Entre 1971 y 1973 Mike Oldfield comenzó a ordenar las ideas musicales que bullían en su cabeza. Usando una grabadora de cuatro pistas que le prestó Kevin Ayers, dos pistas en un sentido y las otras dos en el otro, descubrió que si cubría el cabezal de borrado con un trocito de cartón podía grabar en cuatro pistas. De esta forma podría empezar a grabar las ideas necesarias para realizar su gran proyecto: crear una sinfonía, similar a las composiciones de gran escala para orquesta con diferentes movimientos que se podían encontrar en muchas obras de música clásica, pero utilizando para ello instrumentos de toda índole, sobre todo pertenecientes al mundo del pop-rock. Se ha mencionado que la Quinta Sinfonía de Jean Sibelius le influyó profundamente por aquel entonces.
Con la grabadora prestada se metió en el dormitorio de la casa que compartía con los otros miembros del grupo (Kevin Ayers & The Whole World), y las ideas para su nuevo trabajo empezaron lentamente a tomar forma. Ya metido en faena, Mike se decidió a tocar todos los instrumentos él mismo, y pensó que no le sería difícil con su don natural para la música el poder dominar casi cualquier instrumento; desde el xilófono al piano de cola, la guitarra clásica, el órgano Farfisa… Mientras aún trabajaba con Kevin Ayers, ayudaba también en las grabaciones que se hacían en los famosos estudios Abbey Road de Londres, donde tuvo la oportunidad de compartir algunas conversaciones con The Beatles. Pronto descubrió que el estudio tenía un almacén repleto de todo tipo de instrumentos, algunos de los cuales pertenecían al cuarteto de Liverpool, así que se las arreglaba para llegar más temprano y, mientras los demás usuarios del estudio llegaban, él experimentaba con esos instrumentos e incorporaba nuevos sonidos y texturas a su proyecto. Ensimismado en un trabajo que sabía iba a ser revolucionario, se propuso plasmar en él todas las profundas emociones que estaba experimentando como explorador de un campo musical virgen. La obra que estaba componiendo sería, además, un trabajo que se convertiría gradualmente en el vehículo para descargar sus emociones más profundas, y con las que más le estaba costando vivir.
Después de crear una primera maqueta, empezó a recorrer todas las discográficas tratando de convencer a alguien para que apoyase su proyecto. Por toda respuesta obtuvo negativas de las discográficas, que argumentaban que aquello «no era comercial» y que, si en algún caso llegaba a editarse, nadie lo compraría; obviamente, eso le había pasado por poner su fe en aquella poco trabajada maqueta. Tras haber compuesto la hipnótica introducción (la melodía más emblemática de su primera obra), seguiría acordándose de aquello: ¡si tan solo pudiese grabarlo, editarlo y promocionarlo!
El cuarto álbum de estudio de Mike Oldfield, «Incantations», fue producido por Mike Oldfield y publicado por Virgin Records el 24 de noviembre de 1978. Se trata de un álbum doble grabado en Througham Slam, Inglaterra, entre diciembre de 1977 y septiembre de 1978. Durante la composición de «Incantations», Oldfield se inspiró en poemas acerca de Hiawatha, por Henry Wordsworth Longfellow, y Diana, por Ben Johnson, y leyendas celtas. El resultado es un álbum donde se fusiona rock progresivo con música celta y percusión africana, en un estilo cercano al New Age. Entre los músicos de sesión se encuentran Mike Laird, Pierre Moerlen y Sally Oldfield. «Incantations» llegó al puesto 14 en el Reino Unido durante 14 semanas.
La portada fue nuevamente realizada por Trevor Key. La playa de la fotografía de portada es Cala Pregonda, en Menorca. La funda actual del CD tiene un tipo de letra diferente al de la ilustración del LP original. Las primeras copias del álbum venían con un póster que mostraba una fotografía sutilmente diferente de la utilizada en la portada.
En 2000, Virgin Records reeditó «Incantations» en versión remasterizada para la colección «Mike Oldfield Remasters». En 2011, Universal reeditó el álbum en un solo CD con el single «Guilty», como bonus track. La reedición de 2011 del álbum recibió nuevas ilustraciones, mostrando una nueva fotografía de la misma formación rocosa y ninguna imagen de Oldfield. La Edición Deluxe contenía el disco de la edición estándar, así como un segundo disco que contiene singles y otras piezas más pequeñas, y un DVD con mezclas 5.1, vídeos promocionales y una versión en vivo del álbum.
Anathema es una banda británica fundada en Liverpool en 1990 y que, junto con Paradise Lost y My Dying Bride, colaboró con el desarrollo del doomdeath metal. A partir de su tercer álbum, «Eternity» (1996), Anathema se ha ido alejando paulatinamente de la escena doom e incluso del metal, siendo considerada en la actualidad una banda de rock progresivo y rock alternativo, con influencias de un rock progresivo atmosférico.
«Judgement» es el quinto álbum de la banda de rock/metal británica Anathema, grabado y mezclado en los estudios Damage Inc. (Ventimiglia, Italia) entre febrero y abril de 1999 y editado el 21 de junio de 1999 por Music for Nations. Si «Alternative 4» había dejado totalmente atrás el sonido doom, se puede considerar a «Judgement» como el último álbum de Anathema dentro del metal con influencias góticas, es decir, el último en contar con guitarras realmente pesadas, poniendo énfasis en temas lentos y experimentales. Este nuevo sonido ha sido comparado con bandas como Pink Floyd y Jeff Buckley.
«One Last Goodbye» fue dedicado a Helen Cavanagh (1949-1998), madre de los hermanos Cavanagh. Las canciones «Deep», «Pitiless», «Forgotten Hopes» y «Destiny Is Dead» estaban continuadas entre sí en el álbum original como si formaran una sola pieza del álbum. Los singles editados fueron «Deep» y «Make it Right».
Pink Floyd es una banda de rock británica, considerada un icono cultural del rock del siglo xx y una de las bandas más influyentes en la historia de la música, que obtuvo gran popularidad gracias a su música psicodélica que evolucionó hacia el rock progresivo con el paso del tiempo. Es conocido por sus canciones de alto contenido filosófico, la experimentación sónica, las innovadoras portadas de sus discos y sus elaborados espectáculos en vivo. Sus ventas sobrepasan los más de 300 millones de álbumes vendidos en todo el mundo.
Pink Floyd comenzó con gran éxito en la escena underground londinense a finales de los años sesenta, con Syd Barrett como principal compositor. La salida de Barrett hizo que el cantante y bajista Roger Waters se convirtiera gradualmente en la fuerza conductora y dominante en la primera mitad de los años setenta, la época de mayor éxito en ventas de la banda, hasta su abandono en 1985. El grupo grabó durante esta época muchos álbumes que se convirtieron en grandes éxitos comerciales, como «The Dark Side of the Moon» (1973), «Wish You Were Here» (1975), «Animals» (1977) y «The Wall» (1979).
Después de 1973, Pink Floyd se distanció de la psicodelia y se convirtió en una banda difícil de clasificar. Los distintos estilos de cada uno de los compositores confluyeron en uno único, que cristalizó en las dos obras más importantes de su discografía, para crítica y público: «The Dark Side of the Moon» (1973) y «Wish You Were Here» (1975). En ambas obras, Gilmour se convirtió en el principal vocalista de la formación, mientras que los coros femeninos y el saxofón de Dick Parry adquirieron especial relevancia. El ambiente de colaboración se había ido enfriando en la época anterior, hasta que Waters tomó el timón compositivo, en el aspecto musical y letrístico, en el disco «The Dark Side of the Moon». La última colaboración de Wright como vocalista y como compositor se dio en los temas «Time» y «Shine on You Crazy Diamond», respectivamente, mientras que las aportaciones compositivas de Gilmour descendieron abruptamente hasta que Waters dejó la banda en 1985.
«Live at Pompeii» es una película documental de un concierto del grupo de rock británico Pink Floyd actuando en el antiguo anfiteatro romano de Pompeya sin público. Las interpretaciones de «Echoes», «One of These Days» y «A Saucerful of Secrets» fueron filmadas entre el 4 de octubre y el 7 de octubre de 1971, mientras que el resto de canciones fueron filmadas en un estudio de París junto con proyecciones del anfiteatro de Pompeya. Estas secuencias de París fueron filmadas a finales de 1971 y comienzos de 1972, y pueden distinguirse por la presencia de barba de Rick Wright. Esta versión fue distribuida en cines en septiembre de 1972 y también se incluye en la versión en DVD como extras. En agosto de 1974 se publicó otra versión que combina el material de Pompeya con filmaciones durante las sesiones del disco «The Dark Side of the Moon» en los estudios Abbey Road.
Fuente: Wikipedia / Zonde
Lista de canciones:
«Logo» — 1:44
«Intro / Echoes Part 1» — 11:26
«Careful with that Axe, Eugene» — 6:20
«A Saucerful of Secrets» — 9:45
«One of These Days I’m Going to Cut You Into Little Pieces» — 5:19
«Set the Controls for the Heart of the Sun» — 9:49
Itoiz fue un grupo vasco de folk rock y rock progresivo formado en Motrico en 1978, aunque en realidad la cosa venía de mas atrás. Nació de un grupo de verbena llamado Indar Trabes, en el que estaban todos los futuros miembros de Itoiz. Indar Trabes eran bastante conocidos por el País Vasco, pero eso mismo les movió a no usar ese nombre para su disco, pues el público podría pensar que su música era la misma que tocaban en los bailes de los pueblos.
El primer disco, «Itoiz» (1978), es una absoluta maravilla. El hecho de que cantasen en euskera hizo difícil que el gran público les aceptara en otros lugares. La formación era: Juan Carlos Pérez (voz y guitarra), José Garate (bajo y voz), Antton Fernández (teclados), Joseba Erkiaga (flauta) y Estanis Osinalde (batería), más su mánager Ángel Azkarraga que también figuraba en este primer disco como un miembro más. El disco tiene mucho de folk, un tanto de jazz y bastante de progresivo. «Lau Teilatu» se convertiría en el himno de la banda, una canción que en el País Vasco es muy conocida y los catapultó al éxito. Curiosamente, la letra habla de dos amigos que se encuentran por las fiestas de los pueblos, clara referencia al pasado del grupo por las verbenas.
El grupo se deshizo como consecuencia de los compromisos militares de sus miembros y su líder, Juan Carlos Pérez, decidió sacar un disco en solitario. Toda la música era suya, mientras que para las surrealistas letras recurrió de nuevo a Joseba Alkalde. El disco se llamó «Ezekiel» (1980) y, para aprovechar el tirón de «Lau Teilatu», acabó apareciendo bajo el nombre de Itoiz, pese a que sólo Fernández y Erkiaga colaboraban en él junto a Pérez. El resto eran músicos de estudio contratados para la ocasión. Sin embargo, el resultado fue extraordinario. Un paso adelante en el sonido aventurero del grupo, que incorpora cantantes femeninas en algún tema y bastantes novedades instrumentales como el uso de saxo, violín o cuatro. Todos los títulos de las canciones hacen referencia al personaje de Ezekiel, para acentuar el carácter conceptual del disco, aunque se puede decir que son letras de difícil entendimiento.
Tras este disco vuelve Foisis, una vez acabada la mili, e Itoiz continúa su trayectoria como grupo. Su siguiente trabajo es «Alkolea» (1982) que significa un cierto paso atrás. Todas las canciones son de Pérez, salvo «Marilyn: sagardotegia eta jazzmana», un curioso reggae con órgano de Antton Fernández. La formación se ve alterada por la marcha de Joseba Erkiaga, que solo colabora en una de las canciones con la gaita gallega, sustituyéndole un segundo guitarrista, German Ors. A partir de ese momento, Itoiz siempre tendría otro guitarrista, aunque hubo mucha variación en este puesto. También se marcho Osinalde, que seria sustituido en el disco por Ángel Celada. Igualmente tienen a Paco Chamorro con el saxo.
De todos modos, «Alkolea» es un disco estimable, aunque inferior a sus dos formidables predecesores. Un tanto más popero, eso sí, pero todavía nada demasiado preocupante. O eso parecía hasta que apareció «Musikaz Blai» (1983). Itoiz se tiran de cabeza al pop, más bien al ska, impulsados por su nuevo guitarrista Jean Mari Ecay. Aparte de eso, contratan a una especie de caja de ritmos humana llamada Jimmy Arrabit y mantienen al resto de la formación. En este disco se perdió toda la magia del grupo.
No obstante, las ventas del disco son muy buenas y el grupo es cada vez más popular en el País Vasco, así que insisten y siguen haciendo mas de lo mismo en «Espaloian» (1985). Antton Fernández deja el grupo e Itoiz queda reducido a un cuarteto (Pérez, Ecay, Garate y Arrabit), a los que se une una serie de músicos de estudio. El peso de Ecay en el grupo es tan grande que Pérez solamente canta en este disco, todas las guitarras (y parte del bajo) corresponden al francés. Para dar una idea de donde quedaron los tiempos progresivos, el disco se cierra con una canción llamada «Clash eta Pistols».
Itoiz intenta expandir su mercado y, con la mirada puesta en Francia, graban un mini-LP en Paris con titulo en francés, «Ambulance» (1987). Fue lo mejor de toda esta época popera, aunque a años luz de los tres primeros discos. Tal vez por la marcha de Jean Mari Ecay, que es sustituido por Xabi Pery.
De todos modos, Itoiz estaba acabado. El grupo decide que su época ha terminado y se despide con un disco en directo, «…Eremuko Dunen Atzetik Dabil» (1988), grabado en vivo los días 11 y 12 de agosto de 1987 y editado en un doble vinilo por Elkar. Casi todas las canciones son de los dos últimos discos, dejando para el final las cuatro únicas procedentes de los tres primeros, nada de «Musikaz Blai».
The Alan Parsons Project fue un grupo británico de rock progresivo formado en 1975 en Londres y activo hasta 1990. Liderado por el productor, ingeniero y compositor Alan Parsons y el productor ejecutivo, compositor y vocalista Eric Woolfson, en él participaron varios músicos de estudio y un grupo amplio de cantantes. En conjunto grabaron un total de 11 discos, acreditándose la mayoría de las canciones como Parsons/Woolfson, que lograron vender más de 50.000.000 de copias.
La mayoría de los discos de The Alan Parsons Project son álbumes conceptuales que comienzan con una canción instrumental que se fusiona con la segunda canción. También suele incluir una canción instrumental, en lo que sería el comienzo de la cara B, y finaliza con una canción energética y poderosa o melancólica y de tiempo lento. Una característica destacable es que en cada disco interpretan los temas varios cantantes invitados como Lenny Zakatek, John Miles, Gary Brookers, Chris Rainbow o Colin Blunstone, ejerciendo Eric Woolfson como cantante de manera esporádica. Por contra existe un grupo reducido y bastante estable de músicos de estudio que participaron con regularidad en las grabaciones como el arreglista y director de orquesta Andrew Powell, el guitarrista Ian Bairnson, el bajista y vocalista David Paton o el percusionista Stuart Elliot.
Alan Parsons y Eric Woolfson se conocieron en el verano de 1974 durante unas sesiones de trabajo en los Estudios Abbey Road. En aquel momento Parsons ejercía labores de ingeniero de sonido para Pink Floyd y por su parte Woolfson, letrista y compositor, era músico de estudio y estaba creando un disco inspirado en las obras de Edgar Allan Poe. Fruto de su encuentro decidieron unir sus talentos repartiéndose funciones: Parsons ejercería de productor y realizaría labores de ingeniería de sonido en las canciones compuestas por ambos. Su primera referencia se editó en mayo de 1976 «Tales of Mystery and Imagination», que se convirtió en un éxito, alcanzando el Top40 de la lista Billboard.
El grupo lanzó diez discos más, con un gran cuidado en la producción y creatividad, como «I Robot» (1977). Gozó de gran popularidad entre 1980 y 1985 con los álbumes «The Turn of a Friendly Card» (1980) o «Eye in the Sky» (1982), «Ammonia Avenue» (1983) y «Vulture Culture» (1984). Algunas de sus canciones más destacadas son «Don’t Answer Me», «Time», «Eye in the Sky», «Lucifer», «Silence & I» o «Games People Play». Hasta 2015 se han editado además 14 discos recopilatorios con las canciones de diferentes etapas.
«Vulture Culture» (en castellano: La Cultura del Buitre) es el octavo álbum de The Alan Parsons Project, grabado en los Abbey Road Studios de Londres entre mayo y julio de 1984, producido por Alan Parsons y Eric Woolfson, y editado en febrero de 1985 por Arista Records. Se pensó originalmente como el disco dos en un álbum doble, del cual «Ammonia Avenue» iba a ser el disco uno. Finalmente ambos fueron editados por separado. La portada muestra una suerte de pulsera metálica representando un uróboros devorando su propia cola, alegoría que -entre otros conceptos- simbolizaba el devenir cíclico de las cosas (aunque en este caso el reptil posee cabeza de buitre).
Siguiendo con el sello estilístico propio de la banda, el disco incluye una mezcla de canciones pop rock accesibles, contrastadas con otras de corte más progresivo y experimental. Aunque la música de The Alan Parsons Project fue virando hacia el sonido FM a lo largo de los años 80, la calidad musical se mantuvo fiel a sus orígenes.
El single principal, «Let’s Talk About Me», alcanzó el «Top 40» alemán, y el álbum tuvo muy buena acogida en Europa continental. La recepción en Estados Unidos de Norteamérica fue tibia pero llegó a ser certificado disco de oro.
Fuente: Wikipedia / Zonde
Lista de canciones:
(Todos los temas compuestos por Alan Parsons y Eric Woolfson)
The Alan Parsons Project fue un grupo británico de rock progresivo formado en 1975 en Londres y activo hasta 1990. Liderado por el productor, ingeniero y compositor Alan Parsons y el productor ejecutivo, compositor y vocalista Eric Woolfson, en él participaron varios músicos de estudio y un grupo amplio de cantantes. En conjunto grabaron un total de 11 discos, acreditándose la mayoría de las canciones como Parsons/Woolfson, que lograron vender más de 50.000.000 de copias.
La mayoría de los discos de The Alan Parsons Project son álbumes conceptuales que comienzan con una canción instrumental que se fusiona con la segunda canción. También suele incluir una canción instrumental, en lo que sería el comienzo de la cara B, y finaliza con una canción energética y poderosa o melancólica y de tiempo lento. Una característica destacable es que en cada disco interpretan los temas varios cantantes invitados como Lenny Zakatek, John Miles, Gary Brookers, Chris Rainbow o Colin Blunstone, ejerciendo Eric Woolfson como cantante de manera esporádica. Por contra existe un grupo reducido y bastante estable de músicos de estudio que participaron con regularidad en las grabaciones como el arreglista y director de orquesta Andrew Powell, el guitarrista Ian Bairnson, el bajista y vocalista David Paton o el percusionista Stuart Elliot.
Alan Parsons y Eric Woolfson se conocieron en el verano de 1974 durante unas sesiones de trabajo en los Estudios Abbey Road. En aquel momento Parsons ejercía labores de ingeniero de sonido para Pink Floyd y por su parte Woolfson, letrista y compositor, era músico de estudio y estaba creando un disco inspirado en las obras de Edgar Allan Poe. Fruto de su encuentro decidieron unir sus talentos repartiéndose funciones: Parsons ejercería de productor y realizaría labores de ingeniería de sonido en las canciones compuestas por ambos. Su primera referencia se editó en mayo de 1976 «Tales of Mystery and Imagination», que se convirtió en un éxito, alcanzando el Top40 de la lista Billboard.
El grupo lanzó diez discos más, con un gran cuidado en la producción y creatividad, como «I Robot» (1977). Gozó de gran popularidad entre 1980 y 1985 con los álbumes «The Turn of a Friendly Card» (1980) o «Eye in the Sky» (1982), «Ammonia Avenue» (1983) y «Vulture Culture» (1984). Algunas de sus canciones más destacadas son «Don’t Answer Me», «Time», «Eye in the Sky», «Lucifer», «Silence & I» o «Games People Play». Hasta 2015 se han editado además 14 discos recopilatorios con las canciones de diferentes etapas.
«Eve» es el cuarto álbum de The Alan Parsons Project, grabado en los Super Bear Studios de Londres entre diciembre de 1978 y junio de 1979, producido por Alan Parsons y Eric Woolfson, y editado en agosto de 1979 por Arista Records. La temática se centra en aspectos particularmente humanos, como las relaciones afectivas hombre-mujer («If I Could Change Your Mind»), las fortalezas y fe ocultas del hombre («Don’t Hold Me Back») y la esperanza y el romanticismo, aspectos tradicionalmente ajenos a la temática de la mayoría de las obras de Alan Parsons. Un álbum bastante atípico en comparación al resto de su obra, el cual jamás deja de relucir en sus arreglos y creatividad electrónica («Lucifer», «I’d Rather Be a Man»).
El instrumental «Lucifer» fue un hit en Europa, mientras que «Damned If I Do» alcanzó el Top 30 americano. Generalmente es con esta pieza con la que el grupo abre en sus conciertos.
Fuente: Wikipedia / Zonde
Lista de canciones:
(Todos los temas compuestos por Alan Parsons y Eric Woolfson)
The Alan Parsons Project fue un grupo británico de rock progresivo formado en 1975 en Londres y activo hasta 1990. Liderado por el productor, ingeniero y compositor Alan Parsons y el productor ejecutivo, compositor y vocalista Eric Woolfson, en él participaron varios músicos de estudio y un grupo amplio de cantantes. En conjunto grabaron un total de 11 discos, acreditándose la mayoría de las canciones como Parsons/Woolfson, que lograron vender más de 50.000.000 de copias.
La mayoría de los discos de The Alan Parsons Project son álbumes conceptuales que comienzan con una canción instrumental que se fusiona con la segunda canción. También suele incluir una canción instrumental, en lo que sería el comienzo de la cara B, y finaliza con una canción energética y poderosa o melancólica y de tiempo lento. Una característica destacable es que en cada disco interpretan los temas varios cantantes invitados como Lenny Zakatek, John Miles, Gary Brookers, Chris Rainbow o Colin Blunstone, ejerciendo Eric Woolfson como cantante de manera esporádica. Por contra existe un grupo reducido y bastante estable de músicos de estudio que participaron con regularidad en las grabaciones como el arreglista y director de orquesta Andrew Powell, el guitarrista Ian Bairnson, el bajista y vocalista David Paton o el percusionista Stuart Elliot.
Alan Parsons y Eric Woolfson se conocieron en el verano de 1974 durante unas sesiones de trabajo en los Estudios Abbey Road. En aquel momento Parsons ejercía labores de ingeniero de sonido para Pink Floyd y por su parte Woolfson, letrista y compositor, era músico de estudio y estaba creando un disco inspirado en las obras de Edgar Allan Poe. Fruto de su encuentro decidieron unir sus talentos repartiéndose funciones: Parsons ejercería de productor y realizaría labores de ingeniería de sonido en las canciones compuestas por ambos. Su primera referencia se editó en mayo de 1976 «Tales of Mystery and Imagination», que se convirtió en un éxito, alcanzando el Top40 de la lista Billboard.
El grupo lanzó diez discos más, con un gran cuidado en la producción y creatividad, como «I Robot» (1977). Gozó de gran popularidad entre 1980 y 1985 con los álbumes «The Turn of a Friendly Card» (1980) o «Eye in the Sky» (1982), «Ammonia Avenue» (1983) y «Vulture Culture» (1984). Algunas de sus canciones más destacadas son «Don’t Answer Me», «Time», «Eye in the Sky», «Lucifer», «Silence & I» o «Games People Play». Hasta 2015 se han editado además 14 discos recopilatorios con las canciones de diferentes etapas.
«Pyramid» es el tercer álbum de The Alan Parsons Project, grabado y mezclado en los Abbey Road Studios de Londres entre septiembre de 1977 y febrero de 1978, producido por Alan Parsons, y editado en mayo de 1978 por Arista Records. Se trata de un álbum conceptual centrado en la pirámides de Gizeh (o Gizah). En el momento en que se concibió el álbum, el interés en el poder de la pirámide y Tutankhamon estaba muy extendido en Estados Unidos de Norteamérica y el Reino Unido. Las notas interiores dicen «Desde el ascenso y la caída de una antigua dinastía, hasta la búsqueda de una llave para descubrir los secretos del universo, este álbum busca amplificar los ecos inquietantes del pasado y explorar los misterios no resueltos del presente. Pirámide… la última maravilla restante del mundo antiguo».
Aunque «Pyramid» no tenga una continuidad en lo musical, la tiene en lo lírico. En las letras, a lo largo del disco, se puede apreciar una reflexión acerca del poder del destino sobre las ideas y proyectos de los humanos (simples criaturas mortales cuya esencial fragilidad se hace notar desde la perspectiva global de la historia y del orden del universo). Este concepto se refleja sobre todo en la canción que cierra la cara A del LP, «Can’t Take It With You», en el que se sostiene la idea de que la muerte significa la interrupción de cualquier proyecto que se tenga en mente para el futuro.
El álbum también incursiona en el new wave, un género que estaba surgiendo en Gran Bretaña en el momento de la grabación del álbum. Muchos artistas progresistas y de soft rock incorporaron este estilo en sus álbumes durante el período comprendido entre finales de 1977 y 1979. En este álbum, el género es levemente evidente, a través del ritmo, en canciones como «Can’t Take It With You» e inmensamente en otros como «Pyramania».
La portada del álbum corrió a cargo del estudio gráfico Hipgnosis, que ya trabajó con The Alan Parsons Project en otros álbumes. «Pyramid» fue nominado para el premio Grammy de 1978 por el mejor álbum de ingeniería no clásico. El disco fue nº 13 en Noruega, nº 25 en Canadá, nº 26 en EUNA y nº 49 en Reino Unido.
El álbum fue reeditado en formato CD por primera vez en 1984 por Arista Records en Europa y remasterizado en 1988 por Arista. Este archivo corresponde a esta última reedición.
Fuente: Wikipedia / Zonde
Lista de canciones:
(Todos los temas compuestos por Alan Parsons y Eric Woolfson)
George Roger Waters (Surrey, Reino Unido, 6 de septiembre de 1943), más conocido como Roger Waters, es un músico, compositor y activista británico. Es conocido por ser uno de los fundadores y miembro del grupo musical Pink Floyd, convirtiéndose tras la marcha de Syd Barrett en el compositor y conceptual de la banda. Además de ser el bajista, también compartió el lugar de cantante principal. Con él, Pink Floyd alcanzó éxito mundial en la década de 1970 gracias a sus álbumes conceptuales The Dark Side of the Moon, Wish You Were Here, Animals y The Wall. Dejó la banda en 1985 debido a diferencias creativas y legales con los otros integrantes.
Grabó en estudio cuatro discos en solitario: «The Pros and Cons of Hitch Hiking» (1984), «Radio K.A.O.S.» (1987), «Amused to Death» (1992) e «Is This the Life We Really Want?» (2017). En 1986, contribuyó a la banda sonora de la película «Cuando el viento sopla». En 1990, organizó uno de los conciertos con más asistencia de la historia, «The Wall – Live in Berlin», con 300 000 espectadores. En 1996, fue admitido en el Salón de la Fama del Rock de Estados Unidos y del Reino Unido como miembro de Pink Floyd.
El segundo álbum de estudio (tercero si incluimos la banda sonora del film «When the Wind Blows») del cofundador de Pink Floyd, Roger Waters, en solitario fue «Radio K.A.O.S.», editado en junio de 1987 a través de EMI (en Reino Unido) y Columbia Records (en EUNA). El disco, como sus álbumes previos y muchos de sus trabajos durante su periodo en Pink Floyd, es un álbum conceptual. La temática se centra en torno a una serie de factores clave de la política en la década de 1980, como el monetarismo y su efecto en los ciudadanos. También critica el gobierno de Margaret Thatcher, como ya hizo en «The Final Cut» con Pink Floyd, otro álbum del que Waters fue autor. Otras influencias que concurren en el disco incluyen también la cultura popular de los años 80, así como las opciones y consecuencias de la Guerra Fría y su efecto sobre la política y la sociedad mundiales.
El trabajo nos muestra a Billy, un discapacitado físico y mental de Gales, quien es forzado a vivir con su tío David en Los Ángeles después de que su hermano Benny sea encarcelado por protestar contra el gobierno, tras su despido de su puesto de trabajo en la minería, debido a las «fuerzas del mercado». El álbum explora el pensamiento y punto de vista de Billy acerca del mundo a través de una conversación en el aire entre él y Jim, un DJ en una emisora de radio local ficticia llamada Radio KAOS.
Internacionalmente, «Radio K.A.O.S.» sólo entró en listas de ventas de dos países, alcanzando el número 25 en el Reino Unido y el número 50 en los Estados Unidos Norteamericanos. El álbum tuvo cuatro singles: «Radio Waves» fue lanzado como sencillo principal, llegando al puesto número 74 en el Reino Unido; «Sunset Strip» llegó al n° 15 en EUNA; «The Tide Is Turning» alcanzó el n° 54 en Reino Unido, y «Who Needs Information», que no entró en listas.
El arte y estilo visual del diseño del álbum está basado en el código Morse.
«Tubular Bells II» es el decimoquinto álbum de Mike Oldfield, grabado en Los Ángeles en 1992, con producción de Trevor Horn, y editado con su nueva discográfica, Warner Music, en agosto del mismo año. El álbum se concibió como una secuela del disco Tubular Bells de 1973. A este le siguió Tubular Bells III en 1998.
La discográfica Virgin Records había estado presionando durante varios años a Oldfield para que publicara una secuela de «Tubular Bells» antes de que terminara su contrato con ellos, pero Oldfield estaba dudando si hacerlo o no. A pesar de todo, el penúltimo disco que hizo con Virgin, «Amarok», fue más o menos una secuela conceptual de su disco de 1976 «Ommadawn».
Para «Tubular Bells II», Oldfield contó con la ayuda de Tom Newman, que también le había ayudado con el original y con Trevor Horn. «Early Stages» es una primera versión de lo que más tarde se convertiría en «Sentinel» se incluyó en la Cara B del single «Sentinel».
«Tubular Bells II» sigue en parte la estructura musical de «Tubular Bells». Se cogieron los temas del original y se recompusieron y se tocaron con más instrumentos. El resultado, un álbum con las mismas variaciones temáticas pero musicalmente nuevo. De hecho, muchos temas se pueden considerar como variaciones de temas de «Tubular Bells», mientras que otros no tienen mucho que ver salvo las sensaciones que puedan generar.
Si en «Tubular Bells» encontramos un tema recurrente, es a partir del final de «Sentinel» donde aparece un tema, siendo al final de «The Bell» donde se hace más notable. Y también, al contrario que el tema final de Tubular Bells, «Moonshine» es una composición original de Oldfield.
El actor inglés Alan Rickman, fue el encargado de anunciar los instrumentos al final de la primera mitad. Y en el estreno en Edimburgo el papel lo interpretó John Gordon Sinclair. Algunos de los títulos se cogieron de los relatos cortos de Arthur C. Clarke, incluyendo «Sentinel» y «Sunjammer». Otros títulos pueden hacer referencia a la ciencia ficción o al espacio en general, como por ejemplo «Dark Star» y «Weightless». «Dark Star» es también el título de una película de ciencia ficción de John Carpenter, que salió en 1973, el mismo año de publicación de Tubular Bells.
El álbum vuelve a utilizar el mismo tubo metálico (representando a un tubo de campanas tubulares. Es de color dorado sobre un fondo azul, al contrario que el del anterior disco, en el que la campana es gris sobre un fondo marítimo. Ambas imágenes fueron hechas por Trevor Key. «Tubular Bells II» llegó al puesto 1 en el Reino Unido y al puesto 5 de la lista de álbumes de New Age en 1992.
Pink Floyd es una banda de rock británica, considerada un icono cultural del rock del siglo xx y una de las bandas más influyentes en la historia de la música, que obtuvo gran popularidad gracias a su música psicodélica que evolucionó hacia el rock progresivo con el paso del tiempo. Es conocido por sus canciones de alto contenido filosófico, la experimentación sónica, las innovadoras portadas de sus discos y sus elaborados espectáculos en vivo. Sus ventas sobrepasan los más de 300 millones de álbumes vendidos en todo el mundo.
Pink Floyd comenzó con gran éxito en la escena underground londinense a finales de los años sesenta, con Syd Barrett como principal compositor. La salida de Barrett hizo que el cantante y bajista Roger Waters se convirtiera gradualmente en la fuerza conductora y dominante en la primera mitad de los años setenta, la época de mayor éxito en ventas de la banda, hasta su abandono en 1985. El grupo grabó durante esta época muchos álbumes que se convirtieron en grandes éxitos comerciales, como «The Dark Side of the Moon» (1973), «Wish You Were Here» (1975), «Animals» (1977) y «The Wall» (1979).
Después de 1973, Pink Floyd se distanció de la psicodelia y se convirtió en una banda difícil de clasificar. Los distintos estilos de cada uno de los compositores confluyeron en uno único, que cristalizó en las dos obras más importantes de su discografía, para crítica y público: «The Dark Side of the Moon» (1973) y «Wish You Were Here» (1975). En ambas obras, Gilmour se convirtió en el principal vocalista de la formación, mientras que los coros femeninos y el saxofón de Dick Parry adquirieron especial relevancia. El ambiente de colaboración se había ido enfriando en la época anterior, hasta que Waters tomó el timón compositivo, en el aspecto musical y letrístico, en el disco «The Dark Side of the Moon». La última colaboración de Wright como vocalista y como compositor se dio en los temas «Time» y «Shine on You Crazy Diamond», respectivamente, mientras que las aportaciones compositivas de Gilmour descendieron abruptamente hasta que Waters dejó la banda en 1985.
«The Final Cut» —en castellano: El corte final— es el duodécimo álbum de estudio de la banda británica de rock progresivo Pink Floyd. Grabado entre julio y diciembre de 1982 con producción de Roger Waters, se lanzó al mercado en marzo de 1983 a través de la compañía discográfica Harvest Records en el Reino Unido y varias semanas después a través de Columbia Records en Estados Unidos de Norteamérica. Se trata de un álbum conceptual, sin la participación de Rick Wright quien fue despedido por Waters en 1981, y es el último de la banda en contar con la participación de Roger Waters, quien aparece acreditado como compositor y letrista de todas las canciones del disco. La mayoría de ellas cuentan con la voz de Waters como vocalista principal; el guitarrista líder David Gilmour aporta su voz a sólo una de las doce canciones del disco, «Not Now John».
«The Final Cut» se planeó como banda sonora para la película de 1982 «Pink Floyd The Wall». Bajo su título inicial «Spare Bricks», la idea era que contuviese canciones de «The Wall» sin cambios o simplemente regrabadas para la película. Algunos ejemplos incluían «When the Tigers Broke Free» y «Bring the Boys Back Home». Sin embargo, el bajista, vocalista principal y principal compositor Roger Waters planeaba incluir además material nuevo para expandir la narrativa de «The Wall». Finalmente se le cambió el nombre a «The Final Cut», que es una referencia a la obra «Julio César» del dramaturgo inglés William Shakespeare: «This was the most unkindest cut of all». «When the Tigers Broke Free» se lanzó como sencillo el 26 de julio de 1982, con «Bring the Boys Back Home» como Cara B.
Debido a la guerra de las Malvinas, Waters decidió cambiar de dirección y comenzó a componer material nuevo. Siendo un socialista de corazón, vio la respuesta de invasión de la Primera Ministra del Reino Unido Margaret Thatcher como algo innecesario y jingoísta, por lo que decidió dedicar el nuevo álbum – titulado provisionalmente «Requiem for a Post-War Dream»— a su padre, Eric Fletcher Waters (muerto en la Segunda Guerra Mundial). Esta nueva dirección creativa creó una serie de disputas entre Waters y Gilmour. Varias piezas musicales de The Wall, incluyendo «Your Possible Pasts», «One of the Few», «The Final Cut» y «The Hero’s Return», se habían apartado para «Spare Bricks». A pesar de que Pink Floyd había reutilizado material antiguo en otras ocasiones, Gilmour sentía que no era lo suficientemente bueno para el nuevo disco. Quería componer material nuevo, pero Waters tenía dudas, ya que Gilmour prácticamente no había contribuido con letras en los últimos tiempos.
Recién comenzada la guerra de las Malvinas, Waters la convirtió en una crítica a la guerra, además de tratar lo que él consideraba la traición para con su padre. Repitiendo el estilo de ópera rock de su predecesor, «The Wall» (1979), se grabó en ocho estudios distintos de Inglaterra, entre julio y diciembre de 1982. Al igual que en la mayoría de la discografía de Pink Floyd, se contrataron una gran cantidad de músicos de sesión como colaboradores, aunque la grabación del mismo estuvo dominada por la creciente tensión entre Waters y el resto de la banda, especialmente Gilmour. El diseño artístico corrió a cargo de Waters, reflejando el contenido del álbum. «The Final Cut» llegó a lo más alto de la lista británica de álbumes, aunque recibió críticas mezcladas.
Para acompañar al álbum, se lanzaron 4 cortometrajes llamados: «The Final Cut». La película, basada en una selección de canciones del disco, fue producida por Waters y dirigida por su cuñado Willie Christie. Para su elaboración se usaron cuatro canciones: «The Gunner’s Dream», «The Final Cut», «The Fletcher Memorial Home» y «Not Now John». En ella se ve a Waters contándole sus secretos más íntimos a un psiquiatra llamado A. Parker-Marshall. También aparece en la película Alex McAvoy, quien ya había participado en «Pink Floyd The Wall».
Después del lanzamiento del álbum cada miembro de la banda se concentró en sus proyectos en solitario, aunque poco después Waters anunció que dejaba el grupo, además de intentar que Gilmour y el batería Nick Mason nunca volviesen a utilizar el nombre de Pink Floyd. Con posterioridad Gilmour ha expresado en varias ocasiones su desagrado con gran parte de «The Final Cut», muchas veces viéndose como una obra en solitario de Waters. Ninguna de las canciones del disco han sido tocadas en directo por Pink Floyd, aunque algunas sí ha tocado Waters en sus giras en solitario.
En 2004, la remasterización del álbum incluyó el tema «When the Tigers Broke Free» que apareció en «Pink Floyd The Wall» y en el álbum «Echoes: The Best of Pink Floyd».
The Alan Parsons Project fue un grupo británico de rock progresivo formado en 1975 en Londres y activo hasta 1990. Liderado por el productor, ingeniero y compositor Alan Parsons y el productor ejecutivo, compositor y vocalista Eric Woolfson, en él participaron varios músicos de estudio y un grupo amplio de cantantes. En conjunto grabaron un total de 11 discos, acreditándose la mayoría de las canciones como Parsons/Woolfson, que lograron vender más de 50.000.000 de copias.
La mayoría de los discos de The Alan Parsons Project son álbumes conceptuales que comienzan con una canción instrumental que se fusiona con la segunda canción. También suele incluir una canción instrumental, en lo que sería el comienzo de la cara B, y finaliza con una canción energética y poderosa o melancólica y de tiempo lento. Una característica destacable es que en cada disco interpretan los temas varios cantantes invitados como Lenny Zakatek, John Miles, Gary Brookers, Chris Rainbow o Colin Blunstone, ejerciendo Eric Woolfson como cantante de manera esporádica. Por contra existe un grupo reducido y bastante estable de músicos de estudio que participaron con regularidad en las grabaciones como el arreglista y director de orquesta Andrew Powell, el guitarrista Ian Bairnson, el bajista y vocalista David Paton o el percusionista Stuart Elliot.
Alan Parsons y Eric Woolfson se conocieron en el verano de 1974 durante unas sesiones de trabajo en los Estudios Abbey Road. En aquel momento Parsons ejercía labores de ingeniero de sonido para Pink Floyd y por su parte Woolfson, letrista y compositor, era músico de estudio y estaba creando un disco inspirado en las obras de Edgar Allan Poe. Fruto de su encuentro decidieron unir sus talentos repartiéndose funciones: Parsons ejercería de productor y realizaría labores de ingeniería de sonido en las canciones compuestas por ambos. Su primera referencia se editó en mayo de 1976 «Tales of Mystery and Imagination», que se convirtió en un éxito, alcanzando el Top40 de la lista Billboard.
El grupo lanzó diez discos más, con un gran cuidado en la producción y creatividad, como «I Robot» (1977). Gozó de gran popularidad entre 1980 y 1985 con los álbumes «The Turn of a Friendly Card» (1980) o «Eye in the Sky» (1982), «Ammonia Avenue» (1983) y «Vulture Culture» (1984). Algunas de sus canciones más destacadas son «Don’t Answer Me», «Time», «Eye in the Sky», «Lucifer», «Silence & I» o «Games People Play». Hasta 2015 se han editado además 14 discos recopilatorios con las canciones de diferentes etapas.
«I Robot» es el segundo álbum de The Alan Parsons Project, grabado y mezclado en los Abbey Road Studios de Londres entre diciembre de 1976 y marzo de 1977, producido por Alan Parsons, y editado en junio de 1977 por Arista Records. En este álbum conceptual, inspirado en el conjunto de relatos cortos «Yo, Robot» del escritor ruso-estadounidense Isaac Asimov, se utilizan extensivamente las nuevas capacidades del sintetizador Moog de los estudios de la EMI, sello que fuese pionero en el uso de tales facilidades en el disco debut del mismo grupo, «Tales of Mystery and Imagination».
Eric Woolfson realmente habló con Asimov, quien se mostró entusiasmado con la idea. Como ya se habían concedido los derechos a una empresa de televisión/cine, el título del álbum fue alterado ligeramente eliminando la coma, y el tema y las letras fueron hechas para tratar más genéricamente sobre robots en vez de específicas al universo Asimov.
La cubierta interior decía: «I Robot… The story of the rise of the machine and the decline of man, which paradoxically coincided with his discovery of the wheel… and a warning that his brief dominance of this planet will probably end, because man tried to create robot in his own image». («Yo Robot… La historia del ascenso de la máquina y el declive del hombre, que paradójicamente coincidió con su descubrimiento de la rueda… y una advertencia de que su breve dominio de este planeta probablemente terminará, porque el hombre trató de crear el robot a su propia imagen.») El título de la canción final, «Génesis Ch.1 V.32», sigue este tema por lo que supone una continuación de la historia de la creación, ya que el primer capítulo del Génesis sólo tiene 31 versículos.
Más de 30 años después, el sonido inigualable de la apertura del álbum nos dice que ciertas obras musicales son inmunes al paso del tiempo: «I Robot» podría bien pasar por un álbum grabado en el siglo XXI. Este es quizás, el legado más importante de esos años, el resistir las modas y el paso del tiempo, que es justamente lo que sin duda The Alan Parsons Project quiso lograr. «I Robot» llegó al puesto 9 en la lista Billboard norteamericana.
El álbum fue reeditado en formato CD por primera vez en 1984 por Arista Records en Europa. Este archivo corresponde a esta última reedición.
Fuente: Wikipedia / Zonde
Lista de canciones:
(Todos los temas compuestos por Alan Parsons y Eric Woolfson, excepto 9: Andrew Powell)
30 Seconds to Mars es una banda de rock alternativo formada en Los Ángeles (California) en 1998. Integrada originalmente por tres miembros: Jared Leto (voz, guitarra), Matt Wachter (bajo, sintetizador) y Shannon Leto (batería), a quienes más tarde se les uniría el guitarrista Solon Bixler; desde 2007 la banda está compuesta por Jared Leto (voz, guitarra), su hermano Shannon Leto (batería) y Tomo Milicevic (guitarra, teclados). Después de la salida de Matt Wachter (ahora de Angels & Airwaves) en 2007, Jared Leto se convirtió en el bajista de la banda. Tim Kelleher se ocupa del bajo únicamente en vivo.
De acuerdo a una entrevista de Virgin Records, el nombre de la banda «viene de una tesis que encontramos en la web que había sido escrita por un ex-profesor de Harvard. Una de las subsecciones de la tesis estaba titulada «Thirty Seconds to Mars» («Treinta segundos a Marte») y hablaba sobre el crecimiento de la tecnología que relacionaba a los humanos y decía que estábamos literalmente a treinta segundos de Marte. Lo que significa para nosotros es que pensábamos que describía nuestra música, en pocas palabras».
Aunque Jared Leto es un reconocido actor de Hollywood, prefiere no usar esa información para promocionar la banda. Él mismo ha dicho que la banda será reconocida por su música y no por dicho título, de hecho, la banda rechazaba tocar en lugares en donde se utilizara su nombre como actor para promocionar el show.
En 1999, 30 Seconds to Mars firmó con Immortal Records y Virgin Records y, después de tres años, lanzaron su álbum debut: «30 Seconds to Mars». El álbum debutó en el número 107 en el Billboard 200 y en el número uno en el Top Heatseekers, vendiendo 121.000 unidades en los Estados Unidos. El álbum produjo dos singles, «Capricorn (A Brand New Name)» y «Edge of the Earth». El primero alcanzó el puesto número 31 en el Mainstream Rock Tracks y alcanzó el número uno en la canciones Heatseekers.
El segundo álbum, «A Beautiful Lie», fue grabado en cuatro continentes diferentes y en cinco países distintos durante un año. El álbum tuvo cuatro singles: «Attack», «The Kill», «From Yesterday» y «A Beautiful Lie». «Attack» fue la canción más pedida durante la primera semana en la radio alternativa, mientras que «The Kill» estableció un récord de éxito en la historia de la lista Modern Rock Tracks cuando permaneció en la tabla de radios más de 94 semanas. El tercer sencillo, «From Yesterday», encabezó el Hot Rock Moderno durante varias semanas. «A Beautiful Lie», fue lanzado como el cuarto single del álbum en algunos países, incluido Portugal, donde alcanzó el número ocho en la tabla. En abril de 2008, el álbum había vendido más de 4 millones de copias en todo el mundo.
Después, la banda lanzó su tercer álbum, «This Is War», el 4 de diciembre de 2009. El álbum encabezó las listas estadounidenses, alcanzando el número uno en el Top Tastemaker, el número de dos en el Top alternativas y álbumes digitales, el número cuatro en el Top Rock, y el número 18 en el Billboard 200. Su primer single, «Kings and Queens», alcanzó el número uno en la lista Alternativa y el número cuatro en la lista de Rock. El segundo sencillo, «Closer to the Edge», tiene el récord de más semanas en el número uno durante el año 2010 en el Rock Chart del Reino Unido, al mantenerse en la parte superior durante ocho semanas.
En 2013, la banda lanzó su cuarto álbum de estudio, «Love, Lust, Faith and Dreams», del que se desprendió el sencillo «Up In the Air».
Hasta la fecha, la agrupación ha vendido alrededor de 11 millones de copias en todo el mundo. La banda ha recibido numerosos reconocimientos y premios, tienen un total de 50 premios de aproximadamente 70 nominaciones. Entre sus premios más destacados están cuatro MTV Europe Music Awards. Además el pasado diciembre consiguieron entrar en el libro Guinness de los récords, obteniendo el récord de mayor número de conciertos en una misma gira, más de 300 durante su última gira. Aproximadamente 311 sin contar los shows acústicos, contando estos últimos, el número de conciertos se elevaría a 366.
«30 Seconds to Mars» es su álbum debut, descrito como un disco conceptual en torno al tema de la lucha humana. Fue grabado a finales de 2001 en los Cherokee Studios de Hollywood, con producción de Bob Ezrin, Brian Virtue y el propio grupo; mezclado en The Mix Room en Burbank (California) y editado el 27 de agosto de 2002, por Immortal Records y Virgin Records. Produjo dos singles: «Capricorn (A Brand New Name)» y «Edge of the Earth», que llegaron a los conteos con una posición máxima de #31 en la lista estadounidense Mainstream Rock.
Jason D. Taylor, de Allmusic consideró este lanzamiento como «un nuevo paso audaz en la evolución musical» y señaló que su impacto dejó «amplios pasillos de sonido abiertos para que el oyente navegue bajo su voluntad». Comentó que los miembros de 30 Seconds to Mars lograron grabar un álbum que «da vida» a la «cáscara vacía en lo que la corporación del Rock se había convertido». Un editor de MuchMusic llamó al álbum como un «trabajo que está creado para durar», notando que la banda produjo «algo único» con «profundidad y sustancia». La revista en línea «Kludge» citó el disco como uno de los mejores 100 álbumes del 2002. Melodic lo incluyó en su lista de los «50 mejores discos del año» y lo consideró como «uno de los álbumes más singulares cuando se trata de un estilo propio».
En EUNA, el álbum entró en el Billboard 200 en el número 107 a la fecha del 14 de septiembre de 2002; también debutó en el número uno en el Top Heatseekers; tuvo unas ventas estimadas en más de 40.000 unidades. En agosto de 2006, Nielsen SoundScan estima las ventas reales del álbum en más de 120.000 en EUNA. En el Reino Unido, «30 Seconds to Mars» debutó en el número 136 en el UK Albums Chart, obtuvo una certificación de Plata por la Industria Fonográfica Británica (BPI) en julio de 2013, indicando los envíos de más de 60.000 unidades. En Francia, el disco debutó en el número 142 de su lista nacional de álbumes el 5 de octubre de 2002. Después de su lanzamiento al mercado australiano, el álbum entró en las listas ARIA en el número 95 en la edición del álbum del 11 de junio de 2007, alcanzando el número 89 a la semana siguiente. En Grecia, entró en la lista nacional de álbumes en junio de 2011, en vista de concierto de la banda que tuvo lugar en Atenas en julio, alcanzando el puesto 41. El álbum fue un éxito de ventas lentas y eventualmente terminarían vendiendo más de dos millones de copias en todo el mundo hasta la fecha de marzo del 2011.
Fuente: Wikipedia / Zonde
Lista de canciones:
«Capricorn (A Brand New Name)» – 3:51
«Edge of the Earth» – 4:35
«Fallen» – 4:57
«Oblivion» – 3:27
«Buddha for Mary» – 5:43
«Echelon» – 5:47
«Welcome to the Universe» – 2:37
«The Mission» – 4:02
«End of the Beginning» – 4:37
«93 Million Miles» – 5:18
«Year Zero» – 7:52 (Contiene el track oculto «The Struggle», también llamado «Hidden to Label», – 1:50)
Novembre es una banda italiana de death metal progresivo y metal gótico formada en Roma en 1990. La banda comenzó como una banda de death metal tradicional llamada Catacomb, aunque fue evolucionando hasta practicar un sonido envolvente y atmosférico. Sus dos primeros álbumes, «Wish I Could Dream it Again» (1994) y «Arte Novecento» (1996) fueron publicados por el sello italiano Polyphemus, mientras que desde la edición de «Classica» (2000), la banda firmó un contrato con Century Media, sello con el que después lanzarían «Novembrine Waltz» (2001) y «Dreams d’Azur» (2002).
Más recientemente el grupo firmó un contrato con Peaceville Records para lanzar su sexto álbum, «Materia» (2006), y su siguiente álbum, «The Blue» (2007). Después de 8 años de ausencia, el grupo anunció que un nuevo álbum será lanzado en marzo o abril de 2016, pero a la vez que revelaron esta noticia, también se confirmó que su baterista Giussepe Orlando, dejó el grupo, dejando a Carmelo Orlando como el único miembro original. El álbum, llamado «Ursa», fue lanzado el 1 de abril de 2016.
«Dreams d’Azur» es el quinto álbum de estudio de la banda italiana Novembre. Se trata de una re-grabación de su álbum debut «Wish I Could Dream It Again», de 1994. A tal efecto se volvió a entrar en los Outer Sound Studios de Roma entre la primavera y el verano de 2002, con Daniele Conte en los controles, actualizando así el sonido del disco al gusto de la formación.
Fue editado el 25 de noviembre de 2002 por el sello alemán Century Media, con producción del propio grupo. El diseño de carpeta fue de Francesca Di Leandro (portada) y Hans Nagtegaal (interior).
Fuente: Wikipedia / Zonde
Lista de canciones:
(Todos los temas de Carmelo Orlando)
«The Dream of the Old Boats» – 5:57
«Novembre» – 6:44
«Nottetempo (Nighttime)» – 4:14
«Let Me Hate» – 3:21
«Sirens in Filth» – 6:21
«Swim Seagull in the Sky» – 8:06
«The Music» – 4:06
«Marea (Tide) (Part I, II & III)» – 12:00
«Old Lighthouse Tale» – 4:44
«The White Eyed» – 5:48
«Neanderthal Sands» – 4:17
«Christal» – 4:05
Calidad: 320 Kbps
Gracias al compañeroKeko1965por este archivo, cedido generosamente a Ciclotimia.
Evangelos Odysseas Papathanassiou, más conocido como Vangelis, es un afamado tecladista y compositor griego de música electrónica, orquestal, ambient y rock progresivo. Entre sus obras más conocidas destacan las partituras originales para las películas «Carros de Fuego» (ganadora del Oscar a la mejor banda sonora en 1981), «Blade Runner» (1982) y «1492: La conquista del paraíso» (1992).
Su música se caracteriza por el uso de sintetizadores y ocasionalmente instrumentos acústicos para crear atmósferas de sonido envolvente, en un tono generalmente grandioso y solemne. No es sencillo enmarcar su música dentro de un género en concreto, aunque es habitual que se le incluya entre las filas de las llamadas Nuevas Músicas, o de forma más amplia como músico clásico contemporáneo. En cualquier caso, la diversidad y complejidad de la obra contenida en su discografía hace difícil su catalogación como artista puramente New Age, ya que incluso es considerado uno de los pioneros de la vanguardia de la música electrónica nacida a mediados de los años 1970.
Los años ochenta comienzan exitosamente para Vangelis, consiguiendo la estatuilla de la Academia de Hollywood con su banda sonora para «Carros de Fuego» (Chariots of Fire), imponiéndose entre otros a John Williams y su partitura para «En busca del arca perdida». Es interesante mencionar el método que utiliza el griego para musicalizar películas, ya que suele limitarse a improvisar en los teclados mientras visualiza los montajes provisionales que le facilitan los directores siguiendo una técnica de «creación directa». Varios cineastas han comentado su asombro ante la capacidad de Vangelis para crear piezas sobre la marcha que encajen perfectamente con sus escenas.
Aunque algunos de sus trabajos más conocidos pertenecen al mundo de la música de cine y televisión, Vangelis ha logrado reconocimiento tanto por sus bandas sonoras como por sus discos de estudio. Entre sus obras se encuentran, además, varias creaciones para obras de teatro: «Elektra» (1983), «Medea» (1992), «Las Troyanas» (2001), «The Tempest» (2002). También ha compuesto para ballet: «R. B. Sque» (1983), «Frankenstein: Modern Prometheus» (1985) y «The Beauty and the Beast» (1986).
Ha desarrollado una carrera paralela como pintor, y ha realizado varias exposiciones internacionales. Su aporte a diversos proyectos de interés cultural le han afianzado como una personalidad de considerable peso mediático, especialmente en Grecia. En su honor, la Unión Astronómica Internacional dio su nombre a un asteroide, el (6354) Vangelis.
«Spiral» es el décimo álbum de estudio de Vangelis, grabado en los Nemo Studios de Londres, con Keith Spencer-Allen como ingeniero, asistido por Marlis Duncklau, y editado en 1977 por la discográfica RCA, con el propio Vangelis como productor. El diseño de la cubierta del LP estuvo a cargo del propio artista. El LP fue reeditado en formato CD en numerosas ocasiones, siendo este archivo perteneciente a la reedición que RCA realizó en dicho formato en 1993 para Canadá.
El álbum es completamente instrumental, salvo la voz procesada de Vangelis en «Ballad» (una de las pocas ocasiones en las cuales su voz aparece en uno de sus álbumes). Vangelis toca el sintetizador, el secuenciador, el piano eléctrico, las baterías y la percusión. Es el primer disco en el que Vangelis usa el sintetizador Yamaha CS-80, el cual sería ampliamente utilizado en trabajos posteriores. Spiral es un álbum con sonido futurístico. Vangelis hace un uso intensivo de la más avanzada tecnología de sintetizadores de ese momento, siendo su trabajo con la mayor utilización de secuenciadores de toda su carrera. Cada pieza tiene un estilo distintivo que las hace únicas.
Fuente: Wikipedia / Zonde
Lista de canciones:
(Todos los temas compuestos e interpretados por Vangelis)
The Smashing Pumpkins fue una banda estadounidense de rock alternativo formada en Chicago, Illinois, en 1988. Fundada por el vocalista Billy Corgan (voz, guitarra) y James Iha (guitarra rítmica), ellos incluyeron a Jimmy Chamberlin (batería), y D’arcy Wretzky (bajo), armando su formación original. La banda ha sufrido muchos cambios en su formación a lo largo de su existencia.
Repudiando las raíces musicales de punk rock de muchos contemporáneos del rock alternativo, los Pumpkins tienen un sonido diverso, densamente escalonado y pesado que se adhiere a un punk influido en filosofía en términos de entrega musical, que contiene elementos de rock gótico, heavy metal, dream pop, rock psicodélico, rock progresivo, shoegazing y electrónica en sus últimas grabaciones. Corgan es el compositor principal del grupo — sus grandes ambiciones musicales y sus letras catárticas le han dado forma a la banda y a sus canciones, que han sido descritas como «informes angustiados, magullados de un mundo de pesadillas de Billy Corgan».
Smashing Pumpkins irrumpió en el mainstream musical con su segundo álbum, «Siamese Dream» de 1993. El grupo construyó su audiencia con extensas giras y su seguimiento de 1995, el doble álbum «Mellon Collie and the Infinite Sadness», que debutó en el número uno en la lista Billboard 200. Con 20 millones de álbumes vendidos en EUNA, los Smashing Pumpkins eran una de las bandas más comercialmente exitosas y aclamadas por la crítica de la década de 1990. Sin embargo, las luchas internas, el uso de drogas y la disminución de las ventas de discos condujeron a su ruptura en 2000.
Durante 1995, Corgan se encierra en su apartamento y escribe 56 canciones para su nuevo álbum. Después de esta muestra de creatividad de Corgan, los Smashing se meten en el estudio para grabar su siguiente álbum, que Corgan describió como el «The Wall de los años 90», en comparación con el afamado álbum doble conceptual de Pink Floyd. El resultado de esta explosión creativa es su tercer álbum de estudio, «Mellon Collie and the Infinite Sadness», un álbum doble de 28 canciones que debutó en el primer lugar del ranking Billboard de octubre de 1995, llegando a vender dieciséis millones de copias en el mundo y conseguir nueve discos de platino, convirtiéndose en el álbum doble más vendido de la década en ese momento.
Grabado entre marzo y agosto de 1995 en varios estudios de Chicago y mezclado en Los Ángeles, con producción del líder de la banda Billy Corgan junto a Flood y Alan Moulder, el álbum fue editado en octubre de 1995 a través del sello Virgin Records. El álbum contiene una gran diversidad de estilos, además de incorporar más peso musical por parte de la bajista D’arcy Wretzky y el segundo guitarrista James Iha que en los trabajos previos.
«Mellon Collie and the Infinite Sadness» es un álbum conceptual suelto, con la intención de que las canciones se unan de forma conceptual como símbolo del ciclo de la vida y la muerte. Billy Corgan dijo que el álbum está basado en «la condición humana de la pena mortal». La naturaleza expansiva del álbum hace que se utilicen varios estilos distintos en sus canciones, contrastando con lo que algunos críticos describieron como «un sabor dimensional» de los dos álbumes previos. Se utiliza una variedad mucho más amplia de instrumentación, como piano («Mellon Collie and the Infinite Sadness»), sintetizadores y loops de batería («1979»), una orquesta («Tonight, Tonight»), MIDI («Beautiful») e incluso saleros y tijeras («Cupid de Locke»). Además, todas las piezas de guitarra del álbum están afinadas un semitono abajo para «hacer la música más grave», según Corgan.
Precedido del sencillo «Bullet with Butterfly Wings» (nº 22 en las listas estadounidenses), el álbum debutó en el número uno de la lista del Billboard 200, siendo la primera y última vez que lo consiguiera la banda. Se extrajeron cuatro sencillos más -«1979» (nº 12); «Zero» (nº 29); «Tonight, Tonight» (nº 36); y «Thirty-Three» (nº 39) — a lo largo de 1996 y ha sido certificado con un disco de diamante por la RIAA por alcanzar los diez millones de discos vendidos.
Christopher John Farley de la revista Time dijo del álbum que era «el trabajo más ambicioso y conseguido de la banda hasta el día». Farley escribió: «Uno tiene la sensación de que la banda tiró adelante de forma instintiva; el mero campo que abarca el álbum (28 canciones) no da pie a predicciones o ideas previas». El crítico David Browne alabó la ambición de la banda y dijo que «Mellon Collie and the Infinite Sadness es más que un mero trabajo de un melindroso y torturado obsesivo. Corgan se presenta a sí mismo como uno de los últimos verdaderos creyentes: alguien para quien vomitar toda esta música resulta de alguna manera arte mayor de época. No parece importarle las persistentes cuestiones sobre «venderse» del rock alternativo, y bien que hace: apunta a algo más alto y conquistador».
El álbum ganó siete nominaciones a los premios Grammy de 1997, venciendo en la categoría de Mejor Interpretación de Hard Rock por la canción «Bullet with Butterfly Wings». En 1998 fue votado por los lectores de la revista Q como el vigésimo noveno álbum más importante de todos los tiempos. En 2003, la revista Rolling Stone lo posicionó en el puesto número 487 de la lista de Rolling Stone de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos y la revista Time lo nombró como el «Mejor álbum de 1995».
La edición en disco compacto del álbum fue dividida en dos CD, titulados «Dawn to Dusk» y «Twilight to Starlight». La edición en disco de vinilo fue dividida en seis lados, titulados «Dawn», «Tea Time», «Dusk», «Twilight», «Midnight» y «Starlight», e incluyó dos canciones adicionales («Tonite Reprise» e «Infinite Sadness»), además de poseer una lista de canciones completamente diferente en cuanto a orden, respecto a las ediciones en disco compacto y casete.
Fuente: Wikipedia / Zonde
Lista de canciones:
(Todos los temas de Billy Corgan, excepto «Take Me Down»: James Iha, y «Farewell and Goodnight»: Corgan/Iha)
Dawn
01. «Mellon Collie and the Infinite Sadness» – 2:52
02. «Tonight, Tonight» – 4:14
03. «Thirty-Three» – 4:10
04. «In the Arms of Sleep» – 4:12
05. «Take Me Down» – 2:52
Tea Time
06. «Jellybelly» – 3:01
07. «Bodies» – 4:12
08. «To Forgive» – 4:17
09. «Here Is No Why» – 3:45
10. «Porcelina of the Vast Oceans» – 9:21
Dusk
11. «Bullet with Butterfly Wings» – 4:18
12. «Thru the Eyes of Ruby» – 7:38
13. «Muzzle» – 3:44
14. «Galapogos» – 4:47
15. «Tales of a Scorched Earth» – 3:46
Twilight
16. «1979» – 4:25
17. «Beautiful» – 4:18
18. «Cupid de Locke» – 2:50
19. «By Starlight» – 4:48
20. «We Only Come Out at Night» – 4:05
Midnight
21. «Where Boys Fear to Tread» – 4:22
22. «Zero» – 2:41
23. «Fuck You (An Ode to No One)» – 4:51
24. «Love» – 4:21
25. «X.Y.U.» – 7:07
Starlight
26. «Stumbleine» – 2:54
27. «Lily (My One and Only)» – 3:31
28. «Tonite Reprise» – 2:40
29. «Farewell and Goodnight» – 4:22
30. «Infinite Sadness» – 4:02
Calidad: 320 Kbps (a 48000 Hz)
Gracias al compañeroDavid Paioneerpor el archivo flac que ripeé a mp3 de máxima calidad.
Novembre es una banda italiana de death metal progresivo y metal gótico formada en Roma en 1990. La banda comenzó como una banda de death metal tradicional llamada Catacomb, aunque fue evolucionando hasta practicar un sonido envolvente y atmosférico. Sus dos primeros álbumes, «Wish I Could Dream it Again» (1994) y «Arte Novecento» (1996) fueron publicados por el sello italiano Polyphemus, mientras que desde la edición de «Classica» (2000), la banda firmó un contrato con Century Media, sello con el que después lanzarían «Novembrine Waltz» (2001) y «Dreams d’Azur» (2002).
Más recientemente el grupo firmó un contrato con Peaceville Records para lanzar su sexto álbum, «Materia» (2006), y su siguiente álbum, «The Blue» (2007). Después de 8 años de ausencia, el grupo anunció que un nuevo álbum será lanzado en marzo o abril de 2016, pero a la vez que revelaron esta noticia, también se confirmó que su baterista Giussepe Orlando, dejó el grupo, dejando a Carmelo Orlando como el único miembro original. El álbum, llamado «Ursa», fue lanzado el 1 de abril de 2016.
«Novembrine Waltz» es el cuato álbum de estudio de la banda italiana Novembre, un álbum europeo internacional, ya que fue grabado en The Outer Sounds Studios de Roma (excepto las voces de «Cloudbusting», grabadas en Studio Hit Productions de Oslo, Noruega), mezclado en Sound Suite Studios de Marsella (Francia) y masterizado en los estudios DMS de Marl (Alemania), siendo editado en octubre de 2001 por Century Media. El diseño de carpeta fue elaborado por Stefan Wibbeke, con portada de Travis Smith y fotografía de la banda de Lucio Muzzi.
Las voces varían entre el canto limpio, el gruñido del death metal y gritos de black metal ásperos. El álbum cuenta con elementos más góticos que los lanzamientos anteriores, y contiene muchos elementos «europeos», como el acordeón en «Distances» o el canto de «Everasia».
Fuente: Wikipedia / Zonde
Lista de canciones:
(Todos los temas de Carmelo Orlando, excepto indicados)
Novembre es una banda italiana de death metal progresivo y metal gótico formada en Roma en 1990. La banda comenzó como una banda de death metal tradicional llamada Catacomb, aunque fue evolucionando hasta practicar un sonido envolvente y atmosférico. Sus dos primeros álbumes, «Wish I Could Dream it Again» (1994) y «Arte Novecento» (1996) fueron publicados por el sello italiano Polyphemus, mientras que desde la edición de «Classica» (2000), la banda firmó un contrato con Century Media, sello con el que después lanzarían «Novembrine Waltz» (2001) y «Dreams d’Azur» (2002).
Más recientemente el grupo firmó un contrato con Peaceville Records para lanzar su sexto álbum, «Materia» (2006), y su siguiente álbum, «The Blue» (2007). Después de 8 años de ausencia, el grupo anunció que un nuevo álbum será lanzado en marzo o abril de 2016, pero a la vez que revelaron esta noticia, también se confirmó que su baterista Giussepe Orlando, dejó el grupo, dejando a Carmelo Orlando como el único miembro original. El álbum, llamado «Ursa», fue lanzado el 1 de abril de 2016.
«Classica» es el tercer álbum de estudio de la banda italiana Novembre, grabado en The Outer Sounds Studios de Roma en abril y mayo de 1999, mezclado y masterizado en los Los Angered Studios de Goteborg (Suecia), y editado por Century Media a principios de 2000. En el disco, dedicado a Fabrizio De Andrè, el grupo experimenta con el metal progresivo y el death/doom metal desde principios góticos.
El diseño de carpeta fue elaborado por Stefan Wibbeke, con arte gráfico del ilustrador sueco Niklas Sundin, en una bella portada que fue de las mejores de los discos publicados ese año. La fotografía de la banda es obra de Lucio Muzzi.
Fuente: Wikipedia / Zonde
Lista de canciones:
(Todos los temas de Carmelo Orlando, excepto 4: Massimiliano Pagliuso)
«Cold Blue Steel» – 5:25
«Tales from a Winter to Come» – 5:40
«Nostalgiaplatz» – 4:31
«My Starving Bambina» – 4:51
«Love Story» – 4:41
«L’Epoque Noire (March the 7th 12973 A.D.)» – 4:45
«Onirica East» – 6:30
«Foto Blu Infinito (Instr.)» – 4:19
«Winter 1941» – 6:37
«Outro / Spirit of the Forest (Tales… Reprise)» – 2:58
Calidad: 320 Kbps
Gracias al compañeroKeko1965por este archivo, cedido generosamente a Ciclotimia.
Radiohead es una banda inglesa de rock alternativo originaria de Abingdon, Reino Unido, formada en 1985 y compuesta por Thom Yorke (voz, guitarra, piano), Jonny Greenwood (guitarras, teclado, otros instrumentos), Ed O’Brien (guitarras, segunda voz), Colin Greenwood (bajo, sintetizadores) y Phil Selway (batería, percusión).
Radiohead lanzó su primer sencillo, «Creep», en 1992. La canción fue inicialmente un fracaso comercial, pero se convirtió en un éxito mundial varios meses después del lanzamiento de su álbum debut, «Pablo Honey» (1993). La popularidad de Radiohead en el Reino Unido aumentó con el lanzamiento de su segundo álbum, «The Bends» (1995). El tercero, «OK Computer» (1997), que habla sobre la alienación y la globalización, ha sido aclamado como un disco histórico de la década de 1990.
El trabajo de Radiohead ha sido reconocido por los críticos en distintas listas y sondeos musicales. En 2005 se posicionaron en el puesto número 73 en la lista de los 100 mejores artistas de todos los tiempos de la revista Rolling Stone. Aunque los primeros álbumes de la banda fueron especialmente influyentes en el rock y la música pop británica, su trabajo posterior ha influido a otros músicos de géneros que van desde el jazz y la música clásica al hip hop, música electrónica y R&B.
Radiohead lanzó su tercer álbum, «OK Computer», en junio de 1997 a través de Parlophone / Capitol. Compuesto principalmente de canciones de rock melódico, el nuevo disco fue el primero donde el grupo experimentó con la estructura de las canciones y se incorporó un sonido ambiental, vanguardista y con influencias de música electrónica. Sus letras adquirieron un tono menos personal y más de observador que en «The Bends» y una revista llamó a las canciones «los blues del fin del milenio». Aunque en la mayoría de la música domina el sonido de guitarra, su extenso sonido y la amplia gama de influencias lo distinguen de muchas bandas populares de britpop y rock alternativo de la época, y sentó las bases para el trabajo posterior de Radiohead, más experimental. El grupo no considera a «OK Computer» un álbum conceptual; sin embargo, sus letras y el arte visual hacen hincapié en temas comunes, como el consumismo, la desconexión social, el estancamiento político, y el malestar moderno.
«OK Computer» fue recibió con elogios de la crítica y Yorke admitió que estaba «impresionado [debido a] la reacción que generó. Ninguno de nosotros sabía ya si era jodidamente bueno o malo. Lo que realmente me voló la cabeza fue el hecho de que la gente captó todo, todas las texturas y sonidos y atmósferas que tratamos de crear».
«OK Computer» fue el debut del grupo en el primer puesto de las listas británicas, otorgándole a Radiohead éxito comercial global. También alcanzó el n° 1 en Nueva Zelanda, el n° 2 en Holanda y el n° 3 en Francia, Canadá y Suecia. Pese a haber ingresado en el puesto 21 en las listas estadounidenses, el álbum fue muy reconocido en dicho país y ganó el premio Grammy al mejor álbum de música alternativa y recibió una nominación en la categoría de álbum del año. También ha sido certificado triple platino en el Reino Unido, doble platino en Estados Unidos de Norteamérica y platino en Australia.
«Paranoid Android», «Karma Police» y «No Surprises» se pusieron a la venta como sencillos, siendo «Karma Police» el más exitoso a nivel internacional.
Fuente: Wikipedia / Zonde
Lista de canciones:
(Todos los temas escritos por Thom Yorke, Jonny Greenwood, Phil Selway, Ed O’Brien y Colin Greenwood)
The Mars Volta fue una banda estadounidense de rock progresivo y experimental proveniente de El Paso (Texas) y fundada en 2001 por el guitarrista Omar Rodríguez-López y el vocalista Cedric Bixler-Zavala; el grupo incorpora varias influencias incluyendo rock progresivo, Krautrock, jazz fusion, hard rock y música latinoamericana dentro de su música. Fueron llamados «La mejor banda prog-rock» del 2008 por Rolling Stone. De acuerdo al libreto de su álbum «Amputechture», The Mars Volta está conformado por la sociedad entre Omar Rodríguez-López y Cedric Bixler-Zavala, mientras que sus composiciones son luego interpretadas por The Mars Volta Group. Son conocidos por sus conciertos enérgicos e improvisados, sus letras crípticas, así como por sus álbumes de estudio conceptuales.
En 2009, la banda ganó un Grammy en la categoría Best Hard Rock Performance por la canción «Wax Simulacra». Cedric Bixler-Zavala, anunció en su cuenta de twitter el día 23 de enero que oficialmente estaba fuera de la banda y de cierta forma insinuando la separación de ésta, diciendo que «hizo todo lo que podía por mantener junta a la banda». Aunque el grupo se separó en 2013, después de la reunión de «At the Drive-In», Omar y Cedric se reunierón nuevamente para formar un nuevo grupo llamado Antemasque.
Antes de formar The Mars Volta, Cedric Bixler-Zavala y Omar Rodríguez-López eran parte de At the Drive-In, aunque integraban también De Facto junto a Isaiah Ikey Owens y al ingeniero de sonido Jeremy Michael Ward. En De Facto, Bixler-Zavala se encargaba de la batería, Rodríguez-López de la guitarra y del bajo, mientras que Ward se ocupaba de los efectos de sonido y voces. En el 2000 los integrantes de De Facto se mudaron a Long Beach, California, incorporando a un nuevo integrante en sus filas: Ikey Owens, que se encargó de los teclados. Con la incorporación de Eva Gardner, De Facto se convirtió en lo que hoy es The Mars Volta, un nuevo proyecto formado con el objetivo de satisfacer las búsquedas creativas de sus miembros.
En 2001, The Mars Volta grabó dos canciones junto al baterista Blake Fleming y el productor Alex Newport, que se convertirían finalmente en su primer demo. Su primer show fue el 18 de octubre de 2001 en California, el grupo se conformó con: Rodríguez-López, Bixler-Zavala, Ward, Owens, Gardner y el baterista Jon Theodore. Con estos integrantes la banda grabó tres canciones más junto a Newport, las cuales formarían lo que sería su primer EP: «Tremulant», lanzado en 2002.
Después de «Tremulant EP», The Mars Volta continuó girando y cambiando de formación, mientras preparaba lo que sería su primer larga duración, «De-Loused in the Comatorium», grabado entre 2002 y 2003 en The Mansion (Los Ángeles), producido por Rick Rubin y Omar Rodríguez-López, y editado en junio de 2003 por Gold Standard Laboratories / Universal Records.
El álbum debut de la banda de rock experimental The Mars Volta, concebido como un álbum conceptual, está basado en una historia corta creada por el cantante Cedric Bixler-Zavala y el ingeniero de sonido Jeremy Michael Ward, que trata sobre Cerpin Taxt, un hombre que trata de suicidarse abusando de la morfina. El intento le provoca un coma de una semana, durante la cual experimenta visiones acerca de la humanidad y su propia mente. Una vez consciente, encuentra al mundo real sumamente desagradable, así que decide volver a su muerte. La historia de Cerpin Taxt está basada en la muerte del artista Julio Venegas, amigo de Bixler-Zavala, quien permaneció muchos años en coma antes de despertar, para luego saltar desde un puente en la ciudad de El Paso.
El álbum se distingue por las extrañas letras de sus canciones, sus influencias de ritmos latinos, sus frecuentes cambios de tempo, y los frenéticos riffs del guitarrista Omar Rodríguez-López. El título del disco está tomado de la canción «Eunuch Provocateur», que integra su anterior trabajo, el EP «Tremulant».
Un mes antes del lanzamiento del álbum, durante la gira con Red Hot Chilli Peppers, Jeremy Michael Ward fue encontrado muerto de una sobredosis de heroína. La banda canceló la segunda parte de su gira y el primer single de «De-Loused…» estuvo dedicado a su memoria. Este suceso fue el que convenció a Rodríguez-López y Bixler-Zavala a dejar de consumir drogas fuertes.
«De-Loused in the Comatorium» se convirtió tanto en un éxito de ventas como de crítica, vendiendo más de 500.000 copias a pesar de la escasa publicidad que recibió, y apareciendo en varias listas especializadas entre los mejores discos del año. También apareció en el puesto 55 de la lista de los mejores 100 discos guitarreros de todos los tiempos, en el número de octubre de 2006 de la revista Guitar World, y fue incluido en el libro 1001 discos que hay que escuchar antes de morir.
«ESP» es una abreviación de ‘Ectopic Shapeshifting Penance-propulsión’, una frase creada por la banda. Flea (bajista de los Red Hot Chilli Peppers) tocó el bajo en nueve de las diez canciones del disco. En el tema «Cicatriz ESP», el guitarrista de Red Hot Chilli Peppers, John Frusciante, toca la guitarra como músico invitado; también puede oírse su voz repetidamente, aunque estos coros no aparecen acreditados.
Fuente: Wikipedia / Zonde
Lista de canciones:
(Todos los temas escritos por Omar Rodríguez-López, excepto indicados)
«Son et Lumiere» – 1:35
«Inertiatic ESP» – 4:23
«Roulette Dares (The Haunt of)» – 7:30
«Tira Me a las Arañas» – 1:28
«Drunkship of Lanterns» (Omar Rodríguez-López/Cedric Bixler-Zavala) – 7:05
«Eriatarka» – 6:20
«Cicatriz ESP» – 12:28
«This Apparatus Must Be Unearthed» (Rodríguez-López/Bixler-Zavala) – 4:57
Tabletom es un grupo musical andaluz formado en el año 1976, a partir de una comuna anarco-hippie en los campos de Málaga, en la que militaron Roberto González (vocalista del grupo y conocido también como «Rockberto»), Jesús Ortiz (bajo y violín); Javier Denis (oboe y saxos); los hermanos Pedro «Perico» (guitarra) y José Manuel «Pepillo» Ramírez (flauta) y el batería y percusionista Paco Oliver (sustituido por Salvador Zurita algo después). Fusionaron y combinaron géneros tan dispares como el jazz, el rock, el reggae, el blues o el flamenco.
Su primer disco («Mezclalina», 1980), producido por Ricardo Pachón, los incorporó al rock andaluz, aunque su estilo ‘particular’ fuera a la larga tan incompatible con dicha etiqueta que provocó el desahucio por parte de la compañía (RCA), que se negó a promocionarlos ya desde un primer momento y los obligó (contra su voluntad) a convertirse en un grupo maldito prácticamente desde su mismo inicio.
De 1981 a 1985 sobreviven fundando su propia productora (que autoproduce el EP «Recuerdos del Futuro») y distribuyendo comercialmente incluso cassettes (el álbum editado en cassette en 1984, «Rayya»). Desde 1981 funcionan como cuarteto (González, Ortíz, Ramírez & Ramírez) por la marcha de Denis y Zurita, y con diversos baterías colaboradores (N. Higueras, D. Belda o R. Baena).
A pesar de la pobre promoción en esas circunstancias, su directo demoledor y su cantante ‘carismático’ los hace conocidos por la propaganda boca a boca (decía la prensa entonces que el grupo ‘no tenía seguidores, sino incondicionales’. Y era verdad, en gran parte). En 1985 la banda se disuelve durante algunos años debido a la marcha de su bajista. Los hermanos Ramírez y Roberto González continúan tocando como Rockberto y los Castigos, en una etapa no satisfactoria en términos musicales para sus miembros.
En 1990 se asiste a la recuperación del grupo, ahora ya convertido en trío (por ausencia definitiva de J. Ortiz Morales, que pasa a la música contemporánea). Rockberto, Perico y Pepillo han sido desde entonces los pilares de un grupo que, si bien entronca con bastantes hilos del grupo original, se desarrolla ya, poco a poco, por otros derroteros más duros, secos, y menos psicodélicos que en la primera formación (considerada por los teóricos una de las apuestas tardías e insólitas del sonido Canterbury en España). Como banda, sin embargo, han seguido llevando formaciones bastante amplias a escena, ya que siempre han contado con la colaboración (y la complicidad y simpatía) de muchos músicos. Especialmente malagueños, pero no exclusivamente.
Hoy en día, a pesar del tiempo que llevan en activo, nunca han tenido demasiado éxito comercial reconocido. De hecho, la canción que más derechos de autor les ha generado –»Me estoy quitando», un homenaje a Camarón y todo un himno en Málaga–, creada por ellos e incluida en su disco «Inoxidable» de 1991, fue conocida fuera del círculo del grupo gracias a que los extremeños Extremoduro la grabaron versionada en su disco «Agila».
«Mezclalina» es el álbum debut de la banda malagueña Tabletom, editado en 1980 por RCA Records, con producción de Ricardo Pachón y grabado con Eugenio Muñoz y Luis Delgado como ingenieros de sonido. En él fusionan varios géneros en apariencia dispares, como el rock progresivo sinfónico, el flamenco, el jazz, el blues, el rock andaluz y la psicodelia. Todos los temas están acreditados a J. Ramírez, J. Denis, P. Maestre, J. Ortiz y R. González, con letras de éste último, excepto el tema que cierra el disco que es autoría exclusiva de Rockberto.
El álbum fue remasterizado y reeditado en formato CD en 2016 por Paisley Press. Este archivo corresponde a esta reedición.
Fuente: Wikipedia / Zonde
Lista de canciones:
«Tipos Duros (En Memoria de Piyayo)» — 4:13
«Ininteligible» — 7:15
«Mezclalina» — 7:14
«Zero-Zero» — 9:37
«La Guerra (Contra la Guerra)» — 8:50
Calidad: FLAC
Gracias al compañerojmoranmupor este archivo flac, cedido generosamente a Ciclotimia.
«When the Wind Blows» es una película dramática de animación británica, dirigida en 1986 por Jimmy Murakami, basada en la novela gráfica del mismo nombre de Raymond Briggs. Las voces de John Mills y Peggy Ashcroft dan vida a los personajes protagonistas. La siguiente novela gráfica de Briggs, «Ethel and Ernest» (1998), deja más claro que el autor basó la pareja protagonista de «When the Wind Blows» en sus propios padres.
La película es un híbrido de dibujos animados y animación stop-motion. Los personakes de Jim e Hilda Bloggs están dibujados, sin embargo su casa y la mayoría de objetos en ella son objetos reales que rara vez se mueven pero son animados con stop motion cuando lo hacen.
La banda sonora del film fue creada –en su mayor parte– por Roger Waters e interpretada por él mismo y su grupo de refuerzo, The Bleeding Heart Band (que incluía a Paul Carrack), interviniendo también David Bowie (quien realizó la canción del título), Genesis, Squeeze y Paul Hardcastle.
En algunas versiones del álbum, los temas de Roger Waters están todos agrupados en una única canción de 24:26 minutos. La letra de la última canción, «Folded Flags», incluye una referencia al tema de Jimmy Hendrix «Hey Joe», diciendo «Hey Joe, where you goin’ with that gun in your hand?» (Eh, Joe, ¿dónde vas con esa arma en tu mano?) y «Hey Joe, where you goin’ with that dogma in your head?» (Eh, Joe, ¿dónde vas con ese dogma en tu cabeza?).
Lista de canciones:
«When the Wind Blows» (Bowie, Erdal Kizilcay) – 3:35 [Interpretada por David Bowie]
«Facts And Figures» (Edgar Sampson) – 4:19 [Interpretada por Hugh Cornwell]
«The Brazilian» (Tony Banks, Phil Collins, Mike Rutherford) – 4:51 [Interpretada por Genesis]
«What Have They Done?» (Chris Difford, Glenn Tilbrook) – 3:39 [Interpretada por Squeeze]
«The Shuffle» (Hardcastle) – 4:16 [Interpretada por Paul Hardcastle]
Black Sabbath es una banda británica de heavy metal formada en 1968 en Birmingham por Tony Iommi (guitarra), Ozzy Osbourne (voz), Geezer Butler (bajo) y Bill Ward (batería). Desde entonces, la banda ha sufrido multitud de cambios de formación, con más de veinticinco antiguos miembros. Influenciados por la música de Blue Cheer, Cream, Vanilla Fudge, y principalmente The Beatles, la agrupación incorporó letras sobre ocultismo y terror con guitarras afinadas de modo más grave y consiguió varios discos de oro y platino en la década de 1970. Son considerados como pioneros (si no creadores) del heavy metal junto a otros grupos contemporáneos como Deep Purple, Budgie, Pentagram, Sir Lord Baltimore y Led Zeppelin. Al ser una de las primeras y más influyentes bandas de heavy metal de todos los tiempos, Black Sabbath ayudó a desarrollar el género con publicaciones tales como «Paranoid», álbum que logró cuatro certificaciones de platino de la RIAA. Han vendido más de 75 millones de discos en todo el mundo, incluidos 15 millones de copias sólo en Estados Unidos de Norteamérica. Fueron incluidos en el Salón de la Fama del Rock en el año 2005.
Un cine, en la acera al frente del local de ensayo de la banda, estaba mostrando una película de terror de 1963 dirigida por Mario Bava, con Boris Karloff como protagonista, llamada «Black Sabbath», en italiano (su idioma original): «I Tre Volti della Paura»; en castellano: «Las Tres Caras del Miedo». Mientras veía a la gente que hacía cola para ver la película, Butler notó que «era raro ver que la gente gastase tanto dinero para ver películas de miedo». Después de esto escribió la letra de una canción llamada «Black Sabbath», inspirada en el trabajo del escritor ocultista Dennis Wheatley y en una visión que había tenido Butler sobre una figura negra encapuchada a los pies de su cama. Haciendo uso, sin ser conscientes de ello, del tritono, conocido también como el «Intervalo del Diablo», el sonido siniestro y las oscuras letras de la canción empujaron a la banda en una dirección más oscura, en intenso contraste con la música popular de finales de los años 1960, dominada por el flower power, la música folk y la cultura hippie. Inspirada por ese nuevo sonido, la banda cambió su nombre a Black Sabbath en agosto de 1969 y tomó la decisión de centrarse en componer material similar, en un intento de crear el equivalente musical a las películas de terror.
Black Sabbath firmó con Philips Records en diciembre de 1969 y publicó su primer sencillo, «Evil Woman», en enero de 1970, a través de Fontana Records, subsidiaria de Philips. Los posteriores lanzamientos se llevaron a cabo a través de la nueva compañía de rock progresivo creada por Philips, Vertigo Records. «Black Sabbath», el álbum debut de la banda, salió al mercado en febrero de 1970 y fue un éxito comercial, siendo certificado como disco de platino en EUNA y en el Reino Unido. Para aprovechar el éxito de público que habían tenido en EUNA, la banda regresó rápidamente al estudio en junio de 1970, cuatro meses después de publicar «Black Sabbath». El segundo álbum, «Paranoid», se editó en octubre de 1970 a través de Vertigo Records. Impulsado por el éxito del sencillo, el álbum escaló hasta el número uno en el Reino Unido. «Paranoid», considerado el punto cumbre de la carrera de Black Sabbath, entró entre los diez primeros en marzo de 1971 en EUNA y vendió cuatro millones de copias, sin casi apoyo radiofónico.
Black Sabbath comenzó a trabajar en su sexto álbum en febrero de 1975, en los Morgan Studios de Willesden, Inglaterra, con un nuevo representante, Don Arden, y con una clara intención de cambiar el sonido de «Sabbath Bloody Sabbath». «Podíamos haber continuado y seguir y seguir, volviéndonos más técnicos, usando orquestas y todo eso que particularmente no queríamos. Nos miramos a nosotros mismos y quisimos hacer un disco de rock; «Sabbath Bloody Sabbath» no era un disco de rock, realmente».
Producido por Black Sabbath y Mike Butcher, «Sabotage» es el sexto álbum de la banda británica de heavy metal Black Sabbath, editado en julio de 1975 por NEMS y Vertigo Records. De nuevo, el álbum recibió críticas positivas, ya que Rolling Stone afirmó que «Sabotage no es sólo el mejor álbum de Black Sabbath desde Paranoid, puede que sea el mejor de todos», aunque posteriores críticos notaron que «la química mágica que hizo álbumes como Paranoid y Volume 4 estaba empezando a desintegrarse».
«Sabotage» alcanzó el top veinte tanto en EUNA como en el Reino Unido, pero fue el primer álbum que no consiguió el disco de platino en Estados Unidos de Norteamérica, llegando sólo al disco de oro. Aunque el único sencillo del álbum, «Am I Going Insane (Radio)», no consiguió entrar en las listas de éxitos, «Sabotage» contiene canciones clásicas como «Hole in the Sky» y «Symptom of the Universe». Black Sabbath realizaron una gira mundial con Kiss, pero se vieron forzados a dejarla en noviembre de 1975 tras un accidente de moto en el que Osbourne se lesionó la espalda.
En 1986, Castle Communications reeditó el álbum en CD en el Reino Unido, siendo la primera publicación del disco en este formato. Este archivo corresponde a dicha reedición.
Fuente: Wikipedia / Zonde
Lista de canciones:
(Todos los temas escritos y compuestos por Tony Iommi, Geezer Butler, Bill Ward y Ozzy Osbourne)
Black Sabbath es una banda británica de heavy metal formada en 1968 en Birmingham por Tony Iommi (guitarra), Ozzy Osbourne (voz), Geezer Butler (bajo) y Bill Ward (batería). Desde entonces, la banda ha sufrido multitud de cambios de formación, con más de veinticinco antiguos miembros. Influenciados por la música de Blue Cheer, Cream, Vanilla Fudge, y principalmente The Beatles, la agrupación incorporó letras sobre ocultismo y terror con guitarras afinadas de modo más grave y consiguió varios discos de oro y platino en la década de 1970. Son considerados como pioneros (si no creadores) del heavy metal junto a otros grupos contemporáneos como Deep Purple, Budgie, Pentagram, Sir Lord Baltimore y Led Zeppelin. Al ser una de las primeras y más influyentes bandas de heavy metal de todos los tiempos, Black Sabbath ayudó a desarrollar el género con publicaciones tales como «Paranoid», álbum que logró cuatro certificaciones de platino de la RIAA. Han vendido más de 75 millones de discos en todo el mundo, incluidos 15 millones de copias sólo en Estados Unidos de Norteamérica. Fueron incluidos en el Salón de la Fama del Rock en el año 2005.
Un cine, en la acera al frente del local de ensayo de la banda, estaba mostrando una película de terror de 1963 dirigida por Mario Bava, con Boris Karloff como protagonista, llamada «Black Sabbath», en italiano (su idioma original): «I Tre Volti della Paura»; en castellano: «Las Tres Caras del Miedo». Mientras veía a la gente que hacía cola para ver la película, Butler notó que «era raro ver que la gente gastase tanto dinero para ver películas de miedo». Después de esto escribió la letra de una canción llamada «Black Sabbath», inspirada en el trabajo del escritor ocultista Dennis Wheatley y en una visión que había tenido Butler sobre una figura negra encapuchada a los pies de su cama. Haciendo uso, sin ser conscientes de ello, del tritono, conocido también como el «Intervalo del Diablo», el sonido siniestro y las oscuras letras de la canción empujaron a la banda en una dirección más oscura, en intenso contraste con la música popular de finales de los años 1960, dominada por el flower power, la música folk y la cultura hippie. Inspirada por ese nuevo sonido, la banda cambió su nombre a Black Sabbath en agosto de 1969 y tomó la decisión de centrarse en componer material similar, en un intento de crear el equivalente musical a las películas de terror.
Black Sabbath firmó con Philips Records en diciembre de 1969 y publicó su primer sencillo, «Evil Woman», en enero de 1970, a través de Fontana Records, subsidiaria de Philips. Los posteriores lanzamientos se llevaron a cabo a través de la nueva compañía de rock progresivo creada por Philips, Vertigo Records. «Black Sabbath», el álbum debut de la banda, salió al mercado el viernes 13 de febrero de 1970. Alcanzó el octavo puesto en el UK Albums Chart y, tras su publicación en Estados Unidos de Norteamérica en mayo de 1970, alcanzó el veintitrés en el Billboard 200, donde permaneció durante más de un año. El disco fue un éxito comercial y desde entonces ha sido certificado como disco de platino en EUNA y en el Reino Unido.
Para aprovechar el éxito de público que habían tenido en Estados Unidos de Norteamérica, la banda regresó rápidamente al estudio en junio de 1970, cuatro meses después de publicar «Black Sabbath». El nuevo álbum iba a llamarse «War Pigs» por la canción homónima, que criticaba la guerra de Vietnam. Sin embargo, Warner Bros. cambió el título a «Paranoid» (Paranoico en castellano) por miedo a represalias de los partidarios de esa guerra. El primer sencillo del álbum, «Paranoid», se escribió a última hora en el estudio; fue publicado antes que el álbum, en septiembre de 1970, y alcanzó el cuarto puesto en las listas británicas, convirtiéndose en el único sencillo de la banda en llegar al top ten.
El segundo álbum, grabado em los Regent Sound Studios y los Island Studios, se editó en octubre de 1970 a través de Vertigo Records, con producción de Rodger Bain. Impulsado por el éxito del sencillo, el álbum escaló hasta el número uno en el Reino Unido. La publicación en Estados Unidos de Norteamérica se retrasó hasta enero de 1971, ya que «Black Sabbath» aún estaba en las listas cuando «Paranoid» salió en el Reino Unido. «Paranoid» entró entre los diez primeros en marzo de 1971 en EUNA y vendió cuatro millones de copias, sin casi apoyo radiofónico.
«Paranoid» marcaría el punto cumbre de la carrera de Black Sabbath, un LP que figura en la lista de álbumes indispensables redactada por la revista Rolling Stone y hasta nuestros días es considerado un disco de culto. Se trata en efecto de un disco de enorme calidad, tanto en su conjunto como en sus canciones de forma individual. Desde el punto de vista de las letras, es uno de los discos que enfoca de forma más negativa la condición humana. En la edición norteamericana, «Luke’s Wall» y «Jack the Stripper» son la intro y el final de las canciones que acompañan. En las ediciones europeas no aparecen en los títulos.
De él desacan tres grandes temas clásicos de la banda. «War Pigs», uno de los máximos exponentes sonoros del LP y de la propia discografía de Black Sabbath, que lanza durísimas críticas hacia la guerra de Vietnam, los militares y los políticos, calificándolos como bien dice el título de la canción de «cerdos de la guerra». «Paranoid», un tema compuesto en apenas media hora en un descanso en las sesiones de grabación del álbum y que acabó siendo el tema más exitoso de Black Sabbath; según Iommi, la banda se había ido por unas cervezas y él empezó a tocar, no había grabadoras y tenía miedo de que se le olvidara, por lo que estuvo tocando el riff hasta que los demás volvieron; esta vez la canción nos traslada con su frenético riff a la desesperación existencial de un enfermo mental; como dato interesante figura la similitud del riff de «Paranoid» con el de «Dazed and Confused» de Led Zeppelin (de su LP debut «Led Zeppelin»).
Y finalmente «Iron Man», tema en cuyas letras se refleja la historia de un hombre que, viendo el fin de la humanidad, viaja al pasado para salvarla; en su viaje a través del campo magnético, se convierte en Iron Man, perdiendo el habla y el movimiento; cuando quiere advertir a la humanidad acerca del desastre, es ignorado, por lo que clama -y consigue- su venganza, desatando el fin que había venido a evitar. El factor clave de esta pieza es sin lugar a dudas su genial y singular riff, uno de los mejores y más conocidos de la historia, que se repite de forma hipnótica; asimismo es destacable el excelente trabajo en la batería de Bill Ward, que imita con su tan particular estilo el riff de la guitarra. Cabría también destacar la influencia que este tema y el estilo guitarrero de Iommi tuvieron sobre Leño, sobre todo en su álbum debut y, específicamente, en el tema «Castigo».
El álbum más famoso de Black Sabbath, fue reeditado multitud de veces debido a la demanda existente. La primera edición en formato CD fue en 1986 por Castle Communications en Reino Unido y Europa. Al año siguiente apareció en este mismo formato en Norteamérica. Este archivo corresponde a la reedición estadounidense en CD que Warner Bros. Records (Warner Music) realizó en 1987.
Fuente: Wikipedia / Zonde
Lista de canciones:
(Todos los temas escritos y compuestos por Tony Iommi, Geezer Butler, Bill Ward y Ozzy Osbourne)
Black Sabbath es una banda británica de heavy metal formada en 1968 en Birmingham por Tony Iommi (guitarra), Ozzy Osbourne (voz), Geezer Butler (bajo) y Bill Ward (batería). Desde entonces, la banda ha sufrido multitud de cambios de formación, con más de veinticinco antiguos miembros. Influenciados por la música de Blue Cheer, Cream, Vanilla Fudge, y principalmente The Beatles, la agrupación incorporó letras sobre ocultismo y terror con guitarras afinadas de modo más grave y consiguió varios discos de oro y platino en la década de 1970. Son considerados como pioneros (si no creadores) del heavy metal junto a otros grupos contemporáneos como Deep Purple, Budgie, Pentagram, Sir Lord Baltimore y Led Zeppelin. Al ser una de las primeras y más influyentes bandas de heavy metal de todos los tiempos, Black Sabbath ayudó a desarrollar el género con publicaciones tales como «Paranoid», álbum que logró cuatro certificaciones de platino de la RIAA. Han vendido más de 75 millones de discos en todo el mundo, incluidos 15 millones de copias sólo en Estados Unidos de Norteamérica. Fueron incluidos en el Salón de la Fama del Rock en el año 2005.
Un cine, en la acera al frente del local de ensayo de la banda, estaba mostrando una película de terror de 1963 dirigida por Mario Bava, con Boris Karloff como protagonista, llamada «Black Sabbath», en italiano (su idioma original): «I Tre Volti della Paura»; en castellano: «Las Tres Caras del Miedo». Mientras veía a la gente que hacía cola para ver la película, Butler notó que «era raro ver que la gente gastase tanto dinero para ver películas de miedo». Después de esto escribió la letra de una canción llamada «Black Sabbath», inspirada en el trabajo del escritor ocultista Dennis Wheatley y en una visión que había tenido Butler sobre una figura negra encapuchada a los pies de su cama. Haciendo uso, sin ser conscientes de ello, del tritono, conocido también como el «Intervalo del Diablo», el sonido siniestro y las oscuras letras de la canción empujaron a la banda en una dirección más oscura, en intenso contraste con la música popular de finales de los años 1960, dominada por el flower power, la música folk y la cultura hippie. Inspirada por ese nuevo sonido, la banda cambió su nombre a Black Sabbath en agosto de 1969 y tomó la decisión de centrarse en componer material similar, en un intento de crear el equivalente musical a las películas de terror.
Tras la gira mundial de «Volume 4», Black Sabbath quería recrear la atmósfera de grabación y regresó a la Record Plant de Los Ángeles para empezar a trabajar en su siguiente entrega. A causa de las innovaciones de la época en el proceso de grabación, los miembros se sorprendieron de encontrarse con que la habitación que habían usado la última vez había sido reemplazada por un sintetizador gigante. Alquilaron una casa en Bel Air y comenzaron a componer en el verano de 1973, pero, debido al abuso de sustancias y al cansancio, no fueron capaces de completar ninguna canción. «Las ideas no venían del modo en que venían con Volume 4 y nos desilusionamos mucho» -dijo Iommi-. «Estaban todos sentados ahí esperando que hiciera algo. Yo simplemente no podía pensar en nada. Y si a mí no se me ocurría nada, nadie hacía nada».
Después de un mes en Los Ángeles sin resultados, optaron por volver a Gran Bretaña, donde alquilaron el castillo de Clearwell en el Bosque de Dean (Gales). «Ensayábamos en las mazmorras y era bastante espeluznante pero tenía algo de atmósfera, evocaba cosas, y el material comenzó a salir otra vez». Mientras trabajaban en las mazmorras, Iommi topó con el riff principal de «Sabbath Bloody Sabbath», que dio el tono para el nuevo material. Grabado en los Morgan Studios de Londres por Mike Butcher e inspirándose en los cambios introducidos en «Volume 4», las nuevas canciones incorporaban sintetizadores, instrumentos de cuerda y arreglos complejos. El teclista de Yes, Rick Wakeman, colaboró como músico de sesión en la canción «Sabbra Cadabra».
En noviembre de 1973, Black Sabbath publicó su quinto álbum, «Sabbath Bloody Sabbath», disco editado por Vertigo Records en Reino Unido y Europa y por Warner Music en Norteamérica, que fue aclamado por la crítica. En efecto, por primera vez en su carrera, la banda empezó a recibir críticas positivas de la prensa musical generalista. La revista Rolling Stone lo definió como «un asunto extraordinariamente pegadizo», y «nada menos que un completo éxito». Posteriores reseñas, como es el caso de la de Eduardo Rivadavia de Allmusic, mencionan el álbum como una «obra maestra, esencial para cualquier colección de heavy metal», que presenta «una recién hallada sensación de finura y madurez». El álbum se convirtió en el quinto consecutivo del grupo en alcanzar el disco de platino en EUNA, llegando al número cuatro en las listas británicas y el once en las estadounidenses.
El álbum está inspirado a partes iguales por la psicodelia (con el uso masivo de sintetizadores y otros instrumentos poco comunes en temas más directos y rockeros) y por la energía de algunas de las guitarras más duras que tocase Tony Iommi en los años con Ozzy Osbourne. Encontramos momentos dulces y delicados, como la acústica instrumental «Fluff». Momentos esquizoides como en «Who Are You» (tema compuesto por Ozzy al cual inicialmente Iommi se oponía en su inclusión en el trabajo), llegó a ser nº 1 en las listas de singles del Reino Unido. Momentos poderosos como el monumental riff que abre «Sabbath Bloody Sabbath», en cuya parte central aparecen los primeros ritmos groove pesados que se harían popular entre las bandas extremas de principios de los 90.
La portada diseñada por Drew Struzan nos muestra la cruda imagen de un hombre acostado sobre una cama teniendo una pesadilla o una visión de ser atacado por demonios en forma de humanos. La muerte le rodea en su lecho de sufrimiento con el número 666 (el número de la bestia) grabado de fondo.
La banda comenzó una gira mundial en enero de 1974 que culminó en el festival California Jam en Ontario ante 200.000 personas, junto a otras bandas como Emerson, Lake & Palmer, Deep Purple, Earth, Wind & Fire y Eagles. Parte de este concierto fue emitido por la cadena ABC en EUNA, dando a conocer a la banda ante una mayor audiencia. Ese año la banda rompió el contrato con su representante Jim Simpson y contrató a Patrick Meeham. Este cambio trajo consigo disputas legales con Simpson que provocaron la ausencia de los estudios de grabación de la banda durante dos años.
El álbum fue remasterizado y editado en formato CD en Reino Unido y Europa por el sello Essential en 1996; este archivo corresponde a esta reedición remasterizada.
Fuente: Wikipedia / Zonde
Lista de canciones:
(Todos los temas escritos y compuestos por Tony Iommi, Geezer Butler, Bill Ward y Ozzy Osbourne)
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Entre 1971 y 1973 Mike Oldfield comenzó a ordenar las ideas musicales que bullían en su cabeza. Usando una grabadora de cuatro pistas que le prestó Kevin Ayers, dos pistas en un sentido y las otras dos en el otro, descubrió que si cubría el cabezal de borrado con un trocito de cartón podía grabar en cuatro pistas. De esta forma podría empezar a grabar las ideas necesarias para realizar su gran proyecto: crear una sinfonía, similar a las composiciones de gran escala para orquesta con diferentes movimientos que se podían encontrar en muchas obras de música clásica, pero utilizando para ello instrumentos de toda índole, sobre todo pertenecientes al mundo del pop-rock. Se ha mencionado que la Quinta Sinfonía de Jean Sibelius le influyó profundamente por aquel entonces.
El cuarto álbum de estudio de Mike Oldfield, «Incantations», fue producido por Mike Oldfield y publicado por Virgin Records el 24 de noviembre de 1978. Se trata de un álbum doble grabado en Througham Slam, Inglaterra, entre diciembre de 1977 y septiembre de 1978. Durante la composición de «Incantations», Oldfield se inspiró en poemas acerca de Hiawatha, por Henry Wordsworth Longfellow, y Diana, por Ben Johnson, y leyendas celtas. El resultado es un álbum donde se fusiona rock progresivo con música celta y percusión africana, en un estilo cercano al New Age. Entre los músicos de sesión se encuentran Mike Laird, Pierre Moerlen y Sally Oldfield. «Incantations» llegó al puesto 14 en el Reino Unido durante 14 semanas.
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