Ciclos y Neurastenias en un mundo cruel

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Ana Popovic – Trilogy (2016)

 

[Otras Músicas]

 

Ana Popović, nacida en 1976 en Belgrado (Serbia) y emigrada a Memphis (Tennessee, EUNA) en 2012, es una virtuosa guitarrista y cantante de blues-rock. Su padre la introdujo en la música blues y comenzó a tocar la guitarra cuando tenía quince años. Alrededor de 1991 Ana sucumbe inevitablemente a los encantos de la guitarra. Su padre sigue ayudándola, pero se da cuenta de que el don natural de su hija para tocar el instrumento va más allá de sus propias habilidades y, aunque la familia no es rica, sus padres hacen lo imposible para que asista a clases particulares de guitarra, en las que Ana se deja el alma, sorprendiendo a su maestra con su progreso y el rápido desarrollo de un estilo propio.

En 1995 formó la banda Hush con Rade Popović (guitarra, voz), Milan Sarić (bajo) y Bojan Ivković (batería), con un estilo rhythm and blues, pero también incorporando elementos de funk y soul en su sonido. Durante 1996, Hush realizó giras por Yugoslavia y Grecia, y gracias a su directo en el Marsoni Blues Festival de Senta, Hush obtuvo la invitación para actuar en el Fifth International Blues, Jazz, Rock and Gastronomic Festival de Hungría, parte de cuya actuación fue incluida en un álbum en directo editado para celebrar el festival.

A lo largo de 1998, Hush tuvo más de 100 shows, tocando en clubs de blues y festivales del género, mientras registraban su álbum debut, “Hometown”, grabado en Studio Akademija y mezclado en VELJAM Studio, con producción de Aleksandar Radosavljević, y editado por el sello yugoslavo PGP-RTS en 1998. Contó con la colaboración de artistas invitados como Vojno Dizdar (piano y órgano), Petar “Pera Joe” Miladinović (armónica), Aleksandar Tomić (saxofón tenor) y Predrag Krstić (trompeta). Además de canciones propias, el disco incluye también versiones de algunos temas reputados del blues.

A finales de 1998, Popović fue a Utrecht (Holanda) para estudiar guitarra blues-jazz, lo que provocó el final de la banda Hush y el posterior inicio de la carrera en solitario de Ana, que comenzó un año después con la formación de su banda de acompañamiento en Holanda. En 2000, apareció junto a Eric Burdon, Taj Mahal, Buddy Miles, Double Trouble, Eric Gales y otros, en el álbum de tributo a Jimi Hendrix “Blue Haze: Songs of Jimi Hendrix” con una versión del tema “Belly Button Window”.

En 2001, apareció su álbum debut en solitario, “Hush!”, editado por el sello alemán Ruf Records. El álbum fue grabado en Memphis, con los miembros de la Ana Popović Band, así como otros músico de estudio. Fue producido por Jim Gaines, quien anteriormente trabajó con Carlos Santana, John Lee Hooker, Alexis Korner y otros grandes músicos. El álbum incluye a Bernard Allison como invitado y mostró ser exitoso, por lo que Popović abandonó sus estudios de guitarra para dedicarse exclusivamente a su actividad musical como profesional.

En 2003, Popović lanzó su segundo álbum en solitario, “Comfort to the Soul”, editado por el sello alemán Ruf Records. El álbum, grabado en Memphis y producido por Gaines, ofreció una fusión de blues, rock, soul y jazz. Durante el mismo año, en el Festival de Rhythm & Blues en Bélgica, fue invitada por Solomon Burke a unirse a él en el escenario, después de lo cual ella se unió a él en el resto de la gira como invitado.

Tras un disco en directo grabado en enero de 2005 en su actuación en el club Melkweg de Amsterdan y editado ese mismo año, titulado “Ana!”, en 2007 Popović publica con el sello norteamericano Eclecto Groove Records su tercer álbum de estudio, “Still Making History”, en el que vuelve a retomar su estilo característico de blues, rock y soul. El trabajo cuenta con un bonus consistente en la versión blues del primer tema del disco.

Con producción de Mark Dearnley, Tony Braunagel y Ana Popović, graba en California su cuarto álbum de estudio, “Blind for Love”, segundo disco producido en EUNA y editado de nuevo por el sello Eclecto Groove Records en 2009. El quinto álbum de estudio de Ana Popović en solitario, “Unconditional”, fue grabado en febrero de 2011 en Nueva Orleans (Louisiana) y editado de nuevo por el sello Eclecto Groove Records en agosto de 2011. Al igual que “Still Making History”, “Unconditional” alcanza el nº 1 en el Billboard Blues Chart estadounidense.

El séptimo álbum de estudio de Ana Popović en solitario, “Can You Stand the Heat”, grabado en Memphis y mezclado en Nashville, ambas de Tennesse, donde la guitarrista y cantante se trasladó a vivir, fue editado por el sello holandés ArtisteXclusive Records en marzo de 2013. En este disco aparece una versión del tema de los Rolling Stones “Rain Fall Down”.

«Trilogy» es el octavo álbum de estudio de Ana Popović en solitario, un álbum triple grabado en diversos estudios estadounidenses, con producción de Warren Riker, Ana Popović, Tom Hambridge, Cody Dickinson y Delfeayo Marsalis, y editado por el sello holandés ArtisteXclusive Records en mayo de 2016. Popović escribió o co-escribió la mayoría de las canciones de los tres discos (15 de los 23 temas). Colaboraron en su grabación muchos grandes artistas invitados, como el guitarrista Joe Bonamassa, el guitarrista de lap steel Robert Randolph, el rapero Al Kapone y los bateristas Bernard Purdie y Cody Dickinson (de North Mississippi Allstars).

El álbum se divide en tres discos, con tres estilos diferentes. El CD-1 (“Morning”) es su álbum soul, funk y R & B, producido por el ganador del premio Grammy Warren Riker y por Popović, y grabado en Esplanade Studios (Nueva Orleans, Louisiana), Royal Studios y Music + Arts Studio (Memphis, Tennessee), The Switchyard (Nashville, Tennessee), y Full Sail Studio (Orlando, Florida). Además de los fuertes trabajos de guitarra de Popović, “Morning” utiliza multitud de cuernos y piano, y presenta a Joe Bonamassa como guitarrista invitado en “Train”, terminando la canción con un smoking outro.

El CD-2 (“Mid-Day”) contiene el blues rock más típico en la música de Popović. Las canciones fueron grabadas y producidas por varias personas en diferentes lugares. Fue grabado por Warren Riker en Esplanade Studios, Nueva Orleans en Louisiana, por Tom Hambridge en The Switchyard, Nashville en Tennessee, y por Cody Dickinson en el rancho Zebra cerca de Memphis en Mississippi. Popović incluye una canción de duelo de guitarra “Woman to Love”, donde ella se dueló a sí misma a través de la magia de doble rastreo. El disco contiene un dúo conmovedor con Alphonzo Bailey, más conocido como el rapero Al Kapone.

Finalmente el CD-3 (“Midnight”) explora las tendencias jazzísticas de Popović. Este disco tiene más versiones que cualquiera de los otros, ya que cubre una canción de Tom Waits, un tema de Duke Ellington y también una canción de Billie Holiday. El disco de jazz fue grabado en Esplanade Studios, New Orleans en Louisiana, por Delfeayo Marsalis, y utiliza una variedad de saxofones, bajo acústico y batería, con Kyle Roussell en el piano. Popović probó una nueva guitarra para “Midnight”, usando un Gibson ES-175 para los números de jazz en lugar de su Strat habitual, que utiliza para el rock y el blues. Ella también adaptó su voz al jazz, dejando los gruñidos y los gritos de los dos primeros discos y cambiando a canturreo, desprendiendo un ambiente nocturno ahumado.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas de Ana Popović, excepto indicados)

 

CD-1 (“Morning”):

  1. «Love You Tonight» – 4:04
  2. «She Was a Doorman» (Popović, Shannon Sanders) – 4:03
  3. «Show You How Strong You Are» (Popović, Tommy L. Sims) – 3:23
  4. «Fencewalk» (Carlos Wilson, Louis Wilson, Ric Wilson, Skip Scarborough) – 4:21
  5. «Train» [con Joe Bonamassa] – 4:57
  6. «If Tomorrow Was Today» – 5:15
  7. «Long Road Down» – 4:32
  8. «Hook Me Up» [con Robert Randolph] (Johnny “Guitar” Watson) – 4:37
  9. «Too Late» – 5:26

CD-2 (“Mid-Day”):

  1. «You Got the Love» (Chaka Khan, Ray Parker Jr.) – 5:28
  2. «Johnnie Ray» (Popović, Kevin Bowe) – 3:46
  3. «Woman to Love» (Curtis Mayfield) – 3:19
  4. «Let’s Do It Again” [con Al Kapone] – 3:51
  5. «Who’s Yo’ Mama» – 3:18
  6. «Wasted» (Popović, M. van Meurs) – 2:18
  7. «Crying for Me» – 3:09

CD-3 (“Midnight”):

  1. «New Coat of Paint» (Tom Waits) – 3:27
  2. «Waiting on You» – 4:32
  3. «In a Sentimental Mood» (Duke Ellington, Manny Kurtz) – 3:39
  4. «Old Country» (Curtis Reginald Lewis, Nat Adderley) – 3:46
  5. «Waiting on You (Double-Time Swing)» – 3:59
  6. «Heaven’s Crying aka Song for the Next Generation» (Popović, M. van Meurs, K. Bowe, Cindy Scott) – 4:00
  7. «You Don’t Know What Love Is» (Don Raye, Gene de Paul) – 4:45

Calidad: 320 Kbps

 

 

 


Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota – Luzbelito [1996]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota (o simplemente Los Redondos) fue un grupo argentino de rock, formado en la ciudad de La Plata en 1976 y liderada por Carlos Alberto «Indio» Solari y Eduardo «Skay» Beilinson. En 1978 realizaron su primera presentación en Buenos Aires, con el reconocido guitarrista Conejo Jolivet, quien oficiaba de la primera guitarra, y el tecladista Roddy Castro quien además facilitó su lugar en las míticas salas de ensayo del subsuelo de la Av. Corrientes casi Av. 9 de julio. Posteriormente siguieron tocando en teatros underground hasta 1979, año en el que la banda decidió interrumpir momentáneamente sus shows. En 1981 el grupo retomó el rumbo de los pubs, para llegar a grabar su primer demo profesional en 1982, registradas en RCA en el demo “Demos RCA + Festival Pan Caliente”, que logran una importante difusión en las emisoras FM porteñas.

La banda creó con su música una original estética del rock, alcanzando masividad sin entrar en el circuito cultural oficial; manteniéndose independiente al margen de la industria musical durante sus 25 años de actividad y transformándose en la única banda (junto con La Renga) que, por principios, jamás se apoyó en los medios para difundir su trabajo. En general los recitales eran promovidos por el “boca en boca”. Por este motivo siempre fue una banda que estuvo al margen de festivales, reconocimiento mediático o premiaciones, sólo la Fundación Konex reconoció su trayectoria en 1995 con un Diploma al Mérito y en 2005 con el Premio Konex de Platino a la mejor banda de rock de la década, compartido con Divididos.

Considerada como una de las bandas más importantes del rock argentino y una de las más influyentes del rock en castellano, su obra siempre estuvo marcada por las metáforas en sus letras, la cultura, el vanguardismo en su puesta en escena y un imperante misticismo en sus obras gráficas. Representa un paradigma contracultural, reforzado y marcado por su producción independiente. Su influencia se ve en bandas como La Renga, Callejeros, Los Piojos, Los Gardelitos, Salta la Banca, El Bordo, La Beriso, Las Pastillas del Abuelo o Árbol.

Musicalmente, se destacan por sus instrumentales sumamente creativos, por una primera guitarra siempre presente ―ejecutando riffs y solos― en combinación con la voz y con agregados de otros instrumentos, tales como el saxofón, el violín, la trompeta, el piano, la armónica o percusión en varias de sus canciones.

«Luzbelito» es el séptimo álbum de estudio de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, grabado en Be Bop (San Pablo) y New River, Fort Lauderdale y El Pie (Buenos Aires) entre finales de 1994 y 1995, con producción del propio grupo, y publicado en 1996 por Del Cielito Records. Es uno de sus álbumes más oscuros y una de sus más polémicas obras, y a la vez uno de los más populares. Se trata un disco conceptual que, a través de la idea de un ficticio hijo del Demonio llamado Luzbelito, juega con las ambigüedades de las creencias y comportamientos humanos desde distintos puntos de vista. La edición argentina de la revista Rolling Stone ubicó al disco en el puesto 88 entre los 100 mejores discos del rock nacional. También “Mariposa Pontiac” fue considerado por Rock.com.ar como la 3° canción más destacada del rock nacional.

El álbum llevó más tiempo de producción que los anteriores, además de usar más estudios de grabación, destacando los temas “Luzbelito y las sirenas”, “¡Me matan, limón!”, “Juguetes perdidos” y “Mariposa Pontiac/Rock del País”, este último, junto con “Blues de la libertad”, fueron compuestos durante la primera época del grupo. Estos fueron compuestos incluso antes del lanzamiento del álbum “Gulp”, por lo que no comparten el estilo del resto del CD. Inicialmente, este álbum iba a estar compuesto por temas inéditos de la banda, pero el Indio Solari, en sus tiempos libres, comenzó a escribir canciones que tacharon casi todas las canciones del proyecto, quedando así estos dos únicos temas inéditos.

Musicalmente, el álbum cuenta con una atmósfera sombría y oscura, opresiva en ciertos pasajes, aunque con ciertos temas festivos. Es también el primer álbum de Los Redondos en ser vendido sin la tradicional caja plástica de los CD de audio, usando en cambio una presentación en caja de cartón y un elaborado mini-libro con ilustraciones alegóricas creadas, como en todos los discos de la banda exceptuando “En Directo”, por el artista Rocambole.

Sus seguidores, que se suelen identificar como “las bandas”, reclamaban la presencia del grupo sobre algún escenario. Por lo tanto, en junio de ese año (1996) se fija la cita en discoteca Go! de Mar del Plata. En esa oportunidad, el público llegó a la ciudad desde muy temprano y desde Buenos Aires se organizó la salida de los famosos “trenes ricoteros”. Finalmente ese año cerrarían con dos fechas en el mes de octubre los días 26 y 27 en el Estadio Polideportivo de Mar del Plata y en el Estadio 15 de abril de Unión de Santa Fe el día del cumpleaños de la banda, 28 de diciembre.

La polémica los vuelve a encontrar cuando la banda fue víctima de un acto de censura a raíz de un decreto del intendente de Olavarría (Eseverri), que prohibió los recitales programados para el 16 y 17 de agosto de 1997. La excusa oficial fue el temor a que se desataran hechos de violencia por parte de su audiencia, como era habitual. Tal situación hizo posible que la banda brinde una conferencia de prensa televisada en directo por primera vez en su vida, explicando las razones y dando la nueva fecha y lugar de los recitales. Finalmente el show se realizó sin incidentes en Tandil ante 21.000 personas, que soportaron una intensa lluvia durante todo el concierto.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas compuestos por Beilinson/Solari)

  1.  «Luzbelito y las Sirenas» – 4:06
  2. «Cruz Diablo!» – 4:13
  3. «Ella Baila con Todos» – 4:59
  4. «Fanfarria del Cabrío» – 5:09
  5. «Nuotatori Professionisti» – 4:41
  6. «Blues de la Libertad» – 5:00
  7. «La Dicha No Es una Cosa Alegre» – 5:35
  8. «Me Matan Limón!» – 3:35
  9. «Rock Yugular» – 7:04
  10. «Mariposa Pontiac – Rock del País» – 4:48
  11. «Juguetes Perdidos» – 7:10
Calidad: FLAC

 

 

 


Smashing Pumpkins – Mellon Collie & The Infinite Sadness [1995]

[Resubida Mejorada]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

The Smashing Pumpkins fue una banda estadounidense de rock alternativo formada en Chicago, Illinois, en 1988. Fundada por el vocalista Billy Corgan (voz, guitarra) y James Iha (guitarra rítmica), ellos incluyeron a Jimmy Chamberlin (batería), y D’arcy Wretzky (bajo), armando su formación original. La banda ha sufrido muchos cambios en su formación a lo largo de su existencia.

Repudiando las raíces musicales de punk rock de muchos contemporáneos del rock alternativo, los Pumpkins tienen un sonido diverso, densamente escalonado y pesado que se adhiere a un punk influido en filosofía en términos de entrega musical, que contiene elementos de rock gótico, heavy metal, dream pop, rock psicodélico, rock progresivo, shoegazing y electrónica en sus últimas grabaciones. Corgan es el compositor principal del grupo — sus grandes ambiciones musicales y sus letras catárticas le han dado forma a la banda y a sus canciones, que han sido descritas como “informes angustiados, magullados de un mundo de pesadillas de Billy Corgan”.

Smashing Pumpkins irrumpió en el mainstream musical con su segundo álbum, “Siamese Dream” de 1993. El grupo construyó su audiencia con extensas giras y su seguimiento de 1995, el doble álbum “Mellon Collie and the Infinite Sadness”, que debutó en el número uno en la lista Billboard 200. Con 20 millones de álbumes vendidos en EUNA, los Smashing Pumpkins eran una de las bandas más comercialmente exitosas y aclamadas por la crítica de la década de 1990. Sin embargo, las luchas internas, el uso de drogas y la disminución de las ventas de discos condujeron a su ruptura en 2000.

Durante 1995, Corgan se encierra en su apartamento y escribe 56 canciones para su nuevo álbum. Después de esta muestra de creatividad de Corgan, los Smashing se meten en el estudio para grabar su siguiente álbum, que Corgan describió como el “The Wall de los años 90”, en comparación con el afamado álbum doble conceptual de Pink Floyd. El resultado de esta explosión creativa es su tercer álbum de estudio, «Mellon Collie and the Infinite Sadness», un álbum doble de 28 canciones que debutó en el primer lugar del ranking Billboard de octubre de 1995, llegando a vender dieciséis millones de copias en el mundo y conseguir nueve discos de platino, convirtiéndose en el álbum doble más vendido de la década en ese momento.

Grabado entre marzo y agosto de 1995 en varios estudios de Chicago y mezclado en Los Ángeles, con producción del líder de la banda Billy Corgan junto a Flood y Alan Moulder, el álbum fue editado en octubre de 1995 a través del sello Virgin Records. El álbum contiene una gran diversidad de estilos, además de incorporar más peso musical por parte de la bajista D’arcy Wretzky y el segundo guitarrista James Iha que en los trabajos previos.

“Mellon Collie and the Infinite Sadness” es un álbum conceptual suelto, con la intención de que las canciones se unan de forma conceptual como símbolo del ciclo de la vida y la muerte. Billy Corgan dijo que el álbum está basado en “la condición humana de la pena mortal”. La naturaleza expansiva del álbum hace que se utilicen varios estilos distintos en sus canciones, contrastando con lo que algunos críticos describieron como “un sabor dimensional” de los dos álbumes previos. Se utiliza una variedad mucho más amplia de instrumentación, como piano (“Mellon Collie and the Infinite Sadness”), sintetizadores y loops de batería (“1979”), una orquesta (“Tonight, Tonight”), MIDI (“Beautiful”) e incluso saleros y tijeras (“Cupid de Locke”). Además, todas las piezas de guitarra del álbum están afinadas un semitono abajo para “hacer la música más grave”, según Corgan.

Precedido del sencillo “Bullet with Butterfly Wings” (nº 22 en las listas estadounidenses), el álbum debutó en el número uno de la lista del Billboard 200, siendo la primera y última vez que lo consiguiera la banda. Se extrajeron cuatro sencillos más -“1979” (nº 12); “Zero” (nº 29); “Tonight, Tonight” (nº 36); y “Thirty-Three” (nº 39) — a lo largo de 1996 y ha sido certificado con un disco de diamante por la RIAA por alcanzar los diez millones de discos vendidos.

Christopher John Farley de la revista Time dijo del álbum que era “el trabajo más ambicioso y conseguido de la banda hasta el día”. Farley escribió: “Uno tiene la sensación de que la banda tiró adelante de forma instintiva; el mero campo que abarca el álbum (28 canciones) no da pie a predicciones o ideas previas”. El crítico David Browne alabó la ambición de la banda y dijo que Mellon Collie and the Infinite Sadness es más que un mero trabajo de un melindroso y torturado obsesivo. Corgan se presenta a sí mismo como uno de los últimos verdaderos creyentes: alguien para quien vomitar toda esta música resulta de alguna manera arte mayor de época. No parece importarle las persistentes cuestiones sobre “venderse” del rock alternativo, y bien que hace: apunta a algo más alto y conquistador”.

El álbum ganó siete nominaciones a los premios Grammy de 1997, venciendo en la categoría de Mejor Interpretación de Hard Rock por la canción “Bullet with Butterfly Wings”. En 1998 fue votado por los lectores de la revista Q como el vigésimo noveno álbum más importante de todos los tiempos. En 2003, la revista Rolling Stone lo posicionó en el puesto número 487 de la lista de Rolling Stone de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos y la revista Time lo nombró como el “Mejor álbum de 1995”.

La edición en disco compacto del álbum fue dividida en dos CD, titulados “Dawn to Dusk” y “Twilight to Starlight”. La edición en disco de vinilo fue dividida en seis lados, titulados “Dawn”, “Tea Time”, “Dusk”, “Twilight”, “Midnight” y “Starlight”, e incluyó dos canciones adicionales (“Tonite Reprise” e “Infinite Sadness”), además de poseer una lista de canciones completamente diferente en cuanto a orden, respecto a las ediciones en disco compacto y casete.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas de Billy Corgan, excepto “Take Me Down”: James Iha, y “Farewell and Goodnight”: Corgan/Iha)

Dawn

01. «Mellon Collie and the Infinite Sadness» – 2:52
02. «Tonight, Tonight» – 4:14
03. «Thirty-Three» – 4:10
04. «In the Arms of Sleep» – 4:12
05. «Take Me Down» – 2:52

 

 

Tea Time

06. «Jellybelly» – 3:01
07. «Bodies» – 4:12
08. «To Forgive» – 4:17
09. «Here Is No Why» – 3:45
10. «Porcelina of the Vast Oceans» – 9:21

 

 

Dusk

11. «Bullet with Butterfly Wings» – 4:18
12. «Thru the Eyes of Ruby» – 7:38
13. «Muzzle» – 3:44
14. «Galapogos» – 4:47
15. «Tales of a Scorched Earth» – 3:46

 

 

Twilight

16. «1979» – 4:25
17. «Beautiful» – 4:18
18. «Cupid de Locke» – 2:50
19. «By Starlight» – 4:48
20. «We Only Come Out at Night» – 4:05

 

 

Midnight

21. «Where Boys Fear to Tread» – 4:22
22. «Zero» – 2:41
23. «Fuck You (An Ode to No One)» – 4:51
24. «Love» – 4:21
25. «X.Y.U.» – 7:07

 

 

Starlight

26. «Stumbleine» – 2:54
27. «Lily (My One and Only)» – 3:31
28. «Tonite Reprise» – 2:40
29. «Farewell and Goodnight» – 4:22
30. «Infinite Sadness» – 4:02

Calidad: 320 Kbps (a 48000 Hz)

 

 

Gracias al compañero David Paioneer por el archivo flac que ripeé a mp3 de máxima calidad.

 

 

 


Pistones – Cien Veces No [MiniLP] (1987)

 

[Ciclo de Rock Ibérico]

 

Los Pistones (nombre extraido de la unión de los nombres de dos de sus grupos favoritos: Sex Pistols y Ramones) se forman hacia 1980 en Madrid en torno a la figura de su cantante, guitarrista y compositor, Ricardo Chirinos, componente también de otra banda, Episodio, y que consigue crear una formación estable con Juan Luis Ambite al bajo, Frank López a los teclados y Ramón López a la batería. Esta formación se presentaría en público por primera vez en 1980 en la sala El Jardín, y pronto comienza a grabar las primeras maquetas, que empiezan a mover por las distintas emisoras de radio, y en las que ya se encontraban canciones como “Los Ramones”, “Nadie” o “Vuelve pronto”. Algunas de ellas se editarían posteriormente en recopilatorios como “4473910” (MR-Ariola, 1983) o “Maquetas” (MR, 1984).

Los Pistones encuentran entonces el apoyo de Paco Martín, el histórico fundador de la compañía Twins, entonces en Fonogram, que apadrina al grupo pero no consigue que ninguna discográfica apueste por ellos. Así que decide fundar una compañía independiente, junto con un socio, Julio R. Rodríguez, a la que bautizan con los apellidos de los promotores, MR. Así, se convierten en la primera referencia de este nuevo sello, con el EP “Las Siete Menos Cuarto” (MR, 1982), que incluye cuatro canciones llenas de magia, directas y sencillas, combinando sonidos sesenteros con otras influencias más de la época, con los oídos siempre puestos en los grupos británicos de power pop, como los Jags o los Vapors. El disco funcionó relativamente bien, a pesar de que el sonido dejaba bastante que desear y no hacía justicia a las canciones. Ese mismo año, graban otro de sus pequeños clásicos, el single “Los Ramones” (MR, 1982), completado con una buena canción nuevaolera en la Cara B como “Vuelve pronto”.

En 1983, con la compra de MR por Ariola, se toma la decisión, por fin, de editarles el ansiado LP. Antes, y como aperitivo, convencidos del potencial comercial de la canción “El pistolero”, deciden sacarla en single acompañada de una nueva versión de su clásico “Metadona”. Ambas canciones se incluirían en su LP “Persecución” (MR-Ariola, 1983). Con la entrada de Fabián Jolivet en la batería, Los Pistones comienzan a trabajar en las nuevas canciones. Fabián, músico profesional con conocimientos de producción, asume como primera preocupación la de mejorar el sonido, con ayuda del productor del trabajo, Ariel Rot, y el ingeniero Peter McNamee.

Ricardo Chirinos es llamado a filas y los Pistones ven su carrera frenada en seco, cuando estaban en plena cima. Ya nunca recuperarían su popularidad. Después de este parón, que dura tres años, los Pistones entran a grabar un nuevo disco, publicado ya por Ariola, y de nuevo producido por Ariel Rot: “Canciones de Lustre” (Ariola, 1986), del que destaca su famoso tema “Que el Sol te dé”. El disco pasa prácticamente desapercibido, con la inestimable ayuda de la compañía, que apenas lo promociona. Por ese motivo, el grupo abandona Ariola y vuelve a reunirse con su principal valedor, Paco Martín, ya en Twins.

En esta compañía, y con la vuelta del batería original, Ramón López, se estrenan con un mini-LP, «Cien Veces No» (Twins, 1987), en el que demuestran de nuevo su gran facilidad para hacer buenas canciones de power pop, como “Amiga Lola”, o baladas como la titular. Pero ya es algo tarde: los gustos han cambiado y el disco pasa de nuevo sin pena ni gloria. Definitivamente desilusionados, los Pistones deciden echar el cierre, poniendo fin -aunque sería de forma momentánea- a su, en muchos momentos, brillante trayectoria.

Fuente: Rafa García-Purriños en LaFonoteca.net

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Maldito el Día» – 4:36
  2. «Del Color del Hollín» – 3:19
  3. «Amiga Lola» – 2:31
  4. «Bajo las Aguas del Río» – 2:44
  5. «Cien Veces No» – 2:59

Calidad: 128 Kbps

 

 

Gracias al blog Sangrespañola por este archivo, aunque el bitrate real es de 128 y no de 192 kbps.

 

 

 


Brighton 64 – Palabras con Sabor [Maxi] (1987)

 

[Ciclo de Rock Ibérico]

 

Uno de los máximos representantes del revival mod en nuestro país fue Brighton 64, encabezado por los hermanos Ricky y Albert Gil. Su afiliación al movimiento era total, como puede observarse en sus referencias -del soul del sello Stax a la obra literaria de Tom Wolffe-, su estética -que combinaban con un toque nuevaolero- y su arte gráfico.

Brighton 64 iniciaron su andadura en Barcelona a principios de los años 80. Junto a los hermanos Gil formaron parte de la banda en esos primeros días un buen montón de músicos que pasaron fugazmente por su historia, algunos incluso sin llegar a grabar nada. De entre ellos destaca Daniel Paradell (más conocido como Daniel Cros), que fuera su primer cantante y vocalista, pero que únicamente participó en algunos bolos.

De este modo, no tarda en llegar la primera grabación, el EP “Barcelona Blues” (Flor y Nata, 1983), en cuya grabación también participaron Toni a la batería y Carles Nadal a la guitarra, y que tuvo una acogida muy aceptable. Sin embargo, la conga continúa y Carles queda fuera. Los hermanos Gil montan una banda paralela, Los Novios, en la que junto a la vocalista, María Rodríguez-Rey (Los Amantes de María; más adelante hará coros para los Brighton 64), toca la batería Andreu Verdú (Killwatts, Kamenbert) y que se incorpora al primer grupo para grabar su siguiente trabajo a finales de ese mismo año, el sencillo “Deja de Tocar a Mi Chica” (Flor y nata, 1983), aunque pocos meses después abandonó ambas formaciones.

Es entonces cuando Tino Pebralbo se incorpora al grupo para dar paso a la formación “clásica” y estable del grupo, la que grabó “Haz el Amor” (Twins, 1985), primer LP -o mini-LP, según fuente- de Brighton 64, que se grabó en los estudios Tramontana de Madrid, los cuales no estaban dedicados a la grabación musical sino al doblaje cinematográfico. La obra sale adelante, incorporando sección de vientos y con portada tomada de uno de los grandes desnudos americanos de Tom Wesselmann. Para este disco, Brighton 64 ya tiene perfectamente definido su sonido, que gana enteros con la incorporación de Toni Peralbo y que les da consistencia y uniformidad. En ese sentido, y a pesar de los casi dos años mediados desde su anterior grabación, el estilo no ha cambiado nada, pero se ha enriquecido.

Aunque Brighton 64 no estuvieron metidos en ella, lo cierto es que La Movida empieza a quedar lejana y desfasada, y a mediados de los 80 se impone un nuevo revival buenrrollero que coloca a los Brighton 64 como relevantes. Con toda esa excitación en el aire, el grupo lanza el EP “La Casa de la Bomba” (EMI, 1986), anticipo del LP “El Problema Es la Edad” (EMI, 1987) y en el que Jordi Fontich aparece ya a los teclados. Brighton 64 habían dado el salto a una gran multinacional, y esto conlleva ciertos pros y contras. Lo bueno era mejores medios, así como una mayor difusión y promoción, con videoclips y todo, siendo estos sus trabajos más conocidos -en ambos figura “La casa de la bomba”, una de sus más significativas composiciones-; lo malo, las altas expectativas de la compañía. Estas no se vieron cubiertas y a finales de año el grupo estaba fuera de la misma.

Extraído también de su segundo LP “El Problema Es la Edad”, se lanza «Palabras con Sabor» en 1987 en dos formatos: sencillo, con “Mala Señal” en su lado B, y maxi, que incluye además su tema inédito “Semidirecto a Torrello”.

 

Fuente: Andrés Arévalo en LaFonoteca.net / Zonde

 

 

Lista de canciones:

  1. «Palabras con Sabor» (Albert Gil) – 3:33
  2. «Mala Señal» (Albert Gil, Ricard Gil) – 2:58
  3. «Semidirecto a Torrello» (Albert Gil) – 1:34

Calidad: 160-192 Kbps

 

 

Gracias al blog Sangrespañola por este archivo.

 

 

 

 


The Cure – Faith [1981-Reed.1985]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

The Cure es una banda inglesa de rock alternativo y post punk formada en 1976 en Crawley, Inglaterra. Su trayectoria musical se inició a finales de los años setenta y principios de los ochenta, alcanzando la cota más alta de popularidad a principios de los noventa. Ha sido considerado uno de los grupos referentes del rock alternativo, la new wave, el rock gótico y el post punk, influenciaron a bandas del panorama indie como Mogwai o Interpol y, a su vez, estuvieron influenciados por la escena shoegaze inglesa por grupos como My Bloody Valentine. Hasta 2013, The Cure ha editado trece álbumes de estudio, treinta y cuatro sencillos y numerosos recopilatorios y reediciones, vendiendo en su carrera musical alrededor de 30 millones de discos en todo el mundo. The Cure fue nominado en 1993 y en 2001 al Grammy en la categoría de mejor disco de música alternativa.

En su primera etapa musical, The Cure desarrolló un estilo propio dentro de la corriente del post-punk. Fue considerado un grupo del culto dentro de la corriente del rock gótico —en inglés llamada dark wave— durante la primera mitad de los años ochenta. Alcanzaron altas cuotas de popularidad en Inglaterra gracias a su sencillo “A Forest”, perteneciente a su segundo trabajo “Seventeen Seconds” de 1980, el cual se posicionó en el puesto 31 de las listas de éxitos.

En 1981, la banda se reunió de nuevo con Mike Hedges, productor de “Seventeen Seconds”, para grabar su siguiente álbum, «Faith», que reincidió en la introspección y en la atmósfera contenida en su anterior disco. El tercer trabajo de la banda fue grabado entre septiembre y noviembre de 1980 y entre febrero y marzo de 1981 en los Estudios Morgan (estudio 1) de Londres, siendo editado en abril de 1981 por Fiction Records y Polydor Records.

“Faith” fue considerado un álbum de culto dentro del llamado rock gótico por su carácter depresivo y por sus letras existenciales. Junto con el anterior “Seventeen Seconds” y el posterior “Pornography”, “Faith” es el segundo movimiento de la llamada “trilogía clásica”, cuyos álbumes están continuados entre sí.

La temática principal del álbum fue el cada vez mayor agnosticismo que sintió Robert Smith —cuya infancia estuvo fuertemente marcada por un adoctrinamiento católico— y su progresiva falta de fe. Otro de los temas secundarios de “Faith” fue la añoranza de la infancia perdida, con referencias claras en las letras de “The holy hour” o “Primary”, y en citas del propio Robert Smith pertenecientes a aquella época: «Tenía 21 años, pero me sentía realmente viejo. Sentí que la vida había perdido sentido. No tenía fe en nada. No veía demasiado sentido en continuar con mi vida».

“Faith” es el primer disco de The Cure en incluir la guitarra barítona/bajo de seis cuerdas. La portada del álbum la compone una foto de la abadía de Bolton en la niebla, lugar que Smith solía frecuentar en pequeño. Desde su publicación en 1981, “Faith” ha ido ganando peso dentro de la discografía de The Cure, erigiéndose como uno de los más importantes de su carrera. “Faith” es también, por su contexto histórico, el máximo deudor del celebrado “Closer” del grupo post-punk, Joy Division.

El álbum alcanzó el puesto 14 en las listas británicas en 1981, siendo certificado disco de plata. En Nueva Zelanda alcanzó el nº 1. Como adelanto del álbum, se editó en sencillo “Primary” en marzo de 1981. A finales de ese mismo año, The Cure lanzó el sencillo “Charlotte Sometimes”, basado en la novela homónima de Penelope Farmer, no incluido en ningún álbum de estudio de la banda.

En 1985 fue reeditado en formato CD por el sello Fiction Records y nuevamente en 1988 por Elektra Records. Este archivo corresponde a la primera reedición.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas escritos por Robert Smith y compuestos por Smith/Gallup/Tolhurst)

  1. «The Holy Hour» – 4:25
  2. «Primary» – 3:35
  3. «Other Voices» – 4:28
  4. «All Cats Are Grey» – 5:28
  5. «The Funeral Party» – 4:14
  6. «Doubt» – 3:11
  7. «The Drowning Man» – 4:50
  8. «Faith» – 6:43

Calidad: 320 Kbps (a 48000 Hz)

 

 

Gracias al compañero Jaimolin por el archivo wav que ripeé a mp3 de máxima calidad.

 

 

 

 


Bongos Atómicos – Bongos Atómicos [MiniLp] (1987)

 

[Ciclo de Rock Ibérico]

 

Agrupados a partir de una idea del insigne comentarista musical Rafa Cervera -cuyo retrato puede ser contemplado en la contra de su único minielepé, enarbolando una zanahoria como símbolo de su poderío-, los Bongos Atómicos nacieron en Valencia como réplica elegante y levantina de los B-52’s o Alaska y los Pegamoides. Rosa Elena (voz y coros), Begoña “Kanekalón” (voz y coros), Alberto Tarín (guitarra y teclados) y Rafa Villalba (batería) era la formación titular del grupo.

Su primera maqueta consiguió el primer premio en la segunda edición del concurso Rock de Lux, lo que les llevó a grabar en los míticos estudios Pertegás de Valencia, para el sello Twins, un mini-Lp de cinco temas de nombre homónimo en el año 1987: «Bongos Atómicos», del que su hit más conocido y recordado sería ‘Tarde para Amarte’. Del álbum se extrajeron los singles ‘Uska Dara (Un cuento turco)’ y ‘Tarde para amarte/No empeñes mi visión’. De “Uska Dara”, también se editó un maxi en versión larga.

Durante las sesiones de grabación del disco, contaron con la colaboración de músicos como Nacho Mañó en el bajo (miembro de Presuntos Implicados), Perico Sambeat en el saxo y Vicente Quintana como narrador en ‘Uska dara’. Además, la banda contaba como manager con Rafael “Rafa” Cervera, uno de los críticos musicales más conocidos y respetados en Valencia, que incluso aparece en la contraportada del disco.

A pesar de todo, no lograron ser comprendidos por el público, la crítica ni su discográfica, más ocupada en esos momentos en cosas como el pop adolescente nacional o el nuevo rock americano. El grupo se disolvió, pero antes, les dió tiempo a grabar, para el recopilatorio “Un Poc de Rock”, editado por el sello Xiu-Xiu Records y producido también por Esteban Leivas, un último tema en el que jugaban con su propio nombre ‘Bon gos. Atomic os’ (traducido: buen perro, atómico hueso). El tema contó con el aporte de Remigi Palmero y Andreas Kalcker. El compilatorio fue grabado junto a otras cinco bandas valencianas como Karmas Kolectivos o Morcillo El Bellaco y Los Rítmicos.

Rafa Villalba (batería) y Alberto Tarín (guitarras y teclados) acabaron militando en Seguridad Social, mientras que las vocalistas Rosa Elena y Kanekalón, desaparecieron del mapa musical.

Fuente: Nueva Ola 80 / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Uska Dara (Un Cuento Turco)» – 4:08
  2. «Tarde para Amarte» – 3:19
  3. «Nunca Debimos Llegar Juntos tan Lejos» – 4:10
  4. «Puede Resultar Divertido» – 4:07
  5. «No Empeñes Mi Visón» – 3:05

Calidad: 192-256 Kbps

 

 

Gracias al blog Sangrespañola por este archivo.

 

 

 


Brighton 64 – La Casa de la Bomba [Maxi] (1986)

 

[Ciclo de Rock Ibérico]

 

Uno de los máximos representantes del revival mod en nuestro país fue Brighton 64, encabezado por los hermanos Ricky y Albert Gil. Su afiliación al movimiento era total, como puede observarse en sus referencias -del soul del sello Stax a la obra literaria de Tom Wolffe-, su estética -que combinaban con un toque nuevaolero- y su arte gráfico.

Brighton 64 iniciaron su andadura en Barcelona a principios de los años 80. Junto a los hermanos Gil formaron parte de la banda en esos primeros días un buen montón de músicos que pasaron fugazmente por su historia, algunos incluso sin llegar a grabar nada. De entre ellos destaca Daniel Paradell (más conocido como Daniel Cros), que fuera su primer cantante y vocalista, pero que únicamente participó en algunos bolos.

De este modo, no tarda en llegar la primera grabación, el EP “Barcelona Blues” (Flor y Nata, 1983), en cuya grabación también participaron Toni a la batería y Carles Nadal a la guitarra, y que tuvo una acogida muy aceptable. Sin embargo, la conga continúa y Carles queda fuera. Los hermanos Gil montan una banda paralela, Los Novios, en la que junto a la vocalista, María Rodríguez-Rey (Los Amantes de María; más adelante hará coros para los Brighton 64), toca la batería Andreu Verdú (Killwatts, Kamenbert) y que se incorpora al primer grupo para grabar su siguiente trabajo a finales de ese mismo año, el sencillo “Deja de Tocar a Mi Chica” (Flor y nata, 1983), aunque pocos meses después abandonó ambas formaciones.

Es entonces cuando Tino Pebralbo se incorpora al grupo para dar paso a la formación “clásica” y estable del grupo, la que grabó “Haz el Amor” (Twins, 1985), primer LP -o mini-LP, según fuente- de Brighton 64, que se grabó en los estudios Tramontana de Madrid, los cuales no estaban dedicados a la grabación musical sino al doblaje cinematográfico. La obra sale adelante, incorporando sección de vientos y con portada tomada de uno de los grandes desnudos americanos de Tom Wesselmann. Para este disco, Brighton 64 ya tiene perfectamente definido su sonido, que gana enteros con la incorporación de Toni Peralbo y que les da consistencia y uniformidad. En ese sentido, y a pesar de los casi dos años mediados desde su anterior grabación, el estilo no ha cambiado nada, pero se ha enriquecido.

Aunque Brighton 64 no estuvieron metidos en ella, lo cierto es que La Movida empieza a quedar lejana y desfasada, y a mediados de los 80 se impone un nuevo revival buenrrollero que coloca a los Brighton 64 como relevantes. Con toda esa excitación en el aire, el grupo lanza el EP «La Casa de la Bomba» (EMI, 1986), anticipo del LP “El Problema Es la Edad” (EMI, 1987) y en el que Jordi Fontich aparece ya a los teclados. Brighton 64 habían dado el salto a una gran multinacional, y esto conlleva ciertos pros y contras. Lo bueno era mejores medios, así como una mayor difusión y promoción, con videoclips y todo, siendo estos sus trabajos más conocidos -en ambos figura “La casa de la bomba”, una de sus más significativas composiciones-; lo malo, las altas expectativas de la compañía. Estas no se vieron cubiertas y a finales de año el grupo estaba fuera de la misma.

Todas estas canciones volverán a ser incluidas en dicho LP, pero la selección aquí se hace especialmente imponente. “La casa de la bomba” y su estribillo surf se convierte en todo un himno -hasta hay una versión a cargo de El Canto del Loco-; de hecho, el título de su siguiente álbum es un extracto de la letra de esta canción. Ahí también le anda “El mejor cocktail”, que no se refiere a una mezcla alcohólica sino musical cuyo ingrediente esencial es Sam Cooke, golpeado con buenos arreglos de de viento, como ocurre con “La canción del trabajo (bola y cadena)”, otra de sus esenciales. Sí, aquí se recogen de golpe algunos de sus grandes clásicos, por lo que se convierte en esencial.

 

Fuente: Andrés Arévalo en LaFonoteca.net / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «La Casa de la Bomba» (Alberto Gil, Jordi Fontich) – 4:16
  2. «La Canción del Trabajo (Bola y Cadena)» (Nat Adderley, Oscar Brown Jr.) – 2:40
  3. «Llueve en Mi Corazón» (Alberto Gil, Ricardo Gil) – 2:48
  4. «Ojos, Botellas y Traiciones» (Alberto Gil) – 4:00
  5. «El Mejor Cocktail» (Alberto Gil, Ricardo Gil) – 3:24

Calidad: 128 Kbps

 

 

Gracias al blog Sangrespañola por este archivo.

 

 

 

 


Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota – Lobo Suelto, Cordero Atado [1993]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota (o simplemente Los Redondos) fue un grupo argentino de rock, formado en la ciudad de La Plata en 1976 y liderada por Carlos Alberto «Indio» Solari y Eduardo «Skay» Beilinson. En 1978 realizaron su primera presentación en Buenos Aires, con el reconocido guitarrista Conejo Jolivet, quien oficiaba de la primera guitarra, y el tecladista Roddy Castro quien además facilitó su lugar en las míticas salas de ensayo del subsuelo de la Av. Corrientes casi Av. 9 de julio. Posteriormente siguieron tocando en teatros underground hasta 1979, año en el que la banda decidió interrumpir momentáneamente sus shows. En 1981 el grupo retomó el rumbo de los pubs, para llegar a grabar su primer demo profesional en 1982, registradas en RCA en el demo “Demos RCA + Festival Pan Caliente”, que logran una importante difusión en las emisoras FM porteñas.

La banda creó con su música una original estética del rock, alcanzando masividad sin entrar en el circuito cultural oficial; manteniéndose independiente al margen de la industria musical durante sus 25 años de actividad y transformándose en la única banda (junto con La Renga) que, por principios, jamás se apoyó en los medios para difundir su trabajo. En general los recitales eran promovidos por el “boca en boca”. Por este motivo siempre fue una banda que estuvo al margen de festivales, reconocimiento mediático o premiaciones, sólo la Fundación Konex reconoció su trayectoria en 1995 con un Diploma al Mérito y en 2005 con el Premio Konex de Platino a la mejor banda de rock de la década, compartido con Divididos.

Considerada como una de las bandas más importantes del rock argentino y una de las más influyentes del rock en castellano, su obra siempre estuvo marcada por las metáforas en sus letras, la cultura, el vanguardismo en su puesta en escena y un imperante misticismo en sus obras gráficas. Representa un paradigma contracultural, reforzado y marcado por su producción independiente. Su influencia se ve en bandas como La Renga, Callejeros, Los Piojos, Los Gardelitos, Salta la Banca, El Bordo, La Beriso, Las Pastillas del Abuelo o Árbol.

Musicalmente, se destacan por sus instrumentales sumamente creativos, por una primera guitarra siempre presente ―ejecutando riffs y solos― en combinación con la voz y con agregados de otros instrumentos, tales como el saxofón, el violín, la trompeta, el piano, la armónica o percusión en varias de sus canciones.

Su primer álbum de estudio, “Gulp!”, mezclado en los estudios MIA con Lito Vitale como operador y músico invitado, fue editado por el sello Wormo en 1985 con distribución comercial que corrió por cuenta de Carmen Castro (la “Negra Poly”) quien desde sus inicios fue la mánager del grupo. “Oktubre” fue su segundo álbum de estudio, publicado en 1986 por el sello discográfico Wormo. El trabajo terminó de lanzarlos a la masividad. Destaca el tema “Ji ji ji”, catalogado popularmente como «el pogo más grande del mundo» (en alusión al fervor que la canción genera en los espectadores cuando es tocada en vivo), y ocupa el quinto lugar en una encuesta realizada por la revista Rolling Stone, acerca de las 100 canciones más destacadas del Rock Nacional Argentino. En 2007, la versión argentina de la revista Rolling Stone situó a “Oktubre” en el puesto n.º 4 en su lista de Los 100 mejores álbumes del rock argentino.

“Un Baión para el Ojo Idiota” es su tercer álbum de estudio, editado en 1988 por Wormo y más tarde por el sello del grupo Del Cielito Records. La totalidad de los temas son clásicos del rock argentino, y algunos virtuales himnos, como “Todo un palo” o “Vamos las bandas”. El cuarto álbum de estudio del grupo, “¡Bang! ¡Bang!, Estás Liquidado”, fue editado en 1989 por el sello del grupo Del Cielito Records y más tarde en formato CD por el sello del grupo reconstituido en Patricio Rey Discos. La edición argentina de la revista Rolling Stone lo ubicó en el puesto 33° entre los 100 mejores discos del rock nacional. “La Mosca y La Sopa” es el quinto álbum de estudio de la banda, publicado en 1991 por el sello Del Cielito Records. Es uno de los álbumes emblema de la banda junto a “Oktubre”, con éxitos como “Blues de la Artillería”, “Mi Perro Dinamita”, “Salando las Heridas” y “El Pibe de los Astilleros”. El álbum marcó un éxito masivo estando varios meses en los primeros puestos de las radios argentinas.

“En Directo” es un álbum en vivo de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, editado en 1992 por el sello Del Cielito Records. Es considerado como el álbum “pirata oficial” de la banda y fue el primero en ser masterizado en Estados Unidos de Norteamérica. Recoge los fragmentos más destacados de los conciertos brindados durante los recitales en el Teatro de Verano de Montevideo (Uruguay) el 8 de diciembre de 1989 y en el mítico Estadio Obras Sanitarias de Buenos Aires el 29 de diciembre de 1991.

«Lobo Suelto, Cordero Atado», sexto álbum de estudio y séptimo oficial de la banda, se trata en realidad de dos álbumes temáticos sobre Lupus el Lobo y de Rulo el Cordero, con distintas canciones y portadas totalmente opuestas. Ambos fueron grabados entre marzo y julio de 1993 en los estudios Del Cielito y editados el día 4 de diciembre de 1993 por el sello Del Cielito Records. Es el primer – y único – álbum doble del grupo. El arte de tapa estuvo a cargo de Rocambole en el vol. 1 y del bajista Semilla Bucciarelli en el vol. 2.

Si bien las grabaciones se realizaron en Argentina, en los estudios Del Cielito, una visita del productor Gustavo Gauvry y el técnico de sonido Mario Breuer a Estados Unidos de Norteamérica desembocó en la posibilidad de realizar la masterización de “Lobo Suelto, Cordero Atado” en aquel país, hecho que, en medio de la persistente búsqueda de sonido por parte de la banda, no pudo ser más oportuno. Siguieron algunos viajes, y la concreción de la mezcla se efectuó en un estudio de Miami y luego fue completada en Los Ángeles.

Temas destacados del doble disco son “Rock para el Negro Atila”, “Yo Caníbal”, “Caña Seca y un Membrillo” y “Un ángel para tu soledad”, presentando un rock más dinámico con ciertas innovaciones que mejoraban la calidad del sonido del álbum. Se incluyen también canciones experimentales como “Invocación”, “Capricho magyar” y “Soga de Caín”. Como curiosidad, la canción “¡Es hora de levantarse, querido! (¿dormiste bien?)” está dedicada al periodista de Página/12 Carlos Polimeni, quién acusó al Indio Solari de haber sido profesor de educación física en un colegio militar. Solari respondió diciendo “La única gimnasia que he hecho, ha sido destapar botellas”.

La presentación del álbum se realizó en el estadio de Huracán en dos fechas separadas, una dedicada íntegramente a “Lobo Suelto” (19 de noviembre de 1993) y otra a “Cordero Atado” (20 de noviembre de 1993), en estos recitales tuvieron varios invitados, entre ellos el coro femenino Las Blacanblus, y también volvió a la banda un ex integrante de los primeros tiempos, Conejo Jolivet; él cual también participó en varios shows de 1994 y 1995, luego regresó más tarde en 1998 en los dos recitales de Racing Club de Avellaneda, donde presentaron “Último Bondi a Finisterre” y donde Conejo toca en casi la totalidad de los temas.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas compuestos por Beilinson/Solari)

CD 1:

  1.  «Invocación» – 1:00
  2.  «Rock para el Negro Atila» – 4:00
  3. «Sorpresa de Shangai» – 3:40
  4. «Shopping Disco-Zen» – 2:48
  5. «Un Ángel para Tu Soledad» – 3:52
  6. «Buenas Noticias» – 3:44
  7. «Susanita» – 3:44
  8. «Capricho Magyar» (Instrumental) – 0:58
  9. «Espejismo» – 5:34
  10. «Gran Ley» – 3:30
  11. «La Hija del Fletero» – 3:16
  12. «El Lobo Caído» – 3:36
  13. «Sushi» (Instrumental) – 1:06

 

 

CD 2:

  1. «Yo Caníbal» – 2:58
  2. «Ladrón de Mi Cerebro» – 3:35
  3. «¡Es Hora de Levantarse, Querido! (¿Dormiste Bien?)» – 3:36
  4. «Perdiendo el Tiempo» – 3:52
  5. «Caña Seca y un Membrillo» – 4:28
  6. «Soga de Caín» (Instrumental) – 1:20
  7. «Lavi-Rap» – 4:12
  8. «El Arte del Buen Comer» – 4:37
  9. «¡Lobo, ¿Estás?!» – 3:02
  10. «Botija Rapado» – 2:49
  11. «San Telmo» (Instrumental) – 0:43
  12. «Etiqueta Negra» – 5:39
Calidad: FLAC

 

 

 


The Clash – Cut the Crap [1985]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

The Clash fue una banda británica de punk que estuvo activa entre 1976 y 1986. El grupo fue uno de los más importantes e icónicos de la primera ola del punk originada a fines de los años 70 y, a diferencia de la mayoría de las bandas punk que se caracterizaban por su simplicidad musical, incorporó reggae, rock, rockabilly, ska, jazz y dub entre otros variados estilos en su repertorio. The Clash llegó a ser una banda muy influyente en la música mundial.

Sumado a esto, The Clash exhibió una intencionalidad política en sus letras que con el tiempo se convertiría en su característica distintiva fundamental. El idealismo expresado en las composiciones de Joe Strummer y Mick Jones contrastó con el nihilismo de los Sex Pistols y la sencillez de Ramones, las otras bandas emblemas del punk en la época. Aunque su éxito en el Reino Unido fue inmediato, la banda no se ganó al público estadounidense hasta los años 80.

En 2003 fueron incluidos en el Salón de la Fama del Rock situado en Ohio, Estados Unidos de Norteamérica. Un año más tarde, Rolling Stone los incluyó en la posición n.º 28 de “The Immortals”.

«Cut the Crap» fue el último álbum de la banda británica The Clash, grabado en Munich (Alemania) y mezclado en Mayfair, Londres, entre enero y marzo de 1985, con producción de Joe Strummer y Bernie Rhodes, y editado en noviembre de 1985 por Epic Records, ya sin las presencias de Mick Jones y Topper Headon. El arte de portada fue realizado por Julian Balme y la fotografía trasera fue de Mike Laye.

La recepción crítica y comercial del disco fue muy negativa, con la excepción parcial del sencillo “This Is England”. Las ausencias de Jones y Headon, este último expulsado por su adicción a la heroína, llevaron al convencimiento general de que “Cut the Crap” fue un álbum solista de Strummer. Sin embargo, en esencia fue la intromisión del mánager Bernie Rhodes en la producción y composición de la gran mayoría de los temas, agregando sintetizadores y cajas de ritmos, lo que generó el declive pronunciado a nivel calidad. De hecho, poco después de su emisión Strummer, y con el tiempo el resto de la banda, decidió no reconocer el álbum como propio, por lo cual ni siquiera es mencionado en el documental Westway to the World.

“This Is England” fue la única canción incluida en el compilado “The Essential Clash”, mientras que ninguna fue incluida en “Clash on Broadway”. A pesar de esto, en enero de 2000 el LP fue remasterizado y re-emitido junto a toda la discografía de la banda.

Las sesiones de grabación para “Cut the Crap” fueron caóticas, con Bernie Rhodes y Strummer trabajando separados del resto de los miembros en Múnich, Alemania. La mayoría de las partes fueron grabadas por diferentes músicos en sesiones de grabación, mientras que Sheppard y White solo viajaron para llenar algunas partes de guitarra. Luego de luchar con Rhodes por el control de la banda, Strummer declinó su participación en el proyecto regresando a Londres poco después.

Poco después, luego de un show en Atenas, Strummer viajó a España para aclarar sus ideas con respecto al futuro. Al regresar disolvió la banda.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas compuestos por Bernard Rhodes y Joe Strummer)

  1. «Dictator» – 3:01
  2. «Dirty Punk» – 3:12
  3. «We Are The Clash» – 3:01
  4. «Are You Red..Y» – 3:02
  5. «Cool Under Heat» – 3:21
  6. «Movers and Shakers» – 3:03
  7. «This Is England» – 3:52
  8. «Three Card Trick» – 3:11
  9. «Play to Win» – 3:09
  10. «Fingerpoppin’» – 3:25
  11. «North and South» – 3:32
  12. «Life Is Wild» – 2:40

Calidad: 320 Kbps (a 48000 Hz)

 

Gracias a la compañera Minie por el archivo wav que ripeé a mp3 de máxima calidad.

 

 

 


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