Entre 1971 y 1973 Mike Oldfield comenzó a ordenar las ideas musicales que bullían en su cabeza. Usando una grabadora de cuatro pistas que le prestó Kevin Ayers, dos pistas en un sentido y las otras dos en el otro, descubrió que si cubría el cabezal de borrado con un trocito de cartón podía grabar en cuatro pistas. De esta forma podría empezar a grabar las ideas necesarias para realizar su gran proyecto: crear una sinfonía, similar a las composiciones de gran escala para orquesta con diferentes movimientos que se podían encontrar en muchas obras de música clásica, pero utilizando para ello instrumentos de toda índole, sobre todo pertenecientes al mundo del pop-rock. Se ha mencionado que la Quinta Sinfonía de Jean Sibelius le influyó profundamente por aquel entonces.
Con la grabadora prestada se metió en el dormitorio de la casa que compartía con los otros miembros del grupo (Kevin Ayers & The Whole World), y las ideas para su nuevo trabajo empezaron lentamente a tomar forma. Ya metido en faena, Mike se decidió a tocar todos los instrumentos él mismo, y pensó que no le sería difícil con su don natural para la música el poder dominar casi cualquier instrumento; desde el xilófono al piano de cola, la guitarra clásica, el órgano Farfisa… Mientras aún trabajaba con Kevin Ayers, ayudaba también en las grabaciones que se hacían en los famosos estudios Abbey Road de Londres, donde tuvo la oportunidad de compartir algunas conversaciones con The Beatles. Pronto descubrió que el estudio tenía un almacén repleto de todo tipo de instrumentos, algunos de los cuales pertenecían al cuarteto de Liverpool, así que se las arreglaba para llegar más temprano y, mientras los demás usuarios del estudio llegaban, él experimentaba con esos instrumentos e incorporaba nuevos sonidos y texturas a su proyecto. Ensimismado en un trabajo que sabía iba a ser revolucionario, se propuso plasmar en él todas las profundas emociones que estaba experimentando como explorador de un campo musical virgen. La obra que estaba componiendo sería, además, un trabajo que se convertiría gradualmente en el vehículo para descargar sus emociones más profundas, y con las que más le estaba costando vivir.
Después de crear una primera maqueta, empezó a recorrer todas las discográficas tratando de convencer a alguien para que apoyase su proyecto. Por toda respuesta obtuvo negativas de las discográficas, que argumentaban que aquello «no era comercial» y que, si en algún caso llegaba a editarse, nadie lo compraría; obviamente, eso le había pasado por poner su fe en aquella poco trabajada maqueta. Tras haber compuesto la hipnótica introducción (la melodía más emblemática de su primera obra), seguiría acordándose de aquello: ¡si tan solo pudiese grabarlo, editarlo y promocionarlo!
El cuarto álbum de estudio de Mike Oldfield, «Incantations», fue producido por Mike Oldfield y publicado por Virgin Records el 24 de noviembre de 1978. Se trata de un álbum doble grabado en Througham Slam, Inglaterra, entre diciembre de 1977 y septiembre de 1978. Durante la composición de «Incantations», Oldfield se inspiró en poemas acerca de Hiawatha, por Henry Wordsworth Longfellow, y Diana, por Ben Johnson, y leyendas celtas. El resultado es un álbum donde se fusiona rock progresivo con música celta y percusión africana, en un estilo cercano al New Age. Entre los músicos de sesión se encuentran Mike Laird, Pierre Moerlen y Sally Oldfield. «Incantations» llegó al puesto 14 en el Reino Unido durante 14 semanas.
La portada fue nuevamente realizada por Trevor Key. La playa de la fotografía de portada es Cala Pregonda, en Menorca. La funda actual del CD tiene un tipo de letra diferente al de la ilustración del LP original. Las primeras copias del álbum venían con un póster que mostraba una fotografía sutilmente diferente de la utilizada en la portada.
En 2000, Virgin Records reeditó «Incantations» en versión remasterizada para la colección «Mike Oldfield Remasters». En 2011, Universal reeditó el álbum en un solo CD con el single «Guilty», como bonus track. La reedición de 2011 del álbum recibió nuevas ilustraciones, mostrando una nueva fotografía de la misma formación rocosa y ninguna imagen de Oldfield. La Edición Deluxe contenía el disco de la edición estándar, así como un segundo disco que contiene singles y otras piezas más pequeñas, y un DVD con mezclas 5.1, vídeos promocionales y una versión en vivo del álbum.
«Tubular Bells II» es el decimoquinto álbum de Mike Oldfield, grabado en Los Ángeles en 1992, con producción de Trevor Horn, y editado con su nueva discográfica, Warner Music, en agosto del mismo año. El álbum se concibió como una secuela del disco Tubular Bells de 1973. A este le siguió Tubular Bells III en 1998.
La discográfica Virgin Records había estado presionando durante varios años a Oldfield para que publicara una secuela de «Tubular Bells» antes de que terminara su contrato con ellos, pero Oldfield estaba dudando si hacerlo o no. A pesar de todo, el penúltimo disco que hizo con Virgin, «Amarok», fue más o menos una secuela conceptual de su disco de 1976 «Ommadawn».
Para «Tubular Bells II», Oldfield contó con la ayuda de Tom Newman, que también le había ayudado con el original y con Trevor Horn. «Early Stages» es una primera versión de lo que más tarde se convertiría en «Sentinel» se incluyó en la Cara B del single «Sentinel».
«Tubular Bells II» sigue en parte la estructura musical de «Tubular Bells». Se cogieron los temas del original y se recompusieron y se tocaron con más instrumentos. El resultado, un álbum con las mismas variaciones temáticas pero musicalmente nuevo. De hecho, muchos temas se pueden considerar como variaciones de temas de «Tubular Bells», mientras que otros no tienen mucho que ver salvo las sensaciones que puedan generar.
Si en «Tubular Bells» encontramos un tema recurrente, es a partir del final de «Sentinel» donde aparece un tema, siendo al final de «The Bell» donde se hace más notable. Y también, al contrario que el tema final de Tubular Bells, «Moonshine» es una composición original de Oldfield.
El actor inglés Alan Rickman, fue el encargado de anunciar los instrumentos al final de la primera mitad. Y en el estreno en Edimburgo el papel lo interpretó John Gordon Sinclair. Algunos de los títulos se cogieron de los relatos cortos de Arthur C. Clarke, incluyendo «Sentinel» y «Sunjammer». Otros títulos pueden hacer referencia a la ciencia ficción o al espacio en general, como por ejemplo «Dark Star» y «Weightless». «Dark Star» es también el título de una película de ciencia ficción de John Carpenter, que salió en 1973, el mismo año de publicación de Tubular Bells.
El álbum vuelve a utilizar el mismo tubo metálico (representando a un tubo de campanas tubulares. Es de color dorado sobre un fondo azul, al contrario que el del anterior disco, en el que la campana es gris sobre un fondo marítimo. Ambas imágenes fueron hechas por Trevor Key. «Tubular Bells II» llegó al puesto 1 en el Reino Unido y al puesto 5 de la lista de álbumes de New Age en 1992.
Evangelos Odysseas Papathanassiou, más conocido como Vangelis, es un afamado tecladista y compositor griego de música electrónica, orquestal, ambient y rock progresivo. Entre sus obras más conocidas destacan las partituras originales para las películas «Carros de Fuego» (ganadora del Oscar a la mejor banda sonora en 1981), «Blade Runner» (1982) y «1492: La conquista del paraíso» (1992).
Su música se caracteriza por el uso de sintetizadores y ocasionalmente instrumentos acústicos para crear atmósferas de sonido envolvente, en un tono generalmente grandioso y solemne. No es sencillo enmarcar su música dentro de un género en concreto, aunque es habitual que se le incluya entre las filas de las llamadas Nuevas Músicas, o de forma más amplia como músico clásico contemporáneo. En cualquier caso, la diversidad y complejidad de la obra contenida en su discografía hace difícil su catalogación como artista puramente New Age, ya que incluso es considerado uno de los pioneros de la vanguardia de la música electrónica nacida a mediados de los años 1970.
Los años ochenta comienzan exitosamente para Vangelis, consiguiendo la estatuilla de la Academia de Hollywood con su banda sonora para «Carros de Fuego» (Chariots of Fire), imponiéndose entre otros a John Williams y su partitura para «En busca del arca perdida». Es interesante mencionar el método que utiliza el griego para musicalizar películas, ya que suele limitarse a improvisar en los teclados mientras visualiza los montajes provisionales que le facilitan los directores siguiendo una técnica de «creación directa». Varios cineastas han comentado su asombro ante la capacidad de Vangelis para crear piezas sobre la marcha que encajen perfectamente con sus escenas.
En 1992, y tras la tibia acogida de «The City» (primer trabajo en el sello East West Records) Vangelis obtiene el espaldarazo necesario para continuar en la cima durante la nueva década. Lo consigue con el gran éxito de su banda sonora para «1492: La conquista del paraíso» (1492: Conquest of Paradise) (de nuevo junto a Ridley Scott, con quien ya había trabajado en «Blade Runner»). El tema central, «Conquest of Paradise», es una de las piezas más conocidas del músico, tanto que John Williams y Klaus Schulze han grabado sus propias versiones de este himno coral.
«1492: Conquest of Paradise» es una banda sonora compuesta por Vangelis para la película de mismo título dirigida por Ridley Scott, grabada en los CTS Studios de Londres y en el estudio propio de Vangelis Epsilon Laboratory de París y editada en 1992 por East West Records, con el propio Vangelis como productor. Contó con la colaboración de diferentes músicos: Bruno Manjarres y Pepe Martinez (guitarra acústica y voz), Didier Malherbe (flauta), Francis Darizcuren (mandolina) y el coro The English Chamber Choir. Las fotografías del film son obra de David Appleby y las interiores de Vangelis fueron tomadas por Sheila Rock.
La celebridad de «Conquest of Paradise» alcanza con rapidez el mundo de la publicidad, como había ocurrido en innumerables ocasiones con la música de Vangelis, siendo adoptado este tema por el boxeador Henry Maske para sus propias campañas de imagen.
Fuente: Wikipedia / Zonde
Lista de canciones:
(Todos los temas compuestos por Vangelis)
«Opening» – 1:21
«Conquest of Paradise» – 4:30
«Monastery of La Rabida» – 3:24
«City of Isabel» – 2:08
«Light and Shadow» – 3:31
«Deliverance» – 3:20
«West Across the Ocean Sea» – 2:44
«Eternity» – 1:53
«Hispanola» – 4:39
«Moxica and the Horse» – 6:42
«Twenty Eighth Parallel» – 4:47
«Pinta, Nina, Santa Maria (Into Eternity)» – 12:37
Evangelos Odysseas Papathanassiou, más conocido como Vangelis, es un afamado tecladista y compositor griego de música electrónica, orquestal, ambient y rock progresivo. Entre sus obras más conocidas destacan las partituras originales para las películas «Carros de Fuego» (ganadora del Oscar a la mejor banda sonora en 1981), «Blade Runner» (1982) y «1492: La conquista del paraíso» (1992).
Su música se caracteriza por el uso de sintetizadores y ocasionalmente instrumentos acústicos para crear atmósferas de sonido envolvente, en un tono generalmente grandioso y solemne. No es sencillo enmarcar su música dentro de un género en concreto, aunque es habitual que se le incluya entre las filas de las llamadas Nuevas Músicas, o de forma más amplia como músico clásico contemporáneo. En cualquier caso, la diversidad y complejidad de la obra contenida en su discografía hace difícil su catalogación como artista puramente New Age, ya que incluso es considerado uno de los pioneros de la vanguardia de la música electrónica nacida a mediados de los años 1970.
Los años ochenta comienzan exitosamente para Vangelis, consiguiendo la estatuilla de la Academia de Hollywood con su banda sonora para «Carros de Fuego» (Chariots of Fire), imponiéndose entre otros a John Williams y su partitura para «En busca del arca perdida». Es interesante mencionar el método que utiliza el griego para musicalizar películas, ya que suele limitarse a improvisar en los teclados mientras visualiza los montajes provisionales que le facilitan los directores siguiendo una técnica de «creación directa». Varios cineastas han comentado su asombro ante la capacidad de Vangelis para crear piezas sobre la marcha que encajen perfectamente con sus escenas.
Aunque algunos de sus trabajos más conocidos pertenecen al mundo de la música de cine y televisión, Vangelis ha logrado reconocimiento tanto por sus bandas sonoras como por sus discos de estudio. Entre sus obras se encuentran, además, varias creaciones para obras de teatro: «Elektra» (1983), «Medea» (1992), «Las Troyanas» (2001), «The Tempest» (2002). También ha compuesto para ballet: «R. B. Sque» (1983), «Frankenstein: Modern Prometheus» (1985) y «The Beauty and the Beast» (1986).
Ha desarrollado una carrera paralela como pintor, y ha realizado varias exposiciones internacionales. Su aporte a diversos proyectos de interés cultural le han afianzado como una personalidad de considerable peso mediático, especialmente en Grecia. En su honor, la Unión Astronómica Internacional dio su nombre a un asteroide, el (6354) Vangelis.
«Spiral» es el décimo álbum de estudio de Vangelis, grabado en los Nemo Studios de Londres, con Keith Spencer-Allen como ingeniero, asistido por Marlis Duncklau, y editado en 1977 por la discográfica RCA, con el propio Vangelis como productor. El diseño de la cubierta del LP estuvo a cargo del propio artista. El LP fue reeditado en formato CD en numerosas ocasiones, siendo este archivo perteneciente a la reedición que RCA realizó en dicho formato en 1993 para Canadá.
El álbum es completamente instrumental, salvo la voz procesada de Vangelis en «Ballad» (una de las pocas ocasiones en las cuales su voz aparece en uno de sus álbumes). Vangelis toca el sintetizador, el secuenciador, el piano eléctrico, las baterías y la percusión. Es el primer disco en el que Vangelis usa el sintetizador Yamaha CS-80, el cual sería ampliamente utilizado en trabajos posteriores. Spiral es un álbum con sonido futurístico. Vangelis hace un uso intensivo de la más avanzada tecnología de sintetizadores de ese momento, siendo su trabajo con la mayor utilización de secuenciadores de toda su carrera. Cada pieza tiene un estilo distintivo que las hace únicas.
Fuente: Wikipedia / Zonde
Lista de canciones:
(Todos los temas compuestos e interpretados por Vangelis)
Pink Floyd es una banda de rock británica, considerada un icono cultural del rock del siglo xx y una de las bandas más influyentes en la historia de la música, que obtuvo gran popularidad gracias a su música psicodélica que evolucionó hacia el rock progresivo con el paso del tiempo. Es conocido por sus canciones de alto contenido filosófico, la experimentación sónica, las innovadoras portadas de sus discos y sus elaborados espectáculos en vivo. Sus ventas sobrepasan los más de 300 millones de álbumes vendidos en todo el mundo.
Pink Floyd comenzó con gran éxito en la escena underground londinense a finales de los años sesenta, con Syd Barrett como principal compositor. La salida de Barrett hizo que el cantante y bajista Roger Waters se convirtiera gradualmente en la fuerza conductora y dominante en la primera mitad de los años setenta, la época de mayor éxito en ventas de la banda, hasta su abandono en 1985. El grupo grabó durante esta época muchos álbumes que se convirtieron en grandes éxitos comerciales, como «The Dark Side of the Moon» (1973), «Wish You Were Here» (1975), «Animals» (1977) y «The Wall» (1979).
Después de 1973, Pink Floyd se distanció de la psicodelia y se convirtió en una banda difícil de clasificar. Los distintos estilos de cada uno de los compositores confluyeron en uno único, que cristalizó en las dos obras más importantes de su discografía, para crítica y público: «The Dark Side of the Moon» (1973) y «Wish You Were Here» (1975). En ambas obras, Gilmour se convirtió en el principal vocalista de la formación, mientras que los coros femeninos y el saxofón de Dick Parry adquirieron especial relevancia. El ambiente de colaboración se había ido enfriando en la época anterior, hasta que Waters tomó el timón compositivo, en el aspecto musical y letrístico, en el disco «The Dark Side of the Moon». La última colaboración de Wright como vocalista y como compositor se dio en los temas «Time» y «Shine on You Crazy Diamond», respectivamente, mientras que las aportaciones compositivas de Gilmour descendieron abruptamente hasta que Waters dejó la banda en 1985.
«Animals» es el décimo álbum de estudio de la banda británica de rock progresivo Pink Floyd, grabado de abril a noviembre de 1976 en los Britannia Row Studios de Londres y editado en enero de 1977 a través de Harvest/EMI en el Reino Unido y en febrero en Estados Unidos de Norteamérica por Columbia Records. Es un álbum conceptual que critica de forma mordaz las condiciones sociopolíticas de Inglaterra y la decadencia del mundo industrializado de los años 1970. El disco supone además un cambio en el estilo musical respecto a su anterior trabajo, «Wish You Were Here».
Con la publicación de «Animals», la música de la banda comenzó a ser criticada por parte de los seguidores del punk rock por haberse convertido en demasiado pretenciosa, al haber perdido de vista la simplicidad del rock and roll. Sin embargo, «Animals» está considerado como un trabajo más guitarrero que los anteriores, en parte debido a la influencia del emergente movimiento punk y al hecho de que fue grabado en los nuevos estudios de Pink Floyd, Britannia Row. La producción del álbum se vio salpicada por los primeros signos de discordia que varios años después culminarían con la marcha de Richard Wright de la banda, quien no incluyó ninguna composición en el disco, siendo el primero con esta singularidad.
Como en muchos de sus antecesores, «Animals» posee varias canciones relacionadas entre sí por un mismo tema, en este caso inspirado en la novela «Rebelión en la Granja» de George Orwell. En el disco, las canciones «Sheep», «Pigs» o «Dogs» se emplean como metáforas de la sociedad contemporánea. En esta metáfora, los perros («Dogs») son los mandamases de la industria, los cerdos («Pigs») representan a la clase política británica de entonces, aludiendo indirectamente a figuras como la de Margaret Thatcher, y las ovejas («Sheep») representan al resto de habitantes, que se dejan llevar por los perros y los cerdos sin rebelarse.
La imagen de la portada del álbum -un cerdo flotando entre dos de las chimeneas de la estación eléctrica Battersea Power Station- fue diseñada por el compositor y bajista Roger Waters, y producido por el colaborador habitual de Pink Floyd, Hipgnosis. El cerdo inflable, al que los miembros de la banda le pusieron de nombre «Algie», se convirtió en uno de los símbolos de la banda, y permaneció como una parte más de los espectáculos en directo del grupo.
A pesar del protagonismo de la guitarra, los teclados y sintetizadores aún juegan un papel importante en «Animals», pero el característico saxofón de Dick Parry y los coros femeninos desaparecieron de las composiciones. Muchos críticos no respondieron bien al álbum, calificándolo como «tedioso» y «sombrío». A pesar de ello, obtuvo reseñas positivas en el Reino Unido, y alcanzó el puesto número dos de ventas. También fue un éxito de ventas en EUNA, en donde llegó al puesto número tres de la lista Billboard 200. Asimismo fue nº 1 en Nueva Zelanda, nº 2 en Australia y Noruega, y nº 3 en Suecia. Aunque sólo permaneció en las listas estadounidenses seis meses, las ventas constantes han conseguido que sea certificado platino en cuatro ocasiones por la RIAA.
NME llamó el álbum «uno de los pedazos iconoclásticos de música más extremos, implacables, desgarradores y francos en salir a este lado del sol», mientras que Karl Dallas de Melody Maker escribió: «Es una prueba inconformista de realidad en un medio que se ha vuelto con los años, cada vez más soporífico». Frank Rose de Rolling Stone escribió que «el Floyd de 1977 se ha tornado amargo y taciturno. Se quejan de la duplicidad del comportamiento humano (y después titulan sus canciones como animales —¿lo cogéis?). Suenan como si acabasen de descubrir esto —su mensaje ha perdido sentido y se ha vuelto tedioso».
Fue reeditado en CD en 1985, y en EUNA en 1987. En 1994 se volvió a reeditar con una remasterización digital (CD) y nueva presentación, y como LP digitalmente remasterizado en 1997. Ese mismo año se lanzó una edición especial por el 20º aniversario de su lanzamiento en EUNA, seguido de una reedición de Capitol Records en el año 2000. El álbum también se incluye en las cajas recopilatorias «Shine On» y «Oh, By the Way». Este archivo corresponde a la reedición remasterizada de 1994 a cargo de EMI.
Después de la gira de promoción de «Animals», cada uno de los miembros de Pink Floyd se embarcó en sendos proyectos en solitario. Gilmour grabó y publicó el álbum «David Gilmour» en 1978, el mismo año en el que Rick Wright publicó «Wet Dream», y Nick Mason trabajó brevemente en la producción del álbum «Steve» de Steve Hillage (miembro de Gong). El único que no se distrajo de la actividad de Pink Floyd fue Roger Waters, quien trabajó en dos proyectos distintos: «The Pros and Cons of Hitch Hiking» y «The Wall». El resto de integrantes eligió éste último como el siguiente álbum, y «Pros and Cons» se convertiría posteriormente en el primer álbum en solitario de Waters.
Fuente: Wikipedia / Zonde
Lista de canciones:
(Todos los temas de Roger Waters, excepto «Dogs»: Waters/Gilmour)
Pink Floyd es una banda de rock británica, considerada un icono cultural del rock del siglo xx y una de las bandas más influyentes en la historia de la música, que obtuvo gran popularidad gracias a su música psicodélica que evolucionó hacia el rock progresivo con el paso del tiempo. Es conocido por sus canciones de alto contenido filosófico, la experimentación sónica, las innovadoras portadas de sus discos y sus elaborados espectáculos en vivo. Sus ventas sobrepasan los más de 300 millones de álbumes vendidos en todo el mundo.
Pink Floyd comenzó con gran éxito en la escena underground londinense a finales de los años sesenta, con Syd Barrett como principal compositor. La salida de Barrett hizo que el cantante y bajista Roger Waters se convirtiera gradualmente en la fuerza conductora y dominante en la primera mitad de los años setenta, la época de mayor éxito en ventas de la banda, hasta su abandono en 1985. El grupo grabó durante esta época muchos álbumes que se convirtieron en grandes éxitos comerciales, como «The Dark Side of the Moon» (1973), «Wish You Were Here» (1975), «Animals» (1977) y «The Wall» (1979).
«Atom Heart Mother» («Madre de corazón atómico» en castellano) es el quinto álbum de la banda británica Pink Floyd, grabado entre marzo y agosto de 1970 en los Abbey Road Studios de Londres, con producción del propio grupo y Alan Parsons como ingeniero de sonido, y editado el 10 de octubre de 1970 por la discográfica Harvest (más tarde EMI). Es la primera grabación de la banda con una orquesta y contó con la colaboración del músico Ron Geesin. El nombre fue una decisión apresurada de los integrantes a partir de un artículo de prensa donde se anunciaba que una mujer con un marcapasos atómico implantado había logrado dar a luz. La portada también fue un trabajo casi improvisado; de hecho, el fotógrafo Tony May declaró que, a causa de la falta de tiempo, se había ido al campo a tomar una foto de lo primero que vio. El diseño final de carpeta fue obra de Hipgnosis.
En una cara del disco aparece una suite de rock sinfónico de 23 minutos, titulada «Atom Heart Mother», mientras que la otra presenta tres temas, cada uno de un vocalista y compositor de la formación («If», de Waters; «Fat Old Sun», de Gilmour; y «Summer ’68», de Wright). Otra de las canciones, «Alan’s Psychedelic Breakfast», consiste en un collage sonoro de un hombre cocinando y tomando el desayuno mientras de fondo suenan sus pensamientos acompañados de líneas instrumentales. El hombre en cuestión es Alan Styles, uno de los técnicos de sonido que la banda tenía a su servicio.
La banda se esmeró mucho en la pieza sinfónica, que fue muy difícil de grabar debido a que cada cierto tiempo iban aumentando el número de pistas en el estudio; debido a eso, Waters y Mason tuvieron que grabar las bases rítmicas antes y por separado, de manera muy meticulosa. Además, Ron Geesin (que fue quien escribió las partituras de orquesta para este tema) había escrito partes técnicamente difíciles para los músicos de orquesta, que además se mostraron reacios a que los dirigiera Geesin. Mientras grababan, se vieron obligados a poner la pista de la orquesta (ya grabada) para no perderse en el «tiempo». La pieza dura cerca de 23:44, siendo ésta la segunda más larga del grupo, después de todas las partes juntas de «Shine on you crazy diamond» (poco más de 25 minutos) y seguida de «Echoes», del álbum «Meddle», que tiene 23:31. Existe una versión en directo durante el concierto «Live at Montreaux» en 1971 que es notablemente larga, logrando un total de 31:49 minutos.
Aunque el álbum fue considerado como un paso atrás de la banda y uno de sus trabajos más inaccesibles, alcanzó el puesto más alto de toda su discografía hasta ese momento, llegando al primer puesto en el Reino Unido y al 55 en EUNA. La popularidad de «Atom Heart Mother» hizo que la banda se embarcara en su primera gira completa por Estados Unidos de Norteamérica.
Este archivo corresponde a la reedición en formato CD que EMI Records realizó para Reino Unido y Europa en 1994.
The Alan Parsons Project fue un grupo británico de rock progresivo formado en 1975 en Londres y activo hasta 1990. Liderado por el productor, ingeniero y compositor Alan Parsons y el productor ejecutivo, compositor y vocalista Eric Woolfson, en él participaron varios músicos de estudio y un grupo amplio de cantantes. En conjunto grabaron un total de 11 discos, acreditándose la mayoría de las canciones como Parsons/Woolfson, que lograron vender más de 50.000.000 de copias.
La mayoría de los discos de The Alan Parsons Project son álbumes conceptuales que comienzan con una canción instrumental que se fusiona con la segunda canción. También suele incluir una canción instrumental, en lo que sería el comienzo de la cara B, y finaliza con una canción energética y poderosa o melancólica y de tiempo lento. Una característica destacable es que en cada disco interpretan los temas varios cantantes invitados como Lenny Zakatek, John Miles, Gary Brookers, Chris Rainbow o Colin Blunstone, ejerciendo Eric Woolfson como cantante de manera esporádica. Por contra existe un grupo reducido y bastante estable de músicos de estudio que participaron con regularidad en las grabaciones como el arreglista y director de orquesta Andrew Powell, el guitarrista Ian Bairnson, el bajista y vocalista David Paton o el percusionista Stuart Elliot.
Alan Parsons y Eric Woolfson se conocieron en el verano de 1974 durante unas sesiones de trabajo en los Estudios Abbey Road. En aquel momento Parsons ejercía labores de ingeniero de sonido para Pink Floyd y por su parte Woolfson, letrista y compositor, era músico de estudio y estaba creando un disco inspirado en las obras de Edgar Allan Poe. Fruto de su encuentro decidieron unir sus talentos repartiéndose funciones: Parsons ejercería de productor y realizaría labores de ingeniería de sonido en las canciones compuestas por ambos. Su primera referencia se editó en mayo de 1976 «Tales of Mystery and Imagination», que se convirtió en un éxito, alcanzando el Top40 de la lista Billboard.
El grupo lanzó diez discos más, con un gran cuidado en la producción y creatividad, como «I Robot» (1977). Gozó de gran popularidad entre 1980 y 1985 con los álbumes «The Turn of a Friendly Card» (1980) o «Eye in the Sky» (1982), «Ammonia Avenue» (1983) y «Vulture Culture» (1984). Algunas de sus canciones más destacadas son «Don’t Answer Me», «Time», «Eye in the Sky», «Lucifer», «Silence & I» o «Games People Play». Hasta 2015 se han editado además 14 discos recopilatorios con las canciones de diferentes etapas.
«Tales of Mystery and Imagination» es el disco debut de The Alan Parsons Project, grabado y mezclado en los Abbey Road Studios de Londres entre julio de 1975 y enero de 1976, y editado en mayo de 1976 por 20th Century Records. El concepto del álbum gira en torno a la obra del escritor Edgar Allan Poe a través de siete canciones. La portada es obra del estudio Hipgnosis.
La idea original de Alan Parsons era hacer un álbum en el que él y Eric Woolfson aportarían la parte instrumental, mientras que una serie de cantantes invitados aportaban la parte vocal. Los vocalistas invitados para este LP fueron Arthur Brown, John Miles y Terry Sylvester.
La presentación inaugural de este trabajo en 1976 causó sensación, al ser presentado en el Observatorio del Planetario del Parque Griffith, en Inglaterra, acompañado de un show de iluminación láser.
Lo que hace al disco único, a diferencia de los posteriores, es que aún con toda la tecnología empleada, y con el concepto de progreso que caracterizó a The Alan Parsons Project, el sonido es maravillosamente antiguo y totalmente alejado del modernismo.
El álbum fue remasterizado y reeditado en formato CD por primera vez en 1987 por Mercury Records. En 2003 se reeditó con portada levemente diferente en formato CD en Iberia, dentro de la colección «Los Discos de tu Vida» que ofrecía el diario El País; este archivo corresponde a esta última reedición.
Fuente: Wikipedia / Zonde
Lista de canciones:
(Todos los temas compuestos por Alan Parsons y Eric Woolfson, excepto «The Fall of the House of Usher»: Woolfson – Powell – Parsons)
«A Dream Within a Dream» – 4:13
«The Raven» – 3:57
«The Tell-Tale Heart» – 4:38
«The Cask of Amontillado» – 4:33
«(The System of) Doctor Tarr and Professor Fether» – 4:20
Entre 1971 y 1973 Mike Oldfield comenzó a ordenar las ideas musicales que bullían en su cabeza. Usando una grabadora de cuatro pistas que le prestó Kevin Ayers, dos pistas en un sentido y las otras dos en el otro, descubrió que si cubría el cabezal de borrado con un trocito de cartón podía grabar en cuatro pistas. De esta forma podría empezar a grabar las ideas necesarias para realizar su gran proyecto: crear una sinfonía, similar a las composiciones de gran escala para orquesta con diferentes movimientos que se podían encontrar en muchas obras de música clásica, pero utilizando para ello instrumentos de toda índole, sobre todo pertenecientes al mundo del pop-rock. Se ha mencionado que la Quinta Sinfonía de Jean Sibelius le influyó profundamente por aquel entonces.
Con la grabadora prestada se metió en el dormitorio de la casa que compartía con los otros miembros del grupo (Kevin Ayers & The Whole World), y las ideas para su nuevo trabajo empezaron lentamente a tomar forma. Ya metido en faena, Mike se decidió a tocar todos los instrumentos él mismo, y pensó que no le sería difícil con su don natural para la música el poder dominar casi cualquier instrumento; desde el xilófono al piano de cola, la guitarra clásica, el órgano Farfisa… Mientras aún trabajaba con Kevin Ayers, ayudaba también en las grabaciones que se hacían en los famosos estudios Abbey Road de Londres, donde tuvo la oportunidad de compartir algunas conversaciones con The Beatles. Pronto descubrió que el estudio tenía un almacén repleto de todo tipo de instrumentos, algunos de los cuales pertenecían al cuarteto de Liverpool, así que se las arreglaba para llegar más temprano y, mientras los demás usuarios del estudio llegaban, él experimentaba con esos instrumentos e incorporaba nuevos sonidos y texturas a su proyecto. Ensimismado en un trabajo que sabía iba a ser revolucionario, se propuso plasmar en él todas las profundas emociones que estaba experimentando como explorador de un campo musical virgen. La obra que estaba componiendo sería, además, un trabajo que se convertiría gradualmente en el vehículo para descargar sus emociones más profundas, y con las que más le estaba costando vivir.
Después de crear una primera maqueta, empezó a recorrer todas las discográficas tratando de convencer a alguien para que apoyase su proyecto. Por toda respuesta obtuvo negativas de las discográficas, que argumentaban que aquello «no era comercial» y que, si en algún caso llegaba a editarse, nadie lo compraría; obviamente, eso le había pasado por poner su fe en aquella poco trabajada maqueta. Tras haber compuesto la hipnótica introducción (la melodía más emblemática de su primera obra), seguiría acordándose de aquello: ¡si tan solo pudiese grabarlo, editarlo y promocionarlo!
Un rayo de luz iluminaría el futuro de Oldfield. Cuando Mike dejó la banda de Kevin Ayers definitivamente, para ganarse la vida trabajó ocasionalmente como guitarrista de sesión. Uno de esos trabajos lo llevó en la banda de acompañamiento de la producción londinense de Hair, el «musical de amor-rock tribal» por 5 £ la noche. También tocó por un tiempo el bajo en una banda comandada por el cantante de soul Arthur Lewis. El grupo iba a grabar a un estudio recientemente inaugurado en una mansión de Shipton-on-Cherwell, a 20 millas de Oxford. Los estudios de grabación The Manor fueron construidos por aquel entonces para Richard Branson por Tom Newman, asistido entre otros por Simon Heyworth. El reunido en The Manor era un equipo de buenos amigos, y también estaban allí las novias de algunos de ellos, así como un cocinero, limpiadoras y jardineros. Como Mike comentó más tarde, «todos los problemas que surgían los tratábamos como si fuesemos una gran familia».
El magnífico ambiente que reinaba en el estudio y la actitud de Newman y Heyworth dieron a Mike la oportunidad de grabar una nueva maqueta basada en los mismos desarrollos instrumentales que ya manejaba desde hacía tiempo. A Heyworth y Newman les encantó y asombró el abanico de ideas de Oldfield, y emprendieron una campaña de persuasión a Branson para que editara aquello y les dejara el estudio durante algún tiempo para grabarlo. De entrada parecía que aquel no era el momento apropiado; el proyecto debía esperar un poco a la llegada de Simon Draper (que se uniría a Branson, poseedor de una cadena de tiendas de discos) para crear una discográfica propia. Draper tenía un amplio conocimiento musical, y cuando escuchó las ideas de Mike, las apoyó inmediatamente.
Mike continuó desarrollando y refinando sus ideas, a las que ahora podía dar un nombre: «Tubular Bells», aunque en principio se barajasen nombres como «Breakfast in Bed» (Desayuno en la cama) y «Opus One» (Opus 1). Casi se había agotado la paciencia de Mike Oldfield cuando Draper le ofreció una semana de tiempo de estudio en The Manor. Una amplia selección de instrumentos fue llevada al estudio, y comenzó el trabajo. Durante esa semana se grabó algo más de la primera parte del álbum, y el resto emergió durante sesiones repartidas a lo largo de los siguientes meses.
Durante las sesiones, Mike tocó más de 20 instrumentos y se grabaron aproximadamente 2000 cintas de prueba. La música fue interpretada casi al completo por él mismo, con la excepción de Viv Stanshall (voces), Jon Field (flauta), Steve Broughton (percusión) y Mundy Ellis (voces); Newman y Simon Heyworth recibieron crédito como co-productores. Cuando terminaron las sesiones, Branson se llevó las cintas de Tubular Bells a la feria de la industria musical, MIDEM, en Cannes en enero de 1973. Un ejecutivo de la compañía americana Mercury Records le dijo, «si le pones letra te lo compró por 20.000 $». Como nadie se mostraba interesado en respetar el concepto original, Branson y Draper decidieron editar el álbum ellos mismos en su nueva discográfica, Virgin Records.
El álbum debut de Mike Oldfield, «Tubular Bells» («Campanas Tubulares») vio la luz el 25 de mayo de 1973. Oldfield habría compuesto la música teniendo 17 años, siendo ésta resultado de diversos desarrollos instrumentales que ya manejaba desde hacía un tiempo y que le permitieron desarrollar un abanico de ideas bastante diversas que se plasman en esta pieza musical de dos partes. Surgió de un proceso de grabación y mezcla al que habría podido llamarse arte en estado puro. Los críticos hicieron lo que pudieron para definirlo, pero los aplausos fueron unánimes: el público simplemente abrió su corazón al nuevo artista y su magistral debut. La prensa británica se quedó perpleja. El influyente radio-DJ de la BBC John Peel escribió que aquel era «un disco que cubría genuinamente un nuevo e inexplorado territorio», con música que «combina lógica con sorpresa, sol con lluvia». «Una extensa obra, casi clásica en su estructura y en la forma en cómo el tema está establecido y diestramente trabajado», dijo el Melody Maker. Algunos entrevistadores incluso creían poder enumerar las influencias de Mike: «La textura de Tubular Bells recuerda bastante a Sibelius, Vaughan Williams, Michel Legrand y The Last Night of the Proms», escribió el productor televisivo Tony Palmer.
«Tubular Bells» fue a la vez el primer lanzamiento discográfico de la Virgin y el disco que logró introducir y consolidar la discográfica, siendo uno de sus discos más vendidos. El disco llegó inmediatamente al número uno de las listas de ventas británicas y permaneció en ellas durante varios meses, y al puesto 3 en la lista de Billboard en Estados Unidos de Norteamérica en 1974. En los primeros años de salir a la venta se registraron cerca de 16 millones de copias vendidas en todo el mundo, mayormente en Europa, y la crítica alabó la calidad y originalidad de la obra. El éxito de este disco fue tal que fue utilizada parte de la música para ser incluida como banda sonora de la película «El Exorcista», lo cual hizo conocido el disco en todo el mundo.
El éxito sorprendente logrado por «Tubular Bells» hizo millonario a Oldfield a los veinte años, pero también le significó una situación que terminó abrumando al artista, sumado a problemas personales, como la temprana muerte de su madre, que generó en él un inicial rechazo a la sobreexposición en los medios, una actitud que ha sido característica en él desde entonces.
Evangelos Odysseas Papathanassiou, más conocido como Vangelis, es un afamado tecladista y compositor griego de música electrónica, orquestal, ambient y rock progresivo. Entre sus obras más conocidas destacan las partituras originales para las películas «Carros de Fuego» (ganadora del Oscar a la mejor banda sonora en 1981), «Blade Runner» (1982) y «1492: La conquista del paraíso» (1992).
Su música se caracteriza por el uso de sintetizadores y ocasionalmente instrumentos acústicos para crear atmósferas de sonido envolvente, en un tono generalmente grandioso y solemne. No es sencillo enmarcar su música dentro de un género en concreto, aunque es habitual que se le incluya entre las filas de las llamadas Nuevas Músicas, o de forma más amplia como músico clásico contemporáneo. En cualquier caso, la diversidad y complejidad de la obra contenida en su discografía hace difícil su catalogación como artista puramente New Age, ya que incluso es considerado uno de los pioneros de la vanguardia de la música electrónica nacida a mediados de los años 1970.
Los años ochenta comienzan exitosamente para Vangelis, consiguiendo la estatuilla de la Academia de Hollywood con su banda sonora para «Carros de Fuego» (Chariots of Fire), imponiéndose entre otros a John Williams y su partitura para «En busca del arca perdida». El contenido del álbum en cuestión, tal y como sucederá con el resto de sus futuros trabajos para el cine, no guarda una relación estricta con las piezas utilizadas en la película, sino que éstas son reeditadas y reordenadas para crear una obra musical que funcione como disco de estudio, de cara a su escucha independiente. Es más, a menudo se tiene la sensación mientras se visiona la película «Carros de Fuego», dirigida por Hugh Hudson, de que en ella están efectivamente los temas del álbum, aunque parcialmente reinterpretados. También aparecen en la película temas del griego, como «Hymne», compuesto para el seminal «Opera Sauvage». En cualquier caso, debe aclararse que en las demás películas musicalizadas por Vangelis no cabe la menor duda de que los temas utilizados en el montaje se corresponden exactamente con las versiones del álbum, con independencia de que en éste haya temas inéditos o el orden de las piezas varíe.
Es interesante mencionar el método que utiliza el griego para musicalizar películas, ya que suele limitarse a improvisar en los teclados mientras visualiza los montajes provisionales que le facilitan los directores siguiendo una técnica de «creación directa». Varios cineastas han comentado su asombro ante la capacidad de Vangelis para crear piezas sobre la marcha que encajen perfectamente con sus escenas.
«Chariots of Fire» es una banda sonora compuesta por Vangelis, grabada en los Nemo Studios de Londres y editada en abril de 1981 por Polydor Records, con el propio Vangelis como productor. El álbum fue realizado para el film homónimo del director Hugh Hudson, ganador de cuatro Premios Óscar, siendo uno de ellos otorgado a este disco por Mejor Banda Sonora.
El tema «Jerusalem» no fue escrito ni interpretado por Vangelis, se trata de un poema de William Blake musicalizado por Hubert Parry. Aquí es interpretado por el Coro Ambrosiano.
El álbum fue digitalmente remasterizado y reeditado en formato CD en 2000 por la discográfica Polydor Records. Este archivo corresponde a dicha reedición.
Fuente: Wikipedia / Zonde
Lista de canciones:
(Todos los temas compuestos e interpretados por Vangelis, excepto 6: Hubert Parry, William Blake / The Ambrosian Singers)
Pink Floyd es una banda de rock británica, considerada un icono cultural del rock del siglo xx y una de las bandas más influyentes en la historia de la música, que obtuvo gran popularidad gracias a su música psicodélica que evolucionó hacia el rock progresivo con el paso del tiempo. Es conocido por sus canciones de alto contenido filosófico, la experimentación sónica, las innovadoras portadas de sus discos y sus elaborados espectáculos en vivo. Sus ventas sobrepasan los más de 300 millones de álbumes vendidos en todo el mundo.
Pink Floyd comenzó con gran éxito en la escena underground londinense a finales de los años sesenta, con Syd Barrett como principal compositor. La salida de Barrett hizo que el cantante y bajista Roger Waters se convirtiera gradualmente en la fuerza conductora y dominante en la primera mitad de los años setenta, la época de mayor éxito en ventas de la banda, hasta su abandono en 1985. El grupo grabó durante esta época muchos álbumes que se convirtieron en grandes éxitos comerciales, como «The Dark Side of the Moon» (1973), «Wish You Were Here» (1975), «Animals» (1977) y «The Wall» (1979).
«Wish You Were Here» —en castellano: «Desearíamos que Estuvieras Aquí» u «Ojalá Estuvieras Aquí» (según la edición)— es su noveno álbum de estudio, inspirado en el material que compusieron durante su gira europea de 1974, grabado de enero a julio de 1975 en los Estudios Abbey Road de Londres y editado en septiembre del mismo año por medio de Harvest Records (RU) y EMI (EUNA). Es el segundo álbum de Pink Floyd en utilizar una temática conceptual escrita íntegramente por Waters, y evoca su sentimiento de que la camaradería que alguna vez se había sentido entre los miembros de la banda, hacía tiempo que estaba ausente. Su temática explora la ausencia, la industria musical (o bien la ausencia de sentimientos humanos en el mundo de la industria musical) y los problemas mentales y también la añoranza del anterior miembro de la banda Syd Barrett.
Fue un éxito inmediato; la compañía discográfica EMI ni siquiera pudo editar las suficientes copias para satisfacer la demanda. Al comienzo recibió críticas positivas y negativas, aunque está posicionado en el puesto número 209 de la lista de los 500 mejores álbumes de la historia elaborada por la revista Rolling Stone, y fue el primer álbum en alcanzar el primer puesto en el Reino Unido y en EUNA (con 900.000 copias iniciales, la cantidad más alta de Columbia hasta la fecha).
El álbum fue certificado plata y oro (60.000 y 100.000 copias vendidas, respectivamente) en el Reino Unido el 1 de agosto de 1975, y oro en Estados Unidos de Norteamérica el 17 de septiembre de 1975. El 16 de mayo de 1997 fue certificado seis veces platino, y a fecha de 2004 ha vendido más de 13 millones de copias a nivel mundial. Columbia escogió «Have a Cigar» como primer sencillo extraído del álbum, con «Welcome to the Machine» como Cara B en EUNA.
Los miembros de la banda Richard Wright («Es un álbum que puedo escuchar por disfrute, y no hay muchos álbumes de Floyd con los que pueda hacer eso») y David Gilmour («Yo diría que es mi álbum favorito. El resultado final con todo, lo que fuera, definitivamente me ha dejado un álbum con el que puedo convivir de forma muy feliz. Me gusta mucho») coinciden en que es su álbum preferido de Pink Floyd.
«Wish You Were Here (Extraction Version)» es una reedición no oficial del famoso disco de Pink Floyd con grabaciones alternativas de estudio inéditas de los temas que lo componen, editado en 2013 por los sellos alemanes Extraction Records/Beat Schallplatten. En la cara A se ofrece «Shine On You Crazy Diamond» en su versión original, es decir, en una sola pieza completa de 25 minutos grabada en estudio en 1975, tal como fue concebida en una pieza sinfónica sin divisiones. En la cara B se agrupan el resto de temas, en demos de estudio de 1975 (caso de «Welcome to the Machine » y «Have a Cigar») y otra versión inédita de la canción homónima del álbum, en la que participa en las voces Stéphane Grapelli, grabada también en los estudios Abbey Road de Londres ese mismo año.
Fuente: Wikipedia / Zonde
Lista de canciones:
(Todas las letras escritas por Roger Waters)
«Shine On You Crazy Diamond» (Gilmour, Wright, Waters) – 25:08
Pink Floyd es una banda de rock británica, considerada un icono cultural del rock del siglo xx y una de las bandas más influyentes en la historia de la música, que obtuvo gran popularidad gracias a su música psicodélica que evolucionó hacia el rock progresivo con el paso del tiempo. Es conocido por sus canciones de alto contenido filosófico, la experimentación sónica, las innovadoras portadas de sus discos y sus elaborados espectáculos en vivo. Sus ventas sobrepasan los más de 300 millones de álbumes vendidos en todo el mundo.
Pink Floyd comenzó con gran éxito en la escena underground londinense a finales de los años sesenta, con Syd Barrett como principal compositor. La salida de Barrett hizo que el cantante y bajista Roger Waters se convirtiera gradualmente en la fuerza conductora y dominante en la primera mitad de los años setenta, la época de mayor éxito en ventas de la banda, hasta su abandono en 1985. El grupo grabó durante esta época muchos álbumes que se convirtieron en grandes éxitos comerciales, como «The Dark Side of the Moon» (1973), «Wish You Were Here» (1975), «Animals» (1977) y «The Wall» (1979).
Llamados por el director Barbet Schroeder para componer la banda sonora de la película «More», que se estrenaría en mayo de 1969, sus composiciones se editaron dos meses más tarde como álbum de estudio de Pink Floyd, «Music from the Film More». Schroeder dio a la banda una copia de la edición final de la película, les explicó la temática y dónde iría la música. Se acordó que la banda se produciría a sí misma. Se terminaron 16 temas, de los cuales 13 se incluyeron en el disco. Los adicionales «Seabirds», «Hollywood» y «Theme (Beat version)» sólo pueden escucharse en la película. El tema «Cymbaline» fue básico para la banda en giras posteriores.
«Music from the film «More»» es el tercer álbum de la banda británica Pink Floyd; también es la música compuesta y grabada en 1969 para la película More, dirigida por Barbet Schroeder. El álbum también es llamado simplemente «More». Es el primer disco de Pink Floyd sin la participación de Syd Barrett, que había abandonado el grupo en 1968 durante las sesiones de grabación de «A Saucerful of Secrets». También es el primer disco producido por Pink Floyd sin Norman Smith.
La musica del film fue grabada entre diciembre de 1968 y enero de 1969 en los Pye Studios de Londres, durante un breve período de ocho días. Posteriormente la banda revisitó su trabajo entre febrero y mayo en los estudios Abbey Road. Fue editado en LP el 13 de junio de 1969 por Columbia y EMI en Gran Bretaña y por Harvest/Capitol en EUNA. Alcanzó el nº 9 en las listas de Reino Unido y el nº 153 en las listas de Estados Unidos de Norteamérica luego de su re-edición en 1973. Se editó en disco compacto en 1987, y una versión remasterizada digitalmente fue editada en 1994 en Reino Unido, y en 1996 en EUNA, además de incluir un booklet expandido con fotos de la película.
En «More», los sonidos propios del movimiento underground psicodélico londinense, donde se dio a conocer el grupo, todavía son mayoritarios. Aun así, es un trabajo claramente de transición que entremezcla las alocadas y lisérgicas progresiones psicodélicas ‘barrettianas’ de temas como «Up the Khyber», con etapas mucho más atmosféricas y cercanas a la etapa progresiva como «Cymbaline». También es destacable el tema «A Spanish Piece», compuesto por Gilmour, de clara influencia flamenca, donde el guitarrista demuestra sus dotes con la guitarra clásica.
Como curiosidad, y en contra de lo que se piensa, el molino de la portada no es holandés, sino que es uno ibérico, concretamente el Molino Viejo de La Mola (Molí Vell de la Mola, en Formentera), cuya imagen se emplea en la portada del disco con un filtro de color.
Segundo álbum de los cántabros Bloque, en esta ocasión nos ofrecen un trabajo de corte conceptual, instrumentalmente y compositivamente mas elaborado, con largos pasajes instrumentales, efectos sonoros a cargo del invitado Tivo M. Salmón y en la misma línea en el contenido y mensaje de las letras cantadas en castellano que su álbum homónimo. Para muchos de sus seguidores «Hombre, Tierra y Alma» es considerado su mejor álbum, otros como yo consideran que es su siguiente trabajo: «El Hijo del Alba», pero la verdad es que ambos trabajos son insuperables y depende del día y el momento.
El álbum es abierto por «Humanidad indefensa» con una entrada de atmósferas apocalípticas y el paso de unos teclados bombásticos, voces desgarradoras, guitarras algo psicodélicas, siempre con el velo de telón de fondo de los teclados sinfónicos. Le sigue «Ya no hay nada en la calle», una balada muy sinfónica genesiana con la voz en tono dulce, los teclados y la acústica de protagonistas. «El llanto del poeta»; forman parte de un solo tema, que comienza con una semibalada con buenas letras y unos estribillos pegadizos muy poéticos con mucho lirismo: «porque están haciendo llorar al poeta». A continuación «¿El infierno esta aquí?» es una minisuite que se compone además de «Una posibilidad» y «El infierno esta aquí?» un tema marca de la casa Chapa, muy rockero algo heavy con aires de la movida madrileña, un intermezzo en tono de balada con intervención incluso de un Cello trae la calma, aunque vuelve la energía protagonizada por el duelo de las dos guitarras eléctricas y la intervención final de un mellotron.
«Meditación parte I» es la segunda minisuite, que tras una corta entrada solemne y mística de sintetizadores, da paso a «Descubrir el sentido terrible de la vida» con letras tan emblemáticas y actuales como «tened cuidado con el poder; va cambiando de color; poco a poco cambia según acontece; para convencernos usa mil trucos; cuando en realidad todo sigue igual» buenas melodías y un final, «Meditación parte II», con la melodía de los sintetizadores del comienzo.
«El verdadero silencio parte I» es la primera parte de esta tercera minisuite, en esta ocasión es Carlos Teran quien pone voces y donde también hay una magnífica intervención de solos de guitarra y sintetizadores. «La muerte renacida» consiste en efectos sonoros eclesiásticos que dan paso a un relato de unas estrofas líricas y poéticas en plan reivindicativo y amargura con un fondo de coros eléctricos que da paso a «El verdadero silencio parte II» con largos riffs de guitarra y cambios de ritmo progresivos. «Por fin he vuelto a ti» es el último tema e instrumental alegre con toques de folk cántabro y con los inevitables dobletes de guitarras.
Fuente: La Caja de Música
Bloque fue un grupo musical de rock urbano, rock progresivo y rock sinfónico nacido en Torrelavega, Cantabria, en el año 1973. En 1979 editan su segundo álbum, «Hombre, Tierra y Alma», a través del sello Chapa Discos (integrado en la discográfica Zafiro) con producción del propio grupo.
Pink Floyd es una banda de rock británica, considerada un icono cultural del rock del siglo xx y una de las bandas más influyentes en la historia de la música, que obtuvo gran popularidad gracias a su música psicodélica que evolucionó hacia el rock progresivo con el paso del tiempo. Es conocido por sus canciones de alto contenido filosófico, la experimentación sónica, las innovadoras portadas de sus discos y sus elaborados espectáculos en vivo. Sus ventas sobrepasan los más de 300 millones de álbumes vendidos en todo el mundo.
Pink Floyd comenzó con gran éxito en la escena underground londinense a finales de los años sesenta, con Syd Barrett como principal compositor. La salida de Barrett hizo que el cantante y bajista Roger Waters se convirtiera gradualmente en la fuerza conductora y dominante en la primera mitad de los años setenta, la época de mayor éxito en ventas de la banda, hasta su abandono en 1985. El grupo grabó durante esta época muchos álbumes que se convirtieron en grandes éxitos comerciales, como «The Dark Side of the Moon» (1973), «Wish You Were Here» (1975), «Animals» (1977) y «The Wall» (1979).
Después de 1973, Pink Floyd se distanció de la psicodelia y se convirtió en una banda difícil de clasificar. Los distintos estilos de cada uno de los compositores confluyeron en uno único, que cristalizó en las dos obras más importantes de su discografía, para crítica y público: «The Dark Side of the Moon» (1973) y «Wish You Were Here» (1975). En ambas obras, Gilmour se convirtió en el principal vocalista de la formación, mientras que los coros femeninos y el saxofón de Dick Parry adquirieron especial relevancia. El ambiente de colaboración se había ido enfriando en la época anterior, hasta que Waters tomó el timón compositivo, en el aspecto musical y letrístico, en el disco «The Dark Side of the Moon». La última colaboración de Wright como vocalista y como compositor se dio en los temas «Time» y «Shine on You Crazy Diamond», respectivamente, mientras que las aportaciones compositivas de Gilmour descendieron abruptamente hasta que Waters dejó la banda en 1985.
«Wish You Were Here» —en castellano: «Desearíamos que Estuvieras Aquí» u «Ojalá Estuvieras Aquí» (según la edición)— es su noveno álbum de estudio, inspirado en el material que compusieron durante su gira europea de 1974, grabado de enero a julio de 1975 en los Estudios Abbey Road de Londres y editado en septiembre del mismo año por medio de Harvest Records (RU) y EMI (EUNA). Es el segundo álbum de Pink Floyd en utilizar una temática conceptual escrita íntegramente por Waters, y evoca su sentimiento de que la camaradería que alguna vez se había sentido entre los miembros de la banda, hacía tiempo que estaba ausente. Su temática explora la ausencia, la industria musical (o bien la ausencia de sentimientos humanos en el mundo de la industria musical) y los problemas mentales y también la añoranza del anterior miembro de la banda Syd Barrett.
Conocido principalmente por el tema homónimo, las sesiones de grabación fueron arduas y complicadas, en parte por la idea de Roger Waters de dividir la canción «Shine On You Crazy Diamond» (una extensa canción de 26 minutos compuesta por nueve partes) en dos, para después unir cada mitad con tres nuevas composiciones. «Shine On» es un tributo a Barrett en el cual la letra trata expresamente de las consecuencias de su salida del grupo, recordado con frases como «Remember when you were young, you shone like the sun» («Acuérdate de cuando eras joven, brillabas como el sol») y «You reached for the secret too soon, you cried for the moon» («Intentaste conocer el secreto demasiado pronto, anhelaste la luna»). Barrett, irónicamente, se presentó en los estudios el 5 de junio mientras se grababa. A la banda le costó reconocerle debido a su sobrepeso y a su cambio de aspecto. Muchas de las pasadas influencias de la banda fueron mezcladas en esta canción, que termina con una referencia a uno de los primeros sencillos de la discografía de Pink Floyd, «See Emily Play». El resto de canciones, «Welcome to the Machine» y «Have a Cigar» (cantada por Roy Harper), exhiben, como se dice, una fuerte crítica a la industrialización de la música. Al igual que en su álbum previo, «Dark Side of the Moon», la banda utilizó distintos efectos de sonido y sintetizadores.
El diseño artístico del álbum, nuevamente en manos de Storm Thorgerson, contiene una funda negra y opaca que tapa la portada del mismo. El concepto existente detrás de «Welcome to the Machine» y «Have a Cigar» le sugirió el uso de un «choque de manos» (un gesto, a veces vacío), por lo que George Hardie diseñó una pegatina que contenía un logotipo de dos manos mecánicas chocándose para colocarlo en el envoltorio exterior de la portada. La portada del álbum se inspira en la idea de que la gente suele reprimir sus verdaderos sentimientos, por miedo a «quemarse», por lo que aparecen dos empresarios chocándose las manos, mientras uno de ellos está en llamas. «Getting burned» («Quemarse») además era frase común en la industria musical, usada a menudo por artistas a los que se les negaban regalías. Para la foto se utilizó a dos especialistas (Ronnie Rondell y Danny Rogers), uno de ellos embutido en un traje ignífugo y un traje de negocios encima del mismo. Tenía la cabeza protegida con una capucha, debajo de una peluca. La contracubierta del álbum representa un «empresario Floyd» sin rostro, que en palabras de Thorgerson estaba «vendiendo el alma» en el desierto (fotografiado en el desierto de Yuma en California). La ausencia de muñecas y tobillos representa su «traje de negocios vacío».
La mayor parte del disco se estrenó en el festival al aire libre de Knebworth en julio de 1975 (en el que también participó el cantante Roy Harper, quien puso voz a la canción «Have a Cigar») para después ser lanzado oficialmente en septiembre de ese mismo año.
Fue un éxito inmediato; la compañía discográfica EMI ni siquiera pudo editar las suficientes copias para satisfacer la demanda. Al comienzo recibió críticas positivas y negativas, aunque está posicionado en el puesto número 209 de la lista de los 500 mejores álbumes de la historia elaborada por la revista Rolling Stone, y fue el primer álbum en alcanzar el primer puesto en el Reino Unido y en EUNA (con 900.000 copias iniciales, la cantidad más alta de Columbia hasta la fecha).
En 1998 los lectores de la revista Q votaron para que «Wish You Were Here» estuviese en el puesto número 34 de su lista de los «mejores álbumes de todos los tiempos». En 2007, una de las emisoras de radio más grandes de Alemania, WDR 2, pidió que sus oyentes votaran «los 200 mejores álbumes de la historia». «Wish You Were Here» quedó en el primer puesto. Hasta 1991, fue el álbum de la historia de Pink Floyd que más rápidamente vendió.
El álbum fue certificado plata y oro (60.000 y 100.000 copias vendidas, respectivamente) en el Reino Unido el 1 de agosto de 1975, y oro en Estados Unidos de Norteamérica el 17 de septiembre de 1975. El 16 de mayo de 1997 fue certificado seis veces platino, y a fecha de 2004 ha vendido más de 13 millones de copias a nivel mundial. Columbia escogió «Have a Cigar» como primer sencillo extraído del álbum, con «Welcome to the Machine» como Cara B en EUNA.
Los miembros de la banda Richard Wright («Es un álbum que puedo escuchar por disfrute, y no hay muchos álbumes de Floyd con los que pueda hacer eso») y David Gilmour («Yo diría que es mi álbum favorito. El resultado final con todo, lo que fuera, definitivamente me ha dejado un álbum con el que puedo convivir de forma muy feliz. Me gusta mucho») coinciden en que es su álbum preferido de Pink Floyd.
Fue remasterizado y reeditado en CD en Reino Unido y Europa en 1994, con diseño gráfico nuevo. Este archivo corresponde a dicha reedición.
Fuente: Wikipedia / Zonde
Lista de canciones:
(Todas las letras escritas por Roger Waters)
«Shine On You Crazy Diamond (Parts I–V)» (Gilmour, Wright, Waters) – 13:30
«Welcome to the Machine» (Waters) – 7:31
«Have a Cigar» (Waters) – 5:08
«Wish You Were Here» (Waters, Gilmour) – 5:40
«Shine On You Crazy Diamond (Parts VI–IX)» (Waters, Wright, Gilmour) – 12:31
Pink Floyd es una banda de rock británica, considerada un icono cultural del rock del siglo xx y una de las bandas más influyentes en la historia de la música, que obtuvo gran popularidad gracias a su música psicodélica que evolucionó hacia el rock progresivo con el paso del tiempo. Es conocido por sus canciones de alto contenido filosófico, la experimentación sónica, las innovadoras portadas de sus discos y sus elaborados espectáculos en vivo. Sus ventas sobrepasan los más de 300 millones de álbumes vendidos en todo el mundo.
Pink Floyd comenzó con gran éxito en la escena underground londinense a finales de los años sesenta, con Syd Barrett como principal compositor. La salida de Barrett hizo que el cantante y bajista Roger Waters se convirtiera gradualmente en la fuerza conductora y dominante en la primera mitad de los años setenta, la época de mayor éxito en ventas de la banda, hasta su abandono en 1985. El grupo grabó durante esta época muchos álbumes que se convirtieron en grandes éxitos comerciales, como «The Dark Side of the Moon» (1973), «Wish You Were Here» (1975), «Animals» (1977) y «The Wall» (1979).
La publicación del superéxito «The Dark Side of the Moon» en marzo de 1973 (álbum conceptual y el octavo de estudio del grupo) marcó un antes y un después en la popularidad de la banda. Pink Floyd había dejado de editar sencillos desde 1968, cuando se publicó «Point Me at the Sky»; sin embargo, «Money» rompió esta tendencia y alcanzó el vigésimo puesto en EUNA. Por su parte, el álbum se convirtió en el primer número uno de la banda en este país, convirtiéndose en uno de los más vendidos en la historia de Estados Unidos de Norteamérica al sobrepasar los quince millones de copias, y uno de los más vendidos en todo el mundo, con más de cuarenta millones. Además, permaneció en el Billboard 200 durante 741 semanas, récord en aquel momento,1 incluyendo 591 consecutivas desde 1976 hasta 1988, lo que significó otro récord; se estima que alrededor de una de cada cuatro familias británicas posee una copia del disco en alguno de sus formatos. También se mantuvo en las listas británicas durante 301 semanas, aunque nunca superó el segundo lugar.
En este álbum el saxofón adquiere un papel muy importante, expresando las influencias del jazz, especialmente visibles en Wright, lo cual, junto con el protagonismo del coro femenino, ayuda a diversificar la textura del álbum. A lo largo de éste se escuchan varias veces extractos de entrevistas a algunos ayudantes del grupo reproducidas de fondo. Las letras y el sonido del álbum intentan describir de algún modo las presiones que sufre el ser humano a lo largo de su existencia. Su portada, que representa en un prisma el fenómeno de la dispersión de la luz, fue ideada por Storm Thorgerson y Audrey Powell.
El álbum está construido a partir de las ideas que Pink Floyd había explorado en sus conciertos y anteriores grabaciones, pero carece de las largas piezas instrumentales que caracterizaban a los trabajos posteriores a la marcha en 1968 de su miembro fundador, principal compositor y letrista, Syd Barrett. La temática del álbum incluye el conflicto, la avaricia, el envejecimiento y la enfermedad mental, tema este último inspirado en parte por el deterioro mental de Barrett.
El álbum se desarrolló como parte de una futura gira de la banda, estrenándose en directo varios meses antes de que siquiera hubieran comenzado las grabaciones en el estudio. El nuevo material se fue refinando a medida que avanzaba la gira, y fue grabado en dos sesiones en 1972 y 1973 en los Abbey Road Studios de Londres. Pink Floyd usó algunas de las técnicas de grabación más avanzadas de la época, incluyendo grabaciones multipista y loops. En varias de las pistas se usaron sintetizadores analógicos, mientras que una serie de entrevistas con la banda y el equipo técnico aparecen a lo largo del álbum en forma de citas filosóficas. Alan Parsons fue el responsable de algunos de los aspectos sónicos más innovadores del álbum, incluyendo la interpretación no léxica de Clare Torry.
Con una estimación de ventas de 50 millones de copias, es el álbum más exitoso de Pink Floyd y uno de los más vendidos a nivel mundial de la historia. Ha sido remasterizado y reeditado en dos ocasiones, además de haber sido versionado por varias bandas. Del álbum se extrajeron dos sencillos: «Money» y «Us and Them». Además de su éxito comercial, «The Dark Side of the Moon» es el álbum más popular entre los seguidores y críticos, y aparece frecuentemente en las listas de mejores álbumes de todos los tiempos.
Fuente: Wikipedia
Lista de canciones:
(Todas las letras escritas por Roger Waters)
«Speak to Me» (Nick Mason) – 1:07
«Breathe in the Air» (David Gilmour, Richard Wright, Roger Waters) – 2:49
«On the Run» (David Gilmour, Roger Waters) – 3:35
«Time» (contiene «Breathe Reprise») (David Gilmour, Nick Mason, Richard Wright, Roger Waters) – 7:04
«The Great Gig in the Sky» (Richard Wright, Clare Torry) – 4:47
«Money» (David Gilmour, Roger Waters) – 6:22
«Us and Them» (Richard Wright, Roger Waters) – 7:50
«Any Colour You Like» (David Gilmour, Nick Mason, Richard Wright) – 3:25
Mike Oldfield se sacó su licencia de piloto en 1979 y, un accidente un año después, le inspiró para hacer la canción que da título a su séptimo álbum, «Five Miles Out» de 1982. En agosto de 1980, Mike iba pilotando un Piper PA-31 Navajo bimotor sobre los Pirineos cuando se metió en una tormenta. «Fuimos lanzados como una tortita de harina, había hielo acumulándose en las hélices y lluvia en el parabrisas, y todo el mundo gritó ¡aaargh!», dijo en una entrevista. Aquel incidente sería conmemorado con una pintura encargada especialmente por Mike a un renombrado pintor de cuadros de aviones.
Gran parte del álbum fue grabado en el estudio instalado en la casa de Mike en Buckinghamshire entre septiembre de 1981 y enero de 1982. La casa fue elegida debido a la cercanía a los accesos a Londres y a un pequeño aeropuerto local en el que Mike podría volar con sus aviones. Fue publicado en 1982 por Virgin Records y producido por Oldfield, quien fue asistido por Tom Newman en la producción del tema «Five Miles Out». Mike Oldfield también fue el ingeniero de grabación, aunque fue asistido por Tom Newman en la canción «Five Miles Out» y por Richard Mainwaring en «Mount Teidi», una canción inspirada en el monte español Teide.
Mike Oldfield adoptó para este disco un estilo más cercano al pop rock. Al igual que “Platinum” y “QE2”, “Five Miles Out” combinaba una pista de larga duración con una serie de canciones individuales. La pieza más larga era «Taurus II», que incluía contribuciones del gaitero Paddy Moloney y un grupo de baile de Morris. Entre las canciones estaba «Family Man», con la voz solista de Maggie Reilly. Cuando «Family Man» fue editado como single, estuvo pululando por los puestos más bajos de las listas del Reino Unido. Al año siguiente, paradójicamente, una versión de Daryl Hall & John Oates fue un Top 10 Hit en América. «Family Man» fue un claro ejemplo de lo que Mike había conseguido con su trabajo. «Moonlight Shadow», «Family Man», «Shadow On The Wall», «Five Miles Out» y «Islands» son mucho más que simples canciones pop, pero de nuevo todas éstas hacen uso de un cambio dinámico y de textura.
El álbum incluyó, además, «Orabidoo», el cual incluye un fragmento dirigido por Young and Innocent, de Alfred Hitchcock, y «Five Miles Out», basado en un incidente aéreo ocurrido durante una breve gira española promocionando el álbum QE2 y en el cual Mike Oldfield casi pierde su vida. La carátula del álbum fue realizada por el piloto y pintor Gerald Coulson y refleja dicho incidente.
“Five Miles Out” fue el mayor éxito de Mike en el Reino Unido desde “Ommadawn”, y ello a pesar de que las críticas fueron desfavorables. Un crítico dijo que «Oldfield seguía tonteando consigo mismo sin ton ni son». “Five Miles Out” llegó al puesto 164 de los 200 álbumes más importantes en los Estados Unidos de Norteamérica, según Billboard, en 1982. En 2000, Virgin Records reeditó el álbum para la colección «Mike Oldfield Remastered», y en 2013, Universal reeditó dicho álbum en una versión remasterizada que incluía dos bonus tracks: el single «Waldberg (The Peak)», publicado en agosto de 1982 e incluido en «The Complete Mike Oldfield» en 1985, y el demo de «Five Miles Out», además de un segundo CD que incluía ocho canciones inéditas registradas en Colonia durante la gira de promoción de diciembre de 1982, y un DVD. Algunos de los músicos de sesión fueron Maggie Reilly, Morris Pert, Tim Cross, Carl Palmer y Graham Broad.
Según Mike Oldfield en su autobiografía, el término Five Miles Out («Cinco Millas de Distancia») es utilizado por pilotos para comunicar que están aproximándose a un aeropuerto.
Evangelos Odysseas Papathanassiou, más conocido como Vangelis, es un afamado tecladista y compositor griego de música electrónica, orquestal, ambient y rock progresivo. Entre sus obras más conocidas destacan las partituras originales para las películas «Carros de fuego» (ganadora del Oscar a la mejor banda sonora en 1981), «Blade Runner» (1982) y «1492: La conquista del paraíso» (1992).
Su música se caracteriza por el uso de sintetizadores y ocasionalmente instrumentos acústicos para crear atmósferas de sonido envolvente, en un tono generalmente grandioso y solemne. No es sencillo enmarcar su música dentro de un género en concreto, aunque es habitual que se le incluya entre las filas de las llamadas Nuevas Músicas, o de forma más amplia como músico clásico contemporáneo. En cualquier caso, la diversidad y complejidad de la obra contenida en su discografía hace difícil su catalogación como artista puramente New Age, ya que incluso es considerado uno de los pioneros de la vanguardia de la música electrónica nacida a mediados de los años 1970.
«Opera Sauvage» es un álbum del músico griego Vangelis, lanzado en 1979 por Polydor Records. Este trabajo fue compuesto como banda de sonido de un documental del mismo nombre acerca de la naturaleza, dirigido por el cineasta francés Frédéric Rossif. El diseño de la cubierta del álbum estuvo a cargo del mismo Vangelis.
Vangelis produjo este álbum durante su período electro-acústico, el cual fue el más productivo de toda su carrera musical. «Opera Sauvage» se acerca mucho más a su sonido clásico que sus anteriores composiciones para documentales de la naturaleza para el mismo director, tales como L’Apocalypse des animaux o La Fête Sauvage. Varios temas de sus trabajos para Rossif fueron reunidos en la recopilación «Sauvage et Beau» de 1996.
Por su estilo calmado, melodioso y climático, las canciones «L’Enfant», «Rêve» e «Hymne» han sido muy ampliamente utilizadas para ambientar documentales con escenas naturales, programas de TV o imágenes varias que requieran darle al cuadro cierta emoción o ambientación.
«Opera Sauvage» llegó al puesto 42 en el Billboard top 200, y permaneció en los rankings por 39 semanas.
Muse es una banda inglesa de rock alternativo originaria de Teignmouth, Devon. Sus integrantes desde su formación en la década de los años 90 son: Matthew Bellamy (compositor, voz, guitarra, teclado y piano), Dominic Howard (batería y percusión) y Christopher Wolstenholme (bajo eléctrico, teclados y coros). Tras el lanzamiento de su cuarto álbum, Morgan Nicholls comenzó a colaborar con la banda durante las presentaciones en vivo, haciéndose cargo de teclados, samples, de algunos coros, rara vez del bajo y últimamente de la segunda guitarra.
La banda es conocida por sus extravagantes shows en vivo, por fusionar géneros musicales como el rock espacial, rock progresivo, heavy metal, música clásica y electrónica en su estilo de rock alternativo, y por los excéntricos intereses de Matthew Bellamy en la conspiración global, la revolución, la astrofísica, vida extraterrestre, los fantasmas, la teología y el apocalipsis; temas que se ven reflejados en sus letras.
En 2011 la banda ganó su primer premio Grammy, al ganar en la categoría Mejor Álbum de Rock por «The Resistance».
«Absolution» es el tercer álbum de la banda inglesa Muse, editado en septiembre de 2003 en el Reino Unido a través de A&E Records. Fue el primer disco de la banda en editarse en Latinoamérica, bajo el sello discográfico Warner Bros. Muse continuó mezclando influencias clásicas y su estilo pesado, especialmente en canciones como «Butterflies and Hurricanes». La banda ha hecho referencias a un tema general en el disco: el fin del mundo y las reacciones a esta situación. Las letras son en su mayoría políticas, influenciadas principalmente por la entrada de Reino Unido en la Guerra de Irak.
Una edición especial incluía un DVD de 35 minutos que incluía entrevistas y escenas de la grabación, en las que se puede observar los poco ortodoxos métodos que se usaron para la producción, como el baterista Dominic Howard sumergido en una piscina hasta la cintura mientras golpea dos tambores, o el golpeo de latas contra el suelo para simular una marcha. La edición japonesa incluía una canción adicional al final, titulada «Fury». Esta canción fue incluida luego para su distribución en el resto del mundo como b-side del single «Sing for Absolution».
Fueron lanzados como sencillos las canciones «Stockholm Syndrome», «Time Is Running Out», «Hysteria», «Sing for Absolution» y «Butterflies and Hurricanes».
Lista de canciones:
(Todas las letras escritas por Matthew Bellamy, toda la música compuesta por Muse)
Bloque fue un grupo musical de rock urbano, rock progresivo y rock sinfónico nacido en Torrelavega (Cantabria) en el año 1973, cuando Luis Pastor, Juan José Respuela, Sixto Ruiz y Paco Baños, inspirándose en grupos como The Allman Brothers Band, Yes o King Crimson, decidieron dar rienda suelta a su imaginación musical y crear esta banda. Con la llegada del teclista Juan Carlos Gutiérrez encontraron el sonido que les caracterizaría, enérgico y envolvente, en el que destacan los solos a dos guitarras de Respuela y Ruiz, al modo de The Allman Brothers Band.
Aunque ya la música de Bloque (y el progresivo en general) no se adaptaba a lo que los consumidores de música pedían a principios de los 80, Bloque insistió en demostrar que se podían seguir haciendo trabajos de calidad a pesar de las nuevas modas, y así, tras tres trabajos espectaculares: «Bloque» (1978), «Hombre, Tierra y Alma» (1979) y «El Hijo del Alba» (1980), en 1981 graban su cuarto y último disco, «Música para la Libertad», editado de nuevo con el sello Chapa Discos en julio de 1981. De nuevo el mismo grupo ejerce de productor y de nuevo estrena batería. Esta vez es Javier de Juan el que ocupa el puesto. Se trata de un músico de sesión, futuro fundador de La Década Prodigiosa, que también acompañó a Cadillac (grupo que José María Guzmán formó en 1980 tras pasar por CRAG, Solera y Módulos) y La Mode, además de grabar en estudio con Mecano en los primeros tiempos del trío.
El saxo que se escucha en algunos temas lo tocó Emilio Martínez, y Sixto Ruiz, que permanecía de bajista (Luis Pastor seguía como técnico de sonido), también se ocupó del ya anticuado pero característico mellotrón. Respuela siguió con las guitarras y Juan Carlos Gutiérrez con los teclados más su potente y característica voz.
También de este álbum se extrajeron muestras en forma de singles. El 20 de julio de 1981 aparece el primero con «Detenidos en la Materia» y «Mágico y Salvaje», y, el 21 de diciembre del mismo año, el extraño segundo. Extraño porque todo él, según Vicente Romero, debió ser fruto del despiste, ya que en la cara B apareció el mismo tema que en la cara A del anterior (como A en este caso tenemos «Sólo Sentimiento») y la portada mostraba una fotografía correspondiente a «El Hijo del Alba».
El álbum fue reeditado en formato CD por Zafiro en 1991 y 2002.
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Entre 1971 y 1973 Mike Oldfield comenzó a ordenar las ideas musicales que bullían en su cabeza. Usando una grabadora de cuatro pistas que le prestó Kevin Ayers, dos pistas en un sentido y las otras dos en el otro, descubrió que si cubría el cabezal de borrado con un trocito de cartón podía grabar en cuatro pistas. De esta forma podría empezar a grabar las ideas necesarias para realizar su gran proyecto: crear una sinfonía, similar a las composiciones de gran escala para orquesta con diferentes movimientos que se podían encontrar en muchas obras de música clásica, pero utilizando para ello instrumentos de toda índole, sobre todo pertenecientes al mundo del pop-rock. Se ha mencionado que la Quinta Sinfonía de Jean Sibelius le influyó profundamente por aquel entonces.
El cuarto álbum de estudio de Mike Oldfield, «Incantations», fue producido por Mike Oldfield y publicado por Virgin Records el 24 de noviembre de 1978. Se trata de un álbum doble grabado en Througham Slam, Inglaterra, entre diciembre de 1977 y septiembre de 1978. Durante la composición de «Incantations», Oldfield se inspiró en poemas acerca de Hiawatha, por Henry Wordsworth Longfellow, y Diana, por Ben Johnson, y leyendas celtas. El resultado es un álbum donde se fusiona rock progresivo con música celta y percusión africana, en un estilo cercano al New Age. Entre los músicos de sesión se encuentran Mike Laird, Pierre Moerlen y Sally Oldfield. «Incantations» llegó al puesto 14 en el Reino Unido durante 14 semanas.
“Five Miles Out” fue el mayor éxito de Mike en el Reino Unido desde “Ommadawn”, y ello a pesar de que las críticas fueron desfavorables. Un crítico dijo que «Oldfield seguía tonteando consigo mismo sin ton ni son». “Five Miles Out” llegó al puesto 164 de los 200 álbumes más importantes en los Estados Unidos de Norteamérica, según Billboard, en 1982. En 2000, Virgin Records reeditó el álbum para la colección «Mike Oldfield Remastered», y en 2013, Universal reeditó dicho álbum en una versión remasterizada que incluía dos bonus tracks: el single «Waldberg (The Peak)», publicado en agosto de 1982 e incluido en «The Complete Mike Oldfield» en 1985, y el demo de «Five Miles Out», además de un segundo CD que incluía ocho canciones inéditas registradas en Colonia durante la gira de promoción de diciembre de 1982, y un DVD. Algunos de los músicos de sesión fueron Maggie Reilly, Morris Pert, Tim Cross, Carl Palmer y Graham Broad.
Bloque fue un grupo musical de rock urbano, rock progresivo y rock sinfónico nacido en Torrelavega (Cantabria) en el año 1973, cuando Luis Pastor, Juan José Respuela, Sixto Ruiz y Paco Baños, inspirándose en grupos como The Allman Brothers Band, Yes o King Crimson, decidieron dar rienda suelta a su imaginación musical y crear esta banda. Con la llegada del teclista Juan Carlos Gutiérrez encontraron el sonido que les caracterizaría, enérgico y envolvente, en el que destacan los solos a dos guitarras de Respuela y Ruiz, al modo de The Allman Brothers Band.
![Un Amor Entre Dos Mundos [Upside Down] (Juan Diego Solanas, 2012) DVDrip](https://i0.wp.com/ciclotimiazondica.wordpress.com/wp-content/uploads/2016/08/amorentre2mundos.jpg?resize=200%2C200&ssl=1)
Ciclotimia Zondica 
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