Ciclos y Neurastenias en un mundo cruel

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PVP – Donde se Pierde la Luz [MiniLP] (1985)

 

[Ciclo de Rock Ibérico]

 

PVP fue un grupo madrileño de punk rock con influencias new wave. El nombre del grupo corresponde a las siglas de Precio de Venta al Público, referencia a la sociedad consumista. Publicaron cuatro LPs, de los cuales el más apreciado y buscado es el primero, “Miedo” (1982). Después del cuarto, publicado en 1987, el grupo desapareció. A menudo fueron denominados “los Clash madrileños”. Nunca alcanzaron un gran éxito comercial, pero sí prestigio entre el público y la prensa especializada.

Formado en 1980 (la época de la famosa movida Madrileña) por cuatro jóvenes madrileños, cuyos nombres, casualmente, comenzaban todos por la letra J (Juanjo Valmorisco era el eje de este grupo junto a José, Jesús y Jorge), lo que hizo que también se les conociera como “las cuatro jotas”, como una cancion de su segundo álbum.

Contratados por el sello DRO-Tres Cipreses, que para 1985 se había convertido en una fuerza mayor de la industria discográfica española, PVP grabaron en ese año un tercer trabajo, en este caso un miniLP que se tituló «Donde se Pierde la Luz» y salió en otoño de 1985. El álbum fue grabado y mezclado en los estudios Doublewtronics en agosto de 1985, con Jesús N. Gómez como ingeniero y productor. La portada, por la iluminación y la indumentaria con que aparecía retratado el grupo, sugería que se trataba de un grupo de funk comercial al estilo de mediados de los años 1980. El diseño de carpeta fue obra de Ernesto Pedalino y Manolo Valmorisco.

Dos sencillos se extrajeron del disco: “Dioses en las Sábanas» (en cuya portada el grupo presenta, a cambio, una imagen parecida a los Clash de “Sandinista!”) y “Un, dos… muévanse!”. A diferencia de los dos primeros álbumes, las críticas recibidas no fueron positivas en esta ocasión. La reseña de Ruta 66, fue especialmente dura, salvando únicamente la canción “Dioses en las Sábanas”, cuyo estilo recuerda, según el crítico (L. Montes), a The Psychedelic Furs.​ Con similar criterio, la web NacionalPop.com describía en los años 2000 el contenido de este disco como “un resultado bastante flojo y un poco infame”.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «1,2… Muévanse» – 3:39
  2. «Oh, Fabrice!» – 2:48
  3. «Sí o No?» – 3:18
  4. «Todo el Mundo Quiere Más» – 3:13
  5. «Ven con Cuidado» – 3:11
  6. «Dioses en las Sábanas» – 3:21

Calidad: 192 Kbps

 

Gracias al blog Sangrespañola por este archivo.

 

 

 

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The Stranglers ‎– Paradise (Maxi) [1983]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

The Stranglers es una banda de rock del Reino Unido formada en 1974 originalmente con el nombre de “The Guildford Stranglers” y se les considera como una de las precursoras del punk, pero más por sus actitudes que por la similitud musical, ya que han explorado multitud de estilos. La banda dio sus primeros pasos en los circuitos de pub rock y finalmente alcanzó la categoría de grupo de mainstream con un notable éxito comercial, especialmente en el Reino Unido y el resto de Europa. En aquél han conseguido que 17 de sus álbumes y 23 de sus sencillos hayan entrado en las listas del Top 40.

El grupo comienza su carrera con el nombre de Guildford Stranglers en Chiddington, una localidad cercana a Guildford (condado de Surrey, Inglaterra) en 1974, con Brian Duffy, nombre real de Jet Black, batería de la banda, el cantante y guitarrista Hugh Cornwell, el bajista y también vocalista Jean Jacques Burnel, y el guitarrista, teclista y cantante Hans Wärmling, los miembros de la primera formación, aunque este último, procedente de Suecia, fue pronto reemplazado en los teclados por Dave Greenfield y regresó a su país tras abandonar el grupo.

En diciembre de 1976 United Artists les ofreció 40.000 libras esterlinas por un contrato en exclusiva. Stranglers aceptaron y en febrero de 1977 grababan su primer single, titulado ‘(Get a) Grip (on yourself)’, que llegó al número 4 de las listas de éxitos británicas. Un par de meses después apareció el álbum debut “Rattus Norvegicus”, que fue aclamado por el público. Con estas primeras canciones el grupo supo imponerse. En sus letras se metían con todo: con el punk convencional y con el modo de hacer y de decir las cosas en aquel tiempo. Por ciertas durísimas palabras dirigidas a las mujeres y al feminismo fueron acusados de misoginia. La selecta ideología del grupo se sustentaba sobre una música refinada, rica en matices y en sonoridad, netamente superior a la producción media de aquel período.

El grupo, muy prolífico, editó en septiembre de 1977 (cinco meses después de su debut en larga duración) su segundo álbum, “No More Heroes”, que llegó al segundo puesto de las listas de éxitos, mientras que el single homónimo entró en el Top 10, confirmando su fortuna comercial. En el transcurso de sólo dos años Stranglers habían conquistado un papel relevante en la escena británica, por encima de los demás grupos punk. Sus actuaciones en vivo eran duras, agresivas, descaradas, mientras que sus discos mostraban cada vez un mayor refinamiento.

El tercer álbum, “Black and White” (1978), fue la señal del cambio: en él, los Stranglers, cada vez más distanciados del punk, se muestran originales y autónomos. Dividido en dos caras, una blanca y la otra negra, el álbum es contradictorio: los músicos hurgan en llagas como la xenofobia y el resurgimiento fascista. El disco rozó la cúspide de la lista de éxitos. Tras el álbum en directo “Live (x cert)”, de marzo de 1979, en octubre del mismo año apareció “The Raven”, en el que el viejo sonido del órgano de Greenfield era sustituido por sintetizadores.

En febrero de 1981, publicaron “The Gospel According to The Meninblack”, un álbum-concepto de fuertes sentimientos religiosos. Y en noviembre de ese mismo año apareció “La Folie”, el primero de sus álbumes en el cual se deja sentir el viento del nuevo decenio, los años ochenta, y que cierra definitivamente su período punk. En este punto Stranglers son una banda de rock a todos los efectos. Los años transcurridos han marcado su evolución hacia una música más tranquila, que encuentra su exaltación en el álbum “Feline” (1982), que contiene el éxito ‘The european female’ y señala su paso a la compañía Epic. Stranglers graba el óptimo “Aural Sculpture” en 1984, que confirmó su tendencia hacia un sonido compacto con canciones pegadizas, pero sin caer nunca en lo banal.

El maxi «Paradise» es el tercer corta duración extraído del álbum “Feline” de la banda inglesa The Stranglers, grabado y producido por Steve Churchyard y el propio grupo en ICP Studios de Bruselas (Bélgica) en diciembre de 1982, y editado en julio de 1983 por el sello discográfico Epic. Los dos temas de la cara B no aparecían en el disco original, aunque sí fueron incorporadas en la reedición en CD de 2001.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas de The Stranglers)
 

  1. «Paradise» – 3:49
  2. «Pãwshēr» – 4:55
  3. «Permission» – 4:52

Calidad: 200 Kbps

 

 

Gracias al compañero 240 por este archivo.

 

 

 


Los Secretos – Lo Mejor (1984-Reed.1989)

 

[Ciclo de Rock Ibérico]

 

Los Secretos se forman en Madrid hacía 1978 por los hermanos Urquijo (Javier, Enrique y Álvaro). Realmente de 1978 a 1980 aún se llamaban Tos, pero eran en esencia y sonido la antesala de lo que serían Los Secretos. En abril de 1980 suceden tres acontecimientos clave: cambian el nombre definitivo a Secretos, reciben varias ofertas discográficas y, sobre todo, encuentran al batería y vocalista Pedro Antonio Díaz, músico de gran calidad. Entre las varias ofertas recibidas se deciden por Polydor que es la que les ofrecía más independencia artística.

Su carta de presentación fue el EP “Los Secretos” (Polydor, 1980), seguido de su primer LP homónimo, que sale a la calle antes del verano de 1981, y reeditado más tarde como “Ojos de Perdida”. Ejemplos de power-pop potente y acelerado, con baterías precisas y guitarras brillantes. Por primera vez en muchos años oímos en el pop español guitarras eléctricas de doce cuerdas, algo muy típico del sonido de Los Secretos. Le seguirán “Todo Sigue Igual” (Polydor, 1982), “Algo Más” (Polydor, 1983) y “Lo Mejor” (Polydor, 1984), lo que pondrá fin a su etapa con su actual discográfica, provocando que estén a punto de desaparecer: a contracorriente y muy criticados en la época, la discógrafica habia dejado de confiar en ellos y tras realizar una nula promoción, sus discos se descatalogan.

Tras el verano de 1984 Polydor publica el recopilatorio «Lo Mejor» (Polydor, 1984), y reedita su primer LP, que prácticamente siempre estará en las tiendas desde entonces. La valoración del disco nada tiene que ver con su contenido, que es excelente, sino más bien con la política de la compañía. Este disco se publicó en septiembre de 1984, y simultáneamente a esto Polydor, que ya no tiene a Los Secretos entre sus filas, descataloga (hasta el 2005, ni más ni menos) “Todo Sigue Igual” (Polydor, 1982) y “Algo Más” (Polydor, 1983). En su lugar, se publica este disco, con una cortísima tirada pero un carísimo precio para la época.

Sí se reedita a precio popular el primer álbum, simultáneamente a este recopilatorio, en el que se recicla la portada del primer EP. La edición de este disco coincide con la peor época de Los Secretos: muerte de Pedro, abandono definitivo del grupo de Javier, sin compañía discográfica… A pesar de todo, en 1984 siguen adelante con Enrique pasándose a la guitarra junto a Javier, y hacen algunos bolos con el bajista y batería de Suburbano.

En cuanto a la selección de temas, es buena pero con poca fantasía, pues se echa mano a lo que publicaron como single, dejando fuera joyas como “Hoy no”, por citar un ejemplo. Como curiosidad decir que el disco se ha convertido en una pieza de colección que buscan con fervor los completistas de la discografía de Los Secretos.

Fuente: José Florido Colorado en LaFonoteca.net

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Déjame» – 2:37
  2. «Sobre un Vidrio Mojado» – 2:23
  3. «Todo por Nada» – 3:34
  4. «Problemas» – 3:10
  5. «Algo Más» – 3:21
  6. «Ojos de Perdida» – 2:34
  7. «Ráfagas» – 3:13
  8. «Qué Puedo Hacer Yo» – 2:58
  9. «Todo Sigue Igual» – 2:19
  10. «No Me Imagino» – 3:29

Calidad: FLAC

 

 

 


Pink Floyd – The Final Cut [1983]

[Resubida Mejorada]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

Pink Floyd es una banda de rock británica, considerada un icono cultural del rock del siglo xx y una de las bandas más influyentes en la historia de la música, que obtuvo gran popularidad gracias a su música psicodélica que evolucionó hacia el rock progresivo con el paso del tiempo. Es conocido por sus canciones de alto contenido filosófico, la experimentación sónica, las innovadoras portadas de sus discos y sus elaborados espectáculos en vivo. Sus ventas sobrepasan los más de 300 millones de álbumes vendidos en todo el mundo.

Pink Floyd comenzó con gran éxito en la escena underground londinense a finales de los años sesenta, con Syd Barrett como principal compositor. La salida de Barrett hizo que el cantante y bajista Roger Waters se convirtiera gradualmente en la fuerza conductora y dominante en la primera mitad de los años setenta, la época de mayor éxito en ventas de la banda, hasta su abandono en 1985. El grupo grabó durante esta época muchos álbumes que se convirtieron en grandes éxitos comerciales, como “The Dark Side of the Moon” (1973), “Wish You Were Here” (1975), “Animals” (1977) y “The Wall” (1979).

Después de 1973, Pink Floyd se distanció de la psicodelia y se convirtió en una banda difícil de clasificar. Los distintos estilos de cada uno de los compositores confluyeron en uno único, que cristalizó en las dos obras más importantes de su discografía, para crítica y público: “The Dark Side of the Moon” (1973) y “Wish You Were Here” (1975). En ambas obras, Gilmour se convirtió en el principal vocalista de la formación, mientras que los coros femeninos y el saxofón de Dick Parry adquirieron especial relevancia. El ambiente de colaboración se había ido enfriando en la época anterior, hasta que Waters tomó el timón compositivo, en el aspecto musical y letrístico, en el disco “The Dark Side of the Moon”. La última colaboración de Wright como vocalista y como compositor se dio en los temas “Time” y “Shine on You Crazy Diamond”, respectivamente, mientras que las aportaciones compositivas de Gilmour descendieron abruptamente hasta que Waters dejó la banda en 1985.

«The Final Cut» —en castellano: El corte final— es el duodécimo álbum de estudio de la banda británica de rock progresivo Pink Floyd. Grabado entre julio y diciembre de 1982 con producción de Roger Waters, se lanzó al mercado en marzo de 1983 a través de la compañía discográfica Harvest Records en el Reino Unido y varias semanas después a través de Columbia Records en Estados Unidos de Norteamérica. Se trata de un álbum conceptual, sin la participación de Rick Wright quien fue despedido por Waters en 1981, y es el último de la banda en contar con la participación de Roger Waters, quien aparece acreditado como compositor y letrista de todas las canciones del disco. La mayoría de ellas cuentan con la voz de Waters como vocalista principal; el guitarrista líder David Gilmour aporta su voz a sólo una de las doce canciones del disco, “Not Now John”.

“The Final Cut” se planeó como banda sonora para la película de 1982 “Pink Floyd The Wall”. Bajo su título inicial “Spare Bricks”, la idea era que contuviese canciones de “The Wall” sin cambios o simplemente regrabadas para la película. Algunos ejemplos incluían “When the Tigers Broke Free” y “Bring the Boys Back Home”. Sin embargo, el bajista, vocalista principal y principal compositor Roger Waters planeaba incluir además material nuevo para expandir la narrativa de “The Wall”. Finalmente se le cambió el nombre a “The Final Cut”, que es una referencia a la obra “Julio César” del dramaturgo inglés William Shakespeare: “This was the most unkindest cut of all”.​ “When the Tigers Broke Free” se lanzó como sencillo el 26 de julio de 1982, con “Bring the Boys Back Home” como Cara B.

Debido a la guerra de las Malvinas, Waters decidió cambiar de dirección y comenzó a componer material nuevo. Siendo un socialista de corazón, vio la respuesta de invasión de la Primera Ministra del Reino Unido Margaret Thatcher como algo innecesario y jingoísta, por lo que decidió dedicar el nuevo álbum – titulado provisionalmente “Requiem for a Post-War Dream”— a su padre, Eric Fletcher Waters (muerto en la Segunda Guerra Mundial). Esta nueva dirección creativa creó una serie de disputas entre Waters y Gilmour. Varias piezas musicales de The Wall, incluyendo “Your Possible Pasts”, “One of the Few”, “The Final Cut” y “The Hero’s Return”, se habían apartado para “Spare Bricks”. A pesar de que Pink Floyd había reutilizado material antiguo en otras ocasiones, Gilmour sentía que no era lo suficientemente bueno para el nuevo disco. Quería componer material nuevo, pero Waters tenía dudas, ya que Gilmour prácticamente no había contribuido con letras en los últimos tiempos.

Recién comenzada la guerra de las Malvinas, Waters la convirtió en una crítica a la guerra, además de tratar lo que él consideraba la traición para con su padre. Repitiendo el estilo de ópera rock de su predecesor, “The Wall” (1979), se grabó en ocho estudios distintos de Inglaterra, entre julio y diciembre de 1982. Al igual que en la mayoría de la discografía de Pink Floyd, se contrataron una gran cantidad de músicos de sesión como colaboradores, aunque la grabación del mismo estuvo dominada por la creciente tensión entre Waters y el resto de la banda, especialmente Gilmour. El diseño artístico corrió a cargo de Waters, reflejando el contenido del álbum. “The Final Cut” llegó a lo más alto de la lista británica de álbumes, aunque recibió críticas mezcladas.

Para acompañar al álbum, se lanzaron 4 cortometrajes llamados: “The Final Cut”. La película, basada en una selección de canciones del disco,​ fue producida por Waters y dirigida por su cuñado Willie Christie. Para su elaboración se usaron cuatro canciones: “The Gunner’s Dream”, “The Final Cut”, “The Fletcher Memorial Home” y “Not Now John”. En ella se ve a Waters contándole sus secretos más íntimos a un psiquiatra llamado A. Parker-Marshall. También aparece en la película Alex McAvoy, quien ya había participado en “Pink Floyd The Wall”.

Después del lanzamiento del álbum cada miembro de la banda se concentró en sus proyectos en solitario, aunque poco después Waters anunció que dejaba el grupo, además de intentar que Gilmour y el batería Nick Mason nunca volviesen a utilizar el nombre de Pink Floyd. Con posterioridad Gilmour ha expresado en varias ocasiones su desagrado con gran parte de “The Final Cut”, muchas veces viéndose como una obra en solitario de Waters. Ninguna de las canciones del disco han sido tocadas en directo por Pink Floyd, aunque algunas sí ha tocado Waters en sus giras en solitario.

En 2004, la remasterización del álbum incluyó el tema “When the Tigers Broke Free” que apareció en “Pink Floyd The Wall” y en el álbum “Echoes: The Best of Pink Floyd”.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas de Roger Waters)
 

  1.  «The Post War Dream» — 3:00
  2.  «Your Possible Pasts» — 4:21
  3. «One of the Few» — 1:25
  4. «The Hero’s Return» — 2:57
  5. «The Gunner’s Dream» — 5:04
  6.  «Paranoid Eyes» — 3:45
  7.  «Get Your Filthy Hands Off My Desert» — 1:18
  8. «The Fletcher Memorial Home» — 4:10
  9. «Southampton Dock» — 2:05
  10. «The Final Cut» — 4:52
  11. «Not Now John» — 5:02
  12. «Two Suns in the Sunset» — 5:17

Calidad: FLAC

 

 

 


Luz Casal – Pequeños y Grandes Éxitos (1996)

 

[Ciclo de Rock Ibérico]

 

María Luz Casal Paz (Boimorto, La Coruña, 11 de noviembre de 1958), conocida artísticamente como Luz Casal, es una cantante gallega de pop-rock, una de las solistas más valoradas de la música popular ibérica. Tras sus éxitos dentro del estado español en los años ochenta, logró fama internacional (especialmente en Francia), sobre todo tras incluirse dos de sus temas en la película Tacones Lejanos, de Pedro Almodóvar. Las ventas de sus discos ascienden a más de 5.000.000 de ejemplares.
 

En 1986 ofrece más de noventa conciertos y actúa en la televisión checoslovaca. En Alemania graba el tema “The water is life”, para una campaña ecologista, con estrellas como David Knopfler, ex componente de Dire Straits y hermano del que fuera su líder, compositor y guitarrista Mark Knopfler.

En 1987 graba un tema a capella con el grupo The Christians para un programa de televisión y en mayo sale su nuevo elepé, «Quiéreme Aunque Te Duela», cuarto álbum de estudio de Luz editado por Serdisco (filial de Zafiro), en el que, menos rockera, se descubre como una gran intérprete de baladas, que serían sus mayores éxitos desde ese momento. Participa en el programa de televisión ¡Qué Noche la de Aquel Año!, presentado por Miguel Ríos, y viaja a México, Venezuela y Nueva York.

Último álbum producido por Carlos Narea y que podríamos definir como el que cierra la primera etapa discográfica de Luz, justamente con el cambio de discográfica. Ella, a lo largo de estos cuatro discos, ha ido manejando una serie de enfoques y perfilando un estilo que aquí empieza a brillar con personalidad propia.

En 1989 publica, ya con su nueva compañía Hispavox, “Luz V”, producido por Paco Trinidad y Chucho Merchán, músico habitual de Eurythmics, y bajo la dirección musical de Enrique Mateu. El disco, que vende 300.000 copias y supone su salto definitivo al éxito, incluye tres de sus temas que desde entonces se han convertido en clásicos, “Loca”, “Te Dejé Marchar” y “No Me Importa Nada”.

En 1991 publica “A Contraluz”, que vende más de 600.000 copias, obteniendo seis discos de platino. En él figura el bolero “Piensa en mí”, de Agustín Lara, que Pedro Almodóvar eligió para su película Tacones Lejanos. Tras el éxito masivo, que la convierte en una estrella europea, especialmente admirada en Francia, Luz se toma un descanso de cuatro años en los estudios de grabación, tiempo en el que se plantea su carrera ante el éxito obtenido con el anterior trabajo. No obstante, sigue actuando en España y América Latina, así como en Francia y otros países europeos, como Alemania. Su siguiente álbum, “Como la Flor Prometida”, se publica en 1995, cuatro años después del anterior. Este nuevo trabajo vende 800.000 copias,​ convirtiéndose en el de más éxito de su carrera.

En 1996 Hispavox publica el recopilatorio «Pequeños y Grandes Éxitos», disco doble que no deja canción destacable de la carrera de Luz sin reeditar. Más adelante, en 2005, se editaría otro de título similar, “Pequeños, Medianos y Grandes Éxitos” (EMI, 2005).

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

CD 1:

  1. «Eres Tú» (J. L. Jiménez, J. A. Laina, L. Casal) – 3:21
  2. «Lo Eres Todo» (C. Santonja, G. Van Aersen) – 3:46
  3. «Flor Prometida» (G. Varona, L. Casal, T. Carmona) – 3:20
  4. «Plantado en Mi Cabeza» (A. Hammond, C. Cortés, H. Knight, L. Casal) – 4:37
  5. «Tal para Cual» (C. Santonja, A. de Cárdenas) – 4:03
  6. «Un Pedazo de Cielo» (L. Casal, P. Sycet, T. Carmona) – 4:57
  7. «Es Mejor que Te Vayas» (D. Summers, L. Casal) – 3:50
  8. «Un Año de Amor» (Testa, Mogol, Ferrer) – 3:19
  9. «Te Dejé Marchar» (D. Mezquita, D. Summers) – 5:22
  10. «El Tren» (C. Cortés, J.L. Campuzano, L. Casal) – 3:56
  11. «Quiéreme Aunque Te Duela» (F. Gª Palacios, J. L. Fdez. Abel, L. Casal) – 4:07
  12. «Deseo en Silencio» (A. Vega, L. Casal, S. Auserón) – 4:27
  13. «Hechizado» (J. L. Fdez. Abel, S. Maillard) – 4:01
  14. «Rufino» (C. Santonja, J. Parsons, S. Maillard) – 4:25
  15. «Detrás de Tu Mirada» (J. Asúa, M. Tena) – 3:15

 

 

CD 2:

  1. «Un Día Marrón» (C. Santonja, A. de Cárdenas) – 4:01
  2. «Negra Sombra» (R. de Castro, J. Montes) – 5:24
  3. «Vengo del Norte» (L. Casal, P. Sycet) – 3:30
  4. «Entre Mis Recuerdos» (A. Hammond, C. Cortés, H. Knight, L. Casal) – 3:33
  5. «Besaré el Suelo» (C. Goñi) – 5:11
  6. «Se Verá» (J. Monforte, L. Casal, P. Trinidad, S. Castillo) – 4:44
  7. «Es Por Ti» (C. Sabater, J. Capdevila, L. Casal, P. Sala) – 4:42
  8. «Piensa en Mí» (A. Lara) – 4:27
  9. «No Me Importa Nada» (G. Varona, M. Rodríguez, P. Varona) – 4:14
  10. «Loca» (L. Casal, P. Sycet, T. Carmona) – 3:50
  11. «A Cada Paso» (C. Santonja, L. Casal, S. Castilla) – 4:35
  12. «Entre la Espada y la Pared» (C. Santonja, S. Maillard) – 3:24
  13. «Jazmín» (L. Casal, J. M. Tena, S. Maillard) – 3:38
  14. «Voy a Por Ti» (C. Santonja, L. Casal, R. Ochoa) – 4:37
  15. «No Aguanto Más» (C. Narea, F. Gª Palacios, J. R. Martínez, L. Casal) – 4:16

Calidad: FLAC

 

 

 


Alan Parsons Project – I Robot (1977-Reed.1984)

 

[Otras Músicas]

 

 

The Alan Parsons Project fue un grupo británico de rock progresivo formado en 1975 en Londres y activo hasta 1990. Liderado por el productor, ingeniero y compositor Alan Parsons y el productor ejecutivo, compositor y vocalista Eric Woolfson, en él participaron varios músicos de estudio y un grupo amplio de cantantes. En conjunto grabaron un total de 11 discos, acreditándose la mayoría de las canciones como Parsons/Woolfson, que lograron vender más de 50.000.000 de copias.

La mayoría de los discos de The Alan Parsons Project son álbumes conceptuales que comienzan con una canción instrumental que se fusiona con la segunda canción. También suele incluir una canción instrumental, en lo que sería el comienzo de la cara B, y finaliza con una canción energética y poderosa o melancólica y de tiempo lento. Una característica destacable es que en cada disco interpretan los temas varios cantantes invitados como Lenny Zakatek, John Miles, Gary Brookers, Chris Rainbow o Colin Blunstone, ejerciendo Eric Woolfson como cantante de manera esporádica. Por contra existe un grupo reducido y bastante estable de músicos de estudio que participaron con regularidad en las grabaciones como el arreglista y director de orquesta Andrew Powell, el guitarrista Ian Bairnson, el bajista y vocalista David Paton o el percusionista Stuart Elliot.

Alan Parsons y Eric Woolfson se conocieron en el verano de 1974 durante unas sesiones de trabajo en los Estudios Abbey Road. En aquel momento Parsons ejercía labores de ingeniero de sonido para Pink Floyd y por su parte Woolfson, letrista y compositor, era músico de estudio y estaba creando un disco inspirado en las obras de Edgar Allan Poe. Fruto de su encuentro decidieron unir sus talentos repartiéndose funciones: Parsons ejercería de productor y realizaría labores de ingeniería de sonido en las canciones compuestas por ambos. Su primera referencia se editó en mayo de 1976 “Tales of Mystery and Imagination”, que se convirtió en un éxito, alcanzando el Top40 de la lista Billboard.

El grupo lanzó diez discos más, con un gran cuidado en la producción y creatividad, como “I Robot” (1977). Gozó de gran popularidad entre 1980 y 1985 con los álbumes “The Turn of a Friendly Card” (1980) o “Eye in the Sky” (1982), “Ammonia Avenue” (1983) y “Vulture Culture” (1984). Algunas de sus canciones más destacadas son “Don’t Answer Me”, “Time”, “Eye in the Sky”, “Lucifer”, “Silence & I” o “Games People Play”. Hasta 2015 se han editado además 14 discos recopilatorios con las canciones de diferentes etapas.

«I Robot» es el segundo álbum de The Alan Parsons Project, grabado y mezclado en los Abbey Road Studios de Londres entre diciembre de 1976 y marzo de 1977, producido por Alan Parsons, y editado en junio de 1977 por Arista Records. En este álbum conceptual, inspirado en el conjunto de relatos cortos “Yo, Robot” del escritor ruso-estadounidense Isaac Asimov, se utilizan extensivamente las nuevas capacidades del sintetizador Moog de los estudios de la EMI, sello que fuese pionero en el uso de tales facilidades en el disco debut del mismo grupo, “Tales of Mystery and Imagination”.

Eric Woolfson realmente habló con Asimov, quien se mostró entusiasmado con la idea. Como ya se habían concedido los derechos a una empresa de televisión/cine, el título del álbum fue alterado ligeramente eliminando la coma, y el tema y las letras fueron hechas para tratar más genéricamente sobre robots en vez de específicas al universo Asimov.

La cubierta interior decía: “I Robot… The story of the rise of the machine and the decline of man, which paradoxically coincided with his discovery of the wheel… and a warning that his brief dominance of this planet will probably end, because man tried to create robot in his own image”. (“Yo Robot… La historia del ascenso de la máquina y el declive del hombre, que paradójicamente coincidió con su descubrimiento de la rueda… y una advertencia de que su breve dominio de este planeta probablemente terminará, porque el hombre trató de crear el robot a su propia imagen.”) El título de la canción final, “Génesis Ch.1 V.32”, sigue este tema por lo que supone una continuación de la historia de la creación, ya que el primer capítulo del Génesis sólo tiene 31 versículos.

Más de 30 años después, el sonido inigualable de la apertura del álbum nos dice que ciertas obras musicales son inmunes al paso del tiempo: “I Robot” podría bien pasar por un álbum grabado en el siglo XXI. Este es quizás, el legado más importante de esos años, el resistir las modas y el paso del tiempo, que es justamente lo que sin duda The Alan Parsons Project quiso lograr. “I Robot” llegó al puesto 9 en la lista Billboard norteamericana.

El álbum fue reeditado en formato CD por primera vez en 1984 por Arista Records en Europa. Este archivo corresponde a esta última reedición.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas compuestos por Alan Parsons y Eric Woolfson, excepto 9: Andrew Powell)
 

  1.  «I Robot» – 6:02
  2.  «I Wouldn’t Want to Be Like You» – 3:22
  3. «Some Other Time» – 4:06
  4. «Breakdown» – 3:50
  5. «Don’t Let It Show» – 4:24
  6. «The Voice» – 5:24
  7. «Nucleus» – 3:31
  8.  «Day After Day (The Show Must Go On)» – 3:49
  9.  «Total Eclipse» – 3:09
  10. «Genesis Ch. 1, V. 32» – 3:28

Calidad: FLAC

 

 

 


Cat Stevens – Teaser & The Firecat (1971-Reed.2004)

 

[Otras Músicas]

 

Yusuf Islam (nacido Steven Demetre Georgiou en Londres, el 21 de julio de 1948) es un músico británico más conocido por su antiguo nombre artístico, Cat Stevens. Hijo de madre sueca y de padre greco-chipriota, cuando tenía 8 años sus padres se separaron pero siguieron conviviendo como familia en la misma casa. Musicalmente es el heredero de una formación clásica pero también del amor por lo popular y por las danzas y canciones folclóricas griegas que escuchaba su padre. Su nombre (Cat Stevens) surgió porque su novia decía que tenía ojos de gato. Logró hacer su primer disco gracias a su hermano, que un día gritó a toda una calle que su hermano tenía gran talento y así lograron su primer contrato en EMI Music.

Con el nombre artístico Cat Stevens vendió millones de discos, especialmente entre los años 1960 y 1970. Sus tempranos álbumes de los 70, “Tea for the Tillerman” y “Teaser and the Firecat”, fueron ambos certificados triple platino en Norteamérica. Su estilo musical es melódico, entre el rock hippie y la balada pop, incluyendo toques folk de influencia tanto británica como griega.

Su álbum “Catch Bull at Four” de 1972 encabezó la lista Billboard 200 por tres semanas y estuvo en el tope de las listas de éxitos en Australia por quince semanas.​ Composiciones como “The First Cut Is the Deepest”, “Father and Son”, “Wild World”, “Peace Train”, “Moonshadow” y “Morning Has Broken” se han convertido en referentes del folk rock y han sido grabadas por una gran cantidad de artistas y bandas.

Después de una experiencia cercana a la muerte, alrededor de 1978, decidió convertirse al islam y abandonar la música. Es entonces cuando adoptó el nombre Yusuf Islam. Muchas de las canciones más famosas de Cat Stevens fueron publicadas en los años previos a su conversión al islam y él es cuidadoso respecto a sus derechos. Por ejemplo no ha permitido que sus canciones se usen en anuncios comerciales.

A sugerencia de Mijaíl Gorbachov le fue otorgado el premio Hombre por la Paz. Sin embargo, desde que dejó el mundo de la música, Yusuf Islam no ha dejado de cantar y grabar canciones religiosas (llamadas anachid). Actualmente sigue participando en conciertos junto con otros artistas con el fin de recaudar fondos para ayuda humanitaria. En 2007 recibió el premio Ivor Novello por su “extraordinaria colección de canciones”. Fue introducido en el Salón de la fama del Rock and Roll en 2014.

«Teaser and the Firecat» es el quinto álbum de estudio del cantautor británico Cat Stevens, grabado entre finales de 1970 e inicios de 1971, con producción de Paul Samwell-Smith, y editado en octubre de 1971 por Island Records. El álbum contiene las canciones “Morning Has Broken”, “Moon Shadow” y “Peace Train”, que lograron radiodifusión y fueron un éxito tanto en Europa como en Norteamérica. El disco fue un éxito comercial, superando en ventas al anterior álbum de Stevens, “Tea for the Tillerman”.

El álbum fue nº 1 en Australia, nº 2 en EUNA y nº 3 en Reino Unido, siendo certificado triple platino en Estados Unidos de Norteamérica y disco de oro en Gran Bretaña. En 2004, el álbum remasterizado fue incluido en la colección del diario El País “Los Discos de Tu Vida” y editado en colaboración con Island Records. Este archivo corresponde a esta reedición.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas compuestos por Cat Stevens, excepto indicado)

  1.   «The Wind» — 1:42
  2.   «RubyLove» — 2:37
  3.   «If I Laugh» — 3:20
  4.   «Changes IV» — 3:33
  5.   «How Can I Tell You» — 4:26
  6.   «Tuesday’s Dead» — 3:36
  7.   «Morning Has Broken» (letra de Eleanor Farjeon) — 3:22
  8.   «Bitterblue» — 3:13
  9.   «Moonshadow» — 2:52
  10.   «Peace Train» — 4:15

Calidad: FLAC

 

 

 


Divididos – Narigón del Siglo [2000]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

Divididos es una banda argentina de rock, fundada en 1988 en Hurlingham (provincia de Buenos Aires) por Ricardo Mollo y Diego Arnedo, ex-integrantes de Sumo, cuando ésta se disolvió por la muerte de su líder, Luca Prodan. En sus trabajos han incursionado en estilos musicales locales como el folklore. Ha sido galardonada en múltiples ocasiones tanto de forma grupal como individual. En el 2011 fue hacedora del Premio Gardel de Oro (la distinción más destacada de la música nacional) en reconocimiento a su exitosa trayectoria, premio que ha sido entregado sólo catorce veces a distintos artistas tales como Charly García, León Gieco, Mercedes Sosa y Gustavo Cerati, entre otros.

Tras la disolución de Sumo debido a la muerte de su cantante Luca Prodan el 22 de diciembre de 1987, el resto de sus integrantes Ricardo Mollo, Diego Arnedo, Roberto Pettinato, Alberto “Superman” Troglio y Germán Daffunchio deciden reflexionar acerca del futuro de la banda. Daffunchio y Timmy Mackern (productor de Sumo y amigo de Luca) vuelven a las sierras cordobesas y el resto de la banda se queda ensayando en una sala de El Palomar. El 5 de marzo de 1988, ya sin Luca Prodan en escena, Sumo se presenta en el Chateau Rock, con Daffunchio, Mollo, Pettinato, Arnedo y Troglio.

Ricardo Mollo (guitarra) y Diego Arnedo (bajo), junto al baterista Gustavo Collado (ex La Sobrecarga) forman «La División» que luego cambiaría de nombre para pasar a ser «Divididos». Ellos se juntan por primera vez en la casa de Poppy Manzanedo, donde vivía Gustavo Collado, Manzanedo fue el primer manager que tuvo Divididos, firmó el contrato con CBS para grabar su primer disco, “40 Dibujos Ahí en el Piso”.

«Narigón del Siglo», titulado originalmente “Narigón del siglo, yo te dejo perfumado en la esquina para siempre”, es el sexto álbum de estudio editado por la banda de rock argentina Divididos, lanzado en el año 2000 por la discográfica BMG.​ El mismo fue grabado en los estudios Abbey Road de Londres y marcaría una etapa de maduración para la banda, además de ser uno de sus discos más populares y aclamados tanto por los fans de la banda como los críticos.

Los dibujos de la portada fueron hechos por el bajista Diego Arnedo y el arte estuvo a cargo del diseñador Alejandro Ros. En cuanto al nombre del trabajo, Ricardo Mollo dijo lo siguiente: “Le pusimos Narigón del siglo porque los que marcaron los 80 y los 90 fueron los narigones, o sea, los mentirosos y los que toman cocaína. Lo de narigón es nuestro símbolo para hablar del vicio y la hipocresía de estos últimos años.”

Varios de sus temas se convertirían en himnos para el grupo. “Casi estatua” con una introducción hindú y una potencia demoledora abre el disco con mucha energía y sirve de aviso para lo que esta por venir, bajando unos desniveles le sigue la acústica “Par mil” uno de los cortes de difusión que más sonó en las radios en ese entonces, a continuación. “Spaghetti del rock”, una canción de amor dedicada a su ex Erica García y un verdadero clásico de Divididos y hasta del rock nacional. Algunos creen que está dedicada a Érica. Otros piensan que esta canción hace referencia a los medios de comunicación y a cómo estos interactúan con el mundo de la música; es decir, cómo los medios ven el beneficio propio a través de los artistas. Una tercera interpretación es que la canción hace referencia a ambos temas, y en especial a un documental sobre la vida de Luca Prodan que la banda no apoyó.

“Narigón del Siglo” recibió buenas críticas en su totalidad y paso a convertirse en uno de los mejores discos de la carrera de “La aplanadora del rock” y de todo el rock nacional de la década pasada. En el año 2007, la revista Rolling Stone de Argentina lo ubicó en el puesto 70.º de su lista de «Los 100 mejores álbumes del rock argentino»,​ aunque ascendió al puesto 69.º en la versión actualizada de la lista en 2013. Además la canción “Spaghetti del rock” fue elegida como la mejor de la década en una encuesta realizada por la revista Rolling Stone.

 
Fuente: Wikipedia / Zonde
 

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas compuestos por Diego Arnedo y Ricardo Mollo, excepto indicados)

  1. «Casi Estatua» (Mollo, Arnedo, Araujo) – 3:42
  2. «Par Mil» – 3:17
  3. «Tanto Anteojo» – 3:04
  4. «Qué Pasa Conmigo» – 4:02
  5. «Spaghetti del Rock» – 3:32
  6. «Elefantes en Europa» – 3:25
  7. «Vida de Topos» (Mollo, Arnedo, Araujo) – 5:03
  8. «La Ñapi de Mamá» (Mollo, Arnedo, Araujo) – 5:21
  9. «Como un Cuento» (Mollo, Arnedo, Araujo) – 4:46
  10. «Sopa de Tortuga» – 3:35
  11. «Pasiones Zurdas Derechas» (Mollo, Arnedo, Araujo) – 3:46
  12. «La Gente se Divierte» – 4:43
  13. «La Firma del Opa» – 1:56

Calidad: WAV

 

 

 


Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota – Momo Sampler [2000]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota (o simplemente Los Redondos) fue un grupo argentino de rock, formado en la ciudad de La Plata en 1976 y liderada por Carlos Alberto «Indio» Solari y Eduardo «Skay» Beilinson. En 1978 realizaron su primera presentación en Buenos Aires, con el reconocido guitarrista Conejo Jolivet, quien oficiaba de la primera guitarra, y el tecladista Roddy Castro quien además facilitó su lugar en las míticas salas de ensayo del subsuelo de la Av. Corrientes casi Av. 9 de julio. Posteriormente siguieron tocando en teatros underground hasta 1979, año en el que la banda decidió interrumpir momentáneamente sus shows. En 1981 el grupo retomó el rumbo de los pubs, para llegar a grabar su primer demo profesional en 1982, registradas en RCA en el demo “Demos RCA + Festival Pan Caliente”, que logran una importante difusión en las emisoras FM porteñas.

La banda creó con su música una original estética del rock, alcanzando masividad sin entrar en el circuito cultural oficial; manteniéndose independiente al margen de la industria musical durante sus 25 años de actividad y transformándose en la única banda (junto con La Renga) que, por principios, jamás se apoyó en los medios para difundir su trabajo. En general los recitales eran promovidos por el “boca en boca”. Por este motivo siempre fue una banda que estuvo al margen de festivales, reconocimiento mediático o premiaciones, sólo la Fundación Konex reconoció su trayectoria en 1995 con un Diploma al Mérito y en 2005 con el Premio Konex de Platino a la mejor banda de rock de la década, compartido con Divididos.

Considerada como una de las bandas más importantes del rock argentino y una de las más influyentes del rock en castellano, su obra siempre estuvo marcada por las metáforas en sus letras, la cultura, el vanguardismo en su puesta en escena y un imperante misticismo en sus obras gráficas. Representa un paradigma contracultural, reforzado y marcado por su producción independiente. Su influencia se ve en bandas como La Renga, Callejeros, Los Piojos, Los Gardelitos, Salta la Banca, El Bordo, La Beriso, Las Pastillas del Abuelo o Árbol.

Musicalmente, se destacan por sus instrumentales sumamente creativos, por una primera guitarra siempre presente ―ejecutando riffs y solos― en combinación con la voz y con agregados de otros instrumentos, tales como el saxofón, el violín, la trompeta, el piano, la armónica o percusión en varias de sus canciones.

En el año 1998 llamaron nuevamente a Conejo Jolivet, para incorporarse definitivamente a la banda. Toca casi todas las canciones del concierto en Racing Club, al que asisten 120.000 personas. Al mismo tiempo graban junto al asistente de la banda El Soldado un álbum llamado “Tren de Fugitivos”, en el que participan Skay, Semilla, Sidotti, Dawi, Indio y Conejo, con gran repercusión under. Para 1998 también, en los shows de Racing, se incorporó a la banda como miembro estable Hernan Aramberri en batería, quien trabajó progresivamente a partir de “Lobo Suelto, Cordero Atado” (1993), programando samplers.

«Momo Sampler» es el noveno y último álbum de estudio de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, editado en junio de 2000 por su propia discográfica, Patricio Rey Discos. Sigue la línea de su antecesor, en donde la banda busca nuevos sonidos y formas para sus temas. Aparte de la influencia electrónica, también se reconocen vestigios de música celta, cuerdas y ritmos que recuerdan a las murgas.

Un álbum completamente «artesanal», según el propio Solari, ya que la misma banda, puesto que no se contrató a ningún artista ni empresa para estos trabajos, se encargó de todo el diseño exterior del disco. Este disco siguió la línea que había comenzado a trazar “Último Bondi a Finisterre”, con sonidos más elaborados, una mayor participación de computadoras y aparatos digitales.

El álbum fue grabado íntegramente por el Indio Solari y Skay Beilinson, con la ayuda de Hernán Aramberri. El resto de la banda apenas participó de las grabaciones en el estudio, las cuales fueron en los primeros días en estudios Panda, después en Luzbola y la masterización fue en New York. El álbum fue presentado en el Estadio Centenario de Montevideo (Uruguay) los días 22 y 23 de abril de 2001. En el mes de agosto siguiente, Los Redondos darían su última aparición en vivo en el estadio Chateau Carreras de Córdoba.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas compuestos por Beilinson/Solari)

  1.  «Templo de Momo» – 3:21
  2. «Morta Punto Com» – 3:15
  3. «La Murga de los Renegados» – 4:47
  4. «Dr. Saturno» – 5:28
  5. «Murga de la Virgencita» – 4:54
  6. «Pool, Averna y Papusa» – 4:55
  7. «Murga Purga» – 3:24
  8. «Sheriff» – 6:00
  9. «Pensando Como una Acelga» – 4:40
  10. «Una Piba con la Remera de Greenpeace» – 3:40
  11. «Rato Molhado» – 4:12
Calidad: FLAC

 

 

 


Coldplay – A Rush of Blood to the Head [2002]

[Resubida Mejorada]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

Coldplay es una banda británica de rock alternativo formada en Londres en 1996. El grupo está integrado por Chris Martin (voz, teclado, guitarra), Jon Buckland (guitarra principal), Guy Berryman (bajo eléctrico) y Will Champion (batería, coros y otros instrumentos). Los primeros trabajos de Coldplay hicieron que la banda fuera comparada repetidas veces con artistas como Oasis, Radiohead, INXS, U2 y Travis. Alcanzaron el éxito internacional con el lanzamiento de su sencillo «Yellow», seguido por su álbum debut, “Parachutes” (2000), que fue nominado a los Premios Mercury. Su segundo álbum, “A Rush of Blood to the Head” (2002) ganó múltiples premios, incluido el de Álbum del Año según el semanario NME. Pese a que su tercer álbum, “X&Y” (2005) no causó tanto entusiasmo, tuvo igualmente una recepción positiva. El cuarto álbum de estudio de la banda, “Viva la Vida or Death and All His Friends” (2008 ) fue producido por Brian Eno y generó excelentes críticas, llegando a recibir nominaciones a los premios Grammy y otra clase de homenajes. Coldplay ha vendido internacionalmente 50 millones de copias.

El estilo musical de Coldplay ha sido definido como rock alternativo, siendo comparado con el de Radiohead y Oasis. El cantante y compositor del grupo, Chris Martin, describió en una ocasión la música del grupo como «rock suave». La música de esta banda fue calificada como “meditativa”, “romántica” y que “refleja sus emociones”.

«A Rush of Blood to the Head» es el segundo álbum de estudio de Coldplay. Lanzado en agosto de 2002 bajo el sello Parlophone, el álbum fue producido por la banda junto a Ken Nelson. El atentado del 11 de septiembre de 2001 influyó en el estado anímico de los miembros de la banda a la hora de componer canciones para el álbum, debido a que se produjo una semana antes de que comenzaran las sesiones de grabación. Las canciones de este álbum presentan un mayor uso de la guitarra y el piano que su predecesor, “Parachutes”. En 2003, fue ubicado en el puesto 473 en la lista de Los 500 mejores álbumes de todos los tiempos según la revista Rolling Stone. Se estima que vendió más de 13 millones de copias en todo el mundo.

La portada de “A Rush of Blood to the Head” fue diseñada por el fotógrafo Sølve Sundsbø, quien había sido contratado por la revista de moda Dazed & Confused a finales de la década de 1990 para producir algo “tecnológico, algo que sea blanco”. Como artista, ha intentado hacer “cosas que nunca antes habían sido hechas, algo virtualmente imposible”. El modelo para la fotografía usó maquillaje blanco porque esto produce “los mejores resultados”. Además, se utilizó una capa de sarga coloreada. La computadora no pudo leer los colores por lo que éstos se reemplazaron por espigas en blanco y negro, y tuvo que ser cortada porque dicho aparato sólo podía escanear treinta centímetros. Al director de la revista le gustó la fotografía y decidió publicarla. Martin vio la imagen en dicha revista y solicitó al fotógrafo permiso para usar la imagen como portada de “A Rush of Blood to the Head”. Para cada sencillo del álbum, acordaron editar fotografías de la cabeza de cada miembro de la banda.​ La portada del álbum estuvo entre las diez elegidas por Royal Mail para crear una serie de estampillas con portadas de álbumes célebres, lanzada en febrero de 2010.

El álbum fue un gran éxito comercial, ubicándose en el puesto número uno en las listas de venta del Reino Unido y alcanzando el séptimo lugar en la lista de los veinte álbumes más vendidos del siglo XXI. La British Phonographic Industry otorgó a este álbum ocho discos de platino por haber vendido 2,6 millones de copias en Gran Bretaña y 13 millones a nivel internacional. También fue nº 1 en Alemania, Italia, Australia, Argentina, Canadá, Colombia y Suiza, siendo certificado 5x Platino en Australia, 4x Platino en EUNA, 3x Platino en Argentina y 2x Platino en Bélgica y España. Del álbum se extrajeron los sencillos “In My Place”, “The Scientist”, “Clocks” y “God Put a Smile Upon Your Face”. El disco fue alabado por la crítica, que lo consideró mejor que “Parachutes”. Coldplay ganó por segunda vez consecutiva el premio Grammy a “mejor álbum de rock alternativo” en 2003 por “A Rush of Blood to the Head” y en 2004 “Clocks” ganó el premio a “grabación del año”.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas compuestos por Will Champion, Chris Martin, Jon Buckland y Guy Berryman)

  1.  «Politik» – 5:18
  2.  «In My Place» – 3:48
  3.  «God Put a Smile upon Your Face» – 4:55
  4.  «The Scientist» – 5:11
  5.  «Clocks» – 5:07
  6.  «Daylight» – 5:27
  7.  «Green Eyes» – 3:41
  8.  «Warning Sign» – 5:31
  9.  «A Whisper» – 3:59
  10.  «A Rush of Blood to the Head» – 5:51
  11.  «Amsterdam» – 5:26

Calidad: FLAC (24 bit)