Ciclos y Neurastenias en un mundo cruel

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Kortatu – Directo en Berna (Suiza) (1988)

 

[Ciclo de Rock Ibérico]

 

Quizás no sea exagerado decir que Kortatu fue una de las bandas imprescindibles en el panorama del Rock Radical Vasco de los 80. Aunque, como muchos otros grupos, manifestaron no sentirse excesivamente contentos con semejante etiqueta, su incondicional compromiso político con la causa nacionalista vasca, su aparentemente inagotable energía que les llevó a participar con su música casi en cualquier sitio desde el que les llamasen, les convirtieron en uno de los motores de todo aquel movimiento. Así describía Fermín Muguruza, cantante y guitarra del grupo, aquellos días: “..estábamos organizados. Era todo muy punk pero también muy radical. Ahora falta un poco esa (sic) ansia de sentirse libres, entonces no. Estábamos todos los grupos en contacto siempre; pasaba cualquier cosa y estábamos como una piña; en ese sentido también fue un movimiento real”.

El entramado de asociaciones, movilizaciones, gatztetxes, centros sociales llegó a ser de tal densidad que, tal y como describe Roberto Moso, cantante de Zarama y cronista de excepción de aquellos días, en su libro “Flores en la Basura” (Colección Zirkus, 2003), para muchos grupos llegó a ser complicado atender a todas las peticiones que recibían para actuar. Actuaciones que por otro lado suponían, no ya no cobrar nada, sino un desembolso económico por parte de las propias bandas. Llegó incluso un momento en el que casi todos se vieron obligados a tener que elegir entre las diferentes invitaciones recibidas, con los consiguientes problemas que eso acarreaba. Con todo, de algún modo, Kortatu estaba en absolutamente casi todos los lados, se involucraban en todas las protestas. El sentimiento de pertenencia a un movimiento, no sólo musical, sino social, la concepción del punk, no como una mera estética, sino una filosofía y compromiso, están detrás de semejante derroche dinámico. Por algo se les ha denominado en más de una ocasión un fenómeno sociológico.

Componente fundamental y distintiva de la música de Kortatu, fue su impronta política. Su visión personal del panorama en el Euskadi de los 80 constituía la temática, especialmente en sus últimos discos, sobre la que componían sus letras. Se decía de los Clash que bastaba leer la primera página de los periódicos para saber de qué iban a ir sus canciones. Algo similar ocurría con los de Irún. No tuvieron problema alguno en denunciar las muertes de integrantes de ETA a manos de policía nacional o del GAL, criticar pactos de gobierno en el parlamento vasco, burlarse de medidas represivas de los Ministerios del Interior socialistas… Kortatu (como luego haría Fermín en los proyectos que pone en marcha mucho después) lucha rabiosamente, no por convencerte con su mensaje u opinión, sino en disponer de entera libertad para ponerla delante de las narices del que los escucha.

En septiembre de 1986 graban y editan su segundo trabajo, “El Estado de las Cosas” (Soñua, 1986). Tan sólo un mes después de la salida al mercado, Kortatu vuelve de gira por Europa: Suiza, Alemania y Holanda. 1987 no supone ningún respiro para la banda, van a Italia, Francia, de nuevo a Alemania, e incluso a Polonia. Precisamente, como testimonio de esta visita, existe grabación de la entrevista que el grupo concedió a la televisión de dicho pais. En la misma, jugando a “niños terribles”, sobre todo Fermin e Iñigo, ponen en dificultades a la esforzada traductora, que se ve obligada a traducir al polaco alguna que otra barbaridad. Para finalizar y ante los ruegos de los presentadores, los tres terminan cantando el “Eusko Gudariak” y apuntan las primeras frases del “Gure olentzero”, canción de navidad infantil.

Tal y como habían anunciado casi desde sus principios, el grupo afronta la grabación de un disco cantando completamente en euskera. Los hermanos Muguruza no lo hablaban y, para acometer la empresa, tuvieron que dedicar su tiempo a estudiarlo. Con todo, y con alguna ayuda externa, sacan al mercado el tercer larga duración “Kolpez Kolpe” (Oihuka, 1988). En el que para muchos es el mejor disco de la banda, Kortatu depliega un sonido duro, dentro de un amplio espectro de posibilidades que incluyen incluso apuntes de hip-hop, anuncio quizás del que sería el proyecto que los Muguruza desplegaráin en el futuro con Negu Gorriak.

Poco antes de preparar su concierto de despedida, “Azken Guda Dantza” (Oihuka, 1988), el grupo vuelve a salir de gira europea, llevándolos a Francia, Italia, Suiza y Alemania. Precisamente en Berna (Suiza) se registra esta grabación parcial y rudimentaria en un único archivo durante su actuación. El «Directo en Berna (Suiza)» puede no ser el mejor ejemplo de un concierto de Kortatu, pero es un testimonio que atesorar, sobre todo para coleccionistas.

Fermín apuntaba la necesidad de tener total autogestión, pero sobre todo “necesitábamos un descanso de unos cuatro años, habíamos hecho casi trescientos conciertos y encima teníamos un nivel de popularidad altísimo y decidimos parar. Y cada uno se fue por su lado. Todavía hay gente que me pregunta a ver porque nos separamos y yo ya ni me acuerdo. Aunque fueron cuatro años reales, para mí fueron diez, y de ello responde mi cabeza y mi estado físico.”

Pruebas adicionales del tirón que tiene Kortatu por el resto de Europa son las reediciones de LP y sencillos en compañías como Red Rhinos (para el mercado británico), Organik (en Suiza) y Bondage International (para el mercado francés). Kortatu constituyen, en definiitiva, una pieza angular del punk-rock vasco, hasta el punto que se haría duro concebir toda la onda sísmica generada en Euskadi en los años 80 sin su participación. Durante los no más de cuatro años de existencia mostraron una coherencia envidiable con su visión de la sociedad vasca de aquellos años, con la frialdad justa además para terminar cuando y cómo quisieron.

Fuente: TGL en LaFonoteca.net / Zonde

 

 

Lista de canciones:

  1. «After-Boltxebike» (final)
  2. «Oker Nago»
  3. «Etxerat!»
  4. «Equilibrio»
  5. «Mr.Snoid Entre Sus Amigos los Humanos»
  6. «La Línea del Frente» (cortado)
  7. «Gernika 37-87» (cortado)
  8. «Sospechosos»
  9. «A la Calle»
  10. «La Familia Iskariote»
  11. «Desmond Tutu»
  12. «El Estado de las Cosas»
  13. «Aizkolari»
  14. «Jimmy Jazz»
  15. «Makurtu Gabe»
  16. «Hotel Monbar»
  17. «Zu Atrapatu Arte»
  18. «Nicaragua Sandinista»
  19. «Revuelta en el Frenopático»
  20. «Sarri, Sarri» (empezado)
  21. «El Último Ska de Manolo Rastamán»
  22. «Mierda de Ciudad»

Calidad: 320 Kbps

 

 

Gracias al blog La Conquista del Punk por este archivo.

 

 

 


Massacre – 12 Nuevas Patologías [2003]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

Massacre es una banda de rock argentina, pionera en el género denominado skate rock en Latinoamérica. Originalmente llamados Massacre Palestina, se formaron en Buenos Aires en el año 1986. Se conformó por estudiantes secundarios influidos por bandas de la costa oeste estadounidense, que fusionaban hardcore-surf-punk a fines de los setenta y comienzos de los ochenta. Entre sus influencias, se encuentran artistas como T.S.O.L, Dead Kennedys, Black Flag, Nirvana, The Cure, R.E.M., The Ramones, T. Rex, Sumo, Gustavo Cerati, Luis Alberto Spinetta, entre otros.

La primera formación contaba con Francisco Ruiz Ferreyra (Paco) en batería, José Armetta (Topo) en el bajo, Guillermo Cidade (Walas) en guitarra y Richard Serafini en voz. El primer disco homónimo de la banda fue un EP en vinilo, grabado en 1987 bajo el sello Radio Trípoli, que contenía cuatro canciones, hoy una pieza de colección. Junto a la salida del disco filman su primer vídeo del tema “Diferentes Maneras”, en la actualidad absolutamente perdido. La carrera del grupo se desarrolló durante años sobre la base de presentaciones en vivo y largas ausencias, hasta la posibilidad de grabar el primer álbum. Para octubre de 1989 Richard se despide de la formación y Wallas se encarga de las voces, dejando su puesto a Pablo Mondello (alias Pablo M. o El Tordo), ex compañero del secundario, eximio guitarrista y pilar fundamental en la concepción musical del grupo para los tiempos que vendrían. Con esta formación los Massacre recorrerían larga parte de su carrera.

Tras su primer álbum de estudio, “Sol Lucet Omnibus” (1992), se rebautizaron como Massacre, debido al atentado a la embajada de Israel en Argentina, en donde su apelativo “Palestina”, pudiera generar polémica.

Aunque la banda era conocida por su actitud basada en la autogestión durante más de veinte años de carrera, se la consideraba como una de las pocas bandas verdaderamente de culto de la Argentina, hasta la edición de su sexto disco de estudio, titulado “El Mamut” (2007); que alcanzó gran éxito, por lo que la banda alcanzó masividad a nivel popular, no solo en Argentina, sino también en el resto de Latinoamérica.

«12 Nuevas Patologías» es el quinto disco de Massacre, grabado en julio de 2003 en Estudios del Abasto, Buenos Aires, por Gonzalo Villagra y editado ese mismo año por el sello independiente Laika Records.

El álbum contiene doce temas agrupados por diferentes patologías individuales y colectivas, como obsesiones, culpas, fobias, miedos y dudas. En tanto a lo musical, el disco juega con sonidos electrónicos creando una atmósfera y clima de psicodelia. El corte de difusión fue “Querida Eugenia”, que contó con dos videos (uno de estilo documental, en la inauguración del Skate Park en Parque Sarmiento; el segundo, más artístico). También se destacan las canciones “Seguro es por mi culpa” y “Adiós caballo español”.

Charly Carnota, ex RIP y Tintoreros, que venía de la banda neoyorquina Manhattan Heroes, en su vuelta a Buenos Aires reemplazó a Chachi y se hizo cargo de la batería. El disco es denominado de “rock psicológico” o “rock terapéutico”, según entendidos.

 

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Adiós, Caballo Español» – 4:20
  2. «Querida Eugenia» – 3:46
  3. «La Nueva Amenaza» – 5:07
  4. «Heredarán la Tierra» – 5:06
  5. «Seguro Es por Mi Culpa» – 5:30
  6. «Bienvenido al Mundo de los Conflictuaditos» – 2:42
  7. «Ideal para el Invierno» – 4:34
  8. «Sofía, la Super Vedette» – 4:20
  9. «Río Siempre» – 5:04
  10. «Invasión de Aguavivas en Santa Mónica» – 3:33
  11. «Ambas Estatuas» – 7:17
  12. «Gilda Manson» – 9:02

Calidad: M4A

 

 

 


Celtas Cortos – Salida de Emergencia (1989-Reed.1991)

 

[Ciclo de Rock Ibérico]

 

Uno de los grupos más emblemáticos de la escena española, especialmente en el primer lustro de los 90, fue este grupo vallisoletano de raíces folk, el cual sin embargo ya venía forjándose durante toda la década anterior a través de otros proyectos pretéritos. Una parte de la protohistoria de Celtas Cortos se encuentra en Almenara, grupo de folk castellano fundado en 1981 y en cuyas filas militaron, entre otros, Carlos Soto y Jesús Cifuentes. El cambio de nombre del grupo parte de su victoria en un concurso de bandas locales al que se presentaron sin intención de continuar como conjunto. Sin embargo, la victoria les anima a seguir adelante, por lo que participan en un nuevo concurso, esta vez de la Junta de Castilla y León, y de nuevo resultan vencedores, ex aequo con Yedra y Agora. Estas tres bandas graban un álbum conjunto, “Así Es Como Suena” (RNE, 1987), definido por Celtas Cortos como “el disco cero”, con una tirada limitada de 500 copias promocionales.

Llega la hora de volar en solitario. Su primer álbum, «Salida de Emergencia» (Twins, 1989), producido por Juan Ignacio Cuadrado, llama la atención al oyente actual de la banda al tratarse de un disco completamente instrumental. En él encontramos nueve piezas -dos de ellas, “Duendes” y “Riaño Vivo”, pertenecientes a su anterior disco compartido-, la mayoría de origen tradicional, que fusionan la música celta con el rock, muy en boga por aquel entonces y que cuenta con eximios representantes por todo el arco atlántico europeo. Un disco que conserva buena parte de la intención primigenia de la banda y sus antecedentes, pero que poco tiene que ver con el posterior devenir del conjunto.

Bajo el marchamo de rock celta, Celtas Cortos van sumando además otros componentes, entre los que se hace especialmente palpable la influencia de sonidos caribeños -“Duendes”- que se hará habitual en futuras canciones de la banda pucelana. Con todo, varias de estas piezas serán frecuentes en su repertorio, como “El túnel de las delicias”, la que más a menudo ha sido recuperada. De entre las más destacables, sobresalen tanto la inicial como la final, “Salida de emergencia” y “Riaño vivo”, respectivamente, ambas cargadas de un ambiente alegre y festivo.

Entre mediados y finales de los 80, la industria empezó a apostar con fuerza por lo que se dio en denominar con el muy eurocentrista término “músicas del mundo” y sus posibles fusiones. Entre ellas se encontraba la música celta, lo que se tradujo en numerosas compilaciones de artistas, nuevos y consagrados, y en la apertura del mercado a álbumes como éste y por ende el interés del público, lo que finalmente conllevó una buena cifra de ventas para un disco debut e instrumental. Valga decir que, más allá de todo esto, es un gran disco.

Fuente: Andrés Arévalo en LaFonoteca.net
 

 

 

 

 

Lista de canciones:

 

  1. «Salida de Emergencia» – 3:42
  2. «De Río, A Vigo» – 3:24
  3. «Duendes» – 5:31
  4. «Aurora» – 4:25
  5. «El Túnel de las Delicias» – 3:55
  6. «Alabama’s» – 2:51
  7. «Espantapájaros» – 4:38
  8. «Hazte el Sueco» – 3:37
  9. «Riaño Vivo» – 3:45

Calidad: FLAC

 

 

Gracias al compañero Bizio por este archivo.

 

 

 


Los Piojos – Huracanes en Luna Plateada [2002]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

Los Piojos fue una banda argentina de rock formada a fines de 1988 y oriunda de Ciudad Jardín Lomas del Palomar, en el Gran Buenos Aires. De todas las bandas surgidas durante la década de los 90, Los Piojos se erigió como una de las más populares hasta incluso después de su separación, no sólo por su poder de convocatoria y las importantes cifras de ventas en sus álbumes, sino también por una discografía de carácter sólido que fue cada vez haciéndose más personal.

Durante finales de 1989 y principios de 1990 comienzan sus presentaciones en pequeños escenarios del rock porteño y bonaerense tales como el Teatro Arlequines, Graf Zeppelin, Ma Baker y La Plaza del Avión (en Ciudad Jardín) donde Ciro cantó por primera vez. En 1990 el grupo resultó elegido banda revelación por Los Redonditos de Ricota en la encuesta del “Sí!” de Clarín. Los redondos de Ricota habían presenciado varios de los shows del grupo, e incluso el guitarrista Skay subió a acompañarlos en algunas ocasiones.

En 1991 viajaron a Francia, invitados de una organización de los suburbios de París que luchaban contra los skinheads. Tocaron en el Festival Antirracista de Blondy. Aunque lo único gratis seria tocar. Los gastos del viaje corrieron por cuenta propia de Los Piojos que debieron pagar cuotas de 160 dólares para financiarlo. Así lograron compartir el escenario con grupos de Cuba, África, Marruecos, Burkina Faso, Malí, España y Francia. El contacto con Mano Negra fue importante para que la banda abriese la cabeza y entendiera que en la fusión de estilo estaba su futuro musical.

De regreso a Buenos Aires, el sueño del primer disco comenzaba a rondar por sus cabezas. El apoyo por parte de Patricio Rey resultó imprescindible para el grupo, de manera que la “Negra Poly”, manager ricotera, le recomendó al productor Gustavo Gauvry, de DBN, que se acercara a ver un show. Aquella vez, como tantas otras volvió a subir Skay Beilinson al escenario como para que quedase sellado un padrinazgo absoluto sobre los pibes del Palomar. Gauvry se interesó por ellos y enseguida les ofreció la edición y distribución del primer disco de la banda. Entre junio y agosto de 1992 ingresaron por primera vez a un estudio, en Del Cielito Records, estudios de Los Redondos, siendo su primera experiencia en grabaciones de estudio. En ese corto lapso registraron “Chactuchac”, el álbum debut de la banda. El disco fue editado por DBN/Del Cielito Records en agosto de 1992. El título del trabajo se refiere al sonido del tren.

«Huracanes en Luna Plateada» es el segundo álbum en vivo (y séptimo de su producción musical) de la banda Los Piojos, grabado entre junio de 2001 y septiembre de 2002. Con 20 temas registrados en los recitales en el estadio de Huracán (24 de noviembre de 2001), en el Luna Park (19, 20, 21 y 23 de julio de 2002), en el estadio de Gimnasia y Esgrima La Plata (12, 13, 19, 20 y 21 de abril de 2002), en el estadio de Newell’s Old Boys de Rosario (24 de agosto de 2002), en Pajas Blancas Center de Córdoba (14 de junio de 2002), en el Estadio Ruca Che de Neuquén (15 de junio de 2001) y en el Camping Luz y Fuerza de Mendoza (21 de septiembre de 2002).

El álbum es un doble CD producido artísticamente por su cantante Andrés Ciro junto a Ricardo Mollo (Divididos) y editado en noviembre de 2002 por El Farolito Discos.

 

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

 

CD 1:

  1. «María y José»
  2. «Babilonia»
  3. «Ximenita»
  4. «Taxi Boy»
  5. «A Veces»
  6. «Cancheros»
  7. «Yira Yira»
  8. «Muy Despacito»
  9. «Labios de Seda»
  10. «El Rey del Blues» (B. B. King)
  11. «Extraña Soledad»

CD 2:

  1. «Llevatelo»
  2. «Pensar en Nada»
  3. «El Farolito (La Rubia Tarada)»
  4. «Y Qué Más»
  5. «Fijate»
  6. «Morella»
  7. «Genius (El Mendigo del Dock Sud)»
  8. «El Balneario de los Doctores Crotos»
  9. «Little Red Rooster (Zapada)»

Calidad: FLAC

 

 

 


Mike Oldfield – Incantations [Deluxe Edition] (1978-Reed.2011)

 

[Otras Músicas]

 

Entre 1971 y 1973 Mike Oldfield comenzó a ordenar las ideas musicales que bullían en su cabeza. Usando una grabadora de cuatro pistas que le prestó Kevin Ayers, dos pistas en un sentido y las otras dos en el otro, descubrió que si cubría el cabezal de borrado con un trocito de cartón podía grabar en cuatro pistas. De esta forma podría empezar a grabar las ideas necesarias para realizar su gran proyecto: crear una sinfonía, similar a las composiciones de gran escala para orquesta con diferentes movimientos que se podían encontrar en muchas obras de música clásica, pero utilizando para ello instrumentos de toda índole, sobre todo pertenecientes al mundo del pop-rock. Se ha mencionado que la Quinta Sinfonía de Jean Sibelius le influyó profundamente por aquel entonces.

Con la grabadora prestada se metió en el dormitorio de la casa que compartía con los otros miembros del grupo (Kevin Ayers & The Whole World), y las ideas para su nuevo trabajo empezaron lentamente a tomar forma. Ya metido en faena, Mike se decidió a tocar todos los instrumentos él mismo, y pensó que no le sería difícil con su don natural para la música el poder dominar casi cualquier instrumento; desde el xilófono al piano de cola, la guitarra clásica, el órgano Farfisa… Mientras aún trabajaba con Kevin Ayers, ayudaba también en las grabaciones que se hacían en los famosos estudios Abbey Road de Londres, donde tuvo la oportunidad de compartir algunas conversaciones con The Beatles. Pronto descubrió que el estudio tenía un almacén repleto de todo tipo de instrumentos, algunos de los cuales pertenecían al cuarteto de Liverpool, así que se las arreglaba para llegar más temprano y, mientras los demás usuarios del estudio llegaban, él experimentaba con esos instrumentos e incorporaba nuevos sonidos y texturas a su proyecto. Ensimismado en un trabajo que sabía iba a ser revolucionario, se propuso plasmar en él todas las profundas emociones que estaba experimentando como explorador de un campo musical virgen. La obra que estaba componiendo sería, además, un trabajo que se convertiría gradualmente en el vehículo para descargar sus emociones más profundas, y con las que más le estaba costando vivir.

Después de crear una primera maqueta, empezó a recorrer todas las discográficas tratando de convencer a alguien para que apoyase su proyecto. Por toda respuesta obtuvo negativas de las discográficas, que argumentaban que aquello “no era comercial” y que, si en algún caso llegaba a editarse, nadie lo compraría; obviamente, eso le había pasado por poner su fe en aquella poco trabajada maqueta. Tras haber compuesto la hipnótica introducción (la melodía más emblemática de su primera obra), seguiría acordándose de aquello: ¡si tan solo pudiese grabarlo, editarlo y promocionarlo!

El cuarto álbum de estudio de Mike Oldfield, «Incantations», fue producido por Mike Oldfield y publicado por Virgin Records el 24 de noviembre de 1978. Se trata de un álbum doble grabado en Througham Slam, Inglaterra, entre diciembre de 1977 y septiembre de 1978. Durante la composición de “Incantations”, Oldfield se inspiró en poemas acerca de Hiawatha, por Henry Wordsworth Longfellow, y Diana, por Ben Johnson, y leyendas celtas. El resultado es un álbum donde se fusiona rock progresivo con música celta y percusión africana, en un estilo cercano al New Age. Entre los músicos de sesión se encuentran Mike Laird, Pierre Moerlen y Sally Oldfield. “Incantations” llegó al puesto 14 en el Reino Unido durante 14 semanas.

La portada fue nuevamente realizada por Trevor Key. La playa de la fotografía de portada es Cala Pregonda, en Menorca. La funda actual del CD tiene un tipo de letra diferente al de la ilustración del LP original. Las primeras copias del álbum venían con un póster que mostraba una fotografía sutilmente diferente de la utilizada en la portada.

En 2000, Virgin Records reeditó “Incantations” en versión remasterizada para la colección “Mike Oldfield Remasters”. En 2011, Universal reeditó el álbum en un solo CD con el single “Guilty”, como bonus track. La reedición de 2011 del álbum recibió nuevas ilustraciones, mostrando una nueva fotografía de la misma formación rocosa y ninguna imagen de Oldfield. La Edición Deluxe contenía el disco de la edición estándar, así como un segundo disco que contiene singles y otras piezas más pequeñas, y un DVD con mezclas 5.1, vídeos promocionales y una versión en vivo del álbum.

Fuente: Wikipedia

 

 

 

 

CD 1:

  1. «Part One» – 19:11
  2. «Part Two» – 19:34
  3. «Part Three» – 16:58
  4. «Part Four» – 16:57
  5. «Guilty» – 4:14

CD 2:

  1. «Diana» – 6:35
  2. «Northumbrian» – 2:56
  3. «Piano Improvisation» – 5:38
  4. «Hiawatha» – 9:01
  5. «Canon for Two Vibraphones» – 2:49
  6. «William Tell Overture» – 3:55
  7. «Cuckoo Song» – 3:22
  8. «Pipe Tune» – 3:27
  9. «Wrekorder Wrondo» – 2:35
  10. «Guilty» – 6:38
  11. «Diana – Desiderata» – 7:05

Calidad: FLAC

 

 

 


Barón Rojo – ¡No Va Más! (1988-Reed.1998)

 

[Ciclo de Rock Ibérico]

 

Barón Rojo es un grupo madrileño de hard rock y heavy metal, nacido de la unión de cuatro músicos: los hermanos Armando y Carlos de Castro, José Luis Campuzano (también conocido como “Sherpa”) y Hermes Calabria. Provenían del grupo Coz, hasta que en 1980 las relaciones del grupo se deterioraron y el grupo se dividió en dos: los hermanos de Castro, junto al cantante y bajista José Luis Campuzano y el baterista uruguayo Hermes Calabria, fundaron Barón Rojo; mientras que la otra mitad del grupo Coz continuó con su carrera, publicando algunos discos más.
 
Una vez formado, el grupo debuta a comienzos de 1981 con el álbum “Larga Vida al Rock’n Roll”, que obtiene el disco de oro. Gracias a los beneficios del primer LP, el grupo se traslada a Londres, donde graba su segundo trabajo, titulado “Volumen Brutal”, en los estudios Kingsway de Ian Gillan, cantante de Deep Purple, en sólo dos semanas, vendiendo más de dos millones de copias y alcanzando el aplauso de la prensa especializada.
 
En 1983 se publica el tercer disco, titulado “Metalmorfosis”, grabado también en Londres. Aparecen en él temas como “Casi me mato”, “El malo” y “Tierra de vándalos”, así como el tema más sentimental de la banda: “Siempre estás allí”. En 1984 sale a la venta un disco en directo titulado “Barón al rojo vivo” grabado con los más avanzados sistemas de la época, presentando cinco canciones nuevas entre sus hits más conocidos.
 
En 1985 presentan su cuarto disco de estudio, “En un Lugar de la Marcha”, editado por Chapa Discos / Serdisco, con canciones tan conocidas como “Hijos de Caín” y “Cuerdas de acero”. Este es el último disco considerado de manera unánime como parte de la época dorada de Barón Rojo, empezando a partir de su posterior obra la disparidad de opiniones y el declive de la banda, tanto en su calidad artística como en su éxito comercial.
 

En 1987 nos entregan su quinto trabajo “Tierra de Nadie”, producido por Joaquín Torres para Chapa Discos / Serdisco. Con este álbum comienza un período de experimentación en el cuál Barón Rojo busca integrar su estilo compositivo con nuevos elementos. Los sencillos extraídos del álbum fueron “Pico de oro” y “Tierra de nadie”.

«¡No Va Más!» es el sexto disco de la banda española de heavy metal Barón Rojo. El disco se publicó en 1988 y fue producido por Barón Rojo para Chapa/Serdisco. Está enfocado en el tema de las apuestas y sus consecuencias (predecible desde la portada del disco y apreciable en varias de sus letras), con una amplia experimentación Armando de Castro tocó los teclados en “Cansado de esperar” y “Mil años luz” y el banjo en “Celtas cortos” y Sherpa tocó el violín chino en “Celtas cortos” y los teclados en “Mil años luz”.

Si bien es uno de los discos menos apreciados de la banda, constituye un importante contraste con anteriores entregas dada la experimentación con instrumentos no tradicionales y la intención de crear un álbum conceptual.​ Este álbum contó con pocas ediciones oficiales fuera de España y se grabó casi por cumplir el contrato, dado que la banda pasaba por un mal momento que mermó la creatividad de sus miembros.​ Pese a lo anterior, canciones como “Travesía urbana” y “Mil años luz” lograron gran aceptación de sus seguidores y entraron a formar parte de los mejores clásicos de la banda.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1.  «Travesía Urbana» – 4:40
  2.  «Cansado de Esperar» – 4:46
  3.  «El Gladiador» – 4:20
  4.  «En Tinieblas» – 5:15
  5.  «Los Domingos Son Muy Aburridos» – 3:42
  6.  «Kamikaze» – 3:40
  7.  «Trampa y Cartón» – 4:43
  8.  «Carga y Descarga» – 4:09
  9. «Celtas Cortos» – 5:26
  10. «Mil Años Luz» – 5:06

Calidad: FLAC

 

 

 


The Waterboys – The Waterboys [1983-Reed.2002]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

The Waterboys es una banda formada en 1983 por Mike Scott. La composición de la misma ha girado siempre en torno a músicos de Escocia, Inglaterra e Irlanda. Las sedes de la misma se han alternado entre Dublín, Spiddal, Londres, Nueva York y Findhorn. Su música ha pasado desde una mezcla de folk Celta hasta el rock’n’roll, siempre con un estilo muy personal otorgado por el talento de su líder Mike Scott.

Tras diez años de grabar y girar sin interrupción, en 1993 se disolvieron y Mike Scott inició su carrera en solitario. Se refundaron en el 2000 y continuaron girando y publicando discos. Para Mike, “No hay diferencia entre Waterboys y yo porque, para mí, significan la misma cosa”.

El sonido de los primeros Waterboys fue llamado The Big Sound tras un tema de su segundo álbum, “A Pagan Place”. Este estilo fue descrito por Mike como “una metáfora por ver la autoría de Dios en el mundo”. Sus influencias se encuentran entre Simple Minds, The Alarm, In Ta Nua, Big Country, Horhouse Flowers y World Party; este último formado por ex-miembros de los propios Waterboys. A finales de los 80 el sonido de la banda se hizo más folk con una formación más numerosa: según el propio grupo, the Raggle Taggle Band.

Más tarde volverían al sonido rock tras su reforma. Sus canciones, principalmente escritas por Scott, a menudo tratan de referencias literarias relacionadas con la espiritualidad (Mike estudió literatura inglesa y filosofía). Tanto la carrera en solitario de Mike como las de sus otros miembros han tenido éxito comercial, así como buenas críticas musicales.

«The Waterboys» es el álbum debut de la banda del mismo nombre, grabado entre diciembre de 1981 y noviembre de 1982 en los Redshop Studios de Londres, aún sin formar el grupo, y editado en julio de 1983 por el sello Chrysalis Records, con producción de Mike Scott y Rupert Hine. La portada del álbum es una fotografía del cantante Mike Scott realizada por Panny Charrington y diseñada por Stephanie Nash. El logotipo de Waterboys aparece en el cuadro azul pálido en la esquina superior derecha de la portada del álbum original (rosa pálido en la reedición de 2002). El símbolo, que simboliza el agua, continuó usándose a lo largo de la historia de la banda. Fue diseñado por Stephanie Nash de Island Records.

Mike Scott comenzó a formar una nueva banda para trabajar. A principios de 1982 reclutó a Anthony Thistlethwaite para el nuevo proyecto, que se convirtió en The Waterboys. Scott escuchó a Thistlethwaite por primera vez en un álbum de Nikki Sudden. Thistlethwaite trajo a un amigo suyo, Kevin Wilkinson, como baterista. Sudden describe los eventos como Scott “robándose” a los dos, pero señala que Scott podía pagar a Thistlethwaite y Wilkinson, mientras que Sudden no podía. Scott y Thistlethwaite grabaron “A Girl Called Johnny” en la primavera de 1982, y con Wilkinson y el bajista Nick Linden grabaron nuevas canciones en noviembre de 1982 en Redshop Studio, de las cuales, “I Will Not Follow”, aparece en este álbum.

“A Girl Called Johnny” fue lanzada tanto en sencillo como en maxi en marzo de 1983, precediendo al álbum por cuatro meses. La canción, un tributo a Patti Smith, “fracasó” para convertirse en un éxito. “December” también se lanzó como single (para la temporada navideña) en formatos de siete y doce pulgadas, con resultados comerciales similares.

Allmusic describe el sonido del álbum como “parte Van Morrison, parte U2”.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas escritos y compuestos por Mike Scott, excepto 12: John Caldwell)

  1. «December» – 6:47
  2. «A Girl Called Johnny» – 3:56
  3. «The Three Day Man» – 4:07
  4. «Gala» (Unedited) – 9:30
  5. «Where Are You Now When I Need You?» – 5:06
  6. «I Will Not Follow» – 5:16
  7. «It Should Have Been You» – 4:28
  8. «The Girl in the Swing» – 4:26
  9. «Savage Earth Heart» – 6:37
  10. «Something Fantastic» (bonus) – 3:11
  11. «Ready for the Monkeyhouse» (bonus) – 3:57
  12. «Another Kind of Circus» (bonus) – 4:04
  13. «A Boy in Black Leather» (bonus) – 7:03
  14. «December (Original 8-Track Mix)» (bonus) – 6:48
  15. «Jack of Diamonds» (bonus) – 0:50

Calidad: 320 Kbps (a 48000 Hz)

 

Gracias al compañero DjJohnny por el archivo flac que ripeé a mp3 de máxima calidad.

 

 

 


56 Hamburguesas – Ya lo Verás… y Otros Éxitos (1988-Reed.1999)

 

[Ciclo de Rock Ibérico]

 

56 Hamburguesas fue una banda madrileña de rockabilly formada por Arturo “56” (batería y voz), Edu “Despiadado” (bajo y coros) Juanma “Lucky Lucke” (bajo y coros), Juanma “Despiadado” (guitarra y coros), Juan “El Canijo” (guitarra y coros) y Carlos “JB Despiadado” (batería).

Su historia se remonta a principios de los 80 cuando llega a España el revival del rockabilly: Cavan, Matchbox, Boppers, Stray Cats…, que hace que surjan en Iberia bandas como Rebeldes, Loquillo, Bulldog, Gatos Locos… Su primera formación surge bajo el nombre de Los Cuervos, en el mismo local de ensayo de la también banda madrileña Los Despiadados, un año mas tarde pasarían a llamarse definitivamente 56 Hamburguesas.

Practican un sonido de rockabilly más juvenil, influenciados por grupos como Los Lobos, Gatos Locos o Tennessee, y enseguida conectan con los gustos que por aquel entonces había entre los rockers españoles.

Fichan por la compañía discográfica La Rosa Records (Dial Discos) y en 1988 editan su primer Mini-Lp, «Ya lo Verás». En ésta época también se editan los primeros discos de Doctor Doc, General Lee o Hurones. Se extrajeron tres singles: ‘Ya lo verás/Donde has puesto mis zapatos rosas’, ‘Nena no me toques mas el tupé’ y ‘Lo pensaré una vez mas’ , los dos últimos ya en 1989. Hicieron un video clip para TVE de la acelerada y mas que pegadiza ‘¿Dónde has puesto mis zapatos rosas?’.

En 1990 publican su segundo disco, un larga duración titulado “¿Y qué?”, en el que siguen mezclando estilos e interpretando su particular forma de tocar y hacer Rockabilly. Dos fueron los sencillos extraídos, ‘¿Y qué?/Tal como soñé’ y ‘Mi ardiente amor/Maruja’. Cuentan con la colaboración de Lorenzo Azcona al saxo y vientos (La Unión, Joaquin Sabina) y de Josele Marín (Bulldog) a la guitarra y piano. Hay cambios en la formación se marcha Edu, entrando en su lugar Juan Manuel García (bajo) y Juanma “Despiadado” (guitarra rítmica).

Con diferentes cambios en su formación, Juan ‘El Canijo’ deja el grupo, 56 Hamburguesas graba su tercer trabajo, un Lp al que titularon “Para Pasarlo Bien”, en el año 1991. El disco sigue destilando un rockabilly contundente con toques de country, doo-wop y ranchera mexicana. Un año mas tarde la banda queda compuesta por Arturo “56” a la voz y los tres “Despiadados” como banda de acompañamiento. Graban dos maquetas mas para lo que iba a ser su esperado cuarto disco, pero la banda se deshace unos días antes de entrar al estudio de grabación.

En 1999 se recupera en compacto su ya mítico primer Mini-Lp junto a una selección de los mejores temas de sus otros dos álbumes bajo el acertado titulo «Ya lo Verás… y Otros Éxitos». Es en ese momento cuando deciden definitivamente volver con el mismo nombre que les consagro en la cima del rockabilly nacional.

Fuente: Nueva Ola 80 / Zonde
 

 

 

 

 

Lista de canciones:

 

  1. «Ya lo Verás» – 2:26
  2. «Nena, No Me Toques Más el Tupé» – 2:44
  3. «¡Está Bien, Mamá!» – 2:07
  4. «Lo Pensaré Una Vez Más» – 2:28
  5. «Vamos, Amor» – 3:04
  6. «¿Dónde Has Puesto Mis Zapatos Rosas?» – 2:20
  7. «¿Y Qué?» – 2:29
  8. «Solo 16» – 2:49
  9. «En la Autopista» – 2:10
  10. «Mi Ardiente Amor» – 3:04
  11. «Todo el Mundo Habla en las Calles» – 2:18
  12. «Cuando Por Fin la Tuve Entre Mis Brazos» – 2:52
  13. «Tres Días de Su Amor» – 2:49
  14. «Para Pasarlo Bien» – 2:11

Calidad: 192 Kbps

 

 

Gracias al blog Sangrespañola por este archivo.

 

 

 


The Police – Live! [1995]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

The Police fue una importante e influyente banda inglesa de rock activa desde finales de la década de 1970 y comienzos de la de 1980. Su estilo musical estuvo marcado por influencias del rock, reggae y jazz. Se formó el año 1977 en Londres, comenzando a intentar abrirse paso en la movida punk. La formación habitual del grupo incluyó a Sting, voz y bajo; Andy Summers, guitarra y coros, y Stewart Copeland, batería y coros. Su debut discográfico se produjo con el single “Fall Out”, canción compuesta por Copeland, la que fue editada en el sello independiente IRS. El tema recogió una relativa resonancia, pero no fue suficiente para el despegue de la banda.

Liderados por Gordon Matthew Sumner, más conocido como Sting (nombre que significa “aguijón” en inglés, y que deriva de un jersey de rugby a rayas amarillas y negras, estilo avispa, que el bajista siempre llevaba puesto en su juventud), Andy Summers en la guitarra, y Stewart Copeland como baterista, The Police fue el conjunto británico más exitoso de los 80’s gracias a su impetuoso pop-rock “new wave” enriquecido por algunas dosis de reggae y un talento instrumental y compositivo sublime. Tocaron oficialmente hasta 1986, con un hiato entre marzo de 1984 hasta julio de 1986 y nunca emitieron un comunicado sobre su disolución. La banda ha vendido casi 70 millones de copias por el mundo.

Tras cinco álbumes exitosos y su separación sorpresiva en 1986, su discográfica -A&M Records- publicó el recopilatorio “Every Breath You Take (The Singles)” en octubre de ese mismo año, a modo de grandes éxitos como colofón de la carrera de The Police. Para la ocasión se regrabó “Don’t stand so close to me”, editada como “Don’t stand so close to me ’86”.

«Live!» es un álbum en vivo de The Police publicado en julio de 1995 (originalmente iba a ser publicado en 1985) por A&M Records. El disco uno contiene un concierto casi completo de la banda en noviembre de 1979 en el “Orpheum Theatre” en Boston, Massachusetts (grabado en consola de 2 canales por una emisora de radio). El disco dos contiene partes de dos conciertos el 2 y el 3 de noviembre de 1983 en Atlanta, en los tours del álbum “Synchronicity” (grabado en consola de 8 canales). Respecto a los conciertos de 1983 se vuelven a ver en DVD “Synchronicity” en el 2005. El guitarrista Andy Summer se encargó de la producción.

Además, este álbum demuestra la etapa del grupo durante su influencia punk en la década de ’70 y la etapa experimental de los ’80 de The Police arriba de un escenario. El álbum fue disco de platino en Estados Unidos de Norteamérica.

Fuente: Wikipedia

 

 

 

 

CD 1 (Orpheum WBCN / Boston Broadcast):

  1. «Next to You» – 2:58
  2. «So Lonely» – 7:33
  3. «Truth Hits Everybody» – 2:33
  4. «Walking on the Moon» – 4:59
  5. «Hole in My Life» – 4:08
  6. «Fall Out» – 2:46
  7. «Bring on the Night» – 5:16
  8. «Message in a Bottle» – 4:27
  9. «The Bed’s Too Big Without You» – 8:52
  10. «Peanuts» – 3:08
  11. «Roxanne» – 4:42
  12. «Can’t Stand Losing You» – 7:54
  13. «Landlord» – 2:27
  14. «Born in the 50’s» – 4:18
  15. «Be My Girl / Sally» – 4:51

CD 2 (Atlanta / Synchronicity Concert):

  1. «Synchronicity I» – 2:53
  2. «Synchronicity II» – 4:44
  3. «Walking in Your Footsteps» – 4:55
  4. «Message in a Bottle» – 4:35
  5. «O My God» – 3:36
  6. «De Do Do Do, De Da Da Da» – 4:32
  7. «Wrapped Around Your Finger» – 5:21
  8. «Tea in the Sahara» – 4:52
  9. «Spirits in the Material World» – 2:57
  10. «King of Pain» – 5:53
  11. «Don’t Stand so Close to Me» – 3:46
  12. «Every Breath You Take» – 4:37
  13. «Roxanne» – 6:10
  14. «Can’t Stand Losing You» – 6:48
  15. «So Lonely» – 7:26

Calidad: 320 Kbps (a 48000 Hz)

 

Gracias al compañero Duncan Jacques por el archivo flac que ripeé a mp3 de máxima calidad.

 

 

 

 


Blue Moon – Blue Moon [MiniLP] (1987)

 

[Ciclo de Rock Ibérico]

 

Junto con los Rock ‘n’ Bordes fueron la banda emblemática del movimiento rockabilly de la ciudad de Valencia a finales de los años 80, con la particularidad, además, de ser el primero de ellos en grabar y sacar un disco al mercado. Lo cierto es que, además de ser los primeros en editar, también fueron los primeros en formarse ya que, aunque no grabaron disco alguno hasta la segunda mitad de los 80, Blue Moon ya existían como banda desde 1979, momento en el que cinco amigos del barrio de La Olivereta, Suco, Eduardo, Pepito, Juanmi y Juano, deciden montar un grupo. Asumen el sonido y la estética rockabilly en un momento en que las ciudades eran un hervidero de tribus urbanas, por todas partes se podía ver bandas de heavies, punkies, mods y, claro está, rockabillys.

Tras una primera maqueta, el grupo sufre el clásico parón debido a los diferentes compromisos de sus miembros con el Servicio Militar Obligatorio, aunque poco a poco van volviendo y van retomando su actividad, aunque con algunos cambios: el pianista, Juano, abandona el grupo, Andrés Sánchez (alias Suco) deja el bajo eléctrico y pasa a ser exclusivamente el cantante principal, y entra un contrabajista, José Rosario, más conocido como Parri, procedente de un grupo que se llamaba Los Incorregibles, y que completa la formación definitiva del grupo. Con esta formación, graban una maqueta casera con la intención de buscar conciertos, que les van saliendo tanto en Valencia como fuera, convocando a un público fiel, que les sigue a todas partes, y practicando un rockabilly bastante personal, muy acústico y con un toque sureño y country, caracterizado por una buena voz y una sensacional guitarra solista.

Sin embargo, pasarían bastantes años hasta que, ya casi en plena explosión de la Ruta del Bakalao, en una fiesta “años 50” en la Discoteca Barraca, realizan una actuación muy celebrada, que llama la atención de la crítica y, lo que es más importante, de los responsables de la discográfica Intermitente Records, que les propone grabar, por fin, el disco de debut. Dicho disco se graba con muy pocos medios, en dos días, y se trata de un mini-Lp de seis canciones: cinco composiciones del grupo y una adaptación al castellano del “Big Boss Man” de Jimmy Reed, en versión de Elvis Presley. El disco se bautiza como el grupo: «Blue Moon» (Intermitente, 1987), y funciona razonablemente bien entre el público, lo que les sirve para, al año siguiente, contar ya con la posibilidad de grabar todo un larga duración, “El Último Tren” (Intermitente, 1988), con más medios y producido por Carlos Goñi (por entonces ya dando los últimos pasos de Comité Cisne), quien no parecía la persona más indicada y, sin embargo, realiza un trabajo bastante bueno en la producción y contribuyendo con el banjo y algunas guitarras.

Cuando les llega la oportunidad de editar su debut, Blue Moon ya llevaban más de siete años tocando, y tenían ya un sonido propio muy consolidado. De esta forma, el hecho de grabar el disco con pocos medios y en apenas dos días no es problema, y de hecho contribuye a que suene con bastante frescura, incluso escuchado a día de hoy. Reivindicaban grupos renovadores como Stray Cats, aunque este trabajo está más cerca de bandas británicas como Matchbox, The Shaking Pyramids o Crazy Cavan.

Canciones de rockabilly acústico y aire vaquero y sureño, también en las letras, en las que nos encontramos con ciudades fronterizas, músicos unidos para siempre a una guitarra, valles de la muerte que hay que cruzar, o sables y guerreras confederadas, con unos textos muy propios del género. Cierra el disco la adaptación de “Big Boss Man”, que se sale un poco del tono general, ya que es más eléctrica, rockera y potente.

En conjunto, el mini-LP no está nada mal y, aunque el sonido no es todo lo bueno que merece, goza de una producción muy sencilla que ha contribuido a que no envejezca nada mal. Destacan, especialmente, la voz y la guitarra. La edición, dentro de su modestia, tuvo cierto éxito y se agotó enseguida, lo que les valió una nueva oportunidad al año siguiente, ya con más medios.

Fuente: Rafa García-Purriños en LaFonoteca.net / Zonde
 

 

 

 

 

Lista de canciones:

 

  1. «El Paso» – 2:49
  2. «Johnny y Su Guitarra» – 2:49
  3. «La Luz Me Guiará» – 2:52
  4. «Sin Guerrera y Sin Honor» – 2:02
  5. «El Valle» – 2:23
  6. «Big Boss Man» – 2:15

Calidad: 128 Kbps

 

 

Gracias al blog Sangrespañola por este archivo.

 

 

 


HÉCTOR CASTILLA

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