Ciclos y Neurastenias en un mundo cruel

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Pink Floyd – The Final Cut [1983]

[Resubida Mejorada]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

Pink Floyd es una banda de rock británica, considerada un icono cultural del rock del siglo xx y una de las bandas más influyentes en la historia de la música, que obtuvo gran popularidad gracias a su música psicodélica que evolucionó hacia el rock progresivo con el paso del tiempo. Es conocido por sus canciones de alto contenido filosófico, la experimentación sónica, las innovadoras portadas de sus discos y sus elaborados espectáculos en vivo. Sus ventas sobrepasan los más de 300 millones de álbumes vendidos en todo el mundo.

Pink Floyd comenzó con gran éxito en la escena underground londinense a finales de los años sesenta, con Syd Barrett como principal compositor. La salida de Barrett hizo que el cantante y bajista Roger Waters se convirtiera gradualmente en la fuerza conductora y dominante en la primera mitad de los años setenta, la época de mayor éxito en ventas de la banda, hasta su abandono en 1985. El grupo grabó durante esta época muchos álbumes que se convirtieron en grandes éxitos comerciales, como “The Dark Side of the Moon” (1973), “Wish You Were Here” (1975), “Animals” (1977) y “The Wall” (1979).

Después de 1973, Pink Floyd se distanció de la psicodelia y se convirtió en una banda difícil de clasificar. Los distintos estilos de cada uno de los compositores confluyeron en uno único, que cristalizó en las dos obras más importantes de su discografía, para crítica y público: “The Dark Side of the Moon” (1973) y “Wish You Were Here” (1975). En ambas obras, Gilmour se convirtió en el principal vocalista de la formación, mientras que los coros femeninos y el saxofón de Dick Parry adquirieron especial relevancia. El ambiente de colaboración se había ido enfriando en la época anterior, hasta que Waters tomó el timón compositivo, en el aspecto musical y letrístico, en el disco “The Dark Side of the Moon”. La última colaboración de Wright como vocalista y como compositor se dio en los temas “Time” y “Shine on You Crazy Diamond”, respectivamente, mientras que las aportaciones compositivas de Gilmour descendieron abruptamente hasta que Waters dejó la banda en 1985.

«The Final Cut» —en castellano: El corte final— es el duodécimo álbum de estudio de la banda británica de rock progresivo Pink Floyd. Grabado entre julio y diciembre de 1982 con producción de Roger Waters, se lanzó al mercado en marzo de 1983 a través de la compañía discográfica Harvest Records en el Reino Unido y varias semanas después a través de Columbia Records en Estados Unidos de Norteamérica. Se trata de un álbum conceptual, sin la participación de Rick Wright quien fue despedido por Waters en 1981, y es el último de la banda en contar con la participación de Roger Waters, quien aparece acreditado como compositor y letrista de todas las canciones del disco. La mayoría de ellas cuentan con la voz de Waters como vocalista principal; el guitarrista líder David Gilmour aporta su voz a sólo una de las doce canciones del disco, “Not Now John”.

“The Final Cut” se planeó como banda sonora para la película de 1982 “Pink Floyd The Wall”. Bajo su título inicial “Spare Bricks”, la idea era que contuviese canciones de “The Wall” sin cambios o simplemente regrabadas para la película. Algunos ejemplos incluían “When the Tigers Broke Free” y “Bring the Boys Back Home”. Sin embargo, el bajista, vocalista principal y principal compositor Roger Waters planeaba incluir además material nuevo para expandir la narrativa de “The Wall”. Finalmente se le cambió el nombre a “The Final Cut”, que es una referencia a la obra “Julio César” del dramaturgo inglés William Shakespeare: “This was the most unkindest cut of all”.​ “When the Tigers Broke Free” se lanzó como sencillo el 26 de julio de 1982, con “Bring the Boys Back Home” como Cara B.

Debido a la guerra de las Malvinas, Waters decidió cambiar de dirección y comenzó a componer material nuevo. Siendo un socialista de corazón, vio la respuesta de invasión de la Primera Ministra del Reino Unido Margaret Thatcher como algo innecesario y jingoísta, por lo que decidió dedicar el nuevo álbum – titulado provisionalmente “Requiem for a Post-War Dream”— a su padre, Eric Fletcher Waters (muerto en la Segunda Guerra Mundial). Esta nueva dirección creativa creó una serie de disputas entre Waters y Gilmour. Varias piezas musicales de The Wall, incluyendo “Your Possible Pasts”, “One of the Few”, “The Final Cut” y “The Hero’s Return”, se habían apartado para “Spare Bricks”. A pesar de que Pink Floyd había reutilizado material antiguo en otras ocasiones, Gilmour sentía que no era lo suficientemente bueno para el nuevo disco. Quería componer material nuevo, pero Waters tenía dudas, ya que Gilmour prácticamente no había contribuido con letras en los últimos tiempos.

Recién comenzada la guerra de las Malvinas, Waters la convirtió en una crítica a la guerra, además de tratar lo que él consideraba la traición para con su padre. Repitiendo el estilo de ópera rock de su predecesor, “The Wall” (1979), se grabó en ocho estudios distintos de Inglaterra, entre julio y diciembre de 1982. Al igual que en la mayoría de la discografía de Pink Floyd, se contrataron una gran cantidad de músicos de sesión como colaboradores, aunque la grabación del mismo estuvo dominada por la creciente tensión entre Waters y el resto de la banda, especialmente Gilmour. El diseño artístico corrió a cargo de Waters, reflejando el contenido del álbum. “The Final Cut” llegó a lo más alto de la lista británica de álbumes, aunque recibió críticas mezcladas.

Para acompañar al álbum, se lanzaron 4 cortometrajes llamados: “The Final Cut”. La película, basada en una selección de canciones del disco,​ fue producida por Waters y dirigida por su cuñado Willie Christie. Para su elaboración se usaron cuatro canciones: “The Gunner’s Dream”, “The Final Cut”, “The Fletcher Memorial Home” y “Not Now John”. En ella se ve a Waters contándole sus secretos más íntimos a un psiquiatra llamado A. Parker-Marshall. También aparece en la película Alex McAvoy, quien ya había participado en “Pink Floyd The Wall”.

Después del lanzamiento del álbum cada miembro de la banda se concentró en sus proyectos en solitario, aunque poco después Waters anunció que dejaba el grupo, además de intentar que Gilmour y el batería Nick Mason nunca volviesen a utilizar el nombre de Pink Floyd. Con posterioridad Gilmour ha expresado en varias ocasiones su desagrado con gran parte de “The Final Cut”, muchas veces viéndose como una obra en solitario de Waters. Ninguna de las canciones del disco han sido tocadas en directo por Pink Floyd, aunque algunas sí ha tocado Waters en sus giras en solitario.

En 2004, la remasterización del álbum incluyó el tema “When the Tigers Broke Free” que apareció en “Pink Floyd The Wall” y en el álbum “Echoes: The Best of Pink Floyd”.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas de Roger Waters)
 

  1.  «The Post War Dream» — 3:00
  2.  «Your Possible Pasts» — 4:21
  3. «One of the Few» — 1:25
  4. «The Hero’s Return» — 2:57
  5. «The Gunner’s Dream» — 5:04
  6.  «Paranoid Eyes» — 3:45
  7.  «Get Your Filthy Hands Off My Desert» — 1:18
  8. «The Fletcher Memorial Home» — 4:10
  9. «Southampton Dock» — 2:05
  10. «The Final Cut» — 4:52
  11. «Not Now John» — 5:02
  12. «Two Suns in the Sunset» — 5:17

Calidad: FLAC

 

 

 

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Alan Parsons Project – I Robot (1977-Reed.1984)

 

[Otras Músicas]

 

 

The Alan Parsons Project fue un grupo británico de rock progresivo formado en 1975 en Londres y activo hasta 1990. Liderado por el productor, ingeniero y compositor Alan Parsons y el productor ejecutivo, compositor y vocalista Eric Woolfson, en él participaron varios músicos de estudio y un grupo amplio de cantantes. En conjunto grabaron un total de 11 discos, acreditándose la mayoría de las canciones como Parsons/Woolfson, que lograron vender más de 50.000.000 de copias.

La mayoría de los discos de The Alan Parsons Project son álbumes conceptuales que comienzan con una canción instrumental que se fusiona con la segunda canción. También suele incluir una canción instrumental, en lo que sería el comienzo de la cara B, y finaliza con una canción energética y poderosa o melancólica y de tiempo lento. Una característica destacable es que en cada disco interpretan los temas varios cantantes invitados como Lenny Zakatek, John Miles, Gary Brookers, Chris Rainbow o Colin Blunstone, ejerciendo Eric Woolfson como cantante de manera esporádica. Por contra existe un grupo reducido y bastante estable de músicos de estudio que participaron con regularidad en las grabaciones como el arreglista y director de orquesta Andrew Powell, el guitarrista Ian Bairnson, el bajista y vocalista David Paton o el percusionista Stuart Elliot.

Alan Parsons y Eric Woolfson se conocieron en el verano de 1974 durante unas sesiones de trabajo en los Estudios Abbey Road. En aquel momento Parsons ejercía labores de ingeniero de sonido para Pink Floyd y por su parte Woolfson, letrista y compositor, era músico de estudio y estaba creando un disco inspirado en las obras de Edgar Allan Poe. Fruto de su encuentro decidieron unir sus talentos repartiéndose funciones: Parsons ejercería de productor y realizaría labores de ingeniería de sonido en las canciones compuestas por ambos. Su primera referencia se editó en mayo de 1976 “Tales of Mystery and Imagination”, que se convirtió en un éxito, alcanzando el Top40 de la lista Billboard.

El grupo lanzó diez discos más, con un gran cuidado en la producción y creatividad, como “I Robot” (1977). Gozó de gran popularidad entre 1980 y 1985 con los álbumes “The Turn of a Friendly Card” (1980) o “Eye in the Sky” (1982), “Ammonia Avenue” (1983) y “Vulture Culture” (1984). Algunas de sus canciones más destacadas son “Don’t Answer Me”, “Time”, “Eye in the Sky”, “Lucifer”, “Silence & I” o “Games People Play”. Hasta 2015 se han editado además 14 discos recopilatorios con las canciones de diferentes etapas.

«I Robot» es el segundo álbum de The Alan Parsons Project, grabado y mezclado en los Abbey Road Studios de Londres entre diciembre de 1976 y marzo de 1977, producido por Alan Parsons, y editado en junio de 1977 por Arista Records. En este álbum conceptual, inspirado en el conjunto de relatos cortos “Yo, Robot” del escritor ruso-estadounidense Isaac Asimov, se utilizan extensivamente las nuevas capacidades del sintetizador Moog de los estudios de la EMI, sello que fuese pionero en el uso de tales facilidades en el disco debut del mismo grupo, “Tales of Mystery and Imagination”.

Eric Woolfson realmente habló con Asimov, quien se mostró entusiasmado con la idea. Como ya se habían concedido los derechos a una empresa de televisión/cine, el título del álbum fue alterado ligeramente eliminando la coma, y el tema y las letras fueron hechas para tratar más genéricamente sobre robots en vez de específicas al universo Asimov.

La cubierta interior decía: “I Robot… The story of the rise of the machine and the decline of man, which paradoxically coincided with his discovery of the wheel… and a warning that his brief dominance of this planet will probably end, because man tried to create robot in his own image”. (“Yo Robot… La historia del ascenso de la máquina y el declive del hombre, que paradójicamente coincidió con su descubrimiento de la rueda… y una advertencia de que su breve dominio de este planeta probablemente terminará, porque el hombre trató de crear el robot a su propia imagen.”) El título de la canción final, “Génesis Ch.1 V.32”, sigue este tema por lo que supone una continuación de la historia de la creación, ya que el primer capítulo del Génesis sólo tiene 31 versículos.

Más de 30 años después, el sonido inigualable de la apertura del álbum nos dice que ciertas obras musicales son inmunes al paso del tiempo: “I Robot” podría bien pasar por un álbum grabado en el siglo XXI. Este es quizás, el legado más importante de esos años, el resistir las modas y el paso del tiempo, que es justamente lo que sin duda The Alan Parsons Project quiso lograr. “I Robot” llegó al puesto 9 en la lista Billboard norteamericana.

El álbum fue reeditado en formato CD por primera vez en 1984 por Arista Records en Europa. Este archivo corresponde a esta última reedición.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas compuestos por Alan Parsons y Eric Woolfson, excepto 9: Andrew Powell)
 

  1.  «I Robot» – 6:02
  2.  «I Wouldn’t Want to Be Like You» – 3:22
  3. «Some Other Time» – 4:06
  4. «Breakdown» – 3:50
  5. «Don’t Let It Show» – 4:24
  6. «The Voice» – 5:24
  7. «Nucleus» – 3:31
  8.  «Day After Day (The Show Must Go On)» – 3:49
  9.  «Total Eclipse» – 3:09
  10. «Genesis Ch. 1, V. 32» – 3:28

Calidad: FLAC

 

 

 


30 Seconds to Mars – 30 STM [2002]

[Resubida 2ª]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

30 Seconds to Mars es una banda de rock alternativo formada en Los Ángeles (California) en 1998. Integrada originalmente por tres miembros: Jared Leto (voz, guitarra), Matt Wachter (bajo, sintetizador) y Shannon Leto (batería), a quienes más tarde se les uniría el guitarrista Solon Bixler; desde 2007 la banda está compuesta por Jared Leto (voz, guitarra), su hermano Shannon Leto (batería) y Tomo Milicevic (guitarra, teclados). Después de la salida de Matt Wachter (ahora de Angels & Airwaves) en 2007, Jared Leto se convirtió en el bajista de la banda. Tim Kelleher se ocupa del bajo únicamente en vivo.

De acuerdo a una entrevista de Virgin Records, el nombre de la banda “viene de una tesis que encontramos en la web que había sido escrita por un ex-profesor de Harvard. Una de las subsecciones de la tesis estaba titulada «Thirty Seconds to Mars» («Treinta segundos a Marte») y hablaba sobre el crecimiento de la tecnología que relacionaba a los humanos y decía que estábamos literalmente a treinta segundos de Marte. Lo que significa para nosotros es que pensábamos que describía nuestra música, en pocas palabras”.

Aunque Jared Leto es un reconocido actor de Hollywood, prefiere no usar esa información para promocionar la banda. Él mismo ha dicho que la banda será reconocida por su música y no por dicho título, de hecho, la banda rechazaba tocar en lugares en donde se utilizara su nombre como actor para promocionar el show.

En 1999, 30 Seconds to Mars firmó con Immortal Records y Virgin Records y, después de tres años, lanzaron su álbum debut: “30 Seconds to Mars”. El álbum debutó en el número 107 en el Billboard 200 y en el número uno en el Top Heatseekers, vendiendo 121.000 unidades en los Estados Unidos. El álbum produjo dos singles, “Capricorn (A Brand New Name)” y “Edge of the Earth”. El primero alcanzó el puesto número 31 en el Mainstream Rock Tracks y alcanzó el número uno en la canciones Heatseekers.

El segundo álbum, “A Beautiful Lie”, fue grabado en cuatro continentes diferentes y en cinco países distintos durante un año. El álbum tuvo cuatro singles: “Attack”, “The Kill”, “From Yesterday” y “A Beautiful Lie”. “Attack” fue la canción más pedida durante la primera semana en la radio alternativa, mientras que “The Kill” estableció un récord de éxito en la historia de la lista Modern Rock Tracks cuando permaneció en la tabla de radios más de 94 semanas. El tercer sencillo, “From Yesterday”, encabezó el Hot Rock Moderno durante varias semanas. “A Beautiful Lie”, fue lanzado como el cuarto single del álbum en algunos países, incluido Portugal, donde alcanzó el número ocho en la tabla. En abril de 2008, el álbum había vendido más de 4 millones de copias en todo el mundo.

Después, la banda lanzó su tercer álbum, “This Is War”, el 4 de diciembre de 2009. El álbum encabezó las listas estadounidenses, alcanzando el número uno en el Top Tastemaker, el número de dos en el Top alternativas y álbumes digitales, el número cuatro en el Top Rock, y el número 18 en el Billboard 200. Su primer single, “Kings and Queens”, alcanzó el número uno en la lista Alternativa y el número cuatro en la lista de Rock. El segundo sencillo, “Closer to the Edge”, tiene el récord de más semanas en el número uno durante el año 2010 en el Rock Chart del Reino Unido, al mantenerse en la parte superior durante ocho semanas.

En 2013, la banda lanzó su cuarto álbum de estudio, “Love, Lust, Faith and Dreams”, del que se desprendió el sencillo “Up In the Air”.

Hasta la fecha, la agrupación ha vendido alrededor de 11 millones de copias en todo el mundo. La banda ha recibido numerosos reconocimientos y premios, tienen un total de 50 premios de aproximadamente 70 nominaciones. Entre sus premios más destacados están cuatro MTV Europe Music Awards. Además el pasado diciembre consiguieron entrar en el libro Guinness de los récords, obteniendo el récord de mayor número de conciertos en una misma gira, más de 300 durante su última gira. Aproximadamente 311 sin contar los shows acústicos, contando estos últimos, el número de conciertos se elevaría a 366.

«30 Seconds to Mars» es su álbum debut, descrito como un disco conceptual en torno al tema de la lucha humana. Fue grabado a finales de 2001 en los Cherokee Studios de Hollywood, con producción de Bob Ezrin, Brian Virtue y el propio grupo; mezclado en The Mix Room en Burbank (California) y editado el 27 de agosto de 2002, por Immortal Records y Virgin Records. Produjo dos singles: “Capricorn (A Brand New Name)” y “Edge of the Earth”, que llegaron a los conteos con una posición máxima de #31 en la lista estadounidense Mainstream Rock.

Jason D. Taylor, de Allmusic consideró este lanzamiento como “un nuevo paso audaz en la evolución musical” y señaló que su impacto dejó “amplios pasillos de sonido abiertos para que el oyente navegue bajo su voluntad”. Comentó que los miembros de 30 Seconds to Mars lograron grabar un álbum que “da vida” a la “cáscara vacía en lo que la corporación del Rock se había convertido”. Un editor de MuchMusic llamó al álbum como un “trabajo que está creado para durar”, notando que la banda produjo “algo único” con “profundidad y sustancia”. La revista en línea “Kludge” citó el disco como uno de los mejores 100 álbumes del 2002. Melodic lo incluyó en su lista de los “50 mejores discos del año” y lo consideró como “uno de los álbumes más singulares cuando se trata de un estilo propio”.

En EUNA, el álbum entró en el Billboard 200 en el número 107 a la fecha del 14 de septiembre de 2002; también debutó en el número uno en el Top Heatseekers; tuvo unas ventas estimadas en más de 40.000 unidades. En agosto de 2006, Nielsen SoundScan estima las ventas reales del álbum en más de 120.000 en EUNA. En el Reino Unido, “30 Seconds to Mars” debutó en el número 136 en el UK Albums Chart, obtuvo una certificación de Plata por la Industria Fonográfica Británica (BPI) en julio de 2013, indicando los envíos de más de 60.000 unidades. En Francia, el disco debutó en el número 142 de su lista nacional de álbumes el 5 de octubre de 2002. Después de su lanzamiento al mercado australiano, el álbum entró en las listas ARIA en el número 95 en la edición del álbum del 11 de junio de 2007, alcanzando el número 89 a la semana siguiente. En Grecia, entró en la lista nacional de álbumes en junio de 2011, en vista de concierto de la banda que tuvo lugar en Atenas en julio, alcanzando el puesto 41. El álbum fue un éxito de ventas lentas y eventualmente terminarían vendiendo más de dos millones de copias en todo el mundo hasta la fecha de marzo del 2011.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Capricorn (A Brand New Name)» – 3:51
  2. «Edge of the Earth» – 4:35
  3. «Fallen» – 4:57
  4. «Oblivion» – 3:27
  5. «Buddha for Mary» – 5:43
  6. «Echelon» – 5:47
  7. «Welcome to the Universe» – 2:37
  8. «The Mission» – 4:02
  9. «End of the Beginning» – 4:37
  10. «93 Million Miles» – 5:18
  11. «Year Zero» – 7:52 (Contiene el track oculto “The Struggle”, también llamado “Hidden to Label”, – 1:50)

Calidad: FLAC

 

 

 


Novembre – Dreams d’Azur [2002]

[Resubida]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

Novembre es una banda italiana de death metal progresivo y metal gótico formada en Roma en 1990. La banda comenzó como una banda de death metal tradicional llamada Catacomb, aunque fue evolucionando hasta practicar un sonido envolvente y atmosférico. Sus dos primeros álbumes, “Wish I Could Dream it Again” (1994) y “Arte Novecento” (1996) fueron publicados por el sello italiano Polyphemus, mientras que desde la edición de “Classica” (2000), la banda firmó un contrato con Century Media, sello con el que después lanzarían “Novembrine Waltz” (2001) y “Dreams d’Azur” (2002).

Más recientemente el grupo firmó un contrato con Peaceville Records para lanzar su sexto álbum, “Materia” (2006), y su siguiente álbum, “The Blue” (2007). Después de 8 años de ausencia, el grupo anunció que un nuevo álbum será lanzado en marzo o abril de 2016, pero a la vez que revelaron esta noticia, también se confirmó que su baterista Giussepe Orlando, dejó el grupo, dejando a Carmelo Orlando como el único miembro original. El álbum, llamado “Ursa”, fue lanzado el 1 de abril de 2016.

«Dreams d’Azur» es el quinto álbum de estudio de la banda italiana Novembre. Se trata de una re-grabación de su álbum debut “Wish I Could Dream It Again”, de 1994. A tal efecto se volvió a entrar en los Outer Sound Studios de Roma entre la primavera y el verano de 2002, con Daniele Conte en los controles, actualizando así el sonido del disco al gusto de la formación.

Fue editado el 25 de noviembre de 2002 por el sello alemán Century Media, con producción del propio grupo. El diseño de carpeta fue de Francesca Di Leandro (portada) y Hans Nagtegaal (interior).

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas de Carmelo Orlando)
 

  1. «The Dream of the Old Boats» – 5:57
  2. «Novembre» – 6:44
  3. «Nottetempo (Nighttime)» – 4:14
  4. «Let Me Hate» – 3:21
  5. «Sirens in Filth» – 6:21
  6. «Swim Seagull in the Sky» – 8:06
  7. «The Music» – 4:06
  8. «Marea (Tide) (Part I, II & III)» – 12:00
  9. «Old Lighthouse Tale» – 4:44
  10. «The White Eyed» – 5:48
  11. «Neanderthal Sands» – 4:17
  12. «Christal» – 4:05

Calidad: 320 Kbps

 

 

Gracias al compañero Keko1965 por este archivo, cedido generosamente a Ciclotimia.

 

 

 


Vangelis – Spiral (1977-Reed.1993)

[Resubida]

 

[Otras Músicas]

 

 

Evangelos Odysseas Papathanassiou, más conocido como Vangelis, es un afamado tecladista y compositor griego de música electrónica, orquestal, ambient y rock progresivo. Entre sus obras más conocidas destacan las partituras originales para las películas “Carros de Fuego” (ganadora del Oscar a la mejor banda sonora en 1981), “Blade Runner” (1982) y “1492: La conquista del paraíso” (1992).

Su música se caracteriza por el uso de sintetizadores y ocasionalmente instrumentos acústicos para crear atmósferas de sonido envolvente, en un tono generalmente grandioso y solemne. No es sencillo enmarcar su música dentro de un género en concreto, aunque es habitual que se le incluya entre las filas de las llamadas Nuevas Músicas, o de forma más amplia como músico clásico contemporáneo. En cualquier caso, la diversidad y complejidad de la obra contenida en su discografía hace difícil su catalogación como artista puramente New Age, ya que incluso es considerado uno de los pioneros de la vanguardia de la música electrónica nacida a mediados de los años 1970.

Los años ochenta comienzan exitosamente para Vangelis, consiguiendo la estatuilla de la Academia de Hollywood con su banda sonora para “Carros de Fuego” (Chariots of Fire), imponiéndose entre otros a John Williams y su partitura para “En busca del arca perdida”. Es interesante mencionar el método que utiliza el griego para musicalizar películas, ya que suele limitarse a improvisar en los teclados mientras visualiza los montajes provisionales que le facilitan los directores siguiendo una técnica de “creación directa”. Varios cineastas han comentado su asombro ante la capacidad de Vangelis para crear piezas sobre la marcha que encajen perfectamente con sus escenas.

Aunque algunos de sus trabajos más conocidos pertenecen al mundo de la música de cine y televisión, Vangelis ha logrado reconocimiento tanto por sus bandas sonoras como por sus discos de estudio. Entre sus obras se encuentran, además, varias creaciones para obras de teatro: “Elektra” (1983), “Medea” (1992), “Las Troyanas” (2001), “The Tempest” (2002). También ha compuesto para ballet: “R. B. Sque” (1983), “Frankenstein: Modern Prometheus” (1985) y “The Beauty and the Beast” (1986).

Ha desarrollado una carrera paralela como pintor, y ha realizado varias exposiciones internacionales. Su aporte a diversos proyectos de interés cultural le han afianzado como una personalidad de considerable peso mediático, especialmente en Grecia. En su honor, la Unión Astronómica Internacional dio su nombre a un asteroide, el (6354) Vangelis.

«Spiral» es el décimo álbum de estudio de Vangelis, grabado en los Nemo Studios de Londres, con Keith Spencer-Allen como ingeniero, asistido por Marlis Duncklau, y editado en 1977 por la discográfica RCA, con el propio Vangelis como productor. El diseño de la cubierta del LP estuvo a cargo del propio artista. El LP fue reeditado en formato CD en numerosas ocasiones, siendo este archivo perteneciente a la reedición que RCA realizó en dicho formato en 1993 para Canadá.

El álbum es completamente instrumental, salvo la voz procesada de Vangelis en “Ballad” (una de las pocas ocasiones en las cuales su voz aparece en uno de sus álbumes). Vangelis toca el sintetizador, el secuenciador, el piano eléctrico, las baterías y la percusión. Es el primer disco en el que Vangelis usa el sintetizador Yamaha CS-80, el cual sería ampliamente utilizado en trabajos posteriores. Spiral es un álbum con sonido futurístico. Vangelis hace un uso intensivo de la más avanzada tecnología de sintetizadores de ese momento, siendo su trabajo con la mayor utilización de secuenciadores de toda su carrera. Cada pieza tiene un estilo distintivo que las hace únicas.

 

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas compuestos e interpretados por Vangelis)
 

  1.  «Spiral» – 6:57
  2.  «Ballad» – 8:31
  3. «Dervish D» – 5:18
  4. «To the Unknown Man» – 9:07
  5. «3+3» – 9:36

Calidad: FLAC

 

 

 


Smashing Pumpkins – Mellon Collie & The Infinite Sadness [1995]

[Resubida 2ª]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

The Smashing Pumpkins fue una banda estadounidense de rock alternativo formada en Chicago, Illinois, en 1988. Fundada por el vocalista Billy Corgan (voz, guitarra) y James Iha (guitarra rítmica), ellos incluyeron a Jimmy Chamberlin (batería), y D’arcy Wretzky (bajo), armando su formación original. La banda ha sufrido muchos cambios en su formación a lo largo de su existencia.

Repudiando las raíces musicales de punk rock de muchos contemporáneos del rock alternativo, los Pumpkins tienen un sonido diverso, densamente escalonado y pesado que se adhiere a un punk influido en filosofía en términos de entrega musical, que contiene elementos de rock gótico, heavy metal, dream pop, rock psicodélico, rock progresivo, shoegazing y electrónica en sus últimas grabaciones. Corgan es el compositor principal del grupo — sus grandes ambiciones musicales y sus letras catárticas le han dado forma a la banda y a sus canciones, que han sido descritas como “informes angustiados, magullados de un mundo de pesadillas de Billy Corgan”.

Smashing Pumpkins irrumpió en el mainstream musical con su segundo álbum, “Siamese Dream” de 1993. El grupo construyó su audiencia con extensas giras y su seguimiento de 1995, el doble álbum “Mellon Collie and the Infinite Sadness”, que debutó en el número uno en la lista Billboard 200. Con 20 millones de álbumes vendidos en EUNA, los Smashing Pumpkins eran una de las bandas más comercialmente exitosas y aclamadas por la crítica de la década de 1990. Sin embargo, las luchas internas, el uso de drogas y la disminución de las ventas de discos condujeron a su ruptura en 2000.

Durante 1995, Corgan se encierra en su apartamento y escribe 56 canciones para su nuevo álbum. Después de esta muestra de creatividad de Corgan, los Smashing se meten en el estudio para grabar su siguiente álbum, que Corgan describió como el “The Wall de los años 90”, en comparación con el afamado álbum doble conceptual de Pink Floyd. El resultado de esta explosión creativa es su tercer álbum de estudio, «Mellon Collie and the Infinite Sadness», un álbum doble de 28 canciones que debutó en el primer lugar del ranking Billboard de octubre de 1995, llegando a vender dieciséis millones de copias en el mundo y conseguir nueve discos de platino, convirtiéndose en el álbum doble más vendido de la década en ese momento.

Grabado entre marzo y agosto de 1995 en varios estudios de Chicago y mezclado en Los Ángeles, con producción del líder de la banda Billy Corgan junto a Flood y Alan Moulder, el álbum fue editado en octubre de 1995 a través del sello Virgin Records. El álbum contiene una gran diversidad de estilos, además de incorporar más peso musical por parte de la bajista D’arcy Wretzky y el segundo guitarrista James Iha que en los trabajos previos.

“Mellon Collie and the Infinite Sadness” es un álbum conceptual suelto, con la intención de que las canciones se unan de forma conceptual como símbolo del ciclo de la vida y la muerte. Billy Corgan dijo que el álbum está basado en “la condición humana de la pena mortal”. La naturaleza expansiva del álbum hace que se utilicen varios estilos distintos en sus canciones, contrastando con lo que algunos críticos describieron como “un sabor dimensional” de los dos álbumes previos. Se utiliza una variedad mucho más amplia de instrumentación, como piano (“Mellon Collie and the Infinite Sadness”), sintetizadores y loops de batería (“1979”), una orquesta (“Tonight, Tonight”), MIDI (“Beautiful”) e incluso saleros y tijeras (“Cupid de Locke”). Además, todas las piezas de guitarra del álbum están afinadas un semitono abajo para “hacer la música más grave”, según Corgan.

Precedido del sencillo “Bullet with Butterfly Wings” (nº 22 en las listas estadounidenses), el álbum debutó en el número uno de la lista del Billboard 200, siendo la primera y última vez que lo consiguiera la banda. Se extrajeron cuatro sencillos más -“1979” (nº 12); “Zero” (nº 29); “Tonight, Tonight” (nº 36); y “Thirty-Three” (nº 39) — a lo largo de 1996 y ha sido certificado con un disco de diamante por la RIAA por alcanzar los diez millones de discos vendidos.

Christopher John Farley de la revista Time dijo del álbum que era “el trabajo más ambicioso y conseguido de la banda hasta el día”. Farley escribió: “Uno tiene la sensación de que la banda tiró adelante de forma instintiva; el mero campo que abarca el álbum (28 canciones) no da pie a predicciones o ideas previas”. El crítico David Browne alabó la ambición de la banda y dijo que Mellon Collie and the Infinite Sadness es más que un mero trabajo de un melindroso y torturado obsesivo. Corgan se presenta a sí mismo como uno de los últimos verdaderos creyentes: alguien para quien vomitar toda esta música resulta de alguna manera arte mayor de época. No parece importarle las persistentes cuestiones sobre “venderse” del rock alternativo, y bien que hace: apunta a algo más alto y conquistador”.

El álbum ganó siete nominaciones a los premios Grammy de 1997, venciendo en la categoría de Mejor Interpretación de Hard Rock por la canción “Bullet with Butterfly Wings”. En 1998 fue votado por los lectores de la revista Q como el vigésimo noveno álbum más importante de todos los tiempos. En 2003, la revista Rolling Stone lo posicionó en el puesto número 487 de la lista de Rolling Stone de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos y la revista Time lo nombró como el “Mejor álbum de 1995”.

La edición en disco compacto del álbum fue dividida en dos CD, titulados “Dawn to Dusk” y “Twilight to Starlight”. La edición en disco de vinilo fue dividida en seis lados, titulados “Dawn”, “Tea Time”, “Dusk”, “Twilight”, “Midnight” y “Starlight”, e incluyó dos canciones adicionales (“Tonite Reprise” e “Infinite Sadness”), además de poseer una lista de canciones completamente diferente en cuanto a orden, respecto a las ediciones en disco compacto y casete.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas de Billy Corgan, excepto “Take Me Down”: James Iha, y “Farewell and Goodnight”: Corgan/Iha)

Dawn

01. «Mellon Collie and the Infinite Sadness» – 2:52
02. «Tonight, Tonight» – 4:14
03. «Thirty-Three» – 4:10
04. «In the Arms of Sleep» – 4:12
05. «Take Me Down» – 2:52

 

 

Tea Time

06. «Jellybelly» – 3:01
07. «Bodies» – 4:12
08. «To Forgive» – 4:17
09. «Here Is No Why» – 3:45
10. «Porcelina of the Vast Oceans» – 9:21

 

 

Dusk

11. «Bullet with Butterfly Wings» – 4:18
12. «Thru the Eyes of Ruby» – 7:38
13. «Muzzle» – 3:44
14. «Galapogos» – 4:47
15. «Tales of a Scorched Earth» – 3:46

 

 

Twilight

16. «1979» – 4:25
17. «Beautiful» – 4:18
18. «Cupid de Locke» – 2:50
19. «By Starlight» – 4:48
20. «We Only Come Out at Night» – 4:05

 

 

Midnight

21. «Where Boys Fear to Tread» – 4:22
22. «Zero» – 2:41
23. «Fuck You (An Ode to No One)» – 4:51
24. «Love» – 4:21
25. «X.Y.U.» – 7:07

 

 

Starlight

26. «Stumbleine» – 2:54
27. «Lily (My One and Only)» – 3:31
28. «Tonite Reprise» – 2:40
29. «Farewell and Goodnight» – 4:22
30. «Infinite Sadness» – 4:02

Calidad: 320 Kbps (a 48000 Hz)

 

 

Gracias al compañero David Paioneer por el archivo flac que ripeé a mp3 de máxima calidad.

 

 

 


Novembre – Novembrine Waltz [2001]

[Resubida]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

Novembre es una banda italiana de death metal progresivo y metal gótico formada en Roma en 1990. La banda comenzó como una banda de death metal tradicional llamada Catacomb, aunque fue evolucionando hasta practicar un sonido envolvente y atmosférico. Sus dos primeros álbumes, “Wish I Could Dream it Again” (1994) y “Arte Novecento” (1996) fueron publicados por el sello italiano Polyphemus, mientras que desde la edición de “Classica” (2000), la banda firmó un contrato con Century Media, sello con el que después lanzarían “Novembrine Waltz” (2001) y “Dreams d’Azur” (2002).

Más recientemente el grupo firmó un contrato con Peaceville Records para lanzar su sexto álbum, “Materia” (2006), y su siguiente álbum, “The Blue” (2007). Después de 8 años de ausencia, el grupo anunció que un nuevo álbum será lanzado en marzo o abril de 2016, pero a la vez que revelaron esta noticia, también se confirmó que su baterista Giussepe Orlando, dejó el grupo, dejando a Carmelo Orlando como el único miembro original. El álbum, llamado “Ursa”, fue lanzado el 1 de abril de 2016.

«Novembrine Waltz» es el cuato álbum de estudio de la banda italiana Novembre, un álbum europeo internacional, ya que fue grabado en The Outer Sounds Studios de Roma (excepto las voces de “Cloudbusting”, grabadas en Studio Hit Productions de Oslo, Noruega), mezclado en Sound Suite Studios de Marsella (Francia) y masterizado en los estudios DMS de Marl (Alemania), siendo editado en octubre de 2001 por Century Media. El diseño de carpeta fue elaborado por Stefan Wibbeke, con portada de Travis Smith y fotografía de la banda de Lucio Muzzi.

Las voces varían entre el canto limpio, el gruñido del death metal y gritos de black metal ásperos. El álbum cuenta con elementos más góticos que los lanzamientos anteriores, y contiene muchos elementos “europeos”, como el acordeón en “Distances” o el canto de “Everasia”.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas de Carmelo Orlando, excepto indicados)
 

  1. «Distances» – 6:17
  2. «Everasia» – 8:22
  3. «Come Pierrot» (Orlando, Massimiliano Pagliuso) – 6:30
  4. «Child of the Twilight» – 6:34
  5. «Cloudbusting» (Kate Bush) – 5:09
  6. «Flower» – 6:26
  7. «Valentine» – 7:20
  8. «Venezia Dismal» – 6:02
  9. «Conservatory Resonance» – 7:09

Calidad: 320 Kbps

 

 

Gracias al compañero Keko1965 por este archivo, cedido generosamente a Ciclotimia.

 

 

 


Novembre – Classica [2000]

[Resubida]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

Novembre es una banda italiana de death metal progresivo y metal gótico formada en Roma en 1990. La banda comenzó como una banda de death metal tradicional llamada Catacomb, aunque fue evolucionando hasta practicar un sonido envolvente y atmosférico. Sus dos primeros álbumes, “Wish I Could Dream it Again” (1994) y “Arte Novecento” (1996) fueron publicados por el sello italiano Polyphemus, mientras que desde la edición de “Classica” (2000), la banda firmó un contrato con Century Media, sello con el que después lanzarían “Novembrine Waltz” (2001) y “Dreams d’Azur” (2002).

Más recientemente el grupo firmó un contrato con Peaceville Records para lanzar su sexto álbum, “Materia” (2006), y su siguiente álbum, “The Blue” (2007). Después de 8 años de ausencia, el grupo anunció que un nuevo álbum será lanzado en marzo o abril de 2016, pero a la vez que revelaron esta noticia, también se confirmó que su baterista Giussepe Orlando, dejó el grupo, dejando a Carmelo Orlando como el único miembro original. El álbum, llamado “Ursa”, fue lanzado el 1 de abril de 2016.

«Classica» es el tercer álbum de estudio de la banda italiana Novembre, grabado en The Outer Sounds Studios de Roma en abril y mayo de 1999, mezclado y masterizado en los Los Angered Studios de Goteborg (Suecia), y editado por Century Media a principios de 2000. En el disco, dedicado a Fabrizio De Andrè, el grupo experimenta con el metal progresivo y el death/doom metal desde principios góticos.

El diseño de carpeta fue elaborado por Stefan Wibbeke, con arte gráfico del ilustrador sueco Niklas Sundin, en una bella portada que fue de las mejores de los discos publicados ese año. La fotografía de la banda es obra de Lucio Muzzi.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas de Carmelo Orlando, excepto 4: Massimiliano Pagliuso)
 

  1. «Cold Blue Steel» – 5:25
  2. «Tales from a Winter to Come» – 5:40
  3. «Nostalgiaplatz» – 4:31
  4. «My Starving Bambina» – 4:51
  5. «Love Story» – 4:41
  6. «L’Epoque Noire (March the 7th 12973 A.D.)» – 4:45
  7. «Onirica East» – 6:30
  8. «Foto Blu Infinito (Instr.)» – 4:19
  9. «Winter 1941» – 6:37
  10. «Outro / Spirit of the Forest (Tales… Reprise)» – 2:58

Calidad: 320 Kbps

 

 

Gracias al compañero Keko1965 por este archivo, cedido generosamente a Ciclotimia.

 

 

 


Radiohead – OK Computer [1997]

[Resubida Mejorada]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

radiohead-okcomputer

Radiohead es una banda inglesa de rock alternativo originaria de Abingdon, Reino Unido, formada en 1985 y compuesta por Thom Yorke (voz, guitarra, piano), Jonny Greenwood (guitarras, teclado, otros instrumentos), Ed O’Brien (guitarras, segunda voz), Colin Greenwood (bajo, sintetizadores) y Phil Selway (batería, percusión).

Radiohead lanzó su primer sencillo, “Creep”, en 1992. La canción fue inicialmente un fracaso comercial, pero se convirtió en un éxito mundial varios meses después del lanzamiento de su álbum debut, “Pablo Honey” (1993). La popularidad de Radiohead en el Reino Unido aumentó con el lanzamiento de su segundo álbum, “The Bends” (1995). El tercero, “OK Computer” (1997), que habla sobre la alienación y la globalización, ha sido aclamado como un disco histórico de la década de 1990.

El trabajo de Radiohead ha sido reconocido por los críticos en distintas listas y sondeos musicales. En 2005 se posicionaron en el puesto número 73 en la lista de los 100 mejores artistas de todos los tiempos de la revista Rolling Stone. Aunque los primeros álbumes de la banda fueron especialmente influyentes en el rock y la música pop británica, su trabajo posterior ha influido a otros músicos de géneros que van desde el jazz y la música clásica al hip hop, música electrónica y R&B.

Radiohead lanzó su tercer álbum, «OK Computer», en junio de 1997 a través de Parlophone / Capitol. Compuesto principalmente de canciones de rock melódico, el nuevo disco fue el primero donde el grupo experimentó con la estructura de las canciones y se incorporó un sonido ambiental, vanguardista y con influencias de música electrónica. Sus letras adquirieron un tono menos personal y más de observador que en “The Bends” y una revista llamó a las canciones “los blues del fin del milenio”. Aunque en la mayoría de la música domina el sonido de guitarra, su extenso sonido y la amplia gama de influencias lo distinguen de muchas bandas populares de britpop y rock alternativo de la época, y sentó las bases para el trabajo posterior de Radiohead, más experimental. El grupo no considera a “OK Computer” un álbum conceptual; sin embargo, sus letras y el arte visual hacen hincapié en temas comunes, como el consumismo, la desconexión social, el estancamiento político, y el malestar moderno.

coverparadise.to“OK Computer” fue recibió con elogios de la crítica y Yorke admitió que estaba “impresionado [debido a] la reacción que generó. Ninguno de nosotros sabía ya si era jodidamente bueno o malo. Lo que realmente me voló la cabeza fue el hecho de que la gente captó todo, todas las texturas y sonidos y atmósferas que tratamos de crear”.

“OK Computer” fue el debut del grupo en el primer puesto de las listas británicas, otorgándole a Radiohead éxito comercial global. También alcanzó el n° 1 en Nueva Zelanda, el n° 2 en Holanda y el n° 3 en Francia, Canadá y Suecia. Pese a haber ingresado en el puesto 21 en las listas estadounidenses, el álbum fue muy reconocido en dicho país y ganó el premio Grammy al mejor álbum de música alternativa y recibió una nominación en la categoría de álbum del año. También ha sido certificado triple platino en el Reino Unido, doble platino en Estados Unidos de Norteamérica y platino en Australia.

“Paranoid Android”, “Karma Police” y “No Surprises” se pusieron a la venta como sencillos, siendo “Karma Police” el más exitoso a nivel internacional.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas escritos por Thom Yorke, Jonny Greenwood, Phil Selway, Ed O’Brien y Colin Greenwood)

  1.          «Airbag» – 4:44
  2.          «Paranoid Android» – 6:23
  3.          «Subterranean Homesick Alien» – 4:27
  4.          «Exit Music (For a Film)» – 4:24
  5.          «Let Down» – 4:59
  6.          «Karma Police» – 4:21
  7.          «Fitter Happier» – 1:57
  8.          «Electioneering» – 3:50
  9.          «Climbing Up the Walls» – 4:45
  10.          «No Surprises» – 3:48
  11.          «Lucky» – 4:19
  12.          «The Tourist» – 5:24

Calidad: FLAC (24 bits)

 

 

 


The Mars Volta – De-Loused in the Comatorium [2003]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

themarsvolta-delousedThe Mars Volta fue una banda estadounidense de rock progresivo y experimental proveniente de El Paso (Texas) y fundada en 2001 por el guitarrista Omar Rodríguez-López y el vocalista Cedric Bixler-Zavala; el grupo incorpora varias influencias incluyendo rock progresivo, Krautrock, jazz fusion, hard rock y música latinoamericana dentro de su música. Fueron llamados “La mejor banda prog-rock” del 2008 por Rolling Stone. De acuerdo al libreto de su álbum “Amputechture”, The Mars Volta está conformado por la sociedad entre Omar Rodríguez-López y Cedric Bixler-Zavala, mientras que sus composiciones son luego interpretadas por The Mars Volta Group. Son conocidos por sus conciertos enérgicos e improvisados, sus letras crípticas, así como por sus álbumes de estudio conceptuales.

En 2009, la banda ganó un Grammy en la categoría Best Hard Rock Performance por la canción “Wax Simulacra”. Cedric Bixler-Zavala, anunció en su cuenta de twitter el día 23 de enero que oficialmente estaba fuera de la banda y de cierta forma insinuando la separación de ésta, diciendo que “hizo todo lo que podía por mantener junta a la banda”. Aunque el grupo se separó en 2013, después de la reunión de “At the Drive-In”, Omar y Cedric se reunierón nuevamente para formar un nuevo grupo llamado Antemasque.

Antes de formar The Mars Volta, Cedric Bixler-Zavala y Omar Rodríguez-López eran parte de At the Drive-In, aunque integraban también De Facto junto a Isaiah Ikey Owens y al ingeniero de sonido Jeremy Michael Ward. En De Facto, Bixler-Zavala se encargaba de la batería, Rodríguez-López de la guitarra y del bajo, mientras que Ward se ocupaba de los efectos de sonido y voces. En el 2000 los integrantes de De Facto se mudaron a Long Beach, California, incorporando a un nuevo integrante en sus filas: Ikey Owens, que se encargó de los teclados. Con la incorporación de Eva Gardner, De Facto se convirtió en lo que hoy es The Mars Volta, un nuevo proyecto formado con el objetivo de satisfacer las búsquedas creativas de sus miembros.

themarsvolta-deloused-2En 2001, The Mars Volta grabó dos canciones junto al baterista Blake Fleming y el productor Alex Newport, que se convertirían finalmente en su primer demo. Su primer show fue el 18 de octubre de 2001 en California, el grupo se conformó con: Rodríguez-López, Bixler-Zavala, Ward, Owens, Gardner y el baterista Jon Theodore. Con estos integrantes la banda grabó tres canciones más junto a Newport, las cuales formarían lo que sería su primer EP: “Tremulant”, lanzado en 2002.

Después de “Tremulant EP”, The Mars Volta continuó girando y cambiando de formación, mientras preparaba lo que sería su primer larga duración, «De-Loused in the Comatorium», grabado entre 2002 y 2003 en The Mansion (Los Ángeles), producido por Rick Rubin y Omar Rodríguez-López, y editado en junio de 2003 por Gold Standard Laboratories / Universal Records.

El álbum debut de la banda de rock experimental The Mars Volta, concebido como un álbum conceptual, está basado en una historia corta creada por el cantante Cedric Bixler-Zavala y el ingeniero de sonido Jeremy Michael Ward, que trata sobre Cerpin Taxt, un hombre que trata de suicidarse abusando de la morfina. El intento le provoca un coma de una semana, durante la cual experimenta visiones acerca de la humanidad y su propia mente. Una vez consciente, encuentra al mundo real sumamente desagradable, así que decide volver a su muerte. La historia de Cerpin Taxt está basada en la muerte del artista Julio Venegas, amigo de Bixler-Zavala, quien permaneció muchos años en coma antes de despertar, para luego saltar desde un puente en la ciudad de El Paso.

El álbum se distingue por las extrañas letras de sus canciones, sus influencias de ritmos latinos, sus frecuentes cambios de tempo, y los frenéticos riffs del guitarrista Omar Rodríguez-López. El título del disco está tomado de la canción “Eunuch Provocateur”, que integra su anterior trabajo, el EP “Tremulant”.

Un mes antes del lanzamiento del álbum, durante la gira con Red Hot Chilli Peppers, Jeremy Michael Ward fue encontrado muerto de una sobredosis de heroína. La banda canceló la segunda parte de su gira y el primer single de “De-Loused…” estuvo dedicado a su memoria. Este suceso fue el que convenció a Rodríguez-López y Bixler-Zavala a dejar de consumir drogas fuertes.

themarsvolta-deloused-3“De-Loused in the Comatorium” se convirtió tanto en un éxito de ventas como de crítica, vendiendo más de 500.000 copias a pesar de la escasa publicidad que recibió, y apareciendo en varias listas especializadas entre los mejores discos del año. También apareció en el puesto 55 de la lista de los mejores 100 discos guitarreros de todos los tiempos, en el número de octubre de 2006 de la revista Guitar World, y fue incluido en el libro 1001 discos que hay que escuchar antes de morir.

“ESP” es una abreviación de ‘Ectopic Shapeshifting Penance-propulsión’, una frase creada por la banda. Flea (bajista de los Red Hot Chilli Peppers) tocó el bajo en nueve de las diez canciones del disco. En el tema “Cicatriz ESP”, el guitarrista de Red Hot Chilli Peppers, John Frusciante, toca la guitarra como músico invitado; también puede oírse su voz repetidamente, aunque estos coros no aparecen acreditados.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas escritos por Omar Rodríguez-López, excepto indicados)

  1.  «Son et Lumiere» – 1:35
  2.  «Inertiatic ESP» – 4:23
  3.  «Roulette Dares (The Haunt of)» – 7:30
  4.  «Tira Me a las Arañas» – 1:28
  5.  «Drunkship of Lanterns» (Omar Rodríguez-López/Cedric Bixler-Zavala) – 7:05
  6.  «Eriatarka» – 6:20
  7.  «Cicatriz ESP» – 12:28
  8. «This Apparatus Must Be Unearthed» (Rodríguez-López/Bixler-Zavala) – 4:57
  9. «Televators» – 6:18
  10. «Take the Veil Cerpin Taxt» – 8:41

Calidad: FLAC