra y Stewart Copeland como baterista, The Police fue el conjunto británico más exitoso de los 80’s gracias a su impetuoso pop-rock “new wave” enriquecido por algunas dosis de reggae y un talento instrumental y compositivo sublime. Tocaron oficialmente hasta 1986, con un hiato entre marzo de 1984 hasta julio de 1986 y nunca emitieron un comunicado sobre su disolución. La banda ha vendido casi 70 millones de copias por el mundo.

«Reggatta de Blanc» (en castellano, “Reggae de Blancos”) fue el segundo álbum de la banda británica The Police, grabado entre febrero y agosto de 1979 en los Surrey Sound Studios por Nigel Gray, quien también ejerció de productor junto al grupo, y editado en octubre del mismo año por A&M Records. La importancia del álbum radica en que The Police demostró ser una banda integrada por tres músicos de diversas escuelas musicales fusionadas para un fin común. Incluye temas considerados como verdaderas “obras de arte” dentro de la carrera musical del grupo. “Reggatta De Blanc” es considerado uno de los primeros y mejores álbumes new wave de la historia.

Como bien lo indica su título, tiene una fuerte influencia del reggae particularmente expresado en varios temas como “Walking on the Moon”, que luego fue lanzado como sencillo y llegó al primer puesto en la lista de Reino Unido. El disco tiene otro impresionante sencillo que llegó al número uno en la lista británica: “Message in a Bottle”. Otros temas que destacaron fueron: “Reggatta De Blanc” que recibió el premio Grammy en 1981 a mejor interpretación instrumental;​ “Deathwish” emotiva canción new wave; “Bring on the Night”, una canción que trata sobre la ejecución de Gary Gilmore. Así como, “It’s Alright for You” que muestra plenamente la influencia punk en la música de The Police. Y por último, la candente “The Bed’s Too Big Without You”, impecable fusión de reggae y gran aportación policiaca al mundo del rock.

En cuanto a la estructura y composición de las canciones, es el disco de The Police en donde mejor participan sus tres integrantes de forma equitativa y brillante. Podemos escuchar a un Sting con gran voz y ejecución del bajo; a un Stewart Copeland con una batería mágica, fenomenal y bestial (su mejor trabajo de estudio con la banda) y a un Andy Summers con una guitarra creativa; “atrevida y rockera”, aún más que en el primer álbum (“Outlandos d’Amour”). “Reggatta De Blanc” es catalogado por los seguidores de The Police como el mejor álbum de estudio de la banda. Además, llaman a “Message in a Bottle” como la mejor canción de toda su discografía, siendo además el tema favorito de los propios integrantes del grupo.

El disco fue un éxito comercial al igual que su anterior material, “Outlandos d’Amour”, llegando al primer puesto en listas británicas. Con el tiempo, tanto Stewart Copeland como Andy Summers reconocerían que fue su álbum favorito. En 2003, la revista Rolling Stone lo calificó en el puesto 369 de su lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos. Además, aparece en el libro “1001 Discos Que Hay Que Oír Antes De Morir”.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas escritos y compuestos por Sting, excepto indicados)

  1. «Message in a Bottle» – 4:50
  2. «Reggatta de Blanc» (Stewart Copeland / Sting / Andy Summers) – 3:06
  3. «It’s Alright for You» (Stewart Copeland / Sting) – 3:13
  4. «Bring on the Night» – 4:16
  5. «Deathwish» (Stewart Copeland / Sting / Andy Summers) – 4:13
  6. «Walking on the Moon» – 5:02
  7. «On Any Other Day» (Stewart Copeland) – 2:57
  8. «The Bed’s Too Big Without You» – 4:26
  9. «Contact» (Stewart Copeland) – 2:38
  10. «Does Everyone Stare?» (Stewart Copeland) – 3:52
  11. «No Time This Time» – 3:17

Calidad: FLAC

 

 

 


PVP – Bailio (1987)

[Resubida]

 

[Ciclo de Rock Ibérico]

 

PVP fue un grupo madrileño de punk rock con influencias new wave. El nombre del grupo corresponde a las siglas de Precio de Venta al Público, referencia a la sociedad consumista. Publicaron cuatro LPs, de los cuales el más apreciado y buscado es el primero, “Miedo” (1982). Después del cuarto, publicado en 1987, el grupo desapareció. A menudo fueron denominados “los Clash madrileños”. Nunca alcanzaron un gran éxito comercial, pero sí prestigio entre el público y la prensa especializada.

Formado en 1980 (la época de la famosa movida Madrileña) por cuatro jóvenes madrileños, cuyos nombres, casualmente, comenzaban todos por la letra J (Juanjo Valmorisco era el eje de este grupo junto a José, Jesús y Jorge), lo que hizo que también se les conociera como “las cuatro jotas”, como una cancion de su segundo álbum.

PVP solían ser calificados como los Clash de Castilla por su sonido personalísimo, canciones, directos y sobre todo por su actitud. Pero en PVP había algo más. Su primera maqueta ya contenía el que sería, a la postre, su gran éxito y tema más recordado, ‘El coche de la plas’ que, junto a ‘El último hombre’ y ‘Asalto al tren’ conformaron la primera maqueta del grupo grabada en los estudios Zafiro por mediación de Mariscal Romero.

Su segunda maqueta fue producida por Ramoncín pero, pese a todo ello, su LP “Miedo” lo grabó Belter en 1982, una tarjeta de presentación tan poderosa como maldita. Inexplicablemente no consiguió que la banda pasara a tomar las mismas posiciones de prominencia que otros grupos de la época contemporáneos suyos y peores instrumentistas. Y lo merecía, pues se trataba de un buen disco de punk-rock, con pinceladas de ska. Además uno de sus temas estrella formó parte para todos de la banda sonora habitual de aquellos días, que fue incluido como single ‘El coche de la plas/Descontrol’. Un segundo single aparecía con los temas ‘Miedo/Tacón de cuero’.

Dos años después lo intentarían de nuevo con “Las Reglas del Juego” (21 Records, 1984), con este sello de efímera existencia. El disco empezaba a aproximarse a melodías mas oscuras del estilo de The Lords of the New Church. Fueron memorables sus conciertos a “salivazo y a ostia limpia”. ‘Entre las ruinas’ apareció en formato maxi, con ‘Experiencia con metal’ no incluida en el disco grande. Mas tarde se publicó “Donde se Pierde la Luz” (3 Cipreses/DRO, 1985), un mini-lp con una perspectiva ya mucho mas próxima a los oscurantistas patrones del after-punk, entonces tan en boga. De este disco se extrajeron los singles ‘Un, dos ¡Muévanse!’ y ‘Dioses en las sábanas/Oh Fabrice’.

«Bailio» es el cuarto y último lp de PVP, editado en 1987 por la discográfica Virgin, con producción de Teddy Bautista y Javier Carrasco. El disco pasó sin pena ni gloria por culpa de un teclista maldito que, confabulado con un mediocre productor, consiguió que no se escucharan ni la voz ni el resto de los instrumentos, y al poco tiempo el grupo se separa. Como sencillos vieron la luz ‘Vicio/No tengo prisa’ y ‘Baja de la hamaca/No tengo prisa’. ‘No tengo prisa’ no aparece en el Lp.

Fuente: Wikipedia / Nueva Ola 80 / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «¡Baja de la Hamaca!» – 3:02
  2. «Cris y Juan» – 3:20
  3. «Montaña Rusa» – 3:24
  4. «No Hay Razón» – 2:36
  5. «Te Vi» – 4:21
  6. «Condenado» – 2:36
  7. «El Soldado» – 3:42
  8. «Vicio» – 3:43
  9. «Días… Noches» – 3:24
  10. «Jugando con Fuego» – 2:55

Calidad: 160-192 Kbps

 

Gracias al blog Sangrespañola por este archivo.

 

 

 


PVP – ¡Baja de la Hamaca! [Maxi] (1987)

[Resubida]

 

[Ciclo de Rock Ibérico]

 

PVP fue un grupo madrileño de punk rock con influencias new wave. El nombre del grupo corresponde a las siglas de Precio de Venta al Público, referencia a la sociedad consumista. Publicaron cuatro LPs, de los cuales el más apreciado y buscado es el primero, “Miedo” (1982). Después del cuarto, publicado en 1987, el grupo desapareció. A menudo fueron denominados “los Clash madrileños”. Nunca alcanzaron un gran éxito comercial, pero sí prestigio entre el público y la prensa especializada.

Formado en 1980 (la época de la famosa movida Madrileña) por cuatro jóvenes madrileños, cuyos nombres, casualmente, comenzaban todos por la letra J (Juanjo Valmorisco era el eje de este grupo junto a José, Jesús y Jorge), lo que hizo que también se les conociera como “las cuatro jotas”, como una cancion de su segundo álbum.

El maxi-single «¡Baja de la Hamaca!», extraído del cuarto lp de PVP “Bailio”, incluía el tema que le da título en dos versiones, la del disco y una versión larga realizada para este lanzamiento, además de una canción no incluída en el lp, “No Tengo Prisa”. Fue editado en 1987 por la discográfica Virgin, con producción de Teddy Bautista y Javier Carrasco.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «¡Baja de la Hamaca! (Versión Larga)» – 5:52
  2. «¡Baja de la Hamaca!» – 3:09
  3. «No Tengo Prisa» – 2:56

Calidad: 192 Kbps

 

Gracias al blog Sangrespañola por este archivo.

 

 

 


PVP – Donde se Pierde la Luz [MiniLP] (1985)

[Resubida]

 

[Ciclo de Rock Ibérico]

 

PVP fue un grupo madrileño de punk rock con influencias new wave. El nombre del grupo corresponde a las siglas de Precio de Venta al Público, referencia a la sociedad consumista. Publicaron cuatro LPs, de los cuales el más apreciado y buscado es el primero, “Miedo” (1982). Después del cuarto, publicado en 1987, el grupo desapareció. A menudo fueron denominados “los Clash madrileños”. Nunca alcanzaron un gran éxito comercial, pero sí prestigio entre el público y la prensa especializada.

Formado en 1980 (la época de la famosa movida Madrileña) por cuatro jóvenes madrileños, cuyos nombres, casualmente, comenzaban todos por la letra J (Juanjo Valmorisco era el eje de este grupo junto a José, Jesús y Jorge), lo que hizo que también se les conociera como “las cuatro jotas”, como una cancion de su segundo álbum.

Contratados por el sello DRO-Tres Cipreses, que para 1985 se había convertido en una fuerza mayor de la industria discográfica española, PVP grabaron en ese año un tercer trabajo, en este caso un miniLP que se tituló «Donde se Pierde la Luz» y salió en otoño de 1985. El álbum fue grabado y mezclado en los estudios Doublewtronics en agosto de 1985, con Jesús N. Gómez como ingeniero y productor. La portada, por la iluminación y la indumentaria con que aparecía retratado el grupo, sugería que se trataba de un grupo de funk comercial al estilo de mediados de los años 1980. El diseño de carpeta fue obra de Ernesto Pedalino y Manolo Valmorisco.

Dos sencillos se extrajeron del disco: “Dioses en las Sábanas» (en cuya portada el grupo presenta, a cambio, una imagen parecida a los Clash de “Sandinista!”) y “Un, dos… muévanse!”. A diferencia de los dos primeros álbumes, las críticas recibidas no fueron positivas en esta ocasión. La reseña de Ruta 66, fue especialmente dura, salvando únicamente la canción “Dioses en las Sábanas”, cuyo estilo recuerda, según el crítico (L. Montes), a The Psychedelic Furs.​ Con similar criterio, la web NacionalPop.com describía en los años 2000 el contenido de este disco como “un resultado bastante flojo y un poco infame”.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «1,2… Muévanse» – 3:39
  2. «Oh, Fabrice!» – 2:48
  3. «Sí o No?» – 3:18
  4. «Todo el Mundo Quiere Más» – 3:13
  5. «Ven con Cuidado» – 3:11
  6. «Dioses en las Sábanas» – 3:21

Calidad: 192 Kbps

 

Gracias al blog Sangrespañola por este archivo.

 

 

 


The Stranglers ‎– Paradise (Maxi) [1983]

[Resubida 2ª]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

The Stranglers es una banda de rock del Reino Unido formada en 1974 originalmente con el nombre de “The Guildford Stranglers” y se les considera como una de las precursoras del punk, pero más por sus actitudes que por la similitud musical, ya que han explorado multitud de estilos. La banda dio sus primeros pasos en los circuitos de pub rock y finalmente alcanzó la categoría de grupo de mainstream con un notable éxito comercial, especialmente en el Reino Unido y el resto de Europa. En aquél han conseguido que 17 de sus álbumes y 23 de sus sencillos hayan entrado en las listas del Top 40.

El grupo comienza su carrera con el nombre de Guildford Stranglers en Chiddington, una localidad cercana a Guildford (condado de Surrey, Inglaterra) en 1974, con Brian Duffy, nombre real de Jet Black, batería de la banda, el cantante y guitarrista Hugh Cornwell, el bajista y también vocalista Jean Jacques Burnel, y el guitarrista, teclista y cantante Hans Wärmling, los miembros de la primera formación, aunque este último, procedente de Suecia, fue pronto reemplazado en los teclados por Dave Greenfield y regresó a su país tras abandonar el grupo.

En diciembre de 1976 United Artists les ofreció 40.000 libras esterlinas por un contrato en exclusiva. Stranglers aceptaron y en febrero de 1977 grababan su primer single, titulado ‘(Get a) Grip (on yourself)’, que llegó al número 4 de las listas de éxitos británicas. Un par de meses después apareció el álbum debut “Rattus Norvegicus”, que fue aclamado por el público. Con estas primeras canciones el grupo supo imponerse. En sus letras se metían con todo: con el punk convencional y con el modo de hacer y de decir las cosas en aquel tiempo. Por ciertas durísimas palabras dirigidas a las mujeres y al feminismo fueron acusados de misoginia. La selecta ideología del grupo se sustentaba sobre una música refinada, rica en matices y en sonoridad, netamente superior a la producción media de aquel período.

El grupo, muy prolífico, editó en septiembre de 1977 (cinco meses después de su debut en larga duración) su segundo álbum, “No More Heroes”, que llegó al segundo puesto de las listas de éxitos, mientras que el single homónimo entró en el Top 10, confirmando su fortuna comercial. En el transcurso de sólo dos años Stranglers habían conquistado un papel relevante en la escena británica, por encima de los demás grupos punk. Sus actuaciones en vivo eran duras, agresivas, descaradas, mientras que sus discos mostraban cada vez un mayor refinamiento.

El tercer álbum, “Black and White” (1978), fue la señal del cambio: en él, los Stranglers, cada vez más distanciados del punk, se muestran originales y autónomos. Dividido en dos caras, una blanca y la otra negra, el álbum es contradictorio: los músicos hurgan en llagas como la xenofobia y el resurgimiento fascista. El disco rozó la cúspide de la lista de éxitos. Tras el álbum en directo “Live (x cert)”, de marzo de 1979, en octubre del mismo año apareció “The Raven”, en el que el viejo sonido del órgano de Greenfield era sustituido por sintetizadores.

En febrero de 1981, publicaron “The Gospel According to The Meninblack”, un álbum-concepto de fuertes sentimientos religiosos. Y en noviembre de ese mismo año apareció “La Folie”, el primero de sus álbumes en el cual se deja sentir el viento del nuevo decenio, los años ochenta, y que cierra definitivamente su período punk. En este punto Stranglers son una banda de rock a todos los efectos. Los años transcurridos han marcado su evolución hacia una música más tranquila, que encuentra su exaltación en el álbum “Feline” (1982), que contiene el éxito ‘The european female’ y señala su paso a la compañía Epic. Stranglers graba el óptimo “Aural Sculpture” en 1984, que confirmó su tendencia hacia un sonido compacto con canciones pegadizas, pero sin caer nunca en lo banal.

El maxi «Paradise» es el tercer corta duración extraído del álbum “Feline” de la banda inglesa The Stranglers, grabado y producido por Steve Churchyard y el propio grupo en ICP Studios de Bruselas (Bélgica) en diciembre de 1982, y editado en julio de 1983 por el sello discográfico Epic. Los dos temas de la cara B no aparecían en el disco original, aunque sí fueron incorporadas en la reedición en CD de 2001.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas de The Stranglers)
 

  1. «Paradise» – 3:49
  2. «Pãwshēr» – 4:55
  3. «Permission» – 4:52

Calidad: 200 Kbps

 

 

Gracias al compañero 240 por este archivo.