Ciclos y Neurastenias en un mundo cruel

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Massacre – 12 Nuevas Patologías [2003]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

Massacre es una banda de rock argentina, pionera en el género denominado skate rock en Latinoamérica. Originalmente llamados Massacre Palestina, se formaron en Buenos Aires en el año 1986. Se conformó por estudiantes secundarios influidos por bandas de la costa oeste estadounidense, que fusionaban hardcore-surf-punk a fines de los setenta y comienzos de los ochenta. Entre sus influencias, se encuentran artistas como T.S.O.L, Dead Kennedys, Black Flag, Nirvana, The Cure, R.E.M., The Ramones, T. Rex, Sumo, Gustavo Cerati, Luis Alberto Spinetta, entre otros.

La primera formación contaba con Francisco Ruiz Ferreyra (Paco) en batería, José Armetta (Topo) en el bajo, Guillermo Cidade (Walas) en guitarra y Richard Serafini en voz. El primer disco homónimo de la banda fue un EP en vinilo, grabado en 1987 bajo el sello Radio Trípoli, que contenía cuatro canciones, hoy una pieza de colección. Junto a la salida del disco filman su primer vídeo del tema «Diferentes Maneras», en la actualidad absolutamente perdido. La carrera del grupo se desarrolló durante años sobre la base de presentaciones en vivo y largas ausencias, hasta la posibilidad de grabar el primer álbum. Para octubre de 1989 Richard se despide de la formación y Wallas se encarga de las voces, dejando su puesto a Pablo Mondello (alias Pablo M. o El Tordo), ex compañero del secundario, eximio guitarrista y pilar fundamental en la concepción musical del grupo para los tiempos que vendrían. Con esta formación los Massacre recorrerían larga parte de su carrera.

Tras su primer álbum de estudio, «Sol Lucet Omnibus» (1992), se rebautizaron como Massacre, debido al atentado a la embajada de Israel en Argentina, en donde su apelativo «Palestina», pudiera generar polémica.

Aunque la banda era conocida por su actitud basada en la autogestión durante más de veinte años de carrera, se la consideraba como una de las pocas bandas verdaderamente de culto de la Argentina, hasta la edición de su sexto disco de estudio, titulado «El Mamut» (2007); que alcanzó gran éxito, por lo que la banda alcanzó masividad a nivel popular, no solo en Argentina, sino también en el resto de Latinoamérica.

«12 Nuevas Patologías» es el quinto disco de Massacre, grabado en julio de 2003 en Estudios del Abasto, Buenos Aires, por Gonzalo Villagra y editado ese mismo año por el sello independiente Laika Records.

El álbum contiene doce temas agrupados por diferentes patologías individuales y colectivas, como obsesiones, culpas, fobias, miedos y dudas. En tanto a lo musical, el disco juega con sonidos electrónicos creando una atmósfera y clima de psicodelia. El corte de difusión fue «Querida Eugenia», que contó con dos videos (uno de estilo documental, en la inauguración del Skate Park en Parque Sarmiento; el segundo, más artístico). También se destacan las canciones «Seguro es por mi culpa» y «Adiós caballo español».

Charly Carnota, ex RIP y Tintoreros, que venía de la banda neoyorquina Manhattan Heroes, en su vuelta a Buenos Aires reemplazó a Chachi y se hizo cargo de la batería. El disco es denominado de «rock psicológico» o «rock terapéutico», según entendidos.

 

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Adiós, Caballo Español» – 4:20
  2. «Querida Eugenia» – 3:46
  3. «La Nueva Amenaza» – 5:07
  4. «Heredarán la Tierra» – 5:06
  5. «Seguro Es por Mi Culpa» – 5:30
  6. «Bienvenido al Mundo de los Conflictuaditos» – 2:42
  7. «Ideal para el Invierno» – 4:34
  8. «Sofía, la Super Vedette» – 4:20
  9. «Río Siempre» – 5:04
  10. «Invasión de Aguavivas en Santa Mónica» – 3:33
  11. «Ambas Estatuas» – 7:17
  12. «Gilda Manson» – 9:02

Calidad: M4A

 

 

 

29/03/2019 | Categorías: Alternativo, Massacre, Rock | Tags: , , | 2 comentarios

Los Piojos – Huracanes en Luna Plateada [2002]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

Los Piojos fue una banda argentina de rock formada a fines de 1988 y oriunda de Ciudad Jardín Lomas del Palomar, en el Gran Buenos Aires. De todas las bandas surgidas durante la década de los 90, Los Piojos se erigió como una de las más populares hasta incluso después de su separación, no sólo por su poder de convocatoria y las importantes cifras de ventas en sus álbumes, sino también por una discografía de carácter sólido que fue cada vez haciéndose más personal.

Durante finales de 1989 y principios de 1990 comienzan sus presentaciones en pequeños escenarios del rock porteño y bonaerense tales como el Teatro Arlequines, Graf Zeppelin, Ma Baker y La Plaza del Avión (en Ciudad Jardín) donde Ciro cantó por primera vez. En 1990 el grupo resultó elegido banda revelación por Los Redonditos de Ricota en la encuesta del “Sí!” de Clarín. Los redondos de Ricota habían presenciado varios de los shows del grupo, e incluso el guitarrista Skay subió a acompañarlos en algunas ocasiones.

En 1991 viajaron a Francia, invitados de una organización de los suburbios de París que luchaban contra los skinheads. Tocaron en el Festival Antirracista de Blondy. Aunque lo único gratis seria tocar. Los gastos del viaje corrieron por cuenta propia de Los Piojos que debieron pagar cuotas de 160 dólares para financiarlo. Así lograron compartir el escenario con grupos de Cuba, África, Marruecos, Burkina Faso, Malí, España y Francia. El contacto con Mano Negra fue importante para que la banda abriese la cabeza y entendiera que en la fusión de estilo estaba su futuro musical.

De regreso a Buenos Aires, el sueño del primer disco comenzaba a rondar por sus cabezas. El apoyo por parte de Patricio Rey resultó imprescindible para el grupo, de manera que la «Negra Poly», manager ricotera, le recomendó al productor Gustavo Gauvry, de DBN, que se acercara a ver un show. Aquella vez, como tantas otras volvió a subir Skay Beilinson al escenario como para que quedase sellado un padrinazgo absoluto sobre los pibes del Palomar. Gauvry se interesó por ellos y enseguida les ofreció la edición y distribución del primer disco de la banda. Entre junio y agosto de 1992 ingresaron por primera vez a un estudio, en Del Cielito Records, estudios de Los Redondos, siendo su primera experiencia en grabaciones de estudio. En ese corto lapso registraron «Chactuchac», el álbum debut de la banda. El disco fue editado por DBN/Del Cielito Records en agosto de 1992. El título del trabajo se refiere al sonido del tren.

«Huracanes en Luna Plateada» es el segundo álbum en vivo (y séptimo de su producción musical) de la banda Los Piojos, grabado entre junio de 2001 y septiembre de 2002. Con 20 temas registrados en los recitales en el estadio de Huracán (24 de noviembre de 2001), en el Luna Park (19, 20, 21 y 23 de julio de 2002), en el estadio de Gimnasia y Esgrima La Plata (12, 13, 19, 20 y 21 de abril de 2002), en el estadio de Newell’s Old Boys de Rosario (24 de agosto de 2002), en Pajas Blancas Center de Córdoba (14 de junio de 2002), en el Estadio Ruca Che de Neuquén (15 de junio de 2001) y en el Camping Luz y Fuerza de Mendoza (21 de septiembre de 2002).

El álbum es un doble CD producido artísticamente por su cantante Andrés Ciro junto a Ricardo Mollo (Divididos) y editado en noviembre de 2002 por El Farolito Discos.

 

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

 

CD 1:

  1. «María y José»
  2. «Babilonia»
  3. «Ximenita»
  4. «Taxi Boy»
  5. «A Veces»
  6. «Cancheros»
  7. «Yira Yira»
  8. «Muy Despacito»
  9. «Labios de Seda»
  10. «El Rey del Blues» (B. B. King)
  11. «Extraña Soledad»

CD 2:

  1. «Llevatelo»
  2. «Pensar en Nada»
  3. «El Farolito (La Rubia Tarada)»
  4. «Y Qué Más»
  5. «Fijate»
  6. «Morella»
  7. «Genius (El Mendigo del Dock Sud)»
  8. «El Balneario de los Doctores Crotos»
  9. «Little Red Rooster (Zapada)»

Calidad: FLAC

 

 

 

21/03/2019 | Categorías: Alternativo, Blues, Latino, Los Piojos, Rock | Tags: , , , , | 2 comentarios

The Waterboys – The Waterboys [1983-Reed.2002]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

The Waterboys es una banda formada en 1983 por Mike Scott. La composición de la misma ha girado siempre en torno a músicos de Escocia, Inglaterra e Irlanda. Las sedes de la misma se han alternado entre Dublín, Spiddal, Londres, Nueva York y Findhorn. Su música ha pasado desde una mezcla de folk Celta hasta el rock’n’roll, siempre con un estilo muy personal otorgado por el talento de su líder Mike Scott.

Tras diez años de grabar y girar sin interrupción, en 1993 se disolvieron y Mike Scott inició su carrera en solitario. Se refundaron en el 2000 y continuaron girando y publicando discos. Para Mike, «No hay diferencia entre Waterboys y yo porque, para mí, significan la misma cosa».

El sonido de los primeros Waterboys fue llamado The Big Sound tras un tema de su segundo álbum, «A Pagan Place». Este estilo fue descrito por Mike como «una metáfora por ver la autoría de Dios en el mundo». Sus influencias se encuentran entre Simple Minds, The Alarm, In Ta Nua, Big Country, Horhouse Flowers y World Party; este último formado por ex-miembros de los propios Waterboys. A finales de los 80 el sonido de la banda se hizo más folk con una formación más numerosa: según el propio grupo, the Raggle Taggle Band.

Más tarde volverían al sonido rock tras su reforma. Sus canciones, principalmente escritas por Scott, a menudo tratan de referencias literarias relacionadas con la espiritualidad (Mike estudió literatura inglesa y filosofía). Tanto la carrera en solitario de Mike como las de sus otros miembros han tenido éxito comercial, así como buenas críticas musicales.

«The Waterboys» es el álbum debut de la banda del mismo nombre, grabado entre diciembre de 1981 y noviembre de 1982 en los Redshop Studios de Londres, aún sin formar el grupo, y editado en julio de 1983 por el sello Chrysalis Records, con producción de Mike Scott y Rupert Hine. La portada del álbum es una fotografía del cantante Mike Scott realizada por Panny Charrington y diseñada por Stephanie Nash. El logotipo de Waterboys aparece en el cuadro azul pálido en la esquina superior derecha de la portada del álbum original (rosa pálido en la reedición de 2002). El símbolo, que simboliza el agua, continuó usándose a lo largo de la historia de la banda. Fue diseñado por Stephanie Nash de Island Records.

Mike Scott comenzó a formar una nueva banda para trabajar. A principios de 1982 reclutó a Anthony Thistlethwaite para el nuevo proyecto, que se convirtió en The Waterboys. Scott escuchó a Thistlethwaite por primera vez en un álbum de Nikki Sudden. Thistlethwaite trajo a un amigo suyo, Kevin Wilkinson, como baterista. Sudden describe los eventos como Scott «robándose» a los dos, pero señala que Scott podía pagar a Thistlethwaite y Wilkinson, mientras que Sudden no podía. Scott y Thistlethwaite grabaron «A Girl Called Johnny» en la primavera de 1982, y con Wilkinson y el bajista Nick Linden grabaron nuevas canciones en noviembre de 1982 en Redshop Studio, de las cuales, «I Will Not Follow», aparece en este álbum.

«A Girl Called Johnny» fue lanzada tanto en sencillo como en maxi en marzo de 1983, precediendo al álbum por cuatro meses. La canción, un tributo a Patti Smith, «fracasó» para convertirse en un éxito. «December» también se lanzó como single (para la temporada navideña) en formatos de siete y doce pulgadas, con resultados comerciales similares.

Allmusic describe el sonido del álbum como «parte Van Morrison, parte U2».

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas escritos y compuestos por Mike Scott, excepto 12: John Caldwell)

  1. «December» – 6:47
  2. «A Girl Called Johnny» – 3:56
  3. «The Three Day Man» – 4:07
  4. «Gala» (Unedited) – 9:30
  5. «Where Are You Now When I Need You?» – 5:06
  6. «I Will Not Follow» – 5:16
  7. «It Should Have Been You» – 4:28
  8. «The Girl in the Swing» – 4:26
  9. «Savage Earth Heart» – 6:37
  10. «Something Fantastic» (bonus) – 3:11
  11. «Ready for the Monkeyhouse» (bonus) – 3:57
  12. «Another Kind of Circus» (bonus) – 4:04
  13. «A Boy in Black Leather» (bonus) – 7:03
  14. «December (Original 8-Track Mix)» (bonus) – 6:48
  15. «Jack of Diamonds» (bonus) – 0:50

Calidad: 320 Kbps (a 48000 Hz)

 

Gracias al compañero DjJohnny por el archivo flac que ripeé a mp3 de máxima calidad.

 

 

 

27/02/2019 | Categorías: Alternativo, Rock, The Waterboys | Tags: , , | 3 comentarios

The Police – Live! [1995]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

The Police fue una importante e influyente banda inglesa de rock activa desde finales de la década de 1970 y comienzos de la de 1980. Su estilo musical estuvo marcado por influencias del rock, reggae y jazz. Se formó el año 1977 en Londres, comenzando a intentar abrirse paso en la movida punk. La formación habitual del grupo incluyó a Sting, voz y bajo; Andy Summers, guitarra y coros, y Stewart Copeland, batería y coros. Su debut discográfico se produjo con el single «Fall Out», canción compuesta por Copeland, la que fue editada en el sello independiente IRS. El tema recogió una relativa resonancia, pero no fue suficiente para el despegue de la banda.

Liderados por Gordon Matthew Sumner, más conocido como Sting (nombre que significa «aguijón» en inglés, y que deriva de un jersey de rugby a rayas amarillas y negras, estilo avispa, que el bajista siempre llevaba puesto en su juventud), Andy Summers en la guitarra, y Stewart Copeland como baterista, The Police fue el conjunto británico más exitoso de los 80’s gracias a su impetuoso pop-rock «new wave» enriquecido por algunas dosis de reggae y un talento instrumental y compositivo sublime. Tocaron oficialmente hasta 1986, con un hiato entre marzo de 1984 hasta julio de 1986 y nunca emitieron un comunicado sobre su disolución. La banda ha vendido casi 70 millones de copias por el mundo.

Tras cinco álbumes exitosos y su separación sorpresiva en 1986, su discográfica -A&M Records- publicó el recopilatorio «Every Breath You Take (The Singles)» en octubre de ese mismo año, a modo de grandes éxitos como colofón de la carrera de The Police. Para la ocasión se regrabó «Don’t stand so close to me», editada como «Don’t stand so close to me ’86».

«Live!» es un álbum en vivo de The Police publicado en julio de 1995 (originalmente iba a ser publicado en 1985) por A&M Records. El disco uno contiene un concierto casi completo de la banda en noviembre de 1979 en el «Orpheum Theatre» en Boston, Massachusetts (grabado en consola de 2 canales por una emisora de radio). El disco dos contiene partes de dos conciertos el 2 y el 3 de noviembre de 1983 en Atlanta, en los tours del álbum «Synchronicity» (grabado en consola de 8 canales). Respecto a los conciertos de 1983 se vuelven a ver en DVD «Synchronicity» en el 2005. El guitarrista Andy Summer se encargó de la producción.

Además, este álbum demuestra la etapa del grupo durante su influencia punk en la década de ’70 y la etapa experimental de los ’80 de The Police arriba de un escenario. El álbum fue disco de platino en Estados Unidos de Norteamérica.

Fuente: Wikipedia

 

 

 

 

CD 1 (Orpheum WBCN / Boston Broadcast):

  1. «Next to You» – 2:58
  2. «So Lonely» – 7:33
  3. «Truth Hits Everybody» – 2:33
  4. «Walking on the Moon» – 4:59
  5. «Hole in My Life» – 4:08
  6. «Fall Out» – 2:46
  7. «Bring on the Night» – 5:16
  8. «Message in a Bottle» – 4:27
  9. «The Bed’s Too Big Without You» – 8:52
  10. «Peanuts» – 3:08
  11. «Roxanne» – 4:42
  12. «Can’t Stand Losing You» – 7:54
  13. «Landlord» – 2:27
  14. «Born in the 50’s» – 4:18
  15. «Be My Girl / Sally» – 4:51

CD 2 (Atlanta / Synchronicity Concert):

  1. «Synchronicity I» – 2:53
  2. «Synchronicity II» – 4:44
  3. «Walking in Your Footsteps» – 4:55
  4. «Message in a Bottle» – 4:35
  5. «O My God» – 3:36
  6. «De Do Do Do, De Da Da Da» – 4:32
  7. «Wrapped Around Your Finger» – 5:21
  8. «Tea in the Sahara» – 4:52
  9. «Spirits in the Material World» – 2:57
  10. «King of Pain» – 5:53
  11. «Don’t Stand so Close to Me» – 3:46
  12. «Every Breath You Take» – 4:37
  13. «Roxanne» – 6:10
  14. «Can’t Stand Losing You» – 6:48
  15. «So Lonely» – 7:26

Calidad: 320 Kbps (a 48000 Hz)

 

Gracias al compañero Duncan Jacques por el archivo flac que ripeé a mp3 de máxima calidad.

 

 

 

 

17/02/2019 | Categorías: Alternativo, Jazz, Reggae, Rock, The Police | Tags: , , , , | 2 comentarios

R.E.M. – Automatic for the People [1992]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

R.E.M. fue una banda de rock alternativo estadounidense formada en Athens, Georgia, en 1980 por el cantante Michael Stipe, el guitarrista Peter Buck, el bajista Mike Mills y el baterista Bill Berry. De las primeras bandas pioneras del rock alternativo, R.E.M. fue fundamental en la creación y desarrollo del género de rock alternativo. Allmusic declaró: «R.E.M. marcó el punto en el que el post-punk se convirtió en rock alternativo». A principios de la década de 1980, el estilo musical de R.E.M. contrastaba con los géneros post-punk y new wave que la habían precedido.

R.E.M. consiguió rápidamente atención por el estilo arpegiado de la guitarra de Buck y las voces poco claras de Stipe. R.E.M. lanzó su primer sencillo, «Radio Free Europe», en 1981 en el sello discográfico independiente Hib-Tone. Pronto se expanden por todo el estado y en 1982 publican un EP, «Chronic Town», con la discográfica I.R.S. Records.​ Combinando folk-rock y punk logran que la crítica les defina como auténticos innovadores de la música. Pronto su expansión se traduce a todo el país. A principios de los años 1990, R.E.M. era enmarcado como una de las principales bandas pioneras del rock alternativo en haber alcanzado gran popularidad, lanzaron los álbumes más exitosos de la banda: «Out of Time» (1991) y «Automatic for the People» (1992), los cuales consolidaron totalmente al grupo. «Monster», el siguiente álbum, fue un retorno a un sonido más orientado hacia el rock, con el que comenzaron una gira que se vio estropeada por emergencias médicas sufridas por la banda. En 1997, R.E.M. renovó su contrato con Warner Bros.

A finales de ese año, Bill Berry dejó la banda, dejando a Buck, Mills y Stipe como únicos miembros oficiales. Pasando por varios cambios en el estilo musical, el grupo continuó su carrera en la próxima década con variadas críticas y éxitos comerciales. R.E.M. vendieron más de 80 millones de discos en todo el mundo. ​En 2007, R.E.M. fue introducido al Salón de la Fama del Rock.​ R.E.M. se disolvió en septiembre de 2011, anunciando la separación en su sitio web.

«Automatic for the People» es el octavo álbum de la banda estadounidense de rock alternativo R.E.M., grabado entre 1991 y 1992 y editado por Warner Bros. Records en octubre de 1992, con producción de Scott Litt. Los sencillos extraídos fueron «Drive», «Man on the Moon», «The Sidewinder Sleeps Tonite», «Everybody Hurts» y «Nightswimming».

El álbum continúa con los elementos folk/country pop/rock clásico de discos anteriores como «Green» y «Out of Time», pero con menos elementos pop y en general con un tono sombrío. Bono, líder de U2, se refirió a este álbum como «el disco de country más grande jamás hecho». El título del álbum se refiere al lema de un restaurante de Athens, Georgia. La fotografía de la carátula no está relacionada con el restaurante, es un símbolo de un motel de Miami, donde fue grabado parte del álbum. El disco además fue grabado en New Orleans.

Después de «Out of Time», un álbum exitoso, «Automatic for the People» entró a las listas de ventas de EE.UU. en el segundo puesto, vendiendo más de cuatro millones de copias, y se mantuvo varias semanas en el primer puesto en el Reino Unido. A pesar del éxito del nuevo álbum, R.E.M. rechazó hacer una gira, porque ya lo habían hecho para «Out of Time» el año anterior.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Drive» — 4:30
  2. «Try Not to Breathe» — 3:49
  3. «The Sidewinder Sleeps Tonite» — 4:06
  4. «Everybody Hurts» — 5:17
  5. «New Orleans Instrumental No. 1» — 2:12
  6. «Sweetness Follows» — 4:19
  7. «Monty Got a Raw Deal» — 3:16
  8. «Ignoreland» — 4:24
  9. «Star Me Kitten» — 3:15
  10. «Man on the Moon» — 5:12
  11. «Nightswimming» — 4:16
  12. «Find the River» — 3:49

Calidad: FLAC

 

 

 

05/02/2019 | Categorías: Alternativo, REM, Rock | Tags: , , | 2 comentarios

Bad Religion – Recipe for Hate [1993]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

Bad Religion es una banda estadounidense de punk rock fundada en 1979 en el sur de California por Greg Graffin (voz), Jay Bentley (bajo), Jay Ziskrout (batería) y Brett Gurewitz (guitarra), a la que se le adjudica haber guiado el resurgimiento del punk rock en el mainstream, así como haber influenciado a lo largo de su trayectoria a un gran número de músicos del punk y del rock.

La banda ha contado con diferentes alineaciones a lo largo de sus 38 años de existencia, siendo Graffin el único miembro que ha sido constante; no obstante, la banda cuenta en el siglo XXI con tres de sus miembros originales: Greg Graffin, Brett Gurewitz y Jay Bentley.

Ha lanzado dieciséis álbumes de estudio, dos EP, tres álbumes compilatorios, un álbum en directo y tres DVD. Su álbum Suffer ha sido valorado por algunos críticos como el álbum de punk rock más relevante de todos los tiempos, aunque nunca tuvo un puesto en la lista de popularidad la Billboard. En 1993 la banda alcanzó un puesto de cartelera con su álbum Recipe for Hate, ese acontecimientos les dio fama mientras les aseguró el puesto número 14 de la lista Heatseekers de la Billboard de ese año. Su mayor éxito vino con Stranger than Fiction el primer álbum con el que consiguieron el disco de oro en Estados Unidos, desprendiéndose de él reconocidos singles como «21st Century (Digital Boy)» e «Infected». La banda se mantuvo cosechando éxitos de manera más discreta en su nueva discográfica, Warner, sin Brett Gurewitz, quien se retirara en 1994 por motivos personales. El 2001 fue un año importante para la banda ya que marcó la vuelta de Gurewitz y el regreso de Bad Religion a Epitaph, discográfica de música independiente de la cual es el dueño. Desde este «renacer» para la banda, se ha mantenido con la misma alineación durante más de diez años seguidos y cinco álbumes.

Son conocidos particularmente por su sofisticado uso del estilo, metáfora, vocabulario, uso de iconos y armonías vocales (los denominados por la banda como oozin’ aahs); esto último consagrándolos como pioneros del naciente hardcore melódico. Sus letras suelen ser reflexivas en torno a sentimientos personales, ideologías de vida y responsabilidad social.

«Recipe for Hate» es el séptimo álbum del grupo de punk Bad Religion, grabado entre 1992 e inicios de 1993 en los estudios Westbeach Recorders de Hollywood, con producción del propio grupo, y editado en junio de 1993 por el sello independiente Epitaph. Este fue su último álbum en Epitaph Records durante nueve años (hasta «The Process of Belief», 2002) y la banda se cambió a Atlantic Records, quien reeditó el álbum varios meses después de su lanzamiento.

Cuenta con la participación del vocalista de Pearl Jam Eddie Vedder, que canta algunas estrofas en la canción «Watch It Die». El álbum comienza con el tema que da título al mismo, «Recipe for Hate», canción que la banda suele tocar en sus conciertos.

Mientras que el álbum fue reeditado en una gran discográfica, «Recipe for Hate» recibió inicialmente reseñas mixtas de críticos de música. También fue el primer álbum de Bad Religion en EUNA debutando en el n° 14 en la lista de Heatseekers de Billboard, con los sencillos «American Jesus» y «Struck a Nerve», en particular, convirtiéndose en los principales éxitos de la radio. El álbum también contiene canciones importantes como, «Recipe for Hate» y «Skyscraper», que son las favoritas de los fanáticos y son elementos básicos de su show en vivo hoy; la primera es una canción con la que Bad Religion abre a menudo su espectáculo.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Recipe for Hate» (Graffin) — 2:02
  2. «Kerosene» (Gurewitz) — 2:41
  3. «American Jesus» (Gurewitz/Graffin) — 3:17
  4. «Portrait of Authority» (Graffin) — 2:44
  5. «Man With a Mission» (Gurewitz) — 3:11
  6. «All Good Soldiers» (Gurewitz) — 3:07
  7. «Watch It Die» (Graffin) — 2:34
  8. «Struck a Nerve» (Graffin) — 3:47
  9. «My Poor Friend Me» (Graffin) — 2:42
  10. «Lookin’ In» (Graffin) — 2:03
  11. «Don’t Pray on Me» (Gurewitz) — 2:42
  12. «Modern Day Catastrophists» (Graffin) — 2:46
  13. «Skyscraper» (Gurewitz) — 3:15
  14. «Stealth» (Bentley/Gurewitz/Schayer) — 0:42

Calidad: FLAC

 

 

 

25/01/2019 | Categorías: Alternativo, Bad Religion, Hardcore, Punk, Rock | Tags: , , , , | 2 comentarios

Nirvana – In Utero [1993]

[Resubida Mejorada]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

Nirvana fue una banda de grunge y rock alternativo estadounidense procedente de Aberdeen, Washington, integrada por el vocalista y guitarrista Kurt Cobain y el bajista Krist Novoselic en 1987. Desde su formación, Nirvana pasó a través de una serie de frecuentes cambios de baterista hasta que en 1990 se les unió definitivamente el baterista Dave Grohl. Nirvana actualmente es considerada como una de las bandas más importantes e influyentes de la era moderna.

A finales de la década de los años 80 Nirvana se estableció como parte de la escena musical de Seattle con su álbum debut «Bleach», lanzado bajo el sello independiente de Seattle, Sub Pop, en 1989. La banda finalmente llegó a desarrollar un sonido que se basaba en los contrastes dinámicos, a menudo versos tranquilos y coros intensos. Un año más tarde, la banda firmó con la discográfica DGC Records y en 1991 lanzó su segundo álbum: «Nevermind». El primer sencillo del álbum, «Smells Like Teen Spirit», escaló las listas musicales en todo el mundo e inició la explosión de lo que hasta ese momento era conocido como punk y rock alternativo en la escena musical mundial, en un movimiento al que los medios de la época se referirían como grunge. Además de Nirvana, otras bandas de la escena musical de Seattle como Pearl Jam, Alice in Chains y Soundgarden también ganaron popularidad; como resultado, el rock alternativo se convirtió en el género dominante en la radio y la televisión musical durante la primera mitad de la década de los 90.

El líder de la banda, Kurt Cobain se encontró a sí mismo referido en los medios de comunicación como «la voz de una generación» y a Nirvana como la «banda símbolo» de la Generación X. Cobain se sentía incómodo con la atención que se les brindaba y decidió enfocar la atención del público hacia la música de la banda, retando a la audiencia con su tercer álbum de estudio, «In Utero». El álbum no tuvo el éxito ni las ventas esperadas y la popularidad de Nirvana disminuyó en los meses siguientes a la publicación del álbum. Sin embargo, buena parte de su audiencia alabó el interior «oscuro» de la banda, en especial después de su presentación en MTV Unplugged.

La corta carrera de Nirvana concluyó con la muerte de Cobain en 1994, pero su popularidad creció aún más en los años posteriores. Ocho años después de la muerte de Cobain, «You Know You’re Right», una demo nunca terminada que la banda había grabado dos meses antes de la muerte de Cobain, escalaba las listas de radio y música de todo el mundo. En 2004 fueron colocados en el puesto nº 27 en la lista de los 100 mejores artistas de todos los tiempos de la revista Rolling Stone y en el puesto nº 14 según la revista Vh1. Desde su debut, la banda ha vendido más de 75 millones de álbumes a nivel mundial, incluyendo 10 millones de ejemplares de «Nevermind» en EUNA y 30 millones en todo el mundo. En el año 2014 Nirvana ingresó en el Salón de la Fama del Rock and Roll.

«In Utero» es el tercer y último álbum de estudio de la banda estadounidense de rock Nirvana, grabado en febrero de 1993 en el Pachyderm Studio de Canon Salls (Minnesota) y editado en septiembre del mismo año por DGC Records. Nirvana pretendía que esta grabación sonara diferente a la pulida producción de su anterior álbum, Nevermind (1991). A fin de lograr un sonido más natural y áspero, el grupo escogió trabajar con el productor y músico Steve Albini, conocido por su trabajo de producción en «Surfer Rosa» de Pixies. Las sesiones con Albini fueron productivas y notablemente rápidas: la versión inicial del álbum fue grabada y mezclada en dos semanas, lejos de los meses de grabación y mezcla en «Nevermind». La música se grabó rápidamente con pocos trucos de estudio, y las letras de las canciones y la presentación del álbum incorporaban imágenes médicas que transmitían los puntos de vista del líder Kurt Cobain sobre su vida personal, su reciente paternidad y la nueva fama de la banda.

Usar a Albini como productor fue una jugada deliberada por parte de Nirvana para darle al álbum un sonido menos «artificial», como si la banda hubiera querido alienar o distanciarse de su nueva audiencia que le prestó poca o nula atención a las bandas alternativas, oscuras o experimentales que Nirvana intentó apoyar (como es el caso de The Jesus Lizard). Por ejemplo, una de las canciones del álbum, llamada irónicamente «Radio Friendly Unit Shifter», mostraba prolongados periodos de ruido de feedback o «retroalimentación».

Poco después de terminar la grabación, comenzaron a circular rumores en la prensa acerca de la posibilidad de que DGC no lanzara el álbum en su estado original, ya que consideraba que el resultado no era viable comercialmente. Aunque Nirvana negó públicamente estas afirmaciones, el grupo no estaba completamente satisfecho con el sonido logrado por Albini. Este rehusó modificar aún más el álbum, por lo que al final la banda contrató al productor por largo tiempo de R.E.M., Scott Litt, para hacer cambios menores en el sonido del álbum y volver a mezclar los sencillos «Heart-Shaped Box» y «All Apologies», con Cobain adicionando instrumentación y vocales.

Con «In Utero», la banda también se enfrentó a la censura. Grandes cadenas de almacenes como Kmart y Wal-Mart se negaron a tener el álbum en sus estanterías, alegando que títulos de canciones como «Rape Me» y el collage de fetos plásticos en la contraportada del álbum eran muy «controvertidos» para cadenas «orientadas a la familia». Entonces la banda aceptó cambiar el diseño del álbum, lanzando una versión «limpia», que también cambiaba el nombre de «Rape Me» por «Waif Me». Sin embargo, con la excepción de la mezcla de Litt de «Pennyroyal Tea», la música incluida era idéntica al lanzamiento común. Cuando le preguntaron sobre la versión editada, Cobain dijo que muchos residentes de pequeños pueblos (especialmente en el centro de EUNA) no tenían tiendas locales de música, y tenían que comprar sus álbumes en grandes cadenas de almacenes como Kmart.

Si bien no tuvo el mismo nivel de ventas que «Nevermind», «In Utero» entró, tras su lanzamiento, en el número 1 del Billboard 200 y recibió los elogios de la crítica por suponer un cambio drástico con respecto a su anterior álbum. La grabación fue certificada cinco veces con disco de platino por la RIAA, al vender más de cinco millones de copias en Estados Unidos de Norteamérica, y tuvo ventas mundiales de quince millones de copias.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas de Kurt Cobain, excepto 2: Nirvana)

  1. «Serve the Servants» – 3:34
  2. «Scentless Apprentice» – 3:47
  3. «Heart-Shaped Box» – 4:39
  4. «Rape Me» – 2:49
  5. «Frances Farmer Will Have Her Revenge on Seattle» – 4:07
  6. «Dumb» – 2:29
  7. «Very Ape» – 1:55
  8. «Milk It» – 3:52
  9. «Pennyroyal Tea» – 3:36
  10. «Radio Friendly Unit Shifter» – 4:49
  11. «Tourette’s» – 1:33
  12. «All Apologies» – 3:50

Calidad: FLAC

 

 

 

21/01/2019 | Categorías: Alternativo, Grunge, Nirvana, Rock | Tags: , , , | 3 comentarios

Talking Heads – Little Creatures [1985]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

Talking Heads fue una banda de rock experimental y dance punk (una de las más representativas bandas new wave, con elementos de estilos como el punk rock, rock progresivo y el funk predominante en el ambiente británico de los años ochenta, que recibe la influencia cultural del Art Pop y el minimal, expresado en sus letras impregnadas de experiencia alienada y claves musicales experimentales y mínimas) formada en Nueva York por David Byrne en el año 1974 junto a Chris Frantz y Tina Weymouth. Un par de años después, tras telonear a Ramones en el legendario club CBGB, se integraría a ella el guitarrista y teclista Jerry Harrison, quien anteriormente había grabado junto a The Modern Lovers. En una entrevista, Weymouth especificó cómo el grupo eligió el nombre Talking Heads: «Un amigo encontró el nombre en la guía de televisión, que explica el término usado por los estudios de televisión para describir el busto de una persona hablando acerca de ‘todo contenido, nada de acción'».

Encabezada por el músico David Byrne, la banda alcanzó los primeros lugares de las listas de ventas en gran parte de Europa y Estados Unidos de Norteamérica. Puede resumirse el estilo y elegancia que destacó a esta agrupación en el filme «Stop Making Sense», que fue realizado en el teatro Pantages de Hollywood y dirigido por Jonathan Demme. Esta representación es aclamada como uno de los ejemplos más representativos de su género.

El grupo tuvo rápidamente una gran aceptación y firmó para Sire Records en 1977, lanzando su primer single «Love – Building On Fire» en febrero de ese año. Su primer álbum, «Talking Heads: 77» fue lanzado a continuación y no contenía el primer single. Esto fue con su segundo álbum en 1978, «More Songs About Buildings and Food», con el cual la banda comenzó su larga colaboración con el productor Brian Eno, quien previamente había trabajado con Roxy Music, David Bowie y Robert Fripp. La experimentación continuó con «Fear of Music» en 1979, el cual flirteaba con el oscuro estilo del post-punk rock. «Remain in Light», fuertemente influenciado por el Afro-Beat (ritmos africanos) de la banda nigeriana Fela Kuti (de quienes Eno introdujo su música en la banda), explorando poliritmos africanos, haciendo que más tarde Byrne se interesase en la música mundial.

Después de ocho importantes álbumes de estudio, varias giras, vídeos musicales y premios, en el año 1991 el grupo anunció oficialmente su separación. En 2011 la revista Rolling Stone los ubicó de número 100 entre los grandes artistas de todos los tiempos.

«Little Creatures» es el sexto álbum de estudio de la banda de new wave norteamericana Talking Heads, grabado entre octubre de 1984 y marzo de 1985 en los Sigma Sound Studios de Nueva York, con producción del propio grupo, y editado el 10 de junio de 1985 por Sire Records (en EUNA) y por EMI en Europa. Se extrajeron tres sencillos del álbum: «The Lady Don’t Mind», «Road to Nowhere» y «And She Was». El último fue el que tuvo más éxito en EUNA, mientras que el segundo triunfó en Reino Unido y Europa.

El álbum examina temas de Americana (un conglomerado de diversas músicas estadounidenses) e incorpora elementos de la música country con varias canciones utilizando la steel guitar. Fue votado como el mejor álbum del año en las encuestas críticas Pazz & Jop de The Village Voice y es álbum más vendido de la banda con más de dos millones de copias vendidas en Estados Unidos de Norteamérica. La cubierta fue creada por el artista Howard Finster y fue seleccionada como cubierta del año por la revista Rolling Stone.

El álbum fue n° 1 en Nueva Zelanda, n° 2 en Australia, n° 4 en Austria, n° 9 en Alemania y n° 10 en Reino Unido y Suecia, siendo certificado doble platino en Estados Unidos de Norteamerica y disco de oro tanto en Reino Unido como en Alemania.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

Lista de canciones:

  1.  «And She Was» – 3:36
  2.  «Give Me Back My Name» – 3:20
  3.  «Creatures of Love» – 4:12
  4.  «The Lady Don’t Mind» – 4:03
  5.  «Perfect World» – 4:26
  6.  «Stay Up Late» – 3:51
  7.  «Walk It Down» – 4:42
  8.  «Television Man» – 6:10
  9.  «Road to Nowhere» – 4:19
  10.  «The Lady Don’t Mind (Extended Mix)» – 6:51

Calidad: 320 Kbps (a 48000 Hz)

 

Gracias al compañero Jaimolin por el archivo wav que ripeé a mp3 de máxima calidad.

 

 

 

16/01/2019 | Categorías: Alternativo, Funk, Fusión, New Wave, Rock, Talking Heads | Tags: , , , , , | 3 comentarios

Gustavo Cerati – Ahí Vamos [2006]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

Gustavo Cerati fue un músico, cantautor, compositor y productor discográfico argentino, considerado uno de los más influyentes y reconocidos músicos del rock latinoamericano. Obtuvo fama y reconocimiento internacional por haber sido el vocalista, guitarrista y compositor principal de la banda de rock Soda Stereo, una de las bandas más importantes e influyentes de la música latina. Luego de la disolución de la banda, obtuvo también reconocimiento y éxito en su carrera solista, que consta de cinco álbumes de estudio y de diversas incursiones junto a otros músicos. Su camino como solista se inició a comienzos de los años noventa, en paralelo a dicha banda, debido a un receso que se había tomado el grupo tras una fuerte crisis. En esa instancia Cerati publicó su primer álbum como solista, «Amor Amarillo» (1993); pero con el regreso de Soda Stereo su carrera solista quedó en suspenso hasta la disolución absoluta de la banda.

Después de Soda Stereo, Cerati experimentó con diferentes estilos, desde la música electrónica («Colores Santos», Cerati y Melero, 1992) (Plan V) a la música sinfónica. En 2007 Soda Stereo regresó en una gira llamada «Me Verás Volver», luego de la cual sus integrantes retomaron sus actividades por separado. El 15 de mayo de 2010 padeció un accidente cerebrovascular isquémico en el club Moulin Rouge del vecindario Sabana Grande en Caracas​, que lo dejó en estado de coma por más de cuatro años, falleciendo el 4 de septiembre de 2014 a causa de un paro respiratorio en la Clínica ALCLA de Buenos Aires.

A lo largo de su carrera como solista ganó y fue nominado para numerosos premios, entre ellos Grammy Latino, Konex, MTV y Gardel. El 5 de diciembre de 2013, el músico fue nombrado Ciudadano Ilustre, una distinción que le fue otorgada por la Legislatura de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires​ en reconocimiento a su trayectoria. En su edición de septiembre de 2012, la revista Rolling Stone posicionó a Cerati en el puesto n° 3 de los 100 mejores guitarristas del rock nacional.

A partir de ese momento, Soda entró en un silencio que sólo se vio interrumpido por las versiones no oficiales de su separación definitiva. Mientras tanto, Gustavo se unió a tres músicos chilenos no profesionales (Andrés Bucci, Guillermo Ugarte y Christian Powditch), para constituir Plan V, proyecto electrónico que se plasma en dos discos: Plan V (1996), de origen trasandino; y el segundo trabajo, Plan Black V Dog (1998), que fue compartido con los ingleses Black Dog, y editado en el año 1998 luego de la separación de Soda Stereo.

Luego de la disolución de Soda Stereo, Cerati se dedicó a la experimentación electrónica junto al músico Flavio Etcheto, formando un dúo que llamaron Ocio y que editó su disco «Medida Universal» a mediados de 1999. También participó en un disco homenaje a The Police junto a Andy Summers (guitarrista original del grupo británico) y el talentoso baterista Vinnie Colaiuta, con una versión del tema «Bring on the night».

Después de una larga y expectante espera de los fanáticos y de la escena musical, el 28 de junio de 1999 vio la luz su primer álbum solista luego de la separación de Soda Stereo, «Bocanada». Fue grabado en el estudio CasaSubmarina (de Buenos Aires) y en los famosos estudios Abbey Road (de Londres) y contó con la participación de Leo García en coros y voz, Fernando Nalé en bajo, Flavio Etcheto en teclados, y Martín Carrizo en batería.

El 4 de abril de 2006, Cerati lanzó de manera simultánea en México, Colombia y Argentina, su nueva producción «Ahí Vamos», cuarto álbum de estudio como solista del músico, grabado en octubre de 2005 en los estudios Unísono de Buenos Aires, con producción de Tweety González, y editado en abril de 2006 por Sony International. El álbum obtuvo buenas críticas y popularidad, especialmente en Argentina, Chile, Colombia y México. En Argentina alcanzó el disco de platino antes de salir a la venta, debido a los pedidos por anticipado. En México consiguió el disco de oro en las primeras semanas de haberse publicado. Fue sin lugar a dudas el trabajo discográfico mejor recibido tanto por la crítica como por el público de la carrera de Gustavo Cerati.

El disco implicó un regreso a su pasado roquero y crudo que lo caracterizaba en álbumes como «Canción Animal» y «Dynamo» de Soda Stereo. Además, «Ahí Vamos» ganó otros dos Grammy Latino como Mejor álbum de rock y Álbum del año. El primer sencillo del álbum fue «Crimen», que fue lanzado en abril de 2006 y ganó gran popularidad en América Latina y España; «Crimen» también ganó el premio a la mejor canción rock en los Grammy Latinos. El segundo sencillo fue «La Excepción», lanzado en septiembre. Luego salieron tres cortes de difusión más: «Adiós», «Lago en el Cielo» y «Me Quedo Aquí». «Adiós» fue escrita junto a su hijo Benito.

En la mezcla se sumó el ingeniero y músico venezolano Héctor Castillo, quien ha trabajado con artistas de la talla de Pete Townshend, David Bowie, Lou Reed y Suzanne Vega, entre otros. El disco fue masterizado por Howie Weinberg en el estudio Masterdisk (en Nueva York). Cerati realizó un gira por Latinoamérica, España y Estados Unidos para promocionar el disco y el 12 de octubre tocó por primera vez en Londres en The Forum. La gira comprendió 76 shows, viéndose interrumpida en junio de 2007 por la confirmación del reencuentro de la antigua banda de Gustavo Cerati Soda Stereo, que se desintegró en septiembre de 1997.

 

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Al Fin Sucede» – 3:26
  2. «La Excepción» – 4:09
  3. «Uno entre 1000» – 4:07
  4. «Caravana» – 4:08
  5. «Adiós» – 3:51
  6. «Me Quedo Aquí» – 3:34
  7. «Lago en el Cielo» – 5:05
  8. «Dios Nos Libre» – 4:29
  9. «Otra Piel» – 4:37
  10. «Médium» – 5:30
  11. «Bomba de Tiempo» – 5:08
  12. «Crimen» – 3:48
  13. «Jugo de Luna» – 4:03

Calidad: FLAC

 

 

 

11/01/2019 | Categorías: Alternativo, Gustavo Cerati, Pop, Rock | Tags: , , , | 2 comentarios

Bad Religion ‎– Generator [1992]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

Bad Religion es una banda estadounidense de punk rock fundada en 1979 en el sur de California por Greg Graffin (voz), Jay Bentley (bajo), Jay Ziskrout (batería) y Brett Gurewitz (guitarra), a la que se le adjudica haber guiado el resurgimiento del punk rock en el mainstream, así como haber influenciado a lo largo de su trayectoria a un gran número de músicos del punk y del rock.

La banda ha contado con diferentes alineaciones a lo largo de sus 38 años de existencia, siendo Graffin el único miembro que ha sido constante; no obstante, la banda cuenta en el siglo XXI con tres de sus miembros originales: Greg Graffin, Brett Gurewitz y Jay Bentley.

Ha lanzado dieciséis álbumes de estudio, dos EP, tres álbumes compilatorios, un álbum en directo y tres DVD. Su álbum Suffer ha sido valorado por algunos críticos como el álbum de punk rock más relevante de todos los tiempos, aunque nunca tuvo un puesto en la lista de popularidad la Billboard. En 1993 la banda alcanzó un puesto de cartelera con su álbum Recipe for Hate, ese acontecimientos les dio fama mientras les aseguró el puesto número 14 de la lista Heatseekers de la Billboard de ese año. Su mayor éxito vino con Stranger than Fiction el primer álbum con el que consiguieron el disco de oro en Estados Unidos, desprendiéndose de él reconocidos singles como «21st Century (Digital Boy)» e «Infected». La banda se mantuvo cosechando éxitos de manera más discreta en su nueva discográfica, Warner, sin Brett Gurewitz, quien se retirara en 1994 por motivos personales. El 2001 fue un año importante para la banda ya que marcó la vuelta de Gurewitz y el regreso de Bad Religion a Epitaph, discográfica de música independiente de la cual es el dueño. Desde este «renacer» para la banda, se ha mantenido con la misma alineación durante más de diez años seguidos y cinco álbumes.

Son conocidos particularmente por su sofisticado uso del estilo, metáfora, vocabulario, uso de iconos y armonías vocales (los denominados por la banda como oozin’ aahs); esto último consagrándolos como pioneros del naciente hardcore melódico. Sus letras suelen ser reflexivas en torno a sentimientos personales, ideologías de vida y responsabilidad social.

«Generator» es el sextoo álbum del grupo de punk Bad Religion, grabado en mayo de 1991 en los estudios Westbeach Recorders de Hollywood, con producción de Brett Gurewitz, y editado en marzo de 1992 por el sello independiente Epitaph. Este es el primer álbum con el batería Bobby Schayer, quién reemplazó al batería anterior Pete Finestone, que dejó la banda en 1991 para concentrarse sólo en la banda The Fishermen, tras la grabación y el tour del álbum anterior «Against the Grain».

La banda grabó «Generator» con algunos cambios, como canciones más largas y más trabajadas, y también se produjo la enésima y definitiva marcha de Finestone en la batería, ocupándola Bobby Schayer. Sin embargo, esta sería la última fuga de Finestone de la banda, ya que no volvió más.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Generator» — 3:21
  2. «Too Much to Ask» — 2:45
  3. «No Direction» — 3:14
  4. «Tomorrow» — 1:56
  5. «Two Babies in the Dark» — 2:25
  6. «Heaven Is Falling» — 2:04
  7. «Atomic Garden» — 3:10
  8. «The Answer» — 3:21
  9. «Fertile Crescent» — 2:08
  10. «Chimaera» — 2:28
  11. «Only Entertainment» — 3:12

Calidad: FLAC

 

 

 

06/01/2019 | Categorías: Alternativo, Bad Religion, Hardcore, Punk, Rock | Tags: , , , , | 2 comentarios

Temple of the Dog [1991]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

Temple of the Dog fue una banda de rock estadounidense formada en Seattle en 1990 y disuelta en 1992. Fue concebida por el vocalista de Soundgarden, Chris Cornell, como tributo a su amigo fallecido, Andrew Wood, vocalista de Malfunkshun y Mother Love Bone. La alineación constaba del guitarrista Stone Gossard, el bajista Jeff Ament (ambos ex-miembros de Mother Love Bone), Mike McCready como guitarrista líder, el baterista Matt Cameron y posteriormente Eddie Vedder se sumaría como segundo vocalista de la banda, después del fallecimiento de Andrew Wood.

Wood falleció el 19 de marzo de 1990 de una sobredosis de heroína, el mismo día en que Cornell regresaba de una gira.​ Cuando regresó a Europa pocos días después para seguir la gira, comenzó a componer canciones en tributo a su amigo. El resultado fueron dos canciones, «Reach Down» y «Say Hello 2 Heaven», que grabó nada más regresar de la gira. El material grabado era lento y melódico; muy diferente musicalmente del rock agresivo de su banda Soundgarden.​ Es por eso que Cornell contactó con los antiguos compañeros de banda de Wood, Stone Gossard y Jeff Ament, quienes estaban aun pensando cómo seguir con Mother Love Bone, con la intención de editar las canciones como sencillos.​ Ament describió la colaboración como «una idea realmente buena en ese momento» para Gossard y él y que les puso en una «situación en la que podían seguir tocando y haciendo música». Se denominaron Temple of the Dog como tributo a una línea de la canción de Mother Love Bone «Man of Golden Words».

La banda comenzó ensayando «Reach Down» y «Say Hello 2 Heaven» y otras canciones que Cornell había compuesto durante la gira anterior a la muerte de Wood, además de trabajar sobre algunas demos compuestas por Gossard, Ament y Cameron. Una de esas demos se convirtió en una canción que utilizaron dos bandas distintas; se grabó como «Footsteps» por Pearl Jam y como «Times of Trouble» por Temple of the Dog.​ También surgió la idea de versionar parte del material en solitario de Wood, aunque al final no llegó a ocurrir, ya que pensaron que podría hacer que la gente (incluyendo amigos y familia de Wood​) pensase que la banda estaba «explotando su material».

El lanzamiento de un sencillo fue descartado rápidamente, ya que Cornell lo veía como una «idea estúpida», por lo que decidieron que sería mejor lanzar un EP o un álbum.​ El álbum se grabó en quince días, autoproducido por la banda. Gossard describió el proceso de grabación como una situación «sin presión ninguna», ya que no había grandes expectativas ni presión por parte de la compañía discográfica.​ Eddie Vedder, quien voló desde San Diego (California) a Seattle (Washington) para audicionar para Mookie Blaylock (que pasaría a llamarse finalmente Pearl Jam), acabó haciendo los coros y participando como vocalista en dos de las canciones del disco.​ Una de ellas, «Hunger Strike», se convirtió en un dueto entre Cornell y Vedder. Cornell estaba teniendo algunas dificultades con la canción en el momento en que llegó Vedder. Cornell después dijo que «cantó la mitad de la canción sin siquiera decirle dónde quería que fuese cada parte y cantó exactamente como yo pensaba hacerlo, de forma instintiva».

La banda lanzó su único álbum, el homónimo “Temple of the Dog” en abril de 1991 a través de A&M Records y vendió inicialmente 70.000 copias en EUNA. A pesar de recibir buenas reseñas de los críticos en el momento de su lanzamiento, el álbum no fue reconocido totalmente por el público en general hasta 1992, cuando Vedder, Ament, Gossard y McCready tuvieron éxito comercial con su banda Pearl Jam.

El 20 de julio de 2016 la agrupación anunció por primera vez una gira, en la que se conmemoró el 25 aniversario del lanzamiento de su álbum debut «Temple of the Dog».

«Temple of the Dog» es el único álbum del grupo de grunge del mismo nombre, grabado en los London Bridge Studios de Seattle de noviembre a diciembre de 1990, con producción de Rick Parashar, y editado como tributo al fallecido cantante Andrew Wood, quien fuera cantante del grupo Mother Love Bone y amigo personal de Chris Cornell. El grupo estaba conformado por Chris Cornell y Matt Cameron de Soundgarden y por Eddie Vedder, Mike McCready, Stone Gossard y Jeff Ament de Pearl Jam. El álbum fue presentado el 16 de abril de 1991 a través de A&M Records.

El crítico de Allmusic Steve Huey concedió al álbum cuatro estrellas y media de un total de cinco, afirmando que «el disco suena como un puente entre el rock teatral actualizado de los años 70 de Mother Love Bone con la seriedad del hard rock de Pearl Jam». David Fricke de Rolling Stone también escribió en retrospectiva que el álbum «se merece la inmortalidad».​ Los miembros de la banda quedaron contentos con el resultado, ya que servía para su propósito; Cornell pensó que a «Andy le hubiesen gustado mucho» las canciones,​ y Gossard también dijo que pensaba que Wood estaría realmente «alucinado con todo eso».​ Poco después del lanzamiento del disco, Soundgarden y Pearl Jam se embarcaron en la grabación de sus respectivos álbumes, por lo que el proyecto de Temple of the Dog vio su fin.

En el verano de 1992, el disco volvió a recibir atención. A pesar de haber sido lanzado hacía un año, A&M Records se percató que tenían en su catálogo lo que esencialmente era una colaboración entre Soundgarden y Pearl Jam, quienes habían ascendido al mainstream en los meses siguientes al lanzamiento de sus respectivos álbumes de estudio, «Badmotorfinger» y «Ten». A&M decidió reeditar el disco y promocionar «Hunger Strike» como sencillo, acompañado de un videoclip. Esta nuevamente adquirida atención permitió que tanto el álbum como el sencillo entraran en las listas del Billboard, dando como resultado unas buenas ventas, estando dentro de la lista de los 100 álbumes más vendidos de 1992. «Temple of the Dog» acabó vendiendo más de un millón de copias, consiguiendo una certificación de platino en EUNA y también en Canadá.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todas las canciones de Chris Cornell, excepto donde se indica)

  1. «Say Hello 2 Heaven» – 6:22
  2. «Reach Down» – 11:11
  3. «Hunger Strike» – 4:03
  4. «Pushin Forward Back» (Ament, Cornell, Gossard) – 3:44
  5. «Call Me a Dog» – 5:02
  6. «Times of Trouble» (Cornell, Gossard) – 5:41
  7. «Wooden Jesus» – 4:09
  8. «Your Saviour» – 4:02
  9. «Four Walled World» (Cornell, Gossard) – 6:53
  10. «All Night Thing» – 3:52

Calidad: FLAC

 

 

 

28/12/2018 | Categorías: Alternativo, Balada, Grunge, Hard Rock, Temple of the Dog | Tags: , , , , | 2 comentarios

R.E.M. – Out of Time [1991]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

R.E.M. fue una banda de rock alternativo estadounidense formada en Athens, Georgia, en 1980 por el cantante Michael Stipe, el guitarrista Peter Buck, el bajista Mike Mills y el baterista Bill Berry. De las primeras bandas pioneras del rock alternativo, R.E.M. fue fundamental en la creación y desarrollo del género de rock alternativo. Allmusic declaró: «R.E.M. marcó el punto en el que el post-punk se convirtió en rock alternativo». A principios de la década de 1980, el estilo musical de R.E.M. contrastaba con los géneros post-punk y new wave que la habían precedido.

R.E.M. consiguió rápidamente atención por el estilo arpegiado de la guitarra de Buck y las voces poco claras de Stipe. R.E.M. lanzó su primer sencillo, «Radio Free Europe», en 1981 en el sello discográfico independiente Hib-Tone. Pronto se expanden por todo el estado y en 1982 publican un EP, «Chronic Town», con la discográfica I.R.S. Records.​ Combinando folk-rock y punk logran que la crítica les defina como auténticos innovadores de la música. Pronto su expansión se traduce a todo el país. A principios de los años 1990, R.E.M. era enmarcado como una de las principales bandas pioneras del rock alternativo en haber alcanzado gran popularidad, lanzaron los álbumes más exitosos de la banda: «Out of Time» (1991) y «Automatic for the People» (1992), los cuales consolidaron totalmente al grupo. «Monster», el siguiente álbum, fue un retorno a un sonido más orientado hacia el rock, con el que comenzaron una gira que se vio estropeada por emergencias médicas sufridas por la banda. En 1997, R.E.M. renovó su contrato con Warner Bros.

A finales de ese año, Bill Berry dejó la banda, dejando a Buck, Mills y Stipe como únicos miembros oficiales. Pasando por varios cambios en el estilo musical, el grupo continuó su carrera en la próxima década con variadas críticas y éxitos comerciales. R.E.M. vendieron más de 80 millones de discos en todo el mundo. ​En 2007, R.E.M. fue introducido al Salón de la Fama del Rock.​ R.E.M. se disolvió en septiembre de 2011, anunciando la separación en su sitio web.

«Out of Time» es el séptimo álbum de la banda estadounidense de rock alternativo R.E.M., grabado entre septiembre y octubre de 1990 y editado por Warner Bros. Records en marzo de 1991, con producción de Scott Litt. Los sencillos extraídos fueron «Losing My Religion», «Shiny Happy People», «Near Wild Heaven» y «Radio Song».

El álbum ganó tres premios Grammy en 1992: uno como mejor álbum de música alternativa, y dos por el primer sencillo, «Losing My Religion». Debutó en el número 1 en Estados Unidos de Norteamérica y volvió a esa posición varias semanas después. En 1998, en una votación hecha por los lectores de la revista Q colocaron a Out of Time en el número 38 entre los mejores álbumes de todos los tiempos; en la misma lista pero del año 2006, lo colocaron en el lugar 37. En 2006, el álbum fue elegido por la revista Time como uno de los 100 mejores discos de todos los tiempos. El álbum ha sido certificado platino en cuatro ocasiones en EUNA y ha vendido más de 10 millones de copias en todo el mundo.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Radio Song» — 4:12
  2. «Losing My Religion» — 4:26
  3. «Low» — 4:55
  4. «Near Wild Heaven» — 3:17
  5. «Endgame» — 3:48
  6. «Shiny Happy People» — 3:44
  7. «Belong» — 4:03
  8. «Half a World Away» — 3:26
  9. «Texarkana» — 3:36
  10. «Country Feedback» — 4:07
  11. «Me in Honey» — 4:06

Calidad: FLAC

 

 

 

07/12/2018 | Categorías: Alternativo, Indie, REM, Rock | Tags: , , | 2 comentarios

Nina Hagen ‎– The Very Best Of [1990]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

Catharina Hagen (nacida en Berlín Este el 11 de marzo de 1955 cuando Berlín y la actual Alemania estaban divididos en dos estados), más conocida como Nina Hagen, es una cantante y actriz alemana, famosa por su mezcla de estilo punk y canto operístico. Nina aprendió ballet a temprana edad y demostró sorprendente habilidad como cantante, siendo considerada una niña prodigio por sus interpretaciones de ópera. Dejó el colegio cuando cursaba el décimo curso y se unió a la banda de covers Fritzens Dampferband.

Nina Hagen fue miembro de la banda Automobil, la cual tuvo una buena aceptación en la República Democrática Alemana. En 1976 su padrastro, Wolf Biermann, cantautor y artista de conocidas opiniones contrarias al gobierno de la RDA, fue invitado a presentarse en un espectáculo televisado al otro lado del telón de acero Biermann viajó a la RFA y ejecutó su presentación televisiva; cuando las autoridades de la RDA se negaron a permitirle traspasar de vuelta la frontera, su esposa, Eva-Maria Hagen protestó públicamente por este impedimento. Nina Hagen, ya convertida en estrella musical juvenil, se unió a la protesta de su madre y advirtió entonces que seguiría los pasos de su padrastro en lo musical y lo político, pero dentro de la RDA; ante esta situación las autoridades germanoorientales otorgaron el permiso de salida a toda la familia Biermann-Hagen, pero sin opción de retorno.

En 1977 Nina Hagen formó en la RFA la banda The Nina Hagen Band con la que un año después grabaría el disco homónimo que incluye temas como «TV-Glotzer (White Punks On Dope)» (un cover de The Tubes) y «Auf’m Bahnhof Zoo».Durante una subsecuente gira europea, Hagen decide dejar la banda, aunque seguiría cumpliendo con el contrato para grabar un segundo álbum en 1979. «Unbehagen» (que en castellano significa «incomodidad» o «inquietud») fue producido con grabaciones que la banda hacía en Berlín y con las partes vocales que Nina grababa en California. Éste incluyó el tema «African Reggae» y «Lucky Number», un cover de Lene Lovich. Mientras tanto, la persona pública de Nina Hagen fue llamando la atención de los medios de comunicación masiva. Protagonizó un escándalo durante una aparición en un talk show austriaco llamado Club 2, donde simuló una masturbación. También participó en la película Cha Cha junto al holandés leyenda del rock, Herman Brood y a su amiga Lene Lovich.

En 1982 Hagen realiza su primer disco como solista: «NunSexMonkRock», una disonante mezcla de punk, funk y ópera; y ese mismo año comienza una gira mundial con No Problem Orchestra. En 1983 graba el álbum «Angstlos» e incluye un pequeño tour europeo. Para este tiempo las apariciones públicas de Nina Hagen se hacían extrañas y era frecuente que en sus discusiones incluyera temas relacionados con Dios, los extraterrestres y con su postura social y política. También se declaraba defensora de los derechos de los animales. Del álbum «Angstlos» se publicó una versión en inglés llamada «Fearless» (en castellano: «Intrépido») que generó dos de los máximos hits que se escucharon en las discotecas norteamericanas: «Zarah» (un cover de la canción «Ich weiss, es wird einmal ein Wunder geschehen» de Zarah Leander) y el éxito de la opera/punk/disco, «New York, New York» (que llegó al top 9 en el Billboard). Esta canción es diametralmente opuesta al clásico del mismo título cantado por Frank Sinatra y Liza Minnelli, y posiblemente por evitar confusiones es citada por algunas fuentes como «New York, N.Y.». La cantante era tan célebre en esta época, que en 1985 participó en el famoso concierto colectivo Rock in Rio.

También en 1985 la estrella alemana lanzó «Nina Hagen In Ekstasy»; este álbum no tuvo el éxito del anterior aunque generó algunos hits como «Universal Radio» y la versión punk de «My Way» (tema popularizado por Frank Sinatra). Dos años después como celebración por sus 18 años con el punk graba «Punk Wedding EP». Realiza un nuevo álbum en 1989 al que llamó simplemente «Nina Hagen», el cual fue acompañado por otro tour europeo.

Nina Hagen se muda a París con su hija Cosma Shiva, donde vive toda la década de los 90. En 1991 con un nuevo disco llamado «Street» comienza una nueva gira por el viejo continente. Un año después conduce un programa televisivo en la cadena alemana RTLplus. En 1993 realiza «Revolution Ballroom» y dos años más tarde íntegramente en alemán «Freud Euch», grabado en inglés como «Beehappy» en 1996.

«The Very Best of Nina Hagen» es una colección de grandes éxitos de Nina Hagen, editado en 1990 por CBS en toda Europa. Recoge sus hits en la Nina Hagen Band y también en solitario.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «TV-Glotzer (White Punks on Dope)» – 5:15
  2. «Superboy» – 4:01
  3. «African Reggae» – 6:17
  4. «Universelles Radio» – 3:34
  5. «Unbeschreiblich ♀» – 3:30
  6. «Smack Jack» – 5:10
  7. «Auf’m Bahnhof Zoo» – 5:25
  8. «Dread Love» – 4:02
  9. «Auf’m Rummel» – 4:32
  10. «New York / N.Y.» – 4:59
  11. «Wir Leben Noch (Lucky Number)» – 4:53
  12. «The Change» – 4:40
  13. «My Way» – 4:25
  14. «Heiss» – 4:11
  15. «Gott Im Himmel (Spirit in the Sky)» – 3:39
  16. «Zarah (Ich Weiss, Es Wird Einmal Ein Wunder Geschehn)» – 5:02

Calidad: FLAC

 

Gracias al compañero Yons por este archivo.

 

 

 

30/11/2018 | Categorías: Alternativo, Ópera, Disco, Funk, Nina Hagen, Punk, Rock | Tags: , , , , , , | 3 comentarios

Immaculate Fools ‎– Another Man’s World [1990]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

Immaculate Fools fue un grupo musical británico de pop-rock con tintes folk formado en 1984 en Kent, un condado no metropolitano inglés situado al sureste de Londres, y se mantuvo en activo hasta 1997, después de haber publicado seis álbumes de estudio. Lo crearon dos parejas de hermanos: Kevin Weatherill (voz, guitarra) y Paul Weatherill (bajo, voz), y Andy Ross (guitarra) y Peter Ross (batería).

Saltó a la fama en 1985 con el sencillo homónimo «Immaculate Fools», que alcanzó el número 51 en la lista de sencillos del Reino Unido en enero de 1985. Su primer disco, «Hearts of Fortune» (Polygram, 1985), alcanzó el puesto 65 ese mismo año. La banda realizó muchas giras por Europa y tuvo especial seguimiento en España, en cuya televisión actuaron varias veces.

El segundo disco de la banda, «Dumb Poet», tuvo críticas muy positivas (incluyendo una reseña en la revista Sounds que daba al disco una puntuación de cinco estrellas), pero no alcanzó el éxito comercial de su debut. Con todo, el disco incluía una canción que tuvo cierto éxito, «Tragic Comedy».

La banda sufrió un cambio importante de formación cuando los hermanos Ross dejaron el grupo, incorporándose Barry Wickens, Paul Skidmore y Ian Devlin para la grabación de su siguiente disco, «Another Man’s World». El grupo montó un estudio de grabación en una granja (Woodhouse) galesa, cerca de Ludlow. Siguieron siendo populares hasta su ruptura en 1997. En los dos últimos discos del grupo, «Woodhouse» y «Kiss and Punch», los hermanos Weatherill contaron con Wickens, Brian Betts (guitarra) y Nick Thomas (batería).

Kevin Weatherill, principal cantante y compositor del grupo, sigue grabando y tocando en directo, tanto en el Reino Unido como en Europa, con el nombre Dirty Ray. En la actualidad afincado en el norte de España, en Galicia. En 2010 trabajó con Miles Hunt de Wonderstuff y la violinista Erica Nockalls en el disco «Big World for a Little Man».

«Another Man’s World» es el tercer álbum discográfico de Immaculate Fools, grabado por el ingeniero de sonido John Davis y mezclado por Vlado Meller, con producción de Andy Ross, fue editado en 1990 por la discográfica CBS. Las fotografías de portada y contraportada son obra de David Simms y Enrique Badelescu.

Sin abandonar la calidez pop de sus inicios, los Locos Inmaculados emprenden en este disco (y posteriores) un camino por los senderos del folk-rock que, lejos de desentonar con su estilo, lo complementa y enriquece en matices sonoros plagados de nostalgia.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Another Man’s World» – 5:29
  2. «Sad» – 4:05
  3. «The Prince» – 7:34
  4. «Bad Seed» – 6:38
  5. «Falling Apart Together» – 6:04
  6. «Come On, Jayne» – 4:28
  7. «Got Me by the Heart» – 6:06
  8. «Stop Now!» – 5:34

Calidad: 320 Kbps (a 48000 Hz)

 

Gracias al compañero Yons por el archivo flac que ripeé a mp3 de máxima calidad.

 

 

 

23/11/2018 | Categorías: Alternativo, Folk, Immaculate Fools, Pop, Rock | Tags: , , , , | 3 comentarios

Bad Religion ‎– Against the Grain [1990]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

Bad Religion es una banda estadounidense de punk rock fundada en 1979 en el sur de California por Greg Graffin (voz), Jay Bentley (bajo), Jay Ziskrout (batería) y Brett Gurewitz (guitarra), a la que se le adjudica haber guiado el resurgimiento del punk rock en el mainstream, así como haber influenciado a lo largo de su trayectoria a un gran número de músicos del punk y del rock.

La banda ha contado con diferentes alineaciones a lo largo de sus 38 años de existencia, siendo Graffin el único miembro que ha sido constante; no obstante, la banda cuenta en el siglo XXI con tres de sus miembros originales: Greg Graffin, Brett Gurewitz y Jay Bentley.

Ha lanzado dieciséis álbumes de estudio, dos EP, tres álbumes compilatorios, un álbum en directo y tres DVD. Su álbum Suffer ha sido valorado por algunos críticos como el álbum de punk rock más relevante de todos los tiempos, aunque nunca tuvo un puesto en la lista de popularidad la Billboard. En 1993 la banda alcanzó un puesto de cartelera con su álbum Recipe for Hate, ese acontecimientos les dio fama mientras les aseguró el puesto número 14 de la lista Heatseekers de la Billboard de ese año. Su mayor éxito vino con Stranger than Fiction el primer álbum con el que consiguieron el disco de oro en Estados Unidos, desprendiéndose de él reconocidos singles como «21st Century (Digital Boy)» e «Infected». La banda se mantuvo cosechando éxitos de manera más discreta en su nueva discográfica, Warner, sin Brett Gurewitz, quien se retirara en 1994 por motivos personales. El 2001 fue un año importante para la banda ya que marcó la vuelta de Gurewitz y el regreso de Bad Religion a Epitaph, discográfica de música independiente de la cual es el dueño. Desde este «renacer» para la banda, se ha mantenido con la misma alineación durante más de diez años seguidos y cinco álbumes.

Son conocidos particularmente por su sofisticado uso del estilo, metáfora, vocabulario, uso de iconos y armonías vocales (los denominados por la banda como oozin’ aahs); esto último consagrándolos como pioneros del naciente hardcore melódico. Sus letras suelen ser reflexivas en torno a sentimientos personales, ideologías de vida y responsabilidad social.

«Against the Grain» es el quinto álbum del grupo de punk Bad Religion, grabado en mayo de 1990 los estudios Westbeach Recorders de Hollywood, con producción de Brett Gurewitz, y editado en noviembre del mismo año por el sello independiente Epitaph. Fue el último álbum en el que contaron con el baterista Pete Finestone, quien abandonó la banda en 1991 para concentrarse en su nuevo proyecto musical, The Fishermen. A pesar de no haber sido promocionado por la radio y la televisión, «Against the Grain» logró vender más de 100.000 copias. Para algunos fanáticos, es considerado una especie de «Greatest Hits», aunque en vivo ya no lo hagan, en su momento solían tocar el 90 % de estos temas en vivo con gran respuesta del público.

«Against the Grain» es uno de los pocos álbumes de Bad Religion que presenta canciones no escritas por Greg Graffin o Brett Gurewitz. Una canción está escrita sólo por el bajista Jay Bentley, mientras que otra está escrita por Bentley y Greg Hetson.

El álbum ha recibido revisiones generalmente favorables en los años desde su lanzamiento inicial. Johnny Loftus de AllMusic dijo que el disco «encontró el filo de la banda más afilado de lo que había sido en años», y afirmó que «Bad Religion siempre había advertido contra los excesos del futuro y la asimilación de la individualidad».

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas escritos y compuestos por Brett Gurewitz y Greg Graffin)

  1. «Modern Man» — 1:51
  2. «Turn on the Light» — 1:23
  3. «Get Off» — 1:40
  4. «Blenderhead» — 1:10
  5. «Positive Aspect of Negative Thinking» — 0:55
  6. «Anesthesia» — 3:00
  7. «Flat Earth Society» — 2:21
  8. «Faith Alone» — 3:34
  9. «Entropy» — 2:21
  10. «Against the Grain» — 2:04
  11. «Operation Rescue» — 2:05
  12. «God Song» — 1:35
  13. «21st Century Digital Boy» — 2:38
  14. «Misery and Famine» — 2:31
  15. «Unacceptable» — 1:42
  16. «Quality or Quantity» — 1:20
  17. «Walk Away» — 1:50

Calidad: FLAC

 

 

 

20/11/2018 | Categorías: Alternativo, Bad Religion, Hardcore, Punk, Rock | Tags: , , , , | 2 comentarios

Caballeros de la Quema – Fulanos de Nadie [2000]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

Caballeros de la Quema fue una banda de rock alternativo, oriunda de la ciudad de Morón en Buenos Aires, Argentina, que se formó en 1989. El punto de partida empezó con tres de los miembros de una banda de rock sinfónico llamada El Aleph (todos exalumnos del colegio Dorrego, de Morón), que formarían el embrión inicial de lo que tiempo después serían Los Caballeros de la Quema. Las tres primeras canciones que ensayaron con esa primitiva formación son bocetos que terminarían en «Tibia peste», «Carlito» y «Buenos Aires esquina Vietnam». Adoptaron el nombre revisando revistas; en una de ellas encontraron una nota al humorista Pepe Marrone, donde contaba que su primera troupé de circo se había llamado Los Caballeros de la Quema.

En aquel tiempo pasan por diferentes cambios de formación, que incluye el paso de Iván Noble a la voz, dejando la batería. Habían probado hasta cantantes femeninas hasta que Iván, quien escribía la mayoría de las letras, pasó a cantar. Martín Méndez e Iván todavía eran estudiantes de Sociología en la Universidad de Buenos Aires, ya se había incorporado Javier Cavo en la batería y Pablo Guerra se sumaba luego haber fundado Los Piojos.

En 1991 editan en forma independiente su primera producción en cassette titulada «Primavera Negra». Al año siguiente (1992) esta maqueta será reeditada con más canciones. El sello Iguana Records (perteneciente a la discográfica BMG) se interesa en estos temas autoeditados y firman contrato para publicar sus siguientes trabajos.

En 1993 el sello Iguana Records (BMG) editó su primer CD titulado «Manos Vacías». De allí saldrían clásicos como «Patri», «Carlito» (con video de Picky Tallarico), «Gusanos» y «Buenos Aires esquina Vietman», entre otros. Fueron invitados por Joaquín Sabina a abrir su show en el estadio de Ferro ante más de 15 mil espectadores.

En 1994 hicieron la música del filme Labios de Churrasco de Raúl Perrone y ese año editaron su segunda placa titulada «Sangrando», además fueron invitados a abrir el cierre de la gira mundial de Aerosmith en Córdoba y Buenos Aires, para más de 50 mil personas. En 1995 abrieron los shows de The Cult y Slash’s Snakepit en el estadio Obras Sanitarias de Buenos Aires. Participaron de los compilados «Fuck You» que reunían versiones de la mítica banda argentina Sumo, recreando el clásico «Hola Frank».

En 1996 editaron su tercera placa titulada «Perros, Perros y Perros» con temas como «No Chamuyes», «Celofán», «Hasta Estallar» (con la participación de León Gieco), «Qué Pasa en el Barrio?», «Cuatro Copas» y «No Hay», entre otros. Además, el álbum contiene el clásico de la banda «Luces de Bar» en su versión completa. El primer corte «No Chamuyes», fue acompañado por un vídeo realizado por Raúl Perrone que consiguió la más alta rotación en los canales musicales de cable como MTV Latino y MuchMusic, además de rankear el tema entre los primeros puestos de FM Rock & Pop y Radio City (#1 durante dos semanas). Tras colmar la capacidad del lugar en la presentación oficial del álbum en Dr. Jekyll, compartieron escenario en festivales multitudinarios con Attaque 77, A.N.I.M.A.L., Massacre y Las Pelotas. Participaron del Festival Alternativo en el estadio de Ferro ante más de 20 000 personas compartiendo escenario con Marilyn Manson, Illya Kuryaki and the Valderramas, Los Fabulosos Cadillacs, entre otros.

«Fulanos de Nadie» es el sexto trabajo discográfico de Los Caballeros de la Quema, editado en agosto de 2000 por la discográfica BMG-Ariola, precedido por el primer corte «Rómulo y Remo» con vídeo filmado en 16 mm por la productora Negro Films, en el que participan, entre otros, León Gieco, Cacho Castaña, Fabián Gianola y Anabel Cherubito. El álbum presenta un tema que Iván Noble escribió junto a Joaquín Sabina, «Otro jueves cobarde». Contó además con el aporte de Facundo Rosas, quien escribió «Sapo de otro pozo». Joaquín Sabina no pudo estar presente en la grabación del tema, por lo que la primera edición del álbum incluye este tema sin la voz del cantautor. El disco fue reeditado en 2001, ahora sí con la colaboración de Sabina en el tema citado, y con un tema extra, un popurrí con varias demos que corresponden a canciones del disco.

La presentación oficial de «Fulanos de Nadie», el 7 de octubre de 2000 en el Estadio Obras de Capital Federal, fue el reencuentro de Caballeros con su público porteño. Público que colmó, como el año anterior, las instalaciones del estadio de la avenida Libertador. Los músicos salieron a escena enfundados en trajes, como en la tapa del disco.

 

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «¿Qué Mirás?» – 2:59
  2. «Rómulo y Remo» – 4:35
  3. «Fulanos de Nadie» – 4:41
  4. «Basta para Mí» – 3:30
  5. «Bye, Bye, Rubia» – 5:35
  6. «Cero Mensaje en el Contestador» – 4:01
  7. «Sapo de Otro Pozo» – 4:19
  8. «Macho Chaparrón» – 3:55
  9. «Sacá los Garfios de Ahí» – 3:26
  10. «Ni a la Esquina» – 4:27
  11. «No Me Despaches Así» – 3:30
  12. «Otro Jueves Cobarde» – 5:20
  13. «Todo Tan Raro» – 5:13

Calidad: FLAC

 

 

 

16/11/2018 | Categorías: Alternativo, Caballeros de la Quema, Fusión, Rock | Tags: , , , | 2 comentarios

R.E.M. – Green [1988]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

R.E.M. fue una banda de rock alternativo estadounidense formada en Athens, Georgia, en 1980 por el cantante Michael Stipe, el guitarrista Peter Buck, el bajista Mike Mills y el baterista Bill Berry. De las primeras bandas pioneras del rock alternativo, R.E.M. fue fundamental en la creación y desarrollo del género de rock alternativo. Allmusic declaró: «R.E.M. marcó el punto en el que el post-punk se convirtió en rock alternativo». A principios de la década de 1980, el estilo musical de R.E.M. contrastaba con los géneros post-punk y new wave que la habían precedido.

R.E.M. consiguió rápidamente atención por el estilo arpegiado de la guitarra de Buck y las voces poco claras de Stipe. R.E.M. lanzó su primer sencillo, «Radio Free Europe», en 1981 en el sello discográfico independiente Hib-Tone. Pronto se expanden por todo el estado y en 1982 publican un EP, «Chronic Town», con la discográfica I.R.S. Records.​ Combinando folk-rock y punk logran que la crítica les defina como auténticos innovadores de la música. Pronto su expansión se traduce a todo el país. A principios de los años 1990, R.E.M. era enmarcado como una de las principales bandas pioneras del rock alternativo en haber alcanzado gran popularidad, lanzaron los álbumes más exitosos de la banda: «Out of Time» (1991) y «Automatic for the People» (1992), los cuales consolidaron totalmente al grupo. «Monster», el siguiente álbum, fue un retorno a un sonido más orientado hacia el rock, con el que comenzaron una gira que se vio estropeada por emergencias médicas sufridas por la banda. En 1997, R.E.M. renovó su contrato con Warner Bros.

A finales de ese año, Bill Berry dejó la banda, dejando a Buck, Mills y Stipe como únicos miembros oficiales. Pasando por varios cambios en el estilo musical, el grupo continuó su carrera en la próxima década con variadas críticas y éxitos comerciales. R.E.M. vendieron más de 80 millones de discos en todo el mundo. ​En 2007, R.E.M. fue introducido al Salón de la Fama del Rock.​ R.E.M. se disolvió en septiembre de 2011, anunciando la separación en su sitio web.

«Green» es el sexto álbum de la banda estadounidense R.E.M., grabado en mayo y septiembre de 1988 en los Ardent Studios de Memphis (Tennessee), con producción de Scott Litt, editado en noviembre de 1988 por Warnes Bros. Music. «Green» fue el primer álbum de R.E.M. en que dos canciones suyas llegaron al número 1 en el Modern Rock Tracks norteamericano, fueron «Orange Crush» y «Stand». El tercer sencillo editado fue «Pop Song 89» y otro de los temas exitosos del trabajo fue «Turn You Inside Out».

Tras el lanzamiento de su álbum «Document», R.E.M. había cumplido su contrato con I.R.S. Records y decidieron hacer un contrato con una empresa de mayor renombre para también promocionarse fuera de EUNA. En 1988 R.E.M. firmó un contrato de 10 millones de dólares con la empresa Warner Bros. Records por sus próximos 5 álbumes. En los términos del contrato se establecía que todas las canciones del grupo serían propiedad de la empresa. «Green» fue el primer álbum con Warner Bros. y llevó cuatro meses grabarlo y mezclarlo. Finalmente se publicó el 7 de noviembre de 1988. Un día anterior de las elecciones estadounidenses de 1988.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Pop Song 89» — 3:03
  2. «Get Up» — 2:35
  3. «You Are the Everything» — 3:45
  4. «Stand» — 3:10
  5. «World Leader Pretend» — 4:15
  6. «The Wrong Child» — 3:35
  7. «Orange Crush» — 3:50
  8. «Turn You Inside Out» — 4:15
  9. «Hairshirt» — 3:55
  10. «I Remember California» — 5:05
  11. «Untitled» — 3:09

Calidad: FLAC

 

 

 

22/10/2018 | Categorías: Alternativo, Indie, REM, Rock | Tags: , , | 2 comentarios

Los Natas – Corsario Negro [2001]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

Los Natas fue una banda argentina de stoner rock, formada en Buenos Aires en 1994.​ En sus últimos lanzamientos se alejaron de este género apoyándose en un sonido más experimental, que ellos han llamado Free Rock (Rock libre). La última formación de la banda incluyó a Walter Broide (batería y coros), Sergio Chotsourian (voz y guitarra) y Gonzalo Villagra (bajo). Decidieron separarse en 2012.

Sus influencias musicales son numerosas y variadas, teniendo como base el sonido crudo y psicodélico de bandas de los 70’s como The Doors, Black Sabbath, The Who, Pink Floyd o Hawkwind, entre otras, y también de la banda pionera del desert rock, Kyuss. A raíz de eso, Los Natas proponen un sonido con fuerte presencia de equipamiento valvular e instrumentos vintage. Su música se caracteriza por constantes cambios a la largo de una canción, y por largas improvisaciones, que varían en cada interpretación, mezclando rock espacial, rock psicodélico y jazz.

En 1996, graban su primer álbum, «Delmar», que recién sería editado y distribuido dos años después por el mítico sello estadounidense Man’s Ruin Records de San Francisco, apoyados por el dueño del sello, Frank Kozic. No obstante, el disco que les abriría un camino dentro de la industria musical sería «Ciudad de Brahman», grabado en 1999 en Estados Unidos, y producido por Dale Crover (Nirvana, Melvins). Este disco contiene canciones que se tornarían clásicos de la banda, como «Meteoro 2028».

El siguiente disco fue «Corsario Negro», editado en 2001 y producido por Billy Anderson, que se caracterizaba por una atmósfera oscura y pesada. Dos años después editan un disco doble, «Toba Trance vol 1 & 2». Allí les dieron total libertad para componer el álbum, y el resultado fue un disco más experimental, y con incursiones de hasta veinte minutos de duración.

Los Natas han salido de gira por Estados Unidos entre 1998 y 2000 y Europa entre 2003 a 2009; donde compartieron escenario con importantes bandas del género como Queens of the Stone Age, Nebula, The Men of Porn, Unida, Dozer, Circle, Colour Haze o Brant Bjork, entre otras. También han realizado muchos conciertos temáticos, llamados Viernes Verdes, que han tenido 10 ediciones hasta ahora, los cuales han tenido lugar en los principales teatros de Buenos Aires. En estos espectáculos la banda tocaba, mientras se emitían proyecciones psicodélicas de fondo, que acompañaban la música, espectáculo también presente en otras provincias del país, y en numerosos lugares de Buenos Aires.

«Corsario Negro» es el tercer álbum de larga duración de la banda argentina de stoner rock Los Natas, grabado en los Estudios del Abasto de Buenos Aires, con producción de Billy Anderson, y publicado en 2001 por Small Stone Records y, en febrero del año siguiente, por EMI Melograph.

«Corsario Negro» continúa destilando su sonido stoner y doom post-Kyuss con sonidos psicodélicos, rock espacial y elementos provenientes del blues y del jazz. Dando una apertura al disco con “2002” (que parece básicamente una “versión” del “Main Theme” de 2001: A Space Odyssey hecha doom metal), el álbum retumba en marcha con un trío de espectaculares piezas combinando todos esos ya mencionados sonidos; comenzando con el fascinante “Planeta Solitario”, continuando adelante a través del galopante “Patas de Elefante” y culminando en los simplemente colosales acordes de “El Cono de Encono”, absolutamente un clásico del doom metal. La “segunda parte”, en su mayoría instrumental, es superlativa y continúa ofreciendo innumerables momentos inspirados a través de canciones como “Corsario Negro” y las enteramente hermosas y suaves melodías de “Hey Jimmy” y “El Gauchito”. Considerándolo todo, los dinámicos cambios y la profundidad estilística de «Corsario Negro» representaron una nueva etapa en la evolución de la banda. Es definitivamente, una clara liberación de Los Natas hacia un sonido propio.

 

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «2002» – 2:41
  2. «Planeta Solitario» – 4:43
  3. «Patas de Elefante» – 5:36
  4. «El Cono del Encono» – 5:43
  5. «Lei Motive» – 3:49
  6. «Hey Jimmy» – 2:36
  7. «Contemplando la Niebla» – 3:48
  8. «Bumburi» – 3:05
  9. «Americano» – 4:34
  10. «El Gauchito» – 0:59
  11. «Corsario Negro» – 7:42

Calidad: FLAC

 

 

 

15/10/2018 | Categorías: Alternativo, Los Natas, Metal, Stoner Rock | Tags: , , , | 2 comentarios

R.E.M. – Document [1987]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

R.E.M. fue una banda de rock alternativo estadounidense formada en Athens, Georgia, en 1980 por el cantante Michael Stipe, el guitarrista Peter Buck, el bajista Mike Mills y el baterista Bill Berry. De las primeras bandas pioneras del rock alternativo, R.E.M. fue fundamental en la creación y desarrollo del género de rock alternativo. Allmusic declaró: «R.E.M. marcó el punto en el que el post-punk se convirtió en rock alternativo». A principios de la década de 1980, el estilo musical de R.E.M. contrastaba con los géneros post-punk y new wave que la habían precedido.

R.E.M. consiguió rápidamente atención por el estilo arpegiado de la guitarra de Buck y las voces poco claras de Stipe. R.E.M. lanzó su primer sencillo, «Radio Free Europe», en 1981 en el sello discográfico independiente Hib-Tone. Pronto se expanden por todo el estado y en 1982 publican un EP, «Chronic Town», con la discográfica I.R.S. Records.​ Combinando folk-rock y punk logran que la crítica les defina como auténticos innovadores de la música. Pronto su expansión se traduce a todo el país. A principios de los años 1990, R.E.M. era enmarcado como una de las principales bandas pioneras del rock alternativo en haber alcanzado gran popularidad, lanzaron los álbumes más exitosos de la banda: «Out of Time» (1991) y «Automatic for the People» (1992), los cuales consolidaron totalmente al grupo. «Monster», el siguiente álbum, fue un retorno a un sonido más orientado hacia el rock, con el que comenzaron una gira que se vio estropeada por emergencias médicas sufridas por la banda. En 1997, R.E.M. renovó su contrato con Warner Bros.

A finales de ese año, Bill Berry dejó la banda, dejando a Buck, Mills y Stipe como únicos miembros oficiales. Pasando por varios cambios en el estilo musical, el grupo continuó su carrera en la próxima década con variadas críticas y éxitos comerciales. R.E.M. vendieron más de 80 millones de discos en todo el mundo. ​En 2007, R.E.M. fue introducido al Salón de la Fama del Rock.​ R.E.M. se disolvió en septiembre de 2011, anunciando la separación en su sitio web.

Tras el ligero éxito de «Lifes Rich Pageant», R.E.M. lanzó su quinto álbum, «Document», grabado entre marzo y mayo de 1987, con producción de Scott Litt y el propio grupo, y editado a principios de septiembre por I.R.S. Records. Éste se convirtió en su primer disco de platino y el mejor vendido hasta la fecha, llegando al número #10 en el Billboard 200 y en el #28 en la lista del Reino Unido. Aunque «The One I Love» y «Finest Worksong» se convirtieron en éxitos, el tema favorito de los fans fue su canción apocalíptica «It’s the End of the World as We Know It (And I Feel Fine)». Este gran éxito les consiguió un contrato con la Warner Bros., el contrato más caro de ese tiempo, ya que el que los unía a I.R.S. había terminado.

Algunas canciones del álbum hacen referencia a la situación de EUNA en la época en la que se lanzó el disco, como el excepticismo norteamericano surgido durante la era de Ronald Reagan, especialmente en relación a la situación con Irán. La canción «Strange» fue originariamente grabada por la banda pos-punk Wire, aunque se hicieron algunas modificaciones en la letra. Originalmente en la portada del álbum figuraría el mensaje «File Under Fire» (Documento bajo el fuego), una referencia a lo que Michael Stipe consideró el tema central de la lírica del disco.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Finest Worksong» — 3:49
  2. «Welcome to the Occupation» — 2:46
  3. «Exhuming McCarthy» — 3:19
  4. «Disturbance at the Heron House» — 3:32
  5. «Strange» — 2:31
  6. «It’s the End of the World as We Know It (And I Feel Fine)» — 4:04
  7. «The One I Love» — 3:17
  8. «Fireplace» — 3:22
  9. «Lightnin’ Hopkins» — 3:20
  10. «King of Birds» — 4:09
  11. «Oddfellows Local 151» — 5:22

Calidad: FLAC

 

 

 

26/09/2018 | Categorías: Alternativo, Indie, REM, Rock | Tags: , , | 2 comentarios

Killing Joke – Killing Joke [1980 – Edición remasterizada 2005]

[Resubida]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

Killing Joke es una banda post-punk originaria del Reino Unido formada en 1979 en Notting Hill, Londres. Es considerada una banda inovadora y muy influyente, principalmente para bandas nacidas en los 80’s y 90’s como Nirvana, Ministry, Nine Inch Nails, Big Black, Prong, Metallica, Helmet, Soundgarden, Foo Fighters, Fear Factory, Faith No More y Korn, entre otros. También son considerados por muchos una referencia muy importante en la creación del movimiento de música industrial, principalmente por el sonido desarrollado en sus primeros dos discos.

Los integrantes que han permanecido siempre en la banda desde su formación, y que se pueden considerar pilares de la misma, son el cantante y teclista Jaz Coleman y el guitarrista Geordie Walker; los bajistas han variado pero la base siempre -en diferentes épocas- ha sido tanto el bajista original Youth (Martin Glover) como Paul Raven. Su música se caracteriza por el sonido hipnótico y metálico-armónico de las guitarras; por los ritmos pesados, tribales y bailables, así como por el sonido de fondo oscuro y a veces gótico de los teclados; todo esto abrazando la emotiva voz de Jaz Coleman, que va de suave y melancólica hasta puntos de brutal intensidad.

Partieron de una mezcla de post-punk y dub-reggae en sus inicios (en sus sencillos de finales de los 70s). Después pasaron por una etapa tribal, proto-industrial metal-post-punk (inicios de los 80s). Gradualmente se alejaron de los sonidos «industriales» para pasar a ambientes más armónicos, que remiten a un sonido mezcla de New Wave con Rock Progresivo (última mitad de los 80s). En los 90’s la banda transformó radicalmente su sonido, tornándose en una tormenta energética que incluyó guitarras más distorsionadas, fusionadas con bases de teclados que remitían de nuevo a un ambiente industrial y techno pero mucho más agresivo que en sus inicios. Desde entonces han mantenido un estilo fuerte, rítmico y combativo basado en un sonido orientado un tanto al Metal con espíritu Punk.

«Killing Joke» es el título homónimo del álbum debut de la banda inglesa, editado en agosto de 1980 por la compañía EG Records. Es considerado un clásico del post-punk y mencionado por algunos especialistas como pilar de la que -en un futuro- sería la música industrial. Esto debido a que en esta producción, aun cuando es muy rítmica y digerible, la estructura de la mayoría de los temas son composiciones con una base ambiental compuesta principalmente por sintetizadores análogos que emulan en cierta forma sonidos de máquinas; estos sonidos sirven como plataforma para un compendio de canciones que, por su misma estructura (sonidos de guitarra, ritmos de batería y bajo) remiten inmediatamente a una maquinaria que funciona a la perfección. Si a esto le sumamos las distorsiones agregadas a la voz, la cual es en ocasiones casi robótica, entendemos el porqué este álbum se puede considerar un precursor de la música industrial.

Este disco es de los más representativos de la banda y el que mostró su capacidad de crear música auténtica y completamente innovadora, definitivamente adelantada a su época. Mezcla punk, electrónica y algo de metal, con bases rítmicas que van de lo mecánico a lo bailable. Se editó una versión expandida remasterizada de este álbum en 2005, incluyendo bonus tracks.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1.   «Requiem» – 3:44
  2.   «Wardance» – 3:49
  3.   «Tomorrow’s World» – 5:30
  4.   «Bloodsport» – 4:46
  5.   «The Wait» – 3:45
  6.   «Complications» – 3:08
  7.   «S.O.36» – 6:52
  8.   «Primitive» – 3:35
  9.   «Change» ** – 4:01
  10.   «Requiem» (Single Version)* – 3:47
  11.   «Change» (Dub)* – 4:00
  12.   «Primitive» (Rough Mix)* – 3:34
  13.   «Bloodsport» (Rough Mix)* – 4:50
  • (*) Bonus tracks.
  • (**) «Change» no se incluyó en la versión original inglesa del disco y sólo se incluyó en la versión editada en EUNA.

Calidad: 320 Kbps

 

 

 

17/09/2018 | Categorías: Alternativo, Industrial, Killing Joke, Post Punk, Rock Gótico | Tags: , , , , | 2 comentarios

R.E.M. – Lifes Rich Pageant [1986]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

R.E.M. fue una banda de rock alternativo estadounidense formada en Athens, Georgia, en 1980 por el cantante Michael Stipe, el guitarrista Peter Buck, el bajista Mike Mills y el baterista Bill Berry. De las primeras bandas pioneras del rock alternativo, R.E.M. fue fundamental en la creación y desarrollo del género de rock alternativo. Allmusic declaró: «R.E.M. marcó el punto en el que el post-punk se convirtió en rock alternativo». A principios de la década de 1980, el estilo musical de R.E.M. contrastaba con los géneros post-punk y new wave que la habían precedido.

R.E.M. consiguió rápidamente atención por el estilo arpegiado de la guitarra de Buck y las voces poco claras de Stipe. R.E.M. lanzó su primer sencillo, «Radio Free Europe», en 1981 en el sello discográfico independiente Hib-Tone. Pronto se expanden por todo el estado y en 1982 publican un EP, «Chronic Town», con la discográfica I.R.S. Records.​ Combinando folk-rock y punk logran que la crítica les defina como auténticos innovadores de la música. Pronto su expansión se traduce a todo el país. A principios de los años 1990, R.E.M. era enmarcado como una de las principales bandas pioneras del rock alternativo en haber alcanzado gran popularidad, lanzaron los álbumes más exitosos de la banda: «Out of Time» (1991) y «Automatic for the People» (1992), los cuales consolidaron totalmente al grupo. «Monster», el siguiente álbum, fue un retorno a un sonido más orientado hacia el rock, con el que comenzaron una gira que se vio estropeada por emergencias médicas sufridas por la banda. En 1997, R.E.M. renovó su contrato con Warner Bros.

A finales de ese año, Bill Berry dejó la banda, dejando a Buck, Mills y Stipe como únicos miembros oficiales. Pasando por varios cambios en el estilo musical, el grupo continuó su carrera en la próxima década con variadas críticas y éxitos comerciales. R.E.M. vendieron más de 80 millones de discos en todo el mundo. ​En 2007, R.E.M. fue introducido al Salón de la Fama del Rock.​ R.E.M. se disolvió en septiembre de 2011, anunciando la separación en su sitio web.

Para su cuarto álbum, la banda quedó poco satisfecha con «Fables of the Reconstruction» y cambiaron a un rumbo un poco más alegre y pop, de aquí nació «Lifes Rich Pageant», grabado entre abril y mayo de 1986 en los Belmont Mall Studios (Indiana), con producción de Don Gehman, y editado por I.R.S. Records en julio de 1986. Este fue el único álbum que la banda grabó con Gehman, quien los movió del sonido más oscuro y denso de sus álbumes anteriores a una calidad accesible, con influencia de hard rock. El álbum fue bien recibido críticamente. La portada del álbum es una fotografía del baterista Bill Berry en la parte superior de la portada y un par de bisontes, significando un tema ambiental, en la parte inferior. También alude a Buffalo Bill.

Este álbum tuvo buena respuesta con sus sencillos «Fall On Me» y «Superman», que se convirtieron en éxitos en la lista US Mainstream Rock llegando al #5 y #17, respectivamente. El álbum llegó al n° 21 del Billboard 200 estadounidense (32 semanas en las listas), al n° 43 en Reino Unido y al n° 73 en Australia, siendo acreditado como disco de platino en Canadá y disco de oro en EUNA.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Begin the Begin» — 3:24
  2. «These Days» — 3:21
  3. «Fall on Me» — 2:49
  4. «Cuyahoga» — 4:17
  5. «Hyena» — 2:48
  6. «Underneath the Bunker» — 1:24
  7. «The Flowers of Guatamala» — 3:53
  8. «I Believe» — 3:32
  9. «What if We Give it Away?» — 3:31
  10. «Just a Touch» — 2:56
  11. «Swan Swan H» — 2:39
  12. «Superman» — 2:50

Calidad: FLAC

 

 

 

11/09/2018 | Categorías: Alternativo, Indie, REM, Rock | Tags: , , | 2 comentarios

Patti Smtith – Wave [1979-Reed.1990]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

Patricia Lee «Patti» Smith es una cantante y poetisa estadounidense nacida en Chicago. Smith saltó a la fama durante el movimiento punk con su álbum de debut «Horses» (1975). Apodada «la madrina del punk»,​ trajo un punto de vista feminista e intelectual a la música punk y se convirtió en una de las artistas más influyentes de la música rock, integrándola con un estilo de poesía beat. Sus letras introdujeron la poesía francesa del siglo XIX a la juventud norteamericana, mientras que su imagen andrógina y poco femenina desafió a la era de la música disco.

Su canción más conocida, «Because the Night», la coescribió con Bruce Springsteen; llegó al puesto número 13 de la lista Billboard de Estados Unidos en 1978, siendo posteriormente versionada por el propio Springsteen, Keel, 10,000 Maniacs, R.E.M., U2, Garbage junto a Screaming Females, hasta la versión eurohouse interpretada por el grupo italiano Co.Ro en 1992.

En 2005, fue nombrada Comendadora de la Orden de las Artes y las Letras de Francia,​ y en 2007 entró en el Salón de la Fama del Rock.​ En 2011 recibió el Premio de Música Polar.​ En 2014 la cantante colaboró en la banda sonora de Noé (dirigida por Darren Aronofsky) con la canción «Mercy Is», que le valió una nominación a los Globo de Oro como mejor canción original.

Patti Smith Group firmó con el sello discográfico Arista Records, editando su álbum debut, «Horses», producido por John Cale en 1975. El álbum fusionaba punk rock y poesía hablada, comenzando con una versión de la canción «Gloria» de Van Morrison, y las palabras de Smith: «Jesús murió por los pecados de alguien, pero no los míos». La austera fotografía de la portada hecha por Mapplethorpe se ha convertido en una imagen clásica del rock.

«Wave» es el cuarto álbum de Patti Smith Group, grabado en los Bearsville Studios de Nueva York, con producción de Todd Rundgren, y editado en mayo de 1979 por la discográfica Arista Records. Este álbum tuvo menos éxito comercial que su predecesor, «Easter», aunque continuó el movimiento de la banda hacia la música pop convencional más amigable para las radios.

La canción principal fue un homenaje al Papa Juan Pablo I, cuyo breve papado coincidió con las sesiones de grabación. El primer sencillo del álbum fue «Frederick», una canción de amor para su futuro esposo, Fred «Sonic» Smith, con una melodía y una estructura que se asemeja a «Because the Night», el mayor éxito del grupo.

El álbum fue n° 7 en Noruega, n° 17 en Suecia, n° 18 en EUNA y n° 19 en Austria, siendo certificado disco de oro en Francia. Los secillos editados fueron «Frederick», «Dancing Barefoot» y «So You Want to Be (A Rock ‘n’ Roll Star)».

La banda se separó después de que este álbum fuera lanzado, y Smith se casó con Fred Smith. Pasó muchos años en semi-retiro después del nacimiento de sus hijos, Jesse y Jackson, hasta su álbum de regreso solitario en 1988, «Dream of Life».

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Frederick» – 3:01
  2. «Dancing Barefoot» – 4:18
  3. «So You Want to Be (A Rock ‘N’ Roll Star)» – 4:18
  4. «Hymn» – 1:10
  5. «Revenge» – 5:06
  6. «Citizen Ship» – 5:09
  7. «Seven Ways of Going» – 5:12
  8. «Broken Flag» – 4:55
  9. «Wave» – 4:36

Calidad: FLAC

 

 

 

07/09/2018 | Categorías: Alternativo, Art Rock, Patti Smith, Rock | Tags: , , , | 2 comentarios

Patti Smtith – Easter [1978]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

Patricia Lee «Patti» Smith es una cantante y poetisa estadounidense nacida en Chicago. Smith saltó a la fama durante el movimiento punk con su álbum de debut «Horses» (1975). Apodada «la madrina del punk»,​ trajo un punto de vista feminista e intelectual a la música punk y se convirtió en una de las artistas más influyentes de la música rock, integrándola con un estilo de poesía beat. Sus letras introdujeron la poesía francesa del siglo XIX a la juventud norteamericana, mientras que su imagen andrógina y poco femenina desafió a la era de la música disco.

Su canción más conocida, «Because the Night», la coescribió con Bruce Springsteen; llegó al puesto número 13 de la lista Billboard de Estados Unidos en 1978, siendo posteriormente versionada por el propio Springsteen, Keel, 10,000 Maniacs, R.E.M., U2, Garbage junto a Screaming Females, hasta la versión eurohouse interpretada por el grupo italiano Co.Ro en 1992.

En 2005, fue nombrada Comendadora de la Orden de las Artes y las Letras de Francia,​ y en 2007 entró en el Salón de la Fama del Rock.​ En 2011 recibió el Premio de Música Polar.​ En 2014 la cantante colaboró en la banda sonora de Noé (dirigida por Darren Aronofsky) con la canción «Mercy Is», que le valió una nominación a los Globo de Oro como mejor canción original.

Patti Smith Group firmó con el sello discográfico Arista Records, editando su álbum debut, «Horses», producido por John Cale en 1975. El álbum fusionaba punk rock y poesía hablada, comenzando con una versión de la canción «Gloria» de Van Morrison, y las palabras de Smith: «Jesús murió por los pecados de alguien, pero no los míos». La austera fotografía de la portada hecha por Mapplethorpe se ha convertido en una imagen clásica del rock.

«Easter» es el tercer álbum de Patti Smith Group, grabado en los Record Plant Studios de Nueva York y en House of Music de Nueva Jersey, con producción de Jimmy Iovine, y editado en marzo de 1978 por la discográfica Arista Records. Se conoce como el álbum más comercial de la banda, en gran medida por el sencillo extraído del álbum, «Because the Night» (coescrita con Bruce Springsteen), que alcanzó el puesto número 13 de las listas norteamericanas​ y el número 5 en las listas del Reino Unido.

El álbum fue n° 10 en Noruega, n° 16 en Reino Unido y n° 20 en EUNA, siendo certificado disco de oro en Francia y disco de plata en Gran Bretaña.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Till Victory» (Kaye, Smith) – 2:48
  2. «Space Monkey» (Kral, Smith, Verlaine) – 4:06
  3. «Because the Night» (Springsteen, Smith) – 3:24
  4. «Ghost Dance» (Kaye, Smith) – 4:41
  5. «Babelogue» / «Rock N Roll Nigger» (Kaye, Smith) – 4:53
  6. «Privilege (Set Me Free)» (Leander, Jones) – 3:28
  7. «We Three» (Smith) – 4:18
  8. «25th Floor» / «High on Rebellion» (Kral, Smith) – 6:39
  9. «Easter» (Daugherty, Smith) – 5:58

Calidad: FLAC

 

 

 

22/08/2018 | Categorías: Alternativo, Art Rock, Garage, Patti Smith, Proto-Punk, Rock | Tags: , , , , , | 2 comentarios

Hertzainak – Salda Badago (1988)

 

[Ciclo de Rock Ibérico]

 

Algunos grupos, como Hertzainak o Zarama, eligieron además el euskera para expresar su rabia contra el orden establecido de aquellos felices años 80. Fueron ellos los que empezaron a escribir las primeras líneas en el capítulo de la historia del rock en dicho idioma, y equivalentemente facturar los primeros acordes en clave de rock en la historia de la música vasca. Con su elección, sin embargo, verían limitado su radio de acción considerablemente, ya que el mercado al que pudieron acceder se restringió al propio País Vasco. A Hertzainak le resultaba más fácil tocar en algunas capitales europeas como Roma o Berlín que en Madrid, a donde sólo pudieron ir en el estricto circuito afín a la extrema izquierda.

El germen de Hertzainak lo compondría la asociación de Josu Zabala con Xabier Montoia -Gamma-, quien, testigo directo de la irrupción del punk en Londres, regresó a Vitoria con un montón de discos bajo el brazo y unas ganas enormes de montar una banda. “Ellos no sabían más que yo de música”, comentaba el que sería cantante de la primerísima formación del grupo. Juntos deciden hacer algo similar, pero en euskera: “Aquello que decían los Pistols sobre su reina, decirlo nosotros sobre nuestro pueblo y sobre nuestras vidas”. Zabala, por su parte, se expresaba en idénticos términos en el libro sobre el grupo “La Confesión Radical” (Ainai, 1993) escrito por Pedro Espinosa y Elena López Aguirre: “Nos planteamos que había que hacer un grupo de rock en euskera para pasarnos todo lo que nos diera la gana, y para dedicarle las canciones a nuestros paisanos. Aquí también hay una buena pandilla de garrulos para hacer canciones cojonudas, contar historias reales como la vida misma, y de paso cuentas tu vida”.

Tras una gira que dan por Irlanda, montada por Rita, amiga de la banda que vino de aquel país a vivir a Vitoria, determinan grabar de nuevo. Para el nuevo trabajo se decide trabajar con Elkar, dejando la que había sido hasta entonces su discográfica, Soñua, en pleno proceso de descomposición. Con el cambio, la banda albergaba la esperanza de poder proyectar su música a un mercado más amplio.

La grabación de «Salda Badago» (Elkar, 1988), el tercer LP de Hertzainak, se realizó en los estudios del sello en Lasarte, bajo la asistencia técnica de Jean Phocas (Errobi). Para la producción escogieron a Ruper Ordorika, a pesar de la nula experiencia en dichas tareas del músico vasco. Su labor se centró principalmente en huir de los barroquismos del trabajo anterior. En su intento por huir de lo ya explorado en entregas previas el grupo encuentra un punto más rockero no exento de cierta elegancia en el nuevo disco.

La gestación del mismo no fue tarea fácil ya que tuvieron que lidiar con problemas internos derivados de un exceso de liderazgo por parte de Zabala («Terminamos todos hasta los cojones del Josu, que decía ‘esto es así y esto es así porque lo he pensado yo'», decía el baterista Txanpi) y con inesperados problemas técnicos: las cintas iban perdiendo parte del material ya grabado cuando se utilizaban. Por si fuera poco, Gari (voz) volvería a sufrir un aparatoso accidente de moto, que le apartó del estudio durante meses. De hecho, se acordó con Elkar el volver a grabar todo de nuevo. Es por ello por lo que algunos hablan de posible falta de frescura en el disco, aunque resultó ser un álbum con cantidad de argumentos que colocaban a Hertzainak a las puertas de convertirse en la primera banda vasca de rock del momento.

El disco se concibió en principio sin la participación expresa de Tito, el saxofonista que había sido clave en la locura skatalítica y tropical de la banda en sus primeras entregas. Convaleciente todavía del accidente de tráfico que había sufrido volviendo de un concierto de Tudela, su separación coincidió con el intento de Hertzainak de despegarse de tropicalidades y de poner un punto más rockero a su música. «Salda Baldago» es ciertamente un pequeño logro en ese sentido aunque ni todo el disco es rock, ni se deja de oir el saxo, siempre enorme, ocupado eso sí, en otros aromas diferentes a los que tenía como especialidad antes.

La portada se diseñó a partir de un dibujo de Álvarez Plagado, quien conoció al grupo a través de Bingen Mendizabal, colaborador habitual de la misma con violines y teclado. En el boceto que les envió a Hertzainak tras recibir el encargo, tuvo que eliminar una parte en la que aparecía un tipo lamiendo los pies de un Cristo porque no les pareció comercial. El resultado final, que sí que incluye, en la esquina inferior izquierda una imagen lamiendo un pie, y una escena de un lavado de pies, está compuesta por dibujos de formas antropomórficas y animales.

El disco salió a la calle justo cuando el grupo volvía de una gira europea que les llevó por Italia, Suiza y Alemania: dieciocho conciertos en veintitrés días, en los que Tito acompañaba con el saxo y Gari empezaba a hacer sus primeros pinitos con la guitarra. El balance fue positivo pero terminaron cansados de lidiar con tanto centro okupado, los escenarios habituales de la gira.

Fuentes: TGL en LaFonoteca.net

 

 

 

 

 
Lista de canciones:

  1.  «Txantxetan» (Josu Zabala, Karra Elejalde) – 4:08
  2.  «Salda Badago» (Josu Zabala, Karra Elejalde) – 3:49
  3.  «Esaiok» (Josu Zabala) – 4:11
  4.  «Gangster Berriak» (Gene, Josu Zabala) – 4:00
  5.  «Benetakoa» (Gene, Josu Zabala) – 2:58
  6.  «Ez Dago Ilusio Falsurik» (Josu Zabala, Rita M.) – 3:59
  7.  «Kalea Hutsik» (Josu Zabala, Karra Elejalde) – 2:40
  8.  «Zigorraren Zai» (Josu Zabala, Saltarin) – 2:57
  9.  «Animatzen Hauenak» (Josu Zabala, Rita M.) – 4:06
  10.  «No Time For Love» (Jack Warzaw) – 5:13

Calidad: FLAC

 

 

 

18/08/2018 | Categorías: Alternativo, Hertzainak, Rock Radical Vasco | Tags: , , | 2 comentarios

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