Entre 1971 y 1973 Mike Oldfield comenzó a ordenar las ideas musicales que bullían en su cabeza. Usando una grabadora de cuatro pistas que le prestó Kevin Ayers, dos pistas en un sentido y las otras dos en el otro, descubrió que si cubría el cabezal de borrado con un trocito de cartón podía grabar en cuatro pistas. De esta forma podría empezar a grabar las ideas necesarias para realizar su gran proyecto: crear una sinfonía, similar a las composiciones de gran escala para orquesta con diferentes movimientos que se podían encontrar en muchas obras de música clásica, pero utilizando para ello instrumentos de toda índole, sobre todo pertenecientes al mundo del pop-rock. Se ha mencionado que la Quinta Sinfonía de Jean Sibelius le influyó profundamente por aquel entonces.
Con la grabadora prestada se metió en el dormitorio de la casa que compartía con los otros miembros del grupo (Kevin Ayers & The Whole World), y las ideas para su nuevo trabajo empezaron lentamente a tomar forma. Ya metido en faena, Mike se decidió a tocar todos los instrumentos él mismo, y pensó que no le sería difícil con su don natural para la música el poder dominar casi cualquier instrumento; desde el xilófono al piano de cola, la guitarra clásica, el órgano Farfisa… Mientras aún trabajaba con Kevin Ayers, ayudaba también en las grabaciones que se hacían en los famosos estudios Abbey Road de Londres, donde tuvo la oportunidad de compartir algunas conversaciones con The Beatles. Pronto descubrió que el estudio tenía un almacén repleto de todo tipo de instrumentos, algunos de los cuales pertenecían al cuarteto de Liverpool, así que se las arreglaba para llegar más temprano y, mientras los demás usuarios del estudio llegaban, él experimentaba con esos instrumentos e incorporaba nuevos sonidos y texturas a su proyecto. Ensimismado en un trabajo que sabía iba a ser revolucionario, se propuso plasmar en él todas las profundas emociones que estaba experimentando como explorador de un campo musical virgen. La obra que estaba componiendo sería, además, un trabajo que se convertiría gradualmente en el vehículo para descargar sus emociones más profundas, y con las que más le estaba costando vivir.
Después de crear una primera maqueta, empezó a recorrer todas las discográficas tratando de convencer a alguien para que apoyase su proyecto. Por toda respuesta obtuvo negativas de las discográficas, que argumentaban que aquello «no era comercial» y que, si en algún caso llegaba a editarse, nadie lo compraría; obviamente, eso le había pasado por poner su fe en aquella poco trabajada maqueta. Tras haber compuesto la hipnótica introducción (la melodía más emblemática de su primera obra), seguiría acordándose de aquello: ¡si tan solo pudiese grabarlo, editarlo y promocionarlo!
El cuarto álbum de estudio de Mike Oldfield, «Incantations», fue producido por Mike Oldfield y publicado por Virgin Records el 24 de noviembre de 1978. Se trata de un álbum doble grabado en Througham Slam, Inglaterra, entre diciembre de 1977 y septiembre de 1978. Durante la composición de «Incantations», Oldfield se inspiró en poemas acerca de Hiawatha, por Henry Wordsworth Longfellow, y Diana, por Ben Johnson, y leyendas celtas. El resultado es un álbum donde se fusiona rock progresivo con música celta y percusión africana, en un estilo cercano al New Age. Entre los músicos de sesión se encuentran Mike Laird, Pierre Moerlen y Sally Oldfield. «Incantations» llegó al puesto 14 en el Reino Unido durante 14 semanas.
La portada fue nuevamente realizada por Trevor Key. La playa de la fotografía de portada es Cala Pregonda, en Menorca. La funda actual del CD tiene un tipo de letra diferente al de la ilustración del LP original. Las primeras copias del álbum venían con un póster que mostraba una fotografía sutilmente diferente de la utilizada en la portada.
En 2000, Virgin Records reeditó «Incantations» en versión remasterizada para la colección «Mike Oldfield Remasters». En 2011, Universal reeditó el álbum en un solo CD con el single «Guilty», como bonus track. La reedición de 2011 del álbum recibió nuevas ilustraciones, mostrando una nueva fotografía de la misma formación rocosa y ninguna imagen de Oldfield. La Edición Deluxe contenía el disco de la edición estándar, así como un segundo disco que contiene singles y otras piezas más pequeñas, y un DVD con mezclas 5.1, vídeos promocionales y una versión en vivo del álbum.
Mayo de 1983 fue el décimo aniversario del lanzamiento de «Tubular Bells», en el que Virgin volvió a anunciar que sus ventas continuaban subiendo y que se preveía la posibilidad de hacer una «continuación» de aquel álbum, a los 10 años de haberse publicado, algo que a la postre, quedó desmentido por el propio artista. Mike Oldfield editó su octavo álbum, «Crises», y tocó un gran concierto en julio en el estadio londinense de Wembley. Los músicos que lo acompañaron en este evento incluían al batería Simon Phillips (quien tocara en Roxy Music) y a Phil Spalding, el bajista de Toyah.
«Crises» fue grabado entre noviembre de 1982 y abril de 1983 en la localidad inglesa de Denham, y sería el primer disco hecho con Simon Phillips como coproductor, siendo editado por Virgin en mayo de 1983. Sus vocalistas fueron Jon Anderson de Yes y Roger Chapman de Family (en «Shadow on the Wall»), así como la imprescindible Maggie Reilly. La pista más destacada fue «Moonlight Shadow», cantada por Maggie Reilly, que fue entendida por todos como un tributo al por aquel entonces recientemente fallecido John Lennon, y que se convirtió en el single de más éxito de Mike desde que se editara «Portsmouth» siete años antes. El tema que da nombre al disco comienza con una dulce melodía similar al inicio de «Tubular Bells», continuando con una parte blusera seguida de ácidas guitarras, con Mike gritando «Crises, crises… you can’t get away». Después, una parte mucho más fresca, seguida de una hermosa transición a base de guitarras y sintetizadores y un final apoteósico sustentado en la percusión.
«Moonligth Shadow» fue un éxito enorme (x3 platino en España y ×5 platino en Alemania), siendo una de las canciones representativas de 1983 y de la década de los 80 en general. Incluso, la voz de Maggie Reilly, fue tan determinante, que casi todo el mundo consideraba que eran la «misma persona», bajo el seudónimo de Mike Olfield. «Moonlight Shadow» se convirtió en la canción por excelencia de Mike Oldfield. Virgin aprovechó la promoción y la popularidad obtenida por el álbum «Crises», para anunciar que se celebraba los 10 años del mítico «Tubular Bells» y que se superaban los 16 millones de copias vendidas.
El ingeniero de grabación fue Nigel Luby y el arte de tapa fue de Terry Ilott. El álbum fue número 1 en Suecia, Alemania y Noruega, número 2 en Austria y Holanda, número 5 en Suiza y número 6 en Reino Unido y Nueva Zelanda. Se lanzaron como sencillos los temas «Mistake» (no incluido en el álbum original), «Moonlight Shadow» (puesto 4 en el Reino Unido y número 1 en el resto de Europa), «Shadow on the Wall» e «In High Places». En 2000, Virgin Records reeditó «Crises» para «Mike Oldfield Remastered» y en 2013, Mercury publicó una versión remasterizada de dicho álbum que incluía «Mistake», publicado en agosto de 1982; el single «Jungle Gardenia» – «Crimes of Passion», este último cantado por Barry Palmer y editado en enero de 1984, y versiones de «Moonlight Shadow» y «Shadow on the Wall» como bonus tracks. Este archivo corresponde a esta última reedición.
Fuente: Wikipedia
Lista de canciones:
«Crises» – 20:57
«Moonlight Shadow» – 3:38
«In High Places» – 3:33
«Foreign Affair» – 3:53
«Taurus 3» – 2:25
«Shadow on the Wall» – 3:10
«Moonlight Shadow (Unplugged Mix)» – 3:35
«Shadow on the Wall (Unplugged Mix)» – 3:21
«Mistake» – 2:56
«Crime of Passion (Extended Version)» – 4:10
«Jungle Gardenia» – 2:46
«Moonlight Shadow (12 Inch Single Version)» – 5:15
«Shadow on the Wall (12 Inch Single Version)» – 5:09
«Tubular Bells II» es el decimoquinto álbum de Mike Oldfield, grabado en Los Ángeles en 1992, con producción de Trevor Horn, y editado con su nueva discográfica, Warner Music, en agosto del mismo año. El álbum se concibió como una secuela del disco Tubular Bells de 1973. A este le siguió Tubular Bells III en 1998.
La discográfica Virgin Records había estado presionando durante varios años a Oldfield para que publicara una secuela de «Tubular Bells» antes de que terminara su contrato con ellos, pero Oldfield estaba dudando si hacerlo o no. A pesar de todo, el penúltimo disco que hizo con Virgin, «Amarok», fue más o menos una secuela conceptual de su disco de 1976 «Ommadawn».
Para «Tubular Bells II», Oldfield contó con la ayuda de Tom Newman, que también le había ayudado con el original y con Trevor Horn. «Early Stages» es una primera versión de lo que más tarde se convertiría en «Sentinel» se incluyó en la Cara B del single «Sentinel».
«Tubular Bells II» sigue en parte la estructura musical de «Tubular Bells». Se cogieron los temas del original y se recompusieron y se tocaron con más instrumentos. El resultado, un álbum con las mismas variaciones temáticas pero musicalmente nuevo. De hecho, muchos temas se pueden considerar como variaciones de temas de «Tubular Bells», mientras que otros no tienen mucho que ver salvo las sensaciones que puedan generar.
Si en «Tubular Bells» encontramos un tema recurrente, es a partir del final de «Sentinel» donde aparece un tema, siendo al final de «The Bell» donde se hace más notable. Y también, al contrario que el tema final de Tubular Bells, «Moonshine» es una composición original de Oldfield.
El actor inglés Alan Rickman, fue el encargado de anunciar los instrumentos al final de la primera mitad. Y en el estreno en Edimburgo el papel lo interpretó John Gordon Sinclair. Algunos de los títulos se cogieron de los relatos cortos de Arthur C. Clarke, incluyendo «Sentinel» y «Sunjammer». Otros títulos pueden hacer referencia a la ciencia ficción o al espacio en general, como por ejemplo «Dark Star» y «Weightless». «Dark Star» es también el título de una película de ciencia ficción de John Carpenter, que salió en 1973, el mismo año de publicación de Tubular Bells.
El álbum vuelve a utilizar el mismo tubo metálico (representando a un tubo de campanas tubulares. Es de color dorado sobre un fondo azul, al contrario que el del anterior disco, en el que la campana es gris sobre un fondo marítimo. Ambas imágenes fueron hechas por Trevor Key. «Tubular Bells II» llegó al puesto 1 en el Reino Unido y al puesto 5 de la lista de álbumes de New Age en 1992.
Evangelos Odysseas Papathanassiou, más conocido como Vangelis, es un afamado tecladista y compositor griego de música electrónica, orquestal, ambient y rock progresivo. Entre sus obras más conocidas destacan las partituras originales para las películas «Carros de Fuego» (ganadora del Oscar a la mejor banda sonora en 1981), «Blade Runner» (1982) y «1492: La conquista del paraíso» (1992).
Su música se caracteriza por el uso de sintetizadores y ocasionalmente instrumentos acústicos para crear atmósferas de sonido envolvente, en un tono generalmente grandioso y solemne. No es sencillo enmarcar su música dentro de un género en concreto, aunque es habitual que se le incluya entre las filas de las llamadas Nuevas Músicas, o de forma más amplia como músico clásico contemporáneo. En cualquier caso, la diversidad y complejidad de la obra contenida en su discografía hace difícil su catalogación como artista puramente New Age, ya que incluso es considerado uno de los pioneros de la vanguardia de la música electrónica nacida a mediados de los años 1970.
Los años ochenta comienzan exitosamente para Vangelis, consiguiendo la estatuilla de la Academia de Hollywood con su banda sonora para «Carros de Fuego» (Chariots of Fire), imponiéndose entre otros a John Williams y su partitura para «En busca del arca perdida». Es interesante mencionar el método que utiliza el griego para musicalizar películas, ya que suele limitarse a improvisar en los teclados mientras visualiza los montajes provisionales que le facilitan los directores siguiendo una técnica de «creación directa». Varios cineastas han comentado su asombro ante la capacidad de Vangelis para crear piezas sobre la marcha que encajen perfectamente con sus escenas.
En 1992, y tras la tibia acogida de «The City» (primer trabajo en el sello East West Records) Vangelis obtiene el espaldarazo necesario para continuar en la cima durante la nueva década. Lo consigue con el gran éxito de su banda sonora para «1492: La conquista del paraíso» (1492: Conquest of Paradise) (de nuevo junto a Ridley Scott, con quien ya había trabajado en «Blade Runner»). El tema central, «Conquest of Paradise», es una de las piezas más conocidas del músico, tanto que John Williams y Klaus Schulze han grabado sus propias versiones de este himno coral.
«1492: Conquest of Paradise» es una banda sonora compuesta por Vangelis para la película de mismo título dirigida por Ridley Scott, grabada en los CTS Studios de Londres y en el estudio propio de Vangelis Epsilon Laboratory de París y editada en 1992 por East West Records, con el propio Vangelis como productor. Contó con la colaboración de diferentes músicos: Bruno Manjarres y Pepe Martinez (guitarra acústica y voz), Didier Malherbe (flauta), Francis Darizcuren (mandolina) y el coro The English Chamber Choir. Las fotografías del film son obra de David Appleby y las interiores de Vangelis fueron tomadas por Sheila Rock.
La celebridad de «Conquest of Paradise» alcanza con rapidez el mundo de la publicidad, como había ocurrido en innumerables ocasiones con la música de Vangelis, siendo adoptado este tema por el boxeador Henry Maske para sus propias campañas de imagen.
Fuente: Wikipedia / Zonde
Lista de canciones:
(Todos los temas compuestos por Vangelis)
«Opening» – 1:21
«Conquest of Paradise» – 4:30
«Monastery of La Rabida» – 3:24
«City of Isabel» – 2:08
«Light and Shadow» – 3:31
«Deliverance» – 3:20
«West Across the Ocean Sea» – 2:44
«Eternity» – 1:53
«Hispanola» – 4:39
«Moxica and the Horse» – 6:42
«Twenty Eighth Parallel» – 4:47
«Pinta, Nina, Santa Maria (Into Eternity)» – 12:37
Evangelos Odysseas Papathanassiou, más conocido como Vangelis, es un afamado tecladista y compositor griego de música electrónica, orquestal, ambient y rock progresivo. Entre sus obras más conocidas destacan las partituras originales para las películas «Carros de Fuego» (ganadora del Oscar a la mejor banda sonora en 1981), «Blade Runner» (1982) y «1492: La conquista del paraíso» (1992).
Su música se caracteriza por el uso de sintetizadores y ocasionalmente instrumentos acústicos para crear atmósferas de sonido envolvente, en un tono generalmente grandioso y solemne. No es sencillo enmarcar su música dentro de un género en concreto, aunque es habitual que se le incluya entre las filas de las llamadas Nuevas Músicas, o de forma más amplia como músico clásico contemporáneo. En cualquier caso, la diversidad y complejidad de la obra contenida en su discografía hace difícil su catalogación como artista puramente New Age, ya que incluso es considerado uno de los pioneros de la vanguardia de la música electrónica nacida a mediados de los años 1970.
Los años ochenta comienzan exitosamente para Vangelis, consiguiendo la estatuilla de la Academia de Hollywood con su banda sonora para «Carros de Fuego» (Chariots of Fire), imponiéndose entre otros a John Williams y su partitura para «En busca del arca perdida». Es interesante mencionar el método que utiliza el griego para musicalizar películas, ya que suele limitarse a improvisar en los teclados mientras visualiza los montajes provisionales que le facilitan los directores siguiendo una técnica de «creación directa». Varios cineastas han comentado su asombro ante la capacidad de Vangelis para crear piezas sobre la marcha que encajen perfectamente con sus escenas.
Aunque algunos de sus trabajos más conocidos pertenecen al mundo de la música de cine y televisión, Vangelis ha logrado reconocimiento tanto por sus bandas sonoras como por sus discos de estudio. Entre sus obras se encuentran, además, varias creaciones para obras de teatro: «Elektra» (1983), «Medea» (1992), «Las Troyanas» (2001), «The Tempest» (2002). También ha compuesto para ballet: «R. B. Sque» (1983), «Frankenstein: Modern Prometheus» (1985) y «The Beauty and the Beast» (1986).
Ha desarrollado una carrera paralela como pintor, y ha realizado varias exposiciones internacionales. Su aporte a diversos proyectos de interés cultural le han afianzado como una personalidad de considerable peso mediático, especialmente en Grecia. En su honor, la Unión Astronómica Internacional dio su nombre a un asteroide, el (6354) Vangelis.
«Spiral» es el décimo álbum de estudio de Vangelis, grabado en los Nemo Studios de Londres, con Keith Spencer-Allen como ingeniero, asistido por Marlis Duncklau, y editado en 1977 por la discográfica RCA, con el propio Vangelis como productor. El diseño de la cubierta del LP estuvo a cargo del propio artista. El LP fue reeditado en formato CD en numerosas ocasiones, siendo este archivo perteneciente a la reedición que RCA realizó en dicho formato en 1993 para Canadá.
El álbum es completamente instrumental, salvo la voz procesada de Vangelis en «Ballad» (una de las pocas ocasiones en las cuales su voz aparece en uno de sus álbumes). Vangelis toca el sintetizador, el secuenciador, el piano eléctrico, las baterías y la percusión. Es el primer disco en el que Vangelis usa el sintetizador Yamaha CS-80, el cual sería ampliamente utilizado en trabajos posteriores. Spiral es un álbum con sonido futurístico. Vangelis hace un uso intensivo de la más avanzada tecnología de sintetizadores de ese momento, siendo su trabajo con la mayor utilización de secuenciadores de toda su carrera. Cada pieza tiene un estilo distintivo que las hace únicas.
Fuente: Wikipedia / Zonde
Lista de canciones:
(Todos los temas compuestos e interpretados por Vangelis)
La formación de Ishinohana estaba formada por Manuel Illán (guitarras), Luis Delgado (guitarras) y Javier Bergia (percusiones). Un proyecto nacido para experimentar e improvisar cuyo resultado dejó el suficiente buen sabor de boca para aventurarse a publicar este disco. Se publicó en el sello “El Cometa de Madrid” de Luis Delgado, que junto con otros exquisitos lanzamientos aparecieron en una copias de vinilo de altísima calidad “DDM”, directa de master. El disco se tituló «La Flor de Piedra», que es la traducción del japonés del nombre del proyecto: Ishinohana.
Sólo por «Delta» la compra del vinilo ya merecía la pena; aunque el nivel del resto de instrumentales es excelente. «Delta» se basa en una frenética guitarra rítmica (con un toque de delay) a cargo de Manuel Illán acompañada del finísimo trabajo percusivo de Javier Bergia. Juntos van creando el crescendo adecuado para que Luis Delgado haga solos son su guitarra sintetizada. La pieza es pura gloria sónica.
Queda exponer dos soberbias piezas más de distinto tono a la anterior. Por un lado «Lucía» precioso trozo de cielo encantador y por otro lado «Estrellas» un sentido y nostálgico momento, como broche de despedida de la grabación. Una pena que no se pueda encontrar música tan reveladora, sencilla y maravillosa en este mundo que se publican los eructos de Lady Gaga o las espinillas de Justin Bieber.
Por último, queda aclarar que Ishinohana publicaron 3 discos más, pero sin Manuel Illán; y aún queda uno en el horno que no está claro si se editará.
Fuente: Mundo Aséptico
Lista de canciones:
(Todos los temas escritos por J. Bergia, L. Delgado y M. Illán, excepto 1: Luis Delgado, Misato Fudo, Rie Yoshi)
Mike Oldfield se sacó su licencia de piloto en 1979 y, un accidente un año después, le inspiró para hacer la canción que da título a su séptimo álbum, «Five Miles Out» de 1982. En agosto de 1980, Mike iba pilotando un Piper PA-31 Navajo bimotor sobre los Pirineos cuando se metió en una tormenta. «Fuimos lanzados como una tortita de harina, había hielo acumulándose en las hélices y lluvia en el parabrisas, y todo el mundo gritó ¡aaargh!», dijo en una entrevista. Aquel incidente sería conmemorado con una pintura encargada especialmente por Mike a un renombrado pintor de cuadros de aviones.
Gran parte del álbum fue grabado en el estudio instalado en la casa de Mike en Buckinghamshire entre septiembre de 1981 y enero de 1982. La casa fue elegida debido a la cercanía a los accesos a Londres y a un pequeño aeropuerto local en el que Mike podría volar con sus aviones. Fue publicado en 1982 por Virgin Records y producido por Oldfield, quien fue asistido por Tom Newman en la producción del tema «Five Miles Out». Mike Oldfield también fue el ingeniero de grabación, aunque fue asistido por Tom Newman en la canción «Five Miles Out» y por Richard Mainwaring en «Mount Teidi», una canción inspirada en el monte español Teide.
Mike Oldfield adoptó para este disco un estilo más cercano al pop rock. Al igual que “Platinum” y “QE2”, “Five Miles Out” combinaba una pista de larga duración con una serie de canciones individuales. La pieza más larga era «Taurus II», que incluía contribuciones del gaitero Paddy Moloney y un grupo de baile de Morris. Entre las canciones estaba «Family Man», con la voz solista de Maggie Reilly. Cuando «Family Man» fue editado como single, estuvo pululando por los puestos más bajos de las listas del Reino Unido. Al año siguiente, paradójicamente, una versión de Daryl Hall & John Oates fue un Top 10 Hit en América. «Family Man» fue un claro ejemplo de lo que Mike había conseguido con su trabajo. «Moonlight Shadow», «Family Man», «Shadow On The Wall», «Five Miles Out» y «Islands» son mucho más que simples canciones pop, pero de nuevo todas éstas hacen uso de un cambio dinámico y de textura.
El álbum incluyó, además, «Orabidoo», el cual incluye un fragmento dirigido por Young and Innocent, de Alfred Hitchcock, y «Five Miles Out», basado en un incidente aéreo ocurrido durante una breve gira española promocionando el álbum QE2 y en el cual Mike Oldfield casi pierde su vida. La carátula del álbum fue realizada por el piloto y pintor Gerald Coulson y refleja dicho incidente.
“Five Miles Out” fue el mayor éxito de Mike en el Reino Unido desde “Ommadawn”, y ello a pesar de que las críticas fueron desfavorables. Un crítico dijo que «Oldfield seguía tonteando consigo mismo sin ton ni son». “Five Miles Out” llegó al puesto 164 de los 200 álbumes más importantes en los Estados Unidos de Norteamérica, según Billboard, en 1982. En 2000, Virgin Records reeditó el álbum para la colección «Mike Oldfield Remastered», y en 2013, Universal reeditó dicho álbum en una versión remasterizada que incluía dos bonus tracks: el single «Waldberg (The Peak)», publicado en agosto de 1982 e incluido en «The Complete Mike Oldfield» en 1985, y el demo de «Five Miles Out», además de un segundo CD que incluía ocho canciones inéditas registradas en Colonia durante la gira de promoción de diciembre de 1982, y un DVD. Algunos de los músicos de sesión fueron Maggie Reilly, Morris Pert, Tim Cross, Carl Palmer y Graham Broad.
Según Mike Oldfield en su autobiografía, el término Five Miles Out («Cinco Millas de Distancia») es utilizado por pilotos para comunicar que están aproximándose a un aeropuerto.
Tras dos años saboreando el éxito de “Tubular Bells II”, a finales de 1994 Mike volvió a sorprender a sus fans con algo que sería un verdadero desafío para ciertas sensibilidades. Se presentaba un disco casi totalmente hecho con sintetizadores, loops y cajas de ritmos; es decir, música electrónica. Los que amaban la sencillez y el sabor acústico de obras como “Hergest Ridge” u “Ommadawn” con este disco se llevaron una total decepción. Otros, por el contrario, lo alabaron como uno de sus mejores discos. El disco llevaba por título «The Songs of Distant Earth» (Warner Bros. Records, 1994) y era una sinfonía electrónica evocada por la lectura del libro homónimo de Arthur C. Clarke, el mismo autor de «2001: Una odisea en el espacio», novelización de la película favorita de Mike. Dicho libro comienza con el fin del Sistema Solar y trata sobre cómo el ser humano y animal busca un nuevo sitio en el universo donde implantarse como civilización. Aunque el disco está dividido en 17 pistas, los últimos acordes de cada corte enlazan con el siguiente, creando así una auténtica epopeya musical. Destacan, del primer corte, las palabras pronunciadas por el astronauta William Anders a bordo del Apolo 8 extraídas del Génesis, en referencia a la creación del Universo citada en la Biblia. El single comercial de este disco fue el tema Let There Be Light. El vídeoclip ponía de manifiesto el gran interés de Mike Oldfield por el diseño 3D y las nuevas tecnologías, ya que incluía en casi todas sus tomas personajes, lugares o situaciones fantásticas creados por ordenador. Estos efectos fueron pioneros para su época, aunque no se les hizo mucho caso.
Fuente: Wikipedia
Lista de canciones:
(Todos los temas compuestos por Mike Oldfield)
«In the Beginning» – 1:24
«Let There Be Light» – 4:57
«Supernova» – 3:23
«Magellan» – 4:40
«First Landing» – 1:16
«Oceania» – 3:19
«Only Time Will Tell» – 4:26
«Prayer for the Earth» – 2:09
«Lament for Atlantis» – 2:43
«The Chamber» – 1:48
«Hibernaculum» – 3:32
«Tubular World» – 3:22
«The Shining Ones» – 2:59
«Crystal Clear» – 5:42
«The Sunken Forest» – 2:37
«Ascension» – 5:49
«A New Beginning» – 1:37
Calidad: 320 Kbps (a 48000 Hz)
Gracias al amigo3nd3ren el foro hermanoDecade.espor el archivo flac que ripeé a mp3 de máxima calidad.
Evangelos Odysseas Papathanassiou, más conocido como Vangelis, es un afamado tecladista y compositor griego de música electrónica, orquestal, ambient y rock progresivo. Entre sus obras más conocidas destacan las partituras originales para las películas «Carros de fuego» (ganadora del Oscar a la mejor banda sonora en 1981), «Blade Runner» (1982) y «1492: La conquista del paraíso» (1992).
Su música se caracteriza por el uso de sintetizadores y ocasionalmente instrumentos acústicos para crear atmósferas de sonido envolvente, en un tono generalmente grandioso y solemne. No es sencillo enmarcar su música dentro de un género en concreto, aunque es habitual que se le incluya entre las filas de las llamadas Nuevas Músicas, o de forma más amplia como músico clásico contemporáneo. En cualquier caso, la diversidad y complejidad de la obra contenida en su discografía hace difícil su catalogación como artista puramente New Age, ya que incluso es considerado uno de los pioneros de la vanguardia de la música electrónica nacida a mediados de los años 1970.
«Opera Sauvage» es un álbum del músico griego Vangelis, lanzado en 1979 por Polydor Records. Este trabajo fue compuesto como banda de sonido de un documental del mismo nombre acerca de la naturaleza, dirigido por el cineasta francés Frédéric Rossif. El diseño de la cubierta del álbum estuvo a cargo del mismo Vangelis.
Vangelis produjo este álbum durante su período electro-acústico, el cual fue el más productivo de toda su carrera musical. «Opera Sauvage» se acerca mucho más a su sonido clásico que sus anteriores composiciones para documentales de la naturaleza para el mismo director, tales como L’Apocalypse des animaux o La Fête Sauvage. Varios temas de sus trabajos para Rossif fueron reunidos en la recopilación «Sauvage et Beau» de 1996.
Por su estilo calmado, melodioso y climático, las canciones «L’Enfant», «Rêve» e «Hymne» han sido muy ampliamente utilizadas para ambientar documentales con escenas naturales, programas de TV o imágenes varias que requieran darle al cuadro cierta emoción o ambientación.
«Opera Sauvage» llegó al puesto 42 en el Billboard top 200, y permaneció en los rankings por 39 semanas.
Saliendo de los ciclos de Rock Ibérico y Alternativo, también hay otra música destacable que me gustaría reseñar, como es el ejemplo de nuestro viejo amigo Miguel Campoviejo. He aquí una buena muestra.
Michael Gordon Oldfield (Reading, Reino Unido, 15 de mayo de 1953) es un músico, compositor, multiinstrumentista y productor británico. A la edad de 10 años, Mike ya componía piezas instrumentales para guitarra acústica.
En 1996, sale a la luz «Voyager», décimo séptimo álbum de estudio de Oldfield, un disco con el que quiso volver a acercarse a las raíces celtas que tanto influyeron en discos como «Ommadawn» y «Hergest Ridge». El disco, producido por Mike Oldfield y publicado por Warner en 1996, se compone de 9 canciones cortas en las que hace buen uso de la guitarra eléctrica y otros elementos del rock sinfónico tradicional, aunque acompañado por efectos realizados con sintetizador. La última pista es la única composición de más de 10 minutos de la «etapa WEA», y se trata de una composición orquestal. En el disco hay varias versiones de temas tradicionales como «Women of Ireland» y contiene una versión de «O son do ar» («The song of the Sun») de Luar na Lubre.
El álbum fue nominado para los premios Grammy en el año 1998 como mejor álbum de música New Age, compitiendo en esta categoría junto con el disco «Oracle» del entonces fallecido Michael Hedges, ganando este último a título póstumo. También estuvieron nominados en esta categoría «Le Roi Est Mort, Vive Le Roi!» de Enigma, «Oceanic» de Vangelis y «Canyon Lullaby», de Paul Winter. «Voyager» llegó al puesto 10 de los mejores álbumes de música New Age en el Reino Unido en 1997.
Lista de canciones:
«The Song of The Sun» (Bieito Romero) – 4:32
«Celtic Rain» (Mike Oldfield) – 4:40
«The Hero» (Tradicional; arreglos por Mike Oldfield) – 5:01
«Women of Ireland» (Tradicional; arreglos por Mike Oldfield) – 6:27
«The Voyager» (Mike Oldfield) – 4:23
«She Moves Through The Fair» (Tradicional; arreglos por Mike Oldfield) – 4:05
«Dark Island» (Tradicional; arreglos por Mike Oldfield) – 5:43
«Wild Goose Flaps Its Wings» (Mike Oldfield) – 5:03
«Flowers of The Forest» (Tradicional; arreglos por Mike Oldfield) – 6:01
Este espacio incluye contenidos de libre descarga que demandan mucha dedicación y trabajo.
1°.- El ripeo de archivos propios o la búsqueda en la red de una buena versión existente de dichos archivos.
2°.- La aportación de información de interés y calidad sobre los mismos.
3°.- La subida y mantenimiento de éstos en servidores de almacenamiento.
Nada de todo esto me otorga retribución económica alguna: se hace por compartir y por ideales. Me alimento de vuestros comentarios y agradecimientos, bastante escasos.
Por eso, de ahora en adelante, sin comentarios los enlaces van a caer uno tras otro y, determinados archivos ya avisados sobre ello, no serán resubidos.
Sólo resubiré aquello que me gusta personalmente y me olvidaré de otros contenidos que no se soliciten. Los archivos del Ciclo Ibérico serán investigados, y dependerá de su aceptación y comentarios reintegrarlos o no.
Entre 1971 y 1973 Mike Oldfield comenzó a ordenar las ideas musicales que bullían en su cabeza. Usando una grabadora de cuatro pistas que le prestó Kevin Ayers, dos pistas en un sentido y las otras dos en el otro, descubrió que si cubría el cabezal de borrado con un trocito de cartón podía grabar en cuatro pistas. De esta forma podría empezar a grabar las ideas necesarias para realizar su gran proyecto: crear una sinfonía, similar a las composiciones de gran escala para orquesta con diferentes movimientos que se podían encontrar en muchas obras de música clásica, pero utilizando para ello instrumentos de toda índole, sobre todo pertenecientes al mundo del pop-rock. Se ha mencionado que la Quinta Sinfonía de Jean Sibelius le influyó profundamente por aquel entonces.
El cuarto álbum de estudio de Mike Oldfield, «Incantations», fue producido por Mike Oldfield y publicado por Virgin Records el 24 de noviembre de 1978. Se trata de un álbum doble grabado en Througham Slam, Inglaterra, entre diciembre de 1977 y septiembre de 1978. Durante la composición de «Incantations», Oldfield se inspiró en poemas acerca de Hiawatha, por Henry Wordsworth Longfellow, y Diana, por Ben Johnson, y leyendas celtas. El resultado es un álbum donde se fusiona rock progresivo con música celta y percusión africana, en un estilo cercano al New Age. Entre los músicos de sesión se encuentran Mike Laird, Pierre Moerlen y Sally Oldfield. «Incantations» llegó al puesto 14 en el Reino Unido durante 14 semanas.
“Five Miles Out” fue el mayor éxito de Mike en el Reino Unido desde “Ommadawn”, y ello a pesar de que las críticas fueron desfavorables. Un crítico dijo que «Oldfield seguía tonteando consigo mismo sin ton ni son». “Five Miles Out” llegó al puesto 164 de los 200 álbumes más importantes en los Estados Unidos de Norteamérica, según Billboard, en 1982. En 2000, Virgin Records reeditó el álbum para la colección «Mike Oldfield Remastered», y en 2013, Universal reeditó dicho álbum en una versión remasterizada que incluía dos bonus tracks: el single «Waldberg (The Peak)», publicado en agosto de 1982 e incluido en «The Complete Mike Oldfield» en 1985, y el demo de «Five Miles Out», además de un segundo CD que incluía ocho canciones inéditas registradas en Colonia durante la gira de promoción de diciembre de 1982, y un DVD. Algunos de los músicos de sesión fueron Maggie Reilly, Morris Pert, Tim Cross, Carl Palmer y Graham Broad.
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