Ciclos y Neurastenias en un mundo cruel

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Los Piojos – Huracanes en Luna Plateada [2002]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

Los Piojos fue una banda argentina de rock formada a fines de 1988 y oriunda de Ciudad Jardín Lomas del Palomar, en el Gran Buenos Aires. De todas las bandas surgidas durante la década de los 90, Los Piojos se erigió como una de las más populares hasta incluso después de su separación, no sólo por su poder de convocatoria y las importantes cifras de ventas en sus álbumes, sino también por una discografía de carácter sólido que fue cada vez haciéndose más personal.

Durante finales de 1989 y principios de 1990 comienzan sus presentaciones en pequeños escenarios del rock porteño y bonaerense tales como el Teatro Arlequines, Graf Zeppelin, Ma Baker y La Plaza del Avión (en Ciudad Jardín) donde Ciro cantó por primera vez. En 1990 el grupo resultó elegido banda revelación por Los Redonditos de Ricota en la encuesta del “Sí!” de Clarín. Los redondos de Ricota habían presenciado varios de los shows del grupo, e incluso el guitarrista Skay subió a acompañarlos en algunas ocasiones.

En 1991 viajaron a Francia, invitados de una organización de los suburbios de París que luchaban contra los skinheads. Tocaron en el Festival Antirracista de Blondy. Aunque lo único gratis seria tocar. Los gastos del viaje corrieron por cuenta propia de Los Piojos que debieron pagar cuotas de 160 dólares para financiarlo. Así lograron compartir el escenario con grupos de Cuba, África, Marruecos, Burkina Faso, Malí, España y Francia. El contacto con Mano Negra fue importante para que la banda abriese la cabeza y entendiera que en la fusión de estilo estaba su futuro musical.

De regreso a Buenos Aires, el sueño del primer disco comenzaba a rondar por sus cabezas. El apoyo por parte de Patricio Rey resultó imprescindible para el grupo, de manera que la “Negra Poly”, manager ricotera, le recomendó al productor Gustavo Gauvry, de DBN, que se acercara a ver un show. Aquella vez, como tantas otras volvió a subir Skay Beilinson al escenario como para que quedase sellado un padrinazgo absoluto sobre los pibes del Palomar. Gauvry se interesó por ellos y enseguida les ofreció la edición y distribución del primer disco de la banda. Entre junio y agosto de 1992 ingresaron por primera vez a un estudio, en Del Cielito Records, estudios de Los Redondos, siendo su primera experiencia en grabaciones de estudio. En ese corto lapso registraron “Chactuchac”, el álbum debut de la banda. El disco fue editado por DBN/Del Cielito Records en agosto de 1992. El título del trabajo se refiere al sonido del tren.

«Huracanes en Luna Plateada» es el segundo álbum en vivo (y séptimo de su producción musical) de la banda Los Piojos, grabado entre junio de 2001 y septiembre de 2002. Con 20 temas registrados en los recitales en el estadio de Huracán (24 de noviembre de 2001), en el Luna Park (19, 20, 21 y 23 de julio de 2002), en el estadio de Gimnasia y Esgrima La Plata (12, 13, 19, 20 y 21 de abril de 2002), en el estadio de Newell’s Old Boys de Rosario (24 de agosto de 2002), en Pajas Blancas Center de Córdoba (14 de junio de 2002), en el Estadio Ruca Che de Neuquén (15 de junio de 2001) y en el Camping Luz y Fuerza de Mendoza (21 de septiembre de 2002).

El álbum es un doble CD producido artísticamente por su cantante Andrés Ciro junto a Ricardo Mollo (Divididos) y editado en noviembre de 2002 por El Farolito Discos.

 

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

 

CD 1:

  1. «María y José»
  2. «Babilonia»
  3. «Ximenita»
  4. «Taxi Boy»
  5. «A Veces»
  6. «Cancheros»
  7. «Yira Yira»
  8. «Muy Despacito»
  9. «Labios de Seda»
  10. «El Rey del Blues» (B. B. King)
  11. «Extraña Soledad»

CD 2:

  1. «Llevatelo»
  2. «Pensar en Nada»
  3. «El Farolito (La Rubia Tarada)»
  4. «Y Qué Más»
  5. «Fijate»
  6. «Morella»
  7. «Genius (El Mendigo del Dock Sud)»
  8. «El Balneario de los Doctores Crotos»
  9. «Little Red Rooster (Zapada)»

Calidad: FLAC

 

 

 


Steve Miller Band – Greatest Hits (1998)

 

[Otras Músicas]

 

Steve Miller Blues Band es un grupo estadounidense de blues rock liderado por Steve Miller, guitarrista y vocalista, en la ciudad de San Francisco en 1966. Cuando firmaron con Capitol Records en 1967, acortaron su nombre al definitivo: Steve Miller Band. El cuarteto de Miller, James Cook (guitarrista), Lonnie Turner (bajista) y Tim Davis (batería) tocó con Chuck Berry en un concierto en el Fillmore West, que más tarde se editaría como álbum en vivo. Tim Davis había sustituido a Lance Haas, quien había dejado el grupo.

Su álbum debut fue “Children of the Future”, grabado en Inglaterra y que salió a la venta en mayo de 1968. Este primer disco no tuvo éxitos destacables y no logró colarse en la lista Top100. La Steve Miller Band publicó un segundo álbum en octubre, llamado “Sailor”, que tuvo mucho más éxito y alcanzó el puesto 24 en la lista Billboard.

Los seguidores del grupo iban aumentando con cada nuevo álbum. “Brave New World”, de 1969, llegó al puesto 22; incluía el éxito “Space Cowboy” y el tema “My Dark Hour”, en el que también participaba Paul McCartney como bajista. El disco “Your Saving Grace”, también de 1969, se situó en el puesto 38 y “Number 5” llegó más arriba, hasta el 23, ya en 1970.

En 1972 se puso a la venta el doble álbum “Anthology”, una recopilación de dieciséis temas de los cinco primeros discos. El siguiente año, “The Joker” supuso un cambio en la Steve Miller Band. El sonido era más rápido y enérgico y su primer tema, que daba título al álbum, se convirtió en un número 1. Mientras tanto, el disco consiguió posicionarse en el segundo puesto y fue premiado como álbum de platino por su más de un millón de copias vendidas. Tres años más tarde, la Steve Miller Band regresó con el LP “Fly Like an Eagle”, que logró un meritorio tercer puesto en las listas.

«Greatest Hits» es un álbum recopilatorio de la Steve Miller Band, editado por la compañía discográfica Polygram Records en 1998.​ El disco recogía 20 grandes éxitos en la carrera del grupo. El álbum llegó al puesto 58 en las listas británicas.

Fuente: Wikipedia

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1.   «The Joker» – 3:36
  2.   «Space Intro» – 1:13
  3.   «Fly Like an Eagle» – 4:42
  4.   «Jet Airliner» – 4:24
  5.   «Dance Dance Dance» – 2:15
  6.   «Give It Up» – 3:36
  7.   «Keeps Me Wondering Why» – 3:42
  8.   «Abracadabra» – 5:06
  9. «Swingtown» – 3:55
  10. «Jungle Love» – 3:07
  11. «Take the Money and Run» – 2:47
  12. «Rock’n Me» – 3:04
  13. «The Stake» – 3:57
  14. «Heart Like a Wheel» – 3:59
  15. «Wide River» – 3:56
  16. «True Fine Love» – 2:39
  17. «Cry Cry Cry» – 4:16
  18. «Serenade» – 3:08
  19. «Winter Time» – 3:12
  20. «Wild Mountain Honey» – 4:47

Calidad: 320 Kbps (a 48000 Hz)

 

Gracias al compañero jccguays por el archivo flac que ripeé a mp3 de máxima calidad.

 

 

 

 


Los Piojos – Verde Paisaje del Infierno [2000]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

Los Piojos fue una banda argentina de rock formada a fines de 1988 y oriunda de Ciudad Jardín Lomas del Palomar, en el Gran Buenos Aires. De todas las bandas surgidas durante la década de los 90, Los Piojos se erigió como una de las más populares hasta incluso después de su separación, no sólo por su poder de convocatoria y las importantes cifras de ventas en sus álbumes, sino también por una discografía de carácter sólido que fue cada vez haciéndose más personal.

Durante finales de 1989 y principios de 1990 comienzan sus presentaciones en pequeños escenarios del rock porteño y bonaerense tales como el Teatro Arlequines, Graf Zeppelin, Ma Baker y La Plaza del Avión (en Ciudad Jardín) donde Ciro cantó por primera vez. En 1990 el grupo resultó elegido banda revelación por Los Redonditos de Ricota en la encuesta del “Sí!” de Clarín. Los redondos de Ricota habían presenciado varios de los shows del grupo, e incluso el guitarrista Skay subió a acompañarlos en algunas ocasiones.

En 1991 viajaron a Francia, invitados de una organización de los suburbios de París que luchaban contra los skinheads. Tocaron en el Festival Antirracista de Blondy. Aunque lo único gratis seria tocar. Los gastos del viaje corrieron por cuenta propia de Los Piojos que debieron pagar cuotas de 160 dólares para financiarlo. Así lograron compartir el escenario con grupos de Cuba, África, Marruecos, Burkina Faso, Malí, España y Francia. El contacto con Mano Negra fue importante para que la banda abriese la cabeza y entendiera que en la fusión de estilo estaba su futuro musical.

De regreso a Buenos Aires, el sueño del primer disco comenzaba a rondar por sus cabezas. El apoyo por parte de Patricio Rey resultó imprescindible para el grupo, de manera que la “Negra Poly”, manager ricotera, le recomendó al productor Gustavo Gauvry, de DBN, que se acercara a ver un show. Aquella vez, como tantas otras volvió a subir Skay Beilinson al escenario como para que quedase sellado un padrinazgo absoluto sobre los pibes del Palomar. Gauvry se interesó por ellos y enseguida les ofreció la edición y distribución del primer disco de la banda. Entre junio y agosto de 1992 ingresaron por primera vez a un estudio, en Del Cielito Records, estudios de Los Redondos, siendo su primera experiencia en grabaciones de estudio. En ese corto lapso registraron “Chactuchac”, el álbum debut de la banda. El disco fue editado por DBN/Del Cielito Records en agosto de 1992. El título del trabajo se refiere al sonido del tren.

«Verde Paisaje del Infierno» es el sexto álbum de estudio de Los Piojos. Fue grabado en agosto de 2000 en los Estudios Panda de Buenos Aires, junto con la colaboración de Ricardo Mollo (líder de Divididos), editado en octubre del mismo año por el sello El Farolito Discos y presentado oficialmente en el estadio de Atlanta, el 16 de diciembre del 2000. Señalado como un disco enteramente exquisito, Los Piojos parecen clausurar aquí una etapa, para condensar toda su energía en canciones de cuatro minutos. El álbum tuvo un larguísimo trabajo de producción para el que fueron consultados Alfredo Toth y el ya mencionado Ricardo Mollo.

El sexto disco del grupo, producido artísticamente por su cantante Andrés Ciro, fue mezclado en un estudio de Los Ángeles, siendo ésta la última etapa de un larguísimo proceso de composición y grabación que tuvo al grupo concentrado durante más de seis meses en una quinta de la localidad de Paso del Rey. En medio, no sólo afrontaron la partida de su histórico baterista (Daniel Buira) por graves problemas internos y la consolidación de su convocatoria (siete conciertos al hilo en el Estadio Obras) sino que fueron y vinieron varias veces en la búsqueda de un sonido satisfactorio. Alfredo Toth, productor por detrás de “Tercer Arco”, el punto de quiebre en la historia del grupo, fue el primero en acercarse a Paso del Rey para dar una mano. “Me pidieron un asesoramiento y les tiré unas ideas sobre los temas que tenían pensado grabar”. “Entre abril y mayo, me reuní primero con Andrés y después con el resto de la banda. Ahí les recomendé a un técnico de sonido (Richard Troilo, que hizo algunos trabajos conmigo) con el que terminaron trabajando”, asegura Toth, quien según fuentes cercanas al grupo terminó de dar el visto bueno para que Sebastián Cardero (el único que no viajó a Los Ángeles) se incorporase a la banda.

Los temas “Merecido”, “Reggae rojo y negro”, “María y José”, “San Jauretche”, “Luz de marfil” y “Media caña” son seis de los catorce temas destacados que contiene el álbum. A partir de agosto el grupo se trasladó a los estudios Panda y allí entró en acción Ricardo Mollo convocado por el grupo para escuchar el material nuevo. “Pero me parece que fue medio una trampa. Ya que no bien les dije lo que pensaba de lo que había escuchado, ahí nomás me invitaron a colaborar con ellos en lo que se refiere a las guitarras”, le dijo al Suplemento Sí, el líder de Divididos que, durante una semana y como si se tratara de un disco suyo, se abocó a la tarea en jornadas de trabajo que empezaban a las once de la mañana y finalizaban bien entrada la madrugada. “Lo que hice fue resaltar más las guitarras, que en este disco van estar más al frente y para lo cual se volvió grabar gran parte de lo hecho. Es que sabían lo que querían pero no estaban tan seguros de cómo lograrlo”, confió el guitarrista de Divididos al Suplemento Sí!.

 

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «María y José» – 4:38
  2. «Labios de Seda» – 4:09
  3. «Luz de Marfil» – 5:24
  4. «Vine Hasta Aquí» – 4:38
  5. «Globalización» – 3:43
  6. «Fijate» – 3:52
  7. «Reggae Rojo y Negro» – 4:16
  8. «Ruleta» – 4:16
  9. «Morella» – 4:12
  10. «La Luna y la Cabra» – 3:30
  11. «Media Caña» – 5:14
  12. «Mi Babe» – 4:42
  13. «Merecido» – 4:13
  14. «San Jauretche» – 5:00

Calidad: FLAC

 

 

 


Los Piojos – Ritual [1999]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

Los Piojos fue una banda argentina de rock formada a fines de 1988 y oriunda de Ciudad Jardín Lomas del Palomar, en el Gran Buenos Aires. De todas las bandas surgidas durante la década de los 90, Los Piojos se erigió como una de las más populares hasta incluso después de su separación, no sólo por su poder de convocatoria y las importantes cifras de ventas en sus álbumes, sino también por una discografía de carácter sólido que fue cada vez haciéndose más personal.

Durante finales de 1989 y principios de 1990 comienzan sus presentaciones en pequeños escenarios del rock porteño y bonaerense tales como el Teatro Arlequines, Graf Zeppelin, Ma Baker y La Plaza del Avión (en Ciudad Jardín) donde Ciro cantó por primera vez. En 1990 el grupo resultó elegido banda revelación por Los Redonditos de Ricota en la encuesta del “Sí!” de Clarín. Los redondos de Ricota habían presenciado varios de los shows del grupo, e incluso el guitarrista Skay subió a acompañarlos en algunas ocasiones.

En 1991 viajaron a Francia, invitados de una organización de los suburbios de París que luchaban contra los skinheads. Tocaron en el Festival Antirracista de Blondy. Aunque lo único gratis seria tocar. Los gastos del viaje corrieron por cuenta propia de Los Piojos que debieron pagar cuotas de 160 dólares para financiarlo. Así lograron compartir el escenario con grupos de Cuba, África, Marruecos, Burkina Faso, Malí, España y Francia. El contacto con Mano Negra fue importante para que la banda abriese la cabeza y entendiera que en la fusión de estilo estaba su futuro musical.

De regreso a Buenos Aires, el sueño del primer disco comenzaba a rondar por sus cabezas. El apoyo por parte de Patricio Rey resultó imprescindible para el grupo, de manera que la “Negra Poly”, manager ricotera, le recomendó al productor Gustavo Gauvry, de DBN, que se acercara a ver un show. Aquella vez, como tantas otras volvió a subir Skay Beilinson al escenario como para que quedase sellado un padrinazgo absoluto sobre los pibes del Palomar. Gauvry se interesó por ellos y enseguida les ofreció la edición y distribución del primer disco de la banda. Entre junio y agosto de 1992 ingresaron por primera vez a un estudio, en Del Cielito Records, estudios de Los Redondos, siendo su primera experiencia en grabaciones de estudio. En ese corto lapso registraron “Chactuchac”, el álbum debut de la banda. El disco fue editado por DBN/Del Cielito Records en agosto de 1992. El título del trabajo se refiere al sonido del tren.

«Ritual» es el quinto disco de Los Piojos, y el primero en vivo. Fue grabado en el estudio móvil de Del Cielito Records los días 7, 8 y 9 de mayo de 1999 en el estadio Obras, conmemorando sus 10 años de trayectoria, y el 23 de enero del mismo año en el Autocine de Villa Gesell, y editado en 1999 por El Farolito Discos. Este álbum logró ser disco de platino. Este año lo cerraron con un recital gratuito ante 100.000 personas en la ciudad de La Plata.

 

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Olvídate (Ya Ves)» – 4:24
  2. «Chac Tu Chac» – 3:22/span>
  3. «Desde Lejos No se Ve» – 4:01
  4. «Ay, Ay, Ay» – 6:29
  5. «Angelito» – 6:29
  6. «Agua» – 5:25
  7. «Arco» – 4:35
  8. «Tan Solo» – 4:18
  9. «Intro Maradó» – 2:50
  10. «Maradó» – 4:37
  11. «Ando Ganas (Llora, Llora)» – 5:43
  12. «Cruel» – 4:10
  13. «Todo Pasa» – 5:45
  14. «Es Sólo Rock & Roll (It’s Only Rock & Roll)» – 5:11

Calidad: WAV

 

 

 


Moncho e Mailo Sapoconchos – Moncho & Sapoconchos (1988)

 

[Resubida]

[Ciclo de Rock Ibérico]

 

Quizás una de las bandas viguesas más olvidadas sea Moncho e Mailo Sapoconchos, una formación que facturó una mezcolanza de estilos entre los que nos encontramos pop, soul, funk, rhythm & blues y un rock salpicado con frescos vientos metálicos.

El grupo nace en Vigo en el verano del 83, comienzan a ensayar en los locales de la calle Argentina de Teis y dan su primer concierto en Vilanova de Arousa en el 85. Lo más curioso es que pese al nombre, no hay ningún Moncho entre sus componentes, entre ellos están Uxío Noceda -compositor, voz y guitarra rítmica-, Javier Porto -batería-, Pedro Díaz -guitarra solista-, Maximino Castro -bajo-, y en los metales Jorge Beltrán y Carlos Villanueva. Un año después desembarcan en Vigo en la mítica sala El Kremlin. Tras participar en varios concursos de maquetas comienzan a girar por toda Galicia presentando su gran directo y su mensaje variado hasta llegar a sonar en la Radio Galega. Participan en el programa Concurso de Maquetas, dirigido por Miguel Piñeiro y destinado a la promoción de grupos no profesionales, llegando a la final de la tercera edición del concurso celebrada en la Plaza de la Quintana de Santiago de Compostela y retransmitida por la TVG.

En 1988 ganan el concurso Racha Coas Ondas -organizado por Radio Nacional y la TV de Galicia- y comienzan a pasearse por la TVG. El premio por ganar el famoso certamen era la grabación de un videoclip que desafortunadamente nunca llegó a hacerse. Casi de seguido, graban su primer y único legado discografico en los estudios Planta Sónica de Vigo durante el mes de septiembre, con producción de Alberto Torrado (Siniestro Total, Os Resentidos). El Lp «Moncho & Sapoconchos», editado por Grabaciones Accidentales en 1988, que contiene uno de los grandes himnos olvidados de nuestra escena, “Cultura Popular”, un gran corte que Siniestro Total se encargarían de rescatar en su disco de versiones “Cultura Popular” (Virgin, 1997), pasó sin pena ni gloria, convirtiendolo en uno de los grupos olvidados de la época.

Aunque el sonido del disco no es el mejor y un poco más de limpieza no le habría venido mal, estamos ante unos rara avis de la escena gallega que realmente sorprenden con su propuesta. Una combinación explosiva de rock, funk, rhythm & blues y ciertos toques soul.

El hit del disco y uno de los himnos más ocultos que conozca es “Cultura Popular”, un corte que define a la perfección lo que fue la banda. Un engranaje perfecto en el que la faceta más exhibicionista de Uxío se conjuga con unos brillantes riffs a cargo de Pedro Díaz, una batería incansable y unos metales que brillan con luz propia. Los toques cínicos de las composiciones de Noceda también merecen ser destacados, como los de “Televisión” –“si la televisión insiste en que debo decir sí, digo sí… que me señale lo que debo hacer… yo sólo soy su servidor… la televisión es mi dios”-, un corte adrenalínico con una instrumentación de lujo. La contundencia rock llega con “Bebo”, Uxío entona como escupiendo las palabras entre una tormenta de guitarras aceleradas.

Un año después dan su último concierto en la sala La Kama de Vigo. Jorge Beltrán continuaría ligado a la escena musical hasta nuestros días, de hecho actualmente es componente de Siniestro Total. Con la entrada del nuevo milenio Uxío, afincado en Xerez, crea Psicodance, un nuevo proyecto en solitario en el que se acerca al funk, al techno, a la electrónica y al jazz.

Un grupo que siempre será recordado por sus letras cínicas y su gran hacer sobre un escenario, por los brillantes arreglos y riffs de Pedro Díaz, la energía de Javier Porto a la batería y una sección de vientos que merece mención a parte.

Fuente: Fernando Fernández Rego en LaFonoteca.net / Zonde

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Cultura Popular» – 4:05
  2. «Ese Amor» – 2:49
  3. «El Rey de la Carretera» – 3:50
  4. «Chicas de Verano» – 2:33
  5. «Televisión» – 3:06
  6. «Bebo» – 3:01
  7. «Hágalo Usted Mismo» – 2:48
  8. «Cultura Popular» – 3:16

Calidad: 192 Kbps

 

Gracias a Piwi en el blog Sangrespañola por este archivo.

 

 

 


La Renga – La Renga [1998]

[Resubida]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

La Renga es una banda de hard rock formada el 31 de diciembre de 1988, en el barrio porteño de Mataderos, al oeste de la ciudad de Buenos Aires. Compuesta por Gustavo “Chizzo” Nápoli (cantante principal, guitarra principal), Gabriel “Tete” Iglesias (bajo) y Jorge “Tanque” Iglesias (batería), quienes integran el grupo desde sus inicios, mientras que Manuel “Manu” Varela se les unió en 1994, gracias a Gabriel “Chiflo” Sánchez (saxo), miembro de la banda hasta 2008.

Se han rehusado a la exposición en los medios durante sus más de veinte años de trayectoria y cuentan, actualmente, con una producción absolutamente independiente, luego de pasar unos cuantos años dentro del sello PolyGram y Universal.

La Renga inició haciendo versiones de canciones de bandas como Creedence, Vox Dei y Manal, entre otras. Las primeras presentaciones las hicieron en el Club Larrazábal, Galpón del Sur, además del circuito underground de Buenos Aires. El nombre surgió como referencia a la época, donde parecía que siempre faltaba algo para poder encaminarse bien. También está la versión de Locura, quien dice que su pareja de ese entonces tenía una pierna 1,5 cm más corta que la otra, lo que le provocaba una perceptible cojera; es decir era coja, o «renga», y al Tete se le ocurrió ponerle así a la banda.

“Esquivando Charcos”, el primer disco de La Renga, fue grabado en 1991 y consta de la primera formación oficial de la banda: Chizzo, Locura, Tete y Tanque. A ellos se suma Chiflo, que por aquel entonces oficiaba de vientista del grupo Los Auténticos Decadentes. Al escuchar su forma de soplar, Tete le propuso de inmediato “poner unos caños” (grabar una sección de vientos) en el disco que venían preparando. El álbum fue grabado en dos lugares distintos, siete de los nueve temas fueron grabados en estudio y las dos canciones restantes (“La nave del olvido” y “Blues de Bolivia”) en su sala de ensayos. En primera instancia el disco contó con 1000 copias hechas por la misma banda, que fueron distribuidas en sus recitales. El álbum fue reeditado en 1998 por la compañía PolyGram.

De manera totalmente independiente, en noviembre de 1993 se edita el segundo álbum, “A Donde Me Lleva la Vida”, grabado en el estudio El Zoológico de Buenos Aires, sin embargo, la gran demanda del disco obliga a firmar con una discográfica con mayor poder de distribución. La mayor condición de esta nueva relación de la banda fue la independencia artística. El acuerdo se hace con PolyGram, quien lo reedita y distribuye a comienzos de 1994 a través de su sello Interdisc.

“Despedazado por Mil Partes” es el cuarto álbum de estudio de la banda argentina de hard rock La Renga, grabado en los Estudios Ion de Buenos Aires, con producción de Ricardo Mollo (de Divididos) y el propio grupo, y editado en octubre de 1996 por la discográfica PolyGram a través de su sello Interdisc. Fue presentado en el estadio Obras los días 13, 14, 20 y 21 de diciembre del mismo año. El trabajo está incluido en la lista de los 100 Mejores álbumes del rock argentino según la revista Rolling Stone.

Fue el álbum de mayor éxito e impacto de La Renga, el que más hizo crecer la cantidad de seguidores que tenía la banda. Entre estas canciones se encuentran “Balada del Diablo y la Muerte” que, junto a “El Revelde”, del álbum “La Renga”, son las canciones más conocidas por los que no son adeptos a la banda. También incluye clásicos del grupo como “El Final Es en Donde Partí”, “Lo Frágil de la Locura” o “A la Carga Mi Rocanrol”. El tema “Veneno” es una versión de la banda La Negra. La última pista, “Hablando de la Libertad”, se convirtió en el cierre de todos los conciertos de la banda.

«La Renga» es el quinto álbum de la banda argentina. Conocido como “El disco de la estrella”, por la gran estrella blanca en la tapa, o simplemente “La Renga”, aunque en realidad no presenta ningún nombre, fue grabado y mezclado en los Estudios El Pie de Buenos Aires, con producción de Ricardo Mollo y el propio grupo, y editado en 1998 por la discográfica PolyGram a través de su sello Interdisc. Las ilustraciones son de Marcelo Zeballos, Medusa, Fito, Fernando Avila; el diseño gráfico es del Estudio Del Federico.

La presentación del álbum se hizo con dos shows en el estadio de Atlanta (con Los Piojos como invitados), los cuales convocaron a 50.000 personas, además de veintidós recitales por las provincias. Dos espectáculos en el estadio de Huracán se realizaron al finalizar la gira, haciendo un repaso de toda la historia.

La canción de mayor difusión de este álbum fue “El Revelde”. La falta de ortografía en la palabra rebelde fue intencional para dar énfasis a la idea de rebeldía. Una canción que resalta sobre las otras por el ostinato de la guitarra y la batería en las estrofas, y su pulso acelerado. La crítica más directa al gobierno de turno es “Vende patria clon”, canción que anuncia la desaparición por la venta de la Confederación Argentina. Otros temas como “El terco”, “Tripa y corazón”, “Bien alto” y “El twist del pibe” se han convertido en clásicos de la banda, siendo ejecutados posteriormente en la mayoría de los conciertos.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas de Gustavo Nápoli, excepto 7: Vera, Sánchez)

  1.  «El Terco» – 4:29
  2. «Tripa y Corazón» – 2:51
  3. «Bien Alto» – 3:26
  4. «El Hombre de la Estrella» – 3:21
  5. «Vende Patria Clon» – 2:36
  6. «El Revelde» – 3:23
  7. «Me Hice Canción» – 3:45
  8. «Cuando Estés Acá» – 4:55
  9. «El Twist del Pibe» – 3:00
  10. «Reíte» – 5:47
  11. «Ser Yo» – 3:40

Calidad: FLAC

 

 

 


Yardbirds – Greatest Hits (2000)

[Resubida]

 

[Otras Músicas]

 

 

 

The Yardbirds es un grupo de rock y rhythm & blues británico formado en 1963, particularmente activo durante la década de 1960, siendo una de las bandas de la llamada Invasión británica. La banda se separó en 1968, aunque volvieron a la actividad en los años 1990.

Su estilo estuvo enfocado en una especie de versión inglesa de lo que estaban haciendo los músicos tradicionales de blues norteamericanos, y del mismo modo llegaron a trabajar en colaboración con destacados bluesmen como Sonny Boy Williamson II. Aparte de la influencia que tuvo en la época, la cual fue moderada, las razones por las que más se recuerda a esta agrupación es porque de sus filas salieron tres de los guitarristas más importantes de la historia del rock: Eric Clapton, Jeff Beck y Jimmy Page, y por ser el grupo precursor a Led Zeppelin.

El grupo se formó en las afueras al sur-oeste de Londres, como derivación del Metropolitan Blues Quartet, grupo que Keith Relf (voz) y Paul Samwell-Smith (bajo) habían formado originalmente. Después de unírseles Chris Dreja (guitarra), McCarty (batería) y “Top” Topham (guitarra), a finales de mayo de 1963, se decidió cambiar el nombre a Blue-Sounds, y luego de un par de conciertos en septiembre de 1963, se decidieron por el nombre definitivo: Yardbirds, que era a la vez una expresión para vagabundos merodeando por los patios del ferrocarril esperando un tren, y también una referencia al saxofonista de jazz Charlie “Yardbird” Parker.

El guitarrista original Anthony “Top” Topham decidió irse y fue reemplazado por Eric Clapton en octubre de 1963. El empresario Giorgio Gomelsky se convirtió en apoderado de la banda y en su primer productor. Bajo la dirección de Gomelsky los Yardbirds firmaron con sello Columbia-EMI en febrero de 1964. Su primer álbum fue el “Five Live Yardbirds”, un directo grabado en el mítico Marquee Club de Londres.

Clapton por su parte también se aleja del grupo para formar Cream, siendo reemplazado por un joven y aún ignoto Jeff Beck en 1965; con Beck grabarían entre 1965 y 1966 los LPs “Having a Rave Up” y “Yardbirds”. El bajista Samwell-Smith se retira de la banda, y es reemplazado provisoriamente por Jimmy Page, un reputado sesionista en aquel entonces, por lo cual Page y Beck convivieron en las filas de los Yardbirds por un breve período, aquel en bajo y este en primera guitarra: a ambos se los puede ver juntos en la fugaz aparición de la banda en la cinta “Blow-Up” de Michelangelo Antonioni (1966), interpretando el tema “Stroll On”. No obstante Beck también se aleja del grupo en 1966, para seguir sus proyectos personales, pasando Jimmy Page a la primera guitarra, y constituyéndose The Yardbirds en cuarteto, con el guitarrista rítmico Chris Dreja pasando al bajo. Con esa formación (Page-Dreja-Relf-McCarty) grabarían el álbum “Little Games” (1967), un disco de rock psicodélico y R&B que marcaría la disolución del grupo.

Cuando The Yardbirds se disuelve, hacia 1968, Jimmy Page decide reunir a una nueva banda a su alrededor que en principio sería bautizada como “The New Yardbirds”; poco después esta nueva banda derivaría en Led Zeppelin.

«Greatest Hits» es un álbum recopilatorio de Yardbirds editado en Alemania en el año 2000 por el sello Flash, con producción de Masters Records. Recoge algunos de sus temas más famosos y algunas rarezas.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

 

  1.  «For Your Love» – 2:30
  2.  «I’m a Man» – 2:32
  3. «Pretty Girl» – 3:02
  4. «Five Long Years» – 1:40
  5. «Jeff’s Blues» – 1:38
  6.  «Shapes of Things» – 2:21
  7. «Steeled Blues» – 1:37
  8. «The Train Kept a Rolling» – 1:40
  9. «Boom Boom» – 2:20
  10. «Got Love If You Want It» – 2:30
  11. «Evil Hearted You» – 2:20
  12. «I Ain’t Got You» – 1:58
  13. «Good Morning Little Schoolgirl» – 2:43
  14. «My Girl Sloopy» – 1:37
  15. «A Certain Girl» – 2:15
  16. «Here’t Is» – 1:35

Calidad: 320 Kbps (a 48000 Hz)

 

Gracias a la compañera Minie por el archivo wav que ripeé a mp3 de máxima calidad.

 

 

 

 


La Renga – Despedazado por Mil Partes [1996]

[Resubida]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

La Renga es una banda de hard rock formada el 31 de diciembre de 1988, en el barrio porteño de Mataderos, al oeste de la ciudad de Buenos Aires. Compuesta por Gustavo “Chizzo” Nápoli (cantante principal, guitarra principal), Gabriel “Tete” Iglesias (bajo) y Jorge “Tanque” Iglesias (batería), quienes integran el grupo desde sus inicios, mientras que Manuel “Manu” Varela se les unió en 1994, gracias a Gabriel “Chiflo” Sánchez (saxo), miembro de la banda hasta 2008.

Se han rehusado a la exposición en los medios durante sus más de veinte años de trayectoria y cuentan, actualmente, con una producción absolutamente independiente, luego de pasar unos cuantos años dentro del sello PolyGram y Universal.

La Renga inició haciendo versiones de canciones de bandas como Creedence, Vox Dei y Manal, entre otras. Las primeras presentaciones las hicieron en el Club Larrazábal, Galpón del Sur, además del circuito underground de Buenos Aires. El nombre surgió como referencia a la época, donde parecía que siempre faltaba algo para poder encaminarse bien. También está la versión de Locura, quien dice que su pareja de ese entonces tenía una pierna 1,5 cm más corta que la otra, lo que le provocaba una perceptible cojera; es decir era coja, o «renga», y al Tete se le ocurrió ponerle así a la banda.

“Esquivando Charcos”, el primer disco de La Renga, fue grabado en 1991 y consta de la primera formación oficial de la banda: Chizzo, Locura, Tete y Tanque. A ellos se suma Chiflo, que por aquel entonces oficiaba de vientista del grupo Los Auténticos Decadentes. Al escuchar su forma de soplar, Tete le propuso de inmediato “poner unos caños” (grabar una sección de vientos) en el disco que venían preparando. El álbum fue grabado en dos lugares distintos, siete de los nueve temas fueron grabados en estudio y las dos canciones restantes (“La nave del olvido” y “Blues de Bolivia”) en su sala de ensayos. En primera instancia el disco contó con 1000 copias hechas por la misma banda, que fueron distribuidas en sus recitales. El álbum fue reeditado en 1998 por la compañía PolyGram.

De manera totalmente independiente, en noviembre de 1993 se edita el segundo álbum, “A Donde Me Lleva la Vida”, grabado en el estudio El Zoológico de Buenos Aires, sin embargo, la gran demanda del disco obliga a firmar con una discográfica con mayor poder de distribución. La mayor condición de esta nueva relación de la banda fue la independencia artística. El acuerdo se hace con PolyGram, quien lo reedita y distribuye a comienzos de 1994 a través de su sello Interdisc.

«Despedazado por Mil Partes» es el cuarto álbum de estudio de la banda argentina de hard rock La Renga, grabado en los Estudios Ion de Buenos Aires, con producción de Ricardo Mollo (de Divididos) y el propio grupo, y editado en octubre de 1996 por la discográfica PolyGram a través de su sello Interdisc. Fue presentado en el estadio Obras los días 13, 14, 20 y 21 de diciembre del mismo año. El trabajo está incluido en la lista de los 100 Mejores álbumes del rock argentino según la revista Rolling Stone.

Las ilustraciones son de Marcelo Zeballos; el diseño gráfico es del Estudio Del Federico. La portada, en la que aparece el dibujo de la cabeza coronada de un ángel, con sus respectivas alas, si es puesta del revés, lo que previamente era un ángel alado pasa a ser una especie de demonio con el cráneo partido a la mitad y con el hueco de las fosas nasales a la vista.

Fue el álbum de mayor éxito e impacto de La Renga, el que más hizo crecer la cantidad de seguidores que tenía la banda. Entre estas canciones se encuentran “Balada del Diablo y la Muerte” que, junto a “El Revelde”, del álbum “La Renga”, son las canciones más conocidas por los que no son adeptos a la banda. También incluye clásicos del grupo como “El Final Es en Donde Partí”, “Lo Frágil de la Locura” o “A la Carga Mi Rocanrol”. El tema “Veneno” es una versión de la banda La Negra. La última pista, “Hablando de la Libertad”, se convirtió en el cierre de todos los conciertos de la banda.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas de Gustavo Nápoli, excepto 9: Marcelo Ferrari)

  1.  «Desnudo para Siempre» – 4:08
  2. «A la Carga Mi Rocanrol» – 3:46
  3. «El Final Es en Donde Partí» – 4:36
  4. «Balada del Diablo y la Muerte» – 5:36
  5. «Cuando Vendrán» – 4:21
  6. «Psilocybe Mexicana» – 5:36
  7. «Paja Brava» – 6:01
  8. «Lo Frágil de la Locura» – 4:19
  9. «Veneno» – 4:08
  10. «El Viento que Todo Empuja» – 5:21
  11. «Triste Canción de Amor» – 5:09

Calidad: FLAC

 

 

 


Siniestro Total – Me Gusta Cómo Andas (1988-Reed.2002)

[Resubida]

 

[Ciclo de Rock Ibérico]

 

Cuando se nombra a Siniestro Total da la sensación de que siempre han estado ahí; desde luego son uno de los grupos más longevos de nuestra escena y unos de los principales responsables del Big Bang de La Movida y del punk en nuestro país. El 27 de diciembre del 81 tiene lugar en el Salesianos de Vigo su primer concierto, con Julián Hernández (batería y coros), Miguel Costas (guitarra y coros), Germán Coppini (voz) y Alberto Torrado (bajo). Al poco tiempo se produce el que quizás fuera uno de los episodios más dramáticos del grupo: la salida del mismo de Germán, su cantante original. Germán había empezado a tocar junto a Teo Cardalda, en lo que vino a ser el núcleo de Golpes Bajos. Aunque inicialmente simultaneaba la pertenencia a ambas bandas, la aparición en el programa de televisión La Edad de Oro con estos últimos desencadenó la salida de Siniestro Total.

Tras su debut, aún con Coppini, con el celebérrimo “¿Cuándo se Come Aquí?” (DRO, 1982), entre 1983 y 1987 se producen cambios significativos en la formación del grupo y se editan varios de sus mejores discos: “Siniestro Total II: El Regreso” (DRO, 1983), el ep “Surfin’ CCCP” (DRO, 1984) junto a Os Resentidos, “Menos Mal que nos Queda Portugal” (DRO, 1984), “Bailaré Sobre tu Tumba” (DRO, 1985), “Grandes Éxitos” (DRO, 1986) o “De Hoy No Pasa” (DRO, 1987), último disco de Alberto Torrado con Siniestro Total, ya que decide marcharse a tocar con Os Resentidos, con los que dice sentir que su música está más valorada.

Aun así colaborará con sus antiguos compañeros tocando el bajo en su siguiente trabajo «Me Gusta Cómo Andas» (DRO, 1988). El caso en cuando menos curioso, ya que Alberto deja de aparecer en las portadas de los discos pero sigue tocando en los conciertos y en las grabaciones, aunque como un músico de estudio más. Pero esta no es la única variación que sufre la formación: Julián Hernández comienza a desentenderse de la batería -posteriormente se dedicaría a la guitarra y a las voces-, encargándose en gran parte de los cortes Ñete -Nacha Pop- y Ángel González. Josele Santiago colabora aportando coros en “Hermano bebe”.

Grabado y mezclado en los estudios Trak de Madrid, con producción de Eugenio Muñoz, quien también ejercerá como ingeniero, el disco trae consigo un aperturismo a nuevos estilos con acercamientos al hard rock y al rhythm and blues con letras más ácidas y menos optimistas.

Fieles a su espíritu polémico, la canción “Alégrame el día” levanta ampollas debido a su explícita letra que carga contra el mundo de la tauromaquia… “Si las vacas enviudan a las cinco / tú morirás a media tarde / te vestiré de sangre y oro / sin rabo y sin orejas arderás / en la plaza que arde”. Sin duda, uno de los grandes temas de la banda.

Entre los cortes nos encontramos los que ya son clásicos de la banda como “Cuánta puta y yo que viejo”, “Hermano bebe” o “Pueblos del mundo: ¡extinguíos!”. Con su acidez habitual y su filosofía de no dejar títere con cabeza nos encontramos con esterilizaciones forzosas por el bien de la evolución, incitaciones al bebercio ante la futilidad de la vida -“Hermano bebe”, muy recomendable el videoclip del tema realizado por Antón Reixa-, visiones desenfocadas sobre la historia -“Vil guerra civil”, “Algo huele mal en Dinamarca”- y su visión particular de las relaciones de pareja -“Dame tu amor”-. Todo ello aderezado con los habituales coros destinados a caldear el ambiente y unas cuerdas que se agitan más que nunca.

En 2002 el disco es reeditado con seis temas extra, las caras B “Al hijo de la Marijuana” y “Roxette” -“Alégrame el Día” (DRO, 1988)-, “El síndrome de Estocolmo” -“Hermano Bebe” (DRO, 1988)-, “Gremio de hostelería” -“Cuánta Puta y yo qué Viejo” (DRO, 1988)-, una nueva versión de “Alégrame el día” con el Maestro Reverendo (Paracelso) y “Folla con él”, grabada en directo en la Fiesta del Diario Pop en Rock Club (1989).

Fuente: TGL y Fernando Fernández Rego en LaFonoteca.net / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas de J. Hernández y M. Costas, excepto indicados)

  1.  «Fuimos un Grupo Vigués» (F. J. Fernández Soto, J. Hernández) – 3:34
  2.  «Pueblos del Mundo: ¡Extinguíos!» – 2:53
  3.  «Vil Guerra Civil» – 2:53
  4.  «Dame Tu Corazón» (M. Costas) – 1:56
  5.  «Somos Ultraístas» (J. Hernández) – 2:58
  6.  «Algo Huele Mal en Dinamarca» – 2:23
  7.  «Me Gusta Cómo Andas» (J. Hernández) – 2:18
  8.  «Alégrame el Día» (F. J. Fernández Soto, J. Hernández) – 2:43
  9. «Una Palabra Tuya» (J. Hernández) – 2:35
  10. «Cuando Ruge la Marabunta» – 2:30
  11. «Detente Predicador» (Siniestro Total) – 2:15
  12. «Cuánta Puta y Yo qué Viejo» (F. J. Fernández Soto, J. Hernández) – 2:55
  13. «Hermano Bebe» – 2:52
  14. «Himno do Lagares» – 2:08
  15. «Al Hijo de la Marijuana» (bonus track) – 2:30
  16. «El Síndrome de Estocolmo» (bonus track) – 3:59
  17. «Gremio de la Hostelería» (bonus track) – 1:53
  18. «Roxette» (bonus track) – 2:34
  19. «Alégrame el Día (The Maestro Reverendo Mix)» (bonus track) – 3:00
  20. «Folla con Él» (Directo, bonus track) – 3:50

Calidad: FLAC

 

Gracias al compañero Sisesa7 por este archivo, que permitió compartir en este formato.

 

 


Ana Popovic – Trilogy (2016)

[Resubida 2ª]

 

[Otras Músicas]

 

Ana Popović, nacida en 1976 en Belgrado (Serbia) y emigrada a Memphis (Tennessee, EUNA) en 2012, es una virtuosa guitarrista y cantante de blues-rock. Su padre la introdujo en la música blues y comenzó a tocar la guitarra cuando tenía quince años. Alrededor de 1991 Ana sucumbe inevitablemente a los encantos de la guitarra. Su padre sigue ayudándola, pero se da cuenta de que el don natural de su hija para tocar el instrumento va más allá de sus propias habilidades y, aunque la familia no es rica, sus padres hacen lo imposible para que asista a clases particulares de guitarra, en las que Ana se deja el alma, sorprendiendo a su maestra con su progreso y el rápido desarrollo de un estilo propio.

En 1995 formó la banda Hush con Rade Popović (guitarra, voz), Milan Sarić (bajo) y Bojan Ivković (batería), con un estilo rhythm and blues, pero también incorporando elementos de funk y soul en su sonido. Durante 1996, Hush realizó giras por Yugoslavia y Grecia, y gracias a su directo en el Marsoni Blues Festival de Senta, Hush obtuvo la invitación para actuar en el Fifth International Blues, Jazz, Rock and Gastronomic Festival de Hungría, parte de cuya actuación fue incluida en un álbum en directo editado para celebrar el festival.

A lo largo de 1998, Hush tuvo más de 100 shows, tocando en clubs de blues y festivales del género, mientras registraban su álbum debut, “Hometown”, grabado en Studio Akademija y mezclado en VELJAM Studio, con producción de Aleksandar Radosavljević, y editado por el sello yugoslavo PGP-RTS en 1998. Contó con la colaboración de artistas invitados como Vojno Dizdar (piano y órgano), Petar “Pera Joe” Miladinović (armónica), Aleksandar Tomić (saxofón tenor) y Predrag Krstić (trompeta). Además de canciones propias, el disco incluye también versiones de algunos temas reputados del blues.

A finales de 1998, Popović fue a Utrecht (Holanda) para estudiar guitarra blues-jazz, lo que provocó el final de la banda Hush y el posterior inicio de la carrera en solitario de Ana, que comenzó un año después con la formación de su banda de acompañamiento en Holanda. En 2000, apareció junto a Eric Burdon, Taj Mahal, Buddy Miles, Double Trouble, Eric Gales y otros, en el álbum de tributo a Jimi Hendrix “Blue Haze: Songs of Jimi Hendrix” con una versión del tema “Belly Button Window”.

En 2001, apareció su álbum debut en solitario, “Hush!”, editado por el sello alemán Ruf Records. El álbum fue grabado en Memphis, con los miembros de la Ana Popović Band, así como otros músico de estudio. Fue producido por Jim Gaines, quien anteriormente trabajó con Carlos Santana, John Lee Hooker, Alexis Korner y otros grandes músicos. El álbum incluye a Bernard Allison como invitado y mostró ser exitoso, por lo que Popović abandonó sus estudios de guitarra para dedicarse exclusivamente a su actividad musical como profesional.

En 2003, Popović lanzó su segundo álbum en solitario, “Comfort to the Soul”, editado por el sello alemán Ruf Records. El álbum, grabado en Memphis y producido por Gaines, ofreció una fusión de blues, rock, soul y jazz. Durante el mismo año, en el Festival de Rhythm & Blues en Bélgica, fue invitada por Solomon Burke a unirse a él en el escenario, después de lo cual ella se unió a él en el resto de la gira como invitado.

Tras un disco en directo grabado en enero de 2005 en su actuación en el club Melkweg de Amsterdan y editado ese mismo año, titulado “Ana!”, en 2007 Popović publica con el sello norteamericano Eclecto Groove Records su tercer álbum de estudio, “Still Making History”, en el que vuelve a retomar su estilo característico de blues, rock y soul. El trabajo cuenta con un bonus consistente en la versión blues del primer tema del disco.

Con producción de Mark Dearnley, Tony Braunagel y Ana Popović, graba en California su cuarto álbum de estudio, “Blind for Love”, segundo disco producido en EUNA y editado de nuevo por el sello Eclecto Groove Records en 2009. El quinto álbum de estudio de Ana Popović en solitario, “Unconditional”, fue grabado en febrero de 2011 en Nueva Orleans (Louisiana) y editado de nuevo por el sello Eclecto Groove Records en agosto de 2011. Al igual que “Still Making History”, “Unconditional” alcanza el nº 1 en el Billboard Blues Chart estadounidense.

El séptimo álbum de estudio de Ana Popović en solitario, “Can You Stand the Heat”, grabado en Memphis y mezclado en Nashville, ambas de Tennesse, donde la guitarrista y cantante se trasladó a vivir, fue editado por el sello holandés ArtisteXclusive Records en marzo de 2013. En este disco aparece una versión del tema de los Rolling Stones “Rain Fall Down”.

«Trilogy» es el octavo álbum de estudio de Ana Popović en solitario, un álbum triple grabado en diversos estudios estadounidenses, con producción de Warren Riker, Ana Popović, Tom Hambridge, Cody Dickinson y Delfeayo Marsalis, y editado por el sello holandés ArtisteXclusive Records en mayo de 2016. Popović escribió o co-escribió la mayoría de las canciones de los tres discos (15 de los 23 temas). Colaboraron en su grabación muchos grandes artistas invitados, como el guitarrista Joe Bonamassa, el guitarrista de lap steel Robert Randolph, el rapero Al Kapone y los bateristas Bernard Purdie y Cody Dickinson (de North Mississippi Allstars).

El álbum se divide en tres discos, con tres estilos diferentes. El CD-1 (“Morning”) es su álbum soul, funk y R & B, producido por el ganador del premio Grammy Warren Riker y por Popović, y grabado en Esplanade Studios (Nueva Orleans, Louisiana), Royal Studios y Music + Arts Studio (Memphis, Tennessee), The Switchyard (Nashville, Tennessee), y Full Sail Studio (Orlando, Florida). Además de los fuertes trabajos de guitarra de Popović, “Morning” utiliza multitud de cuernos y piano, y presenta a Joe Bonamassa como guitarrista invitado en “Train”, terminando la canción con un smoking outro.

El CD-2 (“Mid-Day”) contiene el blues rock más típico en la música de Popović. Las canciones fueron grabadas y producidas por varias personas en diferentes lugares. Fue grabado por Warren Riker en Esplanade Studios, Nueva Orleans en Louisiana, por Tom Hambridge en The Switchyard, Nashville en Tennessee, y por Cody Dickinson en el rancho Zebra cerca de Memphis en Mississippi. Popović incluye una canción de duelo de guitarra “Woman to Love”, donde ella se dueló a sí misma a través de la magia de doble rastreo. El disco contiene un dúo conmovedor con Alphonzo Bailey, más conocido como el rapero Al Kapone.

Finalmente el CD-3 (“Midnight”) explora las tendencias jazzísticas de Popović. Este disco tiene más versiones que cualquiera de los otros, ya que cubre una canción de Tom Waits, un tema de Duke Ellington y también una canción de Billie Holiday. El disco de jazz fue grabado en Esplanade Studios, New Orleans en Louisiana, por Delfeayo Marsalis, y utiliza una variedad de saxofones, bajo acústico y batería, con Kyle Roussell en el piano. Popović probó una nueva guitarra para “Midnight”, usando un Gibson ES-175 para los números de jazz en lugar de su Strat habitual, que utiliza para el rock y el blues. Ella también adaptó su voz al jazz, dejando los gruñidos y los gritos de los dos primeros discos y cambiando a canturreo, desprendiendo un ambiente nocturno ahumado.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas de Ana Popović, excepto indicados)

 

CD-1 (“Morning”):

  1. «Love You Tonight» – 4:04
  2. «She Was a Doorman» (Popović, Shannon Sanders) – 4:03
  3. «Show You How Strong You Are» (Popović, Tommy L. Sims) – 3:23
  4. «Fencewalk» (Carlos Wilson, Louis Wilson, Ric Wilson, Skip Scarborough) – 4:21
  5. «Train» [con Joe Bonamassa] – 4:57
  6. «If Tomorrow Was Today» – 5:15
  7. «Long Road Down» – 4:32
  8. «Hook Me Up» [con Robert Randolph] (Johnny “Guitar” Watson) – 4:37
  9. «Too Late» – 5:26

CD-2 (“Mid-Day”):

  1. «You Got the Love» (Chaka Khan, Ray Parker Jr.) – 5:28
  2. «Johnnie Ray» (Popović, Kevin Bowe) – 3:46
  3. «Woman to Love» (Curtis Mayfield) – 3:19
  4. «Let’s Do It Again” [con Al Kapone] – 3:51
  5. «Who’s Yo’ Mama» – 3:18
  6. «Wasted» (Popović, M. van Meurs) – 2:18
  7. «Crying for Me» – 3:09

CD-3 (“Midnight”):

  1. «New Coat of Paint» (Tom Waits) – 3:27
  2. «Waiting on You» – 4:32
  3. «In a Sentimental Mood» (Duke Ellington, Manny Kurtz) – 3:39
  4. «Old Country» (Curtis Reginald Lewis, Nat Adderley) – 3:46
  5. «Waiting on You (Double-Time Swing)» – 3:59
  6. «Heaven’s Crying aka Song for the Next Generation» (Popović, M. van Meurs, K. Bowe, Cindy Scott) – 4:00
  7. «You Don’t Know What Love Is» (Don Raye, Gene de Paul) – 4:45

Calidad: 320 Kbps