Ciclos y Neurastenias en un mundo cruel

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Massacre Palestina – Buenos Aires Sub Atomic Skate Sounds ’87-’91 [1999]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

Massacre es una banda de rock argentina, pionera en el género denominado skate rock en Latinoamérica. Originalmente llamados Massacre Palestina, se formaron en Buenos Aires en el año 1986. Se conformó por estudiantes secundarios influidos por bandas de la costa oeste estadounidense, que fusionaban hardcore-surf-punk a fines de los setenta y comienzos de los ochenta. Entre sus influencias, se encuentran artistas como T.S.O.L, Dead Kennedys, Black Flag, Nirvana, The Cure, R.E.M., The Ramones, T. Rex, Sumo, Gustavo Cerati, Luis Alberto Spinetta, entre otros.

La primera formación contaba con Francisco Ruiz Ferreyra (Paco) en batería, José Armetta (Topo) en el bajo, Guillermo Cidade (Walas) en guitarra y Richard Serafini en voz. El primer disco homónimo de la banda fue un EP en vinilo, grabado en 1987 bajo el sello Radio Trípoli, que contenía cuatro canciones, hoy una pieza de colección. Junto a la salida del disco filman su primer vídeo del tema “Diferentes Maneras”, en la actualidad absolutamente perdido. La carrera del grupo se desarrolló durante años sobre la base de presentaciones en vivo y largas ausencias, hasta la posibilidad de grabar el primer álbum. Para octubre de 1989 Richard se despide de la formación y Wallas se encarga de las voces, dejando su puesto a Pablo Mondello (alias Pablo M. o El Tordo), ex compañero del secundario, eximio guitarrista y pilar fundamental en la concepción musical del grupo para los tiempos que vendrían. Con esta formación los Massacre recorrerían larga parte de su carrera.

Tras su primer álbum de estudio, “Sol Lucet Omnibus” (1992), se rebautizaron como Massacre, debido al atentado a la embajada de Israel en Argentina, en donde su apelativo “Palestina”, pudiera generar polémica.

Aunque la banda era conocida por su actitud basada en la autogestión durante más de veinte años de carrera, se la consideraba como una de las pocas bandas verdaderamente de culto de la Argentina, hasta la edición de su sexto disco de estudio, titulado “El Mamut” (2007); que alcanzó gran éxito, por lo que la banda alcanzó masividad a nivel popular, no solo en Argentina, sino también en el resto de Latinoamérica.

«Buenos Aires Sub Atomic Skate Sounds ’87-’91» es el primer álbum recopilatorio del grupo Massacre, que incluía sus primeras grabaciones, tales como el EP “Massacre Palestina”, demos, temas descartados del EP y algunos directos. Todas las canciones corresponden a grabaciones realizadas entre los años 1987 y 1991, excepto el último tema del disco, en vivo, que se grabó en 1997, y en su totalidad corresponden a la etapa más skate-punk de la banda. El álbum fue editado en 1999 por Laika Records.

 

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Diferentes Maneras»
  2. «Canción de las Muñecas»
  3. «Hijos del Sinaí»
  4. «Walls»
  5. «Ángeles de Piedra»
  6. «Papel Floreado»
  7. «Conciencia de Nuestros Días»
  8. «Punk Is Dead»
  9. «Mirando al Pacífico»
  10. «From Your Lips» (Live)
  11. «Arma de Quien?»
  12. «Diferentes Maneras» (Live)
  13. «¿De qué Te Sirvió?»
  14. «Canción de las Muñecas» (Live)

Calidad: FLAC

 

 

 

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Bruce Springsteen – Greatest Hits (1995)

 

[Otras Músicas]

 

Bruce Frederick Joseph Springsteen,​ más conocido como Bruce Springsteen, es un cantante, músico y compositor estadounidense. Apodado a menudo The Boss —en castellano: El jefe—, Springsteen es ampliamente conocido por su trabajo con el grupo The E Street Band y considerado uno de los artistas más exitosos de la música rock, con ventas que superan los 64,5 millones de álbumes en Estados Unidos de Norteamérica y más de 120 millones a nivel mundial, y un total de diez discos números uno, un registro solo superado por The Beatles y Jay-Z.

Springsteen comenzó su carrera musical a finales de la década de 1960 tocando con grupos como Steel Mill y Dr. Zoom & the Sonic Boom. En 1972 firmó un contrato discográfico con Columbia Records y publicó “Greetings from Asbury Park, N.J.”, su primer álbum de estudio con el respaldo de The E Street Band, su principal grupo de apoyo en sucesivos trabajos. A lo largo de su trayectoria musical, que abarca más de cinco décadas hasta la actualidad, ha publicado trabajos como “Born to Run” (1975), “Darkness on the Edge of Town” (1978) y “The River” (1980), valorados por la crítica musical como tres de los mejores álbumes de rock de todos los tiempos. Además de su faceta como músico de rock, Springsteen grabó varios trabajos orientados al folk como “Nebraska” (1982), “The Ghost of Tom Joad” (1995) y “Devils & Dust” (2005).

Su popularidad se consolidó con el lanzamiento de “Born in the U.S.A.” (1984), un álbum que vendió más de quince millones de copias en EUNA y alcanzó el primer puesto en varios países, incluyendo Estados Unidos y el Reino Unido.​ Desde entonces, y a pesar de no trabajar con la E Street Band en trabajos como “Human Touch” y “Lucky Town”, la mayoría de sus discos han obtenido un elevado respaldo comercial, con un total de seis números uno en su país natal entre el lanzamiento de “Tunnel of Love” (1987) y de “Wrecking Ball” (2012).

En general, las canciones de Springsteen reflejan letras con aspectos autobiográficos, principalmente sentimientos centrados en Asbury Park o Nueva Jersey, o relatos de personajes ficticios o novelescos que se enfrentan a retos o a puntos de inflexión en sus vidas. También suele incluir preocupaciones económicas, sociales y políticas en composiciones como “Born in the U.S.A.”, “American Skin (41 Shots)”, “Devils & Dust” y “Jack of All Trades”, entre otras. Ha sido además uno de los artistas más críticos con la política exterior de su país en relación con la invasión y posterior guerra de Irak, y participó en la gira Vote for Change para pedir el voto por John Kerry.

La trayectoria musical de Springsteen ha sido reconocida con varios premios, incluyendo 20 premios Grammy, dos Globos de Oro y un Óscar, y en 1999, entró en el Salón de la Fama del Rock and Roll. En 2004 la revista Rolling Stone lo situó en el puesto 23 de la lista de los mejores artistas de todos los tiempos, y cuatro años más tarde, en la posición 36 de la lista de mejores cantantes de todos los tiempos.​ Su trabajo más reciente, “High Hopes”, fue publicado el 14 de enero de 2014, habiendo sido difundido vía streaming por el mismo Springsteen gracias a su participación en la banda sonora de un capítulo de una famosa serie estadounidense.

«Greatest Hits» es un álbum recopilatorio del músico estadounidense Bruce Springsteen, publicado por la compañía discográfica Columbia Records en febrero de 1995.​ El álbum recopila las canciones más populares de Springsteen a través de su trayectoria musical, además de cuatro temas nuevos, mayoritariamente grabados con la E Street Band en 1995.

La incorporación de las canciones nuevas fue filmada en el documental de 1996 Blood Brothers. “Murder Incorporated” y “This Hard Land” son descartes de las sesiones de grabación de “Born in the U.S.A.”, la segunda de ellas regrabada para la ocasión, y ambas se convirtieron en canciones frecuentes durante los conciertos de Springsteen.​ Por otra parte, “Blood Brothers” fue frecuentemente interpretada como última canción en los conciertos de la gira de reunión de la E Street Band entre 1999 y 2000, y de la gira de promoción de “The Rising”. La cuarta canción, “Secret Garden”, ganó notoriedad por su inclusión en la banda sonora del largometraje Jerry Maguire. Versiones alternativas de estas cuatro canciones fueron publicadas en el EP “Blood Brothers”.

“Greatest Hits” obtuvo un notable éxito comercial al alcanzar el primer puesto de las listas de discos más vendidos de numerosos países, entre ellos la lista estadounidense Billboard 200, con ventas superiores a los cuatro millones de copias, y la lista británica UK Album Chart.

Fuente: Wikipedia

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas escritos y compuestos por Bruce Springsteen)

  1.   «Born to Run» – 4:30
  2.   «Thunder Road» – 4:48
  3.   «Badlands» – 4:03
  4.   «The River» – 5:00
  5.   «Hungry Heart» – 3:20
  6.   «Atlantic City» – 3:56
  7.   «Dancing in the Dark» – 4:03
  8.   «Born in the U.S.A.» – 4:41
  9.   «My Hometown» – 4:12
  10. «Glory Days» – 3:49
  11. «Brilliant Disguise» – 4:15
  12. «Human Touch» – 5:10
  13. «Better Days» – 3:44
  14. «Streets of Philadelphia» – 3:16
  15. «Secret Garden» – 4:27
  16. «Murder Incorporated» – 3:57
  17. «Blood Brothers» – 4:34
  18. «This Hard Land» – 4:50

Calidad: FLAC

 

 

 

 


Los Piojos – Ritual [1999]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

Los Piojos fue una banda argentina de rock formada a fines de 1988 y oriunda de Ciudad Jardín Lomas del Palomar, en el Gran Buenos Aires. De todas las bandas surgidas durante la década de los 90, Los Piojos se erigió como una de las más populares hasta incluso después de su separación, no sólo por su poder de convocatoria y las importantes cifras de ventas en sus álbumes, sino también por una discografía de carácter sólido que fue cada vez haciéndose más personal.

Durante finales de 1989 y principios de 1990 comienzan sus presentaciones en pequeños escenarios del rock porteño y bonaerense tales como el Teatro Arlequines, Graf Zeppelin, Ma Baker y La Plaza del Avión (en Ciudad Jardín) donde Ciro cantó por primera vez. En 1990 el grupo resultó elegido banda revelación por Los Redonditos de Ricota en la encuesta del “Sí!” de Clarín. Los redondos de Ricota habían presenciado varios de los shows del grupo, e incluso el guitarrista Skay subió a acompañarlos en algunas ocasiones.

En 1991 viajaron a Francia, invitados de una organización de los suburbios de París que luchaban contra los skinheads. Tocaron en el Festival Antirracista de Blondy. Aunque lo único gratis seria tocar. Los gastos del viaje corrieron por cuenta propia de Los Piojos que debieron pagar cuotas de 160 dólares para financiarlo. Así lograron compartir el escenario con grupos de Cuba, África, Marruecos, Burkina Faso, Malí, España y Francia. El contacto con Mano Negra fue importante para que la banda abriese la cabeza y entendiera que en la fusión de estilo estaba su futuro musical.

De regreso a Buenos Aires, el sueño del primer disco comenzaba a rondar por sus cabezas. El apoyo por parte de Patricio Rey resultó imprescindible para el grupo, de manera que la “Negra Poly”, manager ricotera, le recomendó al productor Gustavo Gauvry, de DBN, que se acercara a ver un show. Aquella vez, como tantas otras volvió a subir Skay Beilinson al escenario como para que quedase sellado un padrinazgo absoluto sobre los pibes del Palomar. Gauvry se interesó por ellos y enseguida les ofreció la edición y distribución del primer disco de la banda. Entre junio y agosto de 1992 ingresaron por primera vez a un estudio, en Del Cielito Records, estudios de Los Redondos, siendo su primera experiencia en grabaciones de estudio. En ese corto lapso registraron “Chactuchac”, el álbum debut de la banda. El disco fue editado por DBN/Del Cielito Records en agosto de 1992. El título del trabajo se refiere al sonido del tren.

«Ritual» es el quinto disco de Los Piojos, y el primero en vivo. Fue grabado en el estudio móvil de Del Cielito Records los días 7, 8 y 9 de mayo de 1999 en el estadio Obras, conmemorando sus 10 años de trayectoria, y el 23 de enero del mismo año en el Autocine de Villa Gesell, y editado en 1999 por El Farolito Discos. Este álbum logró ser disco de platino. Este año lo cerraron con un recital gratuito ante 100.000 personas en la ciudad de La Plata.

 

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Olvídate (Ya Ves)» – 4:24
  2. «Chac Tu Chac» – 3:22/span>
  3. «Desde Lejos No se Ve» – 4:01
  4. «Ay, Ay, Ay» – 6:29
  5. «Angelito» – 6:29
  6. «Agua» – 5:25
  7. «Arco» – 4:35
  8. «Tan Solo» – 4:18
  9. «Intro Maradó» – 2:50
  10. «Maradó» – 4:37
  11. «Ando Ganas (Llora, Llora)» – 5:43
  12. «Cruel» – 4:10
  13. «Todo Pasa» – 5:45
  14. «Es Sólo Rock & Roll (It’s Only Rock & Roll)» – 5:11

Calidad: WAV

 

 

 


Bad Religion – No Control [1989]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

Bad Religion es una banda estadounidense de punk rock fundada en 1979 en el sur de California por Greg Graffin (voz), Jay Bentley (bajo), Jay Ziskrout (batería) y Brett Gurewitz (guitarra), a la que se le adjudica haber guiado el resurgimiento del punk rock en el mainstream, así como haber influenciado a lo largo de su trayectoria a un gran número de músicos del punk y del rock.

La banda ha contado con diferentes alineaciones a lo largo de sus 38 años de existencia, siendo Graffin el único miembro que ha sido constante; no obstante, la banda cuenta en el siglo XXI con tres de sus miembros originales: Greg Graffin, Brett Gurewitz y Jay Bentley.

Ha lanzado dieciséis álbumes de estudio, dos EP, tres álbumes compilatorios, un álbum en directo y tres DVD. Su álbum Suffer ha sido valorado por algunos críticos como el álbum de punk rock más relevante de todos los tiempos, aunque nunca tuvo un puesto en la lista de popularidad la Billboard. En 1993 la banda alcanzó un puesto de cartelera con su álbum Recipe for Hate, ese acontecimientos les dio fama mientras les aseguró el puesto número 14 de la lista Heatseekers de la Billboard de ese año. Su mayor éxito vino con Stranger than Fiction el primer álbum con el que consiguieron el disco de oro en Estados Unidos, desprendiéndose de él reconocidos singles como “21st Century (Digital Boy)” e “Infected”. La banda se mantuvo cosechando éxitos de manera más discreta en su nueva discográfica, Warner, sin Brett Gurewitz, quien se retirara en 1994 por motivos personales. El 2001 fue un año importante para la banda ya que marcó la vuelta de Gurewitz y el regreso de Bad Religion a Epitaph, discográfica de música independiente de la cual es el dueño. Desde este «renacer» para la banda, se ha mantenido con la misma alineación durante más de diez años seguidos y cinco álbumes.

Son conocidos particularmente por su sofisticado uso del estilo, metáfora, vocabulario, uso de iconos y armonías vocales (los denominados por la banda como oozin’ aahs); esto último consagrándolos como pioneros del naciente hardcore melódico. Sus letras suelen ser reflexivas en torno a sentimientos personales, ideologías de vida y responsabilidad social.

«No Control» es el cuarto álbum del grupo Bad Religion, grabado en junio de 1989 en los estudios Westbeach Recorders de Hollywood, con producción del propio grupo, y editado en noviembre del mismo año a través del sello independiente Epitaph. Se considera una de las referencias de base del skate punk y el hardcore melódico.

Bad Religion comenzó a trabajar en el álbum durante la gira de presentación de su álbum anterior, “Suffer” (1988). “No Control” es estilísticamente más rápido que su predecesor, debido a la mayor presencia del hardcore punk. Además, fue el primer álbum de Bad Religion en no presentar un cambio de alineación después de un álbum de estudio consecutivo.

“No Control” trajo a Bad Religion una pequeña cantidad de éxito en el sur de California cuando la banda comenzó a reunir seguidores. El álbum ha vendido más de 60,000 copias y a menudo se considera un hito en el hardcore punk. Contiene muchos de los grandes éxitos de la banda en vivo, como “Change of Ideas”, “Big Bang”, “No Control”, “Sometimes I Feel Like”, “Automatic Man”, “I Want to Conquer the World”, “Sanity” and “You”. Las únicas canciones de “No Control” que nunca se han ejecutado en vivo son “Progress” y “The World Will not Stop”.

En 1992, “No Control” había vendido al menos 80,000 copias, convirtiéndose en el cuarto álbum más vendido de la banda en ese momento (su siguiente álbum “Against the Grain” vendió aproximadamente 90,000 copias, mientras que el posterior “Generator” vendió 85,000 y “Suffer” vendió 88,000).

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas escritos y compuestos por Brett Gurewitz y Greg Graffin)

  1. «Change of Ideas» — 0:54
  2. «Big Bang» — 1:40
  3. «No Control» — 1:44
  4. «Sometimes I Feel Like» — 1:32
  5. «Automatic Man» — 1:38
  6. «I Want to Conquer the World» — 2:16
  7. «Sanity» — 2:44
  8. «Henchman» — 1:03
  9. «It Must Look Pretty Appealing» — 1:21
  10. «You» — 2:06
  11. «Progress» — 2:12
  12. «I Want Something More» — 0:46
  13. «Anxiety» — 2:08
  14. «Billy» — 1:56
  15. «The World Won’t Stop» — 1:52

Calidad: FLAC

 

 

 


PVP – El Coche de la Plas [Sg] (1982)

 

[Ciclo de Rock Ibérico]

 

PVP fue un grupo madrileño de punk rock con influencias new wave, formado en 1980 (la época de la famosa movida Madrileña) por cuatro jóvenes madrileños, cuyos nombres, casualmente, comenzaban todos por la letra J, lo que hizo que también se les conociera como «las cuatro jotas». Eran Juanjo (voz, guitarra), que había vivido un tiempo en Francia, donde se había aficionado a la música jamaicana y a la nueva música (punk y post punk) británica; Jesús (guitarra solista), que ocasionalmente había viajado a Londres; el bajista José, nacido en Guinea Ecuatorial, y el baterista Jorge. El nombre del grupo corresponde a las siglas de «Precio de Venta al Público», referencia a la sociedad consumista.
 
Publicaron cuatro LPs, de los cuales el más apreciado y buscado es el primero, “Miedo” (1982). Después del cuarto, publicado en 1987, el grupo desapareció. A menudo fueron denominados «los Clash madrileños». Nunca alcanzaron un gran éxito comercial, pero sí prestigio entre el público y la prensa especializada.
 
Después de un tiempo de rodaje haciendo conciertos, en 1981 graban una primera maqueta en los estudios Zafiro con ayuda de Mariscal Romero y algún tiempo después grabaron una segunda maqueta, producida por Ramoncín. Rápidamente el grupo se había ganado una excelente reputación como banda muy profesional. Según escribiría la periodista S. Luna en 1984: “la credibilidad e identidad de sus acciones y declaraciones sirvió para que se les buscara el gemelo original que se hallaba, ¡cómo no!, en Inglaterra. Y PVP pasaron a ser los Clash hispanos”.
 
Sin contar todavía con un contrato con una discográfica, en enero y febrero de 19828 se metieron en los estudios de grabación madrileños Sonoland para grabar el que sería su primer álbum. Según la revista Rock Espezial:
PVP grabaron su primer LP, Miedo, de forma independiente. Con un productor, Raúl Marcos, que exigía plastificar con buena calidad y sin escatimar gastos, lo que el grupo quería exactamente: la fuerza del vivo.”
En el número de mayo de Rock Espezial, el crítico musical Diego Manrique, definiendo a PVP como “punkeros de alta resistencia”, informaba de que “se han hecho un LP potente por su cuenta y ahora están en tratos con varias compañías nacionales que aspiran a editarlo. El título: Todo el mundo tiene un P.V.P.. Este título de trabajo fue reemplazado por el de una de las canciones, “Miedo”.
Finalmente la compañía que publicó el álbum fue Belter, responsable de algunos de los primeros lanzamientos punk en España en 1978-1979 (La Banda Trapera del Río, Basura y Mortimer). El título elegido fue “Miedo”, como la canción principal del primer sencillo extraído del LP. Ambos salieron a la vez, en verano de 1982, con idéntica portada. Impresa en blanco, rojo y negro, ésta presentaba, detrás del nombre del grupo escrito en grandes letras blancas, y sobre el fondo de un cielo rojo, la imagen de un búnker destruido, rodeado de alambre de espino. El LP incluía doce temas, grabados, conforme a lo que se ha dicho, con un sonido inusualmente profesional en la época para un grupo ibérico.
 
A pesar de sus virtudes y de las buenas críticas, y aunque el sencillo “Miedo” llegó a sonar en algunas emisoras FM, oficialmente el álbum no llegó a vender ni 1.000 copias y rápidamente quedó descatalogado; en 1984 escribía la mencionada S. Luna en Rock Espezial: “El disco salió en Belter en el 82. Hoy está descatalogado y se vende a precio de coleccionistas casi”. Dicho precio crecería enormemente con el paso de los años, siendo un disco muy buscado, hasta que en 2003 fue reeditado por Divucsa como CD dentro de la serie «Grandes grupos españoles de los 80’s». El sello Beat Generation volvió a reeditarlo en 2012.
 

Acabando el año 82, la compañía lanzó un segundo sencillo, con una remezcla de «El Coche de la Plas», uno de los primeros ejemplos de fusión de ska y punk en la península (que se adelantó en muchos meses a “Voca de Dios” de Decibelios y en un par de años al «ska-hardcore» de Kortatu). Este sencillo, que también sonó en algunas FM, tuvo algo más de repercusión y llegó a ser la pieza más conocida del grupo.

 

 

 

 



Lista de canciones:

  1.   «El Coche de la Plas» – 4:15
  2.   «Descontrol» – 2:28

Calidad: 128 Kbps


 

Gracias al compañero 3nd3r por este archivo.

 

 

 


Los Brujos – Fin de Semana Salvaje [1991]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

Los Brujos es una banda argentina de rock alternativo, que renovó la escena musical de los 90, encabezando el denominado “Nuevo Rock Argentino” junto a otras bandas como El Otro Yo, Massacre, Babasónicos, Peligrosos Gorriones, Juana La Loca, Los Visitantes, Tía Newton o Fun People, entre otros. La banda nació a comienzos de 1988 en Turdera, Gran Buenos Aires y tras tres trabajos discográficos, se disolvieron en 1998. El 7 de abril de 2014, regresaron a los escenarios.

Los Brujos nacen como una fusión entre dos jóvenes bandas vecinas de Turdera (sur de Gran Buenos Aires), Salto al Vacío y Los Pastrellos. La primera estaba formada por Gabriel Guerrisi (Guitarra y voz), Ricky Rúa (batería) y Gabriel Manelli (bajo); mientras que Los Pastrellos estaba compuesta por Fabio Pastrello (guitarra), Alejandro Alaci (voz) y Quique Ilid (batería). Vale aclarar que Fabio Pastrello y Gabriel Guerrisi son primos hermanos.

En el año 1988 ambas bandas compartieron un recital en el bar La Carpintería de Temperley, el buen resultado del show y los gustos en común fueron el disparador para unir ambas bandas y dar paso a Los Brujos, nombre que ya se encontraba registrado por un centenar de otros grupos pero del que obtuvieron un permiso provisorio para su utilización hasta que les fue cedido permanentemente. En su etapa de formación también participaron otros miembros, como Morticia Flowers y Viviana Tellas. Como lógicamente el grupo no podía tener dos bateristas, Ricky Rua decidió cantar en dúo con Alejandro Alaci, quedando Quique Illid como batero. Para fines de 1989 los recitales eran cada vez más concurridos y luego de una presentación en un festival en Cemento el músico y productor Daniel Melero les propone grabar su primer disco.

«Fin de Semana Salvaje» es el primer álbum de estudio de la banda argentina de rock alternativo Los Brujos, grabado en mayo de 1991 en los Estudios Aguilar de Buenos Aires y editado ese mismo año por el sello Epic Records y DBN. Hay grandes invitados como Gustavo Cerati y Daniel Melero, quien se encargo de la producción artística. En el año 2007, la revista Rolling Stone de Argentina lo ubicó en el puesto 63º de su lista de los 100 mejores álbumes del rock argentino.

“Grabado en un fin de semana salvaje del mes de mayo de 1991”, aclara la contratapa del disco en que se imprimió ese momento bisagra de los primeros años 90, que tuvo el enérgico éxito “Kanishka” como punta de lanza. Valiéndose de una fama incendiaria, llegaron al estudio con Daniel Melero como tutor sónico para grabar “un demo de once temas” que dejó testimonio del Beatcore (entre B-52’s y Dead Kennedys), un invento del guitarrista Gabriel Guerrisi. Vivi Tellas y Gustavo Cerati participaron en este álbum que es una transición entre el under de fines de los 80 y el rock alternativo de los tempranos 90. Llegó a estar situado en todas las radios del país, con su tema “Kanishka”, el cual fue disco de oro en Argentina, con más de 40.000 copias vendidas.

“Está lleno de ingenuidad y frescura adolescente, no fue grabado con conciencia de disco, sin nada pensado y preparado. Los temas son casi todos de primera toma: sin buscar ni virtuosismo, ni perfección, y lo que reina cuando uno lo escucha es la espontaneidad…”, revista Rolling Stone. Es así que casi todos los temas fueron grabados en una toma. Dieron uno de sus conciertos en el estadio de River, ante 70.000 personas. En 1992 fueron invitados a presentar el material en el show de Nirvana, en Vélez y también serían teloneros de Iggy Pop en Obras Sanitarias.

Cuenta con clásicos como “Kanishka”, “Fin de semana salvaje” y “La tía Marcia”. El autor de todos los temas fue el guitarrista Gabriel Guerrisi. La portada fue diseñada por el famoso diseñador gráfico Alejandro Ros, conocido por sus trabajos de portadas para bandas como Soda Stereo, Divididos, Babasónicos, entre otras. Un mito dice que Kurt Cobain, líder de Nirvana, le plagio el riff de “Kanishka” en el tema “Very Ape” del último disco In Utero.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

 

  1.  «Canción del Cronopio» – 2:40
  2. «La Tía Marcia» – 2:25
  3. «Kanishka» – 2:39
  4. «Embolarium» – 2:25
  5. «India» – 2:52
  6. «Mi Vestido Floreado» – 2:20
  7. «Fin de Semana Salvaje» – 3:13
  8. «Yo Caí por Tu Amor» – 2:49
  9. «Mi Papi No Te Quiere» – 2:10
  10. «Monseñor Le Flip» – 3:20
  11. «No Te Dejes Caer» – 3:11
Calidad: FLAC

 

 

 


Gabinete Caligari – Cuatro Rosas [MiniLP] (1984)

[Resubida Mejorada]

 

[Ciclo de Rock Ibérico]

 

Gabinete Caligari fue un grupo de rock madrileño formado en 1981 por Jaime de Urrutia (voz y guitarra), Fernando “Ferni” Presas (bajo) y Eduardo “Edi” Clavo (batería). Abarcaron un amplio espectro dentro del rock, comenzando en el estilo gótico, inventando el “rock torero” y terminando en un pop-rock con influencias latinas. Aunque se los integró dentro de la corriente conocida como La Movida, siempre fueron marginales respecto a su sonido. Sus primeros discos autónomos se caracterizaron por una reinvención constante. De esa forma, hacia 1983 inauguran una nueva corriente que fue bautizada como ‘Rock Torero’, influenciado por sonidos castizos como el pasodoble.

Tuvieron una extensa y exitosa carrera que se prolongó durante 18 años, dando como resultado un total de 8 LPs, dos recopilatorios oficiales y diversos singles pertenecientes a sus primeros años. En 1999 se disuelve oficialmente el grupo.

Se consagrarían en el panorama musical con su segundo disco, el mini-LP «Cuatro Rosas» (DRO / Tres Cipreses, 1984), álbum totalmente diferente al de debut, aunque igualmente brillante. En “Cuatro Rosas” encontramos seis canciones en las que Urrutia musicaliza su visión de ciertos ambientes madrileños castizos e interpreta diversos personajes con gran acierto. Quien escuchara por primera vez los primeros acordes de “Cuatro rosas” ya se daría cuenta que esas notas formarían parte de la historia de la música. El tema, dedicado a Janis Joplin y su afición al bourbon, se convirtió en un éxito inmediato radiado abundantemente. Eso sí, es una de las mejores canciones del grupo y configura, junto con la infravalorada “Más dura será la caída” y el impresionante “Tango”, los tres temazos del álbum. La fanfarrona “¡Caray!” y la enérgica “Haciendo el bobo” le siguen a la zaga.

Con este disco Gabinete inaugura una nueva etapa, en la que el barroquismo instrumental y cierto clasicismo impregnan las composiciones que, además, ganan en complejidad algunas y en comercialidad otras. Con permiso del “Que Dios reparta suerte”, “Cuatro rosas” es el primer gran tema de Gabinete. Cierto sedimento beatle y un tono melancólico marca de la casa.

La preciosista “Tango”, con su piano y su inspirada guitarra, da una buena réplica a “Cuatro rosas”. Pero es con “Más dura será la caída” con la que nos reafirmamos al decir que “Cuatro Rosas” no es un disco de un solo tema. Con ese título cinematográfico es la canción más trágica y amarga que Urrutia haya escrito. Dicho sea de paso, una de sus canciones más infravaloradas, incluso por ellos mismos.

La cabaretera “¡Caray!” es la biografía en primera persona de un chulapo con complejo de superioridad, un concepto bastante alejado de lo que esperaban oír los modernos de La Movida Madrileña. “Haciendo el bobo” continúa con esa lírica tan prosaica de “¡Caray!”, lejos de la poética de las dos primeras canciones, aunque más irónica y divertida que la anterior. El disco acaba con “Esclavo de tus pies”, un chascarrillo con ritmo y temple que, sin embargo, deja el disco con una sensación de que queda más.

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Toda la música compuesta por Gabinete Caligari, letras de Jaime Urrutia)

  1. «Cuatro Rosas» — 3:26
  2. «Tango» — 3:15
  3. «Más Dura Será la Caída» — 4:14
  4. «¡Caray!» — 3:02
  5. «Haciendo el Bobo» — 3:39
  6. «Esclavo de tus Pies» — 4:22

Calidad: FLAC

 

 

 

 


Bad Religion – Suffer [1988]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

Bad Religion es una banda estadounidense de punk rock fundada en 1979 en el sur de California por Greg Graffin (voz), Jay Bentley (bajo), Jay Ziskrout (batería) y Brett Gurewitz (guitarra), a la que se le adjudica haber guiado el resurgimiento del punk rock en el mainstream, así como haber influenciado a lo largo de su trayectoria a un gran número de músicos del punk y del rock.

La banda ha contado con diferentes alineaciones a lo largo de sus 38 años de existencia, siendo Graffin el único miembro que ha sido constante; no obstante, la banda cuenta en el siglo XXI con tres de sus miembros originales: Greg Graffin, Brett Gurewitz y Jay Bentley.

Ha lanzado dieciséis álbumes de estudio, dos EP, tres álbumes compilatorios, un álbum en directo y tres DVD. Su álbum Suffer ha sido valorado por algunos críticos como el álbum de punk rock más relevante de todos los tiempos, aunque nunca tuvo un puesto en la lista de popularidad la Billboard. En 1993 la banda alcanzó un puesto de cartelera con su álbum Recipe for Hate, ese acontecimientos les dio fama mientras les aseguró el puesto número 14 de la lista Heatseekers de la Billboard de ese año. Su mayor éxito vino con Stranger than Fiction el primer álbum con el que consiguieron el disco de oro en Estados Unidos, desprendiéndose de él reconocidos singles como “21st Century (Digital Boy)” e “Infected”. La banda se mantuvo cosechando éxitos de manera más discreta en su nueva discográfica, Warner, sin Brett Gurewitz, quien se retirara en 1994 por motivos personales. El 2001 fue un año importante para la banda ya que marcó la vuelta de Gurewitz y el regreso de Bad Religion a Epitaph, discográfica de música independiente de la cual es el dueño. Desde este «renacer» para la banda, se ha mantenido con la misma alineación durante más de diez años seguidos y cinco álbumes.

Son conocidos particularmente por su sofisticado uso del estilo, metáfora, vocabulario, uso de iconos y armonías vocales (los denominados por la banda como oozin’ aahs); esto último consagrándolos como pioneros del naciente hardcore melódico. Sus letras suelen ser reflexivas en torno a sentimientos personales, ideologías de vida y responsabilidad social.

Bentley, Finestone y Gurewitz vuelven a la banda en 1986 y se prepara la grabación de su tercer álbum, «Suffer», en los estudios Westbeach Recorders de Hollywood durante el mes de abril de 1988, con producción de Brett Gurewitz. El disco sería editado por el sello independiente Epitaph en noviembre del mismo año. La ilustración de portada es obra de Jerry Mahoney. Supuso el reencuentro de los componentes originales de la banda tras su ruptura y es considerado por algunas de las publicaciones especializadas en el sector como uno de los mejores álbumes punk de los 80.

Representa un cambio en su carrera y un hito en la historia del rock, por ser el disco con que Bad Religion inauguran el hardcore melódico con un estilo propio, más tarde imitado y extendido por otras bandas, primero californianas y más tarde europeas. El disco se caracteriza por la rapidez de los ritmos, diferencia de claridad de sonido respecto a los anteriores y el aumento de melodías claras en la voz, que acentúan el carácter profundo e intelectual de las letras del grupo, y con coros de voces armónicas que serán la marca de la casa de la banda durante el resto de su carrera. Se puede hablar de una fusión de las bases melódicas de la música folk con la fuerza y contundencia del punk. El guitarrista Brett Gurewitz ha admitido que las canciones que Graffin le mostró le dieron desde el principio un regusto a Jethro Tull, y además, años más tarde, Graffin afirmaría esta versión publicando dos álbumes en solitario, de tinte acústico, en el segundo de los cuales hay composiciones basadas en el country y folk estadounidenses.

Un conjunto de bandas de la tercera oleada de bandas de new-wave punk citan este álbum como un inspiración esencial. En una web de fans de la banda, la canción “Do What You Want” fue citada como una de las mejores canciones de todos los tiempos de la banda, junto a “American Jesus” y “Along the Way”. El cantante de Rancid, Tim Armstrong, ha declarado que “What Can You Do?”, la única canción lenta del álbum, es su canción preferida de Bad Religion.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas escritos y compuestos por Mr. Brett y Greg Graffin)

  1. «You Are (The Government)» — 1:19
  2. «1000 More Fools» — 1:34
  3. «How Much Is Enough?» — 1:22
  4. «When?» — 1:38
  5. «Give You Nothing» — 1:57
  6. «Land Of Competition» — 2:00
  7. «Forbidden Beat» — 1:53
  8. «Best for You» — 1:57
  9. «Suffer» — 1:45
  10. «Delirium of Disorder» — 1:37
  11. «Part II (The Numbers Game)» — 1:38
  12. «What Can You Do?» — 2:44
  13. «Do What You Want» — 1:05
  14. «Part IV (The Index Fossil)» — 2:02
  15. «Pessimistic Lines» — 1:07

Calidad: FLAC

 

 

 


Os Resentidos – Galicia Express [Sg] (1988)

 

[Ciclo de Rock Ibérico]

 

Podemos hablar de expansionismo cultural, de modernidad con vocación costumbrista, de crítica social, de surrealismo inteligente o de absorción y fusión de múltiples estilos con la mirada en la cultura y el humor característicos del terruño, de la República de Sitio Distinto, como llamaron a Galicia a lo largo de su carrera. Lo cierto es que Os Resentidos abrigaron con su calor La Movida de Vigo junto a bandas como Aerolíneas Federales, Golpes Bajos o Siniestro Total, y acercaron el rock gallego a todo el territorio nacional. La utilización del gallego, la irreverencia, una marginalidad poética y reivindicativa de sus raíces, y la fusión con vocación experimental -funky, rock, pop, folk, gaitas, sintetizadores- fueron sus señas de identidad. El grupo lo tiene claro, se define como “Os Resentidos de Vigo (gora Vigo Camasutra), una esquimal bus band de funkie depresivo. Nuestro trascendental concepto del funkie depresivo y del rock esquimal desborda obviamente la fugacidad del lenguaje y la opacidad traidora de la escritura (lapsus). Los motivos de nuestro resentimiento son amplios y confusos, puestos en situación normalmente, solemos declarar: una vez detectado el cáncer de mama galopante de la Santa Lucía de Miguel Ríos, llegó la hora (god save the mamas not the cancer)”.

Su líder y auténtico agitador cultural, Antón Reixa, es uno de los personajes más polifacéticos de nuestra escena. Poeta, cantante, director de cine, artista multimedia, columnista de prensa son algunas de sus principales ocupaciones, que no son pocas. Tras estudiar Filología Gallega en la Universidad de Santiago pone en marcha Os Resentidos, junto a Alberto Torrado -bajo-, Javier Soto -guitarra- y Rubén Losada -saxo-. Alberto compaginaba sus labores en el grupo con Siniestro Total, hasta que abandona definitivamente a Hernández y compañía en el 87. Javier por su parte, seguiría un camino inverso al de Alberto y abandonaría Os Resentidos en el 85 para enrolarse en Siniestro Total durante la gira del “Menos Mal que nos Queda Portugal” (DRO, 1984), siendo sustituido por Xavier Debesa.

En el 84 lanzan su primer trabajo, un maxi en 12” con aires post-punk compartido con Siniestro Total, “Surfin’ CCCP” (DRO, 1984), en el que cada grupo aporta dos cortes, y un año después sale a la venta su primer largo “Vigo Capital Lisboa” (GASA, 85). En él ya encontramos la esencia de lo que llegarían a ser, letras con un marcado humor en el que no se salva nada ni nadie -¿verdad, Paloma Gómez Borrero?-, la fusión de estilos como forma de vida y, por supuesto, las ganas de fiesta, de movida. Luego llegarían el rap, para poder decir más cosas en cada canción, y la conjunción perfecta entre sintetizadores y gaitas. La producción del disco no es la mejor, pero esto iría mejorando entrega tras entrega.

La mente hiperactiva de Antón Reixa continua trabajando a un ritmo frenético, y continúan entregándonos un largo por año. En el 86 sale “Fai un Sol de Carallo” (GASA, 1986), disco que contiene el gran hit de la formación, “Galicia Caníbal”, un éxito instantáneo que ha sobrevivido al grupo para traspasar las puertas de la cultura popular. El disco presenta una producción más cuidada y el sonido evoluciona considerablemente. Las programaciones están salpicadas de gaitas y Antón Reixa está más suelto que nunca.

“Música Doméstica” (GASA, 1987), tercer lp de los gallegos, baja el nivel de sus antecesores. Las composiciones de Antón Reixa no son tan brillantes y los arreglos se vuelven más previsibles y monótonos, encontramos aires rythm and blues, funky depresivo, cumbia, ritmos disco y sintetizadores, fusión de estilos marca de la casa que en esta ocasión se queda a medias.

Tan sólo un año después entregan su cuarto LP, “Fracaso Tropical” (GASA, 1988), plagado de ritmos y latinos y con el rap asomando de cuando en cuando. El primer sencillo extraído del álbum será «Galicia Express»; un tren arranca en Medina del Campo, una voz nos pone en situación, se trata del expreso Rías Baixas dirección Ourense, después de eso, los ritmos latinos, el rap, las gaitas y las revisiones del estribillo de “Like a rollin’ stone” de Bob Dylan y del “Castellanos de Castilla” de Rosalía de Castro hacen que el viaje a través de estaciones desiertas y andenes olvidados sea más plácido. Le acompaña en la cara B el tema inédito “Cono Sur”, grabado en 1987.

Fuente: Fernando Fernández Rego en LaFonoteca.net / Zonde
 

 

 

Lista de canciones:

 

  1. «Galicia Express» – 4:13
  2. «Cono Sur» – 3:45

Calidad: 128 Kbps

 

 

Gracias al blog Sangrespañola por este archivo.

 

 


The Stooges – Raw Power [1973-Reed.1997]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

The Stooges, también conocidos como Iggy and The Stooges, fue una banda de rock surgida en 1967 en Detroit (Estados Unidos de Norteamérica) considerada un referente del garage rock y pionera tanto de la música como de la subcultura punk.

En 2016 The Stooges se separa después de haber finalizado su último álbum de estudio titulado “Ready to Die” (2013). Ese mismo año, se lanzó la película documental Gimme Danger dirigida por Jim Jarmusch sobre la banda, estrenándose mundialmente en el Festival de Cannes.

James Newell Osterberg, más conocido por Iggy Pop, tocó en diversas bandas de Ann Arbor (Míchigan) antes de crear la suya. Osterberg se inspiró para formar The Stooges tras conocer en una visita a Chicago al batería de blues Sam Lay. De esta forma, James regresó a Detroit con la idea de crear un estilo de tocar blues completamente nuevo.

La banda que Osterberg creó estaría formada por él, como vocalista, los hermanos Ron (guitarra) y Scott Asheton (batería), y su amigo Dave Alexander (bajo). Los demás miembros de la banda apodaron a James “Pop” debido al parecido que guardaba con un vecino suyo. Sería poco después, tras presenciar un concierto de MC5 en su ciudad, cuando Osteeberg se denominó a sí mismo “Iggy Pop”.

El debut de la banda tuvo lugar en un concierto de Halloween que estos dieron en su casa de State Street, en 1967. Poco más tarde, tocaron en el Grande Ballroom (Detroit), junto a grupos como MC5 y otros, dándose así a conocer. The Stooges ganó reputación rápidamente debido a lo violentas y ruidosas que eran sus actuaciones. Pop, especialmente, ganó fama gracias a lo extraño que era su comportamiento sobre el escenario, untando en su torso crema de cacahuete y carne de hamburguesa, haciéndose cortes con trozos de vidrio y mostrando sus genitales al público, entre otras cosas.

The Stooges fueron descubiertos por el observador de Elektra Records Danny Fields (quien más tarde también descubriría y se convertiría en el mánager de Ramones), firmando así un contrato para dicha compañía. Su primer álbum, cuyo nombre es el mismo que el de la banda, salió en 1969, obteniendo muy pocas ventas así como un no grato recibimiento por parte de los críticos de aquella época.

El segundo álbum, “Fun House”, lanzado en 1970 y considerado por muchos como el mejor disco de The Stooges, tampoco logró alcanzar un notoriamente mejor recibimiento. En este último, el grupo trató de plasmar la fuerza y la energía que desprendían en sus actuaciones en vivo. En junio de ese mismo año, la banda tocó en el Pop Festival de Cincinnati. Durante su actuación, Iggy Pop se dejó caer en repetidas ocasiones sobre el público, el cual lo sostuvo por encima de la muchedumbre. Este hecho se convirtió en una de las imágenes icónicas del rock a partir de entonces.

En agosto de ese mismo año, Alexander fue despedido temporalmente del grupo por encontrarse demasiado ebrio en escena en el International Music Festival de Goose Lake, siendo rápidamente reemplazado por una sucesión de nuevos bajistas. Llegados a este punto, la banda casi al completo (con la notable excepción de Ron Asheton) se habían vuelto consumidores habituales de drogas como la heroína, siendo Iggy Pop el peor ejemplo de todos. El resultado final de todo esto fue la anulación del contrato que The Stooges tenía con Elektra Records.

Al no poseer compañía discográfica, la banda se quedó durante un tiempo sin nadie que les consiguiese actuaciones ni el dinero necesario como para seguir con la producción de nuevos discos, por lo que se produjo durante un tiempo un parón musical. Afortunadamente, Pop conoció a David Bowie en septiembre de 1971, convirtiéndose ambos rápidamente en buenos amigos. De esta forma, Bowie ayudó a Pop a reconstruir la banda como seguidamente convenció a su discográfica, Columbia Records, de que los contratase.

Su tercer trabajo, «Raw Power», fue grabado entre septiembre y octubre de 1972 y editado en febrero de 1973 por Columbia Records, con David Bowie como productor, y aunque es considerada como una de las piedras angulares del punk rock, tuvo el mismo poco éxito que sus dos predecesores.

Iggy Pop firmó con Columbia Records y fue mandado a Londres a componer y grabar el nuevo álbum con su nuevo colaborador, el guitarrista James Williamson. Pop insistió en que sus ex compañeros de Stooges, Ron y Scott Asheton participaran en la grabación. Williamson se encargó de la guitarra, Ron Asheton pasó a tocar el bajo (habiendo sido el guitarrista con The Stooges), y Scott Asheton la batería.

Fue el propio Iggy Pop quien produjo y mezclo el álbum, si bien su primer intento fue lamentable mezclando casi todos los instrumentos en un canal y las voces en otro. MainMan exigió que el álbum fuera remezclado, pero Pop se negó. Cuando MainMan informó a Pop de que si el disco no era remezclado por Bowie, no lo publicaría, Pop aceptó, pero insistiendo en que su mezcla de “Search and Destroy” se mantuviera. Debido a problemas de presupuesto, Bowie remezcló las otras siete canciones en un sólo día en un estudio barato de Los Ángeles.

Iggy Pop dijo que los directivos de Columbia insistieron en que introdujeran dos baladas, una en cada cara del disco. Estas baladas fueron “Gimme Danger” y “I Need Somebody”, ambas mucho más oscuras y amenazadoras que las baladas tradicionales. “Search and Destroy” y “Shake Appeal” fueron los singles publicados.

El grupo se embarcó en una gira promocional que duró varios meses. Al mismo tiempo, The Stooges llevó a cabo una serie de grabaciones conocidas como “The Detroit Rehearsal Tapes”, las cuales presumiblemente iban a formar parte de un cuarto álbum que estaba por llegar.

Las ventas de “Raw Power” fueron bajas, aunque logró llegar al número 182 en el Bilboard de álbumes de pop. A pesar de la tibia recepción del disco, la reputación del álbum aumentó de forma abrumadora en los siguientes años, y el volumen y ferocidad del álbum se convirtieron en el punto de referencia para los demás discos. En 2003, el álbum fue situado en el puesto 125 de la lista de los 500 mejores álbumes elaborada por la revista Rolling Stone. La banda continuó sus actuaciones en vivo, pero Columbia terminó por rescindir su contrato y The Stooges se separaron en febrero de 1975, siendo su principal causa la adicción a la heroina de Iggy Pop, como también su errático comportamiento en el escenario.

En 1997 Columbia Records invitó a Iggy Pop a remasterizar el álbum entero para su publicación en CD. Pop comentó que de haber rechazado el trabajo, el estudio lo habría hecho igual. Entre las razones que le llevaron a hacerlo, citó los ánimos de fans y colegas profesionales, la existencia del disco “Rough Power”, el desagrado de la versión de “Raw Power” editada en CD en 1989 y el hecho de que Columbia fuera a publicar una nueva mezcla en su filial Legacy Records. Este archivo corresponde a dicha reedición.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas escritos y compuestos por Iggy Pop y James Williamson)

  1. «Search and Destroy» — 3:29
  2. «Gimme Danger» — 3:33
  3. «Your Pretty Face Is Going to Hell» — 4:54
  4. «Penetration» — 3:41
  5. «Raw Power» — 4:16
  6. «I Need Somebody» — 4:53
  7. «Shake Appeal» — 3:04
  8. «Death Trip» — 6:07

Calidad: FLAC