Si bien es cierto que «Todo Está Podrido» (DDT, 2002) ya había roto el maleficio que parecía recaer sobre Odio cada vez que trataban de editar un disco, es probable que no sea hasta este «Esclavos del Capital ¡¡¡Miseria Para Siempre!!!» (Fragment, 2011) que realmente sintieron haberse sacado la espina. Corresponde a una trabajo de estudio (realmente en su local de ensayo EMTE en Orereta-Rentería) a diferencia del anterior que había sido confeccionado a partir de fragmentos de conciertos en los que a veces el sonido flaqueaba.
Se registraron los temas entre el final de 2010 y comienzos de 2011 y se mezclaron en los estudios Zuzen. Es por tanto una revisión, mucho tiempo despues, de material que la banda tenia desde 1979 a 1994. La comparación con el sonido que tuvieran aquellos cortes entonces queda sólo para los miembros históricos de la formación -Pikotas el cantante principalmente- y los seguidores de toda la vida, pero para los que sólo hemos tenido acceso a esta lectura actual, nos basta y bien de veras.
Avisan desde la portada a los padres que se cuentan verdades en las letras y el CD tiene diseño de tapa de alcantarilla. Y es que si de algo pueden presumir y bien de verás Odio es de haber compuesto crónicas desgarradamente crudas de lo que aquellos años 80 fueron en el País Vasco. Auténticos poetas del asfalto y del barrio gris comienzan con «Fase terminal», a mi juicio, una de las mejores canciones sobre la adicción a la heroína en los chavales de aquellos años: «Vivir en la calle tu juventud, cuando todo era una mierda todo era full / Salir a la calle sin ilusión, por tus venas corre sangre de revolución / Día tras día sin saber que hacer, te perdiste en el abismo de un gran placer / El placer de una mierda que hoy no quieres ver compartiendo una jeringa te sentiste bien.» A las primeras estrofas seguía la descripción de la decadencia y degradación física del joven al que precisamente dedican «este rock and roll» por su soledad resistiendo a la enfermedad.
Precisan que es un rock and roll lo que tocan. Con temas como éste, Odio, en principio incuestionablemente situados en la trinchera del punk, se acercaba a cronistas con querencias de rock urbano callejero como Barricada, Leño o La Banda Trapera del Río. «Fase terminal» es un ejemplo claro de ello, pero también pueden serlo los resquicios que encuentran las guitarras para ciertos momentos en solitario de temas como «Tortura», «Revolución», «La ciudad sin ley» o incluso «Suicida» .
Basta escuchar sin embargo la totalidad de la propia «Suicida» -una auténtica descarga- o «Bomba del tiempo» para comprender a qué palo puede adscribirse el sonido general de la banda. Son por cierto estas dos, canciones que trabajan ideas habituales en un género en el que entran perfectamente historias de individuos que o bien sienten ganas de quitarse de enmedio -veáse si no «El suicida» del «Ellos Dicen Mierda, Nosotros Amén» (Ohiuka, 1990) de La Polla Records- o de explotar llevándose por delante la mayor parte de conciudadanos posible consigo (ejemplo: «Soy una bomba» de Vómito en su disco «Vómito» (Suicidas, 1987) -. Las letras vuelven a apuntar momentos especialmente brillantes en la versión suicida de Odio: «Tu locura coge mucha altura (…) tu cabeza rueda por la vía».
Puntualizaciones estrictamente musicales aparte, Odio tiene en su haber despiadas postales urbanas como «Estado de excepción» o «La ciudad sin ley»: «Estás en el barrio se oyen sirenas / son de la pasma y es que te avisan / como los perros cuando te ladran / igual que un buitre cuando agonizas», cantan en la primera -que dedican a las Brigadas Volantes, grupos especializados de la Policía Local que se formaron en los 80 para combatir la delincuencia-; o «Somos las huestes de una ciudad destrozada / donde la ley nunca tuvo orden / y el orden es la lucha cotidiana» en la segunda. Poco futuro pues en las calles.
Los tintes más siniestros los adoptan con pasajes de «Fascistas» y «Cleptomanía». En la primera llama la atención el comienzo sostenido por la batería primero y el bajo despúes sobre el fondo de feedback creado por la guitarra.
Dosis abrasiva de radicalismo anarquista en su versión más revolucionaria y destructiva en «Revolución» y «Odio» respectivamente.
Aunque puestos a rebuscar en el ideario de la banda, destaca sobre todas un auténtico clásico del repertorio: «27 de septiembre», alegato dedicado a los últimos fusilamientos del franquismo compuesto sobre la estructura macabra de villancico. Suenan épicas las referencias a las murallas impuestas para arrebatar las libertades de un pueblo y a los ríos de sangre derramados en la lucha contra ello.
El disco incluye también alegatos contra la Iglesia («Dinero del caos»), -probablemente- el Rey Juan Carlos («Pirata legal») y «1992: Palacios y chabolas», el escupitajo que como Pitarra compusieron contra la España -y por extensión Europa- del Centenario y los Juegos Olímpicos de Barcelona.
Probablemente algo más que un simple disco. Es todo un historial, el de Odio. Repertorio amargo eso sí, porque así era su música. La banda sonora bastarda de lo que La Polla Records llamó «Nuestra alegre juventud».
Quizás no sea exagerado decir que Kortatu fue una de las bandas imprescindibles en el panorama del Rock Radical Vasco de los 80. Aunque, como muchos otros grupos, manifestaron no sentirse excesivamente contentos con semejante etiqueta, su incondicional compromiso político con la causa nacionalista vasca, su aparentemente inagotable energía que les llevó a participar con su música casi en cualquier sitio desde el que les llamasen, les convirtieron en uno de los motores de todo aquel movimiento. Así describía Fermín Muguruza, cantante y guitarra del grupo, aquellos días: “..estábamos organizados. Era todo muy punk pero también muy radical. Ahora falta un poco esa (sic) ansia de sentirse libres, entonces no. Estábamos todos los grupos en contacto siempre; pasaba cualquier cosa y estábamos como una piña; en ese sentido también fue un movimiento real”.
El entramado de asociaciones, movilizaciones, gatztetxes, centros sociales llegó a ser de tal densidad que, tal y como describe Roberto Moso, cantante de Zarama y cronista de excepción de aquellos días, en su libro “Flores en la Basura” (Colección Zirkus, 2003), para muchos grupos llegó a ser complicado atender a todas las peticiones que recibían para actuar. Actuaciones que por otro lado suponían, no ya no cobrar nada, sino un desembolso económico por parte de las propias bandas. Llegó incluso un momento en el que casi todos se vieron obligados a tener que elegir entre las diferentes invitaciones recibidas, con los consiguientes problemas que eso acarreaba. Con todo, de algún modo, Kortatu estaba en absolutamente casi todos los lados, se involucraban en todas las protestas. El sentimiento de pertenencia a un movimiento, no sólo musical, sino social, la concepción del punk, no como una mera estética, sino una filosofía y compromiso, están detrás de semejante derroche dinámico. Por algo se les ha denominado en más de una ocasión un fenómeno sociológico.
Componente fundamental y distintiva de la música de Kortatu, fue su impronta política. Su visión personal del panorama en el Euskadi de los 80 constituía la temática, especialmente en sus últimos discos, sobre la que componían sus letras. Se decía de los Clash que bastaba leer la primera página de los periódicos para saber de qué iban a ir sus canciones. Algo similar ocurría con los de Irún. No tuvieron problema alguno en denunciar las muertes de integrantes de ETA a manos de policía nacional o del GAL, criticar pactos de gobierno en el parlamento vasco, burlarse de medidas represivas de los Ministerios del Interior socialistas… Kortatu (como luego haría Fermín en los proyectos que pone en marcha mucho después) lucha rabiosamente, no por convencerte con su mensaje u opinión, sino en disponer de entera libertad para ponerla delante de las narices del que los escucha.
En septiembre de 1986 graban y editan su segundo trabajo, «El Estado de las Cosas» (Soñua, 1986). Tan sólo un mes después de la salida al mercado, Kortatu vuelve de gira por Europa: Suiza, Alemania y Holanda. 1987 no supone ningún respiro para la banda, van a Italia, Francia, de nuevo a Alemania, e incluso a Polonia. Precisamente, como testimonio de esta visita, existe grabación de la entrevista que el grupo concedió a la televisión de dicho pais. En la misma, jugando a «niños terribles», sobre todo Fermin e Iñigo, ponen en dificultades a la esforzada traductora, que se ve obligada a traducir al polaco alguna que otra barbaridad. Para finalizar y ante los ruegos de los presentadores, los tres terminan cantando el «Eusko Gudariak» y apuntan las primeras frases del «Gure olentzero», canción de navidad infantil.
Tal y como habían anunciado casi desde sus principios, el grupo afronta la grabación de un disco cantando completamente en euskera. Los hermanos Muguruza no lo hablaban y, para acometer la empresa, tuvieron que dedicar su tiempo a estudiarlo. Con todo, y con alguna ayuda externa, sacan al mercado el tercer larga duración «Kolpez Kolpe» (Oihuka, 1988). En el que para muchos es el mejor disco de la banda, Kortatu depliega un sonido duro, dentro de un amplio espectro de posibilidades que incluyen incluso apuntes de hip-hop, anuncio quizás del que sería el proyecto que los Muguruza desplegaráin en el futuro con Negu Gorriak.
Poco antes de preparar su concierto de despedida, «Azken Guda Dantza» (Oihuka, 1988), el grupo vuelve a salir de gira europea, llevándolos a Francia, Italia, Suiza y Alemania. Precisamente en Berna (Suiza) se registra esta grabación parcial y rudimentaria en un único archivo durante su actuación. El «Directo en Berna (Suiza)» puede no ser el mejor ejemplo de un concierto de Kortatu, pero es un testimonio que atesorar, sobre todo para coleccionistas.
Fermín apuntaba la necesidad de tener total autogestión, pero sobre todo “necesitábamos un descanso de unos cuatro años, habíamos hecho casi trescientos conciertos y encima teníamos un nivel de popularidad altísimo y decidimos parar. Y cada uno se fue por su lado. Todavía hay gente que me pregunta a ver porque nos separamos y yo ya ni me acuerdo. Aunque fueron cuatro años reales, para mí fueron diez, y de ello responde mi cabeza y mi estado físico.”
Pruebas adicionales del tirón que tiene Kortatu por el resto de Europa son las reediciones de LP y sencillos en compañías como Red Rhinos (para el mercado británico), Organik (en Suiza) y Bondage International (para el mercado francés). Kortatu constituyen, en definiitiva, una pieza angular del punk-rock vasco, hasta el punto que se haría duro concebir toda la onda sísmica generada en Euskadi en los años 80 sin su participación. Durante los no más de cuatro años de existencia mostraron una coherencia envidiable con su visión de la sociedad vasca de aquellos años, con la frialdad justa además para terminar cuando y cómo quisieron.
The Exploited es una banda de hardcore punk de Edimburgo, Escocia, formada entre finales del año 1979 y principios de 1980 y activa hasta el día de hoy. A pesar de ser una banda icónica del hardcore punk británico (también llamado UK82), a lo largo de su trayectoria ha pasado por diferentes estilos, empezando por un punk claramente influenciado por el llamado street punk en sus primeros EP y su disco debut de 1981, «Punk’s Not Dead», para luego decidirse por el hardcore punk que se convertiría en su sello distintivo durante la década de 1980 (destacando los álbumes «Troops of Tomorrow», de 1982, «Let’s Start a War…», de 1983, y «Horror Epics», de 1984). Desde finales de aquella década, el estilo de la banda variaría hacia un crossover thrash a partir del LP «Death Before Dishonour» y continuando con los álbumes «The Massacre», «Beat the Bastards» y «Fuck the System» (1987, 1990, 1996 y 2003 respectivamente).
En la actualidad están considerados, junto a GBH y Discharge, como uno de los tres grandes del hardcore punk británico. Han vendido 750.000 álbumes de manera independiente en todo el mundo.
Influenciados por el surgimiento del punk de finales de los años 1970 y en particular por el incipiente movimiento Oi! (aún no conocido con ese nombre), Wattie Buchan, que había pasado unos años sirviendo en las Fuerzas Armadas Británicas, así como John Duncan, Gary McCormack y Dru Stix deciden formar su propia banda, más que nada como una forma de combatir el aburrimiento además de haberse percatado por medio de Sex Pistols, The Damned y UK Subs, entre otros, de que no era necesario ser grandes músicos para subirse al escenario y editar discos.
A principios de 1980 The Exploited inicia una fuerte actividad en la naciente segunda oleada del punk británico (conocida también como UK82, «No Future Punk» o «UK Hardcore Punk»), dando conciertos, editando sencillos y congregando un número relativamente grande de seguidores. Además de punks, skinheads y herberts componían la audiencia de la banda, ya que desde un principio The Exploited se declararía partidario de la unidad de punks y skinheads, razón por la cual muchos considerarían a The Exploited como una banda Oi!, llegando a incluirlos en algunas compilaciones del género (como el seminal «Oi! The Album», «Lords of Oi!» y otros). No obstante, siempre se autodenominaron punk. A pesar de que la imagen de The Exploited y en especial de Wattie, con su cabellera mohicana roja, botas Dr. Martens y chaqueta de cuero, ha permanecido en el imaginario colectivo de sus seguidores, en sus inicios la banda llevaba una estética más cercana a la de los primeros punk: pelos cortos y teñidos, camisetas de Vivienne Westwood y Dr. Martens además de alfileres.
«Singles Collection» es un álbum recopilatorio de la banda escocesa The Exploited, editado en 1991 por Snaper Classics y reeditado en 1993 por Dojo Limited. Contiene 22 tracks que fueron compilados de sus singles más exitosos como «Army Life», «Dogs of War», «Attack / Alternative», «Barmy Army», «Dead Cities», etc.
BAP!!, siglas de «Brigada Anti Polizialak» (Brigadas Anti Policiales, en castellano) o también «Babarruna ta Aza Popularra» (Alubia y berza popular), fue un grupo vasco de hardcore punk. Se forman en 1984 en Andoain (Gipuzkoa, Euskadi) y se disuelven en 1996, dejando tres discos grabados. Eneko Abrego, Jomes, Drake y Txanpi, con nula experiencia y poca habilidad con los instrumentos, siguieron la estela de grupos que se englobaron en el llamado rock radical vasco. Comenzaron tocando un furibundo hardcore punk, del que son precursores reconocidos en Euskadi, pero su sonido fue evolucionando disco a disco hacia un estilo con muchos más matices, influenciados (entre otras bandas) por los Bad Brains.
Hasta 1986 no apareció su primer LP, «Bidehuts eta Etxe Huts» (Basati Diskak). Txampi abandonó entonces la batería, entrando el hermano de Eneko, Mikel Abrego. Publicaron «Zuria Beltzez», donde la evolución en el sonido es bastante notable, incluyendo, no obstante, temas en la onda de su primer trabajo.
Su tercer trabajo, «Lehertzeko Garaia», lo entregaron en 1994 para la discográfica Esan Ozenki. El disco fue recibido por la crítica como el mejor de los que habían grabado hasta el momento. No sólo se produjeron mejoras a nivel compositivo, sino que los músicos tocaban cada vez mejor. De hecho, Drake y Mikel formaban una de las mejores bases rítmicas del Estado Español, según la revista musical Ruta 66.
En 1996 el grupo se separó, dejando como epitafio un documental sobre el grupo que, junto con entrevistas, se editó en el vídeo «…Ta Bestela Ondo?» (Esan Ozenki). Su último concierto lo dieron en el gaztetxe de Andoain, al que siempre estuvieron ligados y en el que tocaron muchas veces. El concierto se editó en CD y DVD por la discográfica Metak (sucesora de Esan Ozenki) en 2003 con el título de «Bazen». Durante ese año Mikel, Eneko y Drake se juntaron con Borja (ex-guitarrista del grupo Purr) para ensayar nuevas canciones. Esto provocó que se propagaran rumores sobre una posible reunión de BAP!!, pero el grupo lo negó tajantemente y terminó publicando un disco bajo un nuevo nombre: «Inoren Ero Ni».
Inclasificable grupo bilbaíno liderado por Iñaki Pérez (voz y guitarra), donde también estaría Gatxet (guitarra), proveniente de Naste Borraste donde tocaba el bajo. Se puede encuadrar a Zer-Bizio? dentro de lo que se conoció como rock radical vasco.
En 1986 aparece su primer trabajo para Discos Suicidas, sello local que a la postre sería con el que grabarían el resto de sus incursiones discográficas. Este primer álbum se tituló Sentimientos y Venganzas». Considerado como su disco más popular, parte del mismo se grabó en directo, en un claro alegato al rock que salta desde las profundidades de los barrios inquietos.
Al año siguiente aparece «Gasolina y Fuego», su segundo álbum y uno de los que crearon escuela, con estilo propio y muy maduro. Letras caracterizadas por su buena elaboración y por su temática social, es decir, un referente del rock radical y del mejor y más genuino punk-rock.
“Los Unos, los Otros y Nosotros” es el tercer trabajo de este grupo, ya en 1989, en el que vuelven a destilar su genuino punk-rock callejero y salvaje, en uno de los discos más representativos de esta mítica banda vasca. Seguido del disco “Buen Agujero y Sin Salida”, editado por Discos Suicidas en 1990.
Al año siguiente graban una actuación en vivo en el álbum “Directo”, editado por DDT Diskak. En 1993 graban un disco en directo compartido con los grupos Platero y Tú y Sedientos, de la mano del sello, también vasco, Oihuka, que se conoce como “A todo gas en directo”.
Su última referencia en formato disco data de 1999, cuando, de nuevo con su disquera de siempre (Discos Suicidas), publican “Bilbon”, grabado íntegramente en directo que reúne 23 cortes.
En 2001, se reedita “Gasolina y Fuego” a cargo de Hilargi Records.
Bad Religion es una banda estadounidense de punk rock fundada en 1979 en el sur de California por Greg Graffin (voz), Jay Bentley (bajo), Jay Ziskrout (batería) y Brett Gurewitz (guitarra), a la que se le adjudica haber guiado el resurgimiento del punk rock en el mainstream, así como haber influenciado a lo largo de su trayectoria a un gran número de músicos del punk y del rock.
La banda ha contado con diferentes alineaciones a lo largo de sus 38 años de existencia, siendo Graffin el único miembro que ha sido constante; no obstante, la banda cuenta en el siglo XXI con tres de sus miembros originales: Greg Graffin, Brett Gurewitz y Jay Bentley.
Ha lanzado dieciséis álbumes de estudio, dos EP, tres álbumes compilatorios, un álbum en directo y tres DVD. Su álbum Suffer ha sido valorado por algunos críticos como el álbum de punk rock más relevante de todos los tiempos, aunque nunca tuvo un puesto en la lista de popularidad la Billboard. En 1993 la banda alcanzó un puesto de cartelera con su álbum Recipe for Hate, ese acontecimientos les dio fama mientras les aseguró el puesto número 14 de la lista Heatseekers de la Billboard de ese año. Su mayor éxito vino con Stranger than Fiction el primer álbum con el que consiguieron el disco de oro en Estados Unidos, desprendiéndose de él reconocidos singles como «21st Century (Digital Boy)» e «Infected». La banda se mantuvo cosechando éxitos de manera más discreta en su nueva discográfica, Warner, sin Brett Gurewitz, quien se retirara en 1994 por motivos personales. El 2001 fue un año importante para la banda ya que marcó la vuelta de Gurewitz y el regreso de Bad Religion a Epitaph, discográfica de música independiente de la cual es el dueño. Desde este «renacer» para la banda, se ha mantenido con la misma alineación durante más de diez años seguidos y cinco álbumes.
Son conocidos particularmente por su sofisticado uso del estilo, metáfora, vocabulario, uso de iconos y armonías vocales (los denominados por la banda como oozin’ aahs); esto último consagrándolos como pioneros del naciente hardcore melódico. Sus letras suelen ser reflexivas en torno a sentimientos personales, ideologías de vida y responsabilidad social.
«Recipe for Hate» es el séptimo álbum del grupo de punk Bad Religion, grabado entre 1992 e inicios de 1993 en los estudios Westbeach Recorders de Hollywood, con producción del propio grupo, y editado en junio de 1993 por el sello independiente Epitaph. Este fue su último álbum en Epitaph Records durante nueve años (hasta «The Process of Belief», 2002) y la banda se cambió a Atlantic Records, quien reeditó el álbum varios meses después de su lanzamiento.
Cuenta con la participación del vocalista de Pearl Jam Eddie Vedder, que canta algunas estrofas en la canción «Watch It Die». El álbum comienza con el tema que da título al mismo, «Recipe for Hate», canción que la banda suele tocar en sus conciertos.
Mientras que el álbum fue reeditado en una gran discográfica, «Recipe for Hate» recibió inicialmente reseñas mixtas de críticos de música. También fue el primer álbum de Bad Religion en EUNA debutando en el n° 14 en la lista de Heatseekers de Billboard, con los sencillos «American Jesus» y «Struck a Nerve», en particular, convirtiéndose en los principales éxitos de la radio. El álbum también contiene canciones importantes como, «Recipe for Hate» y «Skyscraper», que son las favoritas de los fanáticos y son elementos básicos de su show en vivo hoy; la primera es una canción con la que Bad Religion abre a menudo su espectáculo.
The Exploited es una banda de hardcore punk de Edimburgo, Escocia, formada entre finales del año 1979 y principios de 1980 y activa hasta el día de hoy. A pesar de ser una banda icónica del hardcore punk británico (también llamado UK82), a lo largo de su trayectoria ha pasado por diferentes estilos, empezando por un punk claramente influenciado por el llamado street punk en sus primeros EP y su disco debut de 1981, «Punk’s Not Dead», para luego decidirse por el hardcore punk que se convertiría en su sello distintivo durante la década de 1980 (destacando los álbumes «Troops of Tomorrow», de 1982, «Let’s Start a War…», de 1983, y «Horror Epics», de 1984). Desde finales de aquella década, el estilo de la banda variaría hacia un crossover thrash a partir del LP «Death Before Dishonour» y continuando con los álbumes «The Massacre», «Beat the Bastards» y «Fuck the System» (1987, 1990, 1996 y 2003 respectivamente).
En la actualidad están considerados, junto a GBH y Discharge, como uno de los tres grandes del hardcore punk británico. Han vendido 750.000 álbumes de manera independiente en todo el mundo.
Influenciados por el surgimiento del punk de finales de los años 1970 y en particular por el incipiente movimiento Oi! (aún no conocido con ese nombre), Wattie Buchan, que había pasado unos años sirviendo en las Fuerzas Armadas Británicas, así como John Duncan, Gary McCormack y Dru Stix deciden formar su propia banda, más que nada como una forma de combatir el aburrimiento además de haberse percatado por medio de Sex Pistols, The Damned y UK Subs, entre otros, de que no era necesario ser grandes músicos para subirse al escenario y editar discos.
A principios de 1980 The Exploited inicia una fuerte actividad en la naciente segunda oleada del punk británico (conocida también como UK82, «No Future Punk» o «UK Hardcore Punk»), dando conciertos, editando sencillos y congregando un número relativamente grande de seguidores. Además de punks, skinheads y herberts componían la audiencia de la banda, ya que desde un principio The Exploited se declararía partidario de la unidad de punks y skinheads, razón por la cual muchos considerarían a The Exploited como una banda Oi!, llegando a incluirlos en algunas compilaciones del género (como el seminal «Oi! The Album», «Lords of Oi!» y otros). No obstante, siempre se autodenominaron punk. A pesar de que la imagen de The Exploited y en especial de Wattie, con su cabellera mohicana roja, botas Dr. Martens y chaqueta de cuero, ha permanecido en el imaginario colectivo de sus seguidores, en sus inicios la banda llevaba una estética más cercana a la de los primeros punk: pelos cortos y teñidos, camisetas de Vivienne Westwood y Dr. Martens además de alfileres.
«Live and Loud» es un álbum en directo de la banda escocesa The Exploited, editado originalmente en 1987 y reeditado en 1993 por Anagram Records con diferente portada y muchos más temas en el disco. Las canciones incluidas en vivo pertenecen a su primera época, la más punk/oi, incluyendo algunas más hardcore.
Bad Religion es una banda estadounidense de punk rock fundada en 1979 en el sur de California por Greg Graffin (voz), Jay Bentley (bajo), Jay Ziskrout (batería) y Brett Gurewitz (guitarra), a la que se le adjudica haber guiado el resurgimiento del punk rock en el mainstream, así como haber influenciado a lo largo de su trayectoria a un gran número de músicos del punk y del rock.
La banda ha contado con diferentes alineaciones a lo largo de sus 38 años de existencia, siendo Graffin el único miembro que ha sido constante; no obstante, la banda cuenta en el siglo XXI con tres de sus miembros originales: Greg Graffin, Brett Gurewitz y Jay Bentley.
Ha lanzado dieciséis álbumes de estudio, dos EP, tres álbumes compilatorios, un álbum en directo y tres DVD. Su álbum Suffer ha sido valorado por algunos críticos como el álbum de punk rock más relevante de todos los tiempos, aunque nunca tuvo un puesto en la lista de popularidad la Billboard. En 1993 la banda alcanzó un puesto de cartelera con su álbum Recipe for Hate, ese acontecimientos les dio fama mientras les aseguró el puesto número 14 de la lista Heatseekers de la Billboard de ese año. Su mayor éxito vino con Stranger than Fiction el primer álbum con el que consiguieron el disco de oro en Estados Unidos, desprendiéndose de él reconocidos singles como «21st Century (Digital Boy)» e «Infected». La banda se mantuvo cosechando éxitos de manera más discreta en su nueva discográfica, Warner, sin Brett Gurewitz, quien se retirara en 1994 por motivos personales. El 2001 fue un año importante para la banda ya que marcó la vuelta de Gurewitz y el regreso de Bad Religion a Epitaph, discográfica de música independiente de la cual es el dueño. Desde este «renacer» para la banda, se ha mantenido con la misma alineación durante más de diez años seguidos y cinco álbumes.
Son conocidos particularmente por su sofisticado uso del estilo, metáfora, vocabulario, uso de iconos y armonías vocales (los denominados por la banda como oozin’ aahs); esto último consagrándolos como pioneros del naciente hardcore melódico. Sus letras suelen ser reflexivas en torno a sentimientos personales, ideologías de vida y responsabilidad social.
«Generator» es el sextoo álbum del grupo de punk Bad Religion, grabado en mayo de 1991 en los estudios Westbeach Recorders de Hollywood, con producción de Brett Gurewitz, y editado en marzo de 1992 por el sello independiente Epitaph. Este es el primer álbum con el batería Bobby Schayer, quién reemplazó al batería anterior Pete Finestone, que dejó la banda en 1991 para concentrarse sólo en la banda The Fishermen, tras la grabación y el tour del álbum anterior «Against the Grain».
La banda grabó «Generator» con algunos cambios, como canciones más largas y más trabajadas, y también se produjo la enésima y definitiva marcha de Finestone en la batería, ocupándola Bobby Schayer. Sin embargo, esta sería la última fuga de Finestone de la banda, ya que no volvió más.
Attaque 77 es una banda de punk rock argentina formada en Buenos Aires (más precisamente en el barrio porteño de Flores) en el año 1987, integrada por Mariano Martínez (guitarra), los hermanos Federico (voz) y Demián «Ciro» Pertusi (bajo), luego de la ida de Alejandra Gravinesse, anteriormente cantante, Daniel «Danio» Caffieri (tío de Mariano) en guitarras y Claudio Leiva en batería. Sus actuales integrantes son Mariano Martínez, Luciano Scaglione y Leonardo De Cecco. Surgido del descubrimiento de varias bandas marginales a comienzos del 87, su carrera comenzó al publicarse dos canciones en el compilado «Invasión 88». Federico Pertusi propuso el nombre de «Attaque» gracias a un sello discográfico conocido de los hermanos Pertusi, y los demás integrantes de la banda le sumaron el «77», agregado al nombre debido al movimiento punk under del año 1977.
Su primera aparición discográfica fue en el recopilatorio «Invasión 88», donde varios grupos punks argentinos aportaron temas, entre ellos Attaque 77, Flema y el grupo Defensa y Justicia (grupo en el que cantaba Ciro y en el que era guitarrista Mariano). Para ese recopilatorio, Attaque participó con «Sola en la cancha» (cantado por Ciro) y «B.A.D (Brigada Anti Disturbios)», producidos artísticamente por Juanchi Baleirón, guitarrista de Los Pericos. En posteriores re-ediciones de ese disco, ya en formato CD, se incluyeron también «No te quiero más» y «Nunca más», producto de las mismas sesiones de grabación. Por diferencias musicales, Danio y Leiva se alejaron del grupo. Sólo es reemplazado Leiva con lo cual la banda quedó constituida definitivamente como cuarteto. El nuevo baterista fue el joven de 16 años, Leonardo De Cecco, (ex baterista de Mal Momento).
Para entonces, Radio Trípoli les propone la grabación del disco debut que se llamó «Dulce Navidad», producido por Michel Peyronel (baterista de Riff), y, por falta de presupuesto de la productora, estuvo integrado por sólo siete temas de los nueve que grabaron. Iba a lanzarse en diciembre de 1988, por eso lo llamaron así, pero se retrasó su salida y vio la luz en los primeros meses de 1989.
El año 2001 lo empezaron en la Costa Atlántica de la Provincia de Buenos Aires tocando en ocho ciudades, entre ellos, un show a beneficio del Centro de Discapacitados de la Matanza. Simultáneamente, trabajan en la grabación de dos discos tributo. Tras su gira latinoamericana, regresan a Buenos Aires a grabar un disco en vivo el cual es editado y distribuido por BMG Ariola bajo el título «Trapos», segundo álbum en directo de la banda. Fue grabado en vivo en el Estadio Obras Sanitarias, en Buenos Aires, Argentina los días 21 y 28 de abril del año 2001 y mezclado en los Estudios del Abasto al Pasto, de Buenos Aires. El escenario estaba cubierto de banderas hechas por fans de la banda. De este disco, salen dos videoclips de las canciones en vivo «Dame fuego» y «Hacelo por mí».
Fuente: Wikipedia / Zonde
Lista de canciones:
«Perfección» (Villalobos, Bonfá, Russo) – 5:27
«Cambios» (Pertusi) – 2:20
«Cuánta Cerveza» (Pertusi, Martínez) – 3:04
«El Perro» (Pertusi) – 2:30
«El Jorobadito» (Serrano) – 3:18
«Nuestros Años Felices» (Pertusi, Martínez) – 2:45
«El Cielo Puede Esperar» (Pertusi, Martínez) – 2:54
«Soy Rebelde» (M. Alejandro) – 2:43
«Chicos y Perros» (Pertusi) – 3:44
«Estrellas» (L. Maslíah) – 2:09
«Gil» (Pertusi) – 2:03
«Alza Tu Voz» (Pertusi) – 2:45
«Ángeles Caídos» (A. Vera) – 2:52
«Soy de Attaque» (Pertusi, Scaglione, Martínez) – 1:24
NoFX (No-Ef-Ex) es una banda californiana de punk rock y hardcore melódico formada en 1983 por Fat Mike (Mike Burkett), Erik Sandin y Eric Melvin, a los que en 1992 se unió El Hefe. La banda alcanzó una gran popularidad en 1994 con su álbum «Punk in Drublic», que fue disco de oro alcanzando la fama internacional. NoFX ha publicado 12 discos de estudio, 15 EP y bastantes sencillos. Han vendido cerca de 6 millones de copias en todo el mundo de manera independiente y sin que su música sea pasada en radios ni televisión, dando entrevistas sólo a medios independientes.
Todo empezó cuando Fat Mike (nombre real Mike Burkett) quiso fundar un grupo punk que tuviese buenas letras y buenas canciones, que grabase discos y saliese a tocar, a esta idea se suma Eric Melvin un amigo suyo de la infancia, quien no tenía mucha habilidad para tocar la guitarra pero que compartía los sueños y gustos de Mike, quien entonces tocaba en una banda llamada False Alarm. Junto a Erik Sandin completan el trío, encargándose este de la batería, Mike del bajo y voz y Eric Melvin de la guitarra y coros. En 1983 se funda NoFX.
Tras grabar varias maquetas y EPs, como «The PMRC can suck on this», se dedicaron a darse a conocer en conciertos en directo allá donde les ofrecieran y participaron de lo que sería el primer Warped Tour, con una fiel pero escasa afición. No es hasta cinco años después de su formación que grabarían su primer larga duración, el álbum «Liberal Animation», con Brett Gurewitz de Bad Religion como productor, editado por Wassail Records en 1988 y más tarde relanzado en 1991 por Epitaph Records, aunque NoFX corrió con los gastos de la grabación.
En 1989 el grupo firma con el sello independiente Epitaph Records, especializado en sonidos fuertes de punk, grunge y rock alternativo. De este modo publicarían para su nueva casa su segundo álbum, «S&M Airlines», grabado en marzo de 1989 en los estudios West Beach Recorders de Hollywood (California) y editado por Epitaph en septiembre del mismo año, con producción nuevamente de Brett Gurewitz de Bad Religion.
En 1992, antes de la grabación del EP «The Longest Line», El Hefe se unió como guitarrista y trompetista en el lugar de Steve Kidwiller; después de esto lanzaron «White Trash, Two Heebs and a Bean», cuarto álbum de la banda, grabado en agosto de 1992 en West Beach Recorders de Hollywood, con producción de Donnell Cameron, y editado por Epitaph Records en noviembre. Este disco es el primero de la banda en conseguir un importante éxito a nivel de ventas, fans y crítica, con sencillos como «Stickin’ in My Eye», «Bob» o «Please Play This Song on the Radio». Todas las canciones fueron escritas por Fat Mike, líder de la banda, excepto una, «Straight Edge» perteneciente a Minor Threat. Esta canción supone la primera experiencia de NOFX con el jazz.
El título original del disco iba a ser «White Trash, Two Kikes, And A Spic», pero a la abuela del guitarrista Eric Melvin no le gustó el título y se cambió por el definitivo «White Trash, Two Heebs and a Bean». Es, además, el primer disco de estudio para el mítico guitarrista El Hefe, ya que antes ya trabajó con la banda pero en el EP «The Longest Line».
Este año también salió a la venta un LP con algunas de las primeras canciones del grupo; lo sacó a la venta el sello Mystic Records sin el consentimiento del grupo. Según las propias palabras de Fat Mike: «El disco es pésimo y las carátulas muy malas. Nunca tuvimos ningún control sobre él. Ni siquiera sabíamos que iba a salir a la venta hasta que lo vimos expuesto en una tienda».
Catharina Hagen (nacida en Berlín Este el 11 de marzo de 1955 cuando Berlín y la actual Alemania estaban divididos en dos estados), más conocida como Nina Hagen, es una cantante y actriz alemana, famosa por su mezcla de estilo punk y canto operístico. Nina aprendió ballet a temprana edad y demostró sorprendente habilidad como cantante, siendo considerada una niña prodigio por sus interpretaciones de ópera. Dejó el colegio cuando cursaba el décimo curso y se unió a la banda de covers Fritzens Dampferband.
Nina Hagen fue miembro de la banda Automobil, la cual tuvo una buena aceptación en la República Democrática Alemana. En 1976 su padrastro, Wolf Biermann, cantautor y artista de conocidas opiniones contrarias al gobierno de la RDA, fue invitado a presentarse en un espectáculo televisado al otro lado del telón de acero Biermann viajó a la RFA y ejecutó su presentación televisiva; cuando las autoridades de la RDA se negaron a permitirle traspasar de vuelta la frontera, su esposa, Eva-Maria Hagen protestó públicamente por este impedimento. Nina Hagen, ya convertida en estrella musical juvenil, se unió a la protesta de su madre y advirtió entonces que seguiría los pasos de su padrastro en lo musical y lo político, pero dentro de la RDA; ante esta situación las autoridades germanoorientales otorgaron el permiso de salida a toda la familia Biermann-Hagen, pero sin opción de retorno.
En 1977 Nina Hagen formó en la RFA la banda The Nina Hagen Band con la que un año después grabaría el disco homónimo que incluye temas como «TV-Glotzer (White Punks On Dope)» (un cover de The Tubes) y «Auf’m Bahnhof Zoo».Durante una subsecuente gira europea, Hagen decide dejar la banda, aunque seguiría cumpliendo con el contrato para grabar un segundo álbum en 1979. «Unbehagen» (que en castellano significa «incomodidad» o «inquietud») fue producido con grabaciones que la banda hacía en Berlín y con las partes vocales que Nina grababa en California. Éste incluyó el tema «African Reggae» y «Lucky Number», un cover de Lene Lovich. Mientras tanto, la persona pública de Nina Hagen fue llamando la atención de los medios de comunicación masiva. Protagonizó un escándalo durante una aparición en un talk show austriaco llamado Club 2, donde simuló una masturbación. También participó en la película Cha Cha junto al holandés leyenda del rock, Herman Brood y a su amiga Lene Lovich.
En 1982 Hagen realiza su primer disco como solista: «NunSexMonkRock», una disonante mezcla de punk, funk y ópera; y ese mismo año comienza una gira mundial con No Problem Orchestra. En 1983 graba el álbum «Angstlos» e incluye un pequeño tour europeo. Para este tiempo las apariciones públicas de Nina Hagen se hacían extrañas y era frecuente que en sus discusiones incluyera temas relacionados con Dios, los extraterrestres y con su postura social y política. También se declaraba defensora de los derechos de los animales. Del álbum «Angstlos» se publicó una versión en inglés llamada «Fearless» (en castellano: «Intrépido») que generó dos de los máximos hits que se escucharon en las discotecas norteamericanas: «Zarah» (un cover de la canción «Ich weiss, es wird einmal ein Wunder geschehen» de Zarah Leander) y el éxito de la opera/punk/disco, «New York, New York» (que llegó al top 9 en el Billboard). Esta canción es diametralmente opuesta al clásico del mismo título cantado por Frank Sinatra y Liza Minnelli, y posiblemente por evitar confusiones es citada por algunas fuentes como «New York, N.Y.». La cantante era tan célebre en esta época, que en 1985 participó en el famoso concierto colectivo Rock in Rio.
También en 1985 la estrella alemana lanzó «Nina Hagen In Ekstasy»; este álbum no tuvo el éxito del anterior aunque generó algunos hits como «Universal Radio» y la versión punk de «My Way» (tema popularizado por Frank Sinatra). Dos años después como celebración por sus 18 años con el punk graba «Punk Wedding EP». Realiza un nuevo álbum en 1989 al que llamó simplemente «Nina Hagen», el cual fue acompañado por otro tour europeo.
Nina Hagen se muda a París con su hija Cosma Shiva, donde vive toda la década de los 90. En 1991 con un nuevo disco llamado «Street» comienza una nueva gira por el viejo continente. Un año después conduce un programa televisivo en la cadena alemana RTLplus. En 1993 realiza «Revolution Ballroom» y dos años más tarde íntegramente en alemán «Freud Euch», grabado en inglés como «Beehappy» en 1996.
«The Very Best of Nina Hagen» es una colección de grandes éxitos de Nina Hagen, editado en 1990 por CBS en toda Europa. Recoge sus hits en la Nina Hagen Band y también en solitario.
Fuente: Wikipedia / Zonde
Lista de canciones:
«TV-Glotzer (White Punks on Dope)» – 5:15
«Superboy» – 4:01
«African Reggae» – 6:17
«Universelles Radio» – 3:34
«Unbeschreiblich ♀» – 3:30
«Smack Jack» – 5:10
«Auf’m Bahnhof Zoo» – 5:25
«Dread Love» – 4:02
«Auf’m Rummel» – 4:32
«New York / N.Y.» – 4:59
«Wir Leben Noch (Lucky Number)» – 4:53
«The Change» – 4:40
«My Way» – 4:25
«Heiss» – 4:11
«Gott Im Himmel (Spirit in the Sky)» – 3:39
«Zarah (Ich Weiss, Es Wird Einmal Ein Wunder Geschehn)» – 5:02
Bad Religion es una banda estadounidense de punk rock fundada en 1979 en el sur de California por Greg Graffin (voz), Jay Bentley (bajo), Jay Ziskrout (batería) y Brett Gurewitz (guitarra), a la que se le adjudica haber guiado el resurgimiento del punk rock en el mainstream, así como haber influenciado a lo largo de su trayectoria a un gran número de músicos del punk y del rock.
La banda ha contado con diferentes alineaciones a lo largo de sus 38 años de existencia, siendo Graffin el único miembro que ha sido constante; no obstante, la banda cuenta en el siglo XXI con tres de sus miembros originales: Greg Graffin, Brett Gurewitz y Jay Bentley.
Ha lanzado dieciséis álbumes de estudio, dos EP, tres álbumes compilatorios, un álbum en directo y tres DVD. Su álbum Suffer ha sido valorado por algunos críticos como el álbum de punk rock más relevante de todos los tiempos, aunque nunca tuvo un puesto en la lista de popularidad la Billboard. En 1993 la banda alcanzó un puesto de cartelera con su álbum Recipe for Hate, ese acontecimientos les dio fama mientras les aseguró el puesto número 14 de la lista Heatseekers de la Billboard de ese año. Su mayor éxito vino con Stranger than Fiction el primer álbum con el que consiguieron el disco de oro en Estados Unidos, desprendiéndose de él reconocidos singles como «21st Century (Digital Boy)» e «Infected». La banda se mantuvo cosechando éxitos de manera más discreta en su nueva discográfica, Warner, sin Brett Gurewitz, quien se retirara en 1994 por motivos personales. El 2001 fue un año importante para la banda ya que marcó la vuelta de Gurewitz y el regreso de Bad Religion a Epitaph, discográfica de música independiente de la cual es el dueño. Desde este «renacer» para la banda, se ha mantenido con la misma alineación durante más de diez años seguidos y cinco álbumes.
Son conocidos particularmente por su sofisticado uso del estilo, metáfora, vocabulario, uso de iconos y armonías vocales (los denominados por la banda como oozin’ aahs); esto último consagrándolos como pioneros del naciente hardcore melódico. Sus letras suelen ser reflexivas en torno a sentimientos personales, ideologías de vida y responsabilidad social.
«Against the Grain» es el quinto álbum del grupo de punk Bad Religion, grabado en mayo de 1990 los estudios Westbeach Recorders de Hollywood, con producción de Brett Gurewitz, y editado en noviembre del mismo año por el sello independiente Epitaph. Fue el último álbum en el que contaron con el baterista Pete Finestone, quien abandonó la banda en 1991 para concentrarse en su nuevo proyecto musical, The Fishermen. A pesar de no haber sido promocionado por la radio y la televisión, «Against the Grain» logró vender más de 100.000 copias. Para algunos fanáticos, es considerado una especie de «Greatest Hits», aunque en vivo ya no lo hagan, en su momento solían tocar el 90 % de estos temas en vivo con gran respuesta del público.
«Against the Grain» es uno de los pocos álbumes de Bad Religion que presenta canciones no escritas por Greg Graffin o Brett Gurewitz. Una canción está escrita sólo por el bajista Jay Bentley, mientras que otra está escrita por Bentley y Greg Hetson.
El álbum ha recibido revisiones generalmente favorables en los años desde su lanzamiento inicial. Johnny Loftus de AllMusic dijo que el disco «encontró el filo de la banda más afilado de lo que había sido en años», y afirmó que «Bad Religion siempre había advertido contra los excesos del futuro y la asimilación de la individualidad».
Fuente: Wikipedia / Zonde
Lista de canciones:
(Todos los temas escritos y compuestos por Brett Gurewitz y Greg Graffin)
Preguntado por los comienzos del grupo, allá por el año 1978, Evaristo Páramos, el cantante de la formación, menciona dos características del punk que le atrajeron a él y otros cuatro chavales más de Salvatierra (Araba) para formar la que se convertiría en una de las bandas de referencia de este género. De entrada, no era necesario en absoluto saber tocar bien ningún instrumento y además “se podía cantar en el lenguaje de la calle”. Fue así como, al no haber otra cosa que hacer, tocar en un grupo punk junto a Fernando Murua Quintana -Fernandito- (batería), Maleguin (bajo), Txarly (guitarra) y Sume (guitarra), amigos de diferentes cuadrillas del pueblo con afinidades en sus gustos musicales, se convirtió en la única alternativa válida. Puestos a hablar mal, lo mejor era empezar con el nombre del grupo: nacía así La Polla Records (LPR).
Una feliz ocurrencia la de este disco, «Donde se Habla» (Oihuka, 1988), grabado en los estudios Elkar de Lasarte, como mucha de la producción de La Polla Records de estos primeros años, por Jean Phocas (que también trabajó con otras bandas del género como Cicatriz) y César Ibarretxe. Diseñado con mimo, con ambiente medieval para la portada (obra de Txefo, Joseba Olalde y Txarly) con un enorme pergamino que contiene cinco cartas de tarot, contraportada en la misma línea con figuras heráldicas y una cuidadísima presentación de las letras con grafías independientes para cada canción, en una hoja doble con fotos de cochinillos mamando de la madre por un lado y de imágenes varias por la otra. Con hilo conductor de animales para las canciones, representa la constatación de que llegó el disco conceptual al panorama del punk patrio. Obra de madurez quizás, desaparecen de las letras los objetivos tradicionales de la banda, y aunque sigue habiendo cabida para protestas específicas y crónicas de noches de alcohol y violencia (como las de la Rata), prima el regodeo para describir todo tipo de infiernos personales, psicóticos y alucinatorios. Evaristo confesó las influencias del libro “El Nombre de la Rosa” (1980) de Umberto Eco para la confección de este trabajo.
Comienza el disco a ritmo trepidante con un coro de monos irreverentes que cantan despreocupados ante cualquier contrariedad. Se admiten apuestas, pero de seguro que la canción tiene algo de declaración de intenciones de la banda. Para titular las pesadillas hospitalarias claustrofóbicas del segundo corte nada mejor que pájaros domésticos que pasan su existencia encerrados en jaulas -“Canarios y jilgueros”. La misma atmósfera opresiva, agobiante, con protagonistas desconcertados, que se sienten controlados, desorientados y confusos, ya sea por efecto de drogas, paranoias o “antibióticos sueños” se respira en “Confusión”, “Ciervos, corzos y gacelas” y “Las hormigas”. Todos ellos son temas impresionantes. Evaristo transmite irritación cutánea, escozor de ojos, hipersensibilidad patológica e irascible, sarpullidos… De escucha obligada.
Los siguientes tres temas concatenan un auténtico alegato contra la figura tradicional de macho. Vayamos por partes: “Ocho mariposas”, trata de las peripecias lésbicas de ocho alemanas en lo profundo de la Euskadi rural; “El animal sin nombre” mete el dedo en la llaga de la asignatura pendiente que supone para muchos “liberales” el asunto de la homosexualidad; y finalmente en “Conejas y gallinas” Evaristo pone voz al monólogo de una cuarentona que relata descarnadamente lo que es su vida. La Polla Records volverá, en trabajos posteriores, a tocar de nuevo la tecla de la indefensión del género femenino en el entramado social en el que nos desenvolvemos. Estamos por tanto ante una apuesta más que interesante que probablemente no todos esperarían de un grupo punk radical formado por cuatro hombres.
La música, vertiginosa hasta “Conejas y gallinas”, donde se detiene un tanto, vuelve a endurecerse y acelerarse con las dos entregas de la “Rata Parte 1ª y Parte 2ª”. Si no fuera porque finalmente Txus, el personaje de la canción con la que terminaba “Salve” (Soñua, 1984), nos hablaba desde la tumba, y de que ahora nos hablan de “Robertito” la saga ratonil de este disco parecería una continuación de sus andanzas. Para la segunda parte se cuenta con la colaboración de Jesús Mari Esnaola al piano.
“El perro salvaje” es probablemente uno de los mejores temas del disco. La música es un torbellino y la letra, con la que te llega a hervir la sangre precisamente de eso, de rabia, describe la soledad autosuficiente de un auténtico perro de presa (“me romperán la cabeza / mis ideas no (…) Sembraré toda mi rabia / donde duela más / puede que nunca tenga un colega / que necesite de mí / pero me bastan mis enemigos / por ellos puedo vivir”).
“El avestruz”, versión del tema “First time” de The Boys, es la canción que, según cuentan las leyendas, La Polla Records dedicó a Eskorbuto en los continuos roces que mantuvieron las dos bandas. Lo cierto es que, desde fuera de los círculos más íntimos de la banda, nada hay de evidente en la letra de la canción que confirmase la dedicatoria.
En “El Escorpión” (“que cuando el fuego le rodea se pica a sí mismo”) se trata precisamente de la droga. Evaristo, que confiesa haber transitado por estas vertientes, nos hace un relato de todo el proceso en que consiste abonarse al chute diario. La banda volverá en muchas ocasiones a tratar de este tipo de disquisiciones.
“El pinguino” tiene algo parecido a la crítica de “Animal sin nombre”. Aquí se trata de un palo a los “guardianes de la revolución”. La música está muy bien. En su momento, sirvió de “banda sonora” ficticia de una de las tiras de Pedro Pico & Pico Vena del dibujante Carlos Azagra.
La última canción es toda una sorpresa. Con un fondo musical que da al tema un tono de sueño psicodélico, intrigante, Evaristo recita en estéreo, adaptaciones de fragmentos sacados de “El Exterminador” (1973), una serie de relatos de William Burroughs escritos en el año 1973. La temática del libro gira en torno al poder, los abusos de éste, la negación de la individualidad, la hipocresía, la droga, la homosexualidad, etc. ajustándose como anillo al dedo al tono de denuncia de la banda precisamente en este disco. En concreto, el extracto que se puede oír por el auricular izquierdo corresponde al relato “El Advenimiento del Héroe Púrpura”, en el que el senador Homero Mandril, un simio al que se conoce con el nombre de Héroe Púrpura y candidato a la presidencia de los Estados Unidos, expone sus medidas de gobierno para poder devolver al país “el espíritu del verdadero conservadurismo”. Por el auricular derecho por su parte, se escucha un texto sacado de “La Disciplina del ME”, en el que el coronel Sutton Smith expone las bases del mínimo esfuerzo (ME). El libro, recomendable por su acidez y tono burlón en ocasiones, no tiene desperdicio. A nadie debería pillar desprevenido este guiño académico que se permite La Polla Records. Ya había avisado Evaristo que el hecho de ser punkie no le convertía en “un gilipollas de ideas cuadradas”.
Lejos de indicar alejamiento alguno a las bases planteadas en los trabajos previos, muestra que el espectro en la lucha antisistema por la que apostó el grupo era amplio. Un disco muy completo.
Los verdaderos problemas de Decibelios con sus seguidores estallan un año después, en 1987, cuando el grupo decide acometer la grabación del que luego sería su disco en directo «Vivo’s 88» (DRO, 1988). Para la ocasión, se elige la sala Zeleste. El día del concierto empezó con muy malas premoniciones. Por un lado, aparecieron pintadas en contra de la banda en las proximidades del recinto. Además, un aviso de bomba obliga a una inspección minuciosa del lugar. Solucionados estos contratiempos y algunos ajustes con respecto a la iluminación, llega el momento de la gran cita. Y al poco de comenzar la banda a tocar, y a pesar de las rigurosas medidas de seguridad impuestas para el acceso a la sala, una treintena de jóvenes, aparentemente pertenecientes a las Brigadas Blanquiazules del equipo de fútbol del Espanyol, se hacen con el protagonismo desde las primeras filas. Una de las fotos recogida en la biografía de Carles Viñas sobre el grupo muestra bien a las claras cómo el público abre un claro en la sala para desmarcarse de los bárbaros que pretender reventar el acto. Y de hecho consiguen que los numerosos medios de comunicación presentes para cubrir el evento atiendan mucho más a los desmanes que a lo Alex y sus drugos está causando el grupo de extrema derecha. El grupo hace caso omiso de las provocaciones y sigue tocando hasta concluir la grabación de los temas previstos.
Y es que, junto a la escena que se ha ido formando alrededor de Decibelios desde sus comienzos, y atraídos por sus provocativas proclamas de violencia callejera, aparecen elementos de tendencias filonazis, prestos a buscar en el grupo la banda sonora alentadora de su conducta agresora. Mucho se ha discutido acerca de la posible ideología de la banda. Son pocos los que cuestionan la veracidad de lo manifestado por todos ellos en numerosas ocasiones de una total ausencia de afinidad política por corriente alguna.
Disco en directo grabado el 12 de noviembre en la sala Zeleste de Barcelona en el estudio móvil El Camión. Los créditos de la grabación hablan de Marc y Jordi. Las fotos corren a cargo de Francesc y Jordi Fábregas. En concreto, la de la portada muestra a la banda en un escenario casi en penumbras, iluminado exclusivamente por unos cañones de humo emplazados detrás de la batería. Mientras, Fray está siendo descolgado al escenario desde la parte superior.
Quizás quede un poco descompensado por los pocos temas que aparecen de los dos primeros discos -tres de «Caldo de Pollo» (DRO, 1984), y sólo dos de «Oi!» (DRO, 1985)-. Eso sí, este trabajo en directo incluye «Ciutat Vella», un tema que no había aparecido en grabación anterior alguna, y que la banda compuso para seguir metiéndose con el consistorio municipal barcelonés.
Fue precisamente éste el concierto que reventaron una treintena de miembros de las Brigadas Blanquiazules, hinchas de extrema derecha del Espanyol. Su actitud durante todo el concierto, con cánticos y actitudes provocativas consiguieron atraer la atención de la mayor parte de las crónicas de la prensa al día siguiente. La banda recibió numerosas críticas por la, se estimó, actitud pasiva a la hora de frenar los desmanes que provocó este sector del público. Para Decibelios supuso un duro golpe. De hecho, quizás pueda ser éste el hito que de alguna manera desembocó en el final de la banda unos años después. De entrada forzó la ruptura con la que había sido su compañía discográfica desde los comienzos, DRO. Los miembros de la banda dijeron sentirse desprotegidos ante el aluvión de comentarios en contra que recibieron. Además el descontento arrastrado pudiera estar también detrás del cambio radical estilístico que experimentó en el siguiente disco «Con el Tiempo y una Caña» (Twins, 1989).
The Exploited es una banda de hardcore punk de Edimburgo, Escocia, formada entre finales del año 1979 y principios de 1980 y activa hasta el día de hoy. A pesar de ser una banda icónica del hardcore punk británico (también llamado UK82), a lo largo de su trayectoria ha pasado por diferentes estilos, empezando por un punk claramente influenciado por el llamado street punk en sus primeros EP y su disco debut de 1981, «Punk’s Not Dead», para luego decidirse por el hardcore punk que se convertiría en su sello distintivo durante la década de 1980 (destacando los álbumes «Troops of Tomorrow», de 1982, «Let’s Start a War…», de 1983, y «Horror Epics», de 1984). Desde finales de aquella década, el estilo de la banda variaría hacia un crossover thrash a partir del LP «Death Before Dishonour» y continuando con los álbumes «The Massacre», «Beat the Bastards» y «Fuck the System» (1987, 1990, 1996 y 2003 respectivamente).
En la actualidad están considerados, junto a GBH y Discharge, como uno de los tres grandes del hardcore punk británico. Han vendido 750.000 álbumes de manera independiente en todo el mundo.
Influenciados por el surgimiento del punk de finales de los años 1970 y en particular por el incipiente movimiento Oi! (aún no conocido con ese nombre), Wattie Buchan, que había pasado unos años sirviendo en las Fuerzas Armadas Británicas, así como John Duncan, Gary McCormack y Dru Stix deciden formar su propia banda, más que nada como una forma de combatir el aburrimiento además de haberse percatado por medio de Sex Pistols, The Damned y UK Subs, entre otros, de que no era necesario ser grandes músicos para subirse al escenario y editar discos.
A principios de 1980 The Exploited inicia una fuerte actividad en la naciente segunda oleada del punk británico (conocida también como UK82, «No Future Punk» o «UK Hardcore Punk»), dando conciertos, editando sencillos y congregando un número relativamente grande de seguidores. Además de punks, skinheads y herberts componían la audiencia de la banda, ya que desde un principio The Exploited se declararía partidario de la unidad de punks y skinheads, razón por la cual muchos considerarían a The Exploited como una banda Oi!, llegando a incluirlos en algunas compilaciones del género (como el seminal «Oi! The Album», «Lords of Oi!» y otros). No obstante, siempre se autodenominaron punk. A pesar de que la imagen de The Exploited y en especial de Wattie, con su cabellera mohicana roja, botas Dr. Martens y chaqueta de cuero, ha permanecido en el imaginario colectivo de sus seguidores, en sus inicios la banda llevaba una estética más cercana a la de los primeros punk: pelos cortos y teñidos, camisetas de Vivienne Westwood y Dr. Martens además de alfileres.
«The Massacre» es el sexto álbum de estudio de la banda escocesa The Exploited, grabado en The Slaughterhouse, con producción de Colin Richardson, y editado en 1990 por el sello independiente Rough Justice. El arte de carpeta fue de Terry Oakes. El disco ya tiene un sonido marcadamente de crossover thrash. Después de una nueva gira por el Reino Unido, Europa y Norteamérica en 1989, Gordon «Gogs» Belfour reemplaza a Nigel Swanson, que se transforma en un asesor de la banda, y Tony Martin toma el lugar de Willie Buchan en la batería. Es con esta formación con la que The Exploited edita su nuevo trabajo en una clara línea punk/metal con sonidos mucho más producidos, arreglos y con temas de más duración que los de sus trabajos anteriores.
En 1991 Willie vuelve a la batería. Es en este periodo en que se inicia la nueva tónica de trabajo del grupo: varios años entre disco y disco para dedicarse a largas giras mundiales. Es 1991 el año en que The Exploited viaja por primera vez a Japón. Sus presentaciones en dicho país darían lugar a un video y a un disco en vivo. En 1992, Slayer y Ice-T hacen una versión de las canciones «UK 82», «Disorder» y «War», temas del álbum «Troops of Tomorrow»; el resultado es un medley titulado «Disorder». La letra correspondiente a «UK 82» es cambiada y retitulada «LA 92», en alusión a las revueltas en la ciudad californiana luego de la golpiza que unos policías dieron a Rodney King. El medley «Disorder» de Slayer y Ice-T participaría en la banda sonora de la película de 1993 Judgement Night.
Attaque 77 es una banda de punk rock argentina formada en Buenos Aires (más precisamente en el barrio porteño de Flores) en el año 1987, integrada por Mariano Martínez (guitarra), los hermanos Federico (voz) y Demián «Ciro» Pertusi (bajo), luego de la ida de Alejandra Gravinesse, anteriormente cantante, Daniel «Danio» Caffieri (tío de Mariano) en guitarras y Claudio Leiva en batería. Sus actuales integrantes son Mariano Martínez, Luciano Scaglione y Leonardo De Cecco. Surgido del descubrimiento de varias bandas marginales a comienzos del 87, su carrera comenzó al publicarse dos canciones en el compilado «Invasión 88». Federico Pertusi propuso el nombre de «Attaque» gracias a un sello discográfico conocido de los hermanos Pertusi, y los demás integrantes de la banda le sumaron el «77», agregado al nombre debido al movimiento punk under del año 1977.
Su primera aparición discográfica fue en el recopilatorio «Invasión 88», donde varios grupos punks argentinos aportaron temas, entre ellos Attaque 77, Flema y el grupo Defensa y Justicia (grupo en el que cantaba Ciro y en el que era guitarrista Mariano). Para ese recopilatorio, Attaque participó con «Sola en la cancha» (cantado por Ciro) y «B.A.D (Brigada Anti Disturbios)», producidos artísticamente por Juanchi Baleirón, guitarrista de Los Pericos. En posteriores re-ediciones de ese disco, ya en formato CD, se incluyeron también «No te quiero más» y «Nunca más», producto de las mismas sesiones de grabación. Por diferencias musicales, Danio y Leiva se alejaron del grupo. Sólo es reemplazado Leiva con lo cual la banda quedó constituida definitivamente como cuarteto. El nuevo baterista fue el joven de 16 años, Leonardo De Cecco, (ex baterista de Mal Momento).
Para entonces, Radio Trípoli les propone la grabación del disco debut que se llamó «Dulce Navidad», producido por Michel Peyronel (baterista de Riff), y, por falta de presupuesto de la productora, estuvo integrado por sólo siete temas de los nueve que grabaron. Iba a lanzarse en diciembre de 1988, por eso lo llamaron así, pero se retrasó su salida y vio la luz en los primeros meses de 1989.
En 1999 se incorpora al grupo Martín Bosa como tecladista después de su partida de Juana La Loca. En julio realizaron disco homenaje a Sandro en el que Attaque interpreta «Dame Fuego», canción que bien podría ser de autoría del grupo, por la gran aceptación que tiene cuando la tocan en vivo.
En enero y febrero de 2000 realizaron la tradicional gira de la Costa Atlántica Argentina con trece shows en varias ciudades. En marzo del mismo año, graban en los BOX Estudios de Madrid para lo cual convocan a Jim Wirt nuevamente como ingeniero y coproductor. Tras su finalización, emprenden su segunda gira española, con once shows. Al regresar a Argentina, preparan el lanzamiento de su octavo disco, «Radio Insomnio», mezclado en los estudios 4th St. Recording de Santa Mónica (California), para agosto de 2000 a través de BMG Ariola. Con este nuevo disco salen los cortes de difusión como: «El Pobre» y «Beatle» donde imitando al grupo homónimo a su canción, visten de forma similar, usan instrumentos parecidos y tocan en una azotea. El 30 de septiembre, el grupo presentó el disco en el estadio Obras Sanitarias.
También es el primer disco en donde Mariano Martínez toma un protagonismo más importante. La canción «Jodie» (cantada por Martínez) fue originalmente compuesta por Adrián Vera, ex-bajista del grupo y, además, hay una versión de la canción «Resistiré», original del grupo madrileño Barón Rojo. Las presentaciones de este disco se hicieron en Argentina y en España, lo cual fue transmitido en televisión, además de que al año siguiente quedaría registrada la presentación de Radio Insomnio en el Estadio Obras.
El álbum «Tributo a Sandro. Un Disco de Rock» es una recopilación de versiones de diversos temas del cantante Sandro a cargo de diferentes grupos latinoamericanos, sobre todo argentinos (Divididos, Bersuit, Attaque 77…), pero también de Chile (Javiera y Los Imposibles), Colombia (Aterciopelados) o México (Molotov).
Fue editado por la discográfica BMG Ariola en 1999 en Argentina, México y otros países latinoamericanos.
Fuente: Wikipedia / Zonde
Lista de canciones:
Divididos – «Tengo»
Los Fabulosos Cadillacs – «Porque Yo Te Amo»
Los Caballeros de la Quema – «Rosa, Rosa»
Bersuit Vergarabat – «Una Muchacha y una Guitarra»
“Éramos libres. Íbamos a nuestro pedo. Teníamos dos objetivos claros: ir contra el sistema al tiempo que nos divertíamos. No nos gustaba el mundo que nos rodeaba y tratábamos de montar nuestra propia realidad. Vivíamos en un subidón constante. Éramos sujetos y protagonistas”. Quien así describía aquellos días era Marco Antonio Sanz de Acedo – Eskroto-, el que fuera uno de los cantantes de Tijuana in Blue. La banda de Pamplona perteneció a la que podría denominarse segunda oleada de grupos del punk que vino del Norte de la Península en los 80. Y es que para cuando los navarros empezaron a editar sus primeros trabajos, bandas como La Polla Records, Eskorbuto, Zarama, M.C.D., por citar sólo unos pocos ejemplos, tenían ya en la calle incluso varios discos. Aun así su apuesta rompedora de experimentación y su compromiso casi absoluto tanto con la juerga como con movilizaciones sociales de muy diversa naturaleza les garantizó un lugar de excepción en el santoral del género.
Los orígenes de Tijuana in Blue hay que buscarlos en las ondas; en las de radio más concretamente. Los que luego vendrían a ser sus dos cantantes, Eskroto y Jimmi Errea, que por entonces todavía no se conocían, trabajaban en Pamplona a comienzos de los 80 en programas diferentes de Radio Paraiso. La emisora, que estuvo cerrada en varias ocasiones, llegó a funcionar desde la misma casa de Eskroto durante uno de esos periodos de silencio. Como premio a la fidelidad mostrada, le encargaron la dirección de uno de los programas. De hecho, el título del espacio radiofónico que pone en marcha, “Eskroto Krótalo”, es la razón del que luego resultó su apodo más duradero.
La banda aunó su espíritu eminentemente festivo, propenso siempre a disfrutar en escena, con una clara vocación por la denuncia de cualquier aspecto social que a su juicio, así lo requiriera. La experiencia, que ellos calificaron de grupo “experimental básico”, dejó buen sabor de boca. Con el nombre y la actitud “majara” inicial se busca hacer algo diferente, desmarcarse un poco de la escena del momento. La filosofía, tal como nos cuenta Jimmi era clara: “hacer algo para pasar el rato y cuanto más raro mejor y así además de juntarnos con gente distinta a nosotros, íbamos haciendo canciones cada una de una madre y cada día hacíamos un montón. No importaba para nada la calidad; el tema era hacer todo tipo de música mezclada y, sobre todo, reivindicar todo lo que nos jodía pero de una forma festiva que era lo que echábamos en falta en el panorama musical por aquel entonces…”.
En uno de los bares en los que solían tocar, reciben la oferta de Mariano Goñi, responsable del sello Soñua (que posteriormente pasaría a ser Oihuka) para grabar un disco. La invitación no llega de cualquier sitio porque para aquel entonces el modesto sello navarro contaba ya en sus filas con bandas como La Polla Records, Barricada o Kortatu. En concreto, lo que se le proponía al grupo era la posibilidad de editar un LP compartido con Potato, grupo dedicado al reggae y aires jamaicanos. “Fue todo un flash que no llegábamos a entender pero que aceptamos gustosos” nos responde Jimmi cuando le preguntamos por la reacción del grupo.
El repertorio de la banda consiste por entonces en unas treinta canciones, o como decían para El Tubo “treinta melodías porque de una nota hacíamos una canción”. Seleccionan ocho y van a los estudios Elkar de Lasarte en una furgoneta que llenan además de los cachivaches que encuentran por el camino y que pretenden utilizar en el concierto que van a dar como teloneros de Angelic Upstarts en el mismo Lasarte. A la grabación no van precisamente en las mejores de las condiciones: “no teníamos ni idea de lo que hacíamos. Vinimos de gaupasa con la voz cascada. Fue un desastre de grabación porque no nos la esperábamos”. El resultado, el disco “Potato – Tijuana in Blue” (Soñua, 1986), es, como analizarían más tarde, “reflejo de una época”. Para el grupo fue una fiel carta de presentación fuera de Euskadi, un escaparate de las variedades que abordaba Tijuana in Blue. Incluye la colaboración de Fermín Muguruza al acordeón y de una sección de vientos que se autodenominaba Aerofagia Sound.
La grabación de este primer LP hace replantearse las cosas al grupo. La situación de crisis se resuelve con la reformación de la banda con el núcleo principal Jimmi – Eskroto y cuatro músicos totalmente distintos: Mikel (Aerofagia Sound, Kontuz Hi) a una de las guitarras, Potxeta (que había tocado en Ultimatum) a la batería, Jokin (hermano precisamente del anterior) al bajo e Isidro a la segunda guitarra. Es así cómo se afronta la grabación de un nuevo trabajo, pero en este caso, por entero para Tijuana in Blue.
«A Bocajarro» (Oihuka, 1988) constituye un paso adelante, y bien firme además. El sonido de la banda ha dejado atrás la experimentación y variedad que presentaba antes para acorazarse en dos guitarras poderosísimas. Con portada de aires fronterizos, mejicanos, está plagado de grandes canciones, como “Maki Navaja, el último chorizo” en un nuevo guiño al mundo del comic (ésta vez al personaje de Ivá con texto adaptado del original de Bertolt Brech por el propio dibujante) o el irresistible “Urroztarra, fuerza y garra”, probablemente el mejor himno futbolístico que se ha compuesto jamás en castellano. Ambas se editarían en dos sencillos: “Maki Navaja” (Oihuka, 1988) y “Urroztarra, Fuerza y Garra” (Oihuka, 1988).
Grabado en los estudios Elkar de Lasarte (Guipuzcoa) con César Ibarretxe al cargo de las cuestiones técnicas. La portada es diseño de Manolo Gil, que compone con la banda y colaboradores un cuadro de tintes fronterizos, desérticos. Toda una excusa para que Eskroto se fuera probando disfraces de mejicano, que tanto tendría que utilizar tiempo después en su etapa con Kojón Prieto y Los Huajalotes.
El nuevo disco mostraba, para sorpresa quizás de más de uno, a unos Tijuana in Blue con un sonido implacable, contundente, lejos ya de los aires incluso pachangueros que caracterizaron sus comienzos. En “A Bocajarro” combinaban esa intensidad en su sonido con letras que eran crónicas costumbristas de un domingo cualquiera en Pamplona hechas himnos, canciones dedicadas a Plasmatics, al Madrid de Enrique Tierno Galván, críticas de corte político…
Pero se equivocaría quien pensase que son exclusivamente las dos canciones editadas como sencillos las mejores del disco. Por intensidad y contundencia, Tijuana in Blue ofrece otras muchas y muy buenas. El comienzo mismo, sin ir más lejos, con “Inconsciente colectivo generacional”. Es un tema a mil, con una letra prima hermana a otros cantos de la época acerca de la actitud juvenil ante el panorama que les queda: “Nuestra alegre juventud” de La Polla Records.
Comienza la canción, y el disco con ella, con regustos, riffs y coros de auténtico street punk –oi! Guitarras a mil y unas estrofas casi escupidas por el duo Eskroto-Jimmi. Homenaje encubierto a las madre coraje y resto de féminas en “Etxekoandrea oi!”, otra canción con guitarras rugientes y una sonrisa que no es posible esconder escuchando la rebelión de la mujer que propone Tijuana in Blue.
“La vida sigue igual”, que comienza con tamboril y guitarras con ecos de épica, es una crónica cotidiana de amor a la tierra. Es una versión de una canción de un grupo yugoeslavo (Pankrti) del que la banda tuvo conocimiento gracias a contribuciones de amistades. Siniestro Total facturaron algo similar con aquel “Miña terra galega” a expensas de ritmos sureños norteamericanos.
“Piromafia” tiene también algo en su esencia del origen de la banda. Siendo como son de zona próxima a montaña y bosque, y con contactos bien próximos con organizaciones ecologistas, no ha de extrañar que el grupo le dedicase un cañonazo del calibre de esta canción a la cuestión de quema de montes y reforestación de ICONA a base de eucaliptos. Alternando pasajes especialmente lentos y densos, que conduce la voz de Jimmi, Eskroto parece reservarse para cuando las guitarras se disparan. La protesta contra construcciones de autovías, pantanos y similares sería una constante en la trayectoria del grupo.
Muestra de la intensidad de las guitarras son los momentos exclusivamente instrumentales de “Tierno was innocent”, una composición de letra casi tipo Siniestro Total, en la que se parodia el Madrid del alcalde Enrique Tierno Galván. El título y parte del estribillo parece jugar con el famoso “Sid Vicious was innocent”, un tema que puedes encontrar en el disco “Troops Of Tomorrow” (Grand Slamm, 1982) de The Exploited, que se lanzaron a opinar sobre la culpabilidad o no del icono punk, al que se le acusó de ser responsable de la muerte de su novia Nancy Spungen.
De igual forma la arrancada al galope que fuerzan las guitarras en el siguiente tema “Víctimas de su poder” da muestras bien a las claras de que la fama de banda alocada y desquiciada, no estaba reñida con la música de altísimo octanaje que eran capaces de facturar. Además y para acallar las expectativas de otra posible gamberrada de canción, hay que indicar que el tema en cuestión está dedicado a Mikel Zabalza, activista vasco muerto por comandos del G.A.L.
Y un auténtico arranque de moto de gran cilindrada para el homenaje a Plasmatics, el combo punk liderado por la irresistible Wendy O. Williams. “Wendy tiene tetas de hormigón” dicen en el estribillo. La intensidad de la canción va de la mano de la irreverencia con la que aluden a la atractiva cantante norteamericana.
The Exploited es una banda de hardcore punk de Edimburgo, Escocia, formada entre finales del año 1979 y principios de 1980 y activa hasta el día de hoy. A pesar de ser una banda icónica del hardcore punk británico (también llamado UK82), a lo largo de su trayectoria ha pasado por diferentes estilos, empezando por un punk claramente influenciado por el llamado street punk en sus primeros EP y su disco debut de 1981, «Punk’s Not Dead», para luego decidirse por el hardcore punk que se convertiría en su sello distintivo durante la década de 1980 (destacando los álbumes «Troops of Tomorrow», de 1982, «Let’s Start a War…», de 1983, y «Horror Epics», de 1984). Desde finales de aquella década, el estilo de la banda variaría hacia un crossover thrash a partir del LP «Death Before Dishonour» y continuando con los álbumes «The Massacre», «Beat the Bastards» y «Fuck the System» (1987, 1990, 1996 y 2003 respectivamente).
En la actualidad están considerados, junto a GBH y Discharge, como uno de los tres grandes del hardcore punk británico. Han vendido 750.000 álbumes de manera independiente en todo el mundo.
Influenciados por el surgimiento del punk de finales de los años 1970 y en particular por el incipiente movimiento Oi! (aún no conocido con ese nombre), Wattie Buchan, que había pasado unos años sirviendo en las Fuerzas Armadas Británicas, así como John Duncan, Gary McCormack y Dru Stix deciden formar su propia banda, más que nada como una forma de combatir el aburrimiento además de haberse percatado por medio de Sex Pistols, The Damned y UK Subs, entre otros, de que no era necesario ser grandes músicos para subirse al escenario y editar discos.
A principios de 1980 The Exploited inicia una fuerte actividad en la naciente segunda oleada del punk británico (conocida también como UK82, «No Future Punk» o «UK Hardcore Punk»), dando conciertos, editando sencillos y congregando un número relativamente grande de seguidores. Además de punks, skinheads y herberts componían la audiencia de la banda, ya que desde un principio The Exploited se declararía partidario de la unidad de punks y skinheads, razón por la cual muchos considerarían a The Exploited como una banda Oi!, llegando a incluirlos en algunas compilaciones del género (como el seminal «Oi! The Album», «Lords of Oi!» y otros). No obstante, siempre se autodenominaron punk. A pesar de que la imagen de The Exploited y en especial de Wattie, con su cabellera mohicana roja, botas Dr. Martens y chaqueta de cuero, ha permanecido en el imaginario colectivo de sus seguidores, en sus inicios la banda llevaba una estética más cercana a la de los primeros punk: pelos cortos y teñidos, camisetas de Vivienne Westwood y Dr. Martens además de alfileres.
«Horror Epics» es el cuarto álbum de estudio de la banda escocesa de hardcore punk The Exploited, editado en 1985 por el sello Combat Records con producción de Phil Chilton y el cantante Wattie Buchan. De vuelta en Escocia, la banda se separa por un breve período en 1984, para en 1985 sacar al mercado el LP «Horror Epics», que, si bien sigue siendo punk, está notablemente más producido, con varios arreglos en la batería e incluso coros femeninos en algunos temas.
Debido al debilitamiento de la escena punk británica y al fin de muchas bandas que habían captado la atención del público, éste vuelve su interés hacia las bandas que por un u otro motivo seguían en activo aglutinado en conciertos relativamente masivos, promediando las quinientas personas por presentación (GBH, The Adicts, o los mismos The Exploited), además vuelven a Norteamérica en una nueva gira que sería desastrosa, con conciertos suspendidos antes de un cuarto de tiempo de lo presupuestado, batallas campales entre bandas rivales o bien con grupos fascistas. La gira es cancelada luego de una pelea en medio de un show entre Karl Morris y Wattie. Como resultado Karl Morris y Wayne Tyas dejan la banda, diciendo que los hermanos Buchan les habían robado. Fueron reemplazados por Mad Mick y John «Deptford» Armitage. No obstante, esta gira dejaría material para un LP en vivo titulado Live At The White House, que sería lanzado el año 1986. John Armitage sería reemplazado por el retornado Wayne Tyas para luego ocupar su lugar James «Tony» Antony Thomson Lochiel, quien permanecería en la banda entre 1986 y 1987. Karl Morris es reemplazado por Mad Mick, quien a su vez sería reemplazado por Nigel «Nig» Swanson, presente en Exploited desde 1985 hasta 1989.
Muchas fueron las bandas que en la oleada de punk de los 80 se lanzaron a la práctica de la vertiente más afilada y extrema del hardcore. Música construida a partir de guitarras y bajos disparados a mil, inapelables, incontestables, ante los que sólo cabe dejarse llevar por la marea creada. IV Reich, banda de Zaragoza, era una más de una larga lista en la que figuraban bandas como los vascos R.I.P., Radical HC, o desde Cataluña, uno de los principales focos de actividad, G.R.B., L’Odi Social, Frenopaticss, Último Resorte, Antidogmatikss…
El grupo maño se formó entre amigos que se conocieron en 1981 de frecuentar los bares que había por la zona de la calle Moncasi. Disponían también, como lugar de reunión y de escucha de los discos llegados de Inglaterra, la tienda de un amigo. Fue allí donde conocieron los sonidos de bandas como los Sex Pistols, y empezaron a adoptar esas intensidades como estilo propio. Eran Tomás -Cota- como cantante, Pilar guitarra, Juan Ramón -Juanra- como bajista e Isabel -Isa- en la batería.
Su actitud, tal y como la define Pilar cuando rememora los comienzos del grupo era la de posicionarse contra todo: “Nuestra filosofía era muy sencilla, estábamos en la fase de negación, éramos antitodo, todo era una mierda”. La ira del grupo se dirige al sistema en general, la religión, la policía. La actitud se radicalizaría contra el ejército aún más cuando se produce el fatal accidente con un camión militar, que acaba con la vida de Juanra cuando cumplía su servicio militar. Para el grupo supone un verdadero mazazo, que les arranca a un compañero cuando apenas habían empezado a conocerse dentro del grupo. A él le dedicarían más adelante el tema “No al ejército”. El grupo, en lo que a la formación se refiere, se rehace con la entrada de Juan Vicente -Juanvi- que se encarga de la batería, pasando Isa al bajo.
Las actividades del grupo comienzan realmente cuando comparten su local de ensayo, un sótano del que disponía precisamente Juanvi, con otro grupo local, Parásitos, que aportan amplificadores y el bajo para Isa al trato. “Hacer canciones fue fácil porque teníamos mucho por escupir contra el sistema”, decía la guitarrista a uno de los fanzines que la ha entrevistado. La vida de la banda en aquella primera etapa transcurría como sigue: “(…) Nos juntábamos por la tarde en el local con unas litronas de cerveza y allí paríamos lo que se nos ocurría, cuando salía un concierto nos íbamos con lo puesto y volvíamos igual pero nos lo pasábamos guay y conocíamos gente”. A modo de promoción casera se encargaban de llenar las calles con pintadas que decían “IV Reich, 1000 años de anarquía”.
No es hasta 1984 que IV Reich se dispone a grabar algunos de los temas que tiene en su repertorio. Lo hacen en forma de maqueta, con el dinero que les deja el hermano del batería. No pueden plantearse la opción de un disco, porque hubiera resultado mucho más caro. La guitarrista, al preguntarle por detalles de la grabación, nos comenta que se realizó en los estudios de unos músicos de Zaragoza, que fueron los que se encargaron de todos los detalles de producción e incluso mezclas.
La «Primera Maqueta», que salió en enero de 1984, incluía diez temas, auténticos cañonazos, presentados con una portada de las de quitar la respiración: la muerte, guadaña en mano, y con vestimentas de soldado alemán avanza hacia nosotros con alambrada de espino a su espalda. El grupo lanzaba bombazos contra la policía, los gobiernos, la religión, y todo tipo de poderes; vaticinaba apocalipsis y exterminio de la raza humana. Incluía además el ya mencionado tema dedicado a Juanra “No al ejército”. La canción se grabó con la colaboración y asistencia de Fray, el cantante de Decibelios. Como nos explica Pilar, les ayudó en los coros y les aconsejó en cuestiones de sonido. Así lo reflejaron además en los correspondientes agradecimientos. La conexión con Fray comienza con la amistad de éste con el fallecido Juanra, y se cimentará más tarde con la relación que mantendría con Isa. Directamente relacionado con la actitud para con el ejército y el mortal accidente del amigo es la edición, ese mismo año, del tema “Matar o morir”, un escalofriante ejercicio de hardcore que apareció tanto en el larga duración de los de Barcelona “Caldo de Pollo” (DRO, 1984) como en un sencillo “Matar o Morir” (DRO, 1984). En este último, se incluía un texto en el que la dedicatoria se hacía explícita a Juanra.
El mismo año en el que saliese el disco de los catalanes se celebró en Zaragoza el 16 de junio de 1984 un certamen antimilitarista en el que además de con Decibelios, tocaron con Cocadictos, Golden Zippers, Vómito Social (también de Zaragoza, no los vascos que posteriormente fueran Vómito), Shit S.A. y Kangrena.
En una época en la que transmisión y contacto con los grupos venía propiciado principalmente por fanzines y cartas, recibieron peticiones incluso desde el otro lado del océano: “(…) empezaron a llegarnos cartas desde Latinoamérica con dólares dentro pidiéndonos la maqueta, quedamos alucinados, Juanvi, el batería, se encargó de mandar por correo todas las que pudo, hicimos quinientas copias y a los tres meses tuvimos que hacer otras quinientas… se vendieron todas”.
En febrero de 1985 sacan la «Segunda Maqueta», en la que incluyen temas donde se critica a empresarios, a policía, a los militares en la ciudad de Zaragoza, a la política penitenciaria y se incluye una dedicatoria a Sandino. La cinta no se reprodujo para su venta sino que se distribuyó de mano en mano. Cuando le preguntamos a Pilar sobre las condiciones de grabación de la misma, nos cuenta que “(…) fue en un local de ensayo de un grupo de aquí que tenía mesa de mezclas y equipo suficiente para que se pudiera grabar, esa ya fue más casera. Pero siempre con la ayuda de otros músicos porque nosotros no teníamos ni idea de sonido”.
Attaque 77 es una banda de punk rock argentina formada en Buenos Aires (más precisamente en el barrio porteño de Flores) en el año 1987, integrada por Mariano Martínez (guitarra), los hermanos Federico (voz) y Demián «Ciro» Pertusi (bajo), luego de la ida de Alejandra Gravinesse, anteriormente cantante, Daniel «Danio» Caffieri (tío de Mariano) en guitarras y Claudio Leiva en batería. Sus actuales integrantes son Mariano Martínez, Luciano Scaglione y Leonardo De Cecco. Surgido del descubrimiento de varias bandas marginales a comienzos del 87, su carrera comenzó al publicarse dos canciones en el compilado «Invasión 88». Federico Pertusi propuso el nombre de «Attaque» gracias a un sello discográfico conocido de los hermanos Pertusi, y los demás integrantes de la banda le sumaron el «77», agregado al nombre debido al movimiento punk under del año 1977.
Su primera aparición discográfica fue en el recopilatorio «Invasión 88», donde varios grupos punks argentinos aportaron temas, entre ellos Attaque 77, Flema y el grupo Defensa y Justicia (grupo en el que cantaba Ciro y en el que era guitarrista Mariano). Para ese recopilatorio, Attaque participó con «Sola en la cancha» (cantado por Ciro) y «B.A.D (Brigada Anti Disturbios)», producidos artísticamente por Juanchi Baleirón, guitarrista de Los Pericos. En posteriores re-ediciones de ese disco, ya en formato CD, se incluyeron también «No te quiero más» y «Nunca más», producto de las mismas sesiones de grabación. Por diferencias musicales, Danio y Leiva se alejaron del grupo. Sólo es reemplazado Leiva con lo cual la banda quedó constituida definitivamente como cuarteto. El nuevo baterista fue el joven de 16 años, Leonardo De Cecco, (ex baterista de Mal Momento).
Para entonces, Radio Trípoli les propone la grabación del disco debut que se llamó «Dulce Navidad», producido por Michel Peyronel (baterista de Riff), y, por falta de presupuesto de la productora, estuvo integrado por sólo siete temas de los nueve que grabaron. Iba a lanzarse en diciembre de 1988, por eso lo llamaron así, pero se retrasó su salida y vio la luz en los primeros meses de 1989.
Attaque firma con RCA y BMG un importante contrato que derivará en la grabación de su cuarto álbum de estudio, «Todo Está al Revés», editado por RCA a finales del mismo año. Es el primer trabajo con Luciano Scaglione en bajo, ya que Adrián Vera dejó el grupo a principios de 1992. El sonido es mucho más agresivo y provocador, lo cuál recuerda a las primeras presentaciones de Attaque 77 en vivo, dando lugar a la virulencia contestataria con canciones crudas, punk de culto y alejados de la popularidad de años anteriores.
En diciembre de 1998, lanzaron a través de BMG Ariola el disco «Otras Canciones» (también grabado en Santa Mónica, EUNA), séptimo álbum de estudio de Attaque 77, que hoy ya superó el disco de platino y está editado en todo el mundo latinoamericano. «Otras Canciones» es un disco de versiones, donde conviven canciones de autores de la talla de Legião Urbana, The Who, Paco Ibáñez, Ramones, Los Auténticos Decadentes, Beach Boys, León Gieco, Roberto Carlos, ABBA, Erasure, Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, Soda Stereo, Gilda, entre otros. De este disco salieron los videoclips de «No me arrepiento de este amor» y «Amigo / White trash», dos grandes clásicos de la banda.
El último tema, «Otras Canciones», es el único tema original de la banda. Sin embargo, contiene fragmentos de «Sweet dreams», de Eurythmics; «La bestia pop», de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota; y «Prófugos», de Soda Stereo. La inclusión de estos dos últimos en una misma canción no es azarosa, ya que el público de ambas bandas siempre ha mantenido una rivalidad.
La canción «Amigo» contiene al final una parte de «White trash», de Sumo. A su vez, la canción «Beat on the brat» contiene al final una parte de «Houses of the holy», de Led Zeppelin.
Fuente: Wikipedia / Zonde
Lista de canciones:
«Perfección» (Renato Ruso) – 5:16
«El Jorobadito» (Jorge Serrano) – 3:15
«Fotos de Lily» (Pete Towshend) – 2:44
«Canción del Adiós» (Cristián Aldana) – 4:52
«Cinco Estrellas» (Leo Maslíah) – 2:09
«Do You Wanna Dance?» (The Beach Boys) – 1:51
«Escucha a Tu Corazón» (A. McMordie, D. Taylor, H. Cluney, J. Burns) – 4:06
Es éste el disco compartido con el que debutaron Potato y Tijuana in Blue. Era práctica común de los 80, la de compartir trabajo entre dos (o más) grupos el vinilo, como forma de presentación o escaparate al público. El «Zona Especial Norte» (Spansuls, 1984) es otro ejemplo repartido entre Eskorbuto y R.I.P., pero la lista se extiende a los ya míticos «Kortatu, Cicatriz, Jotakie y Kontuz Hi!» (Soñua,1985), «Condenados a Luchar» (Discos Suicidas, 1986) o «Skalherria Punk» (Discos Suicidas, 1986).
Si a Potato les representan con el consabido tubérculo, claro, para Tijuana in Blue reservan vaso de clarete, en referencia al gusto que a este tipo de actividades tenía la banda.
La oferta de Potato es ska muy fresco. Tienen la cualidad de cantar, con el buen rollito que ha de caracterizar al género, situaciones de cocteles molotov, policías y demás miserias habituales. Venían acompañadas las letras de sus canciones de elegantes dibujos de lo que podría ser una actuación de la banda.
Tras una breve obertura dicen querer irse a Jamaica en «Jamaica ska», porque están hartos de potear con policías en cada bar, hartos de pacharán. Es quizás de los temas que mejor ejemplifican la conexión Euskadi-Jamaica qe abriese Hertzainak en su momento con su “Arraultz bat pinu batean” del disco «Hertzainak» (Soñua, 1984). Sección de viento de lo más luminoso.
Bajan un poco las revoluciones tanto con «Reggae popular riojano» y «Será si hay», donde señalan que la huida es una forma derrota más.
«Miguelín el cashero» recupera la alegría. Tiene algo de pasacalles, incluso de tonadilla infantil o popular. La historia, con protagonista compatibilizando actividades hortícolas con la de distribución de material estupefaciente, tiene sus conexiones con alguna de las de Extremoduro; en concreto el «Pepe Botika (¿Dónde están mis amigos?)» de «¿Dónde Están Mis Amigos?» (DRO, 1993).
La consabida referencia a la tierra de promisión («Babilonia») aúna de nuevo, parámetros del género con referencias de lo más local, en concreto a las de la convivencia con la policía. La canción tiene diferentes cuerpos, con cancha de sobra para jugueteos de diferentes instrumentos. Con la segunda parte del «Están locos», Potato echa el telón.
La manera en la que Tijuana in Blue abre la cara B parece ser un puente perfecto con respecto a los aires que ha dejado Potato. «Tijuana in Blue» es un ska, casi correcalles con el que se presenta la banda. Autoreferencias como las que hicieran en su momento muchos otros: Cicatriz, A.H.V., M.C.D.
Pero pronto, con el siguiente tema, «Difusa solución» queda claro que la oferta de los navarros pasa por la variedad de estilos. Los comienzos de Tijuana in Blue son precisamente eso, experimentación, la inclusión de latas en los sonidos… Dispersión quizás excesiva, pero que es fiel reflejo de la ruptura que proponen desde sus comienzos.
«Una de piratas» es precisamente eso, una historia de piratas, para la que además, las guitarras sufren cierto endurecimiento. A ellos haría referencia la composición que Manolo Gil les hiciera para la portada del «Sopla Sopla» (Oihuka, 1989).
Nuevo cambio de timón con «Funky experimental», una curiosa majarada, como dirían ellos, que sin embargo cumple a la perfección con los requisitos de invitar al desmadre. Tiene de todo, acordeones (tocados por Fermin Muguruza), programaciones, bajos rezumando sonidos de los 80, vientos desquiciantes…
Al ska, volverían en parte con el homenaje a Azagra de «Vidas ejemplares». La relación con el dibujante sería intensísima a lo largo de la trayectoria de la banda. De entrada, para este álbum, el dibujante de Pedro Pico y Pico Vena les dedica casi un póster deplegable con personajes para todos los miembros del grupo. En las historietas de la pareja punk-skin del catalán se encontrarían muchísimas referencias a canciones y conciertos de Tijuana in Blue.
«Rebelión medieval» constituye un pequeño clásico del grupo. Historia contra la secular tiranía de los reyes, se construye con aires entre danza medieval, siniestralidades, melodías de inspiraciones árabes.
Comienza con acordes del Inspector Gadget y empieza el último tema del disco «Bebe y olvídalo». Es la canción con la que nació la banda; el tema que se incluyó como himno para Katakrak, el colectivo okupa al que pertenecían. Apareció en una cinta con canciones de bandas navarras «Iruña for Katakrak» (1985). La canción, totalmente desquiciada, es un collage de momentos de guitarras aceleradas, disquisiciones de Eskroto que se responden con coros que repiten, acompañados de cencerros, el estribillo que le da título.
Aunque como señalaba luego el grupo, el disco quizás pierde con el paso del tiempo, es un fiel documento acerca de la banda. Responde además a la premura o poca preparación con la que, tras la oferta de Mariano Goñi, el responsable de Soñua, grabaron los temas en los estudios Elkar. Aún así tiene temas que pertenecen a lo más clásico de su repertorio.
La Banda Trapera del Río es una banda de rock surgida en el barrio de Ciudad Satélite de Cornellá de Llobregat (Barcelona), un barrio habitado en su mayoría por inmigrantes andaluces, donde crecieron los traperos charnegos. Al haber surgido prácticamente de forma simultánea al estallido punk (1976), se les considera como precursores del mismo en España, aunque su estilo mezcla éste con rock urbano rabioso y garage rock.
Hartos del aburrimiento general que reinaba en la ciudad condal, que no era otro que la nova cançò, el jazz-rock layetano, etc, deciden montar un grupo un 13 de Noviembre de 1976. Antes de eso los miembros de la Banda Trapera habían estado en grupos de rock sinfónico, hasta que se dieron cuenta de que en ese estilo musical no se les había perdido nada y que se aburrían como ostras. La formación original era el Tío Modes (guitarra solista), un malagueño de nacimiento apodado así por ser el más viejo del grupo; Rockhita (guitarra rítmica); el Llobregat, alias el «Ray Ban», (bajo), que confesó en una ocasión que su bajo le costó 800 pesetas; Raf Pulido (batería), quien marcaba el ritmo en el grupo; y el último en llegar fue el cantante y portavoz Morfi Grey, un personaje carismático nacido en Melilla, que según contaba había militado en un dúo llamado las Alcachofas, y que luego intentó montar una zarzuela-rock. Por lo pronto la banda ya estaba formada, y casualmente se habían juntado un poco antes que el fenómeno punk británico asustara al mundo en 1977.
Al principio se ponen de nombre Al Rojo Vivo, que parece más un nombre de orquesta pachanguera. Cambiando luego al de 4×3, por esos tiempos tocaban los rockanrolles de toda la vida, o sea, el ‘Johnny B. Good’ y el ‘Jumpin’ Jack Flash’, canciones que hasta los grupos mediocres tocaban para no ser abucheados en masa. Deciden componer sus propios temas que años después irían a parar a su primer Lp, me imagino que por entonces ya se llamarían La Banda Trapera del Río, lo de ponerse del Río pienso que sería por el río Llobregat que pasa por Cornellá.
Al principio pasan de tocar en los locales del centro de Barcelona y prefieren hacerlo en las discotecas de su barrio, que para algo era donde estaba enclavado su reino. También solían actuar en algunos mítines de partidos políticos de izquierda, de esa época contaban: «Una vez fuimos a tocar a una fiesta de las Juventudes Comunistas. Nosotros éramos los últimos en tocar, antes tocaban la Orquesta del Maestro Bellido y toda esa gente sofisticada, y todo el mundo con banderas rojas con la hoz y el martillo, todo muy bonito. Así que antes de tocar nos pusimos a beber como locos, y cuando salimos el Morfi Grey se sacó la polla y empezó a mear, yo dije pasar de todo, hubo gente que se escandalizó, pero fue lo mínimo, y eso que allí estaba Santiago Carrillo».
Su verdadera presentación al mundo fue en el histórico festival punk en la Alianza del Poble Nou, un festival montado por la agencia de management Cuc Sonat. Para mi opinión, lo de festival punk en realidad aunque le pusieran una etiqueta ‘made in England’, eran ganas de hacer música a toda pastilla para combatir el aburrimiento reinante. Allí estaba la Trapera junto a grupos que habían metido en la etiqueta punk como Peligro, o gente que hacía rhythm & blues, caso de Basura o Mortimer, y también estaban Ramoncín y W.C.? recién importados de Vallecas. De esa época contaría Fray, vocalista de Decibelios: «Allí fue donde descubrí el punk, antes sólo me gustaba la música hortera». La gente de Cuc Sonat querían meter en Barcelona la ‘fiebre punk’, que estaba rompiendo moldes primero en Inglaterra y luego en el resto del mundo. En su escudería la mayoría de las bandas estaban formadas por adolescentes de barrios del cinturón industrial barcelonés, como eran Peligro, Mortimer, Basura, Masturbadores Mongólicos y Rockelona.
Entre finales de 1977 y todo 1978, Cuc Sonat organizó conciertos en Barcelona y otras partes de Cataluña, que fueron los que dieron a conocer a la Trapera, y en sus directos ya empezaban a demostrar que eran los mejores de todo el paquete de grupos que llevaba dicha agencia de management. Como diría el futuro codirector de Ruta 66, Ignacio Juliá en la revista Star: «Morfi Grey es el tipo que las madres no dejarían salir con sus hijas… Su puesta en escena es de lo más repulsiva, y como banda sonora un rock duro perfectamente desarrollado que si no son profesionales poco les falta».
Por aquel entonces empiezan a ofrecerles contratos discográficos, pero les obligaban a cambiar la letra de sus canciones, por lo que deciden pasar de todo. Años más tarde Morfi contaría: «Cuando varias compañías discográficas nos ofrecieron grabar un disco, nos obligaban a cambiar los textos. Cogimos todos los contratos discográficos, los colgamos en las paredes de nuestro local de ensayo y nos pusimos a escupirles hasta quedarnos secos. Sabíamos que éramos concientes de lo que hacíamos, y sabíamos el papel que jugábamos en la historia musical de este país».
Al final no les quedó más remedio que fichar con la Belter, que se había llevado toda su vida viviendo de las ventas de Manolo Escobar, y que no sabían nada de nada que no fuera la ‘España cañí’. Les graban un single en 1978 y poco después un Lp que contenía canciones que a simple vista parecían una colección de insultos y palabrotas, pero si se escuchan detenidamente se da uno cuenta de que los Traperos conocen perfectamente su mundo sórdido y deprimente.
Y en 1978-79 estaba sólo ese disco donde se habla de la poca información sexual de su clase social en el tema ‘La regla’, del snobismo de las élites intelectuales, ‘Eunucos mentales’, del conformismo al que han llegado las gentes de su barrio metiéndose en la sociedad de consumo con ‘Venid a las cloacas’, sus declaraciones de principios y el lugar que desempeñan en este mundo con ‘Confusión’, ‘Curriqui de barrio’ y ‘Nos gusta cagarnos en la sociedad’; a los marcados por la miseria desde el día que nacieron en ‘Nacido del polvo de un borracho y el coño de una puta’; y entre todas ellas la mejor canción del disco, ‘Ciutat podrida’, compuesta a medias por la poetisa Esther Valles, que años más tarde volvería a escribir con Morfi Grey y el Tío Modes ‘La losa’ en el disco de Morfi en solitario. ‘Ciutat podrida’, aunque cantada en catalán y con claro acento charnego, toda ella está sostenida por la guitarra killer y sobreamplificada del Tío Modes.
El disco tardó muchos meses en salir, casi un año.
«La Banda Trapera del Río» es el primer álbum de larga duración del grupo del mismo nombre, editado en 1979 (un año después de su grabación) por Belter. El disco es una auténtica Biblia negra del rock ibérico para el año que salió y todo un símbolo. Prohibido en todas las emisoras comerciales, que los censuraron cobardemente, y para colmo la Belter hizo una distribución de lo más tercermundista y cutre, y eso que se agotó en las tiendas, pudiendo haber llegado a más gente. Los comentarios del grupo sobre la discográfica eran: «Son unos hijos de puta, nos hacen una liquidación de material horrible. Decían que el single de ‘La regla’ habíamos vendido 43 singles, cuando sólo en Cornellá hemos vendido más de 200». El álbum se reeditó en 1992 por medio del sello Perfil. El sencillo ‘La Regla / Rock Cloaca’ («Venid a las Cloacas» en el LP) se había editado en 1978, también a cargo de Belter.
Fuente: Nueva Ola 80 / Zonde
Lista de canciones:
«Curriqui de Barrio» — 2:52
«No Dáis La Cara» — 3:10
«Meditacion del Pelos en su Paja Matinera» — 2:53
«Venid a las Cloacas» — 3:42
«Confusion» — 3:54
«Eunucos Mentales» — 3:51
«Ciutat Podrida» — 2:22
«La Regla» — 4:28
«Padre Nuestro» — 4:11
«Nos Gusta Cagarnos en la Sociedad» — 4:41
«Nacido del Polvo de un Borracho y del Coño de una Puta» — 4:35
Muchas fueron las bandas que en la oleada de punk de los 80 se lanzaron a la práctica de la vertiente más afilada y extrema del hardcore. Música construida a partir de guitarras y bajos disparados a mil, inapelables, incontestables, ante los que sólo cabe dejarse llevar por la marea creada. IV Reich, banda de Zaragoza, era una más de una larga lista en la que figuraban bandas como los vascos R.I.P., Radical HC, o desde Cataluña, uno de los principales focos de actividad, G.R.B., L’Odi Social, Frenopaticss, Último Resorte, Antidogmatikss…
El grupo maño se formó entre amigos que se conocieron en 1981 de frecuentar los bares que había por la zona de la calle Moncasi. Disponían también, como lugar de reunión y de escucha de los discos llegados de Inglaterra, la tienda de un amigo. Fue allí donde conocieron los sonidos de bandas como los Sex Pistols, y empezaron a adoptar esas intensidades como estilo propio. Eran Tomás -Cota- como cantante, Pilar guitarra, Juan Ramón -Juanra- como bajista e Isabel -Isa- en la batería.
Su actitud, tal y como la define Pilar cuando rememora los comienzos del grupo era la de posicionarse contra todo: “Nuestra filosofía era muy sencilla, estábamos en la fase de negación, éramos antitodo, todo era una mierda”. La ira del grupo se dirige al sistema en general, la religión, la policía. La actitud se radicalizaría contra el ejército aún más cuando se produce el fatal accidente con un camión militar, que acaba con la vida de Juanra cuando cumplía su servicio militar. Para el grupo supone un verdadero mazazo, que les arranca a un compañero cuando apenas habían empezado a conocerse dentro del grupo. A él le dedicarían más adelante el tema “No al ejército”. El grupo, en lo que a la formación se refiere, se rehace con la entrada de Juan Vicente -Juanvi- que se encarga de la batería, pasando Isa al bajo.
Las actividades del grupo comienzan realmente cuando comparten su local de ensayo, un sótano del que disponía precisamente Juanvi, con otro grupo local, Parásitos, que aportan amplificadores y el bajo para Isa al trato. “Hacer canciones fue fácil porque teníamos mucho por escupir contra el sistema”, decía la guitarrista a uno de los fanzines que la ha entrevistado. La vida de la banda en aquella primera etapa transcurría como sigue: “(…) Nos juntábamos por la tarde en el local con unas litronas de cerveza y allí paríamos lo que se nos ocurría, cuando salía un concierto nos íbamos con lo puesto y volvíamos igual pero nos lo pasábamos guay y conocíamos gente”. A modo de promoción casera se encargaban de llenar las calles con pintadas que decían “IV Reich, 1000 años de anarquía”.
No es hasta 1984 que IV Reich se dispone a grabar algunos de los temas que tiene en su repertorio. Lo hacen en forma de maqueta, con el dinero que les deja el hermano del batería. No pueden plantearse la opción de un disco, porque hubiera resultado mucho más caro. La guitarrista, al preguntarle por detalles de la grabación, nos comenta que se realizó en los estudios de unos músicos de Zaragoza, que fueron los que se encargaron de todos los detalles de producción e incluso mezclas.
La «Primera Maqueta», que salió en enero de 1984, incluía diez temas, auténticos cañonazos, presentados con una portada de las de quitar la respiración: la muerte, guadaña en mano, y con vestimentas de soldado alemán avanza hacia nosotros con alambrada de espino a su espalda. El grupo lanzaba bombazos contra la policía, los gobiernos, la religión, y todo tipo de poderes; vaticinaba apocalipsis y exterminio de la raza humana. Incluía además el ya mencionado tema dedicado a Juanra “No al ejército”. La canción se grabó con la colaboración y asistencia de Fray, el cantante de Decibelios. Como nos explica Pilar, les ayudó en los coros y les aconsejó en cuestiones de sonido. Así lo reflejaron además en los correspondientes agradecimientos. La conexión con Fray comienza con la amistad de éste con el fallecido Juanra, y se cimentará más tarde con la relación que mantendría con Isa. Directamente relacionado con la actitud para con el ejército y el mortal accidente del amigo es la edición, ese mismo año, del tema “Matar o morir”, un escalofriante ejercicio de hardcore que apareció tanto en el larga duración de los de Barcelona “Caldo de Pollo” (DRO, 1984) como en un sencillo “Matar o Morir” (DRO, 1984). En este último, se incluía un texto en el que la dedicatoria se hacía explícita a Juanra.
El mismo año en el que saliese el disco de los catalanes se celebró en Zaragoza el 16 de junio de 1984 un certamen antimilitarista en el que además de con Decibelios, tocaron con Cocadictos, Golden Zippers, Vómito Social (también de Zaragoza, no los vascos que posteriormente fueran Vómito), Shit S.A. y Kangrena.
En una época en la que transmisión y contacto con los grupos venía propiciado principalmente por fanzines y cartas, recibieron peticiones incluso desde el otro lado del océano: “(…) empezaron a llegarnos cartas desde Latinoamérica con dólares dentro pidiéndonos la maqueta, quedamos alucinados, Juanvi, el batería, se encargó de mandar por correo todas las que pudo, hicimos quinientas copias y a los tres meses tuvimos que hacer otras quinientas… se vendieron todas”.
Este espacio incluye contenidos de libre descarga que demandan mucha dedicación y trabajo.
1°.- El ripeo de archivos propios o la búsqueda en la red de una buena versión existente de dichos archivos.
2°.- La aportación de información de interés y calidad sobre los mismos.
3°.- La subida y mantenimiento de éstos en servidores de almacenamiento.
Nada de todo esto me otorga retribución económica alguna: se hace por compartir y por ideales. Me alimento de vuestros comentarios y agradecimientos, bastante escasos.
Por eso, de ahora en adelante, sin comentarios los enlaces van a caer uno tras otro y, determinados archivos ya avisados sobre ello, no serán resubidos.
Sólo resubiré aquello que me gusta personalmente y me olvidaré de otros contenidos que no se soliciten. Los archivos del Ciclo Ibérico serán investigados, y dependerá de su aceptación y comentarios reintegrarlos o no.
Quizás no sea exagerado decir que Kortatu fue una de las bandas imprescindibles en el panorama del Rock Radical Vasco de los 80. Aunque, como muchos otros grupos, manifestaron no sentirse excesivamente contentos con semejante etiqueta, su incondicional compromiso político con la causa nacionalista vasca, su aparentemente inagotable energía que les llevó a participar con su música casi en cualquier sitio desde el que les llamasen, les convirtieron en uno de los motores de todo aquel movimiento. Así describía Fermín Muguruza, cantante y guitarra del grupo, aquellos días: “..estábamos organizados. Era todo muy punk pero también muy radical. Ahora falta un poco esa (sic) ansia de sentirse libres, entonces no. Estábamos todos los grupos en contacto siempre; pasaba cualquier cosa y estábamos como una piña; en ese sentido también fue un movimiento real”.
![Solteros [Singles] (Cameron Crowe, 1992) DVDrip](https://i0.wp.com/ciclotimiazondica.wordpress.com/wp-content/uploads/2016/09/singles.jpg?resize=200%2C200&ssl=1)
![Alaska y Dinarama – No Es Pecado [Edición para coleccionistas] (1986-Reed.2006)](https://i0.wp.com/ciclotimiazondica.wordpress.com/wp-content/uploads/2016/08/alaskadinarama-noespecado.jpg?resize=200%2C200&ssl=1)
Ciclotimia Zondica 
Comentarios recientes