Ciclos y Neurastenias en un mundo cruel

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Rage Against The Machine – RATM [1992]

[Resubida Mejorada]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

Rage Against the Machine (también conocido como Rage o RATM) es un grupo musical estadounidense de rap metal fundado en el año 1990 por Tom Morello y Zack de la Rocha. Junto con Tim Commerford y Brad Wilk, el grupo tocó durante toda la década de los años 1990 hasta su disolución en 2000.

Zack de la Rocha concibió el nombre Rage Against the Machine (en castellano: ‘Ira En Contra De La Máquina (o del Sistema)’) antes de la formación de la banda. Cuando Zack conoció a Tom Morello y formaron el grupo, el nombre Rage Against The Machine les pareció el más indicado para el tipo de música y de ideas que pretendían difundir. La “Máquina” (o el Sistema), según Morello, representa la globalización, el neoliberalismo, la alienación, el racismo, la brutalidad, la élite y la ignorancia, entre otras ideas.

Su estilo característico es una sólida fusión de hip hop, funk y heavy metal. Los solos de guitarra de Tom Morello se recalcan por sus prominentes usos de pedales y efectos, y sobresalen sus emulaciones de los scratchs y otros efectos de los DJ de hip hop. El cantante, Zack de la Rocha, participó en grupos de punk y hardcore metal antes de volverse un apasionado de las rimas del rap: de ahí viene su estilo agresivo de rapear y los fuertes gritos que incluye en algunas canciones. Se aprecia también un pequeño toque de jazz por parte del bajista Tim Commerford, que perteneció a un grupo de ese estilo a mediados de los años 1980; finalmente, la batería de Brad Wilk está cargada de ritmos funk especialmente contundentes. Este estilo de fusión fue más tarde imitado por otras bandas, atribuyéndosele la etiqueta de rap metal.

Son también conocidos por el contenido sociopolítico de sus canciones. Sus letras son rotundas, con un claro posicionamiento en contra del capitalismo, la globalización y la guerra. De tendencias políticas de izquierda, R.A.T.M. destacó, además, por sus múltiples iniciativas de protesta y solidaridad con distintos movimientos de reivindicación sociales y musicales. El cantante Zack de la Rocha participó en movimientos derivados del EZLN. En los días posteriores a los atentados del 11 de septiembre, las emisoras de radio estadounidenses habrían censurado al grupo por alentar el antipatriotismo.

La primera presentación del grupo fue en el garaje de uno de los amigos de Tim en Huntington Beach, California. El grupo tocó sólo cinco canciones que tenía escritas, pero tuvieron tanto éxito que las repitieron varias veces. Decidieron lanzarse a lo grande, por lo que ellos mismos grabaron una cinta con 12 canciones en un estudio local. Empezaron a tocar en clubes de los alrededores de Los Ángeles y consiguieron vender 5.000 copias de la cinta. Se fueron dando a conocer en el ambiente musical y actuaron como teloneros de Porno for Pyros en su primer gran concierto. Estuvieron en el segundo escenario del Lollapalooza II, en Los Ángeles, California, donde los vio un “caza-talentos”. Luego firmaron un contrato con Epic Records (una división de Sony BMG) y siguieron de gira, mientras empezaban a grabar el disco “Rage Against the Machine”.

«Rage Against the Machine» es el álbum debut de la banda, grabado entre abril y mayo de 1992 en los estudios Industrial Recording, Sound City Studios y Scream Studios de Los Ángeles, con producción de Garth ‘GGGarth’ Richardson y el propio grupo, y editado en noviembre de 1992 por Epic Records. Con una de las primeras fusiones integrales de géneros diversos como el hip hop y el rock, marca el precedente para la explosión, más orientada al nu metal de finales de los 90 por parte de Limp Bizkit, Korn y Deftones.

Por otra parte, el álbum se centra en un comentario político inflexible, lo cual lo aleja de otras bandas. Las canciones de Rage Against the Machine tienen tendencias a específicos mantras políticos de izquierda, interpretados con ira, con el vocalista entregado en un estilo similar al hip hop.

La cubierta del álbum tiene la controvertida fotografía del Thích Quảng Đức inmolándose en protesta al tratamiento de los budistas bajo el gobierno de Vietnam del Sur en vísperas de la Guerra de Vietnam.

El álbum fue seleccionado en el n°1 de Billboard Heatseekers y en el n° 45 del top 200 de esa misma cartelera, donde se mantuvo por 89 semanas. La revista Rolling Stone puso a este álbum en el puesto número 368 de la lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.

La canción “Wake Up” estuvo incluida en los créditos finales como uno de los OST de la película Matrix, y la canción “Killing in the Name” fue incluida en los videojuegos Grand Theft Auto: San Andreas y Guitar Hero II. En diciembre de 1993, lanzaron el vídeo de “Freedom”, para apoyar a Leonard Peltier.​ El vídeo combinaba escenas del grupo en vivo y del documental de 1992 “Incident at Oglala” con texto del libro de Peter Matthiessen “In the Spirit of Crazy Horse”. Se convirtió en el vídeo número #1 en EUNA.

En el 2000, Q Magazine catalogó el álbum como uno de los cincuenta mejores álbumes de rock pesado de la historia. La revista Kerrang catalogó a este disco en el puesto número 34 de su lista Los 100 álbumes que debes oír antes de morir. La revista Guitar World catalogó el álbum en el puesto número 21 de los 100 mejores discos de todos los tiempos.

Comenzaron su primera gira europea con Suicidal Tendencies e hiceron sucesivos conciertos a beneficio de Mumia Abu-Jamal,​ Leonard Peltier, la Liga Antinazi y al “Rock for Choice”. En 1993 estuvieron en Lollapalooza de nuevo. En Filadelfia, elevaron su notoriedad cuando hicieron una protesta en contra de la censura, en especial en contra de Parents Music Resource Center (PMRC), permaneciendo en el escenario completamente desnudos durante un total de 14 minutos.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Bombtrack» – 4:05
  2. «Killing in the Name» – 5:14
  3. «Take the Power Back» – 5:36
  4. «Settle for Nothing» – 4:48
  5. «Bullet in the Head» – 5:09
  6. «Know Your Enemy» – 4:55
  7. «Wake Up» – 6:04
  8. «Fistful of Steel» – 5:31
  9. «Township Rebellion» – 5:24
  10. «Freedom» – 6:08

Calidad: FLAC

 

 

 


Bersuit Vergarabat – Libertinaje [1998]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

Bersuit Vergarabat, originalmente llamados Bersuit Vergarabat Van de Ir y conocidos como La Bersuit, es un grupo de rock argentino, originario del barrio de Barracas, al sur de la ciudad de Buenos Aires, formado en 1988. Se hicieron notables a finales de los años noventa por combinar este género musical con ritmos latinoamericanos —como la cumbia, el tango, la murga, el reggae, la chacarera y el candombe— y letras cargadas de críticas hacia el sistema político y la sociedad.

Desde su primer trabajo debut, la obra de Bersuit Vergarabat se caracterizó por contener mensajes en contra del menemismo y críticas hacia políticos como Carlos Menem, Domingo Cavallo, Eduardo Duhalde, Carlos Ruckauf, entre otros. Las letras de sus canciones fueron censuradas y, en otros casos, los canales de televisión que trasmitían sus videoclips fueron demandados y tuvieron que pagar multas por los ataques que sufrían ciertos políticos, como también por las críticas a la sociedad argentina de los 90.

Pese a la censura, esto no hizo decaer la popularidad de la banda que comenzó a gozar de masividad y se convirtió en uno de los grupos más importantes del rock argentino y uno de los principales de Latinoamérica.

Pasó por diversas formaciones y su alineación más famosa estuvo constituida por: Gustavo Cordera (voz), Juan Subirá (teclados, acordeón y voz), Carlos Martín (batería y percusión), Oscar Righi (guitarra eléctrica), Pepe Céspedes (bajo y voz), Daniel Suárez (voz y coros), Alberto Verenzuela (guitarra) y Germán “Cóndor” Sbarbati (voz, coros y charango).

Una de las características de la banda es su forma de vestir en sus conciertos, al disfrazarse con pijamas que es en sí, un homenaje a los internos de la residencia psiquiátrica del Hospital Municipal José Tiburcio Borda de Buenos Aires y una respuesta contraria al atuendo de cuero, que usan los grupos normalmente vinculados con el rock y heavy metal. La banda ha demostrado una afinidad por todo lo relacionado con la locura y la marginación.

Además de encontrar el éxito en Buenos Aires y luego en todo el país, Bersuit Vergarabat ha atraído a aficionados de muchos países de América Latina, así como España, Estados Unidos, Reino Unido, Alemania, Japón entre otros. El éxito de la banda más allá de América Latina, depende en gran medida de su capacidad de reinventarse constantemente.

La banda entró en un receso durante el 2009, con la idea de que cada músico se dedicara a diferentes proyectos personales. Tras desavenencias entre su vocalista y los demás integrantes, debido a que el primero prefirió seguir con su carrera como solista, en en el año 2011 la agrupación volvería a los escenarios sin Gustavo Cordera.

Algunas de sus canciones más difundidas son “El tiempo no para” (cover de Cazuza), “Espíritu de esta selva”, “Yo tomo”, “Se viene”, “Sr. Cobranza” (cover de Las Manos de Filippi), “La argentinidad al palo”, “La bolsa”, “Negra murguera”, “La soledad”, “Mi caramelo”, “Sencillamente”, “Un pacto», “Esperando el impacto”, “Murguita del sur”, entre otras.

El álbum que hizo conocida a la banda a nivel nacional e internacional fue «Libertinaje», doble platino en Argentina, grabado entre abril y mayo de 1998 en los Estudios Panda de Buenos Aires y entre junio y julio en La Casa, producido por Gustavo Santaolalla y editado ese mismo año por Universal Music, a través de su sello Surco. Tras la partida de Sadrinas en 1996, ingresan Daniel Suárez y Germán Sbarbati; estos dos últimos, habían integrado una banda llamada Resortes Antagónicos, grupo que editó dos trabajos discográficos y poco tiempo después Héctor «Limón» García, líder y vocalista de Vía Varela, ingresaría a realizar los coros.

El disco fue muy criticado por los seguidores del gobierno del ex-presidente argentino Carlos Menem debido a las letras profundamente políticas y antimenemistas, como en el caso del corte de difusión del disco «Sr. Cobranza», una versión del tema de Las Manos de Filippi. Este material, catapultó a la banda al estrellato nacional e internacional, iniciando una gira de presentación en toda Argentina, Latinoamérica, España y Estados Unidos de Norteamérica.

La canción “Sr. Cobranza” (autoría de Las Manos de Filippi y popularizada por Bersuit Vergarabat) fue censurada por el Comité Federal de Radiodifusión (COMFER) debido a los ataques verbales que sufrían políticos argentinos en la letra. Esta canción logró entrar dentro del conteo de Las 100 grandiosas canciones de los 90s en castellano por la cadena de televisión musical VH1 Latinoamérica, obteniendo el puesto #72 de dicha lista. Además de “Sr. Cobranza”, entre los sencillos más destacados, se encuentran: “Se viene”, “Murguita del sur”, “Vuelos” y “¿Que pasó?”.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

 

  1.  «Yo Tomo» – 3:32
  2.  «A los Tambores» – 3:22
  3. «De Onda» – 3:01
  4. «Se Viene» – 3:25
  5. «Murguita del Sur» – 4:16
  6. «Sr. Cobranza» – 4:19
  7. «Vuelos» – 4:24
  8. «Gente de Mierdas» – 2:46
  9. «Sincerebro» – 3:29
  10. «A Marça de Deux» – 5:19
  11. «C.S.M.» – 2:40
  12. «¿Qué Pasó?» – 6:01
Calidad: FLAC

 

 

 


System of a Down – Hypnotize [2005]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

System of a Down (también conocida por su acrónimo, SOAD) es una banda de metal alternativo de ascendencia armenia formada en Los Angeles, California, en el año 1995. En un comienzo se llamaron Soil, pero luego adoptaron el nombre System of a Down inspirados por el poema “Victims of a Down”, escrito por el guitarrista Daron Malakian. Está compuesta por Serj Tankian (composición, voz, teclado y ocasionalmente guitarra), Daron Malakian (composición, guitarra y voz), Shavo Odadjian (bajo) y John Dolmayan (batería). Son famosos por realizar canciones en cuyas letras se manifiestan en contra del maltrato infantil, la violencia, la guerra, los genocidios, la pornografía y el machismo, el predominio de los intereses materialistas en la sociedad, las desigualdades sociales, físicas e ideológicas, la intolerancia o la discriminación, entre otros.

En sus cinco discos editados hasta la fecha, System of a Down usa una amplia gama de instrumentos, incluyendo guitarras eléctricas barítonas, mandolinas eléctricas, cítaras, guitarras clásicas de 12 cuerdas (tiple) y otros instrumentos de Asia. Sus influencias más notables provienen de las bandas que empezaron con el heavy metal. También tuvieron influencias de géneros como el jazz fusión, folk, hard rock, rock psicodélico, funk, blues e industrial. Además tienen influencias políticas, que se reflejan en sus discursos contra el sistema estadounidense, la inconsciencia social y el abuso de poder. Esta fórmula social y musical le ha acarreado, desde la publicación de su primer álbum -en 1998-, buenos resultados tanto del público, que hizo de “System of a Down” un disco de platino, como de una parte de la crítica musical. Fue elegida mejor banda alternativa del año 2005 en los MTV Europe Music Awards celebrados en Lisboa. También participaron en el año 2006 del documental “Screamers” de la directora Carla Garapedian, señalando los horrores del genocidio moderno que comenzó en Armenia en 1915. Es la primera banda desde The Beatles que ha alcanzado dos veces la cima de ventas de álbumes en Estados Unidos de Norteamérica en el mismo año, con “Mezmerize” e “Hypnotize”.​ System of a Down ha vendido más de 40 millones de discos en todo el mundo.

«Hypnotize» (en castellano: Hipnotizar) es el quinto álbum de estudio de System of a Down y la segunda parte que completa el disco doble “Mezmerize/Hypnotize”. Fue grabado entre mayo y diciembre de 2004 en The Mansion de Los Ángeles (California), con producción de Rick Rubin y Daron Malakian, y editado el 22 de noviembre de 2005 por American Recordings / Columbia Records, seis meses después del lanzamiento de “Mezmerize”. Al igual que la primera parte, tuvo gran éxito y alcanzó el número 1 en varios países, con lo que la banda se convertiría en una de las pocas en lograr dos álbumes número 1 en un mismo año.

“Hypnotize” contiene doce nuevas canciones en una edición especial diseñada por Vartan Malakian, padre del guitarrista y compositor Daron Malakian. Contiene los sencillos “Hypnotize” y “Lonely Day”. La última canción del álbum, “Soldier Side”, completa a “Soldier Side – Intro”, la cual aparece en el álbum “Mezmerize”.

El álbum fue nº 1 en EUNA, Canadá y Nueva Zelanda, nº 3 en Australia y nº 11 en Reino Unido, siendo certificado disco de oro y platino por RIAA el 13 de diciembre de 2005, y finalizó ese año en el primer puesto del Billboard. También fue certificado platino en Brasil, Irlanda, Finlandia y Nueva Zelanda, y disco de oro en Australia, Alemania, Austria y Suiza. Es el primer álbum de System of a Down en el que no aparecen guitarras acústicas.

Entertainment Weekly dijo del trabajo: “El grupo está exhibiendo un lado sensible hasta entonces subexplorado, compensando sus riffs de marca registrada con destellos del lirismo delicado”. Por su parte, la revista Rolling Stone comentó: “El infierno corre de inmediato sobre las guitarras escalonadas en staccato de Malakian y el furioso martilleo de Dolmayan”.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas compuestos por Tankian/Malakian, excepto indicados)

  1. «Attack» – 3:06
  2. «Dreaming» (Serj Tankian, Daron Malakian, Shavo Odadjian) – 3:59
  3. «Kill Rock ‘N Roll» (Daron Malakian) – 2:28
  4. «Hypnotize» – 3:09
  5. «Stealing Society» – 2:58
  6. «Tentative» – 3:36
  7. «U-Fig» (Serj Tankian, Daron Malakian, Shavo Odadjian) – 2:55
  8. «Holy Mountains» – 5:28
  9. «Vicinity of Obscenity» – 2:51
  10. «She’s Like Heroin» (Daron Malakian) – 2:44
  11. «Lonely Day» (Daron Malakian) – 2:47
  12. «Soldier Side» (Daron Malakian) – 3:40

Calidad: FLAC

 

 

 


Queens of the Stone Age – QOTSA (Special Edition) [1998-2011]

[Resubida Mejorada]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

Queens of the Stone Age (también conocidos, simplemente, como Queens o QOTSA) es una banda estadounidense de rock alternativo originaria de Palm Desert (California). Fue formada en 1997 por Josh Homme, dos años después de la desintegración de Kyuss, su banda anterior, y contó con la participación de sus excompañeros Nick Oliveri y Alfredo Hernández.

Queens ha lanzado cinco álbumes de estudio y tres EPs. Su música, al igual que la de Kyuss, ha sido catalogada dentro del stoner rock, aunque la banda rechaza este término. Ha sido nominada a cuatro premios Grammy por sus canciones “No One Knows”, “Go With the Flow”, “Little Sister” y “Sick, Sick, Sick”.

En 1996 la banda Kyuss, pionera del stoner rock y stoner metal, se disolvió tras cuatro álbumes de estudio y sus componentes se recolocaron rápidamente en nuevos proyectos. El guitarrista Josh Homme entró en Screaming Trees,​ y el bajista Nick Oliveri se marchó a la banda de punk rock The Dwarves. El batería Brant Bjork ya estaba tocando con Fu Manchu y el vocalista John Garcia formó Slo Burn y más tarde Unida.

En 1997 Homme estaba viviendo en Seattle y se encontraba de gira con Screaming Trees cuando se puso en contacto con Matt Cameron, batería de los también disueltos Soundgarden, para grabar algunas demos bajo el nombre de Gamma Ray. Homme volvió a Palm Desert tras la grabación y contactó con el batería de la última etapa de Kyuss, Alfredo Hernández. Sin embargo, ya existía una banda alemana de power metal llamada Gamma Ray, así que Homme decidió cambiar el nombre por el de Queens of the Stone Age; este nombre se debe a una broma que realizó Chris Goss, componente de Master of Reality y productor, durante la grabación de uno de los álbumes de Kyuss: “Chicos, sonáis como las reinas de la edad de piedra”.

Un año después la banda comenzó la grabación de su primer álbum en los Monkey Studios de Palm Springs (California), con Bruce Jacoby y Steve Feldman en los controles y producción de Josh Homme, y marcó las bases de lo que Homme definió como robot rock. «Queens of the Stone Age» se puso a la venta el 22 de septiembre de 1998 mediante Loosegroove Records, un sello discográfico independiente que fundó el guitarrista de Pearl Jam, Stone Gossard. Todas las canciones del álbum fueron compuestas por Homme. La banda logró un relativo éxito en las radios alternativas estadounidenses con su sencillo “If Only”. El diseño de carpeta fue de Frank Kozik y Josh Homme, con fotografías de Tony Tornay (portada e interior) y Lisa Johnson (trasera).

El álbum autotitulado fue todo un éxito tanto para fans como para la crítica especializada, aún ambos sorprendidos por la desintegración de los míticos Kyuss y por la rápida creación de otra banda que continuaba con varios de sus ex componentes y con una línea musical similar. En febrero de 2006, el CD recibió la calificación de disco de platino en el Reino Unido.

En la parte final de “I Was a Teenage Handmodel”, última canción del álbum, se puede escuchar el mensaje que dejó Oliveri en el contestador de Homme resaltando su placer por haber sido invitado a formar parte de la banda. Es importante decir que Oliveri se unió a la banda después de que el álbum fuera grabado y que todas las canciones del mismo fueran compuestas por Homme.

 

La banda, ya con Oliveri y Dave Catching trabajando de lleno en ella, se embarcó en una gira para promocionar su álbum debut que duraría cerca de dos años y en la que actuarían junto a grupos como Bad Religion, Rage Against the Machine o The Smashing Pumpkins.

En 2011 se lanzó una re-edición del álbum con temas añadidos a cargo del sello californiano Rekords Rekords, fundado por el propio Josh Homme.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Listado de canciones:

  (Todos los temas compuestos por Josh Homme)

  1.     «Regular John» – 4:35
  2.     «Avon» – 3:22
  3.     «If Only» – 3:20
  4.     «Walkin’ on the Sidewalks» – 5:03
  5.     «You Would Know» – 4:16
  6.     «The Bronze» – 3:45 (*)
  7.     «How to Handle a Rope» – 3:30
  8.     «Mexicola» – 4:54
  9.     «Hispanic Impressions» – 2:44
  10.     «You Can’t Quit Me Baby» – 6:33
  11.     «These Aren’t the Droids You’re Looking for» – 3:07 (*)
  12.     «Give the Mule What He Wants» – 3:09
  13.     «Spiders and Vinegaroons» – 6:26 (*)
  14.     «I Was a Teenage Hand Model» – 5:01

    (*) Nuevos temas incluidos en la Edición Especial de 2011

Calidad: FLAC (24 bits)

 

 

 


Nirvana – MTV Unplugged in New York [1994]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

Nirvana fue una banda de grunge y rock alternativo estadounidense procedente de Aberdeen, Washington, integrada por el vocalista y guitarrista Kurt Cobain y el bajista Krist Novoselic en 1987. Desde su formación, Nirvana pasó a través de una serie de frecuentes cambios de baterista hasta que en 1990 se les unió definitivamente el baterista Dave Grohl. Nirvana actualmente es considerada como una de las bandas más importantes e influyentes de la era moderna.

A finales de la década de los años 80 Nirvana se estableció como parte de la escena musical de Seattle con su álbum debut “Bleach”, lanzado bajo el sello independiente de Seattle, Sub Pop, en 1989. La banda finalmente llegó a desarrollar un sonido que se basaba en los contrastes dinámicos, a menudo versos tranquilos y coros intensos. Un año más tarde, la banda firmó con la discográfica DGC Records y en 1991 lanzó su segundo álbum: “Nevermind”. El primer sencillo del álbum, “Smells Like Teen Spirit”, escaló las listas musicales en todo el mundo e inició la explosión de lo que hasta ese momento era conocido como punk y rock alternativo en la escena musical mundial, en un movimiento al que los medios de la época se referirían como grunge. Además de Nirvana, otras bandas de la escena musical de Seattle como Pearl Jam, Alice in Chains y Soundgarden también ganaron popularidad; como resultado, el rock alternativo se convirtió en el género dominante en la radio y la televisión musical durante la primera mitad de la década de los 90.

El líder de la banda, Kurt Cobain se encontró a sí mismo referido en los medios de comunicación como «la voz de una generación» y a Nirvana como la «banda símbolo» de la Generación X. Cobain se sentía incómodo con la atención que se les brindaba y decidió enfocar la atención del público hacia la música de la banda, retando a la audiencia con su tercer álbum de estudio, “In Utero”. El álbum no tuvo el éxito ni las ventas esperadas y la popularidad de Nirvana disminuyó en los meses siguientes a la publicación del álbum. Sin embargo, buena parte de su audiencia alabó el interior «oscuro» de la banda, en especial después de su presentación en MTV Unplugged.

La corta carrera de Nirvana concluyó con la muerte de Cobain en 1994, pero su popularidad creció aún más en los años posteriores. Ocho años después de la muerte de Cobain, “You Know You’re Right”, una demo nunca terminada que la banda había grabado dos meses antes de la muerte de Cobain, escalaba las listas de radio y música de todo el mundo. En 2004 fueron colocados en el puesto nº 27 en la lista de los 100 mejores artistas de todos los tiempos de la revista Rolling Stone y en el puesto nº 14 según la revista Vh1. Desde su debut, la banda ha vendido más de 75 millones de álbumes a nivel mundial, incluyendo 10 millones de ejemplares de “Nevermind” en EUNA y 30 millones en todo el mundo. En el año 2014 Nirvana ingresó en el Salón de la Fama del Rock and Roll.

En noviembre de 1993, el grupo decide detenerse en la gira de promoción de “In Utero” y graba una aparición en MTV Unplugged el 18 de ese mes en los Estudios Sony Music de Nueva York, que se titularía «MTV Unplugged in New York», siendo editado un año más tarde, en noviembre de 1994, por Geffen Records. Las sesiones acústicas revelan la profundidad de las composiciones de Cobain, que frecuentemente estaban “enterradas” bajo el “agresivo” sonido de la banda. La selección de canciones también demostró el gran interés musical de Cobain por elegir temas originales de David Bowie, The Vaselines, Meat Puppets (que acompañó en las tres canciones suyas que la banda versionó), y del cantante de folk estadounidense Leadbelly.

“MTV Unplugged in New York” fue aclamado por los críticos como prueba de que la banda podía trascender el sonido grunge al que estaba comúnmente asociada, y también hizo una “radiografía” del diverso gusto de la banda en música. Los críticos resaltaron especialmente los “íntimos” y “menos ruidosos” arreglos, como el acompañamiento de cuerdas en varias canciones así como la batería de Dave Grohl más suave en comparación con su usual forma de tocar, que permitieron que las excelentes habilidades para escribir canciones de Kurt brillaran en todo el concierto.

El álbum abrió su primera semana en el número 1 del Billboard 200 estadounidense (además de ser nº 1 en Reino Unido, Austria, Holanda, España, Australia y Nueva Zelanda), las ventas superan a su tercer álbum de estudio “In Utero” y ganó un premio Grammy por Mejor Álbum de Música Alternativa en 1996. Este se convirtió en uno de los momentos más importantes de la banda, que sería amplificado por la tragedia que se avecinaba, ya que el viernes 8 de abril de 1994, el cuerpo sin vida de Cobain fue descubierto por un electricista en su casa de Seattle.

“About a Girl” fue lanzado como el único single comercial del álbum en octubre de 1994, con la versión del Unplugged de “Something in the Way” como lado b. Fue lanzado en CD sólo en Australia y Europa, y se situó como nº 3 en EUNA, nº 4 en Australia y Lituania, y nº 7 en Canadá y Eslovaquia. Singles promocionales fueron lanzados para “The Man Who Sold the World” (nº 1 en Lituania, 4 en Eslovaquia y 6 en EUNA), “Polly”, “Lake of Fire” y “Where Did You Sleep Last Night”.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas de Kurt Cobain, excepto indicados)

  1. «About a Girl» – 3:38
  2. «Come As You Are» – 4:13
  3. «Jesus Doesn’t Want Me for a Sunbeam» (The Vaselines) – 4:37
  4. «The Man who Sold the World» (David Bowie) – 4:21
  5. «Pennyroyal Tea» – 3:40
  6. «Dumb» – 2:52
  7. «Polly» – 3:16
  8. «On a Plain» – 3:44
  9. «Something in the Way» – 4:01
  10. «Plateau» (Meat Puppets) – 3:38
  11. «Oh Me» (Meat Puppets) – 3:26
  12. «Lake of Fire» (Meat Puppets) – 2:55
  13. «All Apologies» – 4:23
  14. «Where Did You Sleep Last Night» (Huddie Leadbelly) – 5:06

Calidad: FLAC

 

 

 


Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota – Último Bondi a Finisterre [1998]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota (o simplemente Los Redondos) fue un grupo argentino de rock, formado en la ciudad de La Plata en 1976 y liderada por Carlos Alberto «Indio» Solari y Eduardo «Skay» Beilinson. En 1978 realizaron su primera presentación en Buenos Aires, con el reconocido guitarrista Conejo Jolivet, quien oficiaba de la primera guitarra, y el tecladista Roddy Castro quien además facilitó su lugar en las míticas salas de ensayo del subsuelo de la Av. Corrientes casi Av. 9 de julio. Posteriormente siguieron tocando en teatros underground hasta 1979, año en el que la banda decidió interrumpir momentáneamente sus shows. En 1981 el grupo retomó el rumbo de los pubs, para llegar a grabar su primer demo profesional en 1982, registradas en RCA en el demo “Demos RCA + Festival Pan Caliente”, que logran una importante difusión en las emisoras FM porteñas.

La banda creó con su música una original estética del rock, alcanzando masividad sin entrar en el circuito cultural oficial; manteniéndose independiente al margen de la industria musical durante sus 25 años de actividad y transformándose en la única banda (junto con La Renga) que, por principios, jamás se apoyó en los medios para difundir su trabajo. En general los recitales eran promovidos por el “boca en boca”. Por este motivo siempre fue una banda que estuvo al margen de festivales, reconocimiento mediático o premiaciones, sólo la Fundación Konex reconoció su trayectoria en 1995 con un Diploma al Mérito y en 2005 con el Premio Konex de Platino a la mejor banda de rock de la década, compartido con Divididos.

Considerada como una de las bandas más importantes del rock argentino y una de las más influyentes del rock en castellano, su obra siempre estuvo marcada por las metáforas en sus letras, la cultura, el vanguardismo en su puesta en escena y un imperante misticismo en sus obras gráficas. Representa un paradigma contracultural, reforzado y marcado por su producción independiente. Su influencia se ve en bandas como La Renga, Callejeros, Los Piojos, Los Gardelitos, Salta la Banca, El Bordo, La Beriso, Las Pastillas del Abuelo o Árbol.

Musicalmente, se destacan por sus instrumentales sumamente creativos, por una primera guitarra siempre presente ―ejecutando riffs y solos― en combinación con la voz y con agregados de otros instrumentos, tales como el saxofón, el violín, la trompeta, el piano, la armónica o percusión en varias de sus canciones.

En el año 1998 llamaron nuevamente a Conejo Jolivet, para incorporarse definitivamente a la banda. Toca casi todas las canciones del concierto en Racing Club, al que asisten 120.000 personas. Al mismo tiempo graban junto al asistente de la banda El Soldado un álbum llamado “Tren de Fugitivos”, en el que participan Skay, Semilla, Sidotti, Dawi, Indio y Conejo, con gran repercusión under. Para 1998 también, en los shows de Racing, se incorporó a la banda como miembro estable Hernan Aramberri en batería, quien trabajó progresivamente a partir de “Lobo Suelto, Cordero Atado” (1993), programando samplers.

«Último Bondi a Finisterre» es el octavo álbum de estudio de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, grabado en los estudios Del Cielito, con producción del propio grupo, y publicado en 1998 por Patricio Rey Discos, siendo distribuido por DBN. La grabación presenta un giro en el tradicional sonido del grupo, con canciones más melódicas y mayor uso de las posibilidades que brinda el estudio y las computadoras en la confección de una canción de rock. Temas como “Gualicho”, “Las increíbles andanzas del Capitán Buscapina en Cybersiberia”, “Pogo”, “Estas frito Angelito” y “La pequeña novia del carioca” se han convertido en clásicos de la banda. Este material fue presentado las noches del 18 y 19 de diciembre en el estadio de Racing Club de Avellaneda, totalizando 90.000 espectadores.

Musicalmente, la banda revolucionó su sonido ya que el avance en la técnica de los samplers era muy grande, proponiendo sonidos nuevos. Esto hizo que el Indio Solari quisiera que el nuevo CD estuviera centrado en esos nuevos sonidos. Las letras también cambiaron, centrándose en los avances tecnológicos y la superioridad que presentaba la máquina frente al hombre. Según sus propias palabras:

“Nos dimos el gusto de hacer un producto no estándar. Este trabajo del sonido, que parece una novedad, en nuestros demos está hace mucho. Yo ya componía a partir de la computadora y el sampler y después reemplazaba la programación por la banda, pero quedaban muchas texturas por el camino. Ahora decidimos dejar las cosas sin que el pulso rockero de Los Redondos se apoderara de todo el asunto. Y, en realidad, el acto fundacional tiene que ver con Luzbola, que es nuestro estudio propio. La tecnología te permite plagiar, secuestrar sonidos y eso es rico porque amplía el campo posible de la música. Para nosotros, a esta edad sería un castigo tener que estar todos los sábados “chan-chan-chan”. Eso ya es trabajar de uno mismo, hacer de clásico.”

El arte de carpeta fue realizado una vez más por el ilustrador Rocambole. Originalmente iba a ser una caja metálica que se abría como una navaja. El relieve que tiene está tomado de la caja del whisky Chivas Regal. Esta es la primera vez que se vio a Los Redonditos de Ricota en la tapa de un disco, aunque en realidad no son ellos sino sus clones digitales.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas compuestos por Beilinson/Solari, con la ayuda de Semilla Bucciarelli en “Gualicho”)

  1.  «Las Increíbles Andanzas del Capitán Buscapina en Cybersiberia» – 4:44
  2. «Estás Frito, Angelito» – 4:34
  3. «El Árbol del Gran Bonete» – 5:12
  4. «Gualicho» – 4:47
  5. «Pogo» – 4:46
  6. «Alien Duce» – 3:14
  7. «La Pequeña Novia del Carioca» – 4:50
  8. «Drogocop» – 3:06
  9. «Scaramanzia» – 5:29
  10. «Esto Es To-to-todo Amigos!» – 3:37
Calidad: FLAC

 

 

 


Elastica – Elastica [1995-Reed.1996]

[Resubida Mejorada]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

Elastica fue un grupo inglés enmarcado en el Britpop, famoso por su música pegadiza y angular, influenciada por el punk rock. Son conocidos por su álbum “Elastica” de 1995, un éxito comercial y crítico tanto en el Reino Unido como en otros países. La banda fue creada a mediados de 1992 por Justine Frischmann y Justin Welch, quienes habían tocado efímeramente en Suede y Spitfire; incorporándose posteriormente, en el otoño de ese mismo año, Annie Holland y Donna Matthews (ex Darling Buds). Inicialmente tocaron bajo el nombre de Vaseline & Onk, pero tras intimaciones legales del grupo escocés The Vaselines, adoptaron finalmente el nombre Elastica.
 
Su primer single, titulado “Stutter”, salió a la venta en 1993, con muy buena recepción gracias a los DJ’s de Radio One de la BBC y al dueño de Deceptive Records, Steve Lamacq, quien los había descubierto a principios de ese año. En 1994, editaron su primer single oficial en el Reino Unido, que incluía las canciones “Line Up” y “Connection” y que tuvo gran repercusión en las radios del viejo continente. Ayudó también a incrementar la popularidad de la banda, el romance que Justine comenzó con el cantante de Blur, Damon Albarn.
 
El primer disco de la banda, llamado «Elastica», fue publicado en marzo de 1995 por Deceptive Records, llegando al nº 1 del ranking inglés y convirtiéndose en uno de los álbumes más rápidamente vendidos en la historia del Reino Unido. Le siguió el single “Waking Up”, el cual se ubicó en el puesto 13. “Elastica” fue nominado a un Mercury Music Prize. En EUNA, Elastica recibió difusión en las radios especializadas en Modern Rock Tracks, llegando los temas “Connection” y “Stutter” a figurar dentro de los mismos rankings pop de Billboard. En 1995 participaron en el festival de Glastonbury y el festival Lollapalooza, estando un año entero de gira.
 
Al paso del tiempo, Annie Holland se alejaría de la banda acusando agotamiento. En 1996 vuelven a los estudios a grabar demos para lo que sería su nuevo disco, proyecto que no se concreta. En 1998, Donna Matthews abandona la banda y reingresa Annie Holland. Un disco con material de los “años Perdidos” será editado en 1999 en forma de EP con 6 tracks, contendiendo gran número de temas inéditos. Después de regrabar esas canciones para un álbum de estudio regular, la banda vuelve a presentarse en vivo tras años de no tocar. En abril de 2000, finalmente editan su segundo disco, “The Menace”.
En 2001, después de la edición de un single de despedida, “The Bitch Don’t Work”, la banda anuncia su amigable separación.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Disco 1 (original):

  1. «Line Up» (Justine Frischmann/Elastica) – 3:15
  2. «Annie» (Donna Matthews/Elastica) – 1:13
  3. «Connection» (Justine Frischmann/Elastica) – 2:20
  4. «Car Song» (Justine Frischmann/Elastica) – 2:24
  5. «Smile» (Frischmann/Matthews/Elastica) – 1:40
  6. «Hold Me Now» (Frischmann/Matthews/Elastica) – 2:32
  7. «S.O.F.T» (Justine Frischmann/Elastica) – 3:57
  8. «Indian Song» (Justine Frischmann/Elastica) – 2:46
  9. «Blue» (Donna Matthews/Elastica) – 2:21
  10. «All-Nighter» (Justine Frischmann/Elastica) – 1:33
  11. «Waking Up» (Frischmann/Hugh Cornwell/Jean Jacques Burnel/David Greenfield/Brian Duffy) – 3:15
  12. «2:1» (Justine Frischmann/Elastica) – 2:31
  13. «See that Animal» (Anderson/Frischmann/Elastica) – 2:21
  14. «Stutter» (Justine Frischmann/Elastica) – 2:22
  15. «Never Here» (Justine Frischmann/Elastica) – 4:26
  16. «Vaseline» (Justine Frischmann/Elastica) – 1:23

Disco 2 (bonus):

  1. «Car Song» (LP Version) – 2:26
  2. «Car Song» (Live en Tokyo) – 2:21
  3. «Bar Bar Bar» (Demo) – 2:30
  4. «Jam (II)» (Live en Tokyo) – 0:41
  5. «Gloria» (Live en Tokyo) – 2:56

Calidad: FLAC

 

 

 


Echo & The Bunnymen – Lips Like Sugar (Maxi) [1987]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

Echo & the Bunnymen es una banda británica de post-punk, new wave e indie-rock formada en Liverpool en 1978. La formación original la constituían Ian McCulloch (ex Crucial Three), Will Sergeant y Les Pattinson, complementados por una caja de ritmos que muchos dedujeron que era “Echo”, aunque la banda siempre lo haya negado. Su discografía consiste en once discos de estudio, diez álbumes en directo, nueve álbumes recopilatorios, ocho EP y treinta sencillos publicados por Zoo Records, WEA y sus subsidiarias Korova, Sire Records, London Records y Rhino, Cooking Vinyl y Ocean Rain Records, además de cinco VHS/DVD y veintidós videoclips.

Cuando lanzaron su álbum debut en 1980, “Crocodiles” -un éxito moderado en el Reino Unido- la caja de ritmos se reemplazó por Pete de Freitas. El siguiente trabajo, el aclamado por la crítica “Heaven Up Here”, alcanzó el Top Ten en 1981, igual que “Porcupine” en 1983 y “Ocean Rain” en 1984. Sencillos como “The Killing Moon” (más tarde usado en la banda sonora de Donnie Darko, una película cuya imaginería debe mucho a los diseños de los primeros discos de la banda), “Silver”, “Bring on the Dancing Horses” y “The Cutter” ayudaron a mantener la atención del público en el grupo cuando se tomaron un breve descanso a finales de los años 80. El álbum de 1987 homónimo tuvo un cierto éxito en Estados Unidos de Norteamérica y fue el único trabajo que consiguió ventas significativas allí.

McCulloch abandonó la banda en 1988. De Freitas murió en un accidente de motocicleta un año más tarde, en la Isla de Man. Los demás decidieron continuar, reclutando a Noel Burke para reemplazar a McCulloch como cantante en “Reverberation” (1990), que no consiguió mucha repercusión entre los seguidores ni la crítica. Burke, Sergeant y Pattinson se separaron después, pero los tres miembros supervivientes de la banda original volvieron a unirse en 1997 y lanzaron “Evergreen, What Are You Going to Do with Your Life?” (1999), “Flowers” (2001) y “Siberia” (2005). Jake Brockman, ex-teclista de la banda murió en 2009 en circunstancias similares a De Freitas.

El maxi «Lips Like Sugar» es un sencillo de Echo & the Bunnymen editado en agosto de 1987 por Korova en el Reino Unido y por Sire Records en el resto del mundo, con producción de Laurie Latham, Gil Norton y el propio grupo. Fue el segundo sencillo extraído de su álbum epónimo de 1987 “Echo & the Bunnymen”. El tema alcanzó el nº 24 en Irlanda, el nº 36 en Reino Unido y el nº 43 en Nueva Zelanda.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1.  «Lips Like Sugar» (12″ Mix) – 6:44
  2. «Rollercoaster» – 4:02
  3. «Lips Like Sugar» (Dub) – 6:36
  4. «Lips Like Sugar» (Single Mix) – 4:24

Calidad: FLAC

 

 

 


Caifanes – El Silencio [1992]

 

[Ciclo de Rock Latinoamericano]

 

Caifanes es una banda mexicana de rock que estuvo activa de 1987 a 1995 y que volvió a escena a partir de 2011. Teniendo como origen la formación Las Insólitas Imágenes de Aurora, Caifanes emergió de la escena local de Ciudad de México como parte de la campaña difusora denominada Rock en Tu Idioma a finales de los años ochenta. En dicho tenor, dos de sus canciones (“Antes de que nos olviden” y “Será por eso”) están consideradas dentro de las 100 mejores (musicalmente) del rock mexicano. Cinco más de ellas (“Afuera”, “La célula que explota”, “Nubes”, “No dejes que…” y “Viento”), se encuentran dentro de las 120 más representativas (comercialmente) del rock latinoamericano.

En el lenguaje urbano, un «Caifán» es aquel que se resiste al engaño y a las compensaciones materiales y busca en el alma su recompensa. Por ello, su visión de la vida es siempre la de un abismo, pero un abismo poblado de prodigios. En los años 40 como en los 90, «Caifán» quiere decir inconforme.

La banda empezó como un cuarteto conformado por Saúl Hernández (guitarra y voz), Alfonso André (batería), Sabo Romo (bajo) y Diego Herrera (teclado y saxofón), lanzando en 1988 el álbum debut “Caifanes”. En 1989 se unió Alejandro Marcovich (guitarra líder) y, estructurados como quinteto, publicaron los álbumes “Caifanes. Volumen II” (mejor conocido como “El Diablito”) y “El silencio”. Al final de 1993 Romo y Herrera dejarían la banda y el trío restante publicaría el cuarto álbum, “El Nervio del Volcán”. Eventualmente, diferencias entre Hernández y Marcovich llevarían a la desintegración de Caifanes en 1995. Hernández continuaría con el proyecto Jaguares, el cual incluiría piezas de Caifanes además de nuevo material. Finalmente, en 2011, una vez reconciliado con Marcovich, Hernández formalmente reviviría Caifanes como quinteto.

El trayecto no fue fácil; la banda había juntado un presupuesto y tenían en mente grabar un disco bajo el cobijo de algún productor español; lamentablemente, el dinero comenzó a escasear y solo alcanzó para grabar un demo de cuatro canciones. La primera parada en una casa disquera fue en la desaparecida CBS México, en donde el director general de aquella casa disquera al ver su aspecto gótico, similar al look post punk de aquella época, no tuvo otra descripción de ellos que: “Parecen putos”. El gerente de la sucursal mexicana de CBS, escuchó con atención aquella cinta que la agrupación llevó, el trabajo fue de su agrado, pero por su aspecto y tras escuchar el demo de “Será por eso”, les negó algún contrato en firme, argumentando: “En CBS, nuestro negocio es vender discos, no ataudes”.

Cachorro López (productor de Los Abuelos de la Nada, Miguel Mateos, Andrés Calamaro) estaba midiendo el poder de convocatoria de Caifanes y no vaciló en darles su apoyo incondicional. El resultado fue la grabación de un primer LP, precedido del primer trabajo discográfico del grupo, que sería un EP con tres canciones, producido con la intención de probar la aceptación del grupo entre la posible audiencia; el resultado fue la venta de más de trescientas mil copias y, por lo tanto, la edición del primer LP.

Su primer álbum, “Caifanes” (también conocido por “Volumen I”, en referencia al siguiente álbum: “Caifanes. Volumen II”), fue editado en agosto de 1988 por RCA Ariola con producción de Cachorro López y el propio grupo. Los sencillos de este disco fueron “Mátenme porque me muero” y “Viento”, el primero de ellos fue su primer éxito. Gustavo Cerati, en aquel entonces guitarrista de Soda Stereo, participó como músico invitado en la grabación del álbum tocando la guitarra en “La bestia humana”.

En septiembre de 1989 el guitarrista Alejandro Marcovich se integró al grupo y ya con una formación sólida, como quinteto, se dirigió a Nueva York a grabar su segunda placa entre octubre y noviembre de ese año, de nuevo bajo la dirección de Óscar López en colaboración con Gustavo Santaolalla, Cachorro López y Daniel Freiberg. El resultado de este trabajo fue el “Volumen II”, mejor conocido como “El Diablito” (esto se debe a que en la portada del disco se incluye la imagen de un diablo que recuerda una tarjeta de lotería, acompañado por una leyenda que dice justamente: “El diablito”), editado por RCA / BMG Ariola en junio de 1990.

Después, se dirigieron a Wisconsin a grabar con Adrian Belew su tercer disco y, así, en mayo de 1992 RCA/BMG editó «El Silencio», su álbum más representativo y que es juzgado como la obra cumbre de la agrupación. Este disco se considera un clásico también, porque contiene una gran parte de los temas más representativos de Caifanes, interpretados por su formación como quinteto, además de que el uso de fusiones entre rock y música mexicana y latina se extiende a una gran cantidad de piezas.

Antes de que se publicara “El Silencio”, The Cure estaba en México y se propuso a Caifanes abrirle, pero se rehusaron puesto que primero querían presentar el álbum antes de hacer cosa alguna. Cuando dicho álbum salió a la venta, el grupo ya era un éxito en México, Centroamérica, algunos países de Sudamérica y entre la comunidad hispana de EUNA. En agosto de 1992 llenaron por completo el Hollywood Palladium de Los Ángeles.

Los temas promovidos como sencillos fueron “Nubes”, “Para que no digas que no pienso en ti” y “No dejes que…”. También destacaron del disco los temas “Piedra” (fusión de música mexicana y rock), “Metamorféame” (lo más acercado a un hard rock que Caifanes llegó a tener) y “Mariquita” (donde convierten un son jarocho anónimo en una canción de rock). Forma parte de la lista de los 100 discos que debes tener antes del fin del mundo, publicada en 2012 por Sony Music, y está considerado el álbum más importante del rock mexicano.

Según palabras de Saúl Hernández: “Ahí el grupo vivía otras circunstancias. Inclusive, personalmente. Era un momento extraño. Estábamos algo aislados, ya empezaba a haber como una especie de separación entre nosotros. No nos dábamos cuenta, pero estaba latente. Entonces, para mí, la única forma de plantear el disco era el silencio. Todo mundo pensaba muchas cosas, pero nadie se decía lo que quería. Hicimos el disco y estuvo padrísimo, pero fue de esos discos duros. Pero todavía había ganas de hacerlo, había amor. “Nos vamos juntos” la compuse para ellos. Pase lo que pase, vámonos. Todavía había esos momentos mágicos.”

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas de Saúl Hernández, excepto indicados)
 

  1.  «Metamorféame» (Caifanes) – 2:44
  2. «Nubes» (Saúl Hernández, Alejandro Marcovich, Sabo Romo) – 4:35
  3. «Piedra» (Saúl Hernández, Diego Herrera) – 4:34
  4. «Tortuga» (Saúl Hernández, Alejandro Marcovich) – 4:39
  5. «Nos Vamos Juntos» – 5:08
  6. «No Dejes Que…» – 4:40
  7. «Hasta Morir» (Saúl Hernández, Alejandro Marcovich, Alfonso André) – 3:45
  8. «Debajo de Tu Piel» – 3:31
  9. «Estás Dormida» (Alejandro Marcovich) – 3:37
  10. «Miércoles de Ceniza» – 4:53
  11. «El Comunicador» – 4:57
  12. «Para que No Digas que No Pienso en Ti» – 3:56
  13. «Vamos a Hacer un Silencio» – 5:16
  14. «Mariquita» (Tradicional) (bonus track) – 1:56
Calidad: FLAC

 

 

 


Elastica – The Menace [2000]

[Resubida Mejorada]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

Elastica fue un grupo inglés enmarcado en el Britpop, famoso por su música pegadiza y angular, influenciada por el punk rock. Son conocidos por su álbum “Elastica” de 1995, un éxito comercial y crítico tanto en el Reino Unido como en otros países. La banda fue creada a mediados de 1992 por Justine Frischmann y Justin Welch, quienes habían tocado efímeramente en Suede y Spitfire; incorporándose posteriormente, en el otoño de ese mismo año, Annie Holland y Donna Matthews (ex Darling Buds). Inicialmente tocaron bajo el nombre de Vaseline & Onk, pero tras intimaciones legales del grupo escocés The Vaselines, adoptaron finalmente el nombre Elastica.
 
Su primer single, titulado “Stutter”, salió a la venta en 1993, con muy buena recepción gracias a los DJ’s de Radio One de la BBC y al dueño de Deceptive Records, Steve Lamacq, quien los había descubierto a principios de ese año. En 1994, editaron su primer single oficial en el Reino Unido, que incluía las canciones “Line Up” y “Connection” y que tuvo gran repercusión en las radios del viejo continente. Ayudó también a incrementar la popularidad de la banda, el romance que Justine comenzó con el cantante de Blur, Damon Albarn. El primer disco de la banda, llamado “Elastica”, fue publicado en marzo de 1995, llegando al #1 del ranking inglés y convirtiéndose en uno de los álbumes más rápidamente vendidos en la historia del Reino Unido. Le siguió el single “Waking Up”, el cual se ubicó en el puesto #13.
 
En EUNA, Elastica recibió difusión en las radios especializadas en Modern Rock Tracks, llegando los temas “Connection” y “Stutter” a figurar dentro de los mismos rankings pop de Billboard. En 1995 participaron en el festival de Glastonbury y el festival Lollapalooza, estando un año entero de gira. Al paso del tiempo, Annie Holland se alejaría de la banda acusando agotamiento.
 
En 1996 vuelven a los estudios a grabar demos para lo que sería su nuevo disco, proyecto que no se concreta. En 1998, Donna Matthews abandona la banda y reingresa Annie Holland. Un disco con material de los “años Perdidos” será editado en 1999 en forma de EP con 6 tracks, conteniendo gran número de temas inéditos. Después de regrabar esas canciones para un álbum de estudio regular, la banda vuelve a presentarse en vivo tras años de no tocar. En abril de 2000, finalmente editan su segundo disco, “The Menace”. En 2001, después de la edición de un single de despedida, “The Bitch Don’t Work”, la banda anuncia su amigable separación.
 
«The Menace» (La Amenaza) es el segundo y último álbum de estudio de Elastica, editado por Deceptive Records en abril de 2000 en Reino Unido y en agosto de 2000 en EUNA y Europa por Atlantic. Al igual que su disco de estudio predecesor, “Elastica” (1995), tiene un sonido mas electrónico pero con el mismo estilo, este album fue llamado así porque era “una amenaza en todos los sentidos”, segun palabras de Justine Frischmann en una entrevista con NME, ya que era un periodo complicado: la guitarrista Donna Matthews salia de la banda, Justine terminaba su relación con Damon Albarn y gente nueva llegaba; el disco fue grabado en seis semanas y con un presupuesto de £10,000.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 
Lista de canciones:

  1. «Mad Dog God Dam»   (Frischmann/Elastica) – 3:15
  2. «Generator»   (Frischmann/Elastica) – 1:50
  3. «How He Wrote Elastica Man» (Elastica/Frischmann/Mark E. Smith/Julia Nagle) – 2:02
  4. «Image Change»  (Donna Matthews/Elastica) – 3:27
  5. «Your Arse My Place» (Frischmann/Elastica) – 2:15
  6. «Human»   (Donna Matthews/Gilbert/Gotobed/Lewis/Newman/Elastica) – 3:29
  7. «Nothing Stays the Same» (Donna Matthews/Elastica) – 2:44
  8. «Miami Nice»   (Frischmann/Loz Hardy/Elastica) – 3:21
  9. «Love Like Ours» (Matthews/Elastica) – 2:22
  10. «KB»   (Frischmann/Smith/Nagle/Elastica) – 3:12
  11. «My Sex»  (Frischmann/Loz Hardy/Elastica) – 4:10
  12. «The Way I Like It» (Frischmann/Elastica) – 2:39
  13. «Da Da Da»   (Remmler/Krawinke)  – 3:52

Calidad: FLAC

 

 

 


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