Ciclos y Neurastenias en un mundo cruel

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Bryan Adams – The Best Of Me (1999)

 

[Otras Músicas]

 

Bryan Adams es un cantante, compositor, músico, fotógrafo y filántropo canadiense nacido en Kingston, Ontario. En sus estilos musicales destaca el hard rock y el pop rock. En más de treinta años de carrera ha vendido más de 100 millones de álbumes, incluyendo álbumes y singles en todo el mundo.

El año 1984 sería culminante en la carrera de Bryan Adams, puesto que gracias al lanzamiento de su álbum “Reckless”, obtuvo varios galardones y reconocimientos (ejemplo de ello, el recibimiento de los Premios Juno). Canciones como “Heaven”, “Summer of ’69”,​ “Run to You”, “Somebody” y el dueto con Tina Turner, “It’s Only Love”, son temas considerados clásicos del rock.

En el año 1991 editó “Waking Up the Neighbours”, cuyos éxitos más notables son “(Everything I Do) I Do It for You” (banda sonora de la película Robin Hood: Príncipe de los Ladrones), “Thought I’d Died and Gone to Heaven”, “Can’t Stop this Thing We Started”, “Do I Have to Say the Words?” y “All I Want Is You”.

En el año 1994 formó con Sting y Rod Stewart un trío inolvidable para la canción “All for Love” (la letra de esta canción fue escrita en una sola noche), B.S.O. de la película “Los Tres Mosqueteros”: primero se contactó con Sting y posteriormente con Rod Stewart. Ese mismo año participa en “Pavarotti and Friends 2”, un concierto que reúne a destacados artistas invitados a cantar junto al famoso tenor Luciano Pavarotti (estos conciertos son grabados y editados como álbum, por ejemplo, en el “Pavarotti and Friends 2”, aparecen en la carátula Bryan junto a Pavarotti).

El año 1995 trajo una gran sorpresa para todos los que esperaban aires nuevos en el trabajo de Bryan; la canción “Have You Ever Really Loved a Woman”, una versión balada-flamenco en la que se incluía la participación del guitarrista español Paco de Lucía, que colaboró a petición de Bryan Adams.​ Bryan se contactó con el mánager de Paco de Lucía quien le informó de que no estaba disponible puesto que estaba de vacaciones fuera de España; a los pocos días Bryan se entera por suerte de que Paco de Lucía estaba casualmente de vacaciones en la misma isla donde él se encontraba grabando. La canción formó parte de la banda sonora de la película Don Juan de Marco.

«The Best of Me» es un álbum de grandes éxitos del cantautor Bryan Adams. Fue publicado mundialmente en noviembre 1999 por A&M Records, y en Estados Unidos de Norteamérica en 2002. Ésta fue la última publicación con la casa discográfica A&M Records. Al inicio de su lanzamiento, se publicó una edición especial de 2 discos en el cual se emitieron temas en vivo. Otro set de edición especial de 2 discos fue lanzado en la Unión Americana, denominado “Special Tour Edition”, acompañada de tres canciones extra. Éste es el segundo álbum recopilatorio de Adams, después del “So Far, So Good”; excepto en Japón, donde “Hits on Fire” fue publicado en 1988.

El álbum fue n° 3 en Suiza y Bélgica, n° 4 en Austria, n° 7 en Canadá y Alemania, n° 12 en Reino Unido, n° 13 en Holanda y n° 16 en Finlandia, obteniendo las certificaciones de triple platino en Reino Unido y cánada, platino en Australia, Bélgica y Suiza, y disco de oro en Argentina, Noruega, Austria, Suecia y Alemania. Los sencillos extraídos fueron “The Best of Me” e “Inside Out”.

Fuente: Wikipedia

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «The Best of Me» – 3:33
  2. «Can’t Stop This Thing We Started» – 4:29
  3. «I’m Ready» – 4:29
  4. «Summer of ’69» – 3:34
  5. «Let’s Make a Night to Remember» – 6:19
  6. «All for Love» (con Rod Stewart y Sting) – 4:36
  7. «Have You Ever Really Loved a Woman» – 4:48
  8. «Run to You» – 4:30
  9. «Cloud Number Nine» – 4:11
  10. «(Everything I Do) I Do It for You» – 6:34
  11. «Back to You» – 4:30
  12. «When You’re Gone» (con Mel C) – 3:25
  13. «Please Forgive Me» – 5:58
  14. «The Only Thing that Looks Good on Me Is You» – 3:37
  15. «Inside Out» – 4:43
  16. «Don’t Give Up» (con Chicane) – 3:42

Calidad: FLAC

 

 

 

 


Varios Autores – Tributo a Sandro. Un Disco de Rock [1999]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

El álbum «Tributo a Sandro. Un Disco de Rock» es una recopilación de versiones de diversos temas del cantante Sandro a cargo de diferentes grupos latinoamericanos, sobre todo argentinos (Divididos, Bersuit, Attaque 77…), pero también de Chile (Javiera y Los Imposibles), Colombia (Aterciopelados) o México (Molotov).

Fue editado por la discográfica BMG Ariola en 1999 en Argentina, México y otros países latinoamericanos.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1.  Divididos – «Tengo»
  2. Los Fabulosos Cadillacs – «Porque Yo Te Amo»
  3. Los Caballeros de la Quema – «Rosa, Rosa»
  4. Bersuit Vergarabat – «Una Muchacha y una Guitarra»
  5. Attaque 77 – «Dame el Fuego de Tu Amor»
  6. León Gieco – «Si Yo Fuera un Carpintero»
  7. Erica García – «Quiero Llenarme de Ti»
  8. Los Visitantes – «Trigal»
  9. Aterciopelados – «Penas»
  10. Virus – «Atmosfera Pesada»
  11. Molotov – «Mi Amigo El Puma»
  12. Javiera y Los Imposibles – «Así»
  13. Bel Mondo – «Penumbras»

Calidad: FLAC

 

 

 


Tijuana in Blue – A Bocajarro (1988)

 

[Ciclo de Rock Ibérico]

 

“Éramos libres. Íbamos a nuestro pedo. Teníamos dos objetivos claros: ir contra el sistema al tiempo que nos divertíamos. No nos gustaba el mundo que nos rodeaba y tratábamos de montar nuestra propia realidad. Vivíamos en un subidón constante. Éramos sujetos y protagonistas”. Quien así describía aquellos días era Marco Antonio Sanz de Acedo – Eskroto-, el que fuera uno de los cantantes de Tijuana in Blue. La banda de Pamplona perteneció a la que podría denominarse segunda oleada de grupos del punk que vino del Norte de la Península en los 80. Y es que para cuando los navarros empezaron a editar sus primeros trabajos, bandas como La Polla Records, Eskorbuto, Zarama, M.C.D., por citar sólo unos pocos ejemplos, tenían ya en la calle incluso varios discos. Aun así su apuesta rompedora de experimentación y su compromiso casi absoluto tanto con la juerga como con movilizaciones sociales de muy diversa naturaleza les garantizó un lugar de excepción en el santoral del género.

Los orígenes de Tijuana in Blue hay que buscarlos en las ondas; en las de radio más concretamente. Los que luego vendrían a ser sus dos cantantes, Eskroto y Jimmi Errea, que por entonces todavía no se conocían, trabajaban en Pamplona a comienzos de los 80 en programas diferentes de Radio Paraiso. La emisora, que estuvo cerrada en varias ocasiones, llegó a funcionar desde la misma casa de Eskroto durante uno de esos periodos de silencio. Como premio a la fidelidad mostrada, le encargaron la dirección de uno de los programas. De hecho, el título del espacio radiofónico que pone en marcha, “Eskroto Krótalo”, es la razón del que luego resultó su apodo más duradero.

La banda aunó su espíritu eminentemente festivo, propenso siempre a disfrutar en escena, con una clara vocación por la denuncia de cualquier aspecto social que a su juicio, así lo requiriera. La experiencia, que ellos calificaron de grupo “experimental básico”, dejó buen sabor de boca. Con el nombre y la actitud “majara” inicial se busca hacer algo diferente, desmarcarse un poco de la escena del momento. La filosofía, tal como nos cuenta Jimmi era clara: “hacer algo para pasar el rato y cuanto más raro mejor y así además de juntarnos con gente distinta a nosotros, íbamos haciendo canciones cada una de una madre y cada día hacíamos un montón. No importaba para nada la calidad; el tema era hacer todo tipo de música mezclada y, sobre todo, reivindicar todo lo que nos jodía pero de una forma festiva que era lo que echábamos en falta en el panorama musical por aquel entonces…”.

En uno de los bares en los que solían tocar, reciben la oferta de Mariano Goñi, responsable del sello Soñua (que posteriormente pasaría a ser Oihuka) para grabar un disco. La invitación no llega de cualquier sitio porque para aquel entonces el modesto sello navarro contaba ya en sus filas con bandas como La Polla Records, Barricada o Kortatu. En concreto, lo que se le proponía al grupo era la posibilidad de editar un LP compartido con Potato, grupo dedicado al reggae y aires jamaicanos. “Fue todo un flash que no llegábamos a entender pero que aceptamos gustosos” nos responde Jimmi cuando le preguntamos por la reacción del grupo.

El repertorio de la banda consiste por entonces en unas treinta canciones, o como decían para El Tubo “treinta melodías porque de una nota hacíamos una canción”. Seleccionan ocho y van a los estudios Elkar de Lasarte en una furgoneta que llenan además de los cachivaches que encuentran por el camino y que pretenden utilizar en el concierto que van a dar como teloneros de Angelic Upstarts en el mismo Lasarte. A la grabación no van precisamente en las mejores de las condiciones: “no teníamos ni idea de lo que hacíamos. Vinimos de gaupasa con la voz cascada. Fue un desastre de grabación porque no nos la esperábamos”. El resultado, el disco “Potato – Tijuana in Blue” (Soñua, 1986), es, como analizarían más tarde, “reflejo de una época”. Para el grupo fue una fiel carta de presentación fuera de Euskadi, un escaparate de las variedades que abordaba Tijuana in Blue. Incluye la colaboración de Fermín Muguruza al acordeón y de una sección de vientos que se autodenominaba Aerofagia Sound.

La grabación de este primer LP hace replantearse las cosas al grupo. La situación de crisis se resuelve con la reformación de la banda con el núcleo principal Jimmi – Eskroto y cuatro músicos totalmente distintos: Mikel (Aerofagia Sound, Kontuz Hi) a una de las guitarras, Potxeta (que había tocado en Ultimatum) a la batería, Jokin (hermano precisamente del anterior) al bajo e Isidro a la segunda guitarra. Es así cómo se afronta la grabación de un nuevo trabajo, pero en este caso, por entero para Tijuana in Blue.

«A Bocajarro» (Oihuka, 1988) constituye un paso adelante, y bien firme además. El sonido de la banda ha dejado atrás la experimentación y variedad que presentaba antes para acorazarse en dos guitarras poderosísimas. Con portada de aires fronterizos, mejicanos, está plagado de grandes canciones, como “Maki Navaja, el último chorizo” en un nuevo guiño al mundo del comic (ésta vez al personaje de Ivá con texto adaptado del original de Bertolt Brech por el propio dibujante) o el irresistible “Urroztarra, fuerza y garra”, probablemente el mejor himno futbolístico que se ha compuesto jamás en castellano. Ambas se editarían en dos sencillos: “Maki Navaja” (Oihuka, 1988) y “Urroztarra, Fuerza y Garra” (Oihuka, 1988).

Grabado en los estudios Elkar de Lasarte (Guipuzcoa) con César Ibarretxe al cargo de las cuestiones técnicas. La portada es diseño de Manolo Gil, que compone con la banda y colaboradores un cuadro de tintes fronterizos, desérticos. Toda una excusa para que Eskroto se fuera probando disfraces de mejicano, que tanto tendría que utilizar tiempo después en su etapa con Kojón Prieto y Los Huajalotes.

El nuevo disco mostraba, para sorpresa quizás de más de uno, a unos Tijuana in Blue con un sonido implacable, contundente, lejos ya de los aires incluso pachangueros que caracterizaron sus comienzos. En “A Bocajarro” combinaban esa intensidad en su sonido con letras que eran crónicas costumbristas de un domingo cualquiera en Pamplona hechas himnos, canciones dedicadas a Plasmatics, al Madrid de Enrique Tierno Galván, críticas de corte político…

Pero se equivocaría quien pensase que son exclusivamente las dos canciones editadas como sencillos las mejores del disco. Por intensidad y contundencia, Tijuana in Blue ofrece otras muchas y muy buenas. El comienzo mismo, sin ir más lejos, con “Inconsciente colectivo generacional”. Es un tema a mil, con una letra prima hermana a otros cantos de la época acerca de la actitud juvenil ante el panorama que les queda: “Nuestra alegre juventud” de La Polla Records.

Comienza la canción, y el disco con ella, con regustos, riffs y coros de auténtico street punk –oi! Guitarras a mil y unas estrofas casi escupidas por el duo Eskroto-Jimmi. Homenaje encubierto a las madre coraje y resto de féminas en “Etxekoandrea oi!”, otra canción con guitarras rugientes y una sonrisa que no es posible esconder escuchando la rebelión de la mujer que propone Tijuana in Blue.

“La vida sigue igual”, que comienza con tamboril y guitarras con ecos de épica, es una crónica cotidiana de amor a la tierra. Es una versión de una canción de un grupo yugoeslavo (Pankrti) del que la banda tuvo conocimiento gracias a contribuciones de amistades. Siniestro Total facturaron algo similar con aquel “Miña terra galega” a expensas de ritmos sureños norteamericanos.

“Piromafia” tiene también algo en su esencia del origen de la banda. Siendo como son de zona próxima a montaña y bosque, y con contactos bien próximos con organizaciones ecologistas, no ha de extrañar que el grupo le dedicase un cañonazo del calibre de esta canción a la cuestión de quema de montes y reforestación de ICONA a base de eucaliptos. Alternando pasajes especialmente lentos y densos, que conduce la voz de Jimmi, Eskroto parece reservarse para cuando las guitarras se disparan. La protesta contra construcciones de autovías, pantanos y similares sería una constante en la trayectoria del grupo.

Muestra de la intensidad de las guitarras son los momentos exclusivamente instrumentales de “Tierno was innocent”, una composición de letra casi tipo Siniestro Total, en la que se parodia el Madrid del alcalde Enrique Tierno Galván. El título y parte del estribillo parece jugar con el famoso “Sid Vicious was innocent”, un tema que puedes encontrar en el disco “Troops Of Tomorrow” (Grand Slamm, 1982) de The Exploited, que se lanzaron a opinar sobre la culpabilidad o no del icono punk, al que se le acusó de ser responsable de la muerte de su novia Nancy Spungen.

De igual forma la arrancada al galope que fuerzan las guitarras en el siguiente tema “Víctimas de su poder” da muestras bien a las claras de que la fama de banda alocada y desquiciada, no estaba reñida con la música de altísimo octanaje que eran capaces de facturar. Además y para acallar las expectativas de otra posible gamberrada de canción, hay que indicar que el tema en cuestión está dedicado a Mikel Zabalza, activista vasco muerto por comandos del G.A.L.

Y un auténtico arranque de moto de gran cilindrada para el homenaje a Plasmatics, el combo punk liderado por la irresistible Wendy O. Williams. “Wendy tiene tetas de hormigón” dicen en el estribillo. La intensidad de la canción va de la mano de la irreverencia con la que aluden a la atractiva cantante norteamericana.

Fuentes: TGL en LaFonoteca.net

 

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1.  «Inconsciente Colectivo Intergeneracional» — 2:22
  2.  «Etxekoandrea Oi!!!» — 3:01
  3.  «La Vida Sigue Igual» — 3:04
  4.  «Piromafia» — 3:41
  5.  «Maki Navaja, el Último Chorisso» — 4:49
  6.  «Urroztarra, Fuerza y Garra» — 3:16
  7.  «Tierno Was Innocent» — 2:50
  8.  «Víctimas de su Poder» — 1:55
  9.  «Pako Jones. Un Candidato Impresentable» — 3:42
  10. «Trip Metal (Patrimonio de Escogidos)» — 3:14
  11. «Amante de Ensueño» — 2:23

Calidad: FLAC

 

 

 


IV Reich – 2ª Maqueta (1985)

 

[Ciclo de Rock Ibérico]

 

Muchas fueron las bandas que en la oleada de punk de los 80 se lanzaron a la práctica de la vertiente más afilada y extrema del hardcore. Música construida a partir de guitarras y bajos disparados a mil, inapelables, incontestables, ante los que sólo cabe dejarse llevar por la marea creada. IV Reich, banda de Zaragoza, era una más de una larga lista en la que figuraban bandas como los vascos R.I.P., Radical HC, o desde Cataluña, uno de los principales focos de actividad, G.R.B., L’Odi Social, Frenopaticss, Último Resorte, Antidogmatikss…

El grupo maño se formó entre amigos que se conocieron en 1981 de frecuentar los bares que había por la zona de la calle Moncasi. Disponían también, como lugar de reunión y de escucha de los discos llegados de Inglaterra, la tienda de un amigo. Fue allí donde conocieron los sonidos de bandas como los Sex Pistols, y empezaron a adoptar esas intensidades como estilo propio. Eran Tomás -Cota- como cantante, Pilar guitarra, Juan Ramón -Juanra- como bajista e Isabel -Isa- en la batería.

Su actitud, tal y como la define Pilar cuando rememora los comienzos del grupo era la de posicionarse contra todo: “Nuestra filosofía era muy sencilla, estábamos en la fase de negación, éramos antitodo, todo era una mierda”. La ira del grupo se dirige al sistema en general, la religión, la policía. La actitud se radicalizaría contra el ejército aún más cuando se produce el fatal accidente con un camión militar, que acaba con la vida de Juanra cuando cumplía su servicio militar. Para el grupo supone un verdadero mazazo, que les arranca a un compañero cuando apenas habían empezado a conocerse dentro del grupo. A él le dedicarían más adelante el tema “No al ejército”. El grupo, en lo que a la formación se refiere, se rehace con la entrada de Juan Vicente -Juanvi- que se encarga de la batería, pasando Isa al bajo.

Las actividades del grupo comienzan realmente cuando comparten su local de ensayo, un sótano del que disponía precisamente Juanvi, con otro grupo local, Parásitos, que aportan amplificadores y el bajo para Isa al trato. “Hacer canciones fue fácil porque teníamos mucho por escupir contra el sistema”, decía la guitarrista a uno de los fanzines que la ha entrevistado. La vida de la banda en aquella primera etapa transcurría como sigue: “(…) Nos juntábamos por la tarde en el local con unas litronas de cerveza y allí paríamos lo que se nos ocurría, cuando salía un concierto nos íbamos con lo puesto y volvíamos igual pero nos lo pasábamos guay y conocíamos gente”. A modo de promoción casera se encargaban de llenar las calles con pintadas que decían “IV Reich, 1000 años de anarquía”.

No es hasta 1984 que IV Reich se dispone a grabar algunos de los temas que tiene en su repertorio. Lo hacen en forma de maqueta, con el dinero que les deja el hermano del batería. No pueden plantearse la opción de un disco, porque hubiera resultado mucho más caro. La guitarrista, al preguntarle por detalles de la grabación, nos comenta que se realizó en los estudios de unos músicos de Zaragoza, que fueron los que se encargaron de todos los detalles de producción e incluso mezclas.

La “Primera Maqueta”, que salió en enero de 1984, incluía diez temas, auténticos cañonazos, presentados con una portada de las de quitar la respiración: la muerte, guadaña en mano, y con vestimentas de soldado alemán avanza hacia nosotros con alambrada de espino a su espalda. El grupo lanzaba bombazos contra la policía, los gobiernos, la religión, y todo tipo de poderes; vaticinaba apocalipsis y exterminio de la raza humana. Incluía además el ya mencionado tema dedicado a Juanra “No al ejército”. La canción se grabó con la colaboración y asistencia de Fray, el cantante de Decibelios. Como nos explica Pilar, les ayudó en los coros y les aconsejó en cuestiones de sonido. Así lo reflejaron además en los correspondientes agradecimientos. La conexión con Fray comienza con la amistad de éste con el fallecido Juanra, y se cimentará más tarde con la relación que mantendría con Isa. Directamente relacionado con la actitud para con el ejército y el mortal accidente del amigo es la edición, ese mismo año, del tema “Matar o morir”, un escalofriante ejercicio de hardcore que apareció tanto en el larga duración de los de Barcelona “Caldo de Pollo” (DRO, 1984) como en un sencillo “Matar o Morir” (DRO, 1984). En este último, se incluía un texto en el que la dedicatoria se hacía explícita a Juanra.

El mismo año en el que saliese el disco de los catalanes se celebró en Zaragoza el 16 de junio de 1984 un certamen antimilitarista en el que además de con Decibelios, tocaron con Cocadictos, Golden Zippers, Vómito Social (también de Zaragoza, no los vascos que posteriormente fueran Vómito), Shit S.A. y Kangrena.

En una época en la que transmisión y contacto con los grupos venía propiciado principalmente por fanzines y cartas, recibieron peticiones incluso desde el otro lado del océano: “(…) empezaron a llegarnos cartas desde Latinoamérica con dólares dentro pidiéndonos la maqueta, quedamos alucinados, Juanvi, el batería, se encargó de mandar por correo todas las que pudo, hicimos quinientas copias y a los tres meses tuvimos que hacer otras quinientas… se vendieron todas”.

En febrero de 1985 sacan la «Segunda Maqueta», en la que incluyen temas donde se critica a empresarios, a policía, a los militares en la ciudad de Zaragoza, a la política penitenciaria y se incluye una dedicatoria a Sandino. La cinta no se reprodujo para su venta sino que se distribuyó de mano en mano. Cuando le preguntamos a Pilar sobre las condiciones de grabación de la misma, nos cuenta que “(…) fue en un local de ensayo de un grupo de aquí que tenía mesa de mezclas y equipo suficiente para que se pudiera grabar, esa ya fue más casera. Pero siempre con la ayuda de otros músicos porque nosotros no teníamos ni idea de sonido”.

Fuente: TGL en LaFonoteca.net

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Oh Patrón!» – 1:41
  2. «Aquel Duro Pecho» – 2:03
  3. «SocialDemocracia» – 2:22
  4. «El Sitio de Zaragoza» – 1:31
  5. «5a Sinfonía…» – 3:12
  6. «Supervivientes…» – 1:08

Calidad: FLAC

 

Gracias al compañero Bizio por este archivo.

 

 

 


Steve Miller Band – Greatest Hits (1998)

 

[Otras Músicas]

 

Steve Miller Blues Band es un grupo estadounidense de blues rock liderado por Steve Miller, guitarrista y vocalista, en la ciudad de San Francisco en 1966. Cuando firmaron con Capitol Records en 1967, acortaron su nombre al definitivo: Steve Miller Band. El cuarteto de Miller, James Cook (guitarrista), Lonnie Turner (bajista) y Tim Davis (batería) tocó con Chuck Berry en un concierto en el Fillmore West, que más tarde se editaría como álbum en vivo. Tim Davis había sustituido a Lance Haas, quien había dejado el grupo.

Su álbum debut fue “Children of the Future”, grabado en Inglaterra y que salió a la venta en mayo de 1968. Este primer disco no tuvo éxitos destacables y no logró colarse en la lista Top100. La Steve Miller Band publicó un segundo álbum en octubre, llamado “Sailor”, que tuvo mucho más éxito y alcanzó el puesto 24 en la lista Billboard.

Los seguidores del grupo iban aumentando con cada nuevo álbum. “Brave New World”, de 1969, llegó al puesto 22; incluía el éxito “Space Cowboy” y el tema “My Dark Hour”, en el que también participaba Paul McCartney como bajista. El disco “Your Saving Grace”, también de 1969, se situó en el puesto 38 y “Number 5” llegó más arriba, hasta el 23, ya en 1970.

En 1972 se puso a la venta el doble álbum “Anthology”, una recopilación de dieciséis temas de los cinco primeros discos. El siguiente año, “The Joker” supuso un cambio en la Steve Miller Band. El sonido era más rápido y enérgico y su primer tema, que daba título al álbum, se convirtió en un número 1. Mientras tanto, el disco consiguió posicionarse en el segundo puesto y fue premiado como álbum de platino por su más de un millón de copias vendidas. Tres años más tarde, la Steve Miller Band regresó con el LP “Fly Like an Eagle”, que logró un meritorio tercer puesto en las listas.

«Greatest Hits» es un álbum recopilatorio de la Steve Miller Band, editado por la compañía discográfica Polygram Records en 1998.​ El disco recogía 20 grandes éxitos en la carrera del grupo. El álbum llegó al puesto 58 en las listas británicas.

Fuente: Wikipedia

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1.   «The Joker» – 3:36
  2.   «Space Intro» – 1:13
  3.   «Fly Like an Eagle» – 4:42
  4.   «Jet Airliner» – 4:24
  5.   «Dance Dance Dance» – 2:15
  6.   «Give It Up» – 3:36
  7.   «Keeps Me Wondering Why» – 3:42
  8.   «Abracadabra» – 5:06
  9. «Swingtown» – 3:55
  10. «Jungle Love» – 3:07
  11. «Take the Money and Run» – 2:47
  12. «Rock’n Me» – 3:04
  13. «The Stake» – 3:57
  14. «Heart Like a Wheel» – 3:59
  15. «Wide River» – 3:56
  16. «True Fine Love» – 2:39
  17. «Cry Cry Cry» – 4:16
  18. «Serenade» – 3:08
  19. «Winter Time» – 3:12
  20. «Wild Mountain Honey» – 4:47

Calidad: 320 Kbps (a 48000 Hz)

 

Gracias al compañero jccguays por el archivo flac que ripeé a mp3 de máxima calidad.

 

 

 

 


Attaque 77 – Otras Canciones [1998]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

Attaque 77 es una banda de punk rock argentina formada en Buenos Aires (más precisamente en el barrio porteño de Flores) en el año 1987, integrada por Mariano Martínez (guitarra), los hermanos Federico (voz) y Demián “Ciro” Pertusi (bajo), luego de la ida de Alejandra Gravinesse, anteriormente cantante, Daniel “Danio” Caffieri (tío de Mariano) en guitarras y Claudio Leiva en batería. Sus actuales integrantes son Mariano Martínez, Luciano Scaglione y Leonardo De Cecco. Surgido del descubrimiento de varias bandas marginales a comienzos del 87, su carrera comenzó al publicarse dos canciones en el compilado “Invasión 88”. Federico Pertusi propuso el nombre de “Attaque” gracias a un sello discográfico conocido de los hermanos Pertusi, y los demás integrantes de la banda le sumaron el “77”, agregado al nombre debido al movimiento punk under del año 1977.

Su primera aparición discográfica fue en el recopilatorio “Invasión 88”, donde varios grupos punks argentinos aportaron temas, entre ellos Attaque 77, Flema y el grupo Defensa y Justicia (grupo en el que cantaba Ciro y en el que era guitarrista Mariano). Para ese recopilatorio, Attaque participó con “Sola en la cancha” (cantado por Ciro) y “B.A.D (Brigada Anti Disturbios)”, producidos artísticamente por Juanchi Baleirón, guitarrista de Los Pericos. En posteriores re-ediciones de ese disco, ya en formato CD, se incluyeron también “No te quiero más” y “Nunca más”, producto de las mismas sesiones de grabación. Por diferencias musicales, Danio y Leiva se alejaron del grupo. Sólo es reemplazado Leiva con lo cual la banda quedó constituida definitivamente como cuarteto. El nuevo baterista fue el joven de 16 años, Leonardo De Cecco, (ex baterista de Mal Momento).

Para entonces, Radio Trípoli les propone la grabación del disco debut que se llamó “Dulce Navidad”, producido por Michel Peyronel (baterista de Riff), y, por falta de presupuesto de la productora, estuvo integrado por sólo siete temas de los nueve que grabaron. Iba a lanzarse en diciembre de 1988, por eso lo llamaron así, pero se retrasó su salida y vio la luz en los primeros meses de 1989.

Attaque firma con RCA y BMG un importante contrato que derivará en la grabación de su cuarto álbum de estudio, “Todo Está al Revés”, editado por RCA a finales del mismo año. Es el primer trabajo con Luciano Scaglione en bajo, ya que Adrián Vera dejó el grupo a principios de 1992. El sonido es mucho más agresivo y provocador, lo cuál recuerda a las primeras presentaciones de Attaque 77 en vivo, dando lugar a la virulencia contestataria con canciones crudas, punk de culto y alejados de la popularidad de años anteriores.

En diciembre de 1998, lanzaron a través de BMG Ariola el disco «Otras Canciones» (también grabado en Santa Mónica, EUNA), séptimo álbum de estudio de Attaque 77, que hoy ya superó el disco de platino y está editado en todo el mundo latinoamericano. “Otras Canciones” es un disco de versiones, donde conviven canciones de autores de la talla de Legião Urbana, The Who, Paco Ibáñez, Ramones, Los Auténticos Decadentes, Beach Boys, León Gieco, Roberto Carlos, ABBA, Erasure, Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, Soda Stereo, Gilda, entre otros. De este disco salieron los videoclips de “No me arrepiento de este amor” y “Amigo / White trash”, dos grandes clásicos de la banda.

El último tema, “Otras Canciones”, es el único tema original de la banda. Sin embargo, contiene fragmentos de “Sweet dreams”, de Eurythmics; “La bestia pop”, de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota; y “Prófugos”, de Soda Stereo. La inclusión de estos dos últimos en una misma canción no es azarosa, ya que el público de ambas bandas siempre ha mantenido una rivalidad.

La canción “Amigo” contiene al final una parte de “White trash”, de Sumo. A su vez, la canción “Beat on the brat” contiene al final una parte de “Houses of the holy”, de Led Zeppelin.

 

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Perfección» (Renato Ruso) – 5:16
  2. «El Jorobadito» (Jorge Serrano) – 3:15
  3. «Fotos de Lily» (Pete Towshend) – 2:44
  4. «Canción del Adiós» (Cristián Aldana) – 4:52
  5. «Cinco Estrellas» (Leo Maslíah) – 2:09
  6. «Do You Wanna Dance?» (The Beach Boys) – 1:51
  7. «Escucha a Tu Corazón» (A. McMordie, D. Taylor, H. Cluney, J. Burns) – 4:06
  8. «La Colina de la Vida» (León Gieco) – 4:19
  9. «Un Poco de Respeto» (A. Bell, V. Clarke) – 3:37
  10. «Callejero» (Alberto Cortez) – 4:49
  11. «Amigo» (Roberto Carlos) / «White Trash» (Sokol, Daffunchio, L. Prodan) – 4:13
  12. «No Me Arrepiento de Este Amor» (M. A. Bianchi) – 3:48
  13. «Soy Rebelde» (M. Alejandro) – 2:40
  14. «Dame, Dame, Dame» (B. Andersson, B. Ulvaeus) – 3:37
  15. «A Galopar» (Ibáñez, Alberti) – 2:17
  16. «Beat on the Brat» (The Ramones) – 4:04
  17. «Otras Canciones» (A77aque) / «Sweet Dreams (Are Made of This)» (Annie. Lennox, D. Stewart) / «La Bestia Pop» (Solari, Beilinson) / «Prófugos» (Cerati) – 3:58

Calidad: FLAC

 

 

 


Patti Smtith – Wave [1979-Reed.1990]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

Patricia Lee «Patti» Smith es una cantante y poetisa estadounidense nacida en Chicago. Smith saltó a la fama durante el movimiento punk con su álbum de debut “Horses” (1975). Apodada «la madrina del punk»,​ trajo un punto de vista feminista e intelectual a la música punk y se convirtió en una de las artistas más influyentes de la música rock, integrándola con un estilo de poesía beat. Sus letras introdujeron la poesía francesa del siglo XIX a la juventud norteamericana, mientras que su imagen andrógina y poco femenina desafió a la era de la música disco.

Su canción más conocida, “Because the Night”, la coescribió con Bruce Springsteen; llegó al puesto número 13 de la lista Billboard de Estados Unidos en 1978, siendo posteriormente versionada por el propio Springsteen, Keel, 10,000 Maniacs, R.E.M., U2, Garbage junto a Screaming Females, hasta la versión eurohouse interpretada por el grupo italiano Co.Ro en 1992.

En 2005, fue nombrada Comendadora de la Orden de las Artes y las Letras de Francia,​ y en 2007 entró en el Salón de la Fama del Rock.​ En 2011 recibió el Premio de Música Polar.​ En 2014 la cantante colaboró en la banda sonora de Noé (dirigida por Darren Aronofsky) con la canción “Mercy Is”, que le valió una nominación a los Globo de Oro como mejor canción original.

Patti Smith Group firmó con el sello discográfico Arista Records, editando su álbum debut, “Horses”, producido por John Cale en 1975. El álbum fusionaba punk rock y poesía hablada, comenzando con una versión de la canción “Gloria” de Van Morrison, y las palabras de Smith: “Jesús murió por los pecados de alguien, pero no los míos”. La austera fotografía de la portada hecha por Mapplethorpe se ha convertido en una imagen clásica del rock.

«Wave» es el cuarto álbum de Patti Smith Group, grabado en los Bearsville Studios de Nueva York, con producción de Todd Rundgren, y editado en mayo de 1979 por la discográfica Arista Records. Este álbum tuvo menos éxito comercial que su predecesor, “Easter”, aunque continuó el movimiento de la banda hacia la música pop convencional más amigable para las radios.

La canción principal fue un homenaje al Papa Juan Pablo I, cuyo breve papado coincidió con las sesiones de grabación. El primer sencillo del álbum fue “Frederick”, una canción de amor para su futuro esposo, Fred “Sonic” Smith, con una melodía y una estructura que se asemeja a “Because the Night”, el mayor éxito del grupo.

El álbum fue n° 7 en Noruega, n° 17 en Suecia, n° 18 en EUNA y n° 19 en Austria, siendo certificado disco de oro en Francia. Los secillos editados fueron “Frederick”, “Dancing Barefoot” y “So You Want to Be (A Rock ‘n’ Roll Star)”.

La banda se separó después de que este álbum fuera lanzado, y Smith se casó con Fred Smith. Pasó muchos años en semi-retiro después del nacimiento de sus hijos, Jesse y Jackson, hasta su álbum de regreso solitario en 1988, “Dream of Life”.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Frederick» – 3:01
  2. «Dancing Barefoot» – 4:18
  3. «So You Want to Be (A Rock ‘N’ Roll Star)» – 4:18
  4. «Hymn» – 1:10
  5. «Revenge» – 5:06
  6. «Citizen Ship» – 5:09
  7. «Seven Ways of Going» – 5:12
  8. «Broken Flag» – 4:55
  9. «Wave» – 4:36

Calidad: FLAC

 

 

 


La Banda Trapera del Río (1979)

 

[Ciclo de Rock Ibérico]

 

La Banda Trapera del Río es una banda de rock surgida en el barrio de Ciudad Satélite de Cornellá de Llobregat (Barcelona), un barrio habitado en su mayoría por inmigrantes andaluces, donde crecieron los traperos charnegos. Al haber surgido prácticamente de forma simultánea al estallido punk (1976), se les considera como precursores del mismo en España, aunque su estilo mezcla éste con rock urbano rabioso y garage rock.

Hartos del aburrimiento general que reinaba en la ciudad condal, que no era otro que la nova cançò, el jazz-rock layetano, etc, deciden montar un grupo un 13 de Noviembre de 1976. Antes de eso los miembros de la Banda Trapera habían estado en grupos de rock sinfónico, hasta que se dieron cuenta de que en ese estilo musical no se les había perdido nada y que se aburrían como ostras. La formación original era el Tío Modes (guitarra solista), un malagueño de nacimiento apodado así por ser el más viejo del grupo; Rockhita (guitarra rítmica); el Llobregat, alias el “Ray Ban”, (bajo), que confesó en una ocasión que su bajo le costó 800 pesetas; Raf Pulido (batería), quien marcaba el ritmo en el grupo; y el último en llegar fue el cantante y portavoz Morfi Grey, un personaje carismático nacido en Melilla, que según contaba había militado en un dúo llamado las Alcachofas, y que luego intentó montar una zarzuela-rock. Por lo pronto la banda ya estaba formada, y casualmente se habían juntado un poco antes que el fenómeno punk británico asustara al mundo en 1977.

Al principio se ponen de nombre Al Rojo Vivo, que parece más un nombre de orquesta pachanguera. Cambiando luego al de 4×3, por esos tiempos tocaban los rockanrolles de toda la vida, o sea, el ‘Johnny B. Good’ y el ‘Jumpin’ Jack Flash’, canciones que hasta los grupos mediocres tocaban para no ser abucheados en masa. Deciden componer sus propios temas que años después irían a parar a su primer Lp, me imagino que por entonces ya se llamarían La Banda Trapera del Río, lo de ponerse del Río pienso que sería por el río Llobregat que pasa por Cornellá.

Al principio pasan de tocar en los locales del centro de Barcelona y prefieren hacerlo en las discotecas de su barrio, que para algo era donde estaba enclavado su reino. También solían actuar en algunos mítines de partidos políticos de izquierda, de esa época contaban: “Una vez fuimos a tocar a una fiesta de las Juventudes Comunistas. Nosotros éramos los últimos en tocar, antes tocaban la Orquesta del Maestro Bellido y toda esa gente sofisticada, y todo el mundo con banderas rojas con la hoz y el martillo, todo muy bonito. Así que antes de tocar nos pusimos a beber como locos, y cuando salimos el Morfi Grey se sacó la polla y empezó a mear, yo dije pasar de todo, hubo gente que se escandalizó, pero fue lo mínimo, y eso que allí estaba Santiago Carrillo”.

Su verdadera presentación al mundo fue en el histórico festival punk en la Alianza del Poble Nou, un festival montado por la agencia de management Cuc Sonat. Para mi opinión, lo de festival punk en realidad aunque le pusieran una etiqueta ‘made in England’, eran ganas de hacer música a toda pastilla para combatir el aburrimiento reinante. Allí estaba la Trapera junto a grupos que habían metido en la etiqueta punk como Peligro, o gente que hacía rhythm & blues, caso de Basura o Mortimer, y también estaban Ramoncín y W.C.? recién importados de Vallecas. De esa época contaría Fray, vocalista de Decibelios: “Allí fue donde descubrí el punk, antes sólo me gustaba la música hortera”. La gente de Cuc Sonat querían meter en Barcelona la ‘fiebre punk’, que estaba rompiendo moldes primero en Inglaterra y luego en el resto del mundo. En su escudería la mayoría de las bandas estaban formadas por adolescentes de barrios del cinturón industrial barcelonés, como eran Peligro, Mortimer, Basura, Masturbadores Mongólicos y Rockelona.

Entre finales de 1977 y todo 1978, Cuc Sonat organizó conciertos en Barcelona y otras partes de Cataluña, que fueron los que dieron a conocer a la Trapera, y en sus directos ya empezaban a demostrar que eran los mejores de todo el paquete de grupos que llevaba dicha agencia de management. Como diría el futuro codirector de Ruta 66, Ignacio Juliá en la revista Star: “Morfi Grey es el tipo que las madres no dejarían salir con sus hijas… Su puesta en escena es de lo más repulsiva, y como banda sonora un rock duro perfectamente desarrollado que si no son profesionales poco les falta”.

Por aquel entonces empiezan a ofrecerles contratos discográficos, pero les obligaban a cambiar la letra de sus canciones, por lo que deciden pasar de todo. Años más tarde Morfi contaría: “Cuando varias compañías discográficas nos ofrecieron grabar un disco, nos obligaban a cambiar los textos. Cogimos todos los contratos discográficos, los colgamos en las paredes de nuestro local de ensayo y nos pusimos a escupirles hasta quedarnos secos. Sabíamos que éramos concientes de lo que hacíamos, y sabíamos el papel que jugábamos en la historia musical de este país”.

Al final no les quedó más remedio que fichar con la Belter, que se había llevado toda su vida viviendo de las ventas de Manolo Escobar, y que no sabían nada de nada que no fuera la ‘España cañí’. Les graban un single en 1978 y poco después un Lp que contenía canciones que a simple vista parecían una colección de insultos y palabrotas, pero si se escuchan detenidamente se da uno cuenta de que los Traperos conocen perfectamente su mundo sórdido y deprimente.

Y en 1978-79 estaba sólo ese disco donde se habla de la poca información sexual de su clase social en el tema ‘La regla’, del snobismo de las élites intelectuales, ‘Eunucos mentales’, del conformismo al que han llegado las gentes de su barrio metiéndose en la sociedad de consumo con ‘Venid a las cloacas’, sus declaraciones de principios y el lugar que desempeñan en este mundo con ‘Confusión’, ‘Curriqui de barrio’ y ‘Nos gusta cagarnos en la sociedad’; a los marcados por la miseria desde el día que nacieron en ‘Nacido del polvo de un borracho y el coño de una puta’; y entre todas ellas la mejor canción del disco, ‘Ciutat podrida’, compuesta a medias por la poetisa Esther Valles, que años más tarde volvería a escribir con Morfi Grey y el Tío Modes ‘La losa’ en el disco de Morfi en solitario. ‘Ciutat podrida’, aunque cantada en catalán y con claro acento charnego, toda ella está sostenida por la guitarra killer y sobreamplificada del Tío Modes.
El disco tardó muchos meses en salir, casi un año.

«La Banda Trapera del Río» es el primer álbum de larga duración del grupo del mismo nombre, editado en 1979 (un año después de su grabación) por Belter. El disco es una auténtica Biblia negra del rock ibérico para el año que salió y todo un símbolo. Prohibido en todas las emisoras comerciales, que los censuraron cobardemente, y para colmo la Belter hizo una distribución de lo más tercermundista y cutre, y eso que se agotó en las tiendas, pudiendo haber llegado a más gente. Los comentarios del grupo sobre la discográfica eran: “Son unos hijos de puta, nos hacen una liquidación de material horrible. Decían que el single de ‘La regla’ habíamos vendido 43 singles, cuando sólo en Cornellá hemos vendido más de 200”. El álbum se reeditó en 1992 por medio del sello Perfil. El sencillo ‘La Regla / Rock Cloaca’ (“Venid a las Cloacas” en el LP) se había editado en 1978, también a cargo de Belter.

Fuente: Nueva Ola 80 / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Curriqui de Barrio» — 2:52
  2. «No Dáis La Cara» — 3:10
  3. «Meditacion del Pelos en su Paja Matinera» — 2:53
  4. «Venid a las Cloacas» — 3:42
  5. «Confusion» — 3:54
  6. «Eunucos Mentales» — 3:51
  7. «Ciutat Podrida» — 2:22
  8. «La Regla» — 4:28
  9. «Padre Nuestro» — 4:11
  10. «Nos Gusta Cagarnos en la Sociedad» — 4:41
  11. «Nacido del Polvo de un Borracho y del Coño de una Puta» — 4:35

Calidad: FLAC

 

 

 


Killing Joke – Night Time [1985]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

Killing Joke es una banda post-punk originaria del Reino Unido formada en 1979 en Notting Hill, Londres. Es considerada una banda inovadora y muy influyente, principalmente para bandas nacidas en los 80’s y 90’s como Nirvana, Ministry, Nine Inch Nails, Big Black, Prong, Metallica, Helmet, Soundgarden, Foo Fighters, Fear Factory, Faith No More y Korn, entre otros. También son considerados por muchos una referencia muy importante en la creación del movimiento de música industrial, principalmente por el sonido desarrollado en sus primeros dos discos.

Los integrantes que han permanecido siempre en la banda desde su formación, y que se pueden considerar pilares de la misma, son el cantante y teclista Jaz Coleman y el guitarrista Geordie Walker; los bajistas han variado pero la base siempre -en diferentes épocas- ha sido tanto el bajista original Youth (Martin Glover) como Paul Raven. Su música se caracteriza por el sonido hipnótico y metálico-armónico de las guitarras; por los ritmos pesados, tribales y bailables, así como por el sonido de fondo oscuro y a veces gótico de los teclados; todo esto abrazando la emotiva voz de Jaz Coleman, que va de suave y meláncólica hasta puntos de brutal intensidad.

Partieron de una mezcla de post-punk y dub-reggae en sus inicios (en sus sencillos de finales de los 70s). Después pasaron por una etapa tribal, proto-industrial metal-post-punk (inicios de los 80s). Gradualmente se alejaron de los sonidos “industriales” para pasar a ambientes más armónicos, que remiten a un sonido mezcla de New Wave con Rock Progresivo (última mitad de los 80s). En los 90’s la banda transformó radicalmente su sonido, tornándose en una tormenta energética que incluyó guitarras más distorsionadas, fusionadas con bases de teclados que remitían de nuevo a un ambiente industrial y techno pero mucho más agresivo que en sus inicios. Desde entonces han mantenido un estilo fuerte, rítmico y combativo basado en un sonido orientado un tanto al Metal con espíritu Punk.

«Night Time» es el quinto álbum de estudio de la banda inglesa Killing Joke, grabado entre agosto y septiembre de 1984 en los Hansa Tonstudios de Berlín, con producción de Chris Kimsey y el propio grupo, y editado en febrero de 1985 por la compañía EG Records. Fue un éxito internacional, alcanzando el número 11 en el Reino Unido, el número 8 en Nueva Zelanda y el número 50 en Suecia.

En su revisión retrospectiva, Ned Raggett de AllMusic opina que el álbum encuentra la música de la banda “atrapada entre su agresión anterior y un enfoque más tranquilo y accesible de manera más inmediata. La tensión entre las dos partes tenía un equilibrio perfecto, y como resultado, “Night Time” podría decirse que es el álbum más fresco del cuarteto desde su debut, con una calidad cálida y antológica que ahora complementa el enfoque explosivo que impulsó el nombre de la banda”. Adrian Begrand de PopMatters opinó que, con el álbum, la banda “perfeccionó” su “equilibrio entre antagonismo y accesibilidad” y que “la banda simplemente está ardiendo en este disco”.

Los sencillos extraídos fueron “Eighties”, “Love Like Blood” y “Kings and Queens”.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1.  «Night Time» – 4:58
  2.  «Darkness Before Dawn» – 5:22
  3.  «Love Like Blood» – 6:50
  4. «Kings and Queens» – 4:41
  5. «Tabazan» – 4:36
  6. «Multitudes» – 4:59
  7. «Europe» – 4:38
  8. «Eighties» – 3:51

Calidad: 320 Kbps (a 48000 Hz)

 

Gracias al compañero Jaimolin por el archivo wav que ripeé a mp3 de máxima calidad.

 

 

 


Gustavo Cerati – Siempre Es Hoy [2002]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

Gustavo Cerati fue un músico, cantautor, compositor y productor discográfico argentino, considerado uno de los más influyentes y reconocidos músicos del rock latinoamericano. Obtuvo fama y reconocimiento internacional por haber sido el vocalista, guitarrista y compositor principal de la banda de rock Soda Stereo, una de las bandas más importantes e influyentes de la música latina. Luego de la disolución de la banda, obtuvo también reconocimiento y éxito en su carrera solista, que consta de cinco álbumes de estudio y de diversas incursiones junto a otros músicos. Su camino como solista se inició a comienzos de los años noventa, en paralelo a dicha banda, debido a un receso que se había tomado el grupo tras una fuerte crisis. En esa instancia Cerati publicó su primer álbum como solista, “Amor Amarillo” (1993); pero con el regreso de Soda Stereo su carrera solista quedó en suspenso hasta la disolución absoluta de la banda.

Después de Soda Stereo, Cerati experimentó con diferentes estilos, desde la música electrónica (“Colores Santos”, Cerati y Melero, 1992) (Plan V) a la música sinfónica. En 2007 Soda Stereo regresó en una gira llamada “Me Verás Volver”, luego de la cual sus integrantes retomaron sus actividades por separado. El 15 de mayo de 2010 padeció un accidente cerebrovascular isquémico en el club Moulin Rouge del vecindario Sabana Grande en Caracas​, que lo dejó en estado de coma por más de cuatro años, falleciendo el 4 de septiembre de 2014 a causa de un paro respiratorio en la Clínica ALCLA de Buenos Aires.

A lo largo de su carrera como solista ganó y fue nominado para numerosos premios, entre ellos Grammy Latino, Konex, MTV y Gardel. El 5 de diciembre de 2013, el músico fue nombrado Ciudadano Ilustre, una distinción que le fue otorgada por la Legislatura de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires​ en reconocimiento a su trayectoria. En su edición de septiembre de 2012, la revista Rolling Stone posicionó a Cerati en el puesto n° 3 de los 100 mejores guitarristas del rock nacional.

A partir de ese momento, Soda entró en un silencio que sólo se vio interrumpido por las versiones no oficiales de su separación definitiva. Mientras tanto, Gustavo se unió a tres músicos chilenos no profesionales (Andrés Bucci, Guillermo Ugarte y Christian Powditch), para constituir Plan V, proyecto electrónico que se plasma en dos discos: Plan V (1996), de origen trasandino; y el segundo trabajo, Plan Black V Dog (1998), que fue compartido con los ingleses Black Dog, y editado en el año 1998 luego de la separación de Soda Stereo.

Luego de la disolución de Soda Stereo, Cerati se dedicó a la experimentación electrónica junto al músico Flavio Etcheto, formando un dúo que llamaron Ocio y que editó su disco “Medida Universal” a mediados de 1999. También participó en un disco homenaje a The Police junto a Andy Summers (guitarrista original del grupo británico) y el talentoso baterista Vinnie Colaiuta, con una versión del tema “Bring on the night”.

Después de una larga y expectante espera de los fanáticos y de la escena musical, el 28 de junio de 1999 vio la luz su primer álbum solista luego de la separación de Soda Stereo, “Bocanada”. Fue grabado en el estudio CasaSubmarina (de Buenos Aires) y en los famosos estudios Abbey Road (de Londres) y contó con la participación de Leo García en coros y voz, Fernando Nalé en bajo, Flavio Etcheto en teclados, y Martín Carrizo en batería.

«Siempre Es Hoy» es el tercer disco solista del músico de rock argentino Gustavo Cerati, producido por Sasha Triujeque (productor, ingeniero de audio, músico) y Toy Hernández (músico y productor de Control Machete). Se grabó entre abril de 2001 y septiembre de 2002 y fue editado por BMG/Ariola en noviembre de 2002. Es un álbum que sigue el estilo de “Bocanada” (1999), aunque los elementos del rock están parcialmente presentes, y se hace más énfasis en la electrónica. En un principio iba a ser en realidad doble, ya que se contaba con gran cantidad de material, pero terminó siendo editado en un único disco debido a la situación económica que atravesaba el país en ese momento.

El año siguiente, 2003, fue editado un álbum doble titulado “Reversiones: Siempre es hoy”, compuesto por versiones remixadas de la mayoría de los temas de este álbum realizados por gran cantidad de músicos, entre ellos: Miranda!, Dj Zucker, Adicta, entre otros.

“Siempre Es Hoy” recibió críticas encontradas por parte de los especialistas, principalmente por ser un disco largo, sin embargo, contiene varias de las mejores creaciones musicales de Gustavo Cerati como solista. Sus tres sencillos, “Cosas Imposibles”, “Karaoke” y “Artefacto” recibieron bastante éxito en las estaciones de radio y programas musicales. También se destacan las canciones “Vivo” y “Sudestada”, en las cuales participa Charly García como invitado, “Nací para Esto”, “Amo Dejarte Así” y “Tu Cicatriz en Mí”.

 

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Cosas Imposibles» – 5:07
  2. «No Te Creo» – 3:47
  3. «Artefacto» – 4:16
  4. «Nací para Esto» – 3:09
  5. «Amo Dejarte Así» – 5:24
  6. «Tu Cicatriz en Mí» – 4:17
  7. «Señales Luminosas» – 3:24
  8. «Karaoke» – 3:54
  9. «Sulky» – 4:28
  10. «Casa» – 4:34
  11. «Camuflaje» – 3:57
  12. «Altar» – 4:02
  13. «Torre de Marfil» – 4:41
  14. «Fantasma» – 3:19
  15. «Vivo» – 4:20
  16. «Sudestada» – 4:31
  17. «Especie» – 3:42

Calidad: FLAC