Ciclos y Neurastenias en un mundo cruel

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Soda Stereo – El Último Concierto [1997]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

Soda Stereo fue una banda de pop-rock argentina, considerada como una de las más influyentes e importantes bandas latinoamericanas de todos los tiempos y una leyenda de la música latina. Fue formada en Buenos Aires en el año 1982 por Gustavo Cerati (voz, guitarra), Héctor «Zeta» Bosio (bajo) y Carlos Alberto Ficicchia «Charly Alberti» (batería). Fueron el primer grupo de rock latino en lograr éxito en toda América del Sur, Central, parte de América del Norte (principalmente tanto en México como la población latina de Estados Unidos de Norteamérica) e incluso en España, ayudando a popularizar el rock en castellano, rock latinoamericano y los géneros de rock latino a un público general. La banda estableció lo que sería el modelo para muchos otros grupos populares de habla hispana. Soda Stereo ha encabezado las listas de todos los tiempos en gran parte de América Latina y en su nativa Argentina, donde se establecieron varios récords de ventas de discos y asistencias a conciertos.

El primer sonido de Soda fue influenciado por músicos y bandas de new wave como The Police, Elvis Costello y Virus, y por bandas de post-punk como Television, como se ve en sus primeros cuatro álbumes “Soda Stereo” (1984), “Nada Personal” (1985), “Signos” (1986) y “Doble Vida” (1988). En su primer álbum, uno de los estilos por el cual se caracterizaban fue el new wave, y en menor medida, el ritmo ska. Poco a poco se convirtió en una banda de rock más crudo acercándose al sonido alternativo, y con el tiempo recibiendo influencias de rock clásico, rock progresivo, shoegaze, neo psicodelia, britpop y la música electrónica. Esto se aprecia en sus últimos tres álbumes de estudio “Canción Animal” (1990), “Dynamo” (1992) y “Sueño Stereo” (1995).

Cuatro de sus álbumes han sido incluidos en la lista de los 250 mejores discos de todos los tiempos del rock iberoamericano o latino: “Canción Animal” (n.º 2), “Comfort y Música Para Volar” (n.º 15), “Signos” (n.º 40) y “Sueño Stereo” (n.º 41). Además, la edición en inglés de Rolling Stone consideró a “Sueño Stereo” como el cuarto mejor álbum de la historia del rock latino. Su canción “De música ligera” ha sido considerada la segunda mejor del rock hispanoamericano y la cuarta de todos los tiempos, tanto del rock latino, como del rock argentino en particular.

En 1997 se disolvió por problemas personales y por diferencias de criterios artísticos entre sus integrantes, realizando una corta y emotiva gira de despedida terminada el 20 de septiembre de 1997 en el estadio de River Plate, conocido como “El último concierto”. En 2002 recibieron el Premio Leyenda de MTV Latinoamérica por su trayectoria musical, el primero que entregó la entidad. En sus catorce años de existencia continuada realizaron 1488 recitales en 97 ciudades de países de América. La banda vendió aproximadamente 10 millones de copias. A mediados de 2007 la banda anunció su regreso para realizar una única gira continental llamada “Me Verás Volver” en la que reunió a más de un millón de seguidores, rompiendo varios récords de asistencia y número de conciertos.

Un largo silencio antecedió a la despedida final, salvo la participación de la banda en el disco “Tributo a Queen: Los Grandes del Rock en español” que sería lanzado en octubre de 1997, para el cual graban “Algún Día”, versión en castellano del tema “Some day, one day” de Queen, publicada en su respectivo álbum “Queen II” en 1974. El 1 de mayo de 1997 Soda Stereo anunció oficialmente su separación mediante un comunicado de prensa. Al día siguiente todos los diarios se hicieron eco de la noticia y el diario Clarín dedicó un gran espacio en su portada para ello. Gustavo publicó al día siguiente en el suplemento «Sí» (juvenil) del diario Clarín lo que sería “La carta del adiós”:

“Estas líneas surgen de lo que he percibido estos días en la calle, en los fans que se me acercan, en la gente que me rodea, y en mi propia experiencia personal. Comparto la tristeza que genera en muchos la noticia de nuestra separación. Yo mismo estoy sumergido en ese estado porque pocas cosas han sido tan importantes en mi vida como Soda Stereo. Cualquiera sabe que es imposible llevar una banda sin cierto nivel de conflicto. Es un frágil equilibrio en la pugna de ideas que muy pocos consiguen mantener por quince años, como nosotros orgullosamente hicimos. Pero, últimamente, diferentes desentendimientos personales y musicales comenzaron a comprometer ese equilibrio. Ahí mismo se generan excusas para no enfrentarnos, excusas finalmente para un futuro grupal en que ya no creíamos como lo hacíamos en el pasado. Cortar por lo sano es, valga la redundancia, hacer valer nuestra salud mental por sobre todo y también el respeto hacia todos nuestros fans que nos siguieron por tanto tiempo. Un fuerte abrazo.”

Terminaron con un concierto el 20 de septiembre en el estadio de River Plate, que finalizó con la épica y emocionada interpretación del tema “De música ligera”. Sin aún haber acabado de tocar y extendiendo el final de la canción, un emocionado Gustavo Cerati casi hasta las lágrimas, dedicó su recordado pequeño discurso, inmortalizando este momento como uno de los más emocionantes en la historia de la música latinoamericana:

“No sólo no hubiéramos sido nada sin ustedes, sino con toda la gente que estuvo a nuestro alrededor desde el comienzo; algunos siguen hasta hoy. ¡Gracias totales!”

La banda encaró su última gira, que fue muy breve y emotiva. Pasaron por Chile, México y Venezuela. Durante el Último Concierto el 20 de septiembre de 1997 en el estadio de River Plate, se grabó el concierto en vivo, que fue editado en dos CD separados, bajo el nombre de “El Último Concierto” partes «A» y «B». Años después, en 2005, se publicó el esperado DVD del histórico concierto “Soda Stereo: El último concierto”.

«El Último Concierto» es un álbum en vivo doble grabado por el grupo de rock argentino Soda Stereo durante su concierto de despedida. Fue editado en diciembre de 1997 por la discográfica BMG Ariola. La versión en CD de este álbum consta de dos discos (vendidos por separado), los que recopilan los mejores temas de los conciertos de la gira despedida de Soda Stereo realizada entre agosto y septiembre de ese año por México, Venezuela, Chile y Argentina, aunque la mayor parte de los temas fueron grabados en el Estadio de River Plate el 20 de septiembre de 1997 ante más de 60 mil personas, en un concierto de más de dos horas de duración, y cuyo final estuvo dado por la ya famosa frase “‘Gracias totales'”. Cada uno de esos discos se llamó “El último concierto A” y “El último concierto B”.

La mezcla de “El Último Concierto” fue realizada en los estudios El Pie de Buenos Aires. El ingeniero fue Eduardo Bergallo y sólo Gustavo Cerati participó de la mezcla.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Disco A:

  1.  «En la Ciudad de la Furia» – 6:37
  2. «El Rito» – 7:04
  3. «Hombre al Agua» – 6:29
  4. «En el Séptimo Día» – 4:57
  5. «Canción Animal» – 4:17
  6. «Trátame Suavemente» – 4:04
  7. «Paseando por Roma» – 3:43
  8. «Lo que Sangra (La Cúpula)» – 5:16
  9. «Zoom» – 3:34
  10. «Signos» – 4:31
  11. «Ella Usó Mi Cabeza como un Revólver» – 4:39

 

Disco B:

  1. «Disco Eterno» – 7:36
  2. «Planeador» – 4:25
  3. «Luna Roja» – 5:36
  4. «Té para Tres» – 2:32
  5. «Cuando Pase el Temblor» – 4:54
  6. «Claroscuro» – 5:35
  7. «Persiana Americana» – 4:40
  8. «Un Millón de Años Luz» – 5:59
  9. «Primavera 0» – 4:24
  10. «Cae el Sol» – 4:51
  11. «De Música Ligera» – 4:51

 

Calidad: FLAC

 

 

 


30 Seconds to Mars – 30 STM [2002]

[Resubida Mejorada]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

30 Seconds to Mars es una banda de rock alternativo formada en Los Ángeles (California) en 1998. Integrada originalmente por tres miembros: Jared Leto (voz, guitarra), Matt Wachter (bajo, sintetizador) y Shannon Leto (batería), a quienes más tarde se les uniría el guitarrista Solon Bixler; desde 2007 la banda está compuesta por Jared Leto (voz, guitarra), su hermano Shannon Leto (batería) y Tomo Milicevic (guitarra, teclados). Después de la salida de Matt Wachter (ahora de Angels & Airwaves) en 2007, Jared Leto se convirtió en el bajista de la banda. Tim Kelleher se ocupa del bajo únicamente en vivo.

De acuerdo a una entrevista de Virgin Records, el nombre de la banda “viene de una tesis que encontramos en la web que había sido escrita por un ex-profesor de Harvard. Una de las subsecciones de la tesis estaba titulada «Thirty Seconds to Mars» («Treinta segundos a Marte») y hablaba sobre el crecimiento de la tecnología que relacionaba a los humanos y decía que estábamos literalmente a treinta segundos de Marte. Lo que significa para nosotros es que pensábamos que describía nuestra música, en pocas palabras”.

Aunque Jared Leto es un reconocido actor de Hollywood, prefiere no usar esa información para promocionar la banda. Él mismo ha dicho que la banda será reconocida por su música y no por dicho título, de hecho, la banda rechazaba tocar en lugares en donde se utilizara su nombre como actor para promocionar el show.

En 1999, 30 Seconds to Mars firmó con Immortal Records y Virgin Records y, después de tres años, lanzaron su álbum debut: “30 Seconds to Mars”. El álbum debutó en el número 107 en el Billboard 200 y en el número uno en el Top Heatseekers, vendiendo 121.000 unidades en los Estados Unidos. El álbum produjo dos singles, “Capricorn (A Brand New Name)” y “Edge of the Earth”. El primero alcanzó el puesto número 31 en el Mainstream Rock Tracks y alcanzó el número uno en la canciones Heatseekers.

El segundo álbum, “A Beautiful Lie”, fue grabado en cuatro continentes diferentes y en cinco países distintos durante un año. El álbum tuvo cuatro singles: “Attack”, “The Kill”, “From Yesterday” y “A Beautiful Lie”. “Attack” fue la canción más pedida durante la primera semana en la radio alternativa, mientras que “The Kill” estableció un récord de éxito en la historia de la lista Modern Rock Tracks cuando permaneció en la tabla de radios más de 94 semanas. El tercer sencillo, “From Yesterday”, encabezó el Hot Rock Moderno durante varias semanas. “A Beautiful Lie”, fue lanzado como el cuarto single del álbum en algunos países, incluido Portugal, donde alcanzó el número ocho en la tabla. En abril de 2008, el álbum había vendido más de 4 millones de copias en todo el mundo.

Después, la banda lanzó su tercer álbum, “This Is War”, el 4 de diciembre de 2009. El álbum encabezó las listas estadounidenses, alcanzando el número uno en el Top Tastemaker, el número de dos en el Top alternativas y álbumes digitales, el número cuatro en el Top Rock, y el número 18 en el Billboard 200. Su primer single, “Kings and Queens”, alcanzó el número uno en la lista Alternativa y el número cuatro en la lista de Rock. El segundo sencillo, “Closer to the Edge”, tiene el récord de más semanas en el número uno durante el año 2010 en el Rock Chart del Reino Unido, al mantenerse en la parte superior durante ocho semanas.

En 2013, la banda lanzó su cuarto álbum de estudio, “Love, Lust, Faith and Dreams”, del que se desprendió el sencillo “Up In the Air”.

Hasta la fecha, la agrupación ha vendido alrededor de 11 millones de copias en todo el mundo. La banda ha recibido numerosos reconocimientos y premios, tienen un total de 50 premios de aproximadamente 70 nominaciones. Entre sus premios más destacados están cuatro MTV Europe Music Awards. Además el pasado diciembre consiguieron entrar en el libro Guinness de los récords, obteniendo el récord de mayor número de conciertos en una misma gira, más de 300 durante su última gira. Aproximadamente 311 sin contar los shows acústicos, contando estos últimos, el número de conciertos se elevaría a 366.

«30 Seconds to Mars» es su álbum debut, descrito como un disco conceptual en torno al tema de la lucha humana. Fue grabado a finales de 2001 en los Cherokee Studios de Hollywood, con producción de Bob Ezrin, Brian Virtue y el propio grupo; mezclado en The Mix Room en Burbank (California) y editado el 27 de agosto de 2002, por Immortal Records y Virgin Records. Produjo dos singles: “Capricorn (A Brand New Name)” y “Edge of the Earth”, que llegaron a los conteos con una posición máxima de #31 en la lista estadounidense Mainstream Rock.

Jason D. Taylor, de Allmusic consideró este lanzamiento como “un nuevo paso audaz en la evolución musical” y señaló que su impacto dejó “amplios pasillos de sonido abiertos para que el oyente navegue bajo su voluntad”. Comentó que los miembros de 30 Seconds to Mars lograron grabar un álbum que “da vida” a la “cáscara vacía en lo que la corporación del Rock se había convertido”. Un editor de MuchMusic llamó al álbum como un “trabajo que está creado para durar”, notando que la banda produjo “algo único” con “profundidad y sustancia”. La revista en línea “Kludge” citó el disco como uno de los mejores 100 álbumes del 2002. Melodic lo incluyó en su lista de los “50 mejores discos del año” y lo consideró como “uno de los álbumes más singulares cuando se trata de un estilo propio”.

En EUNA, el álbum entró en el Billboard 200 en el número 107 a la fecha del 14 de septiembre de 2002; también debutó en el número uno en el Top Heatseekers; tuvo unas ventas estimadas en más de 40.000 unidades. En agosto de 2006, Nielsen SoundScan estima las ventas reales del álbum en más de 120.000 en EUNA. En el Reino Unido, “30 Seconds to Mars” debutó en el número 136 en el UK Albums Chart, obtuvo una certificación de Plata por la Industria Fonográfica Británica (BPI) en julio de 2013, indicando los envíos de más de 60.000 unidades. En Francia, el disco debutó en el número 142 de su lista nacional de álbumes el 5 de octubre de 2002. Después de su lanzamiento al mercado australiano, el álbum entró en las listas ARIA en el número 95 en la edición del álbum del 11 de junio de 2007, alcanzando el número 89 a la semana siguiente. En Grecia, entró en la lista nacional de álbumes en junio de 2011, en vista de concierto de la banda que tuvo lugar en Atenas en julio, alcanzando el puesto 41. El álbum fue un éxito de ventas lentas y eventualmente terminarían vendiendo más de dos millones de copias en todo el mundo hasta la fecha de marzo del 2011.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Capricorn (A Brand New Name)» – 3:51
  2. «Edge of the Earth» – 4:35
  3. «Fallen» – 4:57
  4. «Oblivion» – 3:27
  5. «Buddha for Mary» – 5:43
  6. «Echelon» – 5:47
  7. «Welcome to the Universe» – 2:37
  8. «The Mission» – 4:02
  9. «End of the Beginning» – 4:37
  10. «93 Million Miles» – 5:18
  11. «Year Zero» – 7:52 (Contiene el track oculto “The Struggle”, también llamado “Hidden to Label”, – 1:50)

Calidad: FLAC

 

 

 


Catupecu Machu ‎– Dale! [1997]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

Catupecu Machu es una banda argentina de rock, formada en 1994 en el barrio porteño de Villa Luro. Al principio, se formó por los hermanos Fernando Ruiz Díaz, Gabriel Ruiz Díaz. Actualmente está formada por Fernando Ruiz Díaz en voz, guitarras y bajo, Agustín Rocino en batería, Martín “Macabre” González en teclados, bajo y coros y Sebastián Cáceres en bajo y guitarras.

Su música se enmarca dentro del rock alternativo, el pop-rock y la experimentación sonora, dentro de un formato de canción. Desde sus inicios los críticos la consideraron como una de las bandas más enérgicas e innovadoras del rock argentino. Respecto al significado del nombre del grupo, Fernando Ruiz Díaz lo inventó muchos años antes que existiera la banda, refiriéndose a un animal imaginario y fue el que improvisó al momento de nombrar al grupo en su primera actuación pensando en que iba a ser momentáneo, pero finalmente, fue permanente.

A fines de 1996 participaron de un compilado hecho por la revista Revólver, llamado “Hard Rock Casé”, donde interpretaban “Dale!” y “Elevador”. En realidad, el disco “Dale!” contendría la mayoría de los temas grabados en este demo y los anteriores.

Conformados como trío, el grupo estaba integrado por Gabriel Ruiz Díaz en bajo, Fernando Ruiz Díaz en guitarra y voz y Abril Sosa en batería. Luego de transitar el under porteño, en agosto de 1997 editan en forma independiente en su propio sello Mueve! Discos su álbum debut, «Dale!», llamando la atención de la escena musical de Argentina por su novedosa propuesta y sus viscerales shows en vivo. Fue producido, grabado y mezclado por Gabriel Ruiz Díaz en el propio estudio del grupo “La Sala” entre mayo y agosto de 1997.

Los temas “Dale!” y “La Polca” fueron elegidos como cortes de difusión para las radios. Dichos temas también serían promocionados en forma de videoclip para MTV. El videoclip de “Dale!”, el primero de la banda, fue dirigido por Cristian Gielmetti y fue emitido en 1997; por su parte, el vídeo de “La Polca” fue dirigido por Juan Baldana y Leo Aramburu y se emitió por televisión en 1997. En la segunda mitad de ese año, un programa de la radio Rock&Pop ayudó a la publicidad de la banda al incluir el tema “Elevador” como su canción de apertura. Así, convirtió el tema en el primer hit radial de Catupecu.

La prensa y la banda coincidieron al notar que el público de Catupecu, a diferencia de la gran mayoría de las bandas de la época, era heterogéneo, es decir, de todas las tribus urbanas venía gente a presenciar sus shows. La revista argentina de rock nacional El Acople, que mantiene una vieja relación de amistad con la banda (crecieron en la misma época) opinó en una de sus ediciones que Catupecu “es la única banda respetada por todas las tribus urbanas”, agregando luego que “se ve reflejado en la diversidad de personas que hay ahí de cualquier palo o edad”. La Revista Madhouse le preguntó a Fernando Ruiz Díaz en una ocasión si no consideraba “un peligro” que ese tipo de público se le pegara (ya que el fanatismo por la música, era en ese momento en la Argentina algo extremo e inconsciente, similar al del fútbol o la política), a lo que Fernando contestó que siempre llevaban un “público Catupecu”, y que eso significaba que no importa de dónde venía la gente porque no existe la “tribu Catupecu”, porque según él, Catupecu es para todos, para cualquiera, y que la responsabilidad de un músico era cuidar de que en un show no se le “fuese de las manos”.

 
Fuente: Wikipedia / Zonde
 

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas de Fernando Ruiz Díaz y Gabriel Ruiz Díaz, excepto indicados)

  1. «Todo Pasa, Todo Queda» – 2:30
  2. «Calavera Deforme» (F. Ruiz Díaz, G. Ruiz Díaz, Marcelo Baraj) – 4:30
  3. «Los Tres Deseos» – 4:24
  4. «El Lugar» – 3:53
  5. «Apirié Omapare Piaroló» (F. Ruiz Díaz, G. Ruiz Díaz, Abril Sosa) – 2:26
  6. «Elevador» – 4:28
  7. «Come Together» (John Lennon, Paul McCartney) – 4:17
  8. «Mil Voces Finas» – 3:46
  9. «Dale!» – 5:10
  10. «La Polca» – 4:41
  11. «Ritual» (F. Ruiz Díaz, G. Ruiz Díaz, Sosa) – 5:25
  12. «La Llama» – 3:56
  13. «Le Di Sol» – 3:20
  14. «Hay Casi un Metro al Agua» (F. Ruiz Díaz, G. Ruiz Díaz, Sosa) – 4:11
  15. «–» – 1:00
  16. «El Sueño» – 5:23

Calidad: FLAC

 

 

 


Hüsker Dü – Warehouse: Songs & Stories [1987]

[Resubida Mejorada]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

Hüsker Dü fue un influyente grupo estadounidense de punk, hardcore y rock alternativo de los años 80, formado en Minneapolis (Minnesota) en 1979 por el guitarrista Bob Mould, el bajista Greg Norton y el batería Grant Hart. Mould y Hart se repartían a partes iguales las tareas de escribir los temas y cantar. “Husker du” quiere decir “¿te acuerdas?” en noruego; añadieron las diéresis para darle un toque más misterioso. Su disco “New Day Rising” aparece en la lista de los 500 Mejores Discos de la Historia según la revista Rolling Stone, en el puesto 495. En el libro “1001 Discos que Hay que Escuchar Antes de Morir” (ed. Grijalbo) escrito por el crítico británico Robert Dimery y con un prefacio del co-fundador de la revista Rolling Stone, Michael Lydon, figura el último doble LP del grupo, “Warehouse, Songs and Stories”.

Aunque nunca fueron ampliamente populares, tuvieron un enorme impacto, mucho mayor de lo que sus modestas ventas pudieran indicar. Después de una serie de discos relativamente exitosos, como “Zen arcade” (1984) y “New day rising” (1985), saltaron de la discográfica independiente SST Records a Warner Bros. Records, convirtiéndose así en una de las primeras bandas “underground” que dio el salto a una gran multinacional. Al principio Hüsker Dü ganaron notoriedad como banda hardcore punk con unos riffs abruptos y voces desgarradas. Poco a poco abandonaron este sonido inicial y empezaron incluir melodías pop y pequeños matices innovadores en el campo del hardcore, como riffs basados en arpegios o algún que otro teclado.

Las letras también evolucionaron de forma significativa. Ampliaron su espectro para incluir, aparte de los estereotipos del hardcore (temas sociopolíticos, angustia post-adolescente, violencia y brutalidad), composiciones más abstractas y poéticas, a veces de contenido metafísico o romántico. Durante un tiempo combinaron a la perfección este nuevo sonido con su ideario hardcore punk; sin sacrificar sus reivindicaciones políticas ni la tremeda distorsión de las guitarras de Mould o los frenéticos ritmos de Hart y Norton. Un claro ejemplo de esta etapa es el doble LP “Zen Arcade”, de 1984. En él, Mould y Hart alternan las estrofas relativamente melódicas con estribillos llenos de furia y rabia. Esta dinámica de “loud quiet loud” (ruidoso tranquilo ruidoso) sería uno de los ingredientes fundamentales del grunge en la posterior década de los 1990. Al dar el salto a una discográfica multinacional, tras “Flip your wig” (1985), su sonido cobró un corte más cercano al pop convencional y la velocidad de las canciones disminuyó notablemente.

En 1988 se separaron por problemas internos, sin haber llegado a alcanzar el éxito comercial masivo. A pesar de ello, Hüsker Dü influyeron a varios grupos de punk pop, rock alternativo y noise pop desde mediados de los 1980 hasta finales de los 1990: Pixies, Nirvana, Green Day, Soul Asylum, Dinosaur Jr., Superchunk, The Posies, Foo Fighters.

«Warehouse: Songs and Stories» es el sexto y último álbum de estudio de la banda de rock alternativo Hüsker Dü, originalmente editado en enero de 1987 por Warner Bros. Records como un doble LP de dos vinilos. El grupo se disolvió tras la gira de presentación de este trabajo. El enfrentamiento entre los dos compositores era más que evidente, a pesar de haber llegado a un gran nivel de madurez. Con todo, Mould dijo más tarde que este período fue una “mala racha”, pero que “Warehouse” era todavía un “buen disco”.

El título proviene del hecho de que el grupo había alquilado un almacén (warehouse) para escribir y ensayar; un cambio en su antigua práctica de escribir nuevo material y probarlo más tarde en vivo.

Los sencillos extraídos del álbum fueron “Could You Be the One?”, “She’s a Woman (And Now He Is a Man)” y “Ice Cold Ice”. El disco de situó en el puesto 117 en el Billboard Top 200 y también se mantuvo por una semana en el n° 72 de las listas británicas.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1.   «These Important Years» (Mould) – 3:48
  2.   «Charity, Chastity, Prudence, and Hope» (Hart) – 3:12
  3.   «Standing in the Rain» (Mould) – 3:47
  4.   «Back from Somewhere» (Hart) – 2:17
  5.   «Ice Cold Ice» (Mould) – 4:21
  6.   «You’re a Soldier» (Hart) – 3:03
  7.   «Could You Be the One?» (Mould) – 2:33
  8.   «Too Much Spice» (Hart) – 2:55
  9.   «Friend, You’ve Got to Fall» (Mould) – 3:20
  10.   «Visionary» (Mould) – 2:31
  11.   «She Floated Away» (Hart) – 3:33
  12.   «Bed of Nails» (Mould) – 4:44
  13.   «Tell You Why Tomorrow» (Hart) – 2:52
  14.   «It’s Not Peculiar» (Mould) – 4:07
  15.   «Actual Condition» (Hart) – 1:50
  16. «No Reservations» (Mould) – 3:43
  17. «Turn It Around» (Mould) – 4:31
  18. «She’s a Woman (And Now He Is a Man)» (Hart) – 3:18
  19. «Up in the Air» (Mould) – 3:04
  20. «You Can Live at Home» (Hart) – 5:24

Calidad: FLAC

 

 

 


Immaculate Fools ‎– Nothing Means Nothing (Maxi) [1984]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

Immaculate Fools fue un grupo musical británico de pop-rock con tintes folk formado en 1984 en Kent, un condado no metropolitano inglés situado al sureste de Londres, y se mantuvo en activo hasta 1997, después de haber publicado seis álbumes de estudio. Lo crearon dos parejas de hermanos: Kevin Weatherill (voz, guitarra) y Paul Weatherill (bajo, voz), y Andy Ross (guitarra) y Peter Ross (batería).

Saltó a la fama en 1985 con el sencillo homónimo “Immaculate Fools”, que alcanzó el número 51 en la lista de sencillos del Reino Unido en enero de 1985. Su primer disco, “Hearts of Fortune” (Polygram, 1985), alcanzó el puesto 65 ese mismo año. La banda realizó muchas giras por Europa y tuvo especial seguimiento en España, en cuya televisión actuaron varias veces.

El segundo disco de la banda, “Dumb Poet”, tuvo críticas muy positivas (incluyendo una reseña en la revista Sounds que daba al disco una puntuación de cinco estrellas), pero no alcanzó el éxito comercial de su debut. Con todo, el disco incluía una canción que tuvo cierto éxito, “Tragic Comedy”.

La banda sufrió un cambio importante de formación cuando los hermanos Ross dejaron el grupo, incorporándose Barry Wickens, Paul Skidmore y Ian Devlin para la grabación de su siguiente disco, “Another Man’s World”. El grupo montó un estudio de grabación en una granja (Woodhouse) galesa, cerca de Ludlow. Siguieron siendo populares hasta su ruptura en 1997. En los dos últimos discos del grupo, “Woodhouse” y “Kiss and Punch”, los hermanos Weatherill contaron con Wickens, Brian Betts (guitarra) y Nick Thomas (batería).

Kevin Weatherill, principal cantante y compositor del grupo, sigue grabando y tocando en directo, tanto en el Reino Unido como en Europa, con el nombre Dirty Ray. En la actualidad afincado en el norte de España, en Galicia. En 2010 trabajó con Miles Hunt de Wonderstuff y la violinista Erica Nockalls en el disco “Big World for a Little Man”.

El maxi «Nothing Means Nothing» fue el primer trabajo discográfico de Immaculate Fools, que también fue lanzado en formato sencillo. Con producción de Colin Thurston y grabado y mezclado por Glyn Johns, se editó en 1984 por la discográfica A&M Records.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Nothing Means Nothing» – 3:47
  2. «Little Tickets» – 3:52
  3. «Tumbling Down» – 3:00

Calidad: 320 Kbps (a 48000 Hz)

 

Gracias al compañero KikeDjDif por el archivo wav que ripeé a mp3 de máxima calidad.

 

 

 


Divididos – Gol de Mujer [1998]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

Divididos es una banda argentina de rock, fundada en 1988 en Hurlingham (provincia de Buenos Aires) por Ricardo Mollo y Diego Arnedo, ex-integrantes de Sumo, cuando ésta se disolvió por la muerte de su líder, Luca Prodan. En sus trabajos han incursionado en estilos musicales locales como el folklore. Ha sido galardonada en múltiples ocasiones tanto de forma grupal como individual. En el 2011 fue hacedora del Premio Gardel de Oro (la distinción más destacada de la música nacional) en reconocimiento a su exitosa trayectoria, premio que ha sido entregado sólo catorce veces a distintos artistas tales como Charly García, León Gieco, Mercedes Sosa y Gustavo Cerati, entre otros.

Tras la disolución de Sumo debido a la muerte de su cantante Luca Prodan el 22 de diciembre de 1987, el resto de sus integrantes Ricardo Mollo, Diego Arnedo, Roberto Pettinato, Alberto “Superman” Troglio y Germán Daffunchio deciden reflexionar acerca del futuro de la banda. Daffunchio y Timmy Mackern (productor de Sumo y amigo de Luca) vuelven a las sierras cordobesas y el resto de la banda se queda ensayando en una sala de El Palomar. El 5 de marzo de 1988, ya sin Luca Prodan en escena, Sumo se presenta en el Chateau Rock, con Daffunchio, Mollo, Pettinato, Arnedo y Troglio.

Ricardo Mollo (guitarra) y Diego Arnedo (bajo), junto al baterista Gustavo Collado (ex La Sobrecarga) forman «La División» que luego cambiaría de nombre para pasar a ser «Divididos». Ellos se juntan por primera vez en la casa de Poppy Manzanedo, donde vivía Gustavo Collado, Manzanedo fue el primer manager que tuvo Divididos, firmó el contrato con CBS para grabar su primer disco, “40 Dibujos Ahí en el Piso”.

Tras firmar contrato con la multinacional BMG en 1998 en Los Ángeles, aparece «Gol de Mujer», quinto álbum de estudio de la banda, grabado entre los años 1997 y 1998 en los estudios La Calandria, Del Cielito y TNT (todos en Buenos Aires), con producción de Ricardo Mollo, y editado en 1998 por BMG. El disco tiene tanto canciones rockeras, como “Nene de antes” y “Gol de mujer”, como folklóricas: “Vientito del Tucumán” (una versión del poema inédito de Atahualpa Yupanqui), “El gordo legüero”, “Clavador de Querubín” y “Niño hereje”, siendo esta mezcla una de las principales características de la banda, con el objetivo de “devolverle algo a la cultura”. También contiene una canción en homenaje al fallecido cantante de Sumo llamada “Luca” y hasta un pesado cover de Billy Bond y la Pesada del Rock and Roll (“Salgan al sol”). El material fue presentado el 25 de julio de 1988 en el Parque Sarmiento y luego en el Estadio Obras Sanitarias, y se ganó rápidamente la aprobación de sus seguidores.

Divididos volvería a su esencia y entregarían un disco fiel a su estilo luego del poco comercial y experimental “Otroletravaladna”. Los demoledores riffs “hendrixianos” de Mollo, los increíbles punteos de bajo de Arnedo son una experiencia más que cautivadora a la hora de escuchar cualquier trabajo de la aplanadora del rock. En esta oportunidad, el joven baterista Jorge Araujo se lució mucho más que en su primera participación en el grupo, estando a la altura de dos virtuosos como sus compañeros de trío.

 
Fuente: Wikipedia / Zonde
 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas compuestos por Diego Arnedo y Ricardo Mollo, excepto indicados)

  1. «Alma de Budín» – 2:56
  2. «Nene de Antes» (Mollo, Arnedo, Araujo) – 4:10
  3. «Luca» – 4:00
  4. «Clavador de Querubín» – 1:38
  5. «Sobrio a las Piñas / Quién se Tomó Todo el Vino» (Mollo, Arnedo, Araujo / Jiménez, Cueto, Altamirano) – 4:28
  6. «Amor Japonés» (Mollo, Arnedo, Araujo) – 3:19
  7. «Cabeza de Maceta» (Mollo, Arnedo, Araujo) – 2:45
  8. «Letra Gótica» – 2:01
  9. «Cosas de Baboon» – 3:12
  10. «Gol de Mujer» (Mollo, Arnedo, Araujo) – 4:32
  11. «Vientito de Tucumán» (Mollo, Arnedo, Araujo / Yupanqui) – 3:19
  12. «Niño Hereje» – 1:39
  13. «Zombie» – 4:15
  14. «El Fantasio» (Mollo, Arnedo, Araujo) – 5:51
  15. «Salgan al Sol» (Javier Martínez) – 1:46
  16. «El Gordo Legüero» – 1:47

Calidad: FLAC

 

 

 


Sting & The Police – The Very Best Of (1997)

 

[Otras Músicas]

 

Gordon Matthew Thomas Sumner, más conocido como Sting, es un músico británico que se desempeñó inicialmente como bajista, y más tarde como cantante y bajista del grupo musical The Police. Una vez tocó vistiendo una camiseta a rayas negras y amarillas, por aquel entonces jugaba en el segundo equipo de fútbol de Newcastle, y su compañero Gordon Solomon le dijo que parecía una abeja, tras lo cual todos empezaron a llamarle Sting (en castellano, ‘aguijón’), que usa como nombre artístico desde entonces de manera exclusiva, excepto para documentos oficiales.

Como miembro de The Police y como solista, Sting ha vendido más de cien millones de discos, ha recibido más de dieciséis Premios Grammy por su trabajo, recibiendo el primero por Mejor Interpretación de Rock Instrumental en 1981, y obtuvo una nominación a los premios Óscar por Mejor Canción.

En noviembre de 1997, la discográfica A&M Records publica el álbum recopilatorio «The Very Best of Sting & The Police», que reune 17 temas que habían sido grandes éxitos tanto de la banda The Police, como de Sting en solitario, más un nuevo remix de “Roxanne” realizado por el artista rap Sean “Puffy” Combs. El disco fue producido por Hugh Padgham, Sean “Puffy” Combs, Nigel Gray y Sting. Fue reeditado en 1998 por PolyGram International y nuevamente en 2002 por Universal Music, con distinta portada y diferente tracklist.

El álbum fue nº 1 en Reino Unido y Francia, nº 4 en Italia y Austria, nº 5 en Nueva Zelanda, nº 17 en Holanda, nº 18 en Alemania y nº 22 en Australia, aunque no logró pasar de puesto 46 en Estados Unidos de Norteamérica. Fue acreditado 4× platino en Gran Bretaña, doble disco de oro en Francia y disco de oro en Alemania, Italia, Austria, EUNA, Nueva Zelanda y Australia.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas escritos y compuestos por Sting, excepto indicado)
 

  1. The Police – «Message in a Bottle» – 4:50
  2. The Police – «Can’t Stand Losing You» – 3:00
  3. Sting – «Englishman in New York» – 4:27
  4. The Police – «Every Breath You Take» – 4:11
  5.  Sting – «Seven Days» – 4:38
  6. The Police – «Walking on the Moon» – 5:02
  7. Sting – «Fields of Gold» – 3:39
  8. Sting – «Fragile» – 3:53
  9. The Police – «Every Little Thing She Does Is Magic» – 4:20
  10.  The Police – «De Do Do Do, De Da Da Da» – 4:07
  11. Sting – «If You Love Somebody Set Them Free» – 4:14
  12. Sting – «Let Your Soul Be Your Pilot» (Edit) – 4:28
  13. Sting – «Russians» (Prokofiev, Sting) – 3:58
  14. Sting – «If I Ever Lose My Faith in You» – 4:30
  15. Sting – «When We Dance» (Edit) – 4:17
  16. The Police – «Don’t Stand So Close to Me» – 4:00
  17. The Police – «Roxanne» – 3:13
  18. The Police – «Roxanne ’97 (Puff Daddy Remix)» – 4:32

Calidad: FLAC

 

 

 


Manu Chao – Clandestino [1998]

[Resubida Mejorada]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

José Manuel Arturo Tomás Chao, más conocido como Manu Chao, es un cantautor francés de origen español, de madre vasca y padre gallego, nacido el 21 de junio de 1961 en París. Fundador y cantante de la banda Mano Negra, le abrió las puertas a su carrera musical en solitario. Actualmente vive en Barcelona.

Manu Chao es hijo de Ramón Chao, gallego de Villalba (Lugo), y de Felisa Ortega, de origen vasco (Bilbao); hermano de Antoine Chao (Antonio) y primo de Santiago Casariego (Santi), con quienes formó Mano Negra en 1987, logrando un éxito considerable, sobre todo en Europa y América Latina. Chao comenzó su carrera musical en París, como músico callejero y tocando en grupos como Hot Pants y Los Carayos, que combinaban una variedad de lenguajes y estilos musicales. Su padre, periodista, fue a París por su carrera, y luego a Bolivia. Su madre emigró a Francia durante la dictadura franquista. Manu y su hermano crecieron en Sèvres, al oeste de París.

Se convirtió en solista después de la disolución de Mano Negra en 1995, y desde entonces ha estado de gira regularmente con su banda en vivo, Radio Bemba. Decidió asentarse en Barcelona. Manu es conocido por sus ideales políticos, muchas de las canciones de Chao hablan sobre el amor, la vida en los guetos y la inmigración, dado que la familia del cantante emigró de España a Francia durante los años de dictadura de Francisco Franco. Su mejor amigo, Jorge Abascal, fue de gran influencia en sus ideas políticas vinculadas al anarquismo, que pueden verse reflejadas en muchas de sus canciones, especialmente en “Clandestino”.

Tras publicar “Casa Babylon” (1994), Mano Negra se disolvió a cara de perro. Manu y algunos miembros de la banda actuaron entonces bajo el nombre de Radio Bemba, por culpa de disputas legales derivadas de la separación. Sin domicilio fijo y siempre dispuesto a colaboraciones externas (los mexicanos Tijuana No, los brasileños Skank, los argentinos Todos Tus Muertos o el español Tonino Carotone, entre muchos otros), preparó «Clandestino», su primer disco en solitario.

Concebido como un carné de viaje, fue grabándolo en diferentes países con su estudio portátil, incluyendo colaboraciones de músicos locales ―como la panderetera y cantante gallega Josefa de Bastavales― o selecciones de noticiarios radiados u otros discos. El álbum contiene muchas frases cortas, dos de las cuales son fragmentos de un discurso del Subcomandante Marcos. La música resultante difiere drásticamente de Mano Negra; las canciones fueron interpretadas principalmente en castellano con mucho menos pistas en francés, inglés y portugués, y el estilo musical había cambiado de estilos punk y alternativos al estilo calle vibe que Chao estaba buscando.

Sin altibajos ni pausa entre ellas, las canciones ―bellas e inmensas en su sencillez― se suceden de manera extraordinariamente natural, como si no pudiera ser de otro modo, justamente porque no puede ser, porque la amargura de “Desaparecido” y “Mentira” (con el sample de “Llorona”) reciben el tratamiento musical que precisan, porque “Welcome to Tijuana” es la agridulce fiesta fronteriza que has soñado, porque “Lágrimas de Oro” pide ese guaguancó, porque en “Minha Galera” están las calles de Río pero no las del carnaval. Porque “Clandestino” es la primera obra maestra de un Manu Chao inspirado, emocionante y maduro, que escribe y canta con conocimiento de causa, con el dolor y la pena (por los demás) muy dentro, y el amor en la piel.

El álbum fue publicado en octubre de 1998 a través de Virgin Records. Aunque no fue un éxito instantáneo, el álbum ganó un seguimiento constante en Francia con éxitos como “Bongo Bong” y “Clandestino”, y finalmente ganó el premio al mejor álbum de música World en los premios Victoires de la Musique de 1999. El éxito de “Clandestino” en todo el mundo, con más de tres millones de ejemplares vendidos y siendo certificado disco de diamante, no hizo que Manu volviera a plantearse una gira convencional. Al contrario, se embarcó en la inclasificable Feira das Mentiras, un espectáculo circense con el que recorrió el norte ibérico.

Es una de las producciones musicales francesas más vendidas del mundo. Sobre todo en América Central y del Sur donde “Clandestino” fue un gran éxito. Además, el álbum alcanzó el disco de platino en España y fue certificado disco de oro en Alemania. Tiene el número 862 en la lista 1001 discos que hay que escuchar antes de morir y el número 67 (de 100) en la lista Los mejores álbumes de rock francés por la edición francesa de la revista Rolling Stone.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Clandestino» – 2:28
  2. «Desaparecido» – 3:47
  3. «Bongo Bong» – 2:38
  4. «Je Ne T’Aime Plus» – 2:02
  5. «Mentira» – 4:37
  6. «Lágrimas de Oro» – 2:57
  7. «Mama Call» – 2:21
  8. «Luna y Sol» – 3:07
  9. «Por el Suelo (Esperando la Última Ola)» – 2:21
  10. «Welcome to Tijuana» – 4:04
  11. «Día Luna… Día Pena» – 1:30
  12. «Malegría» – 2:51
  13. «La Vie à 2» – 3:00
  14. «Minha Galera» – 2:21
  15. «La Despedida» – 3:09
  16. «El Viento» – 2:26

Calidad: APE

 

 

 


Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota – Luzbelito [1996]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota (o simplemente Los Redondos) fue un grupo argentino de rock, formado en la ciudad de La Plata en 1976 y liderada por Carlos Alberto «Indio» Solari y Eduardo «Skay» Beilinson. En 1978 realizaron su primera presentación en Buenos Aires, con el reconocido guitarrista Conejo Jolivet, quien oficiaba de la primera guitarra, y el tecladista Roddy Castro quien además facilitó su lugar en las míticas salas de ensayo del subsuelo de la Av. Corrientes casi Av. 9 de julio. Posteriormente siguieron tocando en teatros underground hasta 1979, año en el que la banda decidió interrumpir momentáneamente sus shows. En 1981 el grupo retomó el rumbo de los pubs, para llegar a grabar su primer demo profesional en 1982, registradas en RCA en el demo “Demos RCA + Festival Pan Caliente”, que logran una importante difusión en las emisoras FM porteñas.

La banda creó con su música una original estética del rock, alcanzando masividad sin entrar en el circuito cultural oficial; manteniéndose independiente al margen de la industria musical durante sus 25 años de actividad y transformándose en la única banda (junto con La Renga) que, por principios, jamás se apoyó en los medios para difundir su trabajo. En general los recitales eran promovidos por el “boca en boca”. Por este motivo siempre fue una banda que estuvo al margen de festivales, reconocimiento mediático o premiaciones, sólo la Fundación Konex reconoció su trayectoria en 1995 con un Diploma al Mérito y en 2005 con el Premio Konex de Platino a la mejor banda de rock de la década, compartido con Divididos.

Considerada como una de las bandas más importantes del rock argentino y una de las más influyentes del rock en castellano, su obra siempre estuvo marcada por las metáforas en sus letras, la cultura, el vanguardismo en su puesta en escena y un imperante misticismo en sus obras gráficas. Representa un paradigma contracultural, reforzado y marcado por su producción independiente. Su influencia se ve en bandas como La Renga, Callejeros, Los Piojos, Los Gardelitos, Salta la Banca, El Bordo, La Beriso, Las Pastillas del Abuelo o Árbol.

Musicalmente, se destacan por sus instrumentales sumamente creativos, por una primera guitarra siempre presente ―ejecutando riffs y solos― en combinación con la voz y con agregados de otros instrumentos, tales como el saxofón, el violín, la trompeta, el piano, la armónica o percusión en varias de sus canciones.

«Luzbelito» es el séptimo álbum de estudio de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, grabado en Be Bop (San Pablo) y New River, Fort Lauderdale y El Pie (Buenos Aires) entre finales de 1994 y 1995, con producción del propio grupo, y publicado en 1996 por Del Cielito Records. Es uno de sus álbumes más oscuros y una de sus más polémicas obras, y a la vez uno de los más populares. Se trata un disco conceptual que, a través de la idea de un ficticio hijo del Demonio llamado Luzbelito, juega con las ambigüedades de las creencias y comportamientos humanos desde distintos puntos de vista. La edición argentina de la revista Rolling Stone ubicó al disco en el puesto 88 entre los 100 mejores discos del rock nacional. También “Mariposa Pontiac” fue considerado por Rock.com.ar como la 3° canción más destacada del rock nacional.

El álbum llevó más tiempo de producción que los anteriores, además de usar más estudios de grabación, destacando los temas “Luzbelito y las sirenas”, “¡Me matan, limón!”, “Juguetes perdidos” y “Mariposa Pontiac/Rock del País”, este último, junto con “Blues de la libertad”, fueron compuestos durante la primera época del grupo. Estos fueron compuestos incluso antes del lanzamiento del álbum “Gulp”, por lo que no comparten el estilo del resto del CD. Inicialmente, este álbum iba a estar compuesto por temas inéditos de la banda, pero el Indio Solari, en sus tiempos libres, comenzó a escribir canciones que tacharon casi todas las canciones del proyecto, quedando así estos dos únicos temas inéditos.

Musicalmente, el álbum cuenta con una atmósfera sombría y oscura, opresiva en ciertos pasajes, aunque con ciertos temas festivos. Es también el primer álbum de Los Redondos en ser vendido sin la tradicional caja plástica de los CD de audio, usando en cambio una presentación en caja de cartón y un elaborado mini-libro con ilustraciones alegóricas creadas, como en todos los discos de la banda exceptuando “En Directo”, por el artista Rocambole.

Sus seguidores, que se suelen identificar como “las bandas”, reclamaban la presencia del grupo sobre algún escenario. Por lo tanto, en junio de ese año (1996) se fija la cita en discoteca Go! de Mar del Plata. En esa oportunidad, el público llegó a la ciudad desde muy temprano y desde Buenos Aires se organizó la salida de los famosos “trenes ricoteros”. Finalmente ese año cerrarían con dos fechas en el mes de octubre los días 26 y 27 en el Estadio Polideportivo de Mar del Plata y en el Estadio 15 de abril de Unión de Santa Fe el día del cumpleaños de la banda, 28 de diciembre.

La polémica los vuelve a encontrar cuando la banda fue víctima de un acto de censura a raíz de un decreto del intendente de Olavarría (Eseverri), que prohibió los recitales programados para el 16 y 17 de agosto de 1997. La excusa oficial fue el temor a que se desataran hechos de violencia por parte de su audiencia, como era habitual. Tal situación hizo posible que la banda brinde una conferencia de prensa televisada en directo por primera vez en su vida, explicando las razones y dando la nueva fecha y lugar de los recitales. Finalmente el show se realizó sin incidentes en Tandil ante 21.000 personas, que soportaron una intensa lluvia durante todo el concierto.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas compuestos por Beilinson/Solari)

  1.  «Luzbelito y las Sirenas» – 4:06
  2. «Cruz Diablo!» – 4:13
  3. «Ella Baila con Todos» – 4:59
  4. «Fanfarria del Cabrío» – 5:09
  5. «Nuotatori Professionisti» – 4:41
  6. «Blues de la Libertad» – 5:00
  7. «La Dicha No Es una Cosa Alegre» – 5:35
  8. «Me Matan Limón!» – 3:35
  9. «Rock Yugular» – 7:04
  10. «Mariposa Pontiac – Rock del País» – 4:48
  11. «Juguetes Perdidos» – 7:10
Calidad: FLAC

 

 

 


Smashing Pumpkins – Mellon Collie & The Infinite Sadness [1995]

[Resubida Mejorada]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

The Smashing Pumpkins fue una banda estadounidense de rock alternativo formada en Chicago, Illinois, en 1988. Fundada por el vocalista Billy Corgan (voz, guitarra) y James Iha (guitarra rítmica), ellos incluyeron a Jimmy Chamberlin (batería), y D’arcy Wretzky (bajo), armando su formación original. La banda ha sufrido muchos cambios en su formación a lo largo de su existencia.

Repudiando las raíces musicales de punk rock de muchos contemporáneos del rock alternativo, los Pumpkins tienen un sonido diverso, densamente escalonado y pesado que se adhiere a un punk influido en filosofía en términos de entrega musical, que contiene elementos de rock gótico, heavy metal, dream pop, rock psicodélico, rock progresivo, shoegazing y electrónica en sus últimas grabaciones. Corgan es el compositor principal del grupo — sus grandes ambiciones musicales y sus letras catárticas le han dado forma a la banda y a sus canciones, que han sido descritas como “informes angustiados, magullados de un mundo de pesadillas de Billy Corgan”.

Smashing Pumpkins irrumpió en el mainstream musical con su segundo álbum, “Siamese Dream” de 1993. El grupo construyó su audiencia con extensas giras y su seguimiento de 1995, el doble álbum “Mellon Collie and the Infinite Sadness”, que debutó en el número uno en la lista Billboard 200. Con 20 millones de álbumes vendidos en EUNA, los Smashing Pumpkins eran una de las bandas más comercialmente exitosas y aclamadas por la crítica de la década de 1990. Sin embargo, las luchas internas, el uso de drogas y la disminución de las ventas de discos condujeron a su ruptura en 2000.

Durante 1995, Corgan se encierra en su apartamento y escribe 56 canciones para su nuevo álbum. Después de esta muestra de creatividad de Corgan, los Smashing se meten en el estudio para grabar su siguiente álbum, que Corgan describió como el “The Wall de los años 90”, en comparación con el afamado álbum doble conceptual de Pink Floyd. El resultado de esta explosión creativa es su tercer álbum de estudio, «Mellon Collie and the Infinite Sadness», un álbum doble de 28 canciones que debutó en el primer lugar del ranking Billboard de octubre de 1995, llegando a vender dieciséis millones de copias en el mundo y conseguir nueve discos de platino, convirtiéndose en el álbum doble más vendido de la década en ese momento.

Grabado entre marzo y agosto de 1995 en varios estudios de Chicago y mezclado en Los Ángeles, con producción del líder de la banda Billy Corgan junto a Flood y Alan Moulder, el álbum fue editado en octubre de 1995 a través del sello Virgin Records. El álbum contiene una gran diversidad de estilos, además de incorporar más peso musical por parte de la bajista D’arcy Wretzky y el segundo guitarrista James Iha que en los trabajos previos.

“Mellon Collie and the Infinite Sadness” es un álbum conceptual suelto, con la intención de que las canciones se unan de forma conceptual como símbolo del ciclo de la vida y la muerte. Billy Corgan dijo que el álbum está basado en “la condición humana de la pena mortal”. La naturaleza expansiva del álbum hace que se utilicen varios estilos distintos en sus canciones, contrastando con lo que algunos críticos describieron como “un sabor dimensional” de los dos álbumes previos. Se utiliza una variedad mucho más amplia de instrumentación, como piano (“Mellon Collie and the Infinite Sadness”), sintetizadores y loops de batería (“1979”), una orquesta (“Tonight, Tonight”), MIDI (“Beautiful”) e incluso saleros y tijeras (“Cupid de Locke”). Además, todas las piezas de guitarra del álbum están afinadas un semitono abajo para “hacer la música más grave”, según Corgan.

Precedido del sencillo “Bullet with Butterfly Wings” (nº 22 en las listas estadounidenses), el álbum debutó en el número uno de la lista del Billboard 200, siendo la primera y última vez que lo consiguiera la banda. Se extrajeron cuatro sencillos más -“1979” (nº 12); “Zero” (nº 29); “Tonight, Tonight” (nº 36); y “Thirty-Three” (nº 39) — a lo largo de 1996 y ha sido certificado con un disco de diamante por la RIAA por alcanzar los diez millones de discos vendidos.

Christopher John Farley de la revista Time dijo del álbum que era “el trabajo más ambicioso y conseguido de la banda hasta el día”. Farley escribió: “Uno tiene la sensación de que la banda tiró adelante de forma instintiva; el mero campo que abarca el álbum (28 canciones) no da pie a predicciones o ideas previas”. El crítico David Browne alabó la ambición de la banda y dijo que Mellon Collie and the Infinite Sadness es más que un mero trabajo de un melindroso y torturado obsesivo. Corgan se presenta a sí mismo como uno de los últimos verdaderos creyentes: alguien para quien vomitar toda esta música resulta de alguna manera arte mayor de época. No parece importarle las persistentes cuestiones sobre “venderse” del rock alternativo, y bien que hace: apunta a algo más alto y conquistador”.

El álbum ganó siete nominaciones a los premios Grammy de 1997, venciendo en la categoría de Mejor Interpretación de Hard Rock por la canción “Bullet with Butterfly Wings”. En 1998 fue votado por los lectores de la revista Q como el vigésimo noveno álbum más importante de todos los tiempos. En 2003, la revista Rolling Stone lo posicionó en el puesto número 487 de la lista de Rolling Stone de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos y la revista Time lo nombró como el “Mejor álbum de 1995”.

La edición en disco compacto del álbum fue dividida en dos CD, titulados “Dawn to Dusk” y “Twilight to Starlight”. La edición en disco de vinilo fue dividida en seis lados, titulados “Dawn”, “Tea Time”, “Dusk”, “Twilight”, “Midnight” y “Starlight”, e incluyó dos canciones adicionales (“Tonite Reprise” e “Infinite Sadness”), además de poseer una lista de canciones completamente diferente en cuanto a orden, respecto a las ediciones en disco compacto y casete.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas de Billy Corgan, excepto “Take Me Down”: James Iha, y “Farewell and Goodnight”: Corgan/Iha)

Dawn

01. «Mellon Collie and the Infinite Sadness» – 2:52
02. «Tonight, Tonight» – 4:14
03. «Thirty-Three» – 4:10
04. «In the Arms of Sleep» – 4:12
05. «Take Me Down» – 2:52

 

 

Tea Time

06. «Jellybelly» – 3:01
07. «Bodies» – 4:12
08. «To Forgive» – 4:17
09. «Here Is No Why» – 3:45
10. «Porcelina of the Vast Oceans» – 9:21

 

 

Dusk

11. «Bullet with Butterfly Wings» – 4:18
12. «Thru the Eyes of Ruby» – 7:38
13. «Muzzle» – 3:44
14. «Galapogos» – 4:47
15. «Tales of a Scorched Earth» – 3:46

 

 

Twilight

16. «1979» – 4:25
17. «Beautiful» – 4:18
18. «Cupid de Locke» – 2:50
19. «By Starlight» – 4:48
20. «We Only Come Out at Night» – 4:05

 

 

Midnight

21. «Where Boys Fear to Tread» – 4:22
22. «Zero» – 2:41
23. «Fuck You (An Ode to No One)» – 4:51
24. «Love» – 4:21
25. «X.Y.U.» – 7:07

 

 

Starlight

26. «Stumbleine» – 2:54
27. «Lily (My One and Only)» – 3:31
28. «Tonite Reprise» – 2:40
29. «Farewell and Goodnight» – 4:22
30. «Infinite Sadness» – 4:02

Calidad: 320 Kbps (a 48000 Hz)

 

 

Gracias al compañero David Paioneer por el archivo flac que ripeé a mp3 de máxima calidad.

 

 

 


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