Ciclos y Neurastenias en un mundo cruel

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Hertzainak – Salda Badago (1988)

 

[Ciclo de Rock Ibérico]

 

Algunos grupos, como Hertzainak o Zarama, eligieron además el euskera para expresar su rabia contra el orden establecido de aquellos felices años 80. Fueron ellos los que empezaron a escribir las primeras líneas en el capítulo de la historia del rock en dicho idioma, y equivalentemente facturar los primeros acordes en clave de rock en la historia de la música vasca. Con su elección, sin embargo, verían limitado su radio de acción considerablemente, ya que el mercado al que pudieron acceder se restringió al propio País Vasco. A Hertzainak le resultaba más fácil tocar en algunas capitales europeas como Roma o Berlín que en Madrid, a donde sólo pudieron ir en el estricto circuito afín a la extrema izquierda.

El germen de Hertzainak lo compondría la asociación de Josu Zabala con Xabier Montoia -Gamma-, quien, testigo directo de la irrupción del punk en Londres, regresó a Vitoria con un montón de discos bajo el brazo y unas ganas enormes de montar una banda. “Ellos no sabían más que yo de música”, comentaba el que sería cantante de la primerísima formación del grupo. Juntos deciden hacer algo similar, pero en euskera: “Aquello que decían los Pistols sobre su reina, decirlo nosotros sobre nuestro pueblo y sobre nuestras vidas”. Zabala, por su parte, se expresaba en idénticos términos en el libro sobre el grupo “La Confesión Radical” (Ainai, 1993) escrito por Pedro Espinosa y Elena López Aguirre: “Nos planteamos que había que hacer un grupo de rock en euskera para pasarnos todo lo que nos diera la gana, y para dedicarle las canciones a nuestros paisanos. Aquí también hay una buena pandilla de garrulos para hacer canciones cojonudas, contar historias reales como la vida misma, y de paso cuentas tu vida”.

Tras una gira que dan por Irlanda, montada por Rita, amiga de la banda que vino de aquel país a vivir a Vitoria, determinan grabar de nuevo. Para el nuevo trabajo se decide trabajar con Elkar, dejando la que había sido hasta entonces su discográfica, Soñua, en pleno proceso de descomposición. Con el cambio, la banda albergaba la esperanza de poder proyectar su música a un mercado más amplio.

La grabación de «Salda Badago» (Elkar, 1988), el tercer LP de Hertzainak, se realizó en los estudios del sello en Lasarte, bajo la asistencia técnica de Jean Phocas (Errobi). Para la producción escogieron a Ruper Ordorika, a pesar de la nula experiencia en dichas tareas del músico vasco. Su labor se centró principalmente en huir de los barroquismos del trabajo anterior. En su intento por huir de lo ya explorado en entregas previas el grupo encuentra un punto más rockero no exento de cierta elegancia en el nuevo disco.

La gestación del mismo no fue tarea fácil ya que tuvieron que lidiar con problemas internos derivados de un exceso de liderazgo por parte de Zabala (“Terminamos todos hasta los cojones del Josu, que decía ‘esto es así y esto es así porque lo he pensado yo'”, decía el baterista Txanpi) y con inesperados problemas técnicos: las cintas iban perdiendo parte del material ya grabado cuando se utilizaban. Por si fuera poco, Gari (voz) volvería a sufrir un aparatoso accidente de moto, que le apartó del estudio durante meses. De hecho, se acordó con Elkar el volver a grabar todo de nuevo. Es por ello por lo que algunos hablan de posible falta de frescura en el disco, aunque resultó ser un álbum con cantidad de argumentos que colocaban a Hertzainak a las puertas de convertirse en la primera banda vasca de rock del momento.

El disco se concibió en principio sin la participación expresa de Tito, el saxofonista que había sido clave en la locura skatalítica y tropical de la banda en sus primeras entregas. Convaleciente todavía del accidente de tráfico que había sufrido volviendo de un concierto de Tudela, su separación coincidió con el intento de Hertzainak de despegarse de tropicalidades y de poner un punto más rockero a su música. “Salda Baldago” es ciertamente un pequeño logro en ese sentido aunque ni todo el disco es rock, ni se deja de oir el saxo, siempre enorme, ocupado eso sí, en otros aromas diferentes a los que tenía como especialidad antes.

La portada se diseñó a partir de un dibujo de Álvarez Plagado, quien conoció al grupo a través de Bingen Mendizabal, colaborador habitual de la misma con violines y teclado. En el boceto que les envió a Hertzainak tras recibir el encargo, tuvo que eliminar una parte en la que aparecía un tipo lamiendo los pies de un Cristo porque no les pareció comercial. El resultado final, que sí que incluye, en la esquina inferior izquierda una imagen lamiendo un pie, y una escena de un lavado de pies, está compuesta por dibujos de formas antropomórficas y animales.

El disco salió a la calle justo cuando el grupo volvía de una gira europea que les llevó por Italia, Suiza y Alemania: dieciocho conciertos en veintitrés días, en los que Tito acompañaba con el saxo y Gari empezaba a hacer sus primeros pinitos con la guitarra. El balance fue positivo pero terminaron cansados de lidiar con tanto centro okupado, los escenarios habituales de la gira.

Fuentes: TGL en LaFonoteca.net

 

 

 

 

 
Lista de canciones:

  1.  «Txantxetan» (Josu Zabala, Karra Elejalde) – 4:08
  2.  «Salda Badago» (Josu Zabala, Karra Elejalde) – 3:49
  3.  «Esaiok» (Josu Zabala) – 4:11
  4.  «Gangster Berriak» (Gene, Josu Zabala) – 4:00
  5.  «Benetakoa» (Gene, Josu Zabala) – 2:58
  6.  «Ez Dago Ilusio Falsurik» (Josu Zabala, Rita M.) – 3:59
  7.  «Kalea Hutsik» (Josu Zabala, Karra Elejalde) – 2:40
  8.  «Zigorraren Zai» (Josu Zabala, Saltarin) – 2:57
  9.  «Animatzen Hauenak» (Josu Zabala, Rita M.) – 4:06
  10.  «No Time For Love» (Jack Warzaw) – 5:13

Calidad: FLAC

 

 

 


Patti Smtith – Horses [1975-Reed.1988]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

Patricia Lee «Patti» Smith es una cantante y poetisa estadounidense nacida en Chicago. Smith saltó a la fama durante el movimiento punk con su álbum de debut “Horses” (1975). Apodada «la madrina del punk»,​ trajo un punto de vista feminista e intelectual a la música punk y se convirtió en una de las artistas más influyentes de la música rock, integrándola con un estilo de poesía beat. Sus letras introdujeron la poesía francesa del siglo XIX a la juventud norteamericana, mientras que su imagen andrógina y poco femenina desafió a la era de la música disco.

Su canción más conocida, “Because the Night”, la coescribió con Bruce Springsteen; llegó al puesto número 13 de la lista Billboard de Estados Unidos en 1978, siendo posteriormente versionada por el propio Springsteen, Keel, 10,000 Maniacs, R.E.M., U2, Garbage junto a Screaming Females, hasta la versión eurohouse interpretada por el grupo italiano Co.Ro en 1992.

En 2005, fue nombrada Comendadora de la Orden de las Artes y las Letras de Francia,​ y en 2007 entró en el Salón de la Fama del Rock.​ En 2011 recibió el Premio de Música Polar.​ En 2014 la cantante colaboró en la banda sonora de Noé (dirigida por Darren Aronofsky) con la canción “Mercy Is”, que le valió una nominación a los Globo de Oro como mejor canción original.

Patti Smith Group firmó con el sello discográfico Arista Records, editando su álbum debut, «Horses», producido por John Cale en 1975. El álbum fusionaba punk rock y poesía hablada, comenzando con una versión de la canción “Gloria” de Van Morrison, y las palabras de Smith: “Jesús murió por los pecados de alguien, pero no los míos”. La austera fotografía de la portada hecha por Mapplethorpe se ha convertido en una imagen clásica del rock.

Al mismo tiempo que grababa “Horses” en los Electric Lady Studios de Nueva York, Patti Smith y su banda eran muy reconocidos en la escena musical de la ciudad junto a bandas como Blondie y The Ramones. Smith era admiradora de muchos de los artistas de los años 60 como Jimi Hendrix, Little Richard, Brian Jones de The Rolling Stones y Jim Morrison, al igual que de Motown y artistas de jazz como Smokey Robinson y John Coltrane. Se aprecia sobremanera estas influencias en la versión de la canción “Gloria” de la banda de rock Them. La música del tema “Birdland”, en particular, estaba más influida por el jazz que por el punk. Mientras se grababa esta canción, que fue improvisada por la banda en los estudios de grabación, Smith dijo que imaginaba el espíritu de Hendrix observándoles. Varias de las canciones del álbum (“Redondo Beach”, “Free Money” o “Kimberly”) están inspiradas en la familia de Smith, mientras que otras (“Break It Up”, “Elegie”), tratan de sus ídolos. “Land” contiene un tributo a Arthur Rimbaud.​ En el álbum aparecen como artistas invitados Tom Verlaine de Television y Allen Lanier de Blue Öyster Cult.

La fotografía de la portada del álbum fue hecha por Robert Mapplethorpe con luz natural.​ El triángulo de luz en la pared fue producto de la luz del atardecer. La compañía discográfica quiso hacer varios retoques, incluyendo quitar la pelusa del bigote de Smith, a lo que ella misma se negó.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Gloria» – 5:54
  2. «Redondo Beach» – 3:24
  3. «Birdland» – 9:16
  4. «Free Money» – 3:47
  5. «Kimberly» – 4:26
  6. «Break It Up» – 4:05
  7. «Land: Horses / Land of a Thousand Dances / La Mer (De)» – 9:36
  8. «Elegie» – 2:42

Calidad: FLAC

 

 

 


Tahúres Zurdos – Tahúres Zurdos [MiniLP] (1988)

 

[Ciclo de Rock Ibérico]

 

Tahúres Zurdos fue un grupo de rock originario de Potasas (Navarra) cuya carrera se extendió entre 1987 y 2004. La formación original del grupo era Aurora Beltrán (voz, y guitarra), Manuel “Lolo” Beltrán (hermano de Aurora y también guitarra), Luis Salcedo (bajo) y Javier Lizarazu “Puntxes” (batería).

Lolo y Aurora provienen del pueblo minero de Potasas. De ese pueblo, y de la existencia en él de un casino donde los trabajadores de la mina se gastaban su sueldo, viene el nombre de “tahúres” que bautiza al grupo. La cuestión de “zurdos” es relativa a que tanto Aurora como Lolo son zurdos. Los orígenes del grupo se remontan a Pamplona y a una serie de actuaciones de sus miembros en el País Vasco, Navarra y otros lugares del norte ibérico.

Con 40.000 pesetas grabaron una maqueta que más tarde sería un disco homónimo, «Tahúres Zurdos», mini elepé grabado el los Estudios Elkar de Lasarte (Euskadi), con Jean Phocas en los controles y producido por Juan Carlos Pérez, y editado por Oihuka en 1988. También con este sello independiente vasco publicarían su segundo trabajo, “Tahuria”, en 1990. El relativo éxito de sus dos primeros discos les sirvió para fichar por EMI y editar en 1991 “Nieve Negra”, su álbum más exitoso.

El grupo se separó en 2004, tras 17 años en activo y nueve discos.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas compuestos por Aurora Beltrán)

  1. «El Chico de la Mirada Asustadiza» – 4:14
  2. «Nada que Decir» – 3:41
  3. «La Puta» – 4:38
  4. «Lujuria» – 3:30
  5. «Como el Humo» – 3:05
  6. «Muerte Ven» – 3:21

Calidad: FLAC

 

Gracias al compañero Bizio por este archivo.

 

 

 


Los Piojos – Verde Paisaje del Infierno [2000]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

Los Piojos fue una banda argentina de rock formada a fines de 1988 y oriunda de Ciudad Jardín Lomas del Palomar, en el Gran Buenos Aires. De todas las bandas surgidas durante la década de los 90, Los Piojos se erigió como una de las más populares hasta incluso después de su separación, no sólo por su poder de convocatoria y las importantes cifras de ventas en sus álbumes, sino también por una discografía de carácter sólido que fue cada vez haciéndose más personal.

Durante finales de 1989 y principios de 1990 comienzan sus presentaciones en pequeños escenarios del rock porteño y bonaerense tales como el Teatro Arlequines, Graf Zeppelin, Ma Baker y La Plaza del Avión (en Ciudad Jardín) donde Ciro cantó por primera vez. En 1990 el grupo resultó elegido banda revelación por Los Redonditos de Ricota en la encuesta del “Sí!” de Clarín. Los redondos de Ricota habían presenciado varios de los shows del grupo, e incluso el guitarrista Skay subió a acompañarlos en algunas ocasiones.

En 1991 viajaron a Francia, invitados de una organización de los suburbios de París que luchaban contra los skinheads. Tocaron en el Festival Antirracista de Blondy. Aunque lo único gratis seria tocar. Los gastos del viaje corrieron por cuenta propia de Los Piojos que debieron pagar cuotas de 160 dólares para financiarlo. Así lograron compartir el escenario con grupos de Cuba, África, Marruecos, Burkina Faso, Malí, España y Francia. El contacto con Mano Negra fue importante para que la banda abriese la cabeza y entendiera que en la fusión de estilo estaba su futuro musical.

De regreso a Buenos Aires, el sueño del primer disco comenzaba a rondar por sus cabezas. El apoyo por parte de Patricio Rey resultó imprescindible para el grupo, de manera que la “Negra Poly”, manager ricotera, le recomendó al productor Gustavo Gauvry, de DBN, que se acercara a ver un show. Aquella vez, como tantas otras volvió a subir Skay Beilinson al escenario como para que quedase sellado un padrinazgo absoluto sobre los pibes del Palomar. Gauvry se interesó por ellos y enseguida les ofreció la edición y distribución del primer disco de la banda. Entre junio y agosto de 1992 ingresaron por primera vez a un estudio, en Del Cielito Records, estudios de Los Redondos, siendo su primera experiencia en grabaciones de estudio. En ese corto lapso registraron “Chactuchac”, el álbum debut de la banda. El disco fue editado por DBN/Del Cielito Records en agosto de 1992. El título del trabajo se refiere al sonido del tren.

«Verde Paisaje del Infierno» es el sexto álbum de estudio de Los Piojos. Fue grabado en agosto de 2000 en los Estudios Panda de Buenos Aires, junto con la colaboración de Ricardo Mollo (líder de Divididos), editado en octubre del mismo año por el sello El Farolito Discos y presentado oficialmente en el estadio de Atlanta, el 16 de diciembre del 2000. Señalado como un disco enteramente exquisito, Los Piojos parecen clausurar aquí una etapa, para condensar toda su energía en canciones de cuatro minutos. El álbum tuvo un larguísimo trabajo de producción para el que fueron consultados Alfredo Toth y el ya mencionado Ricardo Mollo.

El sexto disco del grupo, producido artísticamente por su cantante Andrés Ciro, fue mezclado en un estudio de Los Ángeles, siendo ésta la última etapa de un larguísimo proceso de composición y grabación que tuvo al grupo concentrado durante más de seis meses en una quinta de la localidad de Paso del Rey. En medio, no sólo afrontaron la partida de su histórico baterista (Daniel Buira) por graves problemas internos y la consolidación de su convocatoria (siete conciertos al hilo en el Estadio Obras) sino que fueron y vinieron varias veces en la búsqueda de un sonido satisfactorio. Alfredo Toth, productor por detrás de “Tercer Arco”, el punto de quiebre en la historia del grupo, fue el primero en acercarse a Paso del Rey para dar una mano. “Me pidieron un asesoramiento y les tiré unas ideas sobre los temas que tenían pensado grabar”. “Entre abril y mayo, me reuní primero con Andrés y después con el resto de la banda. Ahí les recomendé a un técnico de sonido (Richard Troilo, que hizo algunos trabajos conmigo) con el que terminaron trabajando”, asegura Toth, quien según fuentes cercanas al grupo terminó de dar el visto bueno para que Sebastián Cardero (el único que no viajó a Los Ángeles) se incorporase a la banda.

Los temas “Merecido”, “Reggae rojo y negro”, “María y José”, “San Jauretche”, “Luz de marfil” y “Media caña” son seis de los catorce temas destacados que contiene el álbum. A partir de agosto el grupo se trasladó a los estudios Panda y allí entró en acción Ricardo Mollo convocado por el grupo para escuchar el material nuevo. “Pero me parece que fue medio una trampa. Ya que no bien les dije lo que pensaba de lo que había escuchado, ahí nomás me invitaron a colaborar con ellos en lo que se refiere a las guitarras”, le dijo al Suplemento Sí, el líder de Divididos que, durante una semana y como si se tratara de un disco suyo, se abocó a la tarea en jornadas de trabajo que empezaban a las once de la mañana y finalizaban bien entrada la madrugada. “Lo que hice fue resaltar más las guitarras, que en este disco van estar más al frente y para lo cual se volvió grabar gran parte de lo hecho. Es que sabían lo que querían pero no estaban tan seguros de cómo lograrlo”, confió el guitarrista de Divididos al Suplemento Sí!.

 

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «María y José» – 4:38
  2. «Labios de Seda» – 4:09
  3. «Luz de Marfil» – 5:24
  4. «Vine Hasta Aquí» – 4:38
  5. «Globalización» – 3:43
  6. «Fijate» – 3:52
  7. «Reggae Rojo y Negro» – 4:16
  8. «Ruleta» – 4:16
  9. «Morella» – 4:12
  10. «La Luna y la Cabra» – 3:30
  11. «Media Caña» – 5:14
  12. «Mi Babe» – 4:42
  13. «Merecido» – 4:13
  14. «San Jauretche» – 5:00

Calidad: FLAC

 

 

 


R.E.M. – Fables of The Reconstruction [1985]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

R.E.M. fue una banda de rock alternativo estadounidense formada en Athens, Georgia, en 1980 por el cantante Michael Stipe, el guitarrista Peter Buck, el bajista Mike Mills y el baterista Bill Berry. De las primeras bandas pioneras del rock alternativo, R.E.M. fue fundamental en la creación y desarrollo del género de rock alternativo. Allmusic declaró: “R.E.M. marcó el punto en el que el post-punk se convirtió en rock alternativo”. A principios de la década de 1980, el estilo musical de R.E.M. contrastaba con los géneros post-punk y new wave que la habían precedido.

R.E.M. consiguió rápidamente atención por el estilo arpegiado de la guitarra de Buck y las voces poco claras de Stipe. R.E.M. lanzó su primer sencillo, “Radio Free Europe”, en 1981 en el sello discográfico independiente Hib-Tone. Pronto se expanden por todo el estado y en 1982 publican un EP, “Chronic Town”, con la discográfica I.R.S. Records.​ Combinando folk-rock y punk logran que la crítica les defina como auténticos innovadores de la música. Pronto su expansión se traduce a todo el país. A principios de los años 1990, R.E.M. era enmarcado como una de las principales bandas pioneras del rock alternativo en haber alcanzado gran popularidad, lanzaron los álbumes más exitosos de la banda: “Out of Time” (1991) y “Automatic for the People” (1992), los cuales consolidaron totalmente al grupo. “Monster”, el siguiente álbum, fue un retorno a un sonido más orientado hacia el rock, con el que comenzaron una gira que se vio estropeada por emergencias médicas sufridas por la banda. En 1997, R.E.M. renovó su contrato con Warner Bros.

A finales de ese año, Bill Berry dejó la banda, dejando a Buck, Mills y Stipe como únicos miembros oficiales. Pasando por varios cambios en el estilo musical, el grupo continuó su carrera en la próxima década con variadas críticas y éxitos comerciales. R.E.M. vendieron más de 80 millones de discos en todo el mundo. ​En 2007, R.E.M. fue introducido al Salón de la Fama del Rock.​ R.E.M. se disolvió en septiembre de 2011, anunciando la separación en su sitio web.

Para el tercer álbum, «Fables of the Reconstruction», la banda decidió cambiar el rumbo de manera drástica. Para ello, el grupo optó por viajar a Londres, justo a tiempo para disfrutar de un frío y húmedo invierno. Las sesiones en el estudio se convirtieron en mucho más complicadas de lo que la banda había previsto. Surgieron grandes tensiones, que más tarde la banda consideró fruto del frío al que tan poco estaban acostumbrados y la nostalgia, y la banda estuvo a punto de romper. Estas circunstancias tan tristes y oscuras que rodearon las sesiones de grabación, a la postre proporcionaron al álbum una identidad propia, un álbum muy oscuro que difería mucho de sus anteriores trabajos. En cuanto a las letras del trabajo, Stipe comenzó a escribir unas letras más comprensibles y se centró en las fábulas e historias de la mitología sureña. Según Michael, en una entrevista que concedió en el año 1985, se inspiró en “la idea de ancianos sentados alrededor del fuego y contando leyendas y fábulas a sus nietos”.

El álbum fue grabado entre febrero y marzo, con producción de Joe Boyd, y editado por I.R.S. Records en junio de 1985. Como se puede ver en el dibujo de la portada, también es llamado “Reconstruction of the Fables”, es decir Reconstrucción de las fábulas. A pesar del gran éxito de sus anteriores álbumes, R.E.M. decide hacer cambios en su estilo musical y en sus hábitos de grabación, como el cambio de su productor (Joe Boyd) y el lugar de grabación (Londres). Tras su lanzamiento, “Fables of the Reconstruction” llegó al número 28 en las listas estadounidenses y obtuvo mejores resultados en el Reino Unido, alcanzando el puesto 35.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Feeling Gravity’s Pull» — 4:51
  2. «Maps and Legends» — 3:10
  3. «Driver 8» — 3:24
  4. «Life and How to Live It» — 4:08
  5. «Old Man Kensey» — 4:10
  6. «Can’t Get There from Here» — 3:40
  7. «Green Grow the Rushes» — 3:45
  8. «Kohoutek» — 3:17
  9. «Auctioneer (Another Engine)» — 2:43
  10. «Good Advices» — 3:30
  11. «Wendell Gee» — 3:01

Calidad: FLAC

 

 

 


Massacre Palestina – Buenos Aires Sub Atomic Skate Sounds ’87-’91 [1999]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

Massacre es una banda de rock argentina, pionera en el género denominado skate rock en Latinoamérica. Originalmente llamados Massacre Palestina, se formaron en Buenos Aires en el año 1986. Se conformó por estudiantes secundarios influidos por bandas de la costa oeste estadounidense, que fusionaban hardcore-surf-punk a fines de los setenta y comienzos de los ochenta. Entre sus influencias, se encuentran artistas como T.S.O.L, Dead Kennedys, Black Flag, Nirvana, The Cure, R.E.M., The Ramones, T. Rex, Sumo, Gustavo Cerati, Luis Alberto Spinetta, entre otros.

La primera formación contaba con Francisco Ruiz Ferreyra (Paco) en batería, José Armetta (Topo) en el bajo, Guillermo Cidade (Walas) en guitarra y Richard Serafini en voz. El primer disco homónimo de la banda fue un EP en vinilo, grabado en 1987 bajo el sello Radio Trípoli, que contenía cuatro canciones, hoy una pieza de colección. Junto a la salida del disco filman su primer vídeo del tema “Diferentes Maneras”, en la actualidad absolutamente perdido. La carrera del grupo se desarrolló durante años sobre la base de presentaciones en vivo y largas ausencias, hasta la posibilidad de grabar el primer álbum. Para octubre de 1989 Richard se despide de la formación y Wallas se encarga de las voces, dejando su puesto a Pablo Mondello (alias Pablo M. o El Tordo), ex compañero del secundario, eximio guitarrista y pilar fundamental en la concepción musical del grupo para los tiempos que vendrían. Con esta formación los Massacre recorrerían larga parte de su carrera.

Tras su primer álbum de estudio, “Sol Lucet Omnibus” (1992), se rebautizaron como Massacre, debido al atentado a la embajada de Israel en Argentina, en donde su apelativo “Palestina”, pudiera generar polémica.

Aunque la banda era conocida por su actitud basada en la autogestión durante más de veinte años de carrera, se la consideraba como una de las pocas bandas verdaderamente de culto de la Argentina, hasta la edición de su sexto disco de estudio, titulado “El Mamut” (2007); que alcanzó gran éxito, por lo que la banda alcanzó masividad a nivel popular, no solo en Argentina, sino también en el resto de Latinoamérica.

«Buenos Aires Sub Atomic Skate Sounds ’87-’91» es el primer álbum recopilatorio del grupo Massacre, que incluía sus primeras grabaciones, tales como el EP “Massacre Palestina”, demos, temas descartados del EP y algunos directos. Todas las canciones corresponden a grabaciones realizadas entre los años 1987 y 1991, excepto el último tema del disco, en vivo, que se grabó en 1997, y en su totalidad corresponden a la etapa más skate-punk de la banda. El álbum fue editado en 1999 por Laika Records.

 

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Diferentes Maneras»
  2. «Canción de las Muñecas»
  3. «Hijos del Sinaí»
  4. «Walls»
  5. «Ángeles de Piedra»
  6. «Papel Floreado»
  7. «Conciencia de Nuestros Días»
  8. «Punk Is Dead»
  9. «Mirando al Pacífico»
  10. «From Your Lips» (Live)
  11. «Arma de Quien?»
  12. «Diferentes Maneras» (Live)
  13. «¿De qué Te Sirvió?»
  14. «Canción de las Muñecas» (Live)

Calidad: FLAC

 

 

 


Los Brujos – Guerra de Nervios [1995]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

Los Brujos es una banda argentina de rock alternativo, que renovó la escena musical de los 90, encabezando el denominado “Nuevo Rock Argentino” junto a otras bandas como El Otro Yo, Massacre, Babasónicos, Peligrosos Gorriones, Juana La Loca, Los Visitantes, Tía Newton o Fun People, entre otros. La banda nació a comienzos de 1988 en Turdera, Gran Buenos Aires y tras tres trabajos discográficos, se disolvieron en 1998. El 7 de abril de 2014, regresaron a los escenarios.

Los Brujos nacen como una fusión entre dos jóvenes bandas vecinas de Turdera (sur de Gran Buenos Aires), Salto al Vacío y Los Pastrellos. La primera estaba formada por Gabriel Guerrisi (Guitarra y voz), Ricky Rúa (batería) y Gabriel Manelli (bajo); mientras que Los Pastrellos estaba compuesta por Fabio Pastrello (guitarra), Alejandro Alaci (voz) y Quique Ilid (batería). Vale aclarar que Fabio Pastrello y Gabriel Guerrisi son primos hermanos.

En el año 1988 ambas bandas compartieron un recital en el bar La Carpintería de Temperley, el buen resultado del show y los gustos en común fueron el disparador para unir ambas bandas y dar paso a Los Brujos, nombre que ya se encontraba registrado por un centenar de otros grupos pero del que obtuvieron un permiso provisorio para su utilización hasta que les fue cedido permanentemente. En su etapa de formación también participaron otros miembros, como Morticia Flowers y Viviana Tellas. Como lógicamente el grupo no podía tener dos bateristas, Ricky Rua decidió cantar en dúo con Alejandro Alaci, quedando Quique Illid como batero. Para fines de 1989 los recitales eran cada vez más concurridos y luego de una presentación en un festival en Cemento el músico y productor Daniel Melero les propone grabar su primer disco.

«Guerra de Nervios» es el tercer álbum de estudio de la banda argentina de rock alternativo Los Brujos, grabado y mezclado entre julio y septiembre de 1995 en los Estudios El Pie de Buenos Aires, con más de 400 horas de producción, y fue editado ese mismo año por la discográfica Sony Music. Este álbum cuenta con la presencia de invitados de lujo, como Gustavo Cerati, Daniel Melero, Gabo de Babasónicos, Aitor Graña de Juana La Loca, la baterista Andrea Álvarez y Sharly Demonio de DDT.

“Nuestro tercer disco se llama así porque en los shows de los brujos hay mucha energía que nace desde los cuerpos de cada integrante, y en el disco se transmite ese espíritu. Además un nervio es un receptor de estímulos y la música estimula varios al mismo tiempo, produciéndose de esta manera una guerra de nervios”, comentó Mala Yi (Ricky Rua) sobre el álbum.

Robo Yi (Alejandro Alaci) describe las distintas etapas: “Nuestros discos son como distintas películas del mismo director, que pueden distinguirse de acuerdo a la etapa que nos tocó vivir. El primer disco fue una película que remitía a historias y personajes mitológicos o ficticios. “San Cipriano” es una especie de film de terror y “Guerra de Nervios” es más bien un largometraje de ciencia ficción. El próximo álbum será un western” (Télam, 13/11/95).

Fue disco de oro en Argentina y actualmente se encuentra descatalogado. Este disco significo el último trabajo que editaron, ya que la banda anuncio su separación a través de su página http://www.losbrujos.com en 1998, aunque con su regreso oficial en 2014 la banda lanzó “Pong!” (2015), su cuarto álbum de estudio.

La frase en japonés que se pronuncia en “Psicosis Total” es la siguiente: “Los Brujos wa uchū kara kite iru no de mondai nai”, que en castellano significa “Los Brujos no tienen problemas porque vienen de otro planeta”. Los temas “Tónico para soñar I” y “Tónico para soñar III” contienen fragmentos de The Ventures, adaptados por Los Brujos.

En junio de 1995 se presentaron en el ciclo “Rock por una Universidad Democrática”, organizada por la FUBA en la Ciudad Universitaria, contra la Ley de Educación Superior. En el encuentro gratuito también participaron Juana La Loca y Los Cafres. Luego siguió el show con The Beastie Boys (en Obras) y el Nuevo Rock Argentino organizado por Rock & Pop, junto a Todos Tus Muertos, Peligrosos Gorriones y Massacre. Otro de sus recordados shows ocurrió en Parque Sarmiento junto a NOFX.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

 

  1.  «Victoria» – 1:36
  2. «Psicosis Total» – 2:27
  3. «Atlánticos» – 2:18
  4. «El Detonador» – 2:58
  5. «La Fiesta del Infierno» – 3:07
  6. «Aguaviva» – 2:46
  7. «Espiritu de Velocidad» – 2:45
  8. «Ondas Martinot» – 2:32
  9. «El Vengador» – 3:43
  10. «Azul Lucero» – 3:08
  11. «El Gato Rabioso» – 2:37
  12. «Nada» – 3:23
  13. «Gran Sheeld» – 0:24
  14. «Tónico para Soñar I» – 0:49
  15. «Tónico para Soñar II» – 2:30
  16. «Tónico para Soñar III» – 2:02
  17. «Reina en las Nieves» – 2:38
  18. «Captain Fetogia» – 3:45
  19. «Victoria II» – 1:33
Calidad: FLAC

 

 

 


R.E.M. – Reckoning [1984]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

R.E.M. fue una banda de rock alternativo estadounidense formada en Athens, Georgia, en 1980 por el cantante Michael Stipe, el guitarrista Peter Buck, el bajista Mike Mills y el baterista Bill Berry. De las primeras bandas pioneras del rock alternativo, R.E.M. fue fundamental en la creación y desarrollo del género de rock alternativo. Allmusic declaró: “R.E.M. marcó el punto en el que el post-punk se convirtió en rock alternativo”. A principios de la década de 1980, el estilo musical de R.E.M. contrastaba con los géneros post-punk y new wave que la habían precedido.

R.E.M. consiguió rápidamente atención por el estilo arpegiado de la guitarra de Buck y las voces poco claras de Stipe. R.E.M. lanzó su primer sencillo, “Radio Free Europe”, en 1981 en el sello discográfico independiente Hib-Tone. Pronto se expanden por todo el estado y en 1982 publican un EP, “Chronic Town”, con la discográfica I.R.S. Records.​ Combinando folk-rock y punk logran que la crítica les defina como auténticos innovadores de la música. Pronto su expansión se traduce a todo el país. A principios de los años 1990, R.E.M. era enmarcado como una de las principales bandas pioneras del rock alternativo en haber alcanzado gran popularidad, lanzaron los álbumes más exitosos de la banda: “Out of Time” (1991) y “Automatic for the People” (1992), los cuales consolidaron totalmente al grupo. “Monster”, el siguiente álbum, fue un retorno a un sonido más orientado hacia el rock, con el que comenzaron una gira que se vio estropeada por emergencias médicas sufridas por la banda. En 1997, R.E.M. renovó su contrato con Warner Bros.

A finales de ese año, Bill Berry dejó la banda, dejando a Buck, Mills y Stipe como únicos miembros oficiales. Pasando por varios cambios en el estilo musical, el grupo continuó su carrera en la próxima década con variadas críticas y éxitos comerciales. R.E.M. vendieron más de 80 millones de discos en todo el mundo. ​En 2007, R.E.M. fue introducido al Salón de la Fama del Rock.​ R.E.M. se disolvió en septiembre de 2011, anunciando la separación en su sitio web.

«Reckoning» es el segundo álbum de estudio de la banda estadounidense de rock alternativo R.E.M., lanzado en 1984 a través de I.R.S. Records. Producido por Mitch Easter y Don Dixon, se grabó en el Reflection Sound Studio en Charlotte, Carolina del Norte en 16 días entre diciembre de 1983 y enero de 1984. Dixon y Easter intentaron capturar el sonido de las interpretaciones en directo del grupo y usaron una técnica de grabación binaural en varias canciones. El cantante Michael Stipe empleó temáticas más oscuras en sus letras y las imágenes relacionadas con el agua son un tema recurrente en el disco. El álbum recibió elogios de la crítica y llegó al puesto 27 en los Estados Unidos, donde recibió un disco de oro otorgado por la RIAA en 1991 y llegó al número 91 en el Reino Unido.

Tras que su álbum debut, “Murmur” (1983) recibiera elogios de la crítica, R.E.M. comenzó rápidamente a trabajar en su segundo álbum. El grupo compuso gran cantidad de nuevo material; el guitarrista Peter Buck recuerda: “Estábamos atravesando esa racha en la que componíamos dos canciones buenas por semana. […] Simplemente queríamos hacerlo; al momento que tuviéramos un puñado de canciones nuevas, ya era tiempo de grabarlas”.​ Debido al número de temas nuevos que el grupo tenía, Buck intentó infructuosamente convencer a todos de hacer del nuevo disco un álbum doble.​ En noviembre de 1983, la banda había grabado 22 canciones en una sesión con el productor de Neil Young Elliot Mazer en San Francisco.​ Si bien Mazer se consideró por poco tiempo un candidato para producir el siguiente álbum del grupo, R.E.M. decidió finalmente trabajar de nuevo con los productores de “Murmur”, Mitch Easter y Don Dixon.

Para la carátula de “Reckoning”, Stipe dibujó una serpiente de dos cabezas, que luego entregó al artista Howard Finster para que la pintara por dentro. Stipe afirmó que la imagen fue un intento de definir los elementos del disco y explicó: “Parte de él son las rocas, parte de él es el sol y parte de él es el cielo”. El resultado final se consideró una desilusión, debido a que Stipe debió trabajar con Finster a distancia y la reproducción del dibujo para la portada del álbum fue problemática.​ En el lomo de la edición en vinilo se puede leer la frase «File Under Water» («archivo bajo el agua»). Stipe dijo a NME en 1984 que ese es el verdadero título del álbum. Añadió: “En Estados Unidos, ambos títulos están en el lomo y [no hay] nada en la portada. Aquí [en el Reino Unido] insistieron que Reckoning debe ir en la carátula”. En vez de etiquetar los lados del disco como «cara uno» y «cara dos», se designaron como «L» y «R» respectivamente.

“Reckoning” se lanzó el 9 de abril de 1984 en el Reino Unido y el 17 de abril en Estados Unidos de Norteamérica.​ El álbum alcanzó rápidamente la cima de las listas de airplay de las radios universitarias, cuyo público estaba esperando el disco. Sin embargo, la banda no tenía mucha presencia en radios comerciales o MTV en este punto. En lugar de seguir la costumbre de la industria musical de esperar que las radios del mainstream eligieran transmitir la música de la banda, I.R.S. esperaba “convencer a los programadores reacios a añadir al grupo [a su lista de reproducción] señalando la respuesta de la prensa, la reacción del público a las interpretaciones en directo locales y la cantidad de ventas”, según un artículo publicado en Los Angeles Times en julio de 1984.​ El primer sencillo del álbum, “So. Central Rain (I’m Sorry)” se lanzó en mayo y llegó al puesto 85 en la lista Billboard Hot 100. Un segundo sencillo, “(Don’t Go Back to) Rockville” salió a la venta en agosto pero, a diferencia de su predecesor, no ingresó en las listas.​ Al cumplirse un mes desde su lanzamiento, “Reckoning” llegó al puesto 27 del Billboard 200 y permaneció en la lista cerca de un año.​ Si bien el posicionamiento en las listas del álbum en EUNA fue inusualmente alto para una banda universitaria en aquel momento, la escasa radiodifusión y la poca distribución en el extranjero hizo que se ubicara en el puesto 91 en el Reino Unido.​ En 1991, el disco recibió un disco de oro por la venta de 500.000 copias otorgado por la RIAA.

Fuente: Wikipedia (en inglés) / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Harborcoat» — 3:51
  2. «7 Chinese Bros.» — 4:15
  3. «So. Central Rain» — 3:11
  4. «Pretty Persuasion» — 3:53
  5. «Time After Time (Annelise)» — 3:39
  6. «Second Guessing» — 2:50
  7. «Letter Never Sent» — 2:57
  8. «Camera» — 5:21
  9. «(Don’t Go Back to) Rockville» — 4:34
  10. «Little America» — 2:56

Calidad: FLAC

 

 

 


Los Piojos – Ritual [1999]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

Los Piojos fue una banda argentina de rock formada a fines de 1988 y oriunda de Ciudad Jardín Lomas del Palomar, en el Gran Buenos Aires. De todas las bandas surgidas durante la década de los 90, Los Piojos se erigió como una de las más populares hasta incluso después de su separación, no sólo por su poder de convocatoria y las importantes cifras de ventas en sus álbumes, sino también por una discografía de carácter sólido que fue cada vez haciéndose más personal.

Durante finales de 1989 y principios de 1990 comienzan sus presentaciones en pequeños escenarios del rock porteño y bonaerense tales como el Teatro Arlequines, Graf Zeppelin, Ma Baker y La Plaza del Avión (en Ciudad Jardín) donde Ciro cantó por primera vez. En 1990 el grupo resultó elegido banda revelación por Los Redonditos de Ricota en la encuesta del “Sí!” de Clarín. Los redondos de Ricota habían presenciado varios de los shows del grupo, e incluso el guitarrista Skay subió a acompañarlos en algunas ocasiones.

En 1991 viajaron a Francia, invitados de una organización de los suburbios de París que luchaban contra los skinheads. Tocaron en el Festival Antirracista de Blondy. Aunque lo único gratis seria tocar. Los gastos del viaje corrieron por cuenta propia de Los Piojos que debieron pagar cuotas de 160 dólares para financiarlo. Así lograron compartir el escenario con grupos de Cuba, África, Marruecos, Burkina Faso, Malí, España y Francia. El contacto con Mano Negra fue importante para que la banda abriese la cabeza y entendiera que en la fusión de estilo estaba su futuro musical.

De regreso a Buenos Aires, el sueño del primer disco comenzaba a rondar por sus cabezas. El apoyo por parte de Patricio Rey resultó imprescindible para el grupo, de manera que la “Negra Poly”, manager ricotera, le recomendó al productor Gustavo Gauvry, de DBN, que se acercara a ver un show. Aquella vez, como tantas otras volvió a subir Skay Beilinson al escenario como para que quedase sellado un padrinazgo absoluto sobre los pibes del Palomar. Gauvry se interesó por ellos y enseguida les ofreció la edición y distribución del primer disco de la banda. Entre junio y agosto de 1992 ingresaron por primera vez a un estudio, en Del Cielito Records, estudios de Los Redondos, siendo su primera experiencia en grabaciones de estudio. En ese corto lapso registraron “Chactuchac”, el álbum debut de la banda. El disco fue editado por DBN/Del Cielito Records en agosto de 1992. El título del trabajo se refiere al sonido del tren.

«Ritual» es el quinto disco de Los Piojos, y el primero en vivo. Fue grabado en el estudio móvil de Del Cielito Records los días 7, 8 y 9 de mayo de 1999 en el estadio Obras, conmemorando sus 10 años de trayectoria, y el 23 de enero del mismo año en el Autocine de Villa Gesell, y editado en 1999 por El Farolito Discos. Este álbum logró ser disco de platino. Este año lo cerraron con un recital gratuito ante 100.000 personas en la ciudad de La Plata.

 

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Olvídate (Ya Ves)» – 4:24
  2. «Chac Tu Chac» – 3:22/span>
  3. «Desde Lejos No se Ve» – 4:01
  4. «Ay, Ay, Ay» – 6:29
  5. «Angelito» – 6:29
  6. «Agua» – 5:25
  7. «Arco» – 4:35
  8. «Tan Solo» – 4:18
  9. «Intro Maradó» – 2:50
  10. «Maradó» – 4:37
  11. «Ando Ganas (Llora, Llora)» – 5:43
  12. «Cruel» – 4:10
  13. «Todo Pasa» – 5:45
  14. «Es Sólo Rock & Roll (It’s Only Rock & Roll)» – 5:11

Calidad: WAV

 

 

 


Bad Religion – No Control [1989]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

Bad Religion es una banda estadounidense de punk rock fundada en 1979 en el sur de California por Greg Graffin (voz), Jay Bentley (bajo), Jay Ziskrout (batería) y Brett Gurewitz (guitarra), a la que se le adjudica haber guiado el resurgimiento del punk rock en el mainstream, así como haber influenciado a lo largo de su trayectoria a un gran número de músicos del punk y del rock.

La banda ha contado con diferentes alineaciones a lo largo de sus 38 años de existencia, siendo Graffin el único miembro que ha sido constante; no obstante, la banda cuenta en el siglo XXI con tres de sus miembros originales: Greg Graffin, Brett Gurewitz y Jay Bentley.

Ha lanzado dieciséis álbumes de estudio, dos EP, tres álbumes compilatorios, un álbum en directo y tres DVD. Su álbum Suffer ha sido valorado por algunos críticos como el álbum de punk rock más relevante de todos los tiempos, aunque nunca tuvo un puesto en la lista de popularidad la Billboard. En 1993 la banda alcanzó un puesto de cartelera con su álbum Recipe for Hate, ese acontecimientos les dio fama mientras les aseguró el puesto número 14 de la lista Heatseekers de la Billboard de ese año. Su mayor éxito vino con Stranger than Fiction el primer álbum con el que consiguieron el disco de oro en Estados Unidos, desprendiéndose de él reconocidos singles como “21st Century (Digital Boy)” e “Infected”. La banda se mantuvo cosechando éxitos de manera más discreta en su nueva discográfica, Warner, sin Brett Gurewitz, quien se retirara en 1994 por motivos personales. El 2001 fue un año importante para la banda ya que marcó la vuelta de Gurewitz y el regreso de Bad Religion a Epitaph, discográfica de música independiente de la cual es el dueño. Desde este «renacer» para la banda, se ha mantenido con la misma alineación durante más de diez años seguidos y cinco álbumes.

Son conocidos particularmente por su sofisticado uso del estilo, metáfora, vocabulario, uso de iconos y armonías vocales (los denominados por la banda como oozin’ aahs); esto último consagrándolos como pioneros del naciente hardcore melódico. Sus letras suelen ser reflexivas en torno a sentimientos personales, ideologías de vida y responsabilidad social.

«No Control» es el cuarto álbum del grupo Bad Religion, grabado en junio de 1989 en los estudios Westbeach Recorders de Hollywood, con producción del propio grupo, y editado en noviembre del mismo año a través del sello independiente Epitaph. Se considera una de las referencias de base del skate punk y el hardcore melódico.

Bad Religion comenzó a trabajar en el álbum durante la gira de presentación de su álbum anterior, “Suffer” (1988). “No Control” es estilísticamente más rápido que su predecesor, debido a la mayor presencia del hardcore punk. Además, fue el primer álbum de Bad Religion en no presentar un cambio de alineación después de un álbum de estudio consecutivo.

“No Control” trajo a Bad Religion una pequeña cantidad de éxito en el sur de California cuando la banda comenzó a reunir seguidores. El álbum ha vendido más de 60,000 copias y a menudo se considera un hito en el hardcore punk. Contiene muchos de los grandes éxitos de la banda en vivo, como “Change of Ideas”, “Big Bang”, “No Control”, “Sometimes I Feel Like”, “Automatic Man”, “I Want to Conquer the World”, “Sanity” and “You”. Las únicas canciones de “No Control” que nunca se han ejecutado en vivo son “Progress” y “The World Will not Stop”.

En 1992, “No Control” había vendido al menos 80,000 copias, convirtiéndose en el cuarto álbum más vendido de la banda en ese momento (su siguiente álbum “Against the Grain” vendió aproximadamente 90,000 copias, mientras que el posterior “Generator” vendió 85,000 y “Suffer” vendió 88,000).

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas escritos y compuestos por Brett Gurewitz y Greg Graffin)

  1. «Change of Ideas» — 0:54
  2. «Big Bang» — 1:40
  3. «No Control» — 1:44
  4. «Sometimes I Feel Like» — 1:32
  5. «Automatic Man» — 1:38
  6. «I Want to Conquer the World» — 2:16
  7. «Sanity» — 2:44
  8. «Henchman» — 1:03
  9. «It Must Look Pretty Appealing» — 1:21
  10. «You» — 2:06
  11. «Progress» — 2:12
  12. «I Want Something More» — 0:46
  13. «Anxiety» — 2:08
  14. «Billy» — 1:56
  15. «The World Won’t Stop» — 1:52

Calidad: FLAC