Ciclos y Neurastenias en un mundo cruel

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Gustavo Cerati – Bocanada [1999]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

Gustavo Cerati fue un músico, cantautor, compositor y productor discográfico argentino, considerado uno de los más influyentes y reconocidos músicos del rock latinoamericano. Obtuvo fama y reconocimiento internacional por haber sido el vocalista, guitarrista y compositor principal de la banda de rock Soda Stereo, una de las bandas más importantes e influyentes de la música latina. Luego de la disolución de la banda, obtuvo también reconocimiento y éxito en su carrera solista, que consta de cinco álbumes de estudio y de diversas incursiones junto a otros músicos. Su camino como solista se inició a comienzos de los años noventa, en paralelo a dicha banda, debido a un receso que se había tomado el grupo tras una fuerte crisis. En esa instancia Cerati publicó su primer álbum como solista, “Amor Amarillo” (1993); pero con el regreso de Soda Stereo su carrera solista quedó en suspenso hasta la disolución absoluta de la banda.

Después de Soda Stereo, Cerati experimentó con diferentes estilos, desde la música electrónica (“Colores Santos”, Cerati y Melero, 1992) (Plan V) a la música sinfónica. En 2007 Soda Stereo regresó en una gira llamada “Me Verás Volver”, luego de la cual sus integrantes retomaron sus actividades por separado. El 15 de mayo de 2010 padeció un accidente cerebrovascular isquémico en el club Moulin Rouge del vecindario Sabana Grande en Caracas​, que lo dejó en estado de coma por más de cuatro años, falleciendo el 4 de septiembre de 2014 a causa de un paro respiratorio en la Clínica ALCLA de Buenos Aires.

A lo largo de su carrera como solista ganó y fue nominado para numerosos premios, entre ellos Grammy Latino, Konex, MTV y Gardel. El 5 de diciembre de 2013, el músico fue nombrado Ciudadano Ilustre, una distinción que le fue otorgada por la Legislatura de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires​ en reconocimiento a su trayectoria. En su edición de septiembre de 2012, la revista Rolling Stone posicionó a Cerati en el puesto n° 3 de los 100 mejores guitarristas del rock nacional.

A partir de ese momento, Soda entró en un silencio que sólo se vio interrumpido por las versiones no oficiales de su separación definitiva. Mientras tanto, Gustavo se unió a tres músicos chilenos no profesionales (Andrés Bucci, Guillermo Ugarte y Christian Powditch), para constituir Plan V, proyecto electrónico que se plasma en dos discos: Plan V (1996), de origen trasandino; y el segundo trabajo, Plan Black V Dog (1998), que fue compartido con los ingleses Black Dog, y editado en el año 1998 luego de la separación de Soda Stereo.

Luego de la disolución de Soda Stereo, Cerati se dedicó a la experimentación electrónica junto al músico Flavio Etcheto, formando un dúo que llamaron Ocio y que editó su disco “Medida Universal” a mediados de 1999. También participó en un disco homenaje a The Police junto a Andy Summers (guitarrista original del grupo británico) y el talentoso baterista Vinnie Colaiuta, con una versión del tema “Bring on the night”.


Después de una larga y expectante espera de los fanáticos y de la escena musical, el 28 de junio de 1999 vio la luz su primer álbum solista luego de la separación de Soda Stereo, “Bocanada”. Fue grabado en el estudio CasaSubmarina (de Buenos Aires) y en los famosos estudios Abbey Road (de Londres) y contó con la participación de Leo García en coros y voz, Fernando Nalé en bajo, Flavio Etcheto en teclados, y Martín Carrizo en batería.

«Bocanada» es el segundo disco solista del músico de rock argentino Gustavo Cerati, el primero luego de la disolución de Soda Stereo, editado por BMG/Ariola. Recibió excelentes críticas, tanto de los especialistas como de los fanáticos. El crítico de rock David Cortés Arce dijo acerca del álbum: “Bocanada es un álbum fundamental en la historia del rock iberoamericano, y en general, de todos los países hispanoparlantes“.​ La web de crítica musical Allmusic lo calificó con 4 1/2 estrellas de 5 posibles. La portada del disco fue realizada por la fotógrafa argentina Gaby Herbstein. Se editaron hasta un total de seis sencillos del álbum: “Raíz”, “Puente”, “Paseo inmoral”, “Río Babel”, “Engaña” y “Tabú.

Un álbum de una profunda raíz electrónica, con elementos de rock alternativo, pop, neopsicodelia y algunos trazos experimentales. Cerati así lo pensó el álbum como una sola pieza, en la que canciones no son individuales. Hay tanto ritmos latinos (“Tabú”) como lentas piezas psicodélicas (“Beautiful”) y trazos de música electrónica (“Paseo inmoral”, “Perdonar es divino”). Hay algunas canciones instrumentales que originalmente iban a formar parte de un supuesto lado B instrumental del disco “Sueño Stereo” de Soda Stereo. De las sesiones de este disco salió “FunkFarron”, que terminó como parte del proyecto Roken.

 

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Tabú» – 4:47
  2. «Engaña» – 4:12
  3. «Bocanada» – 4:06
  4. «Puente» – 4:33
  5. «Río Babel» – 4:44
  6. «Beautiful» – 6:12
  7. «Perdonar Es Divino» – 5:19
  8. «Verbo Carne» – 4:41
  9. «Raíz» – 4:03
  10. «Y Si el Humo Está en Foco…» – 4:55
  11. «Paseo Inmoral» – 5:31
  12. «Aquí & Ahora (Los Primeros Tres Minutos)» – 3:54
  13. «Aquí & Ahora (Y Después)» – 2:37
  14. «Alma» – 4:37
  15. «Balsa» – 5:10

Calidad: WAV

 

 

 


Patti Smtith – Horses [1975-Reed.1988]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

Patricia Lee «Patti» Smith es una cantante y poetisa estadounidense nacida en Chicago. Smith saltó a la fama durante el movimiento punk con su álbum de debut “Horses” (1975). Apodada «la madrina del punk»,​ trajo un punto de vista feminista e intelectual a la música punk y se convirtió en una de las artistas más influyentes de la música rock, integrándola con un estilo de poesía beat. Sus letras introdujeron la poesía francesa del siglo XIX a la juventud norteamericana, mientras que su imagen andrógina y poco femenina desafió a la era de la música disco.

Su canción más conocida, “Because the Night”, la coescribió con Bruce Springsteen; llegó al puesto número 13 de la lista Billboard de Estados Unidos en 1978, siendo posteriormente versionada por el propio Springsteen, Keel, 10,000 Maniacs, R.E.M., U2, Garbage junto a Screaming Females, hasta la versión eurohouse interpretada por el grupo italiano Co.Ro en 1992.

En 2005, fue nombrada Comendadora de la Orden de las Artes y las Letras de Francia,​ y en 2007 entró en el Salón de la Fama del Rock.​ En 2011 recibió el Premio de Música Polar.​ En 2014 la cantante colaboró en la banda sonora de Noé (dirigida por Darren Aronofsky) con la canción “Mercy Is”, que le valió una nominación a los Globo de Oro como mejor canción original.

Patti Smith Group firmó con el sello discográfico Arista Records, editando su álbum debut, «Horses», producido por John Cale en 1975. El álbum fusionaba punk rock y poesía hablada, comenzando con una versión de la canción “Gloria” de Van Morrison, y las palabras de Smith: “Jesús murió por los pecados de alguien, pero no los míos”. La austera fotografía de la portada hecha por Mapplethorpe se ha convertido en una imagen clásica del rock.

Al mismo tiempo que grababa “Horses” en los Electric Lady Studios de Nueva York, Patti Smith y su banda eran muy reconocidos en la escena musical de la ciudad junto a bandas como Blondie y The Ramones. Smith era admiradora de muchos de los artistas de los años 60 como Jimi Hendrix, Little Richard, Brian Jones de The Rolling Stones y Jim Morrison, al igual que de Motown y artistas de jazz como Smokey Robinson y John Coltrane. Se aprecia sobremanera estas influencias en la versión de la canción “Gloria” de la banda de rock Them. La música del tema “Birdland”, en particular, estaba más influida por el jazz que por el punk. Mientras se grababa esta canción, que fue improvisada por la banda en los estudios de grabación, Smith dijo que imaginaba el espíritu de Hendrix observándoles. Varias de las canciones del álbum (“Redondo Beach”, “Free Money” o “Kimberly”) están inspiradas en la familia de Smith, mientras que otras (“Break It Up”, “Elegie”), tratan de sus ídolos. “Land” contiene un tributo a Arthur Rimbaud.​ En el álbum aparecen como artistas invitados Tom Verlaine de Television y Allen Lanier de Blue Öyster Cult.

La fotografía de la portada del álbum fue hecha por Robert Mapplethorpe con luz natural.​ El triángulo de luz en la pared fue producto de la luz del atardecer. La compañía discográfica quiso hacer varios retoques, incluyendo quitar la pelusa del bigote de Smith, a lo que ella misma se negó.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Gloria» – 5:54
  2. «Redondo Beach» – 3:24
  3. «Birdland» – 9:16
  4. «Free Money» – 3:47
  5. «Kimberly» – 4:26
  6. «Break It Up» – 4:05
  7. «Land: Horses / Land of a Thousand Dances / La Mer (De)» – 9:36
  8. «Elegie» – 2:42

Calidad: FLAC

 

 

 


Gustavo Cerati – Amor Amarillo [1993]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

Gustavo Cerati fue un músico, cantautor, compositor y productor discográfico argentino, considerado uno de los más influyentes y reconocidos músicos del rock latinoamericano. Obtuvo fama y reconocimiento internacional por haber sido el vocalista, guitarrista y compositor principal de la banda de rock Soda Stereo, una de las bandas más importantes e influyentes de la música latina. Luego de la disolución de la banda, obtuvo también reconocimiento y éxito en su carrera solista, que consta de cinco álbumes de estudio y de diversas incursiones junto a otros músicos. Su camino como solista se inició a comienzos de los años noventa, en paralelo a dicha banda, debido a un receso que se había tomado el grupo tras una fuerte crisis. En esa instancia Cerati publicó su primer álbum como solista, “Amor Amarillo” (1993); pero con el regreso de Soda Stereo su carrera solista quedó en suspenso hasta la disolución absoluta de la banda.

Después de Soda Stereo, Cerati experimentó con diferentes estilos, desde la música electrónica (“Colores Santos”, Cerati y Melero, 1992) (Plan V) a la música sinfónica. En 2007 Soda Stereo regresó en una gira llamada “Me Verás Volver”, luego de la cual sus integrantes retomaron sus actividades por separado. El 15 de mayo de 2010 padeció un accidente cerebrovascular isquémico en el club Moulin Rouge del vecindario Sabana Grande en Caracas​, que lo dejó en estado de coma por más de cuatro años, falleciendo el 4 de septiembre de 2014 a causa de un paro respiratorio en la Clínica ALCLA de Buenos Aires.

A lo largo de su carrera como solista ganó y fue nominado para numerosos premios, entre ellos Grammy Latino, Konex, MTV y Gardel. El 5 de diciembre de 2013, el músico fue nombrado Ciudadano Ilustre, una distinción que le fue otorgada por la Legislatura de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires​ en reconocimiento a su trayectoria. En su edición de septiembre de 2012, la revista Rolling Stone posicionó a Cerati en el puesto n° 3 de los 100 mejores guitarristas del rock nacional.

A partir de ese momento, Soda entró en un silencio que sólo se vio interrumpido por las versiones no oficiales de su separación definitiva. Mientras tanto, Gustavo se unió a tres músicos chilenos no profesionales (Andrés Bucci, Guillermo Ugarte y Christian Powditch), para constituir Plan V, proyecto electrónico que se plasma en dos discos: Plan V (1996), de origen trasandino; y el segundo trabajo, Plan Black V Dog (1998), que fue compartido con los ingleses Black Dog, y editado en el año 1998 luego de la separación de Soda Stereo.

Luego de la disolución de Soda Stereo, Cerati se dedicó a la experimentación electrónica junto al músico Flavio Etcheto, formando un dúo que llamaron Ocio y que editó su disco “Medida Universal” a mediados de 1999. También participó en un disco homenaje a The Police junto a Andy Summers (guitarrista original del grupo británico) y el talentoso baterista Vinnie Colaiuta, con una versión del tema “Bring on the night”.

Después de una larga y expectante espera de los fanáticos y de la escena musical, el 28 de junio de 1999 vio la luz su primer álbum solista luego de la separación de Soda Stereo, “Bocanada”. Fue grabado en el estudio CasaSubmarina (de Buenos Aires) y en los famosos estudios Abbey Road (de Londres) y contó con la participación de Leo García en coros y voz, Fernando Nalé en bajo, Flavio Etcheto en teclados, y Martín Carrizo en batería.

«Amor Amarillo» es el primer disco solista de la carrera de Gustavo Cerati, realizado en el año 1993 (en plena etapa de fricción con Soda Stereo). Fue grabado en los Estudios Ambar (Chile) y los Estudios Supersónico (Argentina) y editado en noviembre de 1993 por la discográfica RCA/Ariola. El álbum fue una sorpresa para los fanáticos de la banda por el hecho que era algo totalmente diferente a lo que venia haciendo y por el hecho de haberse ido a vivir fuera del país poniendo en pausa así la actividad de la banda que en ese momento no se encontraba disuelta. La única presentación oficial del álbum fue un acústico hecho para la radio FM 100 en 1994, ya que Gustavo lo consideraba un disco íntimo.

En el disco se destaca la presencia de su esposa Cecilia Amenábar, tanto en la colaboración como la inspiración principal de las canciones junto con la espera de la llegada de su primer hijo (salvo “Rombos” que compuso en la época de Colores Santos). En este disco, además, Cerati realiza una versión del tema “Bajan” de Luis Alberto Spinetta, extraído del álbum Artaud, disco referencial de este proyecto. Los sencillos extraídos de álbum fueron “Te llevo para que me lleves”, “Pulsar” y “Lisa”.

 

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas compuestos por Gustavo Cerati, excepto indicados)

  1. «Amor Amarillo» – 5:39
  2. «Lisa» – 4:25
  3. «Te Llevo para que Me Lleves» – 3:44
  4. «Pulsar» – 4:54
  5. «Cabeza de Medusa» – 5:07
  6. «Av. Alcorta» – 4:44
  7. «Bajan» (Luis Alberto Spinetta) – 4:08
  8. «Rombos» – 4:23
  9. «Ahora Es Nunca» (Cerati – Cecilia Amenábar) – 4:41
  10. «A Merced» – 6:28
  11. «Torteval» – 6:04

Calidad: FLAC

 

 

 


Mike Oldfield – Crises (1983-Reed.2013)

 

[Otras Músicas]

 

Mayo de 1983 fue el décimo aniversario del lanzamiento de “Tubular Bells”, en el que Virgin volvió a anunciar que sus ventas continuaban subiendo y que se preveía la posibilidad de hacer una “continuación” de aquel álbum, a los 10 años de haberse publicado, algo que a la postre, quedó desmentido por el propio artista. Mike Oldfield editó su octavo álbum, «Crises», y tocó un gran concierto en julio en el estadio londinense de Wembley. Los músicos que lo acompañaron en este evento incluían al batería Simon Phillips (quien tocara en Roxy Music) y a Phil Spalding, el bajista de Toyah.

“Crises” fue grabado entre noviembre de 1982 y abril de 1983 en la localidad inglesa de Denham, y sería el primer disco hecho con Simon Phillips como coproductor, siendo editado por Virgin en mayo de 1983. Sus vocalistas fueron Jon Anderson de Yes y Roger Chapman de Family (en “Shadow on the Wall”), así como la imprescindible Maggie Reilly. La pista más destacada fue “Moonlight Shadow”, cantada por Maggie Reilly, que fue entendida por todos como un tributo al por aquel entonces recientemente fallecido John Lennon, y que se convirtió en el single de más éxito de Mike desde que se editara “Portsmouth” siete años antes. El tema que da nombre al disco comienza con una dulce melodía similar al inicio de “Tubular Bells”, continuando con una parte blusera seguida de ácidas guitarras, con Mike gritando “Crises, crises… you can’t get away”. Después, una parte mucho más fresca, seguida de una hermosa transición a base de guitarras y sintetizadores y un final apoteósico sustentado en la percusión.

“Moonligth Shadow” fue un éxito enorme (x3 platino en España y ×5 platino en Alemania), siendo una de las canciones representativas de 1983 y de la década de los 80 en general. Incluso, la voz de Maggie Reilly, fue tan determinante, que casi todo el mundo consideraba que eran la “misma persona”, bajo el seudónimo de Mike Olfield. “Moonlight Shadow” se convirtió en la canción por excelencia de Mike Oldfield. Virgin aprovechó la promoción y la popularidad obtenida por el álbum “Crises”, para anunciar que se celebraba los 10 años del mítico “Tubular Bells” y que se superaban los 16 millones de copias vendidas.

El ingeniero de grabación fue Nigel Luby y el arte de tapa fue de Terry Ilott. El álbum fue número 1 en Suecia, Alemania y Noruega, número 2 en Austria y Holanda, número 5 en Suiza y número 6 en Reino Unido y Nueva Zelanda. Se lanzaron como sencillos los temas “Mistake” (no incluido en el álbum original), “Moonlight Shadow” (puesto 4 en el Reino Unido y número 1 en el resto de Europa), “Shadow on the Wall” e “In High Places”. En 2000, Virgin Records reeditó “Crises” para “Mike Oldfield Remastered” y en 2013, Mercury publicó una versión remasterizada de dicho álbum que incluía “Mistake”, publicado en agosto de 1982; el single “Jungle Gardenia” – “Crimes of Passion”, este último cantado por Barry Palmer y editado en enero de 1984, y versiones de “Moonlight Shadow” y “Shadow on the Wall” como bonus tracks. Este archivo corresponde a esta última reedición.

Fuente: Wikipedia

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Crises» – 20:57
  2. «Moonlight Shadow» – 3:38
  3. «In High Places» – 3:33
  4. «Foreign Affair» – 3:53
  5. «Taurus 3» – 2:25
  6. «Shadow on the Wall» – 3:10
  7. «Moonlight Shadow (Unplugged Mix)» – 3:35
  8. «Shadow on the Wall (Unplugged Mix)» – 3:21
  9. «Mistake» – 2:56
  10. «Crime of Passion (Extended Version)» – 4:10
  11. «Jungle Gardenia» – 2:46
  12. «Moonlight Shadow (12 Inch Single Version)» – 5:15
  13. «Shadow on the Wall (12 Inch Single Version)» – 5:09

Calidad: FLAC (24 Bit)

 

 

 


Attaque 77 – Un Día Perfecto [1997]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

Attaque 77 es una banda de punk rock argentina formada en Buenos Aires (más precisamente en el barrio porteño de Flores) en el año 1987, integrada por Mariano Martínez (guitarra), los hermanos Federico (voz) y Demián “Ciro” Pertusi (bajo), luego de la ida de Alejandra Gravinesse, anteriormente cantante, Daniel “Danio” Caffieri (tío de Mariano) en guitarras y Claudio Leiva en batería. Sus actuales integrantes son Mariano Martínez, Luciano Scaglione y Leonardo De Cecco. Surgido del descubrimiento de varias bandas marginales a comienzos del 87, su carrera comenzó al publicarse dos canciones en el compilado “Invasión 88”. Federico Pertusi propuso el nombre de “Attaque” gracias a un sello discográfico conocido de los hermanos Pertusi, y los demás integrantes de la banda le sumaron el “77”, agregado al nombre debido al movimiento punk under del año 1977.

Su primera aparición discográfica fue en el recopilatorio “Invasión 88”, donde varios grupos punks argentinos aportaron temas, entre ellos Attaque 77, Flema y el grupo Defensa y Justicia (grupo en el que cantaba Ciro y en el que era guitarrista Mariano). Para ese recopilatorio, Attaque participó con “Sola en la cancha” (cantado por Ciro) y “B.A.D (Brigada Anti Disturbios)”, producidos artísticamente por Juanchi Baleirón, guitarrista de Los Pericos. En posteriores re-ediciones de ese disco, ya en formato CD, se incluyeron también “No te quiero más” y “Nunca más”, producto de las mismas sesiones de grabación. Por diferencias musicales, Danio y Leiva se alejaron del grupo. Sólo es reemplazado Leiva con lo cual la banda quedó constituida definitivamente como cuarteto. El nuevo baterista fue el joven de 16 años, Leonardo De Cecco, (ex baterista de Mal Momento).

Para entonces, Radio Trípoli les propone la grabación del disco debut que se llamó “Dulce Navidad”, producido por Michel Peyronel (baterista de Riff), y, por falta de presupuesto de la productora, estuvo integrado por sólo siete temas de los nueve que grabaron. Iba a lanzarse en diciembre de 1988, por eso lo llamaron así, pero se retrasó su salida y vio la luz en los primeros meses de 1989.

Attaque firma con RCA y BMG un importante contrato que derivará en la grabación de su cuarto álbum de estudio, “Todo Está al Revés”, editado por RCA a finales del mismo año. Es el primer trabajo con Luciano Scaglione en bajo, ya que Adrián Vera dejó el grupo a principios de 1992. El sonido es mucho más agresivo y provocador, lo cuál recuerda a las primeras presentaciones de Attaque 77 en vivo, dando lugar a la virulencia contestataria con canciones crudas, punk de culto y alejados de la popularidad de años anteriores.

Los días 2 y 3 de agosto de 1997 fueron de gran celebración, ya que Attaque 77 festejó sus primeros diez años de vida, en Cemento, donde congregan a más de 4500 seguidores en dos funciones. Para este evento contaron como invitados con la presencia de Cienfuegos y de la banda peruana G3. Para dichos días, la banda preparó un vídeo documental de casi una hora que recorrió toda la carrera del grupo. Además de las bandas antedichas se sumaron al escenario los ex integrantes de Attaque, músicos de El Otro Yo, A.N.I.M.A.L. y la actriz Edda Bustamante, entre otros.

«Un Día Perfecto» es el sexto álbum de estudio de la banda argentina Attaque 77, grabado en septiembre de 1997 en los estudios 4TH ST. Recording de Santa Mónica, California, con Jim Wirt (No Doubt, L.A. Guns, Suicidal Tendencies, etc.) como ingeniero y co-productor, y masterizado en el estudio Tower Mastering de Hollywood. Fue editado en noviembre de ese mismo año por BMG Ariola.

Este álbum muestra otro vuelco rotundo de Attaque. Las letras son más personales que en los discos anteriores y la música más cuidada. Si bien casi todas las canciones mantienen el estilo histórico de la banda, la diferencia de sonido se nota teniendo en cuenta que venían de dos discos donde hicieron sentir la furia del punk. La mayoría de las canciones fueron compuestas por Ciro Pertusi.

El disco está compuesto por 15 temas, de los cuales “Héroe” es una nueva versión de “Héroe de nadie” del disco “Todo Está al Revés” cantada en inglés por el bajista Luciano Scaglione. Tiene algunas canciones clásicas de la banda como “Cambios”, “Áspero”, “Onírico”, “Ángel” y “Numancia”. También hay una versión de “¿Qué vas a hacer conmigo?” (titulada como “Qué vas”) de Los Auténticos Decadentes. El único videoclip de este disco es el de la canción “Crecer”, vídeo en donde los músicos tocan en un fondo infantil con instrumentos de juguete.

En la gira de presentación del álbum, se presentaron en vivo en el club Konmotion (San Francisco), Dragon Fly (Hollywood), Leonardo´s (Huntington Park), South Beach Pub (Miami), donde también hicieron un mini especial para Raizonica de MTV latina. Luego fueron a México para tocar en el D.F. (2 conciertos), León, Neza y Chimalhuacan para terminar el tour en el Sargento Pimienta de Lima (Perú), junto a G3. Desde Lima viajaron al estadio del Ferro para actuar en el Festival Madres de Plaza de Mayo ante 35.000 personas y junto a varios de los artistas más importantes del rock local del momento.

 

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Cambios» – 2:12
  2. «Crecer» – 4:38
  3. «Áspero» – 3:11
  4. «Piscis» – 2:38
  5. «Cinco» – 3:57
  6. «Onírico» – 3:32
  7. «Luz» – 3:08
  8. «Ángel» – 4:18
  9. «Alivio» – 4:04
  10. «Qué Vas» – 3:04
  11. «Filo» – 3:49
  12. «Jumper» – 1:46
  13. «Mensaje» – 2:39
  14. «Héroe» – 2:48
  15. «Numancia» – 4:30

Calidad: WAV

 

 

 


Aerolíneas Federales – Tomando Tierra (1988)

 

[Ciclo de Rock Ibérico]

 

En los primeros años 80 los grupos ibéricos asimilaban como podían la new wave británica. En muchas ocasiones y con el “do it yourself” por bandera, suplieron sus escasos conocimientos musicales con talento, ingenio y muchas ganas de aprender. Aunque el epicentro era Madrid, en Vigo también surgían una cantidad interesante de propuestas que seguían patrones similares. Una de esas bandas fue Aerolíneas Federales, nacidos en 1981 como un proyecto paralelo del miembro fundador de Siniestro Total Miguel Costas -voz y guitarra- como líder, con Juan Dotras Pardo “Flechi” -caja de ritmos- como maestro de ceremonias y Silvino Díaz al bajo. Sin pretensiones, con desenfado, y la diversión y la transgresión en mente, la banda se va haciendo poco a poco un nombre en la península.

En 1983 Luis Santamarina entra como batería y ganan el concurso de rock de Radio 3 en Coruña. La banda pasa a quinteto con las incorporaciones de la hermana de Miguel, Rosa Costas, y Coral Alonso en las voces. DRO les da la oportunidad de lanzar su primer disco, el homónimo “Aerolíneas Federales” (DRO, 1986). Canciones simples, sin estridencias pero con una clara vocación festiva, aires ye-yé y coros pop marca de la casa. Canciones como “No me beses en los labios” o “Soy una punk” son clásicos imperecederos del pop español.

“Hop Hop” (DRO, 1987) supone una clara continuación de los desarrollos mostrados en su debut: ritmos contagiosos entre los que encontramos desde pop pachanguero a ska y bases electrónicas. La diversión y la falta de pretensiones fueron siempre la bandera de un grupo encantador que tiene la capacidad de robarte el cariño por sorpresa.

La banda mantiene el ritmo y lanza su tercer largo en tres años, «Tomando Tierra» (DRO, 1988), en esta ocasión Servando Carballar de Aviador Dro se encarga de la producción. Se trata sin duda de su disco más ambicioso, la inversión de la compañía es mucho mayor y todo esto repercute en un sonido más limpio. Los ritmos acústicos ganan protagonismo, pero los esquemas del grupo continúan siendo los mismos.

Suena “Lejos del mar” y la melancolía sobrevuela océanos desiertos para hacernos ver que la distancia es algo infranqueable. Aires acústicos fluyen con suavidad entre las olas y los coros susurrados por Miguel Costas, “y te espero lejos del mar / y te espero lejos del mar”. En “No estaría mal” se lamentan de su mala suerte en el amor y piden un poco de suerte mientras buscan calor entre la multitud.

Los ritmos acústicos vuelven con “Te echo de menos”, aires sureños que vienen cargados de brillantes arreglos de cuerda y un órgano muy efectivo. “Horóscopo” es un corte flojo de bubble gum infantiloide con voz desafinada que si por algo llama la atención es por esa melodía silbada que penetra una y otra vez hasta el fondo de nuestro cerebro.

“Tú al monte, yo al mar” trae coros playeros y aires sesenteros que recuerdan a una banda americana de la Costa Oeste, para cambiar de tercio en “Estás conmigo”, Miguel Costas toma la voz cantante en este corte acelerado, el más cercano a Siniestro Total, que queda bendecido con esos coros tiernos y desafinados a partes iguales.

“Soy un bollito” es un medio tiempo un tanto naíf con arreglos espontáneos y una letra que en esta ocasión peca de demasiado simple: “yo siempre un bollo quiero ser / llevar un peinado de alucinar / cientos de colores para combinar / un montón de guaperas a mi alrededor / y bailar con ellos una canción”.

Con “Alicia” elevan de nuevo el listón, la sencillez en esta ocasión da sus frutos en su peculiar viaje al país de las maravillas, todo cambia de tamaño y de color entre miles de relojes que marcan las horas al ritmo de dulces coros multicolor. “Yo soy yo” pone de manifiesto que la presencia de Miguel Costas dota a las canciones de un brillo especial, su voz es capaz de transmitir emociones con una facilidad pasmosa. Una demostración de suficiencia en toda regla, “No, yo no soy lo que eres tú / yo soy yo y que no se hable más”.

Cierra “Con premeditación”, pop azucarado que trae aires de fiesta entre coros luminosos y un órgano juguetón.

Fuente: Fernando Fernández Rego en LaFonoteca.net / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Lejos del Mar» – 2:51
  2. «No Estaría Mal» – 2:33
  3. «Te Echo de Menos» – 3:11
  4. «Horóscopo» – 2:31
  5. «Tú al Monte, Yo al Mar» – 2:31
  6. «Estas Conmigo» – 3:12
  7. «Sex Simbol» – 2:02
  8. «Soy un Bollito» – 3:25
  9. «Nadie Es Perfecto» – 3:10
  10. «Alicia» – 4:01
  11. «Yo Soy Yo» – 2:15
  12. «La Feria» – 2:49
  13. «Con Premeditación» – 2:55

Calidad: FLAC

 

Gracias al compañero Bizio por este archivo.

 

 

 

 


Los Piojos – Verde Paisaje del Infierno [2000]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

Los Piojos fue una banda argentina de rock formada a fines de 1988 y oriunda de Ciudad Jardín Lomas del Palomar, en el Gran Buenos Aires. De todas las bandas surgidas durante la década de los 90, Los Piojos se erigió como una de las más populares hasta incluso después de su separación, no sólo por su poder de convocatoria y las importantes cifras de ventas en sus álbumes, sino también por una discografía de carácter sólido que fue cada vez haciéndose más personal.

Durante finales de 1989 y principios de 1990 comienzan sus presentaciones en pequeños escenarios del rock porteño y bonaerense tales como el Teatro Arlequines, Graf Zeppelin, Ma Baker y La Plaza del Avión (en Ciudad Jardín) donde Ciro cantó por primera vez. En 1990 el grupo resultó elegido banda revelación por Los Redonditos de Ricota en la encuesta del “Sí!” de Clarín. Los redondos de Ricota habían presenciado varios de los shows del grupo, e incluso el guitarrista Skay subió a acompañarlos en algunas ocasiones.

En 1991 viajaron a Francia, invitados de una organización de los suburbios de París que luchaban contra los skinheads. Tocaron en el Festival Antirracista de Blondy. Aunque lo único gratis seria tocar. Los gastos del viaje corrieron por cuenta propia de Los Piojos que debieron pagar cuotas de 160 dólares para financiarlo. Así lograron compartir el escenario con grupos de Cuba, África, Marruecos, Burkina Faso, Malí, España y Francia. El contacto con Mano Negra fue importante para que la banda abriese la cabeza y entendiera que en la fusión de estilo estaba su futuro musical.

De regreso a Buenos Aires, el sueño del primer disco comenzaba a rondar por sus cabezas. El apoyo por parte de Patricio Rey resultó imprescindible para el grupo, de manera que la “Negra Poly”, manager ricotera, le recomendó al productor Gustavo Gauvry, de DBN, que se acercara a ver un show. Aquella vez, como tantas otras volvió a subir Skay Beilinson al escenario como para que quedase sellado un padrinazgo absoluto sobre los pibes del Palomar. Gauvry se interesó por ellos y enseguida les ofreció la edición y distribución del primer disco de la banda. Entre junio y agosto de 1992 ingresaron por primera vez a un estudio, en Del Cielito Records, estudios de Los Redondos, siendo su primera experiencia en grabaciones de estudio. En ese corto lapso registraron “Chactuchac”, el álbum debut de la banda. El disco fue editado por DBN/Del Cielito Records en agosto de 1992. El título del trabajo se refiere al sonido del tren.

«Verde Paisaje del Infierno» es el sexto álbum de estudio de Los Piojos. Fue grabado en agosto de 2000 en los Estudios Panda de Buenos Aires, junto con la colaboración de Ricardo Mollo (líder de Divididos), editado en octubre del mismo año por el sello El Farolito Discos y presentado oficialmente en el estadio de Atlanta, el 16 de diciembre del 2000. Señalado como un disco enteramente exquisito, Los Piojos parecen clausurar aquí una etapa, para condensar toda su energía en canciones de cuatro minutos. El álbum tuvo un larguísimo trabajo de producción para el que fueron consultados Alfredo Toth y el ya mencionado Ricardo Mollo.

El sexto disco del grupo, producido artísticamente por su cantante Andrés Ciro, fue mezclado en un estudio de Los Ángeles, siendo ésta la última etapa de un larguísimo proceso de composición y grabación que tuvo al grupo concentrado durante más de seis meses en una quinta de la localidad de Paso del Rey. En medio, no sólo afrontaron la partida de su histórico baterista (Daniel Buira) por graves problemas internos y la consolidación de su convocatoria (siete conciertos al hilo en el Estadio Obras) sino que fueron y vinieron varias veces en la búsqueda de un sonido satisfactorio. Alfredo Toth, productor por detrás de “Tercer Arco”, el punto de quiebre en la historia del grupo, fue el primero en acercarse a Paso del Rey para dar una mano. “Me pidieron un asesoramiento y les tiré unas ideas sobre los temas que tenían pensado grabar”. “Entre abril y mayo, me reuní primero con Andrés y después con el resto de la banda. Ahí les recomendé a un técnico de sonido (Richard Troilo, que hizo algunos trabajos conmigo) con el que terminaron trabajando”, asegura Toth, quien según fuentes cercanas al grupo terminó de dar el visto bueno para que Sebastián Cardero (el único que no viajó a Los Ángeles) se incorporase a la banda.

Los temas “Merecido”, “Reggae rojo y negro”, “María y José”, “San Jauretche”, “Luz de marfil” y “Media caña” son seis de los catorce temas destacados que contiene el álbum. A partir de agosto el grupo se trasladó a los estudios Panda y allí entró en acción Ricardo Mollo convocado por el grupo para escuchar el material nuevo. “Pero me parece que fue medio una trampa. Ya que no bien les dije lo que pensaba de lo que había escuchado, ahí nomás me invitaron a colaborar con ellos en lo que se refiere a las guitarras”, le dijo al Suplemento Sí, el líder de Divididos que, durante una semana y como si se tratara de un disco suyo, se abocó a la tarea en jornadas de trabajo que empezaban a las once de la mañana y finalizaban bien entrada la madrugada. “Lo que hice fue resaltar más las guitarras, que en este disco van estar más al frente y para lo cual se volvió grabar gran parte de lo hecho. Es que sabían lo que querían pero no estaban tan seguros de cómo lograrlo”, confió el guitarrista de Divididos al Suplemento Sí!.

 

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «María y José» – 4:38
  2. «Labios de Seda» – 4:09
  3. «Luz de Marfil» – 5:24
  4. «Vine Hasta Aquí» – 4:38
  5. «Globalización» – 3:43
  6. «Fijate» – 3:52
  7. «Reggae Rojo y Negro» – 4:16
  8. «Ruleta» – 4:16
  9. «Morella» – 4:12
  10. «La Luna y la Cabra» – 3:30
  11. «Media Caña» – 5:14
  12. «Mi Babe» – 4:42
  13. «Merecido» – 4:13
  14. «San Jauretche» – 5:00

Calidad: FLAC

 

 

 


Corazón Rebelde – Corazón Rebelde (1984)

 

[Ciclo de Rock Ibérico]

 

A fines de 1980, cuando el invierno comenzaba a instalarse en París, Cacho, Luis Emilio y Rodrigo Vásquez, tres jóvenes hermanos chilenos, hijos de un ex militante de izquierda exiliado por el gobierno de Augusto Pinochet, cansados de la falta de canales de expresión para su emotividad latina, decidieron formar junto al franco tunecino Cyril Noaco un grupo al que bautizaron como Corazón Rebelde, una banda cuya original propuesta mezclaba el punk, elementos del rock tradicional y música como la rumba y otros ritmos latinos y folklóricos.
 
El líder de la agrupación, el cantante, guitarrista y compositor Cacho Vásquez, un inquieto y carismático joven que gracias a su apariencia física y su 1.90 de estatura trabajaría ocasionalmente de modelo publicitario y lograría cierta fama literaria en Francia en 1985 gracias al libro “Sebasto´s Angels”, uno de los libros mejor acogidos ese año por la siempre exigente crítica gala (coescrito junto a su madre), relató que el momento en que decidieron fundar el grupo fue cuando escucharon a The Clash, uno de los grupos emblemas del punk británico. “Los Clash nos abrieron una puerta. Al principio no sabíamos ni tocar. Formábamos parte del movimiento punk sin tocar como ellos, no sabíamos usar la distorsión. En la creación musical comenzamos a mezclar estilos porque nosotros éramos así. Todavía soy una persona multi historia, multi países y multi idioma. Éramos buenos por el tipo de propuesta, de mezcla entre culturas e historias. En mi casa de París había fotos de Carlos Gardel en la pared y los exiliados chilenos escuchaban a grupos como Quilapayún e Inti Illimani, mientras que a nosotros nos voló la cabeza el rock y el movimiento punk y nos gustaba algunas cosas del jazz como Miles Davis, así que nos salió naturalmente esa cosa medio punk-folklórica-latino-electrónica. Esa mezcla todavía la mantengo y me reivindico no como punk, sino que como punkie. Sigo sin saber leer ni escribir música. Tengo experiencia para cantar y lo mío es la canción simple”.
 
Decididos a armar una banda igual de furiosa y comprometida que The Clash, de quienes heredaron gran parte de la dureza del estilo y el espíritu intransablemente comprometido con la rebeldía juvenil, Corazón Rebelde grabó en 1983 un primer maxi-single compuesto por las canciones “Adónde Van/ Barcelona” (DRO, 1983), con el que pudieron conseguir tocatas en clubes nocturnos de París y en establecimientos donde se juntaban algunos chilenos desterrados.
 
Si bien Cacho Vásquez y sus hermanos habían pasado toda su juventud en Francia, decidieron cantar todas sus letras en castellano, en las cuales se aludía continuamente a Chile y su situación social y político en curso. Las canciones “Adónde van”, “Santiago”, “Desaparecidos” y “Valparaíso”, por ejemplo, aludían al golpe militar, los detenidos-desaparecidos y el exilio, mientras que “Tíos de acero” hablaba de cómo la marginación social destruía progresivamente la infancia (“Y los niños en las calles juegan a vivir”, decía una parte de la letra). Otros temas, como “Radio Bemba” y “Barcelona”, en tanto, se referían a temas más lúdicos o insólitas y divertidas situaciones (“Francisco Franco y el Che Guevara sentados en un bar se venden… por igual”, cantaban en esta última). “Había una rabia inconsciente que queríamos escupir. Rescatábamos lo que éramos en cada una de nuestras canciones, pero asumido desde una perspectiva viva. El rock era nuestro elemento mediador y nuestra auténtica motivación”, explicó el mismo Cacho Vásquez, compositor y vocalista de Corazón Rebelde, banda que, según la prensa francesa, formaba parte del movimiento musical conocido como “rock del exilio”.
 
Un sello independiente europeo financió la grabación del primer disco de Corazón Rebelde, «Corazón Rebelde» (DRO, 1984 -en España- y Mino Music, 1985 -en Francia), un notable trabajo que incluía 10 canciones (“Radio Bemba”, “Tíos de acero”, “La muerte (García Lorca)”, “Desaparecidos”, “Valparaíso”, “Barcelona”; “Santiago”, “El ejército del Ebro (Tradicional)”, “Adónde van” y “Muñeca”) y que se editó en Francia en 1985. Este disco debut, que contó con la producción del músico uruguayo Carlos “Pájaro” Canzani, colaborador de Los Jaivas, llegó ese mismo año a manos de Ricardo García, fundador del sello chileno Alerce, quien decidió editarlo en un cassette. Este cassette tuvo un impacto limitado, sobre todo por la situación política reinante en Chile (léase gobierno militar en el poder) y porque Corazón Rebelde nunca visitó Chile para presentarlo, pero se popularizó sobre todo en el ámbito universitario y por el famoso sistema “de boca a boca”, es decir, la persona que lo compraba se lo recomendaba a alguien más o bien lo hacía escuchar a sus amigos.
 

Corazón Rebelde grabaría posteriormente algunos singles aislados, nuevas versiones de sus temas clásicos y en 1988 un segundo maxi-single en Los Ángeles, California, que incluyó los temas “De quoi je me mele” y “Soledad”, que se transformó en su última publicación antes de la disolución oficial del grupo, ocurrida ese mismo año. En 1995 Corazón Rebelde fueron incluidos en el disco compilatorio del sello Alerce “Rock chileno. Una década: 1985-1995”, con los temas “Santiago” y “Adónde van”.

Después de la disolución de Corazón Rebelde los hermanos Luis Emilio y Rodrigo Vásquez permanecieron en París, dedicados a labores ajenas a la música, mientras que Cacho Vásquez se avecindó en 1997 en Cuba por algunos años y visitó Chile en el 2001 para presentar su primer álbum solista, “Cacho Vásquez”, un trabajo de fusión entre ritmos caribeños y algunos elementos rock. Al año siguiente publicaría un libro autobiográfico con la historia del grupo, junto a su madre, la psicóloga y ensayista Ana Vásquez.

Fuente: Guioteca / Discogs

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Radio Bemba» – 4:36
  2. «La Muerte» (García Lorca) – 4:35
  3. «Desaparecidos» – 3:01
  4. «Tíos de Acero» – 3:38
  5. «Valparaíso» – 4:43
  6. «Barcelona» – 3:57
  7. «Santiago» – 4:06
  8. «El Ejército del Ebro» (Tradicional) – 3:40
  9. «Adónde Van» – 4:14
  10. «Muñeca» – 3:43

Calidad: 128 Kbps


 

 

 


Massacre Palestina – Buenos Aires Sub Atomic Skate Sounds ’87-’91 [1999]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

Massacre es una banda de rock argentina, pionera en el género denominado skate rock en Latinoamérica. Originalmente llamados Massacre Palestina, se formaron en Buenos Aires en el año 1986. Se conformó por estudiantes secundarios influidos por bandas de la costa oeste estadounidense, que fusionaban hardcore-surf-punk a fines de los setenta y comienzos de los ochenta. Entre sus influencias, se encuentran artistas como T.S.O.L, Dead Kennedys, Black Flag, Nirvana, The Cure, R.E.M., The Ramones, T. Rex, Sumo, Gustavo Cerati, Luis Alberto Spinetta, entre otros.

La primera formación contaba con Francisco Ruiz Ferreyra (Paco) en batería, José Armetta (Topo) en el bajo, Guillermo Cidade (Walas) en guitarra y Richard Serafini en voz. El primer disco homónimo de la banda fue un EP en vinilo, grabado en 1987 bajo el sello Radio Trípoli, que contenía cuatro canciones, hoy una pieza de colección. Junto a la salida del disco filman su primer vídeo del tema “Diferentes Maneras”, en la actualidad absolutamente perdido. La carrera del grupo se desarrolló durante años sobre la base de presentaciones en vivo y largas ausencias, hasta la posibilidad de grabar el primer álbum. Para octubre de 1989 Richard se despide de la formación y Wallas se encarga de las voces, dejando su puesto a Pablo Mondello (alias Pablo M. o El Tordo), ex compañero del secundario, eximio guitarrista y pilar fundamental en la concepción musical del grupo para los tiempos que vendrían. Con esta formación los Massacre recorrerían larga parte de su carrera.

Tras su primer álbum de estudio, “Sol Lucet Omnibus” (1992), se rebautizaron como Massacre, debido al atentado a la embajada de Israel en Argentina, en donde su apelativo “Palestina”, pudiera generar polémica.

Aunque la banda era conocida por su actitud basada en la autogestión durante más de veinte años de carrera, se la consideraba como una de las pocas bandas verdaderamente de culto de la Argentina, hasta la edición de su sexto disco de estudio, titulado “El Mamut” (2007); que alcanzó gran éxito, por lo que la banda alcanzó masividad a nivel popular, no solo en Argentina, sino también en el resto de Latinoamérica.

«Buenos Aires Sub Atomic Skate Sounds ’87-’91» es el primer álbum recopilatorio del grupo Massacre, que incluía sus primeras grabaciones, tales como el EP “Massacre Palestina”, demos, temas descartados del EP y algunos directos. Todas las canciones corresponden a grabaciones realizadas entre los años 1987 y 1991, excepto el último tema del disco, en vivo, que se grabó en 1997, y en su totalidad corresponden a la etapa más skate-punk de la banda. El álbum fue editado en 1999 por Laika Records.

 

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Diferentes Maneras»
  2. «Canción de las Muñecas»
  3. «Hijos del Sinaí»
  4. «Walls»
  5. «Ángeles de Piedra»
  6. «Papel Floreado»
  7. «Conciencia de Nuestros Días»
  8. «Punk Is Dead»
  9. «Mirando al Pacífico»
  10. «From Your Lips» (Live)
  11. «Arma de Quien?»
  12. «Diferentes Maneras» (Live)
  13. «¿De qué Te Sirvió?»
  14. «Canción de las Muñecas» (Live)

Calidad: FLAC

 

 

 


Bruce Springsteen – Greatest Hits (1995)

 

[Otras Músicas]

 

Bruce Frederick Joseph Springsteen,​ más conocido como Bruce Springsteen, es un cantante, músico y compositor estadounidense. Apodado a menudo The Boss —en castellano: El jefe—, Springsteen es ampliamente conocido por su trabajo con el grupo The E Street Band y considerado uno de los artistas más exitosos de la música rock, con ventas que superan los 64,5 millones de álbumes en Estados Unidos de Norteamérica y más de 120 millones a nivel mundial, y un total de diez discos números uno, un registro solo superado por The Beatles y Jay-Z.

Springsteen comenzó su carrera musical a finales de la década de 1960 tocando con grupos como Steel Mill y Dr. Zoom & the Sonic Boom. En 1972 firmó un contrato discográfico con Columbia Records y publicó “Greetings from Asbury Park, N.J.”, su primer álbum de estudio con el respaldo de The E Street Band, su principal grupo de apoyo en sucesivos trabajos. A lo largo de su trayectoria musical, que abarca más de cinco décadas hasta la actualidad, ha publicado trabajos como “Born to Run” (1975), “Darkness on the Edge of Town” (1978) y “The River” (1980), valorados por la crítica musical como tres de los mejores álbumes de rock de todos los tiempos. Además de su faceta como músico de rock, Springsteen grabó varios trabajos orientados al folk como “Nebraska” (1982), “The Ghost of Tom Joad” (1995) y “Devils & Dust” (2005).

Su popularidad se consolidó con el lanzamiento de “Born in the U.S.A.” (1984), un álbum que vendió más de quince millones de copias en EUNA y alcanzó el primer puesto en varios países, incluyendo Estados Unidos y el Reino Unido.​ Desde entonces, y a pesar de no trabajar con la E Street Band en trabajos como “Human Touch” y “Lucky Town”, la mayoría de sus discos han obtenido un elevado respaldo comercial, con un total de seis números uno en su país natal entre el lanzamiento de “Tunnel of Love” (1987) y de “Wrecking Ball” (2012).

En general, las canciones de Springsteen reflejan letras con aspectos autobiográficos, principalmente sentimientos centrados en Asbury Park o Nueva Jersey, o relatos de personajes ficticios o novelescos que se enfrentan a retos o a puntos de inflexión en sus vidas. También suele incluir preocupaciones económicas, sociales y políticas en composiciones como “Born in the U.S.A.”, “American Skin (41 Shots)”, “Devils & Dust” y “Jack of All Trades”, entre otras. Ha sido además uno de los artistas más críticos con la política exterior de su país en relación con la invasión y posterior guerra de Irak, y participó en la gira Vote for Change para pedir el voto por John Kerry.

La trayectoria musical de Springsteen ha sido reconocida con varios premios, incluyendo 20 premios Grammy, dos Globos de Oro y un Óscar, y en 1999, entró en el Salón de la Fama del Rock and Roll. En 2004 la revista Rolling Stone lo situó en el puesto 23 de la lista de los mejores artistas de todos los tiempos, y cuatro años más tarde, en la posición 36 de la lista de mejores cantantes de todos los tiempos.​ Su trabajo más reciente, “High Hopes”, fue publicado el 14 de enero de 2014, habiendo sido difundido vía streaming por el mismo Springsteen gracias a su participación en la banda sonora de un capítulo de una famosa serie estadounidense.

«Greatest Hits» es un álbum recopilatorio del músico estadounidense Bruce Springsteen, publicado por la compañía discográfica Columbia Records en febrero de 1995.​ El álbum recopila las canciones más populares de Springsteen a través de su trayectoria musical, además de cuatro temas nuevos, mayoritariamente grabados con la E Street Band en 1995.

La incorporación de las canciones nuevas fue filmada en el documental de 1996 Blood Brothers. “Murder Incorporated” y “This Hard Land” son descartes de las sesiones de grabación de “Born in the U.S.A.”, la segunda de ellas regrabada para la ocasión, y ambas se convirtieron en canciones frecuentes durante los conciertos de Springsteen.​ Por otra parte, “Blood Brothers” fue frecuentemente interpretada como última canción en los conciertos de la gira de reunión de la E Street Band entre 1999 y 2000, y de la gira de promoción de “The Rising”. La cuarta canción, “Secret Garden”, ganó notoriedad por su inclusión en la banda sonora del largometraje Jerry Maguire. Versiones alternativas de estas cuatro canciones fueron publicadas en el EP “Blood Brothers”.

“Greatest Hits” obtuvo un notable éxito comercial al alcanzar el primer puesto de las listas de discos más vendidos de numerosos países, entre ellos la lista estadounidense Billboard 200, con ventas superiores a los cuatro millones de copias, y la lista británica UK Album Chart.

Fuente: Wikipedia

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas escritos y compuestos por Bruce Springsteen)

  1.   «Born to Run» – 4:30
  2.   «Thunder Road» – 4:48
  3.   «Badlands» – 4:03
  4.   «The River» – 5:00
  5.   «Hungry Heart» – 3:20
  6.   «Atlantic City» – 3:56
  7.   «Dancing in the Dark» – 4:03
  8.   «Born in the U.S.A.» – 4:41
  9.   «My Hometown» – 4:12
  10. «Glory Days» – 3:49
  11. «Brilliant Disguise» – 4:15
  12. «Human Touch» – 5:10
  13. «Better Days» – 3:44
  14. «Streets of Philadelphia» – 3:16
  15. «Secret Garden» – 4:27
  16. «Murder Incorporated» – 3:57
  17. «Blood Brothers» – 4:34
  18. «This Hard Land» – 4:50

Calidad: FLAC