Ciclos y Neurastenias en un mundo cruel

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Massacre Palestina – Buenos Aires Sub Atomic Skate Sounds ’87-’91 [1999]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

Massacre es una banda de rock argentina, pionera en el género denominado skate rock en Latinoamérica. Originalmente llamados Massacre Palestina, se formaron en Buenos Aires en el año 1986. Se conformó por estudiantes secundarios influidos por bandas de la costa oeste estadounidense, que fusionaban hardcore-surf-punk a fines de los setenta y comienzos de los ochenta. Entre sus influencias, se encuentran artistas como T.S.O.L, Dead Kennedys, Black Flag, Nirvana, The Cure, R.E.M., The Ramones, T. Rex, Sumo, Gustavo Cerati, Luis Alberto Spinetta, entre otros.

La primera formación contaba con Francisco Ruiz Ferreyra (Paco) en batería, José Armetta (Topo) en el bajo, Guillermo Cidade (Walas) en guitarra y Richard Serafini en voz. El primer disco homónimo de la banda fue un EP en vinilo, grabado en 1987 bajo el sello Radio Trípoli, que contenía cuatro canciones, hoy una pieza de colección. Junto a la salida del disco filman su primer vídeo del tema “Diferentes Maneras”, en la actualidad absolutamente perdido. La carrera del grupo se desarrolló durante años sobre la base de presentaciones en vivo y largas ausencias, hasta la posibilidad de grabar el primer álbum. Para octubre de 1989 Richard se despide de la formación y Wallas se encarga de las voces, dejando su puesto a Pablo Mondello (alias Pablo M. o El Tordo), ex compañero del secundario, eximio guitarrista y pilar fundamental en la concepción musical del grupo para los tiempos que vendrían. Con esta formación los Massacre recorrerían larga parte de su carrera.

Tras su primer álbum de estudio, “Sol Lucet Omnibus” (1992), se rebautizaron como Massacre, debido al atentado a la embajada de Israel en Argentina, en donde su apelativo “Palestina”, pudiera generar polémica.

Aunque la banda era conocida por su actitud basada en la autogestión durante más de veinte años de carrera, se la consideraba como una de las pocas bandas verdaderamente de culto de la Argentina, hasta la edición de su sexto disco de estudio, titulado “El Mamut” (2007); que alcanzó gran éxito, por lo que la banda alcanzó masividad a nivel popular, no solo en Argentina, sino también en el resto de Latinoamérica.

«Buenos Aires Sub Atomic Skate Sounds ’87-’91» es el primer álbum recopilatorio del grupo Massacre, que incluía sus primeras grabaciones, tales como el EP “Massacre Palestina”, demos, temas descartados del EP y algunos directos. Todas las canciones corresponden a grabaciones realizadas entre los años 1987 y 1991, excepto el último tema del disco, en vivo, que se grabó en 1997, y en su totalidad corresponden a la etapa más skate-punk de la banda. El álbum fue editado en 1999 por Laika Records.

 

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Diferentes Maneras»
  2. «Canción de las Muñecas»
  3. «Hijos del Sinaí»
  4. «Walls»
  5. «Ángeles de Piedra»
  6. «Papel Floreado»
  7. «Conciencia de Nuestros Días»
  8. «Punk Is Dead»
  9. «Mirando al Pacífico»
  10. «From Your Lips» (Live)
  11. «Arma de Quien?»
  12. «Diferentes Maneras» (Live)
  13. «¿De qué Te Sirvió?»
  14. «Canción de las Muñecas» (Live)

Calidad: FLAC

 

 

 

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Los Brujos – Guerra de Nervios [1995]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

Los Brujos es una banda argentina de rock alternativo, que renovó la escena musical de los 90, encabezando el denominado “Nuevo Rock Argentino” junto a otras bandas como El Otro Yo, Massacre, Babasónicos, Peligrosos Gorriones, Juana La Loca, Los Visitantes, Tía Newton o Fun People, entre otros. La banda nació a comienzos de 1988 en Turdera, Gran Buenos Aires y tras tres trabajos discográficos, se disolvieron en 1998. El 7 de abril de 2014, regresaron a los escenarios.

Los Brujos nacen como una fusión entre dos jóvenes bandas vecinas de Turdera (sur de Gran Buenos Aires), Salto al Vacío y Los Pastrellos. La primera estaba formada por Gabriel Guerrisi (Guitarra y voz), Ricky Rúa (batería) y Gabriel Manelli (bajo); mientras que Los Pastrellos estaba compuesta por Fabio Pastrello (guitarra), Alejandro Alaci (voz) y Quique Ilid (batería). Vale aclarar que Fabio Pastrello y Gabriel Guerrisi son primos hermanos.

En el año 1988 ambas bandas compartieron un recital en el bar La Carpintería de Temperley, el buen resultado del show y los gustos en común fueron el disparador para unir ambas bandas y dar paso a Los Brujos, nombre que ya se encontraba registrado por un centenar de otros grupos pero del que obtuvieron un permiso provisorio para su utilización hasta que les fue cedido permanentemente. En su etapa de formación también participaron otros miembros, como Morticia Flowers y Viviana Tellas. Como lógicamente el grupo no podía tener dos bateristas, Ricky Rua decidió cantar en dúo con Alejandro Alaci, quedando Quique Illid como batero. Para fines de 1989 los recitales eran cada vez más concurridos y luego de una presentación en un festival en Cemento el músico y productor Daniel Melero les propone grabar su primer disco.

«Guerra de Nervios» es el tercer álbum de estudio de la banda argentina de rock alternativo Los Brujos, grabado y mezclado entre julio y septiembre de 1995 en los Estudios El Pie de Buenos Aires, con más de 400 horas de producción, y fue editado ese mismo año por la discográfica Sony Music. Este álbum cuenta con la presencia de invitados de lujo, como Gustavo Cerati, Daniel Melero, Gabo de Babasónicos, Aitor Graña de Juana La Loca, la baterista Andrea Álvarez y Sharly Demonio de DDT.

“Nuestro tercer disco se llama así porque en los shows de los brujos hay mucha energía que nace desde los cuerpos de cada integrante, y en el disco se transmite ese espíritu. Además un nervio es un receptor de estímulos y la música estimula varios al mismo tiempo, produciéndose de esta manera una guerra de nervios”, comentó Mala Yi (Ricky Rua) sobre el álbum.

Robo Yi (Alejandro Alaci) describe las distintas etapas: “Nuestros discos son como distintas películas del mismo director, que pueden distinguirse de acuerdo a la etapa que nos tocó vivir. El primer disco fue una película que remitía a historias y personajes mitológicos o ficticios. “San Cipriano” es una especie de film de terror y “Guerra de Nervios” es más bien un largometraje de ciencia ficción. El próximo álbum será un western” (Télam, 13/11/95).

Fue disco de oro en Argentina y actualmente se encuentra descatalogado. Este disco significo el último trabajo que editaron, ya que la banda anuncio su separación a través de su página http://www.losbrujos.com en 1998, aunque con su regreso oficial en 2014 la banda lanzó “Pong!” (2015), su cuarto álbum de estudio.

La frase en japonés que se pronuncia en “Psicosis Total” es la siguiente: “Los Brujos wa uchū kara kite iru no de mondai nai”, que en castellano significa “Los Brujos no tienen problemas porque vienen de otro planeta”. Los temas “Tónico para soñar I” y “Tónico para soñar III” contienen fragmentos de The Ventures, adaptados por Los Brujos.

En junio de 1995 se presentaron en el ciclo “Rock por una Universidad Democrática”, organizada por la FUBA en la Ciudad Universitaria, contra la Ley de Educación Superior. En el encuentro gratuito también participaron Juana La Loca y Los Cafres. Luego siguió el show con The Beastie Boys (en Obras) y el Nuevo Rock Argentino organizado por Rock & Pop, junto a Todos Tus Muertos, Peligrosos Gorriones y Massacre. Otro de sus recordados shows ocurrió en Parque Sarmiento junto a NOFX.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

 

  1.  «Victoria» – 1:36
  2. «Psicosis Total» – 2:27
  3. «Atlánticos» – 2:18
  4. «El Detonador» – 2:58
  5. «La Fiesta del Infierno» – 3:07
  6. «Aguaviva» – 2:46
  7. «Espiritu de Velocidad» – 2:45
  8. «Ondas Martinot» – 2:32
  9. «El Vengador» – 3:43
  10. «Azul Lucero» – 3:08
  11. «El Gato Rabioso» – 2:37
  12. «Nada» – 3:23
  13. «Gran Sheeld» – 0:24
  14. «Tónico para Soñar I» – 0:49
  15. «Tónico para Soñar II» – 2:30
  16. «Tónico para Soñar III» – 2:02
  17. «Reina en las Nieves» – 2:38
  18. «Captain Fetogia» – 3:45
  19. «Victoria II» – 1:33
Calidad: FLAC

 

 

 


R.E.M. – Reckoning [1984]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

R.E.M. fue una banda de rock alternativo estadounidense formada en Athens, Georgia, en 1980 por el cantante Michael Stipe, el guitarrista Peter Buck, el bajista Mike Mills y el baterista Bill Berry. De las primeras bandas pioneras del rock alternativo, R.E.M. fue fundamental en la creación y desarrollo del género de rock alternativo. Allmusic declaró: “R.E.M. marcó el punto en el que el post-punk se convirtió en rock alternativo”. A principios de la década de 1980, el estilo musical de R.E.M. contrastaba con los géneros post-punk y new wave que la habían precedido.

R.E.M. consiguió rápidamente atención por el estilo arpegiado de la guitarra de Buck y las voces poco claras de Stipe. R.E.M. lanzó su primer sencillo, “Radio Free Europe”, en 1981 en el sello discográfico independiente Hib-Tone. Pronto se expanden por todo el estado y en 1982 publican un EP, “Chronic Town”, con la discográfica I.R.S. Records.​ Combinando folk-rock y punk logran que la crítica les defina como auténticos innovadores de la música. Pronto su expansión se traduce a todo el país. A principios de los años 1990, R.E.M. era enmarcado como una de las principales bandas pioneras del rock alternativo en haber alcanzado gran popularidad, lanzaron los álbumes más exitosos de la banda: “Out of Time” (1991) y “Automatic for the People” (1992), los cuales consolidaron totalmente al grupo. “Monster”, el siguiente álbum, fue un retorno a un sonido más orientado hacia el rock, con el que comenzaron una gira que se vio estropeada por emergencias médicas sufridas por la banda. En 1997, R.E.M. renovó su contrato con Warner Bros.

A finales de ese año, Bill Berry dejó la banda, dejando a Buck, Mills y Stipe como únicos miembros oficiales. Pasando por varios cambios en el estilo musical, el grupo continuó su carrera en la próxima década con variadas críticas y éxitos comerciales. R.E.M. vendieron más de 80 millones de discos en todo el mundo. ​En 2007, R.E.M. fue introducido al Salón de la Fama del Rock.​ R.E.M. se disolvió en septiembre de 2011, anunciando la separación en su sitio web.

«Reckoning» es el segundo álbum de estudio de la banda estadounidense de rock alternativo R.E.M., lanzado en 1984 a través de I.R.S. Records. Producido por Mitch Easter y Don Dixon, se grabó en el Reflection Sound Studio en Charlotte, Carolina del Norte en 16 días entre diciembre de 1983 y enero de 1984. Dixon y Easter intentaron capturar el sonido de las interpretaciones en directo del grupo y usaron una técnica de grabación binaural en varias canciones. El cantante Michael Stipe empleó temáticas más oscuras en sus letras y las imágenes relacionadas con el agua son un tema recurrente en el disco. El álbum recibió elogios de la crítica y llegó al puesto 27 en los Estados Unidos, donde recibió un disco de oro otorgado por la RIAA en 1991 y llegó al número 91 en el Reino Unido.

Tras que su álbum debut, “Murmur” (1983) recibiera elogios de la crítica, R.E.M. comenzó rápidamente a trabajar en su segundo álbum. El grupo compuso gran cantidad de nuevo material; el guitarrista Peter Buck recuerda: “Estábamos atravesando esa racha en la que componíamos dos canciones buenas por semana. […] Simplemente queríamos hacerlo; al momento que tuviéramos un puñado de canciones nuevas, ya era tiempo de grabarlas”.​ Debido al número de temas nuevos que el grupo tenía, Buck intentó infructuosamente convencer a todos de hacer del nuevo disco un álbum doble.​ En noviembre de 1983, la banda había grabado 22 canciones en una sesión con el productor de Neil Young Elliot Mazer en San Francisco.​ Si bien Mazer se consideró por poco tiempo un candidato para producir el siguiente álbum del grupo, R.E.M. decidió finalmente trabajar de nuevo con los productores de “Murmur”, Mitch Easter y Don Dixon.

Para la carátula de “Reckoning”, Stipe dibujó una serpiente de dos cabezas, que luego entregó al artista Howard Finster para que la pintara por dentro. Stipe afirmó que la imagen fue un intento de definir los elementos del disco y explicó: “Parte de él son las rocas, parte de él es el sol y parte de él es el cielo”. El resultado final se consideró una desilusión, debido a que Stipe debió trabajar con Finster a distancia y la reproducción del dibujo para la portada del álbum fue problemática.​ En el lomo de la edición en vinilo se puede leer la frase «File Under Water» («archivo bajo el agua»). Stipe dijo a NME en 1984 que ese es el verdadero título del álbum. Añadió: “En Estados Unidos, ambos títulos están en el lomo y [no hay] nada en la portada. Aquí [en el Reino Unido] insistieron que Reckoning debe ir en la carátula”. En vez de etiquetar los lados del disco como «cara uno» y «cara dos», se designaron como «L» y «R» respectivamente.

“Reckoning” se lanzó el 9 de abril de 1984 en el Reino Unido y el 17 de abril en Estados Unidos de Norteamérica.​ El álbum alcanzó rápidamente la cima de las listas de airplay de las radios universitarias, cuyo público estaba esperando el disco. Sin embargo, la banda no tenía mucha presencia en radios comerciales o MTV en este punto. En lugar de seguir la costumbre de la industria musical de esperar que las radios del mainstream eligieran transmitir la música de la banda, I.R.S. esperaba “convencer a los programadores reacios a añadir al grupo [a su lista de reproducción] señalando la respuesta de la prensa, la reacción del público a las interpretaciones en directo locales y la cantidad de ventas”, según un artículo publicado en Los Angeles Times en julio de 1984.​ El primer sencillo del álbum, “So. Central Rain (I’m Sorry)” se lanzó en mayo y llegó al puesto 85 en la lista Billboard Hot 100. Un segundo sencillo, “(Don’t Go Back to) Rockville” salió a la venta en agosto pero, a diferencia de su predecesor, no ingresó en las listas.​ Al cumplirse un mes desde su lanzamiento, “Reckoning” llegó al puesto 27 del Billboard 200 y permaneció en la lista cerca de un año.​ Si bien el posicionamiento en las listas del álbum en EUNA fue inusualmente alto para una banda universitaria en aquel momento, la escasa radiodifusión y la poca distribución en el extranjero hizo que se ubicara en el puesto 91 en el Reino Unido.​ En 1991, el disco recibió un disco de oro por la venta de 500.000 copias otorgado por la RIAA.

Fuente: Wikipedia (en inglés) / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Harborcoat» — 3:51
  2. «7 Chinese Bros.» — 4:15
  3. «So. Central Rain» — 3:11
  4. «Pretty Persuasion» — 3:53
  5. «Time After Time (Annelise)» — 3:39
  6. «Second Guessing» — 2:50
  7. «Letter Never Sent» — 2:57
  8. «Camera» — 5:21
  9. «(Don’t Go Back to) Rockville» — 4:34
  10. «Little America» — 2:56

Calidad: FLAC

 

 

 


Los Piojos – Ritual [1999]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

Los Piojos fue una banda argentina de rock formada a fines de 1988 y oriunda de Ciudad Jardín Lomas del Palomar, en el Gran Buenos Aires. De todas las bandas surgidas durante la década de los 90, Los Piojos se erigió como una de las más populares hasta incluso después de su separación, no sólo por su poder de convocatoria y las importantes cifras de ventas en sus álbumes, sino también por una discografía de carácter sólido que fue cada vez haciéndose más personal.

Durante finales de 1989 y principios de 1990 comienzan sus presentaciones en pequeños escenarios del rock porteño y bonaerense tales como el Teatro Arlequines, Graf Zeppelin, Ma Baker y La Plaza del Avión (en Ciudad Jardín) donde Ciro cantó por primera vez. En 1990 el grupo resultó elegido banda revelación por Los Redonditos de Ricota en la encuesta del “Sí!” de Clarín. Los redondos de Ricota habían presenciado varios de los shows del grupo, e incluso el guitarrista Skay subió a acompañarlos en algunas ocasiones.

En 1991 viajaron a Francia, invitados de una organización de los suburbios de París que luchaban contra los skinheads. Tocaron en el Festival Antirracista de Blondy. Aunque lo único gratis seria tocar. Los gastos del viaje corrieron por cuenta propia de Los Piojos que debieron pagar cuotas de 160 dólares para financiarlo. Así lograron compartir el escenario con grupos de Cuba, África, Marruecos, Burkina Faso, Malí, España y Francia. El contacto con Mano Negra fue importante para que la banda abriese la cabeza y entendiera que en la fusión de estilo estaba su futuro musical.

De regreso a Buenos Aires, el sueño del primer disco comenzaba a rondar por sus cabezas. El apoyo por parte de Patricio Rey resultó imprescindible para el grupo, de manera que la “Negra Poly”, manager ricotera, le recomendó al productor Gustavo Gauvry, de DBN, que se acercara a ver un show. Aquella vez, como tantas otras volvió a subir Skay Beilinson al escenario como para que quedase sellado un padrinazgo absoluto sobre los pibes del Palomar. Gauvry se interesó por ellos y enseguida les ofreció la edición y distribución del primer disco de la banda. Entre junio y agosto de 1992 ingresaron por primera vez a un estudio, en Del Cielito Records, estudios de Los Redondos, siendo su primera experiencia en grabaciones de estudio. En ese corto lapso registraron “Chactuchac”, el álbum debut de la banda. El disco fue editado por DBN/Del Cielito Records en agosto de 1992. El título del trabajo se refiere al sonido del tren.

«Ritual» es el quinto disco de Los Piojos, y el primero en vivo. Fue grabado en el estudio móvil de Del Cielito Records los días 7, 8 y 9 de mayo de 1999 en el estadio Obras, conmemorando sus 10 años de trayectoria, y el 23 de enero del mismo año en el Autocine de Villa Gesell, y editado en 1999 por El Farolito Discos. Este álbum logró ser disco de platino. Este año lo cerraron con un recital gratuito ante 100.000 personas en la ciudad de La Plata.

 

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Olvídate (Ya Ves)» – 4:24
  2. «Chac Tu Chac» – 3:22/span>
  3. «Desde Lejos No se Ve» – 4:01
  4. «Ay, Ay, Ay» – 6:29
  5. «Angelito» – 6:29
  6. «Agua» – 5:25
  7. «Arco» – 4:35
  8. «Tan Solo» – 4:18
  9. «Intro Maradó» – 2:50
  10. «Maradó» – 4:37
  11. «Ando Ganas (Llora, Llora)» – 5:43
  12. «Cruel» – 4:10
  13. «Todo Pasa» – 5:45
  14. «Es Sólo Rock & Roll (It’s Only Rock & Roll)» – 5:11

Calidad: WAV

 

 

 


Bad Religion – No Control [1989]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

Bad Religion es una banda estadounidense de punk rock fundada en 1979 en el sur de California por Greg Graffin (voz), Jay Bentley (bajo), Jay Ziskrout (batería) y Brett Gurewitz (guitarra), a la que se le adjudica haber guiado el resurgimiento del punk rock en el mainstream, así como haber influenciado a lo largo de su trayectoria a un gran número de músicos del punk y del rock.

La banda ha contado con diferentes alineaciones a lo largo de sus 38 años de existencia, siendo Graffin el único miembro que ha sido constante; no obstante, la banda cuenta en el siglo XXI con tres de sus miembros originales: Greg Graffin, Brett Gurewitz y Jay Bentley.

Ha lanzado dieciséis álbumes de estudio, dos EP, tres álbumes compilatorios, un álbum en directo y tres DVD. Su álbum Suffer ha sido valorado por algunos críticos como el álbum de punk rock más relevante de todos los tiempos, aunque nunca tuvo un puesto en la lista de popularidad la Billboard. En 1993 la banda alcanzó un puesto de cartelera con su álbum Recipe for Hate, ese acontecimientos les dio fama mientras les aseguró el puesto número 14 de la lista Heatseekers de la Billboard de ese año. Su mayor éxito vino con Stranger than Fiction el primer álbum con el que consiguieron el disco de oro en Estados Unidos, desprendiéndose de él reconocidos singles como “21st Century (Digital Boy)” e “Infected”. La banda se mantuvo cosechando éxitos de manera más discreta en su nueva discográfica, Warner, sin Brett Gurewitz, quien se retirara en 1994 por motivos personales. El 2001 fue un año importante para la banda ya que marcó la vuelta de Gurewitz y el regreso de Bad Religion a Epitaph, discográfica de música independiente de la cual es el dueño. Desde este «renacer» para la banda, se ha mantenido con la misma alineación durante más de diez años seguidos y cinco álbumes.

Son conocidos particularmente por su sofisticado uso del estilo, metáfora, vocabulario, uso de iconos y armonías vocales (los denominados por la banda como oozin’ aahs); esto último consagrándolos como pioneros del naciente hardcore melódico. Sus letras suelen ser reflexivas en torno a sentimientos personales, ideologías de vida y responsabilidad social.

«No Control» es el cuarto álbum del grupo Bad Religion, grabado en junio de 1989 en los estudios Westbeach Recorders de Hollywood, con producción del propio grupo, y editado en noviembre del mismo año a través del sello independiente Epitaph. Se considera una de las referencias de base del skate punk y el hardcore melódico.

Bad Religion comenzó a trabajar en el álbum durante la gira de presentación de su álbum anterior, “Suffer” (1988). “No Control” es estilísticamente más rápido que su predecesor, debido a la mayor presencia del hardcore punk. Además, fue el primer álbum de Bad Religion en no presentar un cambio de alineación después de un álbum de estudio consecutivo.

“No Control” trajo a Bad Religion una pequeña cantidad de éxito en el sur de California cuando la banda comenzó a reunir seguidores. El álbum ha vendido más de 60,000 copias y a menudo se considera un hito en el hardcore punk. Contiene muchos de los grandes éxitos de la banda en vivo, como “Change of Ideas”, “Big Bang”, “No Control”, “Sometimes I Feel Like”, “Automatic Man”, “I Want to Conquer the World”, “Sanity” and “You”. Las únicas canciones de “No Control” que nunca se han ejecutado en vivo son “Progress” y “The World Will not Stop”.

En 1992, “No Control” había vendido al menos 80,000 copias, convirtiéndose en el cuarto álbum más vendido de la banda en ese momento (su siguiente álbum “Against the Grain” vendió aproximadamente 90,000 copias, mientras que el posterior “Generator” vendió 85,000 y “Suffer” vendió 88,000).

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas escritos y compuestos por Brett Gurewitz y Greg Graffin)

  1. «Change of Ideas» — 0:54
  2. «Big Bang» — 1:40
  3. «No Control» — 1:44
  4. «Sometimes I Feel Like» — 1:32
  5. «Automatic Man» — 1:38
  6. «I Want to Conquer the World» — 2:16
  7. «Sanity» — 2:44
  8. «Henchman» — 1:03
  9. «It Must Look Pretty Appealing» — 1:21
  10. «You» — 2:06
  11. «Progress» — 2:12
  12. «I Want Something More» — 0:46
  13. «Anxiety» — 2:08
  14. «Billy» — 1:56
  15. «The World Won’t Stop» — 1:52

Calidad: FLAC

 

 

 


Hole – Pretty on the Inside [1991]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

Hole fue una banda estadounidense de rock alternativo formada en Los Ángeles en 1989 por Courtney Love (voz, guitarra rítmica) y Eric Erlandson (guitarra líder). Hole ha tenido distintos bajistas y bateristas, siendo la más conocida la baterista Patty Schemel y las bajistas Melissa Auf der Maur y Kristen Pfaff.

Perteneciendo inicialmente a la escena indie rock de Los Ángeles, la banda colaboró con Kim Gordon para su álbum debut, “Pretty on the Inside” (1991), y más tarde ganando casi unánime aclamación de la crítica y éxito comercial con “Live Through This” (1994) y “Celebrity Skin” (1998), obteniendo este último cuatro nominaciones al Grammy. El grupo se disolvió oficialmente en 2002 y sus miembros comenzaron otros proyectos. En 2009, Courtney reformó Hole con nuevos miembros, a pesar de la reclamación de Eric de que la reformación rompía un contrato mutuo que tenía con ella. La banda reformada lanzó “Nobody’s Daughter” (2010), sin embargo, Courtney anunció en 2012 que volvería a trabajar como solista y que «Hole estaba muerto».

Hole ha sido señalado por los críticos como el grupo de más alto perfil musical de la década de 1990 que discutió feminismo abiertamente en sus canciones, habiendo vendido más de 3 millones de álbumes en Estados Unidos de Norteamérica solamente durante el curso de su carrera. La banda también ganó considerable cobertura mediática a lo largo de su carrera debido a las impredecibles y a menudo imprudentes presentaciones en vivo de Courtney.

«Pretty on the Inside» es el álbum debut de la banda estadounidense Hole, grabado en marzo de 1991 en los Music Box Studios de Los Ángeles y editado en julio de 1991 en Europa y en septiembre en Estados Unidos de Norteamérica a través de City Slang y Caroline Records, respectivamente.​ Fue su primer lanzamiento importante desde la formación de la banda en 1989, con la vocalista y guitarrista rítmica Courtney Love, el guitarrista Eric Erlandson, la bajista Jill Emery y la baterista Caroline Rue. “Pretty on the Inside” fue producido por la vocalista y bajista de Sonic Youth, Kim Gordon y el líder de Gumball, Don Fleming.

El álbum es notado por ser el único material con una fuerte influencia del punk rock y noise rock debido a sus letras explícitas, riffs distorsionados, gritos y la “ética del punk descuidado”. Desde su lanzamiento, el álbum fue bien recibido por los críticos de rock alternativo, obteniendo críticas favorables en revistas importantes como Spin y NME. En contraste con su popularidad moderada en Estados Unidos, el disco recibió mucho más atención en el Reino Unido en donde el único sencillo, “Teenage Whore”, llegó al número 1 en el UK Indie Chart en septiembre de 1991.

“Pretty on the Inside” ha vendido más de 200.000 copias en EUNA, y ha ganado un seguimiento de culto comtemporáneo por los fanáticos del rock. A pesar de la aclamación por la critica, en los últimos años su vocalista Courtney Love se refirió al álbum como “inaudible”. En agosto de 2011, el álbum fue reeditado en Estados Unidos en formato vinilo LP para celebrar su vigésimo aniversario.

La banda se embarcó en una gira por Europa en el otoño de 1991 con Mudhoney y Daisy Chainsaw como bandas de apoyo. También recorrieron Estados Unidos de forma intermitente entre julio y diciembre de 1991, tocando principalmente en clubes de hard rock y punk, incluyendo CBGB y el Whisky A Go Go, en donde abrieron para The Smashing Pumpkins.​ La gira comprendió un gran caos, y Courtney estrelló su guitarra en el escenario en un ataque de ira en el último concierto.​ Fue durante la gira que ella se involucró sentimentalmente con Kurt Cobain de Nirvana, quedando embarazada en diciembre de 1991.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Teenage Whore» – 2:57
  2. «Babydoll» – 4:59
  3. «Garbadge Man» – 3:20
  4. «Sassy» – 1:43
  5. «Good Sister / Bad Sister» – 5:47
  6. «Mrs. Jones» – 5:26
  7. «Berry» – 2:46
  8. «Loaded» – 4:19
  9. «Starbelly» – 1:46
  10. «Pretty on the Inside» – 1:28
  11. «Clouds» – 3:58

Calidad: FLAC

 

 

 


Los Brujos – Fin de Semana Salvaje [1991]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

Los Brujos es una banda argentina de rock alternativo, que renovó la escena musical de los 90, encabezando el denominado “Nuevo Rock Argentino” junto a otras bandas como El Otro Yo, Massacre, Babasónicos, Peligrosos Gorriones, Juana La Loca, Los Visitantes, Tía Newton o Fun People, entre otros. La banda nació a comienzos de 1988 en Turdera, Gran Buenos Aires y tras tres trabajos discográficos, se disolvieron en 1998. El 7 de abril de 2014, regresaron a los escenarios.

Los Brujos nacen como una fusión entre dos jóvenes bandas vecinas de Turdera (sur de Gran Buenos Aires), Salto al Vacío y Los Pastrellos. La primera estaba formada por Gabriel Guerrisi (Guitarra y voz), Ricky Rúa (batería) y Gabriel Manelli (bajo); mientras que Los Pastrellos estaba compuesta por Fabio Pastrello (guitarra), Alejandro Alaci (voz) y Quique Ilid (batería). Vale aclarar que Fabio Pastrello y Gabriel Guerrisi son primos hermanos.

En el año 1988 ambas bandas compartieron un recital en el bar La Carpintería de Temperley, el buen resultado del show y los gustos en común fueron el disparador para unir ambas bandas y dar paso a Los Brujos, nombre que ya se encontraba registrado por un centenar de otros grupos pero del que obtuvieron un permiso provisorio para su utilización hasta que les fue cedido permanentemente. En su etapa de formación también participaron otros miembros, como Morticia Flowers y Viviana Tellas. Como lógicamente el grupo no podía tener dos bateristas, Ricky Rua decidió cantar en dúo con Alejandro Alaci, quedando Quique Illid como batero. Para fines de 1989 los recitales eran cada vez más concurridos y luego de una presentación en un festival en Cemento el músico y productor Daniel Melero les propone grabar su primer disco.

«Fin de Semana Salvaje» es el primer álbum de estudio de la banda argentina de rock alternativo Los Brujos, grabado en mayo de 1991 en los Estudios Aguilar de Buenos Aires y editado ese mismo año por el sello Epic Records y DBN. Hay grandes invitados como Gustavo Cerati y Daniel Melero, quien se encargo de la producción artística. En el año 2007, la revista Rolling Stone de Argentina lo ubicó en el puesto 63º de su lista de los 100 mejores álbumes del rock argentino.

“Grabado en un fin de semana salvaje del mes de mayo de 1991”, aclara la contratapa del disco en que se imprimió ese momento bisagra de los primeros años 90, que tuvo el enérgico éxito “Kanishka” como punta de lanza. Valiéndose de una fama incendiaria, llegaron al estudio con Daniel Melero como tutor sónico para grabar “un demo de once temas” que dejó testimonio del Beatcore (entre B-52’s y Dead Kennedys), un invento del guitarrista Gabriel Guerrisi. Vivi Tellas y Gustavo Cerati participaron en este álbum que es una transición entre el under de fines de los 80 y el rock alternativo de los tempranos 90. Llegó a estar situado en todas las radios del país, con su tema “Kanishka”, el cual fue disco de oro en Argentina, con más de 40.000 copias vendidas.

“Está lleno de ingenuidad y frescura adolescente, no fue grabado con conciencia de disco, sin nada pensado y preparado. Los temas son casi todos de primera toma: sin buscar ni virtuosismo, ni perfección, y lo que reina cuando uno lo escucha es la espontaneidad…”, revista Rolling Stone. Es así que casi todos los temas fueron grabados en una toma. Dieron uno de sus conciertos en el estadio de River, ante 70.000 personas. En 1992 fueron invitados a presentar el material en el show de Nirvana, en Vélez y también serían teloneros de Iggy Pop en Obras Sanitarias.

Cuenta con clásicos como “Kanishka”, “Fin de semana salvaje” y “La tía Marcia”. El autor de todos los temas fue el guitarrista Gabriel Guerrisi. La portada fue diseñada por el famoso diseñador gráfico Alejandro Ros, conocido por sus trabajos de portadas para bandas como Soda Stereo, Divididos, Babasónicos, entre otras. Un mito dice que Kurt Cobain, líder de Nirvana, le plagio el riff de “Kanishka” en el tema “Very Ape” del último disco In Utero.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

 

  1.  «Canción del Cronopio» – 2:40
  2. «La Tía Marcia» – 2:25
  3. «Kanishka» – 2:39
  4. «Embolarium» – 2:25
  5. «India» – 2:52
  6. «Mi Vestido Floreado» – 2:20
  7. «Fin de Semana Salvaje» – 3:13
  8. «Yo Caí por Tu Amor» – 2:49
  9. «Mi Papi No Te Quiere» – 2:10
  10. «Monseñor Le Flip» – 3:20
  11. «No Te Dejes Caer» – 3:11
Calidad: FLAC

 

 

 


Bad Religion – Suffer [1988]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

Bad Religion es una banda estadounidense de punk rock fundada en 1979 en el sur de California por Greg Graffin (voz), Jay Bentley (bajo), Jay Ziskrout (batería) y Brett Gurewitz (guitarra), a la que se le adjudica haber guiado el resurgimiento del punk rock en el mainstream, así como haber influenciado a lo largo de su trayectoria a un gran número de músicos del punk y del rock.

La banda ha contado con diferentes alineaciones a lo largo de sus 38 años de existencia, siendo Graffin el único miembro que ha sido constante; no obstante, la banda cuenta en el siglo XXI con tres de sus miembros originales: Greg Graffin, Brett Gurewitz y Jay Bentley.

Ha lanzado dieciséis álbumes de estudio, dos EP, tres álbumes compilatorios, un álbum en directo y tres DVD. Su álbum Suffer ha sido valorado por algunos críticos como el álbum de punk rock más relevante de todos los tiempos, aunque nunca tuvo un puesto en la lista de popularidad la Billboard. En 1993 la banda alcanzó un puesto de cartelera con su álbum Recipe for Hate, ese acontecimientos les dio fama mientras les aseguró el puesto número 14 de la lista Heatseekers de la Billboard de ese año. Su mayor éxito vino con Stranger than Fiction el primer álbum con el que consiguieron el disco de oro en Estados Unidos, desprendiéndose de él reconocidos singles como “21st Century (Digital Boy)” e “Infected”. La banda se mantuvo cosechando éxitos de manera más discreta en su nueva discográfica, Warner, sin Brett Gurewitz, quien se retirara en 1994 por motivos personales. El 2001 fue un año importante para la banda ya que marcó la vuelta de Gurewitz y el regreso de Bad Religion a Epitaph, discográfica de música independiente de la cual es el dueño. Desde este «renacer» para la banda, se ha mantenido con la misma alineación durante más de diez años seguidos y cinco álbumes.

Son conocidos particularmente por su sofisticado uso del estilo, metáfora, vocabulario, uso de iconos y armonías vocales (los denominados por la banda como oozin’ aahs); esto último consagrándolos como pioneros del naciente hardcore melódico. Sus letras suelen ser reflexivas en torno a sentimientos personales, ideologías de vida y responsabilidad social.

Bentley, Finestone y Gurewitz vuelven a la banda en 1986 y se prepara la grabación de su tercer álbum, «Suffer», en los estudios Westbeach Recorders de Hollywood durante el mes de abril de 1988, con producción de Brett Gurewitz. El disco sería editado por el sello independiente Epitaph en noviembre del mismo año. La ilustración de portada es obra de Jerry Mahoney. Supuso el reencuentro de los componentes originales de la banda tras su ruptura y es considerado por algunas de las publicaciones especializadas en el sector como uno de los mejores álbumes punk de los 80.

Representa un cambio en su carrera y un hito en la historia del rock, por ser el disco con que Bad Religion inauguran el hardcore melódico con un estilo propio, más tarde imitado y extendido por otras bandas, primero californianas y más tarde europeas. El disco se caracteriza por la rapidez de los ritmos, diferencia de claridad de sonido respecto a los anteriores y el aumento de melodías claras en la voz, que acentúan el carácter profundo e intelectual de las letras del grupo, y con coros de voces armónicas que serán la marca de la casa de la banda durante el resto de su carrera. Se puede hablar de una fusión de las bases melódicas de la música folk con la fuerza y contundencia del punk. El guitarrista Brett Gurewitz ha admitido que las canciones que Graffin le mostró le dieron desde el principio un regusto a Jethro Tull, y además, años más tarde, Graffin afirmaría esta versión publicando dos álbumes en solitario, de tinte acústico, en el segundo de los cuales hay composiciones basadas en el country y folk estadounidenses.

Un conjunto de bandas de la tercera oleada de bandas de new-wave punk citan este álbum como un inspiración esencial. En una web de fans de la banda, la canción “Do What You Want” fue citada como una de las mejores canciones de todos los tiempos de la banda, junto a “American Jesus” y “Along the Way”. El cantante de Rancid, Tim Armstrong, ha declarado que “What Can You Do?”, la única canción lenta del álbum, es su canción preferida de Bad Religion.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas escritos y compuestos por Mr. Brett y Greg Graffin)

  1. «You Are (The Government)» — 1:19
  2. «1000 More Fools» — 1:34
  3. «How Much Is Enough?» — 1:22
  4. «When?» — 1:38
  5. «Give You Nothing» — 1:57
  6. «Land Of Competition» — 2:00
  7. «Forbidden Beat» — 1:53
  8. «Best for You» — 1:57
  9. «Suffer» — 1:45
  10. «Delirium of Disorder» — 1:37
  11. «Part II (The Numbers Game)» — 1:38
  12. «What Can You Do?» — 2:44
  13. «Do What You Want» — 1:05
  14. «Part IV (The Index Fossil)» — 2:02
  15. «Pessimistic Lines» — 1:07

Calidad: FLAC

 

 

 


The Stooges – Raw Power [1973-Reed.1997]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

The Stooges, también conocidos como Iggy and The Stooges, fue una banda de rock surgida en 1967 en Detroit (Estados Unidos de Norteamérica) considerada un referente del garage rock y pionera tanto de la música como de la subcultura punk.

En 2016 The Stooges se separa después de haber finalizado su último álbum de estudio titulado “Ready to Die” (2013). Ese mismo año, se lanzó la película documental Gimme Danger dirigida por Jim Jarmusch sobre la banda, estrenándose mundialmente en el Festival de Cannes.

James Newell Osterberg, más conocido por Iggy Pop, tocó en diversas bandas de Ann Arbor (Míchigan) antes de crear la suya. Osterberg se inspiró para formar The Stooges tras conocer en una visita a Chicago al batería de blues Sam Lay. De esta forma, James regresó a Detroit con la idea de crear un estilo de tocar blues completamente nuevo.

La banda que Osterberg creó estaría formada por él, como vocalista, los hermanos Ron (guitarra) y Scott Asheton (batería), y su amigo Dave Alexander (bajo). Los demás miembros de la banda apodaron a James “Pop” debido al parecido que guardaba con un vecino suyo. Sería poco después, tras presenciar un concierto de MC5 en su ciudad, cuando Osteeberg se denominó a sí mismo “Iggy Pop”.

El debut de la banda tuvo lugar en un concierto de Halloween que estos dieron en su casa de State Street, en 1967. Poco más tarde, tocaron en el Grande Ballroom (Detroit), junto a grupos como MC5 y otros, dándose así a conocer. The Stooges ganó reputación rápidamente debido a lo violentas y ruidosas que eran sus actuaciones. Pop, especialmente, ganó fama gracias a lo extraño que era su comportamiento sobre el escenario, untando en su torso crema de cacahuete y carne de hamburguesa, haciéndose cortes con trozos de vidrio y mostrando sus genitales al público, entre otras cosas.

The Stooges fueron descubiertos por el observador de Elektra Records Danny Fields (quien más tarde también descubriría y se convertiría en el mánager de Ramones), firmando así un contrato para dicha compañía. Su primer álbum, cuyo nombre es el mismo que el de la banda, salió en 1969, obteniendo muy pocas ventas así como un no grato recibimiento por parte de los críticos de aquella época.

El segundo álbum, “Fun House”, lanzado en 1970 y considerado por muchos como el mejor disco de The Stooges, tampoco logró alcanzar un notoriamente mejor recibimiento. En este último, el grupo trató de plasmar la fuerza y la energía que desprendían en sus actuaciones en vivo. En junio de ese mismo año, la banda tocó en el Pop Festival de Cincinnati. Durante su actuación, Iggy Pop se dejó caer en repetidas ocasiones sobre el público, el cual lo sostuvo por encima de la muchedumbre. Este hecho se convirtió en una de las imágenes icónicas del rock a partir de entonces.

En agosto de ese mismo año, Alexander fue despedido temporalmente del grupo por encontrarse demasiado ebrio en escena en el International Music Festival de Goose Lake, siendo rápidamente reemplazado por una sucesión de nuevos bajistas. Llegados a este punto, la banda casi al completo (con la notable excepción de Ron Asheton) se habían vuelto consumidores habituales de drogas como la heroína, siendo Iggy Pop el peor ejemplo de todos. El resultado final de todo esto fue la anulación del contrato que The Stooges tenía con Elektra Records.

Al no poseer compañía discográfica, la banda se quedó durante un tiempo sin nadie que les consiguiese actuaciones ni el dinero necesario como para seguir con la producción de nuevos discos, por lo que se produjo durante un tiempo un parón musical. Afortunadamente, Pop conoció a David Bowie en septiembre de 1971, convirtiéndose ambos rápidamente en buenos amigos. De esta forma, Bowie ayudó a Pop a reconstruir la banda como seguidamente convenció a su discográfica, Columbia Records, de que los contratase.

Su tercer trabajo, «Raw Power», fue grabado entre septiembre y octubre de 1972 y editado en febrero de 1973 por Columbia Records, con David Bowie como productor, y aunque es considerada como una de las piedras angulares del punk rock, tuvo el mismo poco éxito que sus dos predecesores.

Iggy Pop firmó con Columbia Records y fue mandado a Londres a componer y grabar el nuevo álbum con su nuevo colaborador, el guitarrista James Williamson. Pop insistió en que sus ex compañeros de Stooges, Ron y Scott Asheton participaran en la grabación. Williamson se encargó de la guitarra, Ron Asheton pasó a tocar el bajo (habiendo sido el guitarrista con The Stooges), y Scott Asheton la batería.

Fue el propio Iggy Pop quien produjo y mezclo el álbum, si bien su primer intento fue lamentable mezclando casi todos los instrumentos en un canal y las voces en otro. MainMan exigió que el álbum fuera remezclado, pero Pop se negó. Cuando MainMan informó a Pop de que si el disco no era remezclado por Bowie, no lo publicaría, Pop aceptó, pero insistiendo en que su mezcla de “Search and Destroy” se mantuviera. Debido a problemas de presupuesto, Bowie remezcló las otras siete canciones en un sólo día en un estudio barato de Los Ángeles.

Iggy Pop dijo que los directivos de Columbia insistieron en que introdujeran dos baladas, una en cada cara del disco. Estas baladas fueron “Gimme Danger” y “I Need Somebody”, ambas mucho más oscuras y amenazadoras que las baladas tradicionales. “Search and Destroy” y “Shake Appeal” fueron los singles publicados.

El grupo se embarcó en una gira promocional que duró varios meses. Al mismo tiempo, The Stooges llevó a cabo una serie de grabaciones conocidas como “The Detroit Rehearsal Tapes”, las cuales presumiblemente iban a formar parte de un cuarto álbum que estaba por llegar.

Las ventas de “Raw Power” fueron bajas, aunque logró llegar al número 182 en el Bilboard de álbumes de pop. A pesar de la tibia recepción del disco, la reputación del álbum aumentó de forma abrumadora en los siguientes años, y el volumen y ferocidad del álbum se convirtieron en el punto de referencia para los demás discos. En 2003, el álbum fue situado en el puesto 125 de la lista de los 500 mejores álbumes elaborada por la revista Rolling Stone. La banda continuó sus actuaciones en vivo, pero Columbia terminó por rescindir su contrato y The Stooges se separaron en febrero de 1975, siendo su principal causa la adicción a la heroina de Iggy Pop, como también su errático comportamiento en el escenario.

En 1997 Columbia Records invitó a Iggy Pop a remasterizar el álbum entero para su publicación en CD. Pop comentó que de haber rechazado el trabajo, el estudio lo habría hecho igual. Entre las razones que le llevaron a hacerlo, citó los ánimos de fans y colegas profesionales, la existencia del disco “Rough Power”, el desagrado de la versión de “Raw Power” editada en CD en 1989 y el hecho de que Columbia fuera a publicar una nueva mezcla en su filial Legacy Records. Este archivo corresponde a dicha reedición.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas escritos y compuestos por Iggy Pop y James Williamson)

  1. «Search and Destroy» — 3:29
  2. «Gimme Danger» — 3:33
  3. «Your Pretty Face Is Going to Hell» — 4:54
  4. «Penetration» — 3:41
  5. «Raw Power» — 4:16
  6. «I Need Somebody» — 4:53
  7. «Shake Appeal» — 3:04
  8. «Death Trip» — 6:07

Calidad: FLAC

 

 

 


Bersuit Vergarabat – De la Cabeza [2002]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

Bersuit Vergarabat, originalmente llamados Bersuit Vergarabat Van de Ir y conocidos como La Bersuit, es un grupo de rock argentino, originario del barrio de Barracas, al sur de la ciudad de Buenos Aires, formado en 1988. Se hicieron notables a finales de los años noventa por combinar este género musical con ritmos latinoamericanos —como la cumbia, el tango, la murga, el reggae, la chacarera y el candombe— y letras cargadas de críticas hacia el sistema político y la sociedad.

Desde su primer trabajo debut, la obra de Bersuit Vergarabat se caracterizó por contener mensajes en contra del menemismo y críticas hacia políticos como Carlos Menem, Domingo Cavallo, Eduardo Duhalde, Carlos Ruckauf, entre otros. Las letras de sus canciones fueron censuradas y, en otros casos, los canales de televisión que trasmitían sus videoclips fueron demandados y tuvieron que pagar multas por los ataques que sufrían ciertos políticos, como también por las críticas a la sociedad argentina de los 90.

Pese a la censura, esto no hizo decaer la popularidad de la banda que comenzó a gozar de masividad y se convirtió en uno de los grupos más importantes del rock argentino y uno de los principales de Latinoamérica.

Pasó por diversas formaciones y su alineación más famosa estuvo constituida por: Gustavo Cordera (voz), Juan Subirá (teclados, acordeón y voz), Carlos Martín (batería y percusión), Oscar Righi (guitarra eléctrica), Pepe Céspedes (bajo y voz), Daniel Suárez (voz y coros), Alberto Verenzuela (guitarra) y Germán “Cóndor” Sbarbati (voz, coros y charango).

Una de las características de la banda es su forma de vestir en sus conciertos, al disfrazarse con pijamas que es en sí, un homenaje a los internos de la residencia psiquiátrica del Hospital Municipal José Tiburcio Borda de Buenos Aires y una respuesta contraria al atuendo de cuero, que usan los grupos normalmente vinculados con el rock y heavy metal. La banda ha demostrado una afinidad por todo lo relacionado con la locura y la marginación.

Además de encontrar el éxito en Buenos Aires y luego en todo el país, Bersuit Vergarabat ha atraído a aficionados de muchos países de América Latina, así como España, Estados Unidos, Reino Unido, Alemania, Japón entre otros. El éxito de la banda más allá de América Latina, depende en gran medida de su capacidad de reinventarse constantemente.

La banda entró en un receso durante el 2009, con la idea de que cada músico se dedicara a diferentes proyectos personales. Tras desavenencias entre su vocalista y los demás integrantes, debido a que el primero prefirió seguir con su carrera como solista, en en el año 2011 la agrupación volvería a los escenarios sin Gustavo Cordera.

Algunas de sus canciones más difundidas son “El tiempo no para” (cover de Cazuza), “Espíritu de esta selva”, “Yo tomo”, “Se viene”, “Sr. Cobranza” (cover de Las Manos de Filippi), “La argentinidad al palo”, “La bolsa”, “Negra murguera”, “La soledad”, “Mi caramelo”, “Sencillamente”, “Un pacto», “Esperando el impacto”, “Murguita del sur”, entre otras.

En 2002, la banda cumplía 10 años desde su primer disco publicado, por lo que a mediados del 2002 editaron «De la Cabeza», sexto álbum de la banda argentina Bersuit Vergarabat, grabado en vivo en el Estadio Obras Sanitarias y en Show Center de Haedo y publicado por Universal. En este CD quedaron plasmadas canciones viejas y dos temas inéditos: “Un pacto para vivir” y “Perro amor explota”. Este álbum consolidó a la banda entre las mejores de Argentina y la llevó a la cima de la popularidad con temas como “Mi caramelo” o “Sr. Cobranza”, un cover de Las Manos de Filippi, cantado por la gente casi en su totalidad.

Con este trabajo comenzaron la “Gira De la Cabeza con Bersuit” con la que recorrieron el país, además de presentarse en Latinoamérica, España y Estados Unidos y de hacer una serie de recitales en el estadio Luna Park de Buenos Aires. El disco alcanzó el triple platino por las más de 150 mil copias vendidas. Los dos shows en los que fue grabado el álbum fueron filmados y editados en un DVD con el mismo nombre en 2004, con el que consiguieron el galardón de DVD de platino.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1.  «De la Cabeza» – 0:30
  2. «El Tiempo No Para» – 5:21
  3.  «Venganza de los Pobres Muertos (Afro)» – 4:33
  4. «El Viejo de Arriba» – 3:58
  5. «Espíritu de esta Selva» – 3:55
  6. «Vuelos» – 5:44
  7. «Mi Caramelo» – 3:29
  8. «Un Pacto» – 4:55
  9. «Perro Amor Explota» – 4:28
  10. «Tuyú» – 5:21
  11. «Yo Tomo» – 3:46
  12. «Sr. Cobranza» – 4:16
  13. «La Bolsa» – 4:24
  14. «Murguita del Sur» – 5:03
  15. «Se Viene» – 3:40
  16. «Hociquito de Ratón» – 2:42 / «Diez Mil» – 4:18
Calidad: FLAC