Si bien es cierto que «Todo Está Podrido» (DDT, 2002) ya había roto el maleficio que parecía recaer sobre Odio cada vez que trataban de editar un disco, es probable que no sea hasta este «Esclavos del Capital ¡¡¡Miseria Para Siempre!!!» (Fragment, 2011) que realmente sintieron haberse sacado la espina. Corresponde a una trabajo de estudio (realmente en su local de ensayo EMTE en Orereta-Rentería) a diferencia del anterior que había sido confeccionado a partir de fragmentos de conciertos en los que a veces el sonido flaqueaba.
Se registraron los temas entre el final de 2010 y comienzos de 2011 y se mezclaron en los estudios Zuzen. Es por tanto una revisión, mucho tiempo despues, de material que la banda tenia desde 1979 a 1994. La comparación con el sonido que tuvieran aquellos cortes entonces queda sólo para los miembros históricos de la formación -Pikotas el cantante principalmente- y los seguidores de toda la vida, pero para los que sólo hemos tenido acceso a esta lectura actual, nos basta y bien de veras.
Avisan desde la portada a los padres que se cuentan verdades en las letras y el CD tiene diseño de tapa de alcantarilla. Y es que si de algo pueden presumir y bien de verás Odio es de haber compuesto crónicas desgarradamente crudas de lo que aquellos años 80 fueron en el País Vasco. Auténticos poetas del asfalto y del barrio gris comienzan con «Fase terminal», a mi juicio, una de las mejores canciones sobre la adicción a la heroína en los chavales de aquellos años: «Vivir en la calle tu juventud, cuando todo era una mierda todo era full / Salir a la calle sin ilusión, por tus venas corre sangre de revolución / Día tras día sin saber que hacer, te perdiste en el abismo de un gran placer / El placer de una mierda que hoy no quieres ver compartiendo una jeringa te sentiste bien.» A las primeras estrofas seguía la descripción de la decadencia y degradación física del joven al que precisamente dedican «este rock and roll» por su soledad resistiendo a la enfermedad.
Precisan que es un rock and roll lo que tocan. Con temas como éste, Odio, en principio incuestionablemente situados en la trinchera del punk, se acercaba a cronistas con querencias de rock urbano callejero como Barricada, Leño o La Banda Trapera del Río. «Fase terminal» es un ejemplo claro de ello, pero también pueden serlo los resquicios que encuentran las guitarras para ciertos momentos en solitario de temas como «Tortura», «Revolución», «La ciudad sin ley» o incluso «Suicida» .
Basta escuchar sin embargo la totalidad de la propia «Suicida» -una auténtica descarga- o «Bomba del tiempo» para comprender a qué palo puede adscribirse el sonido general de la banda. Son por cierto estas dos, canciones que trabajan ideas habituales en un género en el que entran perfectamente historias de individuos que o bien sienten ganas de quitarse de enmedio -veáse si no «El suicida» del «Ellos Dicen Mierda, Nosotros Amén» (Ohiuka, 1990) de La Polla Records- o de explotar llevándose por delante la mayor parte de conciudadanos posible consigo (ejemplo: «Soy una bomba» de Vómito en su disco «Vómito» (Suicidas, 1987) -. Las letras vuelven a apuntar momentos especialmente brillantes en la versión suicida de Odio: «Tu locura coge mucha altura (…) tu cabeza rueda por la vía».
Puntualizaciones estrictamente musicales aparte, Odio tiene en su haber despiadas postales urbanas como «Estado de excepción» o «La ciudad sin ley»: «Estás en el barrio se oyen sirenas / son de la pasma y es que te avisan / como los perros cuando te ladran / igual que un buitre cuando agonizas», cantan en la primera -que dedican a las Brigadas Volantes, grupos especializados de la Policía Local que se formaron en los 80 para combatir la delincuencia-; o «Somos las huestes de una ciudad destrozada / donde la ley nunca tuvo orden / y el orden es la lucha cotidiana» en la segunda. Poco futuro pues en las calles.
Los tintes más siniestros los adoptan con pasajes de «Fascistas» y «Cleptomanía». En la primera llama la atención el comienzo sostenido por la batería primero y el bajo despúes sobre el fondo de feedback creado por la guitarra.
Dosis abrasiva de radicalismo anarquista en su versión más revolucionaria y destructiva en «Revolución» y «Odio» respectivamente.
Aunque puestos a rebuscar en el ideario de la banda, destaca sobre todas un auténtico clásico del repertorio: «27 de septiembre», alegato dedicado a los últimos fusilamientos del franquismo compuesto sobre la estructura macabra de villancico. Suenan épicas las referencias a las murallas impuestas para arrebatar las libertades de un pueblo y a los ríos de sangre derramados en la lucha contra ello.
El disco incluye también alegatos contra la Iglesia («Dinero del caos»), -probablemente- el Rey Juan Carlos («Pirata legal») y «1992: Palacios y chabolas», el escupitajo que como Pitarra compusieron contra la España -y por extensión Europa- del Centenario y los Juegos Olímpicos de Barcelona.
Probablemente algo más que un simple disco. Es todo un historial, el de Odio. Repertorio amargo eso sí, porque así era su música. La banda sonora bastarda de lo que La Polla Records llamó «Nuestra alegre juventud».
Quizás no sea exagerado decir que Kortatu fue una de las bandas imprescindibles en el panorama del Rock Radical Vasco de los 80. Aunque, como muchos otros grupos, manifestaron no sentirse excesivamente contentos con semejante etiqueta, su incondicional compromiso político con la causa nacionalista vasca, su aparentemente inagotable energía que les llevó a participar con su música casi en cualquier sitio desde el que les llamasen, les convirtieron en uno de los motores de todo aquel movimiento. Así describía Fermín Muguruza, cantante y guitarra del grupo, aquellos días: “..estábamos organizados. Era todo muy punk pero también muy radical. Ahora falta un poco esa (sic) ansia de sentirse libres, entonces no. Estábamos todos los grupos en contacto siempre; pasaba cualquier cosa y estábamos como una piña; en ese sentido también fue un movimiento real”.
El entramado de asociaciones, movilizaciones, gatztetxes, centros sociales llegó a ser de tal densidad que, tal y como describe Roberto Moso, cantante de Zarama y cronista de excepción de aquellos días, en su libro “Flores en la Basura” (Colección Zirkus, 2003), para muchos grupos llegó a ser complicado atender a todas las peticiones que recibían para actuar. Actuaciones que por otro lado suponían, no ya no cobrar nada, sino un desembolso económico por parte de las propias bandas. Llegó incluso un momento en el que casi todos se vieron obligados a tener que elegir entre las diferentes invitaciones recibidas, con los consiguientes problemas que eso acarreaba. Con todo, de algún modo, Kortatu estaba en absolutamente casi todos los lados, se involucraban en todas las protestas. El sentimiento de pertenencia a un movimiento, no sólo musical, sino social, la concepción del punk, no como una mera estética, sino una filosofía y compromiso, están detrás de semejante derroche dinámico. Por algo se les ha denominado en más de una ocasión un fenómeno sociológico.
Componente fundamental y distintiva de la música de Kortatu, fue su impronta política. Su visión personal del panorama en el Euskadi de los 80 constituía la temática, especialmente en sus últimos discos, sobre la que componían sus letras. Se decía de los Clash que bastaba leer la primera página de los periódicos para saber de qué iban a ir sus canciones. Algo similar ocurría con los de Irún. No tuvieron problema alguno en denunciar las muertes de integrantes de ETA a manos de policía nacional o del GAL, criticar pactos de gobierno en el parlamento vasco, burlarse de medidas represivas de los Ministerios del Interior socialistas… Kortatu (como luego haría Fermín en los proyectos que pone en marcha mucho después) lucha rabiosamente, no por convencerte con su mensaje u opinión, sino en disponer de entera libertad para ponerla delante de las narices del que los escucha.
En septiembre de 1986 graban y editan su segundo trabajo, «El Estado de las Cosas» (Soñua, 1986). Tan sólo un mes después de la salida al mercado, Kortatu vuelve de gira por Europa: Suiza, Alemania y Holanda. 1987 no supone ningún respiro para la banda, van a Italia, Francia, de nuevo a Alemania, e incluso a Polonia. Precisamente, como testimonio de esta visita, existe grabación de la entrevista que el grupo concedió a la televisión de dicho pais. En la misma, jugando a «niños terribles», sobre todo Fermin e Iñigo, ponen en dificultades a la esforzada traductora, que se ve obligada a traducir al polaco alguna que otra barbaridad. Para finalizar y ante los ruegos de los presentadores, los tres terminan cantando el «Eusko Gudariak» y apuntan las primeras frases del «Gure olentzero», canción de navidad infantil.
Tal y como habían anunciado casi desde sus principios, el grupo afronta la grabación de un disco cantando completamente en euskera. Los hermanos Muguruza no lo hablaban y, para acometer la empresa, tuvieron que dedicar su tiempo a estudiarlo. Con todo, y con alguna ayuda externa, sacan al mercado el tercer larga duración «Kolpez Kolpe» (Oihuka, 1988). En el que para muchos es el mejor disco de la banda, Kortatu depliega un sonido duro, dentro de un amplio espectro de posibilidades que incluyen incluso apuntes de hip-hop, anuncio quizás del que sería el proyecto que los Muguruza desplegaráin en el futuro con Negu Gorriak.
Poco antes de preparar su concierto de despedida, «Azken Guda Dantza» (Oihuka, 1988), el grupo vuelve a salir de gira europea, llevándolos a Francia, Italia, Suiza y Alemania. Precisamente en Berna (Suiza) se registra esta grabación parcial y rudimentaria en un único archivo durante su actuación. El «Directo en Berna (Suiza)» puede no ser el mejor ejemplo de un concierto de Kortatu, pero es un testimonio que atesorar, sobre todo para coleccionistas.
Fermín apuntaba la necesidad de tener total autogestión, pero sobre todo “necesitábamos un descanso de unos cuatro años, habíamos hecho casi trescientos conciertos y encima teníamos un nivel de popularidad altísimo y decidimos parar. Y cada uno se fue por su lado. Todavía hay gente que me pregunta a ver porque nos separamos y yo ya ni me acuerdo. Aunque fueron cuatro años reales, para mí fueron diez, y de ello responde mi cabeza y mi estado físico.”
Pruebas adicionales del tirón que tiene Kortatu por el resto de Europa son las reediciones de LP y sencillos en compañías como Red Rhinos (para el mercado británico), Organik (en Suiza) y Bondage International (para el mercado francés). Kortatu constituyen, en definiitiva, una pieza angular del punk-rock vasco, hasta el punto que se haría duro concebir toda la onda sísmica generada en Euskadi en los años 80 sin su participación. Durante los no más de cuatro años de existencia mostraron una coherencia envidiable con su visión de la sociedad vasca de aquellos años, con la frialdad justa además para terminar cuando y cómo quisieron.
Preguntado por los comienzos del grupo, allá por el año 1978, Evaristo Páramos, el cantante de la formación, menciona dos características del punk que le atrajeron a él y otros cuatro chavales más de Salvatierra (Araba) para formar la que se convertiría en una de las bandas de referencia de este género. De entrada, no era necesario en absoluto saber tocar bien ningún instrumento y además “se podía cantar en el lenguaje de la calle”. Fue así como, al no haber otra cosa que hacer, tocar en un grupo punk junto a Fernando Murua Quintana -Fernandito- (batería), Maleguin (bajo), Txarly (guitarra) y Sume (guitarra), amigos de diferentes cuadrillas del pueblo con afinidades en sus gustos musicales, se convirtió en la única alternativa válida. Puestos a hablar mal, lo mejor era empezar con el nombre del grupo: nacía así La Polla Records (LPR).
Una feliz ocurrencia la de este disco, «Donde se Habla» (Oihuka, 1988), grabado en los estudios Elkar de Lasarte, como mucha de la producción de La Polla Records de estos primeros años, por Jean Phocas (que también trabajó con otras bandas del género como Cicatriz) y César Ibarretxe. Diseñado con mimo, con ambiente medieval para la portada (obra de Txefo, Joseba Olalde y Txarly) con un enorme pergamino que contiene cinco cartas de tarot, contraportada en la misma línea con figuras heráldicas y una cuidadísima presentación de las letras con grafías independientes para cada canción, en una hoja doble con fotos de cochinillos mamando de la madre por un lado y de imágenes varias por la otra. Con hilo conductor de animales para las canciones, representa la constatación de que llegó el disco conceptual al panorama del punk patrio. Obra de madurez quizás, desaparecen de las letras los objetivos tradicionales de la banda, y aunque sigue habiendo cabida para protestas específicas y crónicas de noches de alcohol y violencia (como las de la Rata), prima el regodeo para describir todo tipo de infiernos personales, psicóticos y alucinatorios. Evaristo confesó las influencias del libro “El Nombre de la Rosa” (1980) de Umberto Eco para la confección de este trabajo.
Comienza el disco a ritmo trepidante con un coro de monos irreverentes que cantan despreocupados ante cualquier contrariedad. Se admiten apuestas, pero de seguro que la canción tiene algo de declaración de intenciones de la banda. Para titular las pesadillas hospitalarias claustrofóbicas del segundo corte nada mejor que pájaros domésticos que pasan su existencia encerrados en jaulas -“Canarios y jilgueros”. La misma atmósfera opresiva, agobiante, con protagonistas desconcertados, que se sienten controlados, desorientados y confusos, ya sea por efecto de drogas, paranoias o “antibióticos sueños” se respira en “Confusión”, “Ciervos, corzos y gacelas” y “Las hormigas”. Todos ellos son temas impresionantes. Evaristo transmite irritación cutánea, escozor de ojos, hipersensibilidad patológica e irascible, sarpullidos… De escucha obligada.
Los siguientes tres temas concatenan un auténtico alegato contra la figura tradicional de macho. Vayamos por partes: “Ocho mariposas”, trata de las peripecias lésbicas de ocho alemanas en lo profundo de la Euskadi rural; “El animal sin nombre” mete el dedo en la llaga de la asignatura pendiente que supone para muchos “liberales” el asunto de la homosexualidad; y finalmente en “Conejas y gallinas” Evaristo pone voz al monólogo de una cuarentona que relata descarnadamente lo que es su vida. La Polla Records volverá, en trabajos posteriores, a tocar de nuevo la tecla de la indefensión del género femenino en el entramado social en el que nos desenvolvemos. Estamos por tanto ante una apuesta más que interesante que probablemente no todos esperarían de un grupo punk radical formado por cuatro hombres.
La música, vertiginosa hasta “Conejas y gallinas”, donde se detiene un tanto, vuelve a endurecerse y acelerarse con las dos entregas de la “Rata Parte 1ª y Parte 2ª”. Si no fuera porque finalmente Txus, el personaje de la canción con la que terminaba “Salve” (Soñua, 1984), nos hablaba desde la tumba, y de que ahora nos hablan de “Robertito” la saga ratonil de este disco parecería una continuación de sus andanzas. Para la segunda parte se cuenta con la colaboración de Jesús Mari Esnaola al piano.
“El perro salvaje” es probablemente uno de los mejores temas del disco. La música es un torbellino y la letra, con la que te llega a hervir la sangre precisamente de eso, de rabia, describe la soledad autosuficiente de un auténtico perro de presa (“me romperán la cabeza / mis ideas no (…) Sembraré toda mi rabia / donde duela más / puede que nunca tenga un colega / que necesite de mí / pero me bastan mis enemigos / por ellos puedo vivir”).
“El avestruz”, versión del tema “First time” de The Boys, es la canción que, según cuentan las leyendas, La Polla Records dedicó a Eskorbuto en los continuos roces que mantuvieron las dos bandas. Lo cierto es que, desde fuera de los círculos más íntimos de la banda, nada hay de evidente en la letra de la canción que confirmase la dedicatoria.
En “El Escorpión” (“que cuando el fuego le rodea se pica a sí mismo”) se trata precisamente de la droga. Evaristo, que confiesa haber transitado por estas vertientes, nos hace un relato de todo el proceso en que consiste abonarse al chute diario. La banda volverá en muchas ocasiones a tratar de este tipo de disquisiciones.
“El pinguino” tiene algo parecido a la crítica de “Animal sin nombre”. Aquí se trata de un palo a los “guardianes de la revolución”. La música está muy bien. En su momento, sirvió de “banda sonora” ficticia de una de las tiras de Pedro Pico & Pico Vena del dibujante Carlos Azagra.
La última canción es toda una sorpresa. Con un fondo musical que da al tema un tono de sueño psicodélico, intrigante, Evaristo recita en estéreo, adaptaciones de fragmentos sacados de “El Exterminador” (1973), una serie de relatos de William Burroughs escritos en el año 1973. La temática del libro gira en torno al poder, los abusos de éste, la negación de la individualidad, la hipocresía, la droga, la homosexualidad, etc. ajustándose como anillo al dedo al tono de denuncia de la banda precisamente en este disco. En concreto, el extracto que se puede oír por el auricular izquierdo corresponde al relato “El Advenimiento del Héroe Púrpura”, en el que el senador Homero Mandril, un simio al que se conoce con el nombre de Héroe Púrpura y candidato a la presidencia de los Estados Unidos, expone sus medidas de gobierno para poder devolver al país “el espíritu del verdadero conservadurismo”. Por el auricular derecho por su parte, se escucha un texto sacado de “La Disciplina del ME”, en el que el coronel Sutton Smith expone las bases del mínimo esfuerzo (ME). El libro, recomendable por su acidez y tono burlón en ocasiones, no tiene desperdicio. A nadie debería pillar desprevenido este guiño académico que se permite La Polla Records. Ya había avisado Evaristo que el hecho de ser punkie no le convertía en “un gilipollas de ideas cuadradas”.
Lejos de indicar alejamiento alguno a las bases planteadas en los trabajos previos, muestra que el espectro en la lucha antisistema por la que apostó el grupo era amplio. Un disco muy completo.
Algunos grupos, como Hertzainak o Zarama, eligieron además el euskera para expresar su rabia contra el orden establecido de aquellos felices años 80. Fueron ellos los que empezaron a escribir las primeras líneas en el capítulo de la historia del rock en dicho idioma, y equivalentemente facturar los primeros acordes en clave de rock en la historia de la música vasca. Con su elección, sin embargo, verían limitado su radio de acción considerablemente, ya que el mercado al que pudieron acceder se restringió al propio País Vasco. A Hertzainak le resultaba más fácil tocar en algunas capitales europeas como Roma o Berlín que en Madrid, a donde sólo pudieron ir en el estricto circuito afín a la extrema izquierda.
El germen de Hertzainak lo compondría la asociación de Josu Zabala con Xabier Montoia -Gamma-, quien, testigo directo de la irrupción del punk en Londres, regresó a Vitoria con un montón de discos bajo el brazo y unas ganas enormes de montar una banda. “Ellos no sabían más que yo de música”, comentaba el que sería cantante de la primerísima formación del grupo. Juntos deciden hacer algo similar, pero en euskera: “Aquello que decían los Pistols sobre su reina, decirlo nosotros sobre nuestro pueblo y sobre nuestras vidas”. Zabala, por su parte, se expresaba en idénticos términos en el libro sobre el grupo “La Confesión Radical” (Ainai, 1993) escrito por Pedro Espinosa y Elena López Aguirre: “Nos planteamos que había que hacer un grupo de rock en euskera para pasarnos todo lo que nos diera la gana, y para dedicarle las canciones a nuestros paisanos. Aquí también hay una buena pandilla de garrulos para hacer canciones cojonudas, contar historias reales como la vida misma, y de paso cuentas tu vida”.
Tras una gira que dan por Irlanda, montada por Rita, amiga de la banda que vino de aquel país a vivir a Vitoria, determinan grabar de nuevo. Para el nuevo trabajo se decide trabajar con Elkar, dejando la que había sido hasta entonces su discográfica, Soñua, en pleno proceso de descomposición. Con el cambio, la banda albergaba la esperanza de poder proyectar su música a un mercado más amplio.
La grabación de «Salda Badago» (Elkar, 1988), el tercer LP de Hertzainak, se realizó en los estudios del sello en Lasarte, bajo la asistencia técnica de Jean Phocas (Errobi). Para la producción escogieron a Ruper Ordorika, a pesar de la nula experiencia en dichas tareas del músico vasco. Su labor se centró principalmente en huir de los barroquismos del trabajo anterior. En su intento por huir de lo ya explorado en entregas previas el grupo encuentra un punto más rockero no exento de cierta elegancia en el nuevo disco.
La gestación del mismo no fue tarea fácil ya que tuvieron que lidiar con problemas internos derivados de un exceso de liderazgo por parte de Zabala («Terminamos todos hasta los cojones del Josu, que decía ‘esto es así y esto es así porque lo he pensado yo'», decía el baterista Txanpi) y con inesperados problemas técnicos: las cintas iban perdiendo parte del material ya grabado cuando se utilizaban. Por si fuera poco, Gari (voz) volvería a sufrir un aparatoso accidente de moto, que le apartó del estudio durante meses. De hecho, se acordó con Elkar el volver a grabar todo de nuevo. Es por ello por lo que algunos hablan de posible falta de frescura en el disco, aunque resultó ser un álbum con cantidad de argumentos que colocaban a Hertzainak a las puertas de convertirse en la primera banda vasca de rock del momento.
El disco se concibió en principio sin la participación expresa de Tito, el saxofonista que había sido clave en la locura skatalítica y tropical de la banda en sus primeras entregas. Convaleciente todavía del accidente de tráfico que había sufrido volviendo de un concierto de Tudela, su separación coincidió con el intento de Hertzainak de despegarse de tropicalidades y de poner un punto más rockero a su música. «Salda Baldago» es ciertamente un pequeño logro en ese sentido aunque ni todo el disco es rock, ni se deja de oir el saxo, siempre enorme, ocupado eso sí, en otros aromas diferentes a los que tenía como especialidad antes.
La portada se diseñó a partir de un dibujo de Álvarez Plagado, quien conoció al grupo a través de Bingen Mendizabal, colaborador habitual de la misma con violines y teclado. En el boceto que les envió a Hertzainak tras recibir el encargo, tuvo que eliminar una parte en la que aparecía un tipo lamiendo los pies de un Cristo porque no les pareció comercial. El resultado final, que sí que incluye, en la esquina inferior izquierda una imagen lamiendo un pie, y una escena de un lavado de pies, está compuesta por dibujos de formas antropomórficas y animales.
El disco salió a la calle justo cuando el grupo volvía de una gira europea que les llevó por Italia, Suiza y Alemania: dieciocho conciertos en veintitrés días, en los que Tito acompañaba con el saxo y Gari empezaba a hacer sus primeros pinitos con la guitarra. El balance fue positivo pero terminaron cansados de lidiar con tanto centro okupado, los escenarios habituales de la gira.
Preguntado por los comienzos del grupo, allá por el año 1978, Evaristo Páramos, el cantante de la formación, menciona dos características del punk que le atrajeron a él y otros cuatro chavales más de Salvatierra (Araba) para formar la que se convertiría en una de las bandas de referencia de este género. De entrada, no era necesario en absoluto saber tocar bien ningún instrumento y además “se podía cantar en el lenguaje de la calle”. Fue así como, al no haber otra cosa que hacer, tocar en un grupo punk junto a Fernando Murua Quintana -Fernandito- (batería), Maleguin (bajo), Txarly (guitarra) y Sume (guitarra), amigos de diferentes cuadrillas del pueblo con afinidades en sus gustos musicales, se convirtió en la única alternativa válida. Puestos a hablar mal, lo mejor era empezar con el nombre del grupo: nacía así La Polla Records (LPR).
Su primer disco en vivo, «En Directo» (Ohiuka, 1988), fue grabado en la sala Llargi de Lakuntza los días 15 y 16 de mayo de 1988. Las mezclas, realizadas en los estudios Elkar de Lasarte, corrieron a cargo de Jean Phocas.
El arranque con “La justicia” y los alaridos de Evaristo consiguen poner los pelos de punta. Un auténtico acierto para romper el hielo. Unas cuantas jotas anti-sistema entre canción y canción y gritos de ánimo del tipo “Aupa el punk patatero mecagoendios” le dan el toque agro-punk del que nunca renegó la banda.
No están todas las canciones evidentemente, y se pueden echar en falta algunos de sus temas clásicos de la época, pero lo que hay está más que bien resuelto. Sabe a poco, pero es un documento sonoro más que válido de cómo sonaba la banda en uno de sus momentos más dulces, el que va hasta “Donde se Habla” (Oihuka, 1988). Es interesante compararlo con el sonido de los otros directos que grabó la banda mucho después. Aquí todavía suenan sin la contundencia metálica con la que se revistieron en sus últimos discos.
Ahora bien, el grupo no guarda buen recuerdo del resultado final: «Fue como ir a misa. Una cagada».
Último disco, sin incluir recopilatorios, en estudio del grupo. A pesar de la simpleza en su composición, la portada, con el nombre del grupo y el título del disco en grandes letras blancas sobre fondo rojo, resulta atractiva. La contraportada, en el mismo tono cromático, muestra a un aizkolari a punto de descargar un hachazo sobre un tronco.
Es el disco enteramente en euskera que el grupo había concebido y anunciado desde un principio. Fermín e Iñigo estudiaron disciplinadamente la lengua para poder afrontar este trabajo. A pesar de todo reciben el apoyo en la composición de las canciones de Josu Landa y Mikel Antza.
El disco se graba en los estudios Iz de San Sebastian de Kaki Arkarazo (miembro de M-Ak), que hace labores de producción. El libreto con información incluye fotos que prueban la colaboración de Yul (R.I.P.), Mikel Insausti (The Covers) o Mikel Laboa. Asimismo nos muestra a Ainhoa e Idoia Fraile, responsables de acordeón y panderetas y a toda la sección de viento con la que se contó en la grabación del disco (Mikel Valkarlos, Javi y Josetxo Süguero y Juan Antonio Diez).
«Kolpez Kolpe» muestra a Kortatu en su versión de guitarras más contundentes. Pero también contiene lo que serían los primeros esbozos de lo que sería luego Negu Gorriak. Ya no hay ska, y el grupo indica la posibilidad de evolución a un espectro amplio de registros sonoros. De hecho las canciones son un auténtico abanico de ritmos diversos, pero que no agotan en su dispersión. Letras oníricas en muchos casos, fantasías, alejadas en muchas ocasiones de los mensajes directos enviados en ocasiones anteriores. Pero todo bajo un fondo musical muy intenso, guitarrero y con secciones de viento poderosas en muchos casos.
Comienza el disco con la elucubración-fantasía de una Euskadi confundida con la Rusia revolucionaria en la que hay además conexiones jamaicanas. Un auténtico delirio. Intensidad de guitarras, haciendo de éste un tema muy vibrante, con ritmo galopante. Muy buena.
«Etxerat!» tiene comienzo similar al de composiciones rockabilly tipo Loquillo o Rebeldes de los primeros tiempos. La banda parece volver a casa tras toda una temporada de gira en la furgoneta. Se mencionan las pancartas electorales de “los campeones de la suciedad. Nos saludan, pidiéndonos a cambio el voto. Pero ni eso nos puede joder, porque volvemos a casa, que se vayan a la puta mierda”. Música muy buena.
Concesión al recuerdo de la ciudad vasca de Gernika bombardeada en la Guerra Civil. Un tema enorme, de lo mejor, con sirenas incluídas. Inevitable no pensar en la composición de los granadinos T.N.T sobre este episodio.
«Denboraren Menpe» tiene un comienzo impactante. Comparte ese aire onírico en las letras de muchas de las canciones del disco. En este caso para referirse al paso del tiempo y a nuestra subordinación al mismo. Tiempo incluso para incluir a Alicia y el conejo con el reloj del País de las Maravillas.
También arranca de forma muy muy potente «A.E.K. ‘Ko Veteranoak». Pone la piel de gallina. Fermín llevaba chupas de Public Enemy pero esto suena a Beastie Boys. El tema tiene conexiones claras con «No sleep till Brooklyn» del disco de estos últimos «Licenced to Ill» (Def Jam, 1986), o en su versión a lo Stiff Little Fingers «No Sleep ‘til Belfast», publicado en el disco «No Sleep ‘til Belfast» (Kaz, 1988). Sentando las bases de lo que iba a ser Negu Gorriak. La letra es una amalgama casi poética de referencias a la Euskadi rural.
Peculiar es «Kolpez Kolpe», marcada por percusiones muy personales. Arranca la canción a golpe de los aizkolaris. Sonidos de hacha volando a cortar la madera. Un ritmo de dub perezoso. El trío se viste, alternativamente de indios para luchar junto a Jerónimo contra el quinto de caballería, o de gladiadores en frente de Julio César, o de vikingos que, montados en su drakkar, piensan “deshacer el viejo y nuevo imperio”, o final y simplemente de aizkolaris que dejan en el bosque “mil troncos sin cabeza”. En cualquier caso, se trata de eso, de ir “kolpez kolpe / golpe a golpe”.
«Ehun ginen» es quizás el tema más atípico. Versión de un tema de M-Ak. La voz femenina de los coros la vuelve incluso febril. Mención a Beirut, Damasco, Rock the Cashbah. Guitarra chirriante.
Se cierra el disco con la sátira política sobre la constitución de un gobierno vasco en el que se margina la opción KAS («Platinozko sudurrak») y el canto a la no rendición de «Makurtu Gabe». La primera de ellas, cuyo título (“Narices de platino”) viene a cuento de la burla que mezcla en toda la canción la droga como motor de los pactos políticos acordados en la época. “Del polvo surgió el gobierno baskongado, gracias a un contrato que hay que leer ‘entre líneas’” suena mucho más intensa en el disco en directo «Azken Guda Dantza» (Oihuka, 1988). En «Makurtu Gabe» se describe lo que parecen las provisiones para pasar un largo tiempo en la clandestinidad, quizás. Irreductibles: “Aunque nos corten una pierna a cada uno, ya saldrán nuevos”.
Para muchos, de lo mejor que grabó el grupo. La reedición posterior corrió a cargo de Esan Ozenki.
«A Frontline Compilation» (Oihuka, 1988) fue un grandes éxitos que salió inicialmente sólo para el mercado extranjero, editado por Red Rhino en el Reino Unido y Organik en Suiza el año anterior (1987), pero que Oihuka rescató para el mercado estatal. Decisión, por otro lado, que no contó con todo el apoyo del propio grupo y que produjo algún que otro malestar en Kortatu: «Se decidió publicar en el extranjero y ahora sale aquí. Han tenido el mal gusto de no avisarnos. Si lo hablan seguramente no hubiera pasado nada, pero …”.
Pruebas adicionales del tirón que tiene Kortatu por el resto de Europa son las reediciones de LPs y sencillos en compañías como Red Rhinos (para el mercado británico), Organik (en Suiza) y Bondage International (para el mercado francés).
Son varias las versiones que circulan con respecto a la identidad precisa de la mujer que aparece, puño en alto, en la portada del disco. Aunque se dice algo al respecto en la información contenida en el propio trabajo (sería la madre de un militante de ETA muerto en la lucha nicaragüense), otras fuentes apuntan que es la madre de un refugiado vasco asesinado por el GAL. En cualquier caso, la imagen fue utilizada posteriormente en propaganda electoral de la izquierda abertzale.
Para su tercer trabajo, «No Somos Nada» (Txata, 1987), La Polla Records se lanzó a montar su propia compañía de discos (Txata) junto al que había venido siendo su manager desde los tiempos de Soñua, Jose María Blasco. De todas formas, Oihuka lo volvió a reeditar cuando la banda volvió a trabajar con ellos. Su grabación estuvo marcada por las disputas con éste último, en cuestiones tan diversas como los técnicos elegidos para la grabación o las letras de canciones como “Las Marras”. Precisamente este tema terminó grabándose sin mezclas ya que el técnico de sonido desertó tras una de estas discusiones. La actitud militante de Jose María en cuestiones referentes al nacionalismo vasco, se enfrentaba en ocasiones con las tendencias anarquistas del grupo. Así, éste se confesaba preocupado por lo que la “gente pudiera entender” cuando Evaristo cantaba aquello de “No al ejército ni vasco ni español”. Finalmente ambas partes rompieron relaciones tras la grabación del disco.
Este mal ambiente pudo influir en el deficiente acabado técnico del disco, aquejado de un sonido que ciertamente deja que desear. Una auténtica pena porque la portada y el diseño de la carpeta, obra de Orue, son posiblemente de los mejores del grupo. Contiene además colaboraciones de lujo, como Carlos (RIP) y Natxo (Cicatriz), que parecen no querer dejar solo a Evaristo en la controvertida “Las marras” -le acompañan a las voces. Además son varios los temas de album que de seguro estarán en la lista de canciones favoritas de muchos seguidores de La Polla Records.
Para la ocasión, la banda aporta una generosa lista de veintiún temas con letras que raspan como lijas como en los dos discos anteriores. Palos para los de siempre: policía, ejército y fuerzas de seguridad reciben de lo lindo (“Pitufaré”, “Los perros, la carne”,“Todo por la patria”, “Otro militar”, “Las marras”); la ración religiosa la aporta “Hipócritas católicos”, no se olvidan de los políticos (“Odio los partidos”, “No somos nada”), ni de la ciencia, responsable de un progreso irracional (“Progreso y ciencia”, “Cáncer”) y en general del escenario social en el que todo esto es posible.
Comienza el disco con un temazo “No somos nada”, que arranca con un guiño a los tebeos de Asterix y Obelix. El grupo confiesa que no son nada, simplemente los descendientes de los perdedores de la Guerra. Y además no son nada porque no se dejan etiquetar en etiqueta urbana alguna. Sonidos del gaitero José Avilés, y Evaristo en su tono más combativo. Actitud, por otro lado, que no abandona hasta varios temas después en “Sí hay futuro”, tras los latigazos a compañeros de viaje no deseados, militares y políticos. En este tema, de título evidentemente engañoso, la música, hasta entonces un auténtico trallazo, da al que escucha un ligero respiro. Eso sí, la letra se ceba en el sinsentido de este mundo.
La canción “Jamaica” merecería quizás un pequeño apunte. Escrita en registro pausado, pseudo tropical, hace un repaso desmitificante de la isla caribeña, del reggae, de Bob Marley y demás cuestiones relacionadas. No parece casualidad que semejante manifiesto llegase en un momento en el que una corriente de grupos vascos trabajaba en la veta abierta por Hertzainak y el tema “Arraultz bat pinu batean” de su disco “Hertzainak” (Soñua, 1984). En el mismo, en tono de parodia, hablaban de un Euskadi tropical, divertido y en el que no era posible problema alguno. Condicionados o no por el tema en cuestión, grupos como Potato, hacían su fiesta reivindicativa a ritmo cadencioso de reggae. El tema de La Polla Records viene a ser un auténtico jarro de agua fría ante tanta alienación, una llamada de atención de que en el fondo, no hay nada en la isla que la haga digna de la devoción que se la ha profesado desde siempre. Curiosamente, algo similar ocurre en el panorama del punk inglés con el tema “Where the hell is Babylon?” grabado por Cockney Rejects en su primer álbum. En el mismo, el grupo británico se pregunta sobre la existencia y localización de la Babilonia de los rastafaris.
Y tras estas disquisiciones, más tralla, con mención especial a “Real como la vida misma” y “La justicia”, que resultan atronadoras. En el primero, la bofetada a la figura del rey viene dada con la introducción de un piano, clavicordio o similar para simular un ambiente cortesano, pero termina con un auténtico aullido de Evaristo que pone los pelos de punta. Con la misma sensación te deja el comienzo de “La justicia”, un clásico de la banda. Y a continuación “Cáncer”, ejemplo de pildora punk de libro de texto. Corta, vertiginosa y de letra nada reconfortante. Del mismo registro son “Odio los partidos” y “Las marras”.
El tobogán que finalmente te lleva hasta el último tema, incluye pasajes en tono de burla como los de “Pitufaré”, “Súbete los pantalones” y algún toque tétrico, como el de “Qué paz”. Y sobre todo la misma tónica de escupitajo antitodo.
A pesar de las deficiencias técnicas ya mencionadas, sigue siendo un trabajo esencial para los amantes del grupo y del punk de los 80.
Cierto es que el sonido de «No Somos Nada» no tiene tanta calidad como el de sus discos previos (unos agudos demasiado notorios y unos bajos mal ecualizados), pero no creo que eso desmerezca una grabación más que notable, de sobresaliente incluso porque contiene algunos de los temas más corrosivos de La Polla Records.
Citar la historia y obra del grupo sin este disco sería completamente imposible. Sin las canciones «No Somos Nada», «Las Marras», «Tu Más Enérgica Repulsa», «Odio a los Partidos» o «Qué Paz», La Polla no sería el referente de punk con mensaje inteligente que es. Por eso este álbum es imprescindible en su discografía y, me atrevo a decir, uno de los mejores trabajos creativos de la banda.
Parabellum fue un grupo de música punk rock formado en 1983 en Barakaldo (Bizkaia, Euskadi) por los componentes de la banda baracaldesa Java: Josu (batería), Juanan (guitarra) y Txisko (bajo), quien propone el nuevo nombre definitivo. Fueron una de las bandas punk que con más fuerza mantuvo en alto el banderín del denominado Rock Radical Vasco… música dura, de alto contenido político combativo, antisistema y rebelde.
Tras ofrecer algunos conciertos, Txisko marcha a realizar el servico militar. En 1985, fecha que se da como fundacional de la banda, Josu y Juanan dan un concierto y completan la banda momentáneamente con Lera (guitarra) y Lino (bajo), componentes de Atila. En los tiempos del servicio militar no era raro ver a músicos de Baracaldo sustituyendo a compañeros de otros grupos. Poco después de regresar Txisko de la mili, entra en la banda Txetxu y durante un tiempo comparte con Juanan las labores de guitarrista. Enseguida Juanan abandona el grupo y queda la formación de los tiempos del mítico «Bunker» (local compartido por grupos de la época en la margen izquierda como Distorsión, Yo soy Julio César, Putakaska…).
Txisko, Josu y Txetxu hacen muchos conciertos en esta época, quedando como miembros permanentes de Parabellum y la formación que finalmente entra en noviembre de 1987 a los Estudios Tsunami de Donostia, con el técnico Josean López, para grabar su álbum debut «No Hay Opción» de la mano de Txomin (Gólgota Ediciones, Bilbo), quien ejerció de productor, y editado a finales del mismo año por Discos Suicidas. El diseño de carpeta del LP fue de Arte-Nativa, con fotografía de los tres componentes del grupo a contraluz en un túnel ferroviario, como portada, y una composición de viñetas de agradecimiento junto a los títulos de los temas y datos del disco en la contraportada.
«No Hay Opción» (Discos suicidas, 1987) recoge temas que se convertirían en himnos dentro de los ambientes borroka del País Vasco y en los barrios marginales de algunas urbes de todo el estado… Canciones como «Descontrol», «Botas (dais asko») o el famoso estribillo «…¡no hay opción!, ¡deserción!…» (de «No hay opción») que conectaba directamente con la corriente de insumisos y simpatizantes que afloraba a lo largo y ancho del estado español. El disco les facilitó actuar con profusión en Eukal Herria y el salir fuera de Iberia, con varias actuaciones en Suiza, en las que Lera sustituye a Txisko en el bajo debido a un accidente de tráfico sufrido por éste. En 1989, tras su convalecencia, Txisko decide no regresar, convirtiéndose Parabellum en cuarteto con la entrada de Lino al bajo y pasando Lera a segundo guitarra. Ese mismo año Discos Suicidas reedita el álbum en CD.
Fuente: Wikipedia / La Factoría del Ritmo / Zonde
Lista de canciones:
«Deskontrol» – 3:00
«Botas (Dais Asko)» – 2:36
«Femine ¿Está Buena?» – 3:00
«Rock’n’Roll» – 1:53
«Una Kanción de Amor» – 5:51
«No Hay Opción» – 2:36
«Movilización» – 2:13
«Nos Engañan» – 3:06
«Victoria» (Toy Dolls; adap. Parabellum) – 2:35
«Kien Kiere» – 5:13
Calidad: 320 Kbps (a 48000 Hz)
Muchas gracias al compañeroBiziopor el archivo flac que ripeé a mp3 de máxima calidad.
La Polla Records fue un grupo de música punk, formado en 1979 en Salvatierra, provincia de Araba (Euskadi), por Evaristo (vocalista), Fernandito en la batería, Maleguin en el bajo, Sume y Txarly en las guitarras. El nombre de la banda resultó controvertido y chocante porque en España «polla» es como se le llama vulgarmente al pene. Estuvo en activo desde 1979 hasta 2003.
Tras una primera maqueta, «Banco Vaticano» (1981), editaron el EP «Y Ahora Qué?» (Oihuka, 1983), para publicar el año siguiente su primer LP: «Salve», grabado en los Estudios Soñua de Iruña en diciembre de 1983 y editado por Oihuka en 1984. Según la discográfica, fueron vendidas más de 1.000.000 (un millón) de copias del disco. El grupo rechazó el Disco de Oro.
«Revolución» es el segundo álbum de estudio (y cuarto lanzamiento discográfico) del grupo punk La Polla Records, grabado en los Estudios Tsunami de Donostia, producido por Marino Goñi y editado por Oihuka en 1985. La portada es obra de Ñako. En éste, el segundo LP de la banda, se produce el primer cambio en la formación: sale Maleguin, quien tocaba el bajo, y para cubrir el puesto entra Abel (que es el primo del baterista Fernandito). En este disco la banda comienza a experimentar con los estilos musicales, por ejemplo la canción «Un rayo de sol» es un reggae.
Crítica:
“Revolución” (Soñua, 1985) es probablemente el disco más duro de La Polla Records, especialmente por las letras, por su contenido político. Aunque sigue habiendo ironía ingeniosa en algunas de ellas, son muchas más las canciones que escarban en el capitalismo descarnado, que denuncian las diferencias Norte-Sur y Éste-Oeste, y que nos arrastran a aventurarnos por las cloacas del Estado.
Palos de nuevo a la Iglesia (“Lucky man for you”, “Demócrata y cristiano”), a la policía (“Era un hombre”), a los fascistas (“Cara al culo”), a la dependencia de las modas venidas de las islas británicas (“En Londres”).
La portada es reveladora. Un dibujo nos muestra una batalla campal en el interior de un bar en la que intervienen punks, skins, macarras, heavies, rockers y gente de todo pelaje, mientras vuelan sillas y botellas. Tras las ventanas, ertzaintzas y policías antidisturbios contemplan divertidos la escena. Estas llamadas a la unidad, estas alertas a mantener firmes las líneas para poder encarar al verdadero enemigo que viene de fuera, no son nuevas en los ambientes punks (véase por ejemplo el tema “Real enemy” de la banda londinense Business). “Luchamos entre nosotros / Mientras ellos se ríen / Unámonos contra ellos / Porque sólo son muerte” cantan aquí La Polla Records. Y es que en el disco hay mucho de llamada a la trinchera, a la lucha activa, al espabilarse de posibles efluvios etílicos y drogodependientes para estar dispuesto a hacer la Revolución (“Ya es hora de actuar por nuestra cuenta / ya está bien de decir que esto es mierda / y no hacer nada por cambiarlo”).
En el caso de la escena vasca de los 80, estos toques de corneta son siempre analizados con lupa, más que nada, por los más que evidentes intentos de canalizar o instrumentalizar la energía anti-sistema desplegada por entonces desde posiciones abertxales. Pero salvo las controvertidas estrofas de “El sitio donde yo vivo” con referencia a los objetivos potenciales de ETA, en este disco La Polla Records parece desmarcarse de cualquier directriz nacionalista. Extractos de “Moriréis como imbéciles” (“Las medallas son chapas de hojalata / Las banderas son trapos de colores / Moriréis como imbéciles / Moriréis como héroes / El honor es un invento / Y la gloria una mentira”) o de “Sin País” (“Un país es un invento / un país es una estafa / un país es algo, para lo que nadie me ha pedido mi opinión. / Un país no es nada / Nada lo justifica / ni sus putos muertos / Ni sus putas medallas”) dejan poco campo a la especulación.
En la contraportada, aparte de los títulos de las canciones, dispuestas con diferente tipo de letra cada una, en horizontal la de la primera cara y en vertical las de la segunda, hay una ilustración correspondiente al tema “Ven y ve”. Alguien salta el muro de Berlín, mirando hacia atrás para mostrarle un dedo a todo lo que deja atrás, sin percatarse de que, broma cruel, lo que le espera no es la anhelada “bendita libertad”. Igualmente de claustrofóbico resulta el mensaje de “El ataque de los hambrientos” aunque escrita de forma irónica (“Están en el hemisferio chungo (…) la cara b de la opulencia (…) Papa Noel manda papeo que esto está muy feo”); o el de “Chica ye-yé”, guiño burlesco de la canción de Concha Velasco.
Paralizantes son en cambio “No más presos” y “La tortura”, temas desgarradores que no se permiten broma alguna que suavice toda la denuncia que contienen. La Polla Records en su registro más directo y brutal.
El disco empieza con un instrumental (“No hay jabalíx en Urbasa”) y acaba con “El congreso de los ratones”, auténtica burla de la Constitución, el Congreso de los Diputados y demás símbolos de la democracia española. Una auténtica versión alternativa no recogida jamás en crónica alguna de la transición en este país y los primeros años de democracia.
Un gran disco en los que fueron sin duda los mejores años de la banda.
Al calor de la oleada musical desatada en el País Vasco aquellos años, dos quinceañeros de Irún, Daniel Bordonaba (batería) y Claus Groten (bajo) decideen montar un grupo con el que descargar toda la rabia que acumulan. Un amigo común, Miguelón (Anti-Régimen) les presentaría a Víctor Pérez (cantante), que a su vez trae a Mikel Martínez -Johnny- (guitarra). Como nombre, se decantan por Vómito Social.
Tras debutar en marzo de 1984, graban en septiembre su primera maqueta, que titulan “Los Gobiernos Pasan, las Sociedades Mueren Pero la Policía es Eterna” (1984), con diez canciones a tono con el punk rock de protesta que se facturaba entonces. La lista incluía ya alguno de los temas, que grabados en mejores condiciones técnicas y englobados en trabajos posteriores, llegarían a convertirse en clásicos de la banda, como “Fuerzas de seguridad”, “Vómito social”, “Ley de vida”… Las sesiones de grabación tuvieron lugar en el local de ensayo de un grupo de verbenas, Ohiana, germen de lo que luego vendría a ser Baldín Balda, a cargo de Katu, cantante de estos últimos.
Animados por esta primera entrega, y tras sustituir Joseba López Zubeldia a Mikel en la la guitarra, que se vuelve a Pamplona en 1985, graban su segunda maqueta “¿No es Esto Terror?” (1986). Además, deciden acortar el nombre y quedarse simplemente en Vómito. El nuevo trabajo, en el que presentan once canciones, sigue en la línea propuesta en la primera maqueta y funciona muy bien. Las dos maquetas verían mucho tiempo después la luz, de la mano del sello valenciano VómitoPunkRock Records, en formato de vinilo en una cuidada edición que venía acompañada de un completo fanzine elaborado para la ocasión: «Demos 1984/1986» (VómitoPunkRock, 2013).
El grupo va consolidándose y ganando reconocimiento con sus cada vez más frecuentes actuaciones. Esta popularidad les hace merecedores de la invitación por parte de Discos Suicidas a entrar en el recopilatorio “Skalherria Punk” (Discos Suicidas, 1986), junto a Korroskada, Virus de Rebelión y Txomorro. La inclusión de Vómito en este disco, uno de los incunables del género, respondió, más que a cuestiones estilísticas (ya que la banda no tenía un solo tema ska en su repertorio), a la posible sugerencia de Pablo Cabeza, periodista destacado de la escena que vino a llamarse Rock Radical Vasco, a la discográfica. En cualquier caso, el recopilatorio de marras permite a la banda editar cuatro grandes canciones: “Ley de vida”, “Fuerzas de seguridad” (estas dos ya incluidas en su maqueta de debut), “Ley antiterrorista” y “Me da igual”. Críticas contra la policía, el sistema judicial y la sociedad en general, tocadas en clave punk-rock hardcore descarnada, y cantadas de forma característica, con Víctor ralentizando el tema para poder paladear los insultos a todos estos elementos agresores de las libertades individuales más esenciales (“Perros guardianes del orden y la ley / asesinos a sueldo / abuso del poder”).
El resultado del disco, que supuso al grupo un solo día de grabación, y por el que la compañía pagó diez pesetas por copia vendida a cada una de las bandas que participaron en el recopilatorio, fue positivo. Discos Suicidas les ofrece ahora la posibilidad de grabar un vinilo en solitario. Es así como se gesta «Vómito» (Discos Suicidas, 1987). Un buen disco, reflejo de la época, lleno de cantos de inadaptación social crónica (Víctor alerta de su condición de bomba nuclear y peligro de explosión delante de los demás), de estado de alerta máximo ante posibles violencias externas, cercano a la paranoia persecutoria. En la línea de las grabaciones anteriores, la aparente lentitud con la que se ejecutan las canciones no les resta ni un ápice de intensidad. Incluye el “Vómito social” de su primera maqueta. El paso del tiempo lo convirtió en un trabajo imprescindible para entender los comienzos del grupo y el entorno musical en el que se elaboró. Canciones como la propia “Fuerzas de seguridad”, “Soy una bomba” o “Ratas de ciudad”, por citar sólo unas pocas, entrarían sin dificultad alguna en un hipotético recopilatorio con lo mejor del punk vasco de los 80.
La portada, que muestra foto en negativo de la banda, junto con las que se muestran en la contraportada, son obra de Pablo Cabeza, periodista destacado de la época, Javi y Koldo. Grabación en los estudios Tsunami, con Josean López como técnico. Letra y música firmadas por todo el grupo.
El disco es ejemplo claro del punk de la época, con letras de inadaptación social, de completa incapacidad para adaptarse al medio social que nos rodea. Paranoia persecutoria y alertas para estar atento, completamente en máxima atención ante las agresiones que vienen de fuera, siempre dispuesto a responder a mordiscos a la agresión. Letras que evocan ambientes de cloaca. Nihilismo en estado puro y exabruptos para mostrar el desapego total a leyes, convencionalismos y demás trabas sociales.
El comienzo es de vértigo. Tres temas que pueden ser perfectamente clásicos de la banda. Registros punk algo ralentizados, que permiten a Víctor paladear incluso las letras y los insultos. Luego se acelera alcanzando modos de hardcore.
«Ratas de ciudad» y «Soy una bomba» tienen algo del estilo de Eskorbuto. Risas estridentes y guitarras desquiciadas, en tono incluso siniestro. Curiosamente fue asi, como «ratas de ciudad», como Claus llegó a definir la marginalidad de Eskorbuto en el documental «No Acepto» (José A. Alfonso / Alberto Bocos Oyarbide, 2007). Por su parte, la letra de «Soy una bomba» («Soy una bomba, una bomba nuclear / Mi cuerpo está lleno de radioactividad / Mato a la gente con mi imaginación /Mi cerebro es un arma de destrucción») tiene algo de odio a todo lo que le rodea, como el tema de «Mr. Snoid entre sus amigos los humanos» de Kortatu. Parece además querer hacer mención a una especie de supervillano de tebeos, a los que, por otro lado, tan aficionado era el propio Víctor.
«Estado de alerta» se acerca, en letra y música, al estilo de Cicatriz en su disco «Inadaptados» (Oihuka, 1986). El bajo marca los tiempos y la guitarra se deja acelerar a ritmo hardcore.
Son también hardcore «Lucha!», «Deslumbrante brillo», «Ya no hay solución» o «Tu única salida» (especialmente buena, en la que se dirían suenan parecido a los ingleses The Partisans). Todas ellas con letras descorazonadoras, hablando de las «sucias mentiras» con las que nos contaminan en la sociedad, o de cómo te extraen el alma, las ideas, mientras te alimentan de basura.
«Vómito social» es el tema autodedicado; así se llamaba el grupo originalmente. Dedicatorias a la propia banda hicieron también Cicatriz o Korroskada. Tampoco describen un jardín de las delicias (hambre. miseria, odio y corrupción).
En «Ama Shantalen Jaiaj 1985′ ko» habla de un episodio de quema de banderas de un alarde de Irún en fiestas del año 1985. El disco termina con un buen corte «Un día más (esperando el final)», una crónica sin esperanza de lo que representa el estar enganchado a la droga.
Es un muy buen disco, con el punto musical y de letras que lo hace ejemplo de lo que se facturaba en los 80 en el País Vasco.
Fuente: TGL en LaFonoteca.net
Lista de canciones:
(Todos los temas de Claus Groten, Daniel Bordonaba, Joseba López, Victor M. Pérez)
Hertzainak fue un grupo musical de Araba (Euskadi), formado en 1981 e integrante de lo que se conoció como rock radical vasco, eran conocidos como los Clash euskaldunes. En sus primeros discos mezclaban la provocación del punk con los ritmos bailables del reggae y el ska, manteniendo siempre como fondo de muchas de sus letras la situación política del País Vasco. Más adelante su estilo musical evolucionaría hacia un rock con melodías folk, sobre todo de tinte tradicional vasco.
En 1984, tras un concurso rock organizado por el diario Egin en el que participan representando a Araba y que fue ganado (tras ardua competencia) por La Polla Records, editan su primer álbum de estudio, «Hertzainak», grabado en los estudios Tsunami de Donostia, producido por Marino Goñi y publicado a través de la discográfica Soñua/Oihuka.
Tras su impactante disco de debut: «Hertzainak» (Soñua, 1984), Hertzainak editó una esperadísima segunda entrega tan sólo un año después. Un intervalo de tiempo que la propia banda evaluaría luego como excesivamente corto. Siendo su intención la de intentar experimentar, la de evitar nuevas canciones bandera, himnos; la de empezar a poner tierra de por medio de todo aquello que su público pudiera esperar de ellos, la preparación previa de los temas en el local de ensayo no había sido suficiente.
La grabación de «Hau Dena Aldatu Nahi Nake» (Oihuka, 1985) tuvo lugar de nuevo en los estudios Tsunami, donde, por cierto, volverían a discutir con Josean, el técnico de los mismos. La estrategia que habían concebido era la de dar un giro respecto a lo presentado en su disco de debut. Huyendo de las canciones del mismo, que se habían convertido en himnos, buscaron una línea mucho más intimista y pesimista para las letras, y un mayor grado de complejidad en la música, en la que colaboraron Bingen Mendizabal, siempre cercano al grupo, y miembros de Barricada como Boni y El Drogas.
Portada más que notable, con dibujo, logo de la estrella rota de Hertzainak y letras para el título impactante. Es la estética de la información mostrada en el carpetaje que envuelve el vinilo, donde además a modo de desorganizadísimo collage se exponen las letras de las canciones y agradecimientos. El apoyo con la traducción en castellano se da en una hoja independiente en similar diseño.
Pero la moral del grupo no era la adecuada, ni el ritmo de trabajo que seguían en las grabaciones, trabajando hasta primeras horas de la mañana, fue el idóneo para conseguir una mayor motivación. Tuvieron además todo un cúmulo de infortunios técnicos en el estudio. Josu se planteaba tiempo después si había sido o no buena idea haber grabado el álbum. Terminarían casi renegando de haber sacado el álbum, nada contentos con el intento de experimentación, a lo Clash y su «Sandinista», que decían haberse propuesto. 1985 también fue el año en el que el grupo sacó a la calle los sencillos «Hertzainak / Galtzailea» (Soñua, 1985) y «Rokanrol Batzokian» (Soñua, 1985), donde salieron temas de la maqueta primigenia de la banda.
Hertzainak fue un grupo musical de Araba (Euskadi), formado en 1981 e integrante de lo que se conoció como rock radical vasco, eran conocidos como los Clash euskaldunes. En sus primeros discos mezclaban la provocación del punk con los ritmos bailables del reggae y el ska, manteniendo siempre como fondo de muchas de sus letras la situación política del País Vasco. Como ejemplo, «Pakean utzi arte» (Hasta que nos dejen en paz), fue compuesta en recuerdo de Javier San Martín Goikoetxea «Piti», militante de los Comandos Autónomos Anticapitalistas y amigo del grupo. Más adelante su estilo musical evolucionaría hacia un rock con melodías folk, sobre todo de tinte tradicional vasco.
Su primera actuación fue en la nochevieja de 1981, en Gazteiz. En la primavera de 1982, Xabier Montoia Gamma dejó el grupo para formar M-ak y en su lugar entró Iñaki Garitaonaindia «Gari», que sería su vocalista en adelante y el que daría a la banda sus grandes éxitos.
Ya plenamente establecidos, en 1983 entran a los estudios del sello discográfico IZ para grabar su «Maketa», editada en formato cassette con ocho temas de una calidad técnica de sonido y composición más que destacable en la época y que tuvo muy buena recepción, agotándose todas las copias publicadas. Gracias a este trabajo, sus conciertos por toda Euskadi se multiplicaron, al lado de otros grupos emblemáticos del rock radical vasco como RIP, Eskorbuto, Zarama o Barricada.
En 1993, en un concierto celebrado en el polideportivo Anoeta de Donostia, dijeron adiós como grupo. Sin embargo, sus músicos siguieron actuando. Así, Txanpi y Kike se unieron a Doctor Deseo, Gari prosiguió su carrera en solitario y Josu Zabala en los grupos Zazpi Eskale y Gu eta Gutarrak.
Lista de canciones:
«Hau Dena Aldatu Nahi Nuke» — 3:53
«Kontrola» — 2:06
«Eh Txo!» — 4:16
«Zuzen Heriotzaino» — 4:58
«Kamarada» — 4:04
«Gailtzale» — 4:42
«R&R Batzokian» — 3:17
«Miren Modelo B» — 3:03
Calidad: 224 Kbps
Gracias aVómitoPunkRockpor este archivo (aunque no está a 320 como asegura).
Eskorbuto fue un grupo de música punk originario de Santurce, Bizkaia. El grupo se crea en 1980, influenciados por la repercusión del movimiento punk en 1977, y han sido muy influyentes en el panorama punk y rock, siendo una banda nunca exenta de críticas, se han convertido en un mito dentro del punk prácticamente en todo el mundo.
«Que Corra la Sangre», su segunda maqueta, es testimonio de la actuación de esta banda maldita en directo durante la Semana Grande de Bilbao en 1984. Este disco es un material muy apreciado por los coleccionistas.
Quizás no sea exagerado decir que Kortatu fue una de las bandas imprescindibles en el panorama del Rock Radical Vasco de los 80. Aunque, como muchos otros grupos, manifestaron no sentirse excesivamente contentos con semejante etiqueta, su incondicional compromiso político con la causa nacionalista vasca, su aparentemente inagotable energía que les llevó a participar con su música casi en cualquier sitio desde el que les llamasen, les convirtieron en uno de los motores de todo aquel movimiento. Así describía Fermín Muguruza, cantante y guitarra del grupo, aquellos días: “..estábamos organizados. Era todo muy punk pero también muy radical. Ahora falta un poco esa (sic) ansia de sentirse libres, entonces no. Estábamos todos los grupos en contacto siempre; pasaba cualquier cosa y estábamos como una piña; en ese sentido también fue un movimiento real”.
El entramado de asociaciones, movilizaciones, gatztetxes, centros sociales llegó a ser de tal densidad que para muchos grupos llegó a ser complicado atender a todas las peticiones que recibían para actuar. Actuaciones que por otro lado suponían, no ya no cobrar nada, sino un desembolso económico por parte de las propias bandas. Llegó incluso un momento en el que casi todos se vieron obligados a tener que elegir entre las diferentes invitaciones recibidas, con los consiguientes problemas que eso acarreaba. Con todo, de algún modo, Kortatu estaba en absolutamente casi todos los lados, se involucraban en todas las protestas. El sentimiento de pertenencia a un movimiento, no sólo musical, sino social, la concepción del punk, no como una mera estética, sino una filosofía y compromiso, están detrás de semejante derroche dinámico. Por algo se les ha denominado en más de una ocasión un fenómeno sociológico.
Componente fundamental y distintiva de la música de Kortatu, fue su impronta política. Su visión personal del panorama en el Euskadi de los 80 constituía la temática, especialmente en sus últimos discos, sobre la que componían sus letras. Se decía de los Clash que bastaba leer la primera página de los periódicos para saber de qué iban a ir sus canciones. Algo similar ocurría con los de Irún. No tuvieron problema alguno en denunciar las muertes de integrantes de ETA a manos de policía nacional o del GAL, criticar pactos de gobierno en el parlamento vasco, burlarse de medidas represivas de los Ministerios del Interior socialistas… Kortatu (como luego haría Fermín en los proyectos que pone en marcha mucho después) lucha rabiosamente, no por convencerte con su mensaje u opinión, sino en disponer de entera libertad para ponerla delante de las narices del que los escucha.
Los orígenes del grupo se remontan a la vuelta de Fermín de Salamanca tras cursar estudios de Pedagogía, Filosofía y Sociología. Durante ese tiempo ha estado en contacto con su hermano Íñigo Muguruza, que como él se ha comprado una guitarra y con el que se intercambia toda la música que escucha y los esbozos de canciones con las que empezar un posible grupo. Por otro lado, las escapadas a casa de Fermín, que vivía en la capital charra con gente de Mondragón, cada vez que podía a ver los conciertos de los grupos que empezaban a despuntar aquella época, alimentan las ilusiones de los hermanos de hacer algo juntos. Ilusiones que se materializan en 1984, fecha en la que vuelve Fermín a Irún (Gipuzkoa) e Íñigo decide dejar sus estudios de Periodismo para así poder formar Kortatu, que pasó por llamarse «La cólera de los no elegidos» durante un corto periodo. Fermín a la guitarra y voz, Íñigo al bajo y Mattin a la batería conforman el trío. Este último, pasado apenas un año y tras participar en la grabación de las primeras maquetas, deja el grupo para irse a Inglaterra. En su sustitución, y para quedarse hasta la disolución final del grupo, entrará Treku Armendariz.
Varias son las hipótesis que han circulado acerca del origen del nombre del grupo. Se ha dicho que proviene del apodo (Korta) utilizado por un militante de ETA muerto a tiros por la policía. Así lo decía Fermín en una entrevista para la televisión francesa. Pero de igual forma también llegaron a hablar de una foto que vieron en un periódico de un korrikolari (corredor de fondo) de Legorreta, que respondía a dicho nombre porque el caserío en el que vivía se llamaba así.
Fuente: TGL para LaFonoteca.net
Ese mismo año (1984) graban una maqueta, conocida como La «Maketa» de Kortatu, que ya contiene algunos temas conocidos de la banda: «Nicaragua Sandinista», «Sospechosos» o las versiones «Hay Algo Aquí que Va Mal» (de The Specials/Stiff Little Fingers), «Mierda de Ciudad» (de The Business) y «Jimmy Jazz» (de The Clash). Cinco temas de estudio y uno en directo para comenzar a disfrutar de uno de los grupos ska-punk más celebrados del denominado «Rock Radical Vasco».
Soñua, el sello con el que se graba el recopilatorio «Disco de los 4», parece ver posibilidades en el grupo y le ofrece la grabación de un LP en solitario. Kortatu coincide entonces en una compañía fundamental en el devenir de esos años con bandas como Barricada, La Polla Records, los propio Cicatriz… El disco en cuestión, «Kortatu» (Soñua, 1985), se grabó en los estudios Tsunami de San Sebastián, con Josean -Arriquitano- López como productor junto con el propio grupo. Créditos para la numerosa colaboración de instrumentistas varios: Javi a la trompeta, J.C. Irizar con la pianola, Carolo hace una intro en «Desmond Tutu» y las percusiones de Jesús Soldevilla. La mayoría de las letras las firma Fermín en solitario, con las excepciones de las colaboraciones que establece en «Don Vito y la revuelta en el frenopático», con Treku en «Zu atrapatu arte», idealmente con Robert Crumb para «Mr. Snoid entre sus amigos los humanos» y «La cultura». Para «Tatuado» Fermín cofirma con Dieguillo y Suso. La letra de «Jimmy Jazz» es de Íñigo, y finalmente la de «Sarri, Sarri» es de Lourdes, Iosu Landa y la colaboración del mismo Ruper Ordorika. Salió a la venta en octubre de 1985.
Un puñado de grandes canciones de lo que ellos mismos definieron como ska-hardcore, punk-rock. Una combinación justa entre irreverencia, diversión y compromiso político lo hacen un disco fundamental de esos primeros años. Aizkolari en la portada, pequeñas dosis de trikititxas y un par de temas completamente en euskera se encargan de poner la denominación de origen.
Empieza el disco con el ska de guitarras afiladas y bajo marcando el ritmo de «Don Vito y la revuelta en el frenopático»; es irreverente y con muy buen humor. El mismo talante se respira en los siguientes cortes hasta llegar a «Zu atrapatu arte», el primer tema en euskera. Así es la versión del «Jimmy Jazz» de The Clash, o las críticas a los ambientes culturales de «La cultura» (más de uno se habrá querido ver reflejado en las líneas de esta letra, la noche previa a un examen) o incluso el ska para criticar la política exterior estadounidense en Centroamérica. Sin embargo, con «Zu atrapatu arte» se produce un giro a un punk-hardcore acelerado, con letra en la que se advierte al maldito burgués de que los problemas de la calle pueden terminar por salpicarle.
«Tolosa, inauteriak» es una vuelta al tono festivo, eso sí para referirse a palos policiales en las fiestas de dicha localidad. Aparentemente, la música tradicional del comienzo corresponde a dos trikitilaris de Artea (Bizkaia) que tocan alboka (una gaita vasca tradicional) y pandereta.
Toda la dureza en el mensaje político de Kortatu se condensa en temas como «Hernani 15/6/84», compuesto para denunciar la muerte en un tiroteo con las fuerzas policiales de activistas de ETA en dicha población. La canción está además dedicada a ellos y a «todos los muertos de ETA durante el gobierno del PSOE». Musicalmente es el tema que más se desmarca del tono del resto del album. Es insinuante y siniestro.
«Sospechosos» es uno de los temas clásicos de la banda. Es una bofetada a Barrionuevo, el ministro de interior del arriba mencionado gobierno socialista, y su plan Zona Especial, el mismo que sirvió a R.I.P. y Eskorbuto para su debut compartido. Muy poderoso musicalmente.
Uno de los temas más celebrados de ese disco, «Sarri, sarri», se compuso para celebrar la fuga de dos presos etarras de la cárcel Martutene escondidos en los altavoces de Imanol, tras el concierto que dió el cantautor allí. Es una versión, personal y enérgica de «Chatty Chatty» de Toot and the Maytals. El título que le da Kortatu se refiere al apellido de uno de los dos fugados, debidamente documentada en la información del disco con el correspondiente recorte del ya desaparecido Egin. En entrevista a la televisión autonómica vasca, Iñigo comenta entre risas, haber bromeado con los internos de dicho centro penitenciario con esa posibilidad en el concierto que Kortatu dio en el mismo sitio semanas antes. La banda hizo incluso un vídeo, que salió un mes antes que el LP, en el que incondicionales bailan el ska acelerado de la canción en el estrecho pasillo que deja la barra de un bar. Los Refrescos compusieron su «Aquí no hay playa» con la misma línea de bajo. Contaba Fermín en una entrevista que ésta no fue la única coincidencia, ya que la marca de chicles Boomer, tras recibir la negativa de la banda para cederles la canción para una campaña promocional, compusieron una especie de plagio.
La irreverencia vuelve con «La familia Iskariote», cuya fonética aprovechan para las consabidas rimas, o con «Mr Snoid entre sus amigos los humanos», que hace referencia al personaje de las tiras de tebeo de Robert Crumb, que permaneció con limitada estatura por su odio, mezquindad y rabia. Letra para enmarcar (“Odio a todo el mundo / estoy lleno de mezquindad y rezo para que os lleve una guerra nuclear”).
El amor de madre es a lo que se refiere «Tatuado». Tiene algo del «Ningú nombre de mujer» de Decibelios. Finaliza el disco con el «Desmond Tutu», la referencia a Sudáfrica. Una versión en plan dub se grabó luego en el sencillo «A la Calle» (Soñua, 1986). En la reedición que sacó Ohiuka en CD en 1998, incluyeron los temas del recopilatorio «Kortatu, Cicatriz, Jotakie y Kontuz Hi!» (Soñua, 1985), que no estaban en la versión original que sacó Soñua de este trabajo: «Mierda de ciudad» y «El último ska».
Un gran disco. Casi indispensable.
La banda se recorre prácticamente todo el País Vasco en una infinidad de conciertos, ganando una popularidad que no les abandonará nunca. Copan los primeros puestos (como mejor grupo vasco del 1985, a «Kortatu» mejor disco de ese año, Iñigo mejor bajista) en la mayoría de las encuestas hechas en la prensa vasca. De la mano de compañeros de «escudería» comienza a extender la geografía de sus actuaciones: con La Polla Records va a Galicia, junto a ellos y Cicatriz tocan en Zeleste en Barcelona, y con Barricada visita Madrid. Es precisamente de este concierto, en la sala En Vivo de la que tanto Fermín como Iñigo, en entrevistas por separado, hablan con cierto sarcasmo. Aparentemente la mayor parte del público, compuesto sobre todo por seguidores de heavy-metal, estuvo dándoles la espalda durante toda la actuación en protesta, cuestiones estilísticas aparte, por las canciones en euskera.
Hertzainak fue un grupo musical de Araba (Euskadi), formado en 1981 e integrante de lo que se conoció como rock radical vasco, eran conocidos como los Clash euskaldunes. En sus primeros discos mezclaban la provocación del punk con los ritmos bailables del reggae y el ska, manteniendo siempre como fondo de muchas de sus letras la situación política del País Vasco. Como ejemplo, «Pakean utzi arte» (Hasta que nos dejen en paz), fue compuesta en recuerdo de Javier San Martín Goikoetxea «Piti», militante de los Comandos Autónomos Anticapitalistas y amigo del grupo. Más adelante su estilo musical evolucionaría hacia un rock con melodías folk, sobre todo de tinte tradicional vasco.
En 1984, tras un concurso rock organizado por el diario Egin en el que participan representando a Araba y que fue ganado (tras ardua competencia) por La Polla Records, editan su primer álbum de estudio, «Hertzainak», grabado en los estudios Tsunami de Donostia, producido por Marino Goñi y publicado a través de la discográfica Soñua/Oihuka. Natxo Etxebarrieta (Cicatriz), La Banda Municipal de Ska de Gasteiz y Ruper Ordorika colaboran en el disco. El grupo incluye diez canciones en el disco, algunas de las cuales ya eran conocidas por la «Maketa» editada el año anterior. El álbum pronto se convierte en un clásico repleto de himnos, como «Ta Zer Ez Da Berdin», «Pakean Utzi Arte», «Kamarada» o «Si Vis Pacem, Parabelum», aunque la calidad del trabajo impide que unos temas sobresalgan sobre otros.
Este espacio incluye contenidos de libre descarga que demandan mucha dedicación y trabajo.
1°.- El ripeo de archivos propios o la búsqueda en la red de una buena versión existente de dichos archivos.
2°.- La aportación de información de interés y calidad sobre los mismos.
3°.- La subida y mantenimiento de éstos en servidores de almacenamiento.
Nada de todo esto me otorga retribución económica alguna: se hace por compartir y por ideales. Me alimento de vuestros comentarios y agradecimientos, bastante escasos.
Por eso, de ahora en adelante, sin comentarios los enlaces van a caer uno tras otro y, determinados archivos ya avisados sobre ello, no serán resubidos.
Sólo resubiré aquello que me gusta personalmente y me olvidaré de otros contenidos que no se soliciten. Los archivos del Ciclo Ibérico serán investigados, y dependerá de su aceptación y comentarios reintegrarlos o no.
Quizás no sea exagerado decir que Kortatu fue una de las bandas imprescindibles en el panorama del Rock Radical Vasco de los 80. Aunque, como muchos otros grupos, manifestaron no sentirse excesivamente contentos con semejante etiqueta, su incondicional compromiso político con la causa nacionalista vasca, su aparentemente inagotable energía que les llevó a participar con su música casi en cualquier sitio desde el que les llamasen, les convirtieron en uno de los motores de todo aquel movimiento. Así describía Fermín Muguruza, cantante y guitarra del grupo, aquellos días: “..estábamos organizados. Era todo muy punk pero también muy radical. Ahora falta un poco esa (sic) ansia de sentirse libres, entonces no. Estábamos todos los grupos en contacto siempre; pasaba cualquier cosa y estábamos como una piña; en ese sentido también fue un movimiento real”.
Soñua, el sello con el que se graba el recopilatorio «Disco de los 4», parece ver posibilidades en el grupo y le ofrece la grabación de un LP en solitario. Kortatu coincide entonces en una compañía fundamental en el devenir de esos años con bandas como Barricada, La Polla Records, los propio Cicatriz… El disco en cuestión, «Kortatu» (Soñua, 1985), se grabó en los estudios Tsunami de San Sebastián, con Josean -Arriquitano- López como productor junto con el propio grupo. Créditos para la numerosa colaboración de instrumentistas varios: Javi a la trompeta, J.C. Irizar con la pianola, Carolo hace una intro en «Desmond Tutu» y las percusiones de Jesús Soldevilla. La mayoría de las letras las firma Fermín en solitario, con las excepciones de las colaboraciones que establece en «Don Vito y la revuelta en el frenopático», con Treku en «Zu atrapatu arte», idealmente con Robert Crumb para «Mr. Snoid entre sus amigos los humanos» y «La cultura». Para «Tatuado» Fermín cofirma con Dieguillo y Suso. La letra de «Jimmy Jazz» es de Íñigo, y finalmente la de «Sarri, Sarri» es de Lourdes, Iosu Landa y la colaboración del mismo Ruper Ordorika. Salió a la venta en octubre de 1985.
Empieza el disco con el ska de guitarras afiladas y bajo marcando el ritmo de «Don Vito y la revuelta en el frenopático»; es irreverente y con muy buen humor. El mismo talante se respira en los siguientes cortes hasta llegar a «Zu atrapatu arte», el primer tema en euskera. Así es la versión del «Jimmy Jazz» de The Clash, o las críticas a los ambientes culturales de «La cultura» (más de uno se habrá querido ver reflejado en las líneas de esta letra, la noche previa a un examen) o incluso el ska para criticar la política exterior estadounidense en Centroamérica. Sin embargo, con «Zu atrapatu arte» se produce un giro a un punk-hardcore acelerado, con letra en la que se advierte al maldito burgués de que los problemas de la calle pueden terminar por salpicarle.
Uno de los temas más celebrados de ese disco, «Sarri, sarri», se compuso para celebrar la fuga de dos presos etarras de la cárcel Martutene escondidos en los altavoces de Imanol, tras el concierto que dió el cantautor allí. Es una versión, personal y enérgica de «Chatty Chatty» de Toot and the Maytals. El título que le da Kortatu se refiere al apellido de uno de los dos fugados, debidamente documentada en la información del disco con el correspondiente recorte del ya desaparecido Egin. En entrevista a la televisión autonómica vasca, Iñigo comenta entre risas, haber bromeado con los internos de dicho centro penitenciario con esa posibilidad en el concierto que Kortatu dio en el mismo sitio semanas antes. La banda hizo incluso un vídeo, que salió un mes antes que el LP, en el que incondicionales bailan el ska acelerado de la canción en el estrecho pasillo que deja la barra de un bar. Los Refrescos compusieron su «Aquí no hay playa» con la misma línea de bajo. Contaba Fermín en una entrevista que ésta no fue la única coincidencia, ya que la marca de chicles Boomer, tras recibir la negativa de la banda para cederles la canción para una campaña promocional, compusieron una especie de plagio.
El amor de madre es a lo que se refiere «Tatuado». Tiene algo del «Ningú nombre de mujer» de Decibelios. Finaliza el disco con el «Desmond Tutu», la referencia a Sudáfrica. Una versión en plan dub se grabó luego en el sencillo «A la Calle» (Soñua, 1986). En la reedición que sacó Ohiuka en CD en 1998, incluyeron los temas del recopilatorio «Kortatu, Cicatriz, Jotakie y Kontuz Hi!» (Soñua, 1985), que no estaban en la versión original que sacó Soñua de este trabajo: «Mierda de ciudad» y «El último ska».
![Un Amor Entre Dos Mundos [Upside Down] (Juan Diego Solanas, 2012) DVDrip](https://i0.wp.com/ciclotimiazondica.wordpress.com/wp-content/uploads/2016/08/amorentre2mundos.jpg?resize=200%2C200&ssl=1)
![Los Brujos – Guerra de Nervios [1995]](https://i0.wp.com/ciclotimiazondica.wordpress.com/wp-content/uploads/2018/06/losbrujos-guerradenervios.jpg?resize=200%2C200&ssl=1)
![A.N.I.M.A.L. – Fin de un Mundo Enfermo [1994]](https://i0.wp.com/ciclotimiazondica.wordpress.com/wp-content/uploads/2016/09/animal-findeunmundoenfermo.jpg?resize=200%2C200&ssl=1)
Ciclotimia Zondica 
Comentarios recientes