No puedo ser imparcial ni ecuánime al hablar de PNG, no sólo porque los conociera y algunos fueran buenos amigos, sino porque fue todo un trallazo musical con letras inteligentes y una música impactante, entre el hip-hop y el rock más contundente. Músicos murcianos de muy buen hacer, ensayando en la huerta o donde podían que se autogestionaron esta joya de muy buen hacer.
Sí puedo decir que mi tema preferido es el del vídeo, pero todo el álbum es colosal. Faltó sólo que alguna discográfica se fijara en ellos y les animara a continuar la senda que emprendieron.
Si no me crees, dale una escucha.
Lista de canciones:
Revolución
Fusión-rap-rock-funky-party
Grita, Corre
Vuela Halcón
Bailando con Distinto Pie
Bienvenido al Mundo
¡¡Hay que Cambiar!!
Flotabilidad Aparente
Higiene Mental
Farsante
Calidad: 192 kbps
Gracias a mi gran amigo Manolokoton por este archivo.
Si bien es cierto que «Todo Está Podrido» (DDT, 2002) ya había roto el maleficio que parecía recaer sobre Odio cada vez que trataban de editar un disco, es probable que no sea hasta este «Esclavos del Capital ¡¡¡Miseria Para Siempre!!!» (Fragment, 2011) que realmente sintieron haberse sacado la espina. Corresponde a una trabajo de estudio (realmente en su local de ensayo EMTE en Orereta-Rentería) a diferencia del anterior que había sido confeccionado a partir de fragmentos de conciertos en los que a veces el sonido flaqueaba.
Se registraron los temas entre el final de 2010 y comienzos de 2011 y se mezclaron en los estudios Zuzen. Es por tanto una revisión, mucho tiempo despues, de material que la banda tenia desde 1979 a 1994. La comparación con el sonido que tuvieran aquellos cortes entonces queda sólo para los miembros históricos de la formación -Pikotas el cantante principalmente- y los seguidores de toda la vida, pero para los que sólo hemos tenido acceso a esta lectura actual, nos basta y bien de veras.
Avisan desde la portada a los padres que se cuentan verdades en las letras y el CD tiene diseño de tapa de alcantarilla. Y es que si de algo pueden presumir y bien de verás Odio es de haber compuesto crónicas desgarradamente crudas de lo que aquellos años 80 fueron en el País Vasco. Auténticos poetas del asfalto y del barrio gris comienzan con «Fase terminal», a mi juicio, una de las mejores canciones sobre la adicción a la heroína en los chavales de aquellos años: «Vivir en la calle tu juventud, cuando todo era una mierda todo era full / Salir a la calle sin ilusión, por tus venas corre sangre de revolución / Día tras día sin saber que hacer, te perdiste en el abismo de un gran placer / El placer de una mierda que hoy no quieres ver compartiendo una jeringa te sentiste bien.» A las primeras estrofas seguía la descripción de la decadencia y degradación física del joven al que precisamente dedican «este rock and roll» por su soledad resistiendo a la enfermedad.
Precisan que es un rock and roll lo que tocan. Con temas como éste, Odio, en principio incuestionablemente situados en la trinchera del punk, se acercaba a cronistas con querencias de rock urbano callejero como Barricada, Leño o La Banda Trapera del Río. «Fase terminal» es un ejemplo claro de ello, pero también pueden serlo los resquicios que encuentran las guitarras para ciertos momentos en solitario de temas como «Tortura», «Revolución», «La ciudad sin ley» o incluso «Suicida» .
Basta escuchar sin embargo la totalidad de la propia «Suicida» -una auténtica descarga- o «Bomba del tiempo» para comprender a qué palo puede adscribirse el sonido general de la banda. Son por cierto estas dos, canciones que trabajan ideas habituales en un género en el que entran perfectamente historias de individuos que o bien sienten ganas de quitarse de enmedio -veáse si no «El suicida» del «Ellos Dicen Mierda, Nosotros Amén» (Ohiuka, 1990) de La Polla Records- o de explotar llevándose por delante la mayor parte de conciudadanos posible consigo (ejemplo: «Soy una bomba» de Vómito en su disco «Vómito» (Suicidas, 1987) -. Las letras vuelven a apuntar momentos especialmente brillantes en la versión suicida de Odio: «Tu locura coge mucha altura (…) tu cabeza rueda por la vía».
Puntualizaciones estrictamente musicales aparte, Odio tiene en su haber despiadas postales urbanas como «Estado de excepción» o «La ciudad sin ley»: «Estás en el barrio se oyen sirenas / son de la pasma y es que te avisan / como los perros cuando te ladran / igual que un buitre cuando agonizas», cantan en la primera -que dedican a las Brigadas Volantes, grupos especializados de la Policía Local que se formaron en los 80 para combatir la delincuencia-; o «Somos las huestes de una ciudad destrozada / donde la ley nunca tuvo orden / y el orden es la lucha cotidiana» en la segunda. Poco futuro pues en las calles.
Los tintes más siniestros los adoptan con pasajes de «Fascistas» y «Cleptomanía». En la primera llama la atención el comienzo sostenido por la batería primero y el bajo despúes sobre el fondo de feedback creado por la guitarra.
Dosis abrasiva de radicalismo anarquista en su versión más revolucionaria y destructiva en «Revolución» y «Odio» respectivamente.
Aunque puestos a rebuscar en el ideario de la banda, destaca sobre todas un auténtico clásico del repertorio: «27 de septiembre», alegato dedicado a los últimos fusilamientos del franquismo compuesto sobre la estructura macabra de villancico. Suenan épicas las referencias a las murallas impuestas para arrebatar las libertades de un pueblo y a los ríos de sangre derramados en la lucha contra ello.
El disco incluye también alegatos contra la Iglesia («Dinero del caos»), -probablemente- el Rey Juan Carlos («Pirata legal») y «1992: Palacios y chabolas», el escupitajo que como Pitarra compusieron contra la España -y por extensión Europa- del Centenario y los Juegos Olímpicos de Barcelona.
Probablemente algo más que un simple disco. Es todo un historial, el de Odio. Repertorio amargo eso sí, porque así era su música. La banda sonora bastarda de lo que La Polla Records llamó «Nuestra alegre juventud».
“Siempre Hay una Historia… en Directo” (DRO / EastWest, 1999) es un grandísimo concierto de Rosendo en la clausurada cárcel de Carabanchel, que puso literalmente patas arriba; consiguiendo además un volumen de ventas excelente y llegando a disco de oro.
La verdad sea dicha, el set de canciones está elegido muy bien, ya que no faltan clásicos como “Pan de higo”, “Agradecido” o “Flojos de pantalón”. El sonido es muy bueno y Luz colabora marcándose una sentida versión de “A la sombra de una mentira”. El nivel de ventas y la aceptación sirvieron para que en 2002 se editara el DVD del concierto.
Recomendable al 100% a propios y extraños del universo Rosendo.
A pesar de que lo intentaron en un par de ocasiones a lo largo de su trayectoria, Odio no consiguió editar disco hasta más de veinte años después de su comienzo. De hecho este «Todo Está Podrido» (DDT, 2000) lo montaría Pikotas, su cantante, a base de retazos de temas grabados en directo en varios conciertos a lo largo de la andadura de la banda. Estaba el grupo parado tras el regreso en el que había funcionado bajo el nombre de Pitarra cuando recibieron la oferta desde Barcelona de editar algo del material que tuviera la banda por cintas. Animado Pikotas por el interés decidió por contra preparar esta recopilación.
Contiene así por ejemplo material registrado en el directo de Egia -barrio de San Sebastián- que dieron en 1989, cuando la formación la componía Chirolo y Maestro a las guitarras, Ibon a la bateria, Yosu al bajo y Pikotas al micro.
Son veinteseis temas entre los que está, además de la mayoría del repertorio clásico de los de Rentería, «Chicos duros» que no aparecería luego en la revisión en el local de ensayo que hicieran «Esclavos del Capital ¡¡¡Miseria Para Siempre!!!» (Fragment, 2011). Tampoco saldría en este otro disco «Mentiras», uno de los cortes que venían del directo de Egia. «Estado de excepción» por su parte, quedaba con el título que tuvo durante un tiempo «La pasma».
Falta sin embargo «Hijos de perra», una de las canciones de los primeros tiempos del grupo y que reconocían años después haber podido recuperar sólo via la copia pirata que les enviaron por internet del directo en Altza -otro barrio de San Sebastián- en 1983, en donde tocasen con Basura, compañeros en tantísimas ocasiones en los escenarios.
Llama la atención lo espartano de la presentación del CD. Si bien lo deficiente del sonido, con la huella probablemente de marcadas pérdidas de tensión de las cintas originales, puede explicarse por las diversas fuentes a las que seguramente se tuvo que recurrir, la falta de información dejando desamparado al oyente es más complicada de justificar. Salvo la dedicatoria, en la que se incluye un recuerdo «para esas generaciones perdidas que llenan nuestros cementerios», y el par de frases en la contra listando los miembros de Odio y Pitarra, no hay nada de información, ya no sobre la banda -en sus dos versiones- sino sobre la procedencia de los temas incluidos.
A pesar de ello constituye un esfuerzo más que lógico de la banda por intentar poner un poco de orden y control sobre las diferentes cintas piratas que circulaban con directos suyos. Además muestra la crudeza que debió de caracterizar a Odio sobre las tablas.
A pesar de estas salvedades y distinciones en el mundo del Rock Radikal Vasco, no sería descabellado establecer cierta conexión, conformando una especie de nudo Mondragón – Rentería, entre bandas como RIP, Basura y Odio. Las tres se decantaron por el punk en su versión más agresiva, desgranando auténticos rugidos de rabia y una completa desafección por la sociedad y el entorno que les rodeaba. Compartieron en numerosas ocasiones cartel y escenario, en actuaciones que acababan la mayoría de las veces en episodios de violencia, y juntos constituyeron la que bien podría denominarse cara más cruda de todo aquel devenir musical y social que sacudió Euskadi a principios de los 80. Preguntados precisamente al respecto de si Odio arrastraba tras de sí a los seguidores más duros nos responden: “En nuestros tiempos había hostias hasta en las verbenas populares, así que no consideramos que nosotros moviésemos a los violentos, era más bien algo generalizado”. Dicho lo cual no tienen problema en reconocer que: “La represión era el enemigo, la poli. Nuestros seguidores no se pegaban entre ellos, pero sí que es verdad que muchos conciertos no se llegaban a terminar por alguna pelea”. El origen de Odio se remonta a 1979 cuando cuatro amigos (tres chicos y una chica) se plantean hacer un grupo llevados por el aburrimiento en la barra de un bar. Convulsión política, represión y marginación constituyen el caldo de cultivo ideal. Dadas las circunstancias Odio parece un nombre más que apropiado. “El odio es una realidad existente (…) Sería más raro que nos llamásemos amar”, contaban en la entrevista que les hizo la revista Muskaria en abril de 1986. Pero ni esa primera cuadrilla, ni la formación surgida tras la sustitución de la chica llegaría a cuajar. Sólo Chirolo (guitarra) persiste en el empeño y con Pazos –Kagetas- (batería), Mayi (bajo) y Fermín – Pikotas – (voz), que tan sólo había ensayado una vez con el resto, debutan en directo aprovechando el descanso en la actuación de Arkaitz en fiestas del barrio de Alabega en su localidad natal Rentería. Entrevistados por el fanzine U.A. en estos primeros momentos de la banda, declaraban contar con un repertorio de unos ocho temas en los que se hablaba de “caos, la destrucción, la poli… de todo, de realidades”. Y es que si algo tuvieron claro bandas como Odio fue que la música era una posibilidad para cantar toda la cruda realidad que les tocaba vivir: “Somos las huestes de una ciudad destrozada / Donde la ley nunca tuvo orden / y el orden es la lucha cotidiana” cantaban en “Ciudad sin ley”; “Tú que tienes vida, no te dejan vivir / huyes con la droga, intentas morir. / Escapas unas horas pero ya volverás / y ahí te espera siempre la cruel realidad” en “Voy a vivir”. Compartieron la capacidad de plasmar en crudas postales el día a día de barriadas urbanas por las que corrían ratas, policía y droga que también demostraron, desde posiciones más rockeras, Leño desde Madrid, los pamplonicas Barricada, o La Banda Trapera del Río desde Barcelona, añadiendo a la fórmula la mala baba y ausencia total de perspectivas propias del punk de la época. En definitiva, utilizaron sus canciones para contar “la realidad, las cosas que te pasan, cosas que están sucediendo hoy en día y la gente ni se entera”. La banda actuaría en directo en muchas ocasiones, como por ejemplo los numerosos bolos en las discotecas locales Happy Day o el 30 de enero de 1982 en la sala Saioa con Basura, RIP, Optalidón, SA y Neo-Punk en la fiesta celebrada por el III Aniversario de la muerte de Sid Vicious, el bajista de Sex Pistols. Precisamente los británicos fueron una de las referencias musicales que dicen haber tenido en sus comienzos. Como Ramones, The Damned, The Clash y “todo lo que vino después: Rezillos, Sham 69…”. En 1983 entran en los estudios de Paco Flores situado en el barrio de Agustinas en Rentería para grabar una maqueta con seis temas: “Voy a vivir”, “Fascistas”, “Estado de excepción”, “Dinero del caos”, “Cleptomanía” y “Odio”. La cinta sin embargo no llegaría a editarse nunca debido a la mala calidad del sonido resultante. “Como grabación fue una cagada. Todo el grupo estábamos de resaca y en la calle hacía cuarenta grados. El resultado fue muy malo. No teníamos que haber ido a grabar”, nos cuentan cuando les preguntamos sobre lo que recuerdan de aquella sesión.
El directo de la banda no se resiente por el fiasco en el estudio, tocando en dos jornadas consecutivas en actuaciones que el devenir del tiempo convertiría en históricas. Por un lado, el 15 de abril tocarían en Altza (San Sebastián) junto a compañeros de viaje habituales como Basura, RIP y Optalidón, además de con Cirrosis y No. El concierto quedaría grabado como pirata y en concreto, la actuación de Basura se utilizaría posteriormente en la edición del disco “Dando Ostias sin Parar” (Beltza, 2006) que hiciera el sello donostiarra Beltza Records. Pero además el día siguiente, el 16 de abril, Odio participaría en el Festival de Oñati, lugar de encuentro de bandas y seguidores del punk radical de la época. El cartel incluía, además de a Odio y Basura, a Cirrosis, Desorden, RIP, Vulpess, Cicatriz en la Matriz y desde Barcelona, Ultimo Resorte. «Esa semana dimos unos cuatro o cinco conciertos seguidos y todos ellos sin dormir apenas nada» nos apuntan.
Quizás no sea exagerado decir que Kortatu fue una de las bandas imprescindibles en el panorama del Rock Radical Vasco de los 80. Aunque, como muchos otros grupos, manifestaron no sentirse excesivamente contentos con semejante etiqueta, su incondicional compromiso político con la causa nacionalista vasca, su aparentemente inagotable energía que les llevó a participar con su música casi en cualquier sitio desde el que les llamasen, les convirtieron en uno de los motores de todo aquel movimiento. Así describía Fermín Muguruza, cantante y guitarra del grupo, aquellos días: “..estábamos organizados. Era todo muy punk pero también muy radical. Ahora falta un poco esa (sic) ansia de sentirse libres, entonces no. Estábamos todos los grupos en contacto siempre; pasaba cualquier cosa y estábamos como una piña; en ese sentido también fue un movimiento real”.
El entramado de asociaciones, movilizaciones, gatztetxes, centros sociales llegó a ser de tal densidad que, tal y como describe Roberto Moso, cantante de Zarama y cronista de excepción de aquellos días, en su libro “Flores en la Basura” (Colección Zirkus, 2003), para muchos grupos llegó a ser complicado atender a todas las peticiones que recibían para actuar. Actuaciones que por otro lado suponían, no ya no cobrar nada, sino un desembolso económico por parte de las propias bandas. Llegó incluso un momento en el que casi todos se vieron obligados a tener que elegir entre las diferentes invitaciones recibidas, con los consiguientes problemas que eso acarreaba. Con todo, de algún modo, Kortatu estaba en absolutamente casi todos los lados, se involucraban en todas las protestas. El sentimiento de pertenencia a un movimiento, no sólo musical, sino social, la concepción del punk, no como una mera estética, sino una filosofía y compromiso, están detrás de semejante derroche dinámico. Por algo se les ha denominado en más de una ocasión un fenómeno sociológico.
Componente fundamental y distintiva de la música de Kortatu, fue su impronta política. Su visión personal del panorama en el Euskadi de los 80 constituía la temática, especialmente en sus últimos discos, sobre la que componían sus letras. Se decía de los Clash que bastaba leer la primera página de los periódicos para saber de qué iban a ir sus canciones. Algo similar ocurría con los de Irún. No tuvieron problema alguno en denunciar las muertes de integrantes de ETA a manos de policía nacional o del GAL, criticar pactos de gobierno en el parlamento vasco, burlarse de medidas represivas de los Ministerios del Interior socialistas… Kortatu (como luego haría Fermín en los proyectos que pone en marcha mucho después) lucha rabiosamente, no por convencerte con su mensaje u opinión, sino en disponer de entera libertad para ponerla delante de las narices del que los escucha.
En septiembre de 1986 graban y editan su segundo trabajo, «El Estado de las Cosas» (Soñua, 1986). Tan sólo un mes después de la salida al mercado, Kortatu vuelve de gira por Europa: Suiza, Alemania y Holanda. 1987 no supone ningún respiro para la banda, van a Italia, Francia, de nuevo a Alemania, e incluso a Polonia. Precisamente, como testimonio de esta visita, existe grabación de la entrevista que el grupo concedió a la televisión de dicho pais. En la misma, jugando a «niños terribles», sobre todo Fermin e Iñigo, ponen en dificultades a la esforzada traductora, que se ve obligada a traducir al polaco alguna que otra barbaridad. Para finalizar y ante los ruegos de los presentadores, los tres terminan cantando el «Eusko Gudariak» y apuntan las primeras frases del «Gure olentzero», canción de navidad infantil.
Tal y como habían anunciado casi desde sus principios, el grupo afronta la grabación de un disco cantando completamente en euskera. Los hermanos Muguruza no lo hablaban y, para acometer la empresa, tuvieron que dedicar su tiempo a estudiarlo. Con todo, y con alguna ayuda externa, sacan al mercado el tercer larga duración «Kolpez Kolpe» (Oihuka, 1988). En el que para muchos es el mejor disco de la banda, Kortatu depliega un sonido duro, dentro de un amplio espectro de posibilidades que incluyen incluso apuntes de hip-hop, anuncio quizás del que sería el proyecto que los Muguruza desplegaráin en el futuro con Negu Gorriak.
Poco antes de preparar su concierto de despedida, «Azken Guda Dantza» (Oihuka, 1988), el grupo vuelve a salir de gira europea, llevándolos a Francia, Italia, Suiza y Alemania. Precisamente en Berna (Suiza) se registra esta grabación parcial y rudimentaria en un único archivo durante su actuación. El «Directo en Berna (Suiza)» puede no ser el mejor ejemplo de un concierto de Kortatu, pero es un testimonio que atesorar, sobre todo para coleccionistas.
Fermín apuntaba la necesidad de tener total autogestión, pero sobre todo “necesitábamos un descanso de unos cuatro años, habíamos hecho casi trescientos conciertos y encima teníamos un nivel de popularidad altísimo y decidimos parar. Y cada uno se fue por su lado. Todavía hay gente que me pregunta a ver porque nos separamos y yo ya ni me acuerdo. Aunque fueron cuatro años reales, para mí fueron diez, y de ello responde mi cabeza y mi estado físico.”
Pruebas adicionales del tirón que tiene Kortatu por el resto de Europa son las reediciones de LP y sencillos en compañías como Red Rhinos (para el mercado británico), Organik (en Suiza) y Bondage International (para el mercado francés). Kortatu constituyen, en definiitiva, una pieza angular del punk-rock vasco, hasta el punto que se haría duro concebir toda la onda sísmica generada en Euskadi en los años 80 sin su participación. Durante los no más de cuatro años de existencia mostraron una coherencia envidiable con su visión de la sociedad vasca de aquellos años, con la frialdad justa además para terminar cuando y cómo quisieron.
Massacre es una banda de rock argentina, pionera en el género denominado skate rock en Latinoamérica. Originalmente llamados Massacre Palestina, se formaron en Buenos Aires en el año 1986. Se conformó por estudiantes secundarios influidos por bandas de la costa oeste estadounidense, que fusionaban hardcore-surf-punk a fines de los setenta y comienzos de los ochenta. Entre sus influencias, se encuentran artistas como T.S.O.L, Dead Kennedys, Black Flag, Nirvana, The Cure, R.E.M., The Ramones, T. Rex, Sumo, Gustavo Cerati, Luis Alberto Spinetta, entre otros.
La primera formación contaba con Francisco Ruiz Ferreyra (Paco) en batería, José Armetta (Topo) en el bajo, Guillermo Cidade (Walas) en guitarra y Richard Serafini en voz. El primer disco homónimo de la banda fue un EP en vinilo, grabado en 1987 bajo el sello Radio Trípoli, que contenía cuatro canciones, hoy una pieza de colección. Junto a la salida del disco filman su primer vídeo del tema «Diferentes Maneras», en la actualidad absolutamente perdido. La carrera del grupo se desarrolló durante años sobre la base de presentaciones en vivo y largas ausencias, hasta la posibilidad de grabar el primer álbum. Para octubre de 1989 Richard se despide de la formación y Wallas se encarga de las voces, dejando su puesto a Pablo Mondello (alias Pablo M. o El Tordo), ex compañero del secundario, eximio guitarrista y pilar fundamental en la concepción musical del grupo para los tiempos que vendrían. Con esta formación los Massacre recorrerían larga parte de su carrera.
Tras su primer álbum de estudio, «Sol Lucet Omnibus» (1992), se rebautizaron como Massacre, debido al atentado a la embajada de Israel en Argentina, en donde su apelativo «Palestina», pudiera generar polémica.
Aunque la banda era conocida por su actitud basada en la autogestión durante más de veinte años de carrera, se la consideraba como una de las pocas bandas verdaderamente de culto de la Argentina, hasta la edición de su sexto disco de estudio, titulado «El Mamut» (2007); que alcanzó gran éxito, por lo que la banda alcanzó masividad a nivel popular, no solo en Argentina, sino también en el resto de Latinoamérica.
«12 Nuevas Patologías» es el quinto disco de Massacre, grabado en julio de 2003 en Estudios del Abasto, Buenos Aires, por Gonzalo Villagra y editado ese mismo año por el sello independiente Laika Records.
El álbum contiene doce temas agrupados por diferentes patologías individuales y colectivas, como obsesiones, culpas, fobias, miedos y dudas. En tanto a lo musical, el disco juega con sonidos electrónicos creando una atmósfera y clima de psicodelia. El corte de difusión fue «Querida Eugenia», que contó con dos videos (uno de estilo documental, en la inauguración del Skate Park en Parque Sarmiento; el segundo, más artístico). También se destacan las canciones «Seguro es por mi culpa» y «Adiós caballo español».
Charly Carnota, ex RIP y Tintoreros, que venía de la banda neoyorquina Manhattan Heroes, en su vuelta a Buenos Aires reemplazó a Chachi y se hizo cargo de la batería. El disco es denominado de «rock psicológico» o «rock terapéutico», según entendidos.
Fuente: Wikipedia / Zonde
Lista de canciones:
«Adiós, Caballo Español» – 4:20
«Querida Eugenia» – 3:46
«La Nueva Amenaza» – 5:07
«Heredarán la Tierra» – 5:06
«Seguro Es por Mi Culpa» – 5:30
«Bienvenido al Mundo de los Conflictuaditos» – 2:42
Uno de los grupos más emblemáticos de la escena española, especialmente en el primer lustro de los 90, fue este grupo vallisoletano de raíces folk, el cual sin embargo ya venía forjándose durante toda la década anterior a través de otros proyectos pretéritos. Una parte de la protohistoria de Celtas Cortos se encuentra en Almenara, grupo de folk castellano fundado en 1981 y en cuyas filas militaron, entre otros, Carlos Soto y Jesús Cifuentes. El cambio de nombre del grupo parte de su victoria en un concurso de bandas locales al que se presentaron sin intención de continuar como conjunto. Sin embargo, la victoria les anima a seguir adelante, por lo que participan en un nuevo concurso, esta vez de la Junta de Castilla y León, y de nuevo resultan vencedores, ex aequo con Yedra y Agora. Estas tres bandas graban un álbum conjunto, «Así Es Como Suena» (RNE, 1987), definido por Celtas Cortos como «el disco cero», con una tirada limitada de 500 copias promocionales.
Llega la hora de volar en solitario. Su primer álbum, «Salida de Emergencia» (Twins, 1989), producido por Juan Ignacio Cuadrado, llama la atención al oyente actual de la banda al tratarse de un disco completamente instrumental. En él encontramos nueve piezas -dos de ellas, «Duendes» y «Riaño Vivo», pertenecientes a su anterior disco compartido-, la mayoría de origen tradicional, que fusionan la música celta con el rock, muy en boga por aquel entonces y que cuenta con eximios representantes por todo el arco atlántico europeo. Un disco que conserva buena parte de la intención primigenia de la banda y sus antecedentes, pero que poco tiene que ver con el posterior devenir del conjunto.
Bajo el marchamo de rock celta, Celtas Cortos van sumando además otros componentes, entre los que se hace especialmente palpable la influencia de sonidos caribeños -“Duendes”- que se hará habitual en futuras canciones de la banda pucelana. Con todo, varias de estas piezas serán frecuentes en su repertorio, como “El túnel de las delicias”, la que más a menudo ha sido recuperada. De entre las más destacables, sobresalen tanto la inicial como la final, “Salida de emergencia” y “Riaño vivo”, respectivamente, ambas cargadas de un ambiente alegre y festivo.
Entre mediados y finales de los 80, la industria empezó a apostar con fuerza por lo que se dio en denominar con el muy eurocentrista término “músicas del mundo” y sus posibles fusiones. Entre ellas se encontraba la música celta, lo que se tradujo en numerosas compilaciones de artistas, nuevos y consagrados, y en la apertura del mercado a álbumes como éste y por ende el interés del público, lo que finalmente conllevó una buena cifra de ventas para un disco debut e instrumental. Valga decir que, más allá de todo esto, es un gran disco.
Los Piojos fue una banda argentina de rock formada a fines de 1988 y oriunda de Ciudad Jardín Lomas del Palomar, en el Gran Buenos Aires. De todas las bandas surgidas durante la década de los 90, Los Piojos se erigió como una de las más populares hasta incluso después de su separación, no sólo por su poder de convocatoria y las importantes cifras de ventas en sus álbumes, sino también por una discografía de carácter sólido que fue cada vez haciéndose más personal.
Durante finales de 1989 y principios de 1990 comienzan sus presentaciones en pequeños escenarios del rock porteño y bonaerense tales como el Teatro Arlequines, Graf Zeppelin, Ma Baker y La Plaza del Avión (en Ciudad Jardín) donde Ciro cantó por primera vez. En 1990 el grupo resultó elegido banda revelación por Los Redonditos de Ricota en la encuesta del “Sí!” de Clarín. Los redondos de Ricota habían presenciado varios de los shows del grupo, e incluso el guitarrista Skay subió a acompañarlos en algunas ocasiones.
En 1991 viajaron a Francia, invitados de una organización de los suburbios de París que luchaban contra los skinheads. Tocaron en el Festival Antirracista de Blondy. Aunque lo único gratis seria tocar. Los gastos del viaje corrieron por cuenta propia de Los Piojos que debieron pagar cuotas de 160 dólares para financiarlo. Así lograron compartir el escenario con grupos de Cuba, África, Marruecos, Burkina Faso, Malí, España y Francia. El contacto con Mano Negra fue importante para que la banda abriese la cabeza y entendiera que en la fusión de estilo estaba su futuro musical.
De regreso a Buenos Aires, el sueño del primer disco comenzaba a rondar por sus cabezas. El apoyo por parte de Patricio Rey resultó imprescindible para el grupo, de manera que la «Negra Poly», manager ricotera, le recomendó al productor Gustavo Gauvry, de DBN, que se acercara a ver un show. Aquella vez, como tantas otras volvió a subir Skay Beilinson al escenario como para que quedase sellado un padrinazgo absoluto sobre los pibes del Palomar. Gauvry se interesó por ellos y enseguida les ofreció la edición y distribución del primer disco de la banda. Entre junio y agosto de 1992 ingresaron por primera vez a un estudio, en Del Cielito Records, estudios de Los Redondos, siendo su primera experiencia en grabaciones de estudio. En ese corto lapso registraron «Chactuchac», el álbum debut de la banda. El disco fue editado por DBN/Del Cielito Records en agosto de 1992. El título del trabajo se refiere al sonido del tren.
«Huracanes en Luna Plateada» es el segundo álbum en vivo (y séptimo de su producción musical) de la banda Los Piojos, grabado entre junio de 2001 y septiembre de 2002. Con 20 temas registrados en los recitales en el estadio de Huracán (24 de noviembre de 2001), en el Luna Park (19, 20, 21 y 23 de julio de 2002), en el estadio de Gimnasia y Esgrima La Plata (12, 13, 19, 20 y 21 de abril de 2002), en el estadio de Newell’s Old Boys de Rosario (24 de agosto de 2002), en Pajas Blancas Center de Córdoba (14 de junio de 2002), en el Estadio Ruca Che de Neuquén (15 de junio de 2001) y en el Camping Luz y Fuerza de Mendoza (21 de septiembre de 2002).
El álbum es un doble CD producido artísticamente por su cantante Andrés Ciro junto a Ricardo Mollo (Divididos) y editado en noviembre de 2002 por El Farolito Discos.
Entre 1971 y 1973 Mike Oldfield comenzó a ordenar las ideas musicales que bullían en su cabeza. Usando una grabadora de cuatro pistas que le prestó Kevin Ayers, dos pistas en un sentido y las otras dos en el otro, descubrió que si cubría el cabezal de borrado con un trocito de cartón podía grabar en cuatro pistas. De esta forma podría empezar a grabar las ideas necesarias para realizar su gran proyecto: crear una sinfonía, similar a las composiciones de gran escala para orquesta con diferentes movimientos que se podían encontrar en muchas obras de música clásica, pero utilizando para ello instrumentos de toda índole, sobre todo pertenecientes al mundo del pop-rock. Se ha mencionado que la Quinta Sinfonía de Jean Sibelius le influyó profundamente por aquel entonces.
Con la grabadora prestada se metió en el dormitorio de la casa que compartía con los otros miembros del grupo (Kevin Ayers & The Whole World), y las ideas para su nuevo trabajo empezaron lentamente a tomar forma. Ya metido en faena, Mike se decidió a tocar todos los instrumentos él mismo, y pensó que no le sería difícil con su don natural para la música el poder dominar casi cualquier instrumento; desde el xilófono al piano de cola, la guitarra clásica, el órgano Farfisa… Mientras aún trabajaba con Kevin Ayers, ayudaba también en las grabaciones que se hacían en los famosos estudios Abbey Road de Londres, donde tuvo la oportunidad de compartir algunas conversaciones con The Beatles. Pronto descubrió que el estudio tenía un almacén repleto de todo tipo de instrumentos, algunos de los cuales pertenecían al cuarteto de Liverpool, así que se las arreglaba para llegar más temprano y, mientras los demás usuarios del estudio llegaban, él experimentaba con esos instrumentos e incorporaba nuevos sonidos y texturas a su proyecto. Ensimismado en un trabajo que sabía iba a ser revolucionario, se propuso plasmar en él todas las profundas emociones que estaba experimentando como explorador de un campo musical virgen. La obra que estaba componiendo sería, además, un trabajo que se convertiría gradualmente en el vehículo para descargar sus emociones más profundas, y con las que más le estaba costando vivir.
Después de crear una primera maqueta, empezó a recorrer todas las discográficas tratando de convencer a alguien para que apoyase su proyecto. Por toda respuesta obtuvo negativas de las discográficas, que argumentaban que aquello «no era comercial» y que, si en algún caso llegaba a editarse, nadie lo compraría; obviamente, eso le había pasado por poner su fe en aquella poco trabajada maqueta. Tras haber compuesto la hipnótica introducción (la melodía más emblemática de su primera obra), seguiría acordándose de aquello: ¡si tan solo pudiese grabarlo, editarlo y promocionarlo!
El cuarto álbum de estudio de Mike Oldfield, «Incantations», fue producido por Mike Oldfield y publicado por Virgin Records el 24 de noviembre de 1978. Se trata de un álbum doble grabado en Througham Slam, Inglaterra, entre diciembre de 1977 y septiembre de 1978. Durante la composición de «Incantations», Oldfield se inspiró en poemas acerca de Hiawatha, por Henry Wordsworth Longfellow, y Diana, por Ben Johnson, y leyendas celtas. El resultado es un álbum donde se fusiona rock progresivo con música celta y percusión africana, en un estilo cercano al New Age. Entre los músicos de sesión se encuentran Mike Laird, Pierre Moerlen y Sally Oldfield. «Incantations» llegó al puesto 14 en el Reino Unido durante 14 semanas.
La portada fue nuevamente realizada por Trevor Key. La playa de la fotografía de portada es Cala Pregonda, en Menorca. La funda actual del CD tiene un tipo de letra diferente al de la ilustración del LP original. Las primeras copias del álbum venían con un póster que mostraba una fotografía sutilmente diferente de la utilizada en la portada.
En 2000, Virgin Records reeditó «Incantations» en versión remasterizada para la colección «Mike Oldfield Remasters». En 2011, Universal reeditó el álbum en un solo CD con el single «Guilty», como bonus track. La reedición de 2011 del álbum recibió nuevas ilustraciones, mostrando una nueva fotografía de la misma formación rocosa y ninguna imagen de Oldfield. La Edición Deluxe contenía el disco de la edición estándar, así como un segundo disco que contiene singles y otras piezas más pequeñas, y un DVD con mezclas 5.1, vídeos promocionales y una versión en vivo del álbum.
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A pesar de estas salvedades y distinciones en el mundo del Rock Radikal Vasco, no sería descabellado establecer cierta conexión, conformando una especie de nudo Mondragón – Rentería, entre bandas como RIP, Basura y Odio. Las tres se decantaron por el punk en su versión más agresiva, desgranando auténticos rugidos de rabia y una completa desafección por la sociedad y el entorno que les rodeaba. Compartieron en numerosas ocasiones cartel y escenario, en actuaciones que acababan la mayoría de las veces en episodios de violencia, y juntos constituyeron la que bien podría denominarse cara más cruda de todo aquel devenir musical y social que sacudió Euskadi a principios de los 80.
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Ciclotimia Zondica 
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