Ciclos y Neurastenias en un mundo cruel

Archivo de Autor

De Regreso (Resubidas)

 

[Neurastenias]

 

 

 

Ya estoy de vuelta de mi largo y agradable viaje, deshaciendo el equipaje y acomodándome a la rutina habitual en un día de mucha tensión en Buenos Aires, con represión policial y militar desmedida en las calles, abundantes manifestantes heridos y detenidos, y una desproporción abismal entre civiles ejerciendo su legítimo derecho de protesta y la abundancia de fuerzas represoras actuando como lo que son: los perros del poder, armados, numerosos y unineuronales.

Desde Ciclotimia, este modesto espacio comunal, expresar todo el apoyo a l@s compañer@s que participaron en las protestas. Macri y sus secuaces han mostrado ya reiteradamente su faz dictatorial, pero el pueblo no se rinde ni lo va a permitir.

Resubo hoy 9 archivos de los ciclos musicales del blog. Espero que los disfrutéis antes de vuelvan a caer por falta de comentarios.

Salud y hasta la victoria siempre.

 

 

 

 

 

 

Números de Ciclotimia: 221 seguidor@s y 278.078 visitas totales.

 

 

 

 

 

Ciclo de Rock Alternativo

 

 

 

Lou Reed – Transformer [1972-Reed.2002]

 

 

 

Ramones – Subterranean Jungle [1983-Reed.2007]

 

 

 

Immaculate Fools ‎– Nothing Means Nothing (Maxi) [1984]

 

 

 

Bryan Ferry – Boys & Girls [1985]

 

 

 

 

 

Ciclo de Rock Latinoamericano

 

 

 

Los Fabulosos Cadillacs – El Ritmo Mundial [1988-Reed.2008]

 

 

 

Divididos ‎– La Era de la Boludez [1993]

 

 

 

Sumo ‎– Kaya [2000]

 

 

 

 

 

 

 

Ciclo de Rock Ibérico

 

 

 

T.N.T. – Manifiesto Guernika (1983)

 

 

 

Moris – Moris & Amigos (1987)

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Anuncios

Jarcha ‎– Libertad sin Ira [y Otros Éxitos…] (1997)

 

[Otras Músicas]

 

Jarcha es un grupo musical andaluz formado en Huelva en el año 1972 por Maribel Martín, Lola Bon, Antonio A. Ligero, Ángel Corpa, Crisanto Martín, Gabriel Travé y Rafael Castizo.

Su línea musical se cimenta sobre tres pilares fundamentalmente:

  • La búsqueda, rescate y divulgación de canciones tradicionales principalmente de Andalucía.
  • Creación de canciones propias, la mayoría de las veces de amplio contenido social.
  • La musicación de una serie de poemas de autores más o menos consagrados que fuesen un buen cauce de expresión, entre otros cabe destacar autores como Miguel Hernández, Blas de Otero, Rafael Alberti, Federico García Lorca, Eduardo A Heyer entre otros.

Durante los años de la Transición, su música reflejaba el sentir de los españoles en unos años en que se pasaba del franquismo a la democracia. La canción “Libertad sin ira” (R. Baladés/P. Herrero) expresaba todo esto y se convirtió en un himno no oficial de aquel momento histórico. De hecho, el grupo fue elegido como el mejor del país por votación popular en 1975 y 1976. En 1975 también dedicaron una ópera rock titulada “Líder” a José Antonio Primo de Rivera, fundador de Falange Española.

Son muchos los componentes que a lo largo de estos años han contribuido al buen trabajo del grupo entre ellos nombres como, Juan J. Oña, Pepe Bulerias, Ines Romero, Toñi García, Rosa Mª Salas, Rosa Soler, Beachu G. Villate, Pepe Roca y Martirio entre otros.

En 1997 Zafiro/Serdisco publica el recopilatorio «Libertad sin Ira (y Otros Éxitos)», distribuido por BMG Music.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1.   «Andaluces de Jaén» – 2:58
  2.   «Campanilleros» – 3:04
  3.   «Himno de Andalucía» – 2:43
  4.   «Los Cuatro Muleros» – 3:42
  5.   «Segaores» – 4:02
  6.   «A Galopar» – 2:09
  7.   «Elegía» – 5:48
  8.   «Libertad sin Ira» – 3:40
  9.   «En el Nombre de España, Paz» – 1:51
  10.   «Campesinos Tristes» – 4:03

Calidad: FLAC

 

 

 


Los Secretos – Lo Mejor (1984-Reed.1989)

 

[Ciclo de Rock Ibérico]

 

Los Secretos se forman en Madrid hacía 1978 por los hermanos Urquijo (Javier, Enrique y Álvaro). Realmente de 1978 a 1980 aún se llamaban Tos, pero eran en esencia y sonido la antesala de lo que serían Los Secretos. En abril de 1980 suceden tres acontecimientos clave: cambian el nombre definitivo a Secretos, reciben varias ofertas discográficas y, sobre todo, encuentran al batería y vocalista Pedro Antonio Díaz, músico de gran calidad. Entre las varias ofertas recibidas se deciden por Polydor que es la que les ofrecía más independencia artística.

Su carta de presentación fue el EP “Los Secretos” (Polydor, 1980), seguido de su primer LP homónimo, que sale a la calle antes del verano de 1981, y reeditado más tarde como “Ojos de Perdida”. Ejemplos de power-pop potente y acelerado, con baterías precisas y guitarras brillantes. Por primera vez en muchos años oímos en el pop español guitarras eléctricas de doce cuerdas, algo muy típico del sonido de Los Secretos. Le seguirán “Todo Sigue Igual” (Polydor, 1982), “Algo Más” (Polydor, 1983) y “Lo Mejor” (Polydor, 1984), lo que pondrá fin a su etapa con su actual discográfica, provocando que estén a punto de desaparecer: a contracorriente y muy criticados en la época, la discógrafica habia dejado de confiar en ellos y tras realizar una nula promoción, sus discos se descatalogan.

Tras el verano de 1984 Polydor publica el recopilatorio «Lo Mejor» (Polydor, 1984), y reedita su primer LP, que prácticamente siempre estará en las tiendas desde entonces. La valoración del disco nada tiene que ver con su contenido, que es excelente, sino más bien con la política de la compañía. Este disco se publicó en septiembre de 1984, y simultáneamente a esto Polydor, que ya no tiene a Los Secretos entre sus filas, descataloga (hasta el 2005, ni más ni menos) “Todo Sigue Igual” (Polydor, 1982) y “Algo Más” (Polydor, 1983). En su lugar, se publica este disco, con una cortísima tirada pero un carísimo precio para la época.

Sí se reedita a precio popular el primer álbum, simultáneamente a este recopilatorio, en el que se recicla la portada del primer EP. La edición de este disco coincide con la peor época de Los Secretos: muerte de Pedro, abandono definitivo del grupo de Javier, sin compañía discográfica… A pesar de todo, en 1984 siguen adelante con Enrique pasándose a la guitarra junto a Javier, y hacen algunos bolos con el bajista y batería de Suburbano.

En cuanto a la selección de temas, es buena pero con poca fantasía, pues se echa mano a lo que publicaron como single, dejando fuera joyas como “Hoy no”, por citar un ejemplo. Como curiosidad decir que el disco se ha convertido en una pieza de colección que buscan con fervor los completistas de la discografía de Los Secretos.

Fuente: José Florido Colorado en LaFonoteca.net

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Déjame» – 2:37
  2. «Sobre un Vidrio Mojado» – 2:23
  3. «Todo por Nada» – 3:34
  4. «Problemas» – 3:10
  5. «Algo Más» – 3:21
  6. «Ojos de Perdida» – 2:34
  7. «Ráfagas» – 3:13
  8. «Qué Puedo Hacer Yo» – 2:58
  9. «Todo Sigue Igual» – 2:19
  10. «No Me Imagino» – 3:29

Calidad: FLAC

 

 

 


Pink Floyd – The Final Cut [1983]

[Resubida Mejorada]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

Pink Floyd es una banda de rock británica, considerada un icono cultural del rock del siglo xx y una de las bandas más influyentes en la historia de la música, que obtuvo gran popularidad gracias a su música psicodélica que evolucionó hacia el rock progresivo con el paso del tiempo. Es conocido por sus canciones de alto contenido filosófico, la experimentación sónica, las innovadoras portadas de sus discos y sus elaborados espectáculos en vivo. Sus ventas sobrepasan los más de 300 millones de álbumes vendidos en todo el mundo.

Pink Floyd comenzó con gran éxito en la escena underground londinense a finales de los años sesenta, con Syd Barrett como principal compositor. La salida de Barrett hizo que el cantante y bajista Roger Waters se convirtiera gradualmente en la fuerza conductora y dominante en la primera mitad de los años setenta, la época de mayor éxito en ventas de la banda, hasta su abandono en 1985. El grupo grabó durante esta época muchos álbumes que se convirtieron en grandes éxitos comerciales, como “The Dark Side of the Moon” (1973), “Wish You Were Here” (1975), “Animals” (1977) y “The Wall” (1979).

Después de 1973, Pink Floyd se distanció de la psicodelia y se convirtió en una banda difícil de clasificar. Los distintos estilos de cada uno de los compositores confluyeron en uno único, que cristalizó en las dos obras más importantes de su discografía, para crítica y público: “The Dark Side of the Moon” (1973) y “Wish You Were Here” (1975). En ambas obras, Gilmour se convirtió en el principal vocalista de la formación, mientras que los coros femeninos y el saxofón de Dick Parry adquirieron especial relevancia. El ambiente de colaboración se había ido enfriando en la época anterior, hasta que Waters tomó el timón compositivo, en el aspecto musical y letrístico, en el disco “The Dark Side of the Moon”. La última colaboración de Wright como vocalista y como compositor se dio en los temas “Time” y “Shine on You Crazy Diamond”, respectivamente, mientras que las aportaciones compositivas de Gilmour descendieron abruptamente hasta que Waters dejó la banda en 1985.

«The Final Cut» —en castellano: El corte final— es el duodécimo álbum de estudio de la banda británica de rock progresivo Pink Floyd. Grabado entre julio y diciembre de 1982 con producción de Roger Waters, se lanzó al mercado en marzo de 1983 a través de la compañía discográfica Harvest Records en el Reino Unido y varias semanas después a través de Columbia Records en Estados Unidos de Norteamérica. Se trata de un álbum conceptual, sin la participación de Rick Wright quien fue despedido por Waters en 1981, y es el último de la banda en contar con la participación de Roger Waters, quien aparece acreditado como compositor y letrista de todas las canciones del disco. La mayoría de ellas cuentan con la voz de Waters como vocalista principal; el guitarrista líder David Gilmour aporta su voz a sólo una de las doce canciones del disco, “Not Now John”.

“The Final Cut” se planeó como banda sonora para la película de 1982 “Pink Floyd The Wall”. Bajo su título inicial “Spare Bricks”, la idea era que contuviese canciones de “The Wall” sin cambios o simplemente regrabadas para la película. Algunos ejemplos incluían “When the Tigers Broke Free” y “Bring the Boys Back Home”. Sin embargo, el bajista, vocalista principal y principal compositor Roger Waters planeaba incluir además material nuevo para expandir la narrativa de “The Wall”. Finalmente se le cambió el nombre a “The Final Cut”, que es una referencia a la obra “Julio César” del dramaturgo inglés William Shakespeare: “This was the most unkindest cut of all”.​ “When the Tigers Broke Free” se lanzó como sencillo el 26 de julio de 1982, con “Bring the Boys Back Home” como Cara B.

Debido a la guerra de las Malvinas, Waters decidió cambiar de dirección y comenzó a componer material nuevo. Siendo un socialista de corazón, vio la respuesta de invasión de la Primera Ministra del Reino Unido Margaret Thatcher como algo innecesario y jingoísta, por lo que decidió dedicar el nuevo álbum – titulado provisionalmente “Requiem for a Post-War Dream”— a su padre, Eric Fletcher Waters (muerto en la Segunda Guerra Mundial). Esta nueva dirección creativa creó una serie de disputas entre Waters y Gilmour. Varias piezas musicales de The Wall, incluyendo “Your Possible Pasts”, “One of the Few”, “The Final Cut” y “The Hero’s Return”, se habían apartado para “Spare Bricks”. A pesar de que Pink Floyd había reutilizado material antiguo en otras ocasiones, Gilmour sentía que no era lo suficientemente bueno para el nuevo disco. Quería componer material nuevo, pero Waters tenía dudas, ya que Gilmour prácticamente no había contribuido con letras en los últimos tiempos.

Recién comenzada la guerra de las Malvinas, Waters la convirtió en una crítica a la guerra, además de tratar lo que él consideraba la traición para con su padre. Repitiendo el estilo de ópera rock de su predecesor, “The Wall” (1979), se grabó en ocho estudios distintos de Inglaterra, entre julio y diciembre de 1982. Al igual que en la mayoría de la discografía de Pink Floyd, se contrataron una gran cantidad de músicos de sesión como colaboradores, aunque la grabación del mismo estuvo dominada por la creciente tensión entre Waters y el resto de la banda, especialmente Gilmour. El diseño artístico corrió a cargo de Waters, reflejando el contenido del álbum. “The Final Cut” llegó a lo más alto de la lista británica de álbumes, aunque recibió críticas mezcladas.

Para acompañar al álbum, se lanzaron 4 cortometrajes llamados: “The Final Cut”. La película, basada en una selección de canciones del disco,​ fue producida por Waters y dirigida por su cuñado Willie Christie. Para su elaboración se usaron cuatro canciones: “The Gunner’s Dream”, “The Final Cut”, “The Fletcher Memorial Home” y “Not Now John”. En ella se ve a Waters contándole sus secretos más íntimos a un psiquiatra llamado A. Parker-Marshall. También aparece en la película Alex McAvoy, quien ya había participado en “Pink Floyd The Wall”.

Después del lanzamiento del álbum cada miembro de la banda se concentró en sus proyectos en solitario, aunque poco después Waters anunció que dejaba el grupo, además de intentar que Gilmour y el batería Nick Mason nunca volviesen a utilizar el nombre de Pink Floyd. Con posterioridad Gilmour ha expresado en varias ocasiones su desagrado con gran parte de “The Final Cut”, muchas veces viéndose como una obra en solitario de Waters. Ninguna de las canciones del disco han sido tocadas en directo por Pink Floyd, aunque algunas sí ha tocado Waters en sus giras en solitario.

En 2004, la remasterización del álbum incluyó el tema “When the Tigers Broke Free” que apareció en “Pink Floyd The Wall” y en el álbum “Echoes: The Best of Pink Floyd”.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas de Roger Waters)
 

  1.  «The Post War Dream» — 3:00
  2.  «Your Possible Pasts» — 4:21
  3. «One of the Few» — 1:25
  4. «The Hero’s Return» — 2:57
  5. «The Gunner’s Dream» — 5:04
  6.  «Paranoid Eyes» — 3:45
  7.  «Get Your Filthy Hands Off My Desert» — 1:18
  8. «The Fletcher Memorial Home» — 4:10
  9. «Southampton Dock» — 2:05
  10. «The Final Cut» — 4:52
  11. «Not Now John» — 5:02
  12. «Two Suns in the Sunset» — 5:17

Calidad: FLAC

 

 

 


Luz Casal – Pequeños y Grandes Éxitos (1996)

 

[Ciclo de Rock Ibérico]

 

María Luz Casal Paz (Boimorto, La Coruña, 11 de noviembre de 1958), conocida artísticamente como Luz Casal, es una cantante gallega de pop-rock, una de las solistas más valoradas de la música popular ibérica. Tras sus éxitos dentro del estado español en los años ochenta, logró fama internacional (especialmente en Francia), sobre todo tras incluirse dos de sus temas en la película Tacones Lejanos, de Pedro Almodóvar. Las ventas de sus discos ascienden a más de 5.000.000 de ejemplares.
 

En 1986 ofrece más de noventa conciertos y actúa en la televisión checoslovaca. En Alemania graba el tema “The water is life”, para una campaña ecologista, con estrellas como David Knopfler, ex componente de Dire Straits y hermano del que fuera su líder, compositor y guitarrista Mark Knopfler.

En 1987 graba un tema a capella con el grupo The Christians para un programa de televisión y en mayo sale su nuevo elepé, «Quiéreme Aunque Te Duela», cuarto álbum de estudio de Luz editado por Serdisco (filial de Zafiro), en el que, menos rockera, se descubre como una gran intérprete de baladas, que serían sus mayores éxitos desde ese momento. Participa en el programa de televisión ¡Qué Noche la de Aquel Año!, presentado por Miguel Ríos, y viaja a México, Venezuela y Nueva York.

Último álbum producido por Carlos Narea y que podríamos definir como el que cierra la primera etapa discográfica de Luz, justamente con el cambio de discográfica. Ella, a lo largo de estos cuatro discos, ha ido manejando una serie de enfoques y perfilando un estilo que aquí empieza a brillar con personalidad propia.

En 1989 publica, ya con su nueva compañía Hispavox, “Luz V”, producido por Paco Trinidad y Chucho Merchán, músico habitual de Eurythmics, y bajo la dirección musical de Enrique Mateu. El disco, que vende 300.000 copias y supone su salto definitivo al éxito, incluye tres de sus temas que desde entonces se han convertido en clásicos, “Loca”, “Te Dejé Marchar” y “No Me Importa Nada”.

En 1991 publica “A Contraluz”, que vende más de 600.000 copias, obteniendo seis discos de platino. En él figura el bolero “Piensa en mí”, de Agustín Lara, que Pedro Almodóvar eligió para su película Tacones Lejanos. Tras el éxito masivo, que la convierte en una estrella europea, especialmente admirada en Francia, Luz se toma un descanso de cuatro años en los estudios de grabación, tiempo en el que se plantea su carrera ante el éxito obtenido con el anterior trabajo. No obstante, sigue actuando en España y América Latina, así como en Francia y otros países europeos, como Alemania. Su siguiente álbum, “Como la Flor Prometida”, se publica en 1995, cuatro años después del anterior. Este nuevo trabajo vende 800.000 copias,​ convirtiéndose en el de más éxito de su carrera.

En 1996 Hispavox publica el recopilatorio «Pequeños y Grandes Éxitos», disco doble que no deja canción destacable de la carrera de Luz sin reeditar. Más adelante, en 2005, se editaría otro de título similar, “Pequeños, Medianos y Grandes Éxitos” (EMI, 2005).

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

CD 1:

  1. «Eres Tú» (J. L. Jiménez, J. A. Laina, L. Casal) – 3:21
  2. «Lo Eres Todo» (C. Santonja, G. Van Aersen) – 3:46
  3. «Flor Prometida» (G. Varona, L. Casal, T. Carmona) – 3:20
  4. «Plantado en Mi Cabeza» (A. Hammond, C. Cortés, H. Knight, L. Casal) – 4:37
  5. «Tal para Cual» (C. Santonja, A. de Cárdenas) – 4:03
  6. «Un Pedazo de Cielo» (L. Casal, P. Sycet, T. Carmona) – 4:57
  7. «Es Mejor que Te Vayas» (D. Summers, L. Casal) – 3:50
  8. «Un Año de Amor» (Testa, Mogol, Ferrer) – 3:19
  9. «Te Dejé Marchar» (D. Mezquita, D. Summers) – 5:22
  10. «El Tren» (C. Cortés, J.L. Campuzano, L. Casal) – 3:56
  11. «Quiéreme Aunque Te Duela» (F. Gª Palacios, J. L. Fdez. Abel, L. Casal) – 4:07
  12. «Deseo en Silencio» (A. Vega, L. Casal, S. Auserón) – 4:27
  13. «Hechizado» (J. L. Fdez. Abel, S. Maillard) – 4:01
  14. «Rufino» (C. Santonja, J. Parsons, S. Maillard) – 4:25
  15. «Detrás de Tu Mirada» (J. Asúa, M. Tena) – 3:15

 

 

CD 2:

  1. «Un Día Marrón» (C. Santonja, A. de Cárdenas) – 4:01
  2. «Negra Sombra» (R. de Castro, J. Montes) – 5:24
  3. «Vengo del Norte» (L. Casal, P. Sycet) – 3:30
  4. «Entre Mis Recuerdos» (A. Hammond, C. Cortés, H. Knight, L. Casal) – 3:33
  5. «Besaré el Suelo» (C. Goñi) – 5:11
  6. «Se Verá» (J. Monforte, L. Casal, P. Trinidad, S. Castillo) – 4:44
  7. «Es Por Ti» (C. Sabater, J. Capdevila, L. Casal, P. Sala) – 4:42
  8. «Piensa en Mí» (A. Lara) – 4:27
  9. «No Me Importa Nada» (G. Varona, M. Rodríguez, P. Varona) – 4:14
  10. «Loca» (L. Casal, P. Sycet, T. Carmona) – 3:50
  11. «A Cada Paso» (C. Santonja, L. Casal, S. Castilla) – 4:35
  12. «Entre la Espada y la Pared» (C. Santonja, S. Maillard) – 3:24
  13. «Jazmín» (L. Casal, J. M. Tena, S. Maillard) – 3:38
  14. «Voy a Por Ti» (C. Santonja, L. Casal, R. Ochoa) – 4:37
  15. «No Aguanto Más» (C. Narea, F. Gª Palacios, J. R. Martínez, L. Casal) – 4:16

Calidad: FLAC

 

 

 


Alan Parsons Project – I Robot (1977-Reed.1984)

 

[Otras Músicas]

 

 

The Alan Parsons Project fue un grupo británico de rock progresivo formado en 1975 en Londres y activo hasta 1990. Liderado por el productor, ingeniero y compositor Alan Parsons y el productor ejecutivo, compositor y vocalista Eric Woolfson, en él participaron varios músicos de estudio y un grupo amplio de cantantes. En conjunto grabaron un total de 11 discos, acreditándose la mayoría de las canciones como Parsons/Woolfson, que lograron vender más de 50.000.000 de copias.

La mayoría de los discos de The Alan Parsons Project son álbumes conceptuales que comienzan con una canción instrumental que se fusiona con la segunda canción. También suele incluir una canción instrumental, en lo que sería el comienzo de la cara B, y finaliza con una canción energética y poderosa o melancólica y de tiempo lento. Una característica destacable es que en cada disco interpretan los temas varios cantantes invitados como Lenny Zakatek, John Miles, Gary Brookers, Chris Rainbow o Colin Blunstone, ejerciendo Eric Woolfson como cantante de manera esporádica. Por contra existe un grupo reducido y bastante estable de músicos de estudio que participaron con regularidad en las grabaciones como el arreglista y director de orquesta Andrew Powell, el guitarrista Ian Bairnson, el bajista y vocalista David Paton o el percusionista Stuart Elliot.

Alan Parsons y Eric Woolfson se conocieron en el verano de 1974 durante unas sesiones de trabajo en los Estudios Abbey Road. En aquel momento Parsons ejercía labores de ingeniero de sonido para Pink Floyd y por su parte Woolfson, letrista y compositor, era músico de estudio y estaba creando un disco inspirado en las obras de Edgar Allan Poe. Fruto de su encuentro decidieron unir sus talentos repartiéndose funciones: Parsons ejercería de productor y realizaría labores de ingeniería de sonido en las canciones compuestas por ambos. Su primera referencia se editó en mayo de 1976 “Tales of Mystery and Imagination”, que se convirtió en un éxito, alcanzando el Top40 de la lista Billboard.

El grupo lanzó diez discos más, con un gran cuidado en la producción y creatividad, como “I Robot” (1977). Gozó de gran popularidad entre 1980 y 1985 con los álbumes “The Turn of a Friendly Card” (1980) o “Eye in the Sky” (1982), “Ammonia Avenue” (1983) y “Vulture Culture” (1984). Algunas de sus canciones más destacadas son “Don’t Answer Me”, “Time”, “Eye in the Sky”, “Lucifer”, “Silence & I” o “Games People Play”. Hasta 2015 se han editado además 14 discos recopilatorios con las canciones de diferentes etapas.

«I Robot» es el segundo álbum de The Alan Parsons Project, grabado y mezclado en los Abbey Road Studios de Londres entre diciembre de 1976 y marzo de 1977, producido por Alan Parsons, y editado en junio de 1977 por Arista Records. En este álbum conceptual, inspirado en el conjunto de relatos cortos “Yo, Robot” del escritor ruso-estadounidense Isaac Asimov, se utilizan extensivamente las nuevas capacidades del sintetizador Moog de los estudios de la EMI, sello que fuese pionero en el uso de tales facilidades en el disco debut del mismo grupo, “Tales of Mystery and Imagination”.

Eric Woolfson realmente habló con Asimov, quien se mostró entusiasmado con la idea. Como ya se habían concedido los derechos a una empresa de televisión/cine, el título del álbum fue alterado ligeramente eliminando la coma, y el tema y las letras fueron hechas para tratar más genéricamente sobre robots en vez de específicas al universo Asimov.

La cubierta interior decía: “I Robot… The story of the rise of the machine and the decline of man, which paradoxically coincided with his discovery of the wheel… and a warning that his brief dominance of this planet will probably end, because man tried to create robot in his own image”. (“Yo Robot… La historia del ascenso de la máquina y el declive del hombre, que paradójicamente coincidió con su descubrimiento de la rueda… y una advertencia de que su breve dominio de este planeta probablemente terminará, porque el hombre trató de crear el robot a su propia imagen.”) El título de la canción final, “Génesis Ch.1 V.32”, sigue este tema por lo que supone una continuación de la historia de la creación, ya que el primer capítulo del Génesis sólo tiene 31 versículos.

Más de 30 años después, el sonido inigualable de la apertura del álbum nos dice que ciertas obras musicales son inmunes al paso del tiempo: “I Robot” podría bien pasar por un álbum grabado en el siglo XXI. Este es quizás, el legado más importante de esos años, el resistir las modas y el paso del tiempo, que es justamente lo que sin duda The Alan Parsons Project quiso lograr. “I Robot” llegó al puesto 9 en la lista Billboard norteamericana.

El álbum fue reeditado en formato CD por primera vez en 1984 por Arista Records en Europa. Este archivo corresponde a esta última reedición.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas compuestos por Alan Parsons y Eric Woolfson, excepto 9: Andrew Powell)
 

  1.  «I Robot» – 6:02
  2.  «I Wouldn’t Want to Be Like You» – 3:22
  3. «Some Other Time» – 4:06
  4. «Breakdown» – 3:50
  5. «Don’t Let It Show» – 4:24
  6. «The Voice» – 5:24
  7. «Nucleus» – 3:31
  8.  «Day After Day (The Show Must Go On)» – 3:49
  9.  «Total Eclipse» – 3:09
  10. «Genesis Ch. 1, V. 32» – 3:28

Calidad: FLAC

 

 

 


Cat Stevens – Teaser & The Firecat (1971-Reed.2004)

 

[Otras Músicas]

 

Yusuf Islam (nacido Steven Demetre Georgiou en Londres, el 21 de julio de 1948) es un músico británico más conocido por su antiguo nombre artístico, Cat Stevens. Hijo de madre sueca y de padre greco-chipriota, cuando tenía 8 años sus padres se separaron pero siguieron conviviendo como familia en la misma casa. Musicalmente es el heredero de una formación clásica pero también del amor por lo popular y por las danzas y canciones folclóricas griegas que escuchaba su padre. Su nombre (Cat Stevens) surgió porque su novia decía que tenía ojos de gato. Logró hacer su primer disco gracias a su hermano, que un día gritó a toda una calle que su hermano tenía gran talento y así lograron su primer contrato en EMI Music.

Con el nombre artístico Cat Stevens vendió millones de discos, especialmente entre los años 1960 y 1970. Sus tempranos álbumes de los 70, “Tea for the Tillerman” y “Teaser and the Firecat”, fueron ambos certificados triple platino en Norteamérica. Su estilo musical es melódico, entre el rock hippie y la balada pop, incluyendo toques folk de influencia tanto británica como griega.

Su álbum “Catch Bull at Four” de 1972 encabezó la lista Billboard 200 por tres semanas y estuvo en el tope de las listas de éxitos en Australia por quince semanas.​ Composiciones como “The First Cut Is the Deepest”, “Father and Son”, “Wild World”, “Peace Train”, “Moonshadow” y “Morning Has Broken” se han convertido en referentes del folk rock y han sido grabadas por una gran cantidad de artistas y bandas.

Después de una experiencia cercana a la muerte, alrededor de 1978, decidió convertirse al islam y abandonar la música. Es entonces cuando adoptó el nombre Yusuf Islam. Muchas de las canciones más famosas de Cat Stevens fueron publicadas en los años previos a su conversión al islam y él es cuidadoso respecto a sus derechos. Por ejemplo no ha permitido que sus canciones se usen en anuncios comerciales.

A sugerencia de Mijaíl Gorbachov le fue otorgado el premio Hombre por la Paz. Sin embargo, desde que dejó el mundo de la música, Yusuf Islam no ha dejado de cantar y grabar canciones religiosas (llamadas anachid). Actualmente sigue participando en conciertos junto con otros artistas con el fin de recaudar fondos para ayuda humanitaria. En 2007 recibió el premio Ivor Novello por su “extraordinaria colección de canciones”. Fue introducido en el Salón de la fama del Rock and Roll en 2014.

«Teaser and the Firecat» es el quinto álbum de estudio del cantautor británico Cat Stevens, grabado entre finales de 1970 e inicios de 1971, con producción de Paul Samwell-Smith, y editado en octubre de 1971 por Island Records. El álbum contiene las canciones “Morning Has Broken”, “Moon Shadow” y “Peace Train”, que lograron radiodifusión y fueron un éxito tanto en Europa como en Norteamérica. El disco fue un éxito comercial, superando en ventas al anterior álbum de Stevens, “Tea for the Tillerman”.

El álbum fue nº 1 en Australia, nº 2 en EUNA y nº 3 en Reino Unido, siendo certificado triple platino en Estados Unidos de Norteamérica y disco de oro en Gran Bretaña. En 2004, el álbum remasterizado fue incluido en la colección del diario El País “Los Discos de Tu Vida” y editado en colaboración con Island Records. Este archivo corresponde a esta reedición.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas compuestos por Cat Stevens, excepto indicado)

  1.   «The Wind» — 1:42
  2.   «RubyLove» — 2:37
  3.   «If I Laugh» — 3:20
  4.   «Changes IV» — 3:33
  5.   «How Can I Tell You» — 4:26
  6.   «Tuesday’s Dead» — 3:36
  7.   «Morning Has Broken» (letra de Eleanor Farjeon) — 3:22
  8.   «Bitterblue» — 3:13
  9.   «Moonshadow» — 2:52
  10.   «Peace Train» — 4:15

Calidad: FLAC

 

 

 


Luis Eduardo Aute – Lo Mejor (1986-Reed.1990)

 

[Otras Músicas]

 

Luis Eduardo Aute Gutiérrez-Répide (Manila, 13 de septiembre de 1943)​ es un músico, cantautor, director de cine, actor, escultor, escritor, pintor y poeta nacido en Filipinas y asentado en Madrid. Aunque es principalmente conocido como cantautor, también destaca como pintor y como director de cine. Habla las lenguas castellano, inglés, catalán, francés, italiano y tagalo.

En 1965 durante un viaje a Madrid conoce a la cantante Massiel. Al concluir el servicio militar en mayo del año siguiente vuelve a Madrid y viaja a São Paulo para participar en la Bienal de pintura con tres cuadros de gran formato. En Brasil descubre la música de Bob Dylan y Joan Báez y al regresar, animado por Massiel y bajo el influjo de Dylan, escribe cinco canciones: “Don Ramón”, “Made in Spain”, “Rojo sobre negro”, “Aleluya nº1” y “Rosas en el mar”, que en un principio ofrece a Massiel aunque finalmente ésta sólo llega a grabar la última, convirtiéndola en un éxito rotundo.

La versión de “Rosas en el mar” de Massiel fue un gran éxito, por lo que RCA decide publicar “Aleluya nº1” interpretada por Aute, mientras Zafiro la publica interpretada por Massiel. El tema es un rotundo éxito a nivel internacional, realizándose por diversos cantantes versiones en Checoslovaquia, Francia, Italia, Brasil, Japón e Hispanoamérica.

En 1972, RCA publica el recopilatorio “Álbum (1966-67)”, con temas ya publicados, y al año siguiente Rosa León publica su primer disco, en el que se incluyen siete canciones de Aute, como “Las cuatro y diez”, “De alguna manera” o “La secretaria ideal”.

Ante el éxito obtenido, y con la promesa de libertad absoluta por parte de la compañía discográfica y del productor y escritor José Manuel Caballero Bonald (incluyendo la no obligación de aparecer en televisión ni de dar recitales en público), Aute vuelve al mundo de la música como intérprete y ese mismo año de 1973 graba “Rito” para Ariola, que saldría al año siguiente y que constituye el primero de los discos de la trilogía “Canciones de amor y de muerte”.

En 1975 se edita “Espuma”, con el subtítulo “canciones eróticas” y cuya contraportada incluye sendas citas de Paul Éluard y Vicente Aleixandre. De este trabajo, que tuvo un considerable éxito, se extrajo el single “Anda”, una de sus canciones más conocidas. A continuación comienza a grabar los temas de su siguiente disco, “Sarcófago”. El tema de este nuevo trabajo es la muerte por lo que, al no ser un tema comercial, se ve obligado por la compañía de discos a grabar “Babel”, un trabajo más comercial que finalmente saldría en 1976, mientras que “Sarcófago” lo hace en 1977. “Babel” es una especie de divertimento satírico e irónico sobre la sociedad de la época, con críticas a los toros, el fútbol, la base americana de Torrejón, el consumismo…

En 1977 comienza a escribir las canciones de su disco “Albanta” y varios poemas para lo que sería su nuevo libro “La liturgia del desorden”. Las cantantes Marisol, Massiel, Ana Belén y Rosa León graban canciones escritas por él. En febrero de 1978 actúa en Albacete acompañado a la guitarra por Jos Martin en una fiesta organizada por el sindicato CNT y en la que también participan Chicho Sánchez Ferlosio, Jesús Munárriz y Moncho Alpuente. Ante el éxito obtenido, a la semana siguiente actúa en Cuenca.

A continuación graba “Albanta”, nombre inventado por su hijo Pablo para referirse a un país imaginario e ideal. El disco supone un giro en su carrera, ya que los arreglos están dirigidos a la interpretación en directo y es el que tiene sonidos más roqueros de toda su discografía, fruto de la dirección musical y los arreglos de Teddy Bautista. Incluye el tema “Al alba”, probablemente el más famoso y significativo de toda la carrera de Aute, dedicado a las víctimas de los últimos fusilamientos del franquismo pero que no obstante consiguió burlar la censura de la época. “A por el mar” es otro de los himnos de la época. En julio es invitado por el gobierno cubano a participar en el Festival Mundial de la Juventud de La Habana, donde canta con Pablo Milanés, Silvio Rodríguez y Amaury Pérez, miembros de la Nueva Trova Cubana.

En 1986 graba el doble disco, con título homenaje a Pablo Neruda, “20 Canciones de Amor y un Poema Desesperado”, en el que revisa veinte de sus más conocidos temas y que termina con un poema recitado acompañado a la guitarra por Paco de Lucía. Participa en la grabación en el Teatro Salamanca del disco en directo “Joaquín Sabina y Viceversa en directo”, dedicándole a Joaquín Sabina una canción titulada “Pongamos que hablo de Joaquín”.

Ese mismo año, 1986, Ariola edita el recopilatorio «Lo Mejor de Luis Eduardo Aute» en formato LP. Cuatro años después, en 1990, es reeditado en CD dentro de la colección “Vida Cotidiana y Canciones” que realiza Ediciones del Prado, con permiso de BMG Ariola. Este archivo corresponde a esta reedición.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas compuestos por Luis Eduardo Aute)

  1.   «Al Alba» – 4:57
  2.   «De Alguna Manera» – 3:48
  3.   «Lástima, Luis» – 5:12
  4.   «Pasaba por Aquí» – 3:36
  5.   «No Te Desnudes Todavía» – 4:31
  6.   «Cuando Duermes» – 6:24
  7.   «Las Cuatro y Diez» – 3:17
  8.   «Una de Dos» – 4:57
  9.   «Siento que Te Estoy Perdiendo» – 5:51
  10.   «Lentamente» – 5:00
  11.   «Dos o Tres Segundos de Ternura» – 5:18
  12.   «Anda» – 4:11

Calidad: FLAC

 

 

 


Resubidas Alternativas (XVI)

 

[Neurastenias]

 

 

 

Resubo hoy 8 archivos del Ciclo de Rock Alternativo. Espero que los disfrutéis y dejéis vuestros comentarios para que los archivos no mueran.

Y de paso actualizo números:
214 seguidor@s y 252.141 visitas totales.
Creciendo alternativamente.
¡Salud, ciclotímic@s!

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Ciclo de Rock Alternativo

 

 

The Clash – London Calling [1979-Reed.1999]

 

 

 

The Cure – Faith [1981-Reed.1985]

 

 

 

Echo & The Bunnymen – Bring on the Dancing Horses (Maxi) [1985]

 

 

 

Echo & The Bunnymen – Lips Like Sugar (Maxi) [1987]

 

 

 

Alien Sex Fiend – Another Planet [1988]

 

 

 

Celestial Season – Solar Lovers [1995]

 

 

 

Queens of the Stone Age – QOTSA (Special Edition) [1998-2011]

 

 

 

System of a Down – Hypnotize [2005]

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 


Astor Piazzolla – Adiós Nonino (1983-Ed.1998)

 

[Otras Músicas]

 

Astor Pantaleón Piazzolla (Mar del Plata, 11 de marzo de 1921 – Buenos Aires, 4 de julio de 1992) fue un bandoneonista y compositor argentino considerado uno de los músicos más importantes del siglo XX,​ y el compositor más importante de tango en todo el mundo.

Estudió armonía, música clásica y contemporánea con la compositora y directora de orquesta francesa Nadia Boulanger. En su juventud tocó y realizó arreglos orquestales para el bandoneonista, compositor y director Aníbal Troilo. Cuando comenzó a hacer innovaciones en el tango en lo que respecta a ritmo, timbre y armonía, fue muy criticado por los tangueros de la “guardia vieja”, ortodoxos en cuanto a ritmo, melodía y orquestación.

Cuando en los años 1950 y 1960 los tangueros tradicionales —que lo consideraban “el asesino del tango”— decretaron que sus composiciones no eran tango, Piazzolla respondió con una nueva definición: “Es música contemporánea de Buenos Aires”.​ A pesar de esto, en Argentina las estaciones radiodifusoras no difundían sus obras y los comentaristas seguían atacando su arte. Durante años, tangueros y críticos musicales lo consideraron un esnob irrespetuoso que componía música “híbrida”, con exabruptos de armonía disonante.

Piazzolla se defendía atacando: “Sí, es cierto, soy un enemigo del tango; pero del tango como ellos lo entienden. Ellos siguen creyendo en el compadrito, yo no. Creen en el farolito, yo no. Si todo ha cambiado, también debe cambiar la música de Buenos Aires. Somos muchos los que queremos cambiar el tango, pero estos señores que me atacan no lo entienden ni lo van a entender jamás. Yo voy a seguir adelante, a pesar de ellos.”

En 1955 volvió desde París a Buenos Aires, donde formó una orquesta de cuerdas con músicos argentinos, en la que cantó Jorge Sobral (para esta formación compone “Tres minutos con la realidad”, obra síntesis entre el tango y la música de Stravinsky y Bartók), y el famoso Octeto Buenos Aires, conjunto considerado como el iniciador del tango moderno, tanto por su instrumentación (incluía por primera vez una guitarra eléctrica en un conjunto de tango), como por sus novedades armónicas y contrapuntísticas (acordes con 13as. aumentadas, seisillos y fugas).

En 1958 disuelve ambas formaciones y se marcha a Estados Unidos de Norteamérica, donde graba los dos únicos discos de lo que él llamó el jazz-tango (los cuales actualmente son muy difíciles de encontrar).

En 1959, durante una actuación en Puerto Rico, junto a Juan Carlos Copes y María Nieves, recibe la noticia de la muerte de su padre, Vicente Nonino Piazzolla. Astor vuelve a Nueva York, donde vivía con su familia, y allí compuso “Adiós Nonino”, su obra más célebre, que conservaría la sección rítmica del anterior tango “Nonino”, más una sentida elegía de despedida, que se convertiría en un sinónimo de Piazzolla a lo largo de los años.

Su hijo, Daniel Piazzolla recordaba la creación de esta obra: “Papá nos pidió que lo dejáramos solo durante unas horas. Nos metimos en la cocina. Primero hubo un silencio absoluto. Al rato, oímos que tocaba el bandoneón. Era una melodía muy triste, terriblemente triste. Estaba componiendo «Adiós Nonino».”

Frustrado por el intento del jazz-tango, vuelve a Buenos Aires en 1960 y forma la agrupación que definiría su estilo musical definitivamente: el Quinteto Nuevo Tango, formado en su primera versión, por Piazzolla en el bandoneón, Jaime Gosis en piano, Simón Bajour en violín, Kicho Díaz en contrabajo y Horacio Malvicino en guitarra eléctrica.

Con esta agrupación daría a conocer Adiós Nonino y todas las composiciones que dieron forma a su estilo y que serían las más recordadas: Las Estaciones (Verano Porteño, Otoño Porteño, Invierno Porteño y Primavera Porteña), La Serie del Ángel (Introducción al ángel, Milonga del ángel, Muerte del ángel y Resurrección del ángel), La Serie del Diablo (Tango diablo, Vayamos al diablo y Romance del diablo), Revirado, Fracanapa, Calambre, Buenos Aires Hora Cero, Decarísimo, Michelangelo ´70 y Fugata, entre otros. Esa última pieza está basada en la obra del compositor alemán Johann Sebastian Bach.

En 1973 sufre un infarto que le obliga a reducir su actividad, por lo que se instala en Italia, en donde permaneció grabando durante cinco años. Durante esos años formó el Conjunto Electrónico, un octeto integrado por bandoneón, piano eléctrico o acústico, órgano, guitarra, bajo eléctrico, batería, sintetizador y violín (el cual posteriormente fue reemplazado por una flauta traversa o saxo). La formación fue integrada por reconocidos músicos italianos como Giuseppe Prestipino (Pino Presti), bajo eléctrico, Tullio De Piscopo, batería. Tiempo más tarde, Astor incorporaría al octeto al cantante José Ángel Trelles.

En 1974 graba, junto a una orquesta de músicos italianos, los álbumes “Summit”, con Gerry Mulligan, y “Libertango”, cuyo éxito lo hace conocido en Europa. En 1975, después del fallecimiento de Aníbal Troilo, Astor compone en su memoria una obra en cuatro movimientos a la que llamó Suite Troileana, la cual grabó junto al Conjunto Electrónico. A partir de 1978 volvió a trabajar junto al quinteto Nuevo Tango y retomó la composición de obras sinfónicas y piezas de cámara.

En sus últimos años de vida fue reivindicado por intelectuales, jazzistas y músicos de rock de todo el mundo, al igual que por nuevos referentes del tango, y actualmente se lo considera como uno de los músicos argentinos más importantes en la historia de su país. Compuso también música para cerca de 40 películas.

El 4 de agosto de 1990 en París, sufrió una trombosis cerebral cayéndose en el baño de un apart-hotel parisino. Fue internado con un infarto cerebral del que no se recuperó. Lo trasladaron a Buenos Aires el 12 de agosto, de la que finalmente fallecería dos años después en Buenos Aires el 4 de julio de 1992, a los 71 años.​ Sus restos están inhumados en el cementerio Jardín de Paz, en la localidad de Pilar. En 1995 la Fundación Konex le confirió el Premio Konex de Honor por su incalculable aporte a la música en la Argentina.

En octubre de 1983, Piazzolla y su orquesta actúan en el Palacio del Congreso de Lugano, actuación grabada por la Radiotelevizione del Svizzera Italiana y Rete 2. Esta grabación fue recogida más tarde (1998) por Milan Music y Warner Music para su edición en formato CD, con el título de «Adiós Nonino».

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas compuestos por Astor Piazzolla)
 

  1.  «Adiós Nonino» – 8:33
  2.  «Escualo» – 3:13
  3. «Verano Porteño» – 6:34
  4. «Libertango» – 4:04
  5. «Biyuya» – 6:06
  6.  «Fracanapa» – 3:36
  7.  «Lunfardo» – 5:40
  8. «Revirado» – 3:16
  9. «Caliente» – 4:34
  10. «Decarísimo» – 2:40
  11.  «Milonga del Ángel» – 6:18
  12.  «Muerte del Ángel» – 2:50
  13. «Resurrección del Ángel» – 6:30

Calidad: FLAC