Ciclos y Neurastenias en un mundo cruel

Folk

Celtas Cortos – Salida de Emergencia (1989-Reed.1991)

 

[Ciclo de Rock Ibérico]

 

Uno de los grupos más emblemáticos de la escena española, especialmente en el primer lustro de los 90, fue este grupo vallisoletano de raíces folk, el cual sin embargo ya venía forjándose durante toda la década anterior a través de otros proyectos pretéritos. Una parte de la protohistoria de Celtas Cortos se encuentra en Almenara, grupo de folk castellano fundado en 1981 y en cuyas filas militaron, entre otros, Carlos Soto y Jesús Cifuentes. El cambio de nombre del grupo parte de su victoria en un concurso de bandas locales al que se presentaron sin intención de continuar como conjunto. Sin embargo, la victoria les anima a seguir adelante, por lo que participan en un nuevo concurso, esta vez de la Junta de Castilla y León, y de nuevo resultan vencedores, ex aequo con Yedra y Agora. Estas tres bandas graban un álbum conjunto, “Así Es Como Suena” (RNE, 1987), definido por Celtas Cortos como “el disco cero”, con una tirada limitada de 500 copias promocionales.

Llega la hora de volar en solitario. Su primer álbum, «Salida de Emergencia» (Twins, 1989), producido por Juan Ignacio Cuadrado, llama la atención al oyente actual de la banda al tratarse de un disco completamente instrumental. En él encontramos nueve piezas -dos de ellas, “Duendes” y “Riaño Vivo”, pertenecientes a su anterior disco compartido-, la mayoría de origen tradicional, que fusionan la música celta con el rock, muy en boga por aquel entonces y que cuenta con eximios representantes por todo el arco atlántico europeo. Un disco que conserva buena parte de la intención primigenia de la banda y sus antecedentes, pero que poco tiene que ver con el posterior devenir del conjunto.

Bajo el marchamo de rock celta, Celtas Cortos van sumando además otros componentes, entre los que se hace especialmente palpable la influencia de sonidos caribeños -“Duendes”- que se hará habitual en futuras canciones de la banda pucelana. Con todo, varias de estas piezas serán frecuentes en su repertorio, como “El túnel de las delicias”, la que más a menudo ha sido recuperada. De entre las más destacables, sobresalen tanto la inicial como la final, “Salida de emergencia” y “Riaño vivo”, respectivamente, ambas cargadas de un ambiente alegre y festivo.

Entre mediados y finales de los 80, la industria empezó a apostar con fuerza por lo que se dio en denominar con el muy eurocentrista término “músicas del mundo” y sus posibles fusiones. Entre ellas se encontraba la música celta, lo que se tradujo en numerosas compilaciones de artistas, nuevos y consagrados, y en la apertura del mercado a álbumes como éste y por ende el interés del público, lo que finalmente conllevó una buena cifra de ventas para un disco debut e instrumental. Valga decir que, más allá de todo esto, es un gran disco.

Fuente: Andrés Arévalo en LaFonoteca.net
 

 

 

 

 

Lista de canciones:

 

  1. «Salida de Emergencia» – 3:42
  2. «De Río, A Vigo» – 3:24
  3. «Duendes» – 5:31
  4. «Aurora» – 4:25
  5. «El Túnel de las Delicias» – 3:55
  6. «Alabama’s» – 2:51
  7. «Espantapájaros» – 4:38
  8. «Hazte el Sueco» – 3:37
  9. «Riaño Vivo» – 3:45

Calidad: FLAC

 

 

Gracias al compañero Bizio por este archivo.

 

 

 


Os Resentidos – Por Alí, por Alá [Sg] (1988)

 

[Ciclo de Rock Ibérico]

 

Os Resentidos abrigaron con su calor La Movida de Vigo junto a bandas como Aerolíneas Federales, Golpes Bajos o Siniestro Total, y acercaron el rock gallego a todo el territorio nacional con “Galicia caníbal”, aunque para mucha gente siempre será “Fai un sol de carallo”, pero fueron mucho más que todo eso.

El cuarto álbum de los gallegos, “Fracaso Tropical” (GASA, 1988), fue un acierto a la hora de fusionar los ritmos tropicales, el rap, las gaitas, el idioma gallego y la peculiar forma de ver la vida desde el resentimiento.

El segundo sencillo extraido del album, «Por Alí, por Alá» (GASA, 1988), es uno de los mejores cortes del disco, el trabajo emigrante, los juegos de palabras y el humor se dan la mano en esta canción protesta plagada de gaitas y sintetizadores, “un volkswagen por alí / un volkswagen por alá… ningunha noite soñamos / Sherezade donde estás / sete velos te caerán”. La canción sería incluida en el doble CD que Amnistía Internacional editó en 1994 recogiendo temas, entre otros de Burning, Rosendo, Los Secretos y Juan Perro.

Fuente: Fernando Fernández Rego en LaFonoteca.net / Zonde
 

 

 

 

 

Lista de canciones:

 

  1. «Por Alí, por Alá» – 3:32
  2. «Camarada Sitting Bull» – 3:03

Calidad: 128 Kbps

 

 

Gracias al blog Sangrespañola por este archivo.

 

 

 


Immaculate Fools ‎– Another Man’s World [1990]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

Immaculate Fools fue un grupo musical británico de pop-rock con tintes folk formado en 1984 en Kent, un condado no metropolitano inglés situado al sureste de Londres, y se mantuvo en activo hasta 1997, después de haber publicado seis álbumes de estudio. Lo crearon dos parejas de hermanos: Kevin Weatherill (voz, guitarra) y Paul Weatherill (bajo, voz), y Andy Ross (guitarra) y Peter Ross (batería).

Saltó a la fama en 1985 con el sencillo homónimo “Immaculate Fools”, que alcanzó el número 51 en la lista de sencillos del Reino Unido en enero de 1985. Su primer disco, “Hearts of Fortune” (Polygram, 1985), alcanzó el puesto 65 ese mismo año. La banda realizó muchas giras por Europa y tuvo especial seguimiento en España, en cuya televisión actuaron varias veces.

El segundo disco de la banda, “Dumb Poet”, tuvo críticas muy positivas (incluyendo una reseña en la revista Sounds que daba al disco una puntuación de cinco estrellas), pero no alcanzó el éxito comercial de su debut. Con todo, el disco incluía una canción que tuvo cierto éxito, “Tragic Comedy”.

La banda sufrió un cambio importante de formación cuando los hermanos Ross dejaron el grupo, incorporándose Barry Wickens, Paul Skidmore y Ian Devlin para la grabación de su siguiente disco, “Another Man’s World”. El grupo montó un estudio de grabación en una granja (Woodhouse) galesa, cerca de Ludlow. Siguieron siendo populares hasta su ruptura en 1997. En los dos últimos discos del grupo, “Woodhouse” y “Kiss and Punch”, los hermanos Weatherill contaron con Wickens, Brian Betts (guitarra) y Nick Thomas (batería).

Kevin Weatherill, principal cantante y compositor del grupo, sigue grabando y tocando en directo, tanto en el Reino Unido como en Europa, con el nombre Dirty Ray. En la actualidad afincado en el norte de España, en Galicia. En 2010 trabajó con Miles Hunt de Wonderstuff y la violinista Erica Nockalls en el disco “Big World for a Little Man”.

«Another Man’s World» es el tercer álbum discográfico de Immaculate Fools, grabado por el ingeniero de sonido John Davis y mezclado por Vlado Meller, con producción de Andy Ross, fue editado en 1990 por la discográfica CBS. Las fotografías de portada y contraportada son obra de David Simms y Enrique Badelescu.

Sin abandonar la calidez pop de sus inicios, los Locos Inmaculados emprenden en este disco (y posteriores) un camino por los senderos del folk-rock que, lejos de desentonar con su estilo, lo complementa y enriquece en matices sonoros plagados de nostalgia.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Another Man’s World» – 5:29
  2. «Sad» – 4:05
  3. «The Prince» – 7:34
  4. «Bad Seed» – 6:38
  5. «Falling Apart Together» – 6:04
  6. «Come On, Jayne» – 4:28
  7. «Got Me by the Heart» – 6:06
  8. «Stop Now!» – 5:34

Calidad: 320 Kbps (a 48000 Hz)

 

Gracias al compañero Yons por el archivo flac que ripeé a mp3 de máxima calidad.

 

 

 


Steve Miller Band – Greatest Hits (1998)

 

[Otras Músicas]

 

Steve Miller Blues Band es un grupo estadounidense de blues rock liderado por Steve Miller, guitarrista y vocalista, en la ciudad de San Francisco en 1966. Cuando firmaron con Capitol Records en 1967, acortaron su nombre al definitivo: Steve Miller Band. El cuarteto de Miller, James Cook (guitarrista), Lonnie Turner (bajista) y Tim Davis (batería) tocó con Chuck Berry en un concierto en el Fillmore West, que más tarde se editaría como álbum en vivo. Tim Davis había sustituido a Lance Haas, quien había dejado el grupo.

Su álbum debut fue “Children of the Future”, grabado en Inglaterra y que salió a la venta en mayo de 1968. Este primer disco no tuvo éxitos destacables y no logró colarse en la lista Top100. La Steve Miller Band publicó un segundo álbum en octubre, llamado “Sailor”, que tuvo mucho más éxito y alcanzó el puesto 24 en la lista Billboard.

Los seguidores del grupo iban aumentando con cada nuevo álbum. “Brave New World”, de 1969, llegó al puesto 22; incluía el éxito “Space Cowboy” y el tema “My Dark Hour”, en el que también participaba Paul McCartney como bajista. El disco “Your Saving Grace”, también de 1969, se situó en el puesto 38 y “Number 5” llegó más arriba, hasta el 23, ya en 1970.

En 1972 se puso a la venta el doble álbum “Anthology”, una recopilación de dieciséis temas de los cinco primeros discos. El siguiente año, “The Joker” supuso un cambio en la Steve Miller Band. El sonido era más rápido y enérgico y su primer tema, que daba título al álbum, se convirtió en un número 1. Mientras tanto, el disco consiguió posicionarse en el segundo puesto y fue premiado como álbum de platino por su más de un millón de copias vendidas. Tres años más tarde, la Steve Miller Band regresó con el LP “Fly Like an Eagle”, que logró un meritorio tercer puesto en las listas.

«Greatest Hits» es un álbum recopilatorio de la Steve Miller Band, editado por la compañía discográfica Polygram Records en 1998.​ El disco recogía 20 grandes éxitos en la carrera del grupo. El álbum llegó al puesto 58 en las listas británicas.

Fuente: Wikipedia

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1.   «The Joker» – 3:36
  2.   «Space Intro» – 1:13
  3.   «Fly Like an Eagle» – 4:42
  4.   «Jet Airliner» – 4:24
  5.   «Dance Dance Dance» – 2:15
  6.   «Give It Up» – 3:36
  7.   «Keeps Me Wondering Why» – 3:42
  8.   «Abracadabra» – 5:06
  9. «Swingtown» – 3:55
  10. «Jungle Love» – 3:07
  11. «Take the Money and Run» – 2:47
  12. «Rock’n Me» – 3:04
  13. «The Stake» – 3:57
  14. «Heart Like a Wheel» – 3:59
  15. «Wide River» – 3:56
  16. «True Fine Love» – 2:39
  17. «Cry Cry Cry» – 4:16
  18. «Serenade» – 3:08
  19. «Winter Time» – 3:12
  20. «Wild Mountain Honey» – 4:47

Calidad: 320 Kbps (a 48000 Hz)

 

Gracias al compañero jccguays por el archivo flac que ripeé a mp3 de máxima calidad.

 

 

 

 


Os Resentidos – Galicia Express [Sg] (1988)

 

[Ciclo de Rock Ibérico]

 

Podemos hablar de expansionismo cultural, de modernidad con vocación costumbrista, de crítica social, de surrealismo inteligente o de absorción y fusión de múltiples estilos con la mirada en la cultura y el humor característicos del terruño, de la República de Sitio Distinto, como llamaron a Galicia a lo largo de su carrera. Lo cierto es que Os Resentidos abrigaron con su calor La Movida de Vigo junto a bandas como Aerolíneas Federales, Golpes Bajos o Siniestro Total, y acercaron el rock gallego a todo el territorio nacional. La utilización del gallego, la irreverencia, una marginalidad poética y reivindicativa de sus raíces, y la fusión con vocación experimental -funky, rock, pop, folk, gaitas, sintetizadores- fueron sus señas de identidad. El grupo lo tiene claro, se define como “Os Resentidos de Vigo (gora Vigo Camasutra), una esquimal bus band de funkie depresivo. Nuestro trascendental concepto del funkie depresivo y del rock esquimal desborda obviamente la fugacidad del lenguaje y la opacidad traidora de la escritura (lapsus). Los motivos de nuestro resentimiento son amplios y confusos, puestos en situación normalmente, solemos declarar: una vez detectado el cáncer de mama galopante de la Santa Lucía de Miguel Ríos, llegó la hora (god save the mamas not the cancer)”.

Su líder y auténtico agitador cultural, Antón Reixa, es uno de los personajes más polifacéticos de nuestra escena. Poeta, cantante, director de cine, artista multimedia, columnista de prensa son algunas de sus principales ocupaciones, que no son pocas. Tras estudiar Filología Gallega en la Universidad de Santiago pone en marcha Os Resentidos, junto a Alberto Torrado -bajo-, Javier Soto -guitarra- y Rubén Losada -saxo-. Alberto compaginaba sus labores en el grupo con Siniestro Total, hasta que abandona definitivamente a Hernández y compañía en el 87. Javier por su parte, seguiría un camino inverso al de Alberto y abandonaría Os Resentidos en el 85 para enrolarse en Siniestro Total durante la gira del “Menos Mal que nos Queda Portugal” (DRO, 1984), siendo sustituido por Xavier Debesa.

En el 84 lanzan su primer trabajo, un maxi en 12” con aires post-punk compartido con Siniestro Total, “Surfin’ CCCP” (DRO, 1984), en el que cada grupo aporta dos cortes, y un año después sale a la venta su primer largo “Vigo Capital Lisboa” (GASA, 85). En él ya encontramos la esencia de lo que llegarían a ser, letras con un marcado humor en el que no se salva nada ni nadie -¿verdad, Paloma Gómez Borrero?-, la fusión de estilos como forma de vida y, por supuesto, las ganas de fiesta, de movida. Luego llegarían el rap, para poder decir más cosas en cada canción, y la conjunción perfecta entre sintetizadores y gaitas. La producción del disco no es la mejor, pero esto iría mejorando entrega tras entrega.

La mente hiperactiva de Antón Reixa continua trabajando a un ritmo frenético, y continúan entregándonos un largo por año. En el 86 sale “Fai un Sol de Carallo” (GASA, 1986), disco que contiene el gran hit de la formación, “Galicia Caníbal”, un éxito instantáneo que ha sobrevivido al grupo para traspasar las puertas de la cultura popular. El disco presenta una producción más cuidada y el sonido evoluciona considerablemente. Las programaciones están salpicadas de gaitas y Antón Reixa está más suelto que nunca.

“Música Doméstica” (GASA, 1987), tercer lp de los gallegos, baja el nivel de sus antecesores. Las composiciones de Antón Reixa no son tan brillantes y los arreglos se vuelven más previsibles y monótonos, encontramos aires rythm and blues, funky depresivo, cumbia, ritmos disco y sintetizadores, fusión de estilos marca de la casa que en esta ocasión se queda a medias.

Tan sólo un año después entregan su cuarto LP, “Fracaso Tropical” (GASA, 1988), plagado de ritmos y latinos y con el rap asomando de cuando en cuando. El primer sencillo extraído del álbum será «Galicia Express»; un tren arranca en Medina del Campo, una voz nos pone en situación, se trata del expreso Rías Baixas dirección Ourense, después de eso, los ritmos latinos, el rap, las gaitas y las revisiones del estribillo de “Like a rollin’ stone” de Bob Dylan y del “Castellanos de Castilla” de Rosalía de Castro hacen que el viaje a través de estaciones desiertas y andenes olvidados sea más plácido. Le acompaña en la cara B el tema inédito “Cono Sur”, grabado en 1987.

Fuente: Fernando Fernández Rego en LaFonoteca.net / Zonde
 

 

 

Lista de canciones:

 

  1. «Galicia Express» – 4:13
  2. «Cono Sur» – 3:45

Calidad: 128 Kbps

 

 

Gracias al blog Sangrespañola por este archivo.

 

 


Andrés Calamaro – El Salmón [2000]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

Andrés Calamaro (Buenos Aires, 22 de agosto de 1961) es un cantante, músico (teclista y guitarrista), compositor y productor discográfico argentino, creador de una personalísima obra que ha suscitado tanta admiración y fervor como críticas, sobre todo por su manera de afrontar las grabaciones y la dirección de su carrera. A lo largo de su trayectoria musical ha pertenecido a bandas como Los Abuelos de la Nada y Los Rodríguez, teniendo también una destacada carrera como solista. Ha vivido a lo largo de su vida alternando entre Buenos Aires y Madrid.

Canciones brillantes y absolutamente populares como “Mi enfermedad”, “Sin documentos”, “Salud (dinero y amor)” o “Para no olvidar” con Los Rodríguez dispararon la fama de Calamaro en Argentina y sobre todo en España, y el músico bonaerense retomó en 1997 su carrera en solitario con “Alta Suciedad” (DRO, 1997), cargado de hits inmediatos como “Flaca”. Andrés redobló la apuesta con “Honestidad Brutal” (DRO, 1999), un disco doble que supuso una “reacción” a su predecesor, y con “El Salmón” (DRO, 2000), con el que llevó la apuesta por la inmediatez al extremo, creando un álbum quíntuple donde las buenas ideas se mezclan con otras no tan buenas de un modo caótico. Tras publicar “El Salmón”, Calamaro, en un difícil momento personal, abandonó los escenarios y tardaría bastante en volver a dar señales de vida a nivel discográfico: su vuelta a los palcos se documentó en el directo “El Regreso” (DRO / Warner Argentina, 2005).

Cuatro años después -y despistando a la audiencia- el compositor torrencial aparcaba sus canciones para vestirse un traje de intérprete que lució en “El Cantante” (GASA / DRO, 2004) y “Tinta Roja” (DRO / Atlantic, 2006), discos de versiones del folclore latinoamericano con un toque eminentemente flamenco, en la compañía de músicos como Niño Josele o Jerry González y bajo la producción del afamado Javier Limón. En “El Palacio de las Flores” (GASA / DRO, 2006) Andrés vuelve a configurar un repertorio basado fundamentalmente en canciones nuevas. Es un disco en el que se nota de forma muy acusada la impronta del productor, el prestigioso cantautor argentino Litto Nebia. El resultado es irregular, inferior al de la siguiente entrega, “La Lengua Popular”, en el que temas como “Carnaval de Brasil”, “Cinco minutos más” o “Soy tuyo” traen de vuelta al mejor Calamaro.

«El Salmón» es el séptimo disco del músico argentino Andrés Calamaro, grabado entre diciembre de 1999 y mayo de 2000 en los Estudios Sintonía de Madrid y Camboya/Suipacha Hotel de Buenos Aires, masterizado en los Estudios Eurosonic de Madrid, con producción del propio artista, y editado en el año 2000 por los sellos discográficos Warner Music Argentina y GASA / DRO East West. Este álbum se caracteriza por ser un disco quíntuple, el cual luego se simplificaría a un solo disco con 25 temas y a un disco doble llamado “Salmonalipsis Now” editado en 2011.

En el trabajo colaboraron artistas como: El Cuino Scornik, Liberto Villagrassa, Lulo Pérez, El Niño Bruno, Candi Avello, Gringui Herrera, Pappo Napolitano, Ciro Fogliata, Guille Martín, Jose Mª Cortina, Ariel Rot, Andy Chango, Gaby Carámbula, Enrique Bunbury, Jaime Urrutia, Cachorro López, El Papa Ikoroh, Tito Losavio, Miguel Zavaleta, Jaime DB, Martín García Reynoso, Jorge Larrosa, Ñete, Fernando Samalea, Alex Badreddine, Coro Mogólico.

Los sencillos extraídos del quíntuple álbum fueron: “El Salmón”, “Días Distintos”, “Tuyo Siempre”, “All You Need Is Pop”, “Revolución Turra” y “Crucifícame”.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

CD 1:

  1.  «Output-Input»
  2. «El Salmón»
  3. «Días Distintos»
  4. «Tuyo Siempre»
  5. «Ok, Perdón»
  6. «Horarios Esclavos»
  7. «Nos Volveremos a Ver»
  8. «Gaviotas»
  9. «All U Need Is Pop»
  10. «Cafetín de Buenos Aires»
  11. «Enola Gay»
  12. «Para Seguir»
  13. «Revolución Turra»
  14. «Rumbo Errado»
  15. «Mi Funeral 11»
  16. «Crucifícame»
  17. «Vigilante Medio Argentino»
  18. «Me Fui Volando»
  19. «Chicas»
  20. «Tu Pavada»
  21. «Time Is on Mi Side»
  22. «Revolucion Turra»

 

 

CD 2:

  1. «Todas Son Iguales»
  2. «Jugando al Limite»
  3. «Querrámonos»
  4. «Alfonsina y el Mar»
  5. «El Mambo»
  6. «N.Q.T.Q.E. Llega»
  7. «La Diabla»
  8. «Laura Va»
  9. «Porque Soy Así»
  10. «Barrio de Tango»
  11. «Qué Ritmo Triste»
  12. «Mi Lobotomía»
  13. «No Sé Olvidar»
  14. «Nadie»
  15. «Lo que No Existe Más»
  16. «El Camino Entero»
  17. «P.N.S.U.R.H.Q.S.U.R. (Recuerdo Reloco)»
  18. «Freaks»
  19. «The Long and Winding Road»

 

 

CD 3:

  1. «El Viejo»
  2. «No Se Puede Vivir del Amor»
  3. «Durazno Sangrando»
  4. «Revistas»
  5. «Aguas Peligrosas»
  6. «Pálido Reflejo»
  7. «El Muro de Berlín»
  8. «El Día D»
  9. «I Will»
  10. «Ojos, Dos Ojos»
  11. «Río Manso»
  12. «Somos Feos»
  13. «Dejar de Vivir»
  14. «Chocolate»
  15. «Canalla»
  16. «Mi Autopista»
  17. «Reality Bomb»
  18. «Blow Up»
  19. «Palabras Luminosas»
  20. «El Día que Me Quieras»

 

 

CD 4:

  1. «Empanadas de Vigilia»
  2. «Steely Feeling»
  3. «All You Need Is Pop» (Voz: Enrique Bunbury)
  4. «100% de Nada»
  5. «Expulsado del Paraíso»
  6. «You Won’t See Me»
  7. «Séptimo Hijo Varón»
  8. «Under My Thumb»
  9. «Lameme el Orto»
  10. «Rumba del Perro»
  11. «No Te Bancaste»
  12. «Ciudadano Pesado»
  13. «Metálico Cha Cha»
  14. «No Woman No Cry»
  15. «C.N.I.M.Q.U.C.D.P.»
  16. «Oh Darling»
  17. «Un Barco, Un Poco»
  18. «Lorena»
  19. «Presos de Nuestra Libertad»
  20. «Horizontes»

 

 

CD 5:

  1. «Problemas»
  2. «La Verdadera Libertad»
  3. «Los Ejes de Mi Carreta»
  4. «Un Poco de Diente por Diente»
  5. «Culo sin Asiento»
  6. «Libros Sapiensales, Parte II»
  7. «¡Ay de Mí!»
  8. «Malena»
  9. «Adentro Mío»
  10. «Corta pero Ancha»
  11. «Para los Demás»
  12. «Sexy Sadie»
  13. «Nuestra Piel»
  14. «Papa Say»
  15. «Cocaine»
  16. «Varón, Dijo la Partera»
  17. «Paraísos Perdidos»
  18. «Así»
  19. «Me Cago en Todo»
  20. «Valentina»
  21. «H.M.Q.D.E.P.»
  22. «Este Es el Final de Mi Carrera»

Calidad: FLAC

 

 

 


Itoiz – Eremuko Dunen Atzetik Dabil (1988)

 

[Ciclo de Rock Ibérico]

 

Itoiz fue un grupo vasco de folk rock y rock progresivo formado en Motrico en 1978, aunque en realidad la cosa venía de mas atrás. Nació de un grupo de verbena llamado Indar Trabes, en el que estaban todos los futuros miembros de Itoiz. Indar Trabes eran bastante conocidos por el País Vasco, pero eso mismo les movió a no usar ese nombre para su disco, pues el público podría pensar que su música era la misma que tocaban en los bailes de los pueblos.

El primer disco, “Itoiz” (1978), es una absoluta maravilla. El hecho de que cantasen en euskera hizo difícil que el gran público les aceptara en otros lugares. La formación era: Juan Carlos Pérez (voz y guitarra), José Garate (bajo y voz), Antton Fernández (teclados), Joseba Erkiaga (flauta) y Estanis Osinalde (batería), más su mánager Ángel Azkarraga que también figuraba en este primer disco como un miembro más. El disco tiene mucho de folk, un tanto de jazz y bastante de progresivo. “Lau Teilatu” se convertiría en el himno de la banda, una canción que en el País Vasco es muy conocida y los catapultó al éxito. Curiosamente, la letra habla de dos amigos que se encuentran por las fiestas de los pueblos, clara referencia al pasado del grupo por las verbenas.

El grupo se deshizo como consecuencia de los compromisos militares de sus miembros y su líder, Juan Carlos Pérez, decidió sacar un disco en solitario. Toda la música era suya, mientras que para las surrealistas letras recurrió de nuevo a Joseba Alkalde. El disco se llamó “Ezekiel” (1980) y, para aprovechar el tirón de “Lau Teilatu”, acabó apareciendo bajo el nombre de Itoiz, pese a que sólo Fernández y Erkiaga colaboraban en él junto a Pérez. El resto eran músicos de estudio contratados para la ocasión. Sin embargo, el resultado fue extraordinario. Un paso adelante en el sonido aventurero del grupo, que incorpora cantantes femeninas en algún tema y bastantes novedades instrumentales como el uso de saxo, violín o cuatro. Todos los títulos de las canciones hacen referencia al personaje de Ezekiel, para acentuar el carácter conceptual del disco, aunque se puede decir que son letras de difícil entendimiento.

Tras este disco vuelve Foisis, una vez acabada la mili, e Itoiz continúa su trayectoria como grupo. Su siguiente trabajo es “Alkolea” (1982) que significa un cierto paso atrás. Todas las canciones son de Pérez, salvo “Marilyn: sagardotegia eta jazzmana”, un curioso reggae con órgano de Antton Fernández. La formación se ve alterada por la marcha de Joseba Erkiaga, que solo colabora en una de las canciones con la gaita gallega, sustituyéndole un segundo guitarrista, German Ors. A partir de ese momento, Itoiz siempre tendría otro guitarrista, aunque hubo mucha variación en este puesto. También se marcho Osinalde, que seria sustituido en el disco por Ángel Celada. Igualmente tienen a Paco Chamorro con el saxo.

De todos modos, “Alkolea” es un disco estimable, aunque inferior a sus dos formidables predecesores. Un tanto más popero, eso sí, pero todavía nada demasiado preocupante. O eso parecía hasta que apareció “Musikaz Blai” (1983). Itoiz se tiran de cabeza al pop, más bien al ska, impulsados por su nuevo guitarrista Jean Mari Ecay. Aparte de eso, contratan a una especie de caja de ritmos humana llamada Jimmy Arrabit y mantienen al resto de la formación. En este disco se perdió toda la magia del grupo.

No obstante, las ventas del disco son muy buenas y el grupo es cada vez más popular en el País Vasco, así que insisten y siguen haciendo mas de lo mismo en “Espaloian” (1985). Antton Fernández deja el grupo e Itoiz queda reducido a un cuarteto (Pérez, Ecay, Garate y Arrabit), a los que se une una serie de músicos de estudio. El peso de Ecay en el grupo es tan grande que Pérez solamente canta en este disco, todas las guitarras (y parte del bajo) corresponden al francés. Para dar una idea de donde quedaron los tiempos progresivos, el disco se cierra con una canción llamada “Clash eta Pistols”.

Itoiz intenta expandir su mercado y, con la mirada puesta en Francia, graban un mini-LP en Paris con titulo en francés, “Ambulance” (1987). Fue lo mejor de toda esta época popera, aunque a años luz de los tres primeros discos. Tal vez por la marcha de Jean Mari Ecay, que es sustituido por Xabi Pery.

De todos modos, Itoiz estaba acabado. El grupo decide que su época ha terminado y se despide con un disco en directo, «…Eremuko Dunen Atzetik Dabil» (1988), grabado en vivo los días 11 y 12 de agosto de 1987 y editado en un doble vinilo por Elkar. Casi todas las canciones son de los dos últimos discos, dejando para el final las cuatro únicas procedentes de los tres primeros, nada de “Musikaz Blai”.

Fuente: NuevaOla80 / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Intro» – 4:12
  2. «Non Nangoen» – 3:20
  3. «Egun Motela» – 5:10
  4. «Igandean» – 4:54
  5. «Zuk Ez Duzu Nahi» – 4:43
  6. «Desolatio» – 4:29
  7. «Elurretan» – 4:42
  8. «Espaloian» – 3:39
  9. «Tximeleta Reggae» – 3:37
  10. «Ambulance» – 4:27
  11. «Hegal Egiten» – 4:45
  12. «Non Podo Mais» – 4:40
  13. «Marilyn» – 3:40
  14. «Ezekielen Prophezia» – 4:36
  15. «Foisis Jauna» – 2:43
  16. «Lau Teilatu» – 4:50

Calidad: 320 Kbps

 

 

Gracias al compañero Bizio por este archivo.

 

 

 


The Mamas & The Papas – Lo Mejor (1994)

 

[Otras Músicas]

 

The Mamas & the Papas (llamados The Mama’s and the Papa’s en su álbum debut) fue un grupo vocal líder en la década de 1960. Fue uno de los grupos estandartes del folk rock neoyorquinos y uno de los pocos grupos estadounidenses que mantuvieron su éxito durante la Invasión británica junto a The Beach Boys y The Byrds. El grupo hizo grabaciones y actuó desde 1965 a 1968; produciendo cinco álbumes y tuvieron diez canciones en las carteleras musicales; aunque estuvieron un corto tiempo en la cima de la música, mantienen todavía fieles seguidores.

John Phillips, Cass Elliot, Denny Doherty y Michelle Phillips formaron la banda después de que fracasaran sus anteriores grupos de música folk. Su primer éxito en España fue “Monday Monday”, primer número uno de la historia de Los 40 Principales el 18 de julio de 1966,​ aunque el lado B del disco, la canción “California Dreamin'”, fue la que ha perdurado en el tiempo y la que más identifica al grupo.

El nombre del grupo fue inspirado en un programa de entrevistas que se emitía a diario en la TV. Después que el grupo grabó su álbum “If You Can Believe Your Eyes and Ears”, la banda fue conocida por un tiempo como “The Magic Circle” (el círculo mágico). Buscando un nombre fácil de recordar, ellos se sentaron a pensar uno nuevo. Alguien encendió la TV y estaban transmitiendo un programa de entrevistas. Lo primero que ellos escucharon fue algo de una “Mamá”, entonces Cass se paró y dijo que quería ser una mamá, y Michelle dijo que también quería ser una mamá. John y Denny se miraron y John dijo, “¿Papás? Okay, problema resuelto.” La banda tenía su nuevo nombre. Sin embargo, otra versión señala que en sus primeros conciertos, los jóvenes de entonces se referían a las chicas como “the mamas”. Entonces, John y Denny reclamaron “Si ustedes son las mamás, entonces nosotros seremos los papás… seremos “The mamas and the papas”.

La infidelidad provocó la ruptura del grupo. Denny Doherty llegó a convertirse en amante de Michelle Phillips, que estaba casada con John Philips, pero mantuvieron el secreto hasta que, durante un viaje a México, Denny reveló a Cass Elliot que estaba secretamente enamorado de Michelle. Cass, al enterarse, se puso furiosa porque a su vez estaba enamorada en secreto de él. Tiempo después John halló en la cama a Michelle y Denny y se marchó de casa. Más adelante, Michelle y John se reconciliaron y compraron juntos una casa en Bel Air mientras la banda trataba de salir adelante. Las cosas fueron bien por un tiempo. El grupo grabó su tercer álbum, Deliver, que se convirtió en un gran éxito, y durante ese tiempo Denny comenzó a beber para olvidar a Michelle.

El grupo se disolvió en 1968. En una entrevista tras su separación, en la revista Rolling Stone, Cass admitió que ella había declarado a sus compañeros que quería ser solista y que eso había propiciado la ruptura del grupo. Mientras tanto, según versiones más polémicas, el abuso de las drogas,​ los celos, el alcoholismo y los problemas de peso de Cass Elliot fueron los desencadenantes de la posterior separación del grupo.

Cass Elliot murió de un ataque al corazón el 29 de julio de 1974 mientras estaba de gira. En 1998, el grupo ingresó en el Salón de la Fama del Rock and Roll. Papa John Phillips murió de un infarto el 18 de marzo de 2001. El 19 de enero de 2007, falleció Denny Doherty por unos problemas renales.

«Lo Mejor» es un álbum recopilatorio de The Mamas & The Papas, editado en 1994 en el estado español por MCA Records. Contiene los grandes éxitos del cuarteto, en su corta carrera discográfica desde 1965 a 1968.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1.  «California Dreamin’» (John Phillips) – 2:38
  2. «Twelve – Thirty» (John Phillips) – 3:23
  3. «Monday Monday» (John Phillips) – 3:26
  4.  «I Saw Her Again Last Night» (Denny Doherty, John Phillips) – 3:11
  5.  «My Girl» (Ronald White, William Robinson) – 3:27
  6.  «Spanish Harlem» (Jerry Leiber, Phil Spector) – 3:17
  7.  «Creeque Alley» (John Phillips, Michelle Phillips) – 3:46
  8.  «Words of Love» (John Phillips) – 2:15
  9.  «You Baby» (P.F. Sloan, S. Barri) – 2:21
  10.  «Dedicated to the One I Love» (Lowman Pauling, Ralph Bass) – 2:56
  11.  «Dream a Little Dream of Me» (F. Andre, G. Kahn, W. Schewendt) – 3:12
  12.  «Look Through My Window» (John Phillips) – 3:04
  13.  «Got a Feeling» (Denny Doherty, John Phillips) – 2:53
  14.  «Dancing in the Street» (Jo Hunter, Marvin Gaye, William Stevenson) – 3:46
  15. «Go Where You Wanna Go» (John Phillips) – 2:26
  16. «For the Love of Ivy» (Denny Doherty, John Phillips) – 3:40
  17. «Twist and Shout» (Bert Russell, Phil Medley) – 2:50
  18. «Safe in My Garden» (John Phillips) – 3:11
  19. «I Call Your Name» (John Lennon/Paul McCartney) – 2:35
  20. «Do You Wanna Dance» (Bobby Freeman) – 2:56

Calidad: FLAC

 

 

 

 


Neil Diamond – 20 Diamond Hits (1991)

 

[Otras Músicas]

 

Neil Leslie Diamond, más conocido como Neil Diamond, es un cantante, compositor, guitarrista, actor y productor neoyorkino. Sus composiciones en diversos géneros musicales como el rock, R&B, folk, pop, country, gospel, jazz, funk, reggae, balada, entre otros, han influido a artistas tales como: The Monkees, Elvis Presley, U2, Frank Sinatra, The Ventures, UB40, Julio Iglesias y Johnny Cash.
 
Diamond nació y creció en Brooklyn, Nueva York. Comenzó componiendo canciones a los 16 años, tras comprar una guitarra, inspirado por una visita a su escuela del cantante y autor folk Pete Seeger. Entre 1965 y 1968 grabó y compuso para el sello discográfico Bang Records, diversos temas como “Cherry Cherry”, “Solitary man”, “You got to me”, “Red, Red Wine” (1966), “Girl, You’ll Be a Woman Soon”, “I Got The Feeling”, “Thank The Lord For The Night Time”, “Kentucky Woman” (1967) o “I’m a Believer”, que popularizó el grupo The Monkees.
 

En 1967, Diamond quiso lanzar la canción introspectiva “Shilo” como sencillo, pero Bang lo rechazó argumentando que no tenía el estilo de sus hits anteriores, por lo cual demandó a la empresa para liberar su contrato y tener los derechos sobre las grabaciones originales de sus canciones. El juicio duró 10 años, resultando Diamond ganador. En 1968, tuvo éxito la canción “New Orleans”, y ya dedicado en exclusiva a componer para sí mismo y en otra marca discográfica, la UNI (más tarde MCA), firmó un contrato por 8 álbumes.

En los inicio de la década de 1970, Neil Diamond firmó con Columbia Records/CBS por una cifra jamás ofrecida a otro artista, 5 millones de dólares. En esta compañía, Diamond consiguió un nuevo éxito en 1973 con la banda sonora de la película Juan Salvador Gaviota, en la que fue más exitosa la banda sonora que la película, y que obtuvo un Grammy como la mejor banda sonora original.

«20 Diamond Hits» es un álbum recopilatorio de Neil Diamond, editado en vinilo primigeniamente en 1978 por la compañía discográfica MCA. El disco incluye los éxitos tempranos del compositor durante la década de los 60 y parte de los 70. Tras ser remasterizado, Universal Music (compradora de dicha compañía) lo reeditó en formato CD en 1991 con diferente diseño gráfico y artístico; este archivo corresponde a dicha reedición.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Sweet Caroline» – 3:19
  2. «Holly Holy» – 4:31
  3. «And the Singer Sings His Song» – 3:37
  4. «Shilo» – 2:57
  5. «Play Me. Stones» – 3:52
  6. «Mr. Bojangles» – 4:50
  7. «Song Sung Blue» – 3:13
  8. «Cherry Cherry» – 3:04
  9. «Solitary Man» – 2:56
  10. «Kentucky Woman» – 2:30
  11. «Cracklin’ Rosie» – 2:58
  12. «Soolaimon» – 4:13
  13. «Canta Libre» – 4:45
  14. «Stones» – 3:06
  15. «He Ain’t Heavy, He’s My Brother» – 4:11
  16. «Brother Love’s Travelling Salvation Show (Live)» – 3:27
  17. «Cold Water Morning» – 3:21
  18. «Walk on Water» – 3:04
  19. «And the Grass Won’t Pay No Mind» – 3:33
  20. «I Am I Said» – 3:32

Calidad: FLAC

 

 

 


Immaculate Fools ‎– The Toy Shop [1992]

[Resubida 2ª]

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

Immaculate Fools fue un grupo musical británico de pop-rock con tintes folk formado en 1984 en Kent, un condado no metropolitano inglés situado al sureste de Londres, y se mantuvo en activo hasta 1997, después de haber publicado seis álbumes de estudio. Lo crearon dos parejas de hermanos: Kevin Weatherill (voz, guitarra) y Paul Weatherill (bajo, voz), y Andy Ross (guitarra) y Peter Ross (batería).

Saltó a la fama en 1985 con el sencillo homónimo “Immaculate Fools”, que alcanzó el número 51 en la lista de sencillos del Reino Unido en enero de 1985. Su primer disco, “Hearts of Fortune” (Polygram, 1985), alcanzó el puesto 65 ese mismo año. La banda realizó muchas giras por Europa y tuvo especial seguimiento en España, en cuya televisión actuaron varias veces.

El segundo disco de la banda, “Dumb Poet”, tuvo críticas muy positivas (incluyendo una reseña en la revista Sounds que daba al disco una puntuación de cinco estrellas), pero no alcanzó el éxito comercial de su debut. Con todo, el disco incluía una canción que tuvo cierto éxito, “Tragic Comedy”.

La banda sufrió un cambio importante de formación cuando los hermanos Ross dejaron el grupo, incorporándose Barry Wickens, Paul Skidmore y Ian Devlin para la grabación de su siguiente disco, “Another Man’s World”. El grupo montó un estudio de grabación en una granja (Woodhouse) galesa, cerca de Ludlow. Siguieron siendo populares hasta su ruptura en 1997. En los dos últimos discos del grupo, “Woodhouse” y “Kiss and Punch”, los hermanos Weatherill contaron con Wickens, Brian Betts (guitarra) y Nick Thomas (batería).

Kevin Weatherill, principal cantante y compositor del grupo, sigue grabando y tocando en directo, tanto en el Reino Unido como en Europa, con el nombre Dirty Ray. En la actualidad afincado en el norte de España, en Galicia. En 2010 trabajó con Miles Hunt de Wonderstuff y la violinista Erica Nockalls en el disco “Big World for a Little Man”.

«The Toy Shop» fue el cuarto álbum discográfico de Immaculate Fools, grabado por el ingeniero de sonido Steve Williams y mezclado por Barry Wickens y Brian Betts, con producción de Andy Ross, fue editado en 1992 por la discográfica CBS/Columbia Records. Las fotografías de portada y contraportada son obra de Dean Steadman y John Warwicker.

Sin abandonar la calidez pop de sus inicios, los Locos Inmaculados emprenden en este disco (y posteriores) un camino por los senderos del folk-rock que, lejos de desentonar con su estilo, lo complementa y enriquece en matices sonoros plagados de nostalgia. Atención a temas como “The leaving song”, “Bed of tears”, la alegre “Good times” o la inmensa “How the west was won”.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Stand Down» – 5:22
  2. «Heaven Down Here» – 3:52
  3. «Political Wish» – 4:46
  4. «Cotillas» – 6:22
  5. «The Leaving Song» – 6:06
  6. «Wonder of Things» – 4:55
  7. «Good Times» – 3:13
  8. «Through These Eyes» – 7:00
  9. «Bed of Tears» – 3:44
  10. «How the West Was Won» – 6:52

Calidad: 320 Kbps (a 48000 Hz)

 

Gracias al compañero Dj Fer por el archivo wav que ripeé a mp3 de máxima calidad.

 

 

 


Cat Stevens – Teaser & The Firecat (1971-Reed.2004)

[Resubida]

 

[Otras Músicas]

 

Yusuf Islam (nacido Steven Demetre Georgiou en Londres, el 21 de julio de 1948) es un músico británico más conocido por su antiguo nombre artístico, Cat Stevens. Hijo de madre sueca y de padre greco-chipriota, cuando tenía 8 años sus padres se separaron pero siguieron conviviendo como familia en la misma casa. Musicalmente es el heredero de una formación clásica pero también del amor por lo popular y por las danzas y canciones folclóricas griegas que escuchaba su padre. Su nombre (Cat Stevens) surgió porque su novia decía que tenía ojos de gato. Logró hacer su primer disco gracias a su hermano, que un día gritó a toda una calle que su hermano tenía gran talento y así lograron su primer contrato en EMI Music.

Con el nombre artístico Cat Stevens vendió millones de discos, especialmente entre los años 1960 y 1970. Sus tempranos álbumes de los 70, “Tea for the Tillerman” y “Teaser and the Firecat”, fueron ambos certificados triple platino en Norteamérica. Su estilo musical es melódico, entre el rock hippie y la balada pop, incluyendo toques folk de influencia tanto británica como griega.

Su álbum “Catch Bull at Four” de 1972 encabezó la lista Billboard 200 por tres semanas y estuvo en el tope de las listas de éxitos en Australia por quince semanas.​ Composiciones como “The First Cut Is the Deepest”, “Father and Son”, “Wild World”, “Peace Train”, “Moonshadow” y “Morning Has Broken” se han convertido en referentes del folk rock y han sido grabadas por una gran cantidad de artistas y bandas.

Después de una experiencia cercana a la muerte, alrededor de 1978, decidió convertirse al islam y abandonar la música. Es entonces cuando adoptó el nombre Yusuf Islam. Muchas de las canciones más famosas de Cat Stevens fueron publicadas en los años previos a su conversión al islam y él es cuidadoso respecto a sus derechos. Por ejemplo no ha permitido que sus canciones se usen en anuncios comerciales.

A sugerencia de Mijaíl Gorbachov le fue otorgado el premio Hombre por la Paz. Sin embargo, desde que dejó el mundo de la música, Yusuf Islam no ha dejado de cantar y grabar canciones religiosas (llamadas anachid). Actualmente sigue participando en conciertos junto con otros artistas con el fin de recaudar fondos para ayuda humanitaria. En 2007 recibió el premio Ivor Novello por su “extraordinaria colección de canciones”. Fue introducido en el Salón de la fama del Rock and Roll en 2014.

«Teaser and the Firecat» es el quinto álbum de estudio del cantautor británico Cat Stevens, grabado entre finales de 1970 e inicios de 1971, con producción de Paul Samwell-Smith, y editado en octubre de 1971 por Island Records. El álbum contiene las canciones “Morning Has Broken”, “Moon Shadow” y “Peace Train”, que lograron radiodifusión y fueron un éxito tanto en Europa como en Norteamérica. El disco fue un éxito comercial, superando en ventas al anterior álbum de Stevens, “Tea for the Tillerman”.

El álbum fue nº 1 en Australia, nº 2 en EUNA y nº 3 en Reino Unido, siendo certificado triple platino en Estados Unidos de Norteamérica y disco de oro en Gran Bretaña. En 2004, el álbum remasterizado fue incluido en la colección del diario El País “Los Discos de Tu Vida” y editado en colaboración con Island Records. Este archivo corresponde a esta reedición.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas compuestos por Cat Stevens, excepto indicado)

  1.   «The Wind» — 1:42
  2.   «RubyLove» — 2:37
  3.   «If I Laugh» — 3:20
  4.   «Changes IV» — 3:33
  5.   «How Can I Tell You» — 4:26
  6.   «Tuesday’s Dead» — 3:36
  7.   «Morning Has Broken» (letra de Eleanor Farjeon) — 3:22
  8.   «Bitterblue» — 3:13
  9.   «Moonshadow» — 2:52
  10.   «Peace Train» — 4:15

Calidad: FLAC

 

 

 


Ian McCulloch – September Song [Maxi] (1984)

[Resubida]

 

[Otras Músicas]

 

Ian Stephen McCulloch (nacido el 5 de mayo de 1959 en Liverpool) es un músico, cantante y compositor inglés, mejor conocido por su labor vocal en el grupo Echo & the Bunnymen, banda que formó en 1978 junto a Will Sergeant (guitarra) y Les Pattinson (bajo).

Con tan solo 24 años, Ian McCulloch realizó una versión de “September Song”, una canción popular compuesta por Kurt Weill, con letra de Maxwell Anderson, originalmente para Broadway. El maxi-single «September Song» fue el debut en solitario de McCulloch, producido por Clive Langer y Colin Fairley, y editado en 1984 por el sello habitual de su grupo Echo & the Bunnymen, Korova Records, que alcanzó el nº 51 en las listas de sencillos británicas. El single se completaba con una interpretación de “Cockles and Mussels”, también conocida como “Molly Malone”, con toques de folk céltico.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «September Song (Long Version)» (Kurt Weill, Maxwell Anderson) – 4:10
  2. «September Song (Short Version)» (Kurt Weill, Maxwell Anderson) – 3:33
  3. «Cockles and Mussels» (James Yorkston) – 2:40

Calidad: FLAC

 

 

 


Johnny Cash – Golden Hits (2003)

[Resubida]

 

[Otras Músicas]

 

johnnycash-goldenhitsJohnny J.R Cash (Kingsland, Arkansas, 26 de febrero de 1932 – Nashville, Tennessee, 12 de septiembre de 2003) fue un cantante, compositor, guitarrista, actor y autor estadounidense y es considerado como uno de los músicos más influyentes del siglo XX. Cantautor de country, gospel, rock and roll y rockabilly, fue y es uno de los máximos representantes de la música country, aunque creó su propio subgénero musical.
 
Cash fue conocido por su profunda voz, por el característico sonido boom-chick-a-boom de su banda de acompañamiento -los Tennessee Three-, y por vestir ropa oscura lo que le valió el apodo de “El Hombre de Negro” («The Man in Black»). Era muy típico de él empezar todos sus conciertos con la sencilla frase: “Hola, soy Johnny Cash” («Hello, I’m Johnny Cash»).
 

Muchas de las canciones de Cash como “I Walk The Line”, “Folsom Prison Blues”, “Man in Black” tratan temas como la pena, la culpa, las tribulaciones morales y la redención, una tendencia que se acentuó en la última etapa de su carrera. Pero también compuso muchas canciones humorísticas (como “One Piece at a Time”, “The One on the Right Is on the Left” y versióno “A Boy Named Sue” originariamente de Shel Silverstein), llenas de vitalidad (“Get Rhythm”) o con otras temáticas típicas del country como el ferrocarril (“The Rock Island Line” o la famosa “Orange Blossom Special”). Curiosamente, algunos de sus temas más conocidos son versiones de otros artistas, pero versionadas con un estilo propio y que lleva su sello por todas partes como es el caso de “Hurt” (de Nine Inch Nails), “Personal Jesus” de Depeche Mode, o el tema grabado junto con Joe Strummer, “Redemption Song”, que Bob Marley había compuesto poco antes de su muerte.

johnnycash-goldenhits-2Vendió cerca de noventa millones de álbumes en sus casi cincuenta años de carrera. Es presentado habitualmente como uno de los músicos más importantes en la historia de la música country. Es uno de los tres únicos músicos que han sido admitidos en más de un «Salón de la Fama»: en el Salón de la Fama del Rock and roll, del Country y del Góspel, de modo que, junto con Elvis Presley, es el único artista que está en Salones de la Fama de tres estilos diferentes (Rock, Country y Góspel). Aunque es recordado principalmente como un icono de la música country, sus canciones y el sonido que abarca abrazaron otros géneros como el rock and roll, el rockabilly, el blues, el folk, y el góspel.

«Golden Hits» es un álbum recopilatorio de Johnny Cash, editado por el sello alemán Eurotrend en 2003, año de la muerte del músico. El disco contiene varios de los grandes éxitos de Cash, mayoritariamente en su faceta musical country.

 

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Ring of Fire» – 2:45
  2. «I Walk the Line» – 2:45
  3. «A Boy Named Sue» – 3:18
  4. «San Quentin» – 2:49
  5. «Orange Blossom Special» – 3:57
  6. «The One on the Right Is on the Left» – 2:45
  7. «I Love You Because» – 2:25
  8. «Country Boy» – 1:51
  9. «Ballad of a Teenage Queen» – 2:11
  10. «Oh Lonesome Me» – 2:28
  11. «You Win Again» – 2:16
  12. «You’re the Nearest Thing to Heaven» – 2:39
  13. «City of New Orleans» – 3:34
  14. «I Got Stripes» – 1:51
  15. «The Highway Man» – 2:35
  16. «Peace in the Valley» – 2:43

Calidad: FLAC

 

 

 

 


The Waterboys – This Is the Sea [1985-Reed.2004]

[Resubida]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

waterboys-thisistheseaThe Waterboys es una banda formada en 1983 por Mike Scott. La composición de la misma ha girado siempre en torno a músicos de Escocia, Inglaterra e Irlanda. Las sedes de la misma se han alternado entre Dublín, Spiddal, Londres, Nueva York y Findhorn. Su música ha pasado desde una mezcla de folk Celta hasta el rock’n’roll, siempre con un estilo muy personal otorgado por el talento de su líder Mike Scott.

Tras diez años de grabar y girar sin interrupción, en 1993 se disolvieron y Mike Scott inició su carrera en solitario. Se refundaron en el 2000 y continuaron girando y publicando discos. Para Mike, “No hay diferencia entre Waterboys y yo porque, para mí, significan la misma cosa”.

El sonido de los primeros Waterboys fue llamado The Big Sound tras un tema de su segundo álbum, “A Pagan Place”. Este estilo fue descrito por Mike como “una metáfora por ver la autoría de Dios en el mundo”. Sus influencias se encuentran entre Simple Minds, The Alarm, In Ta Nua, Big Country, Horhouse Flowers y World Party; este último formado por ex-miembros de los propios Waterboys. A finales de los 80 el sonido de la banda se hizo más folk con una formación más numerosa: según el propio grupo, the Raggle Taggle Band.

Más tarde volverían al sonido rock tras su reforma. Sus canciones, principalmente escritas por Scott, a menudo tratan de referencias literarias relacionadas con la espiritualidad (Mike estudió literatura inglesa y filosofía). Tanto la carrera en solitario de Mike como las de sus otros miembros han tenido éxito comercial, así como buenas críticas musicales.

La banda comenzó a grabar nuevo material en la primavera de 1985 para un nuevo disco. Steve Wickham se acabó uniendo al grupo añadiendo su violín en el tema “The Pan Within”. Wickham había sido invitado después de que Scott le oyera en una demo de Sinéad O’Connor en casa de Karl Wallinger. Con esto publicaron su tercer disco titulado «This Is the Sea» en septiembre de 1985. Se vendió mejor que los dos anteriores y entró en el Top 40. Uno de sus singles alcanzó el Top 26, era el tema “The Whole of the Moon”. Actuaciones exitosas por Reino Unido y EUNA le siguieron en las cuales Marco Sin reemplazó a Martyn Swain al bajo y Chris Whitten a Kevin Wilkinson a la batería. Hacia el final del mismo, Wallinger dejó el grupo para formar su propia banda World Party y fue reemplazado por Guy Chambers. También el batería acabó reemplazado por Dave Ruffy.

waterboys-thisisthesea-2Grabado en varios estudios de Hastings y Londres entre febrero y agosto de 1985, el álbum fue editado el 16 de septiembre de ese año por Island Records y Chrysalis, con producción de Mike Scott, John Brand, Mick Glossop y Karl Wallinger. El diseño del arte de carpeta fue de Alex Creedy. En 2004 el álbum fue remasterizado y reeditado en formato CD por Chrysalis y EMI, agregándole un segundo disco con bonus tracks, caras B de los sencillos, ediciones largas de los temas y canciones inéditas.

Mike Scott, principal compositor del álbum y líder de The Waterboys, describe “This Is the Sea” como “el disco en el que logré todas mis ambiciones musicales juveniles”, “la última expresión plenamente realizada del sonido de Waterboys”; influenciado por The Velvet Underground, Van Morrison y Steve Reich.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas escritos y compuestos por Mike Scott, excepto indicados)

CD 1 (Album Original):

  1. «Don’t Bang the Drum» (Karl Wallinger, Mike Scott) – 6:44
  2. «The Whole of the Moon» – 5:01
  3. «Spirit» – 1:48
  4. «The Pan Within» – 6:11
  5. «Medicine Bow» (Anthony Thistlethwaite, Mike Scott) – 2:44
  6. «Old England» – 5:30
  7. «Be My Enemy» – 4:15
  8. «Trumpets» – 3:34
  9. «This Is the Sea» – 6:28

CD 2 (Bonus):

  1. «Beverly Penn» – 5:38
  2. «Sleek White Schooner» – 3:44
  3. «Medicine Bow (Full Length)» (A. Thistlethwaite, Mike Scott) – 5:44
  4. «Medicine Jack» – 4:11
  5. «High Far Soon» – 2:05
  6. «Even the Trees Are Dancing» – 4:27
  7. «Towers Open Fire» – 4:34
  8. «This Is the Sea (Live)» – 5:53
  9. «Then You Hold Me» – 4:56
  10. «Spirit (Full Length)» – 4:11
  11. «Miracle» – 1:14
  12. «I Am Not Here» – 0:22
  13. «Sweet Thing» (Van Morrison) – 7:11
  14. «The Waves» – 6:38

Calidad: 320 Kbps (a 48000 Hz)

 

Gracias al compañero Jaimolin por el archivo flac que ripeé a mp3 de máxima calidad.

 

 


Os Resentidos – Música Doméstica (1987)

[Resubida]

 

[Ciclo de Rock Ibérico]

 

osresentidos-musicadomesticaCuando se menciona el nombre de Os Resentidos a uno le vienen muchas ideas a la cabeza. Podemos hablar de expansionismo cultural, de modernidad con vocación costumbrista, de crítica social, de surrealismo inteligente o de absorción y fusión de múltiples estilos con la mirada en la cultura y el humor característicos del terruño, de la República de Sitio Distinto, como llamaron a Galicia a lo largo de su carrera. Lo cierto es que abrigaron con su calor La Movida de Vigo junto a bandas como Aerolíneas Federales, Golpes Bajos o Siniestro Total, y acercaron el rock gallego a todo el territorio nacional con “Galicia caníbal”, aunque para mucha gente siempre será “Fai un sol de carallo”, pero fueron mucho más que todo eso. La utilización del gallego, la irreverencia, una marginalidad poética y reivindicativa de sus raíces, y la fusión con vocación experimental -funky, rock, pop, folk, gaitas, sintetizadores- fueron sus señas de identidad. El grupo lo tiene claro, se define como “Os Resentidos de Vigo (gora Vigo Camasutra), una esquimal bus band de funkie depresivo. Nuestro trascendental concepto del funkie depresivo y del rock esquimal desborda obviamente la fugacidad del lenguaje y la opacidad traidora de la escritura (lapsus). Los motivos de nuestro resentimiento son amplios y confusos, puestos en situación normalmente, solemos declarar: una vez detectado el cáncer de mama galopante de la Santa Lucía de Miguel Ríos, llegó la hora (god save the mamas not the cancer)”.

Su líder y auténtico agitador cultural, Antón Reixa, es uno de los personajes más polifacéticos de nuestra escena. Poeta, cantante, director de cine, artista multimedia, columnista de prensa son algunas de sus principales ocupaciones, que no son pocas. Tras estudiar Filología Gallega en la Universidad de Santiago y ser uno de los fundadores de Comunicación Poética Rompente, colectivo con el que publicaría varios libros de poesía, en el 82 pone en marcha Os Resentidos, junto a Alberto Torrado -bajo-, Javier Soto -guitarra- y Rubén Losada -saxo-. Alberto compaginaba sus labores en el grupo con Siniestro Total, hasta que abandona definitivamente a Hernández y compañía en el 87. Javier por su parte, seguiría un camino inverso al de Alberto y abandonaría Os Resentidos en el 85 para enrolarse en Siniestro Total durante la gira del “Menos Mal que nos Queda Portugal” (DRO, 1984), siendo sustituido por Xavier Debesa.

En el 84 lanzan su primer trabajo, un maxi en 12” con aires post-punk compartido con Siniestro Total, “Surfin’ CCCP” (DRO, 1984), en el que cada grupo aporta dos cortes, y un año después sale a la venta su primer largo “Vigo Capital Lisboa” (GASA, 85). En él ya encontramos la esencia de lo que llegarían a ser, letras con un marcado humor en el que no se salva nada ni nadie -¿verdad, Paloma Gómez Borrero?-, la fusión de estilos como forma de vida y, por supuesto, las ganas de fiesta, de movida. Luego llegarían el rap, para poder decir más cosas en cada canción, y la conjunción perfecta entre sintetizadores y gaitas. La producción del disco no es la mejor, pero esto iría mejorando entrega tras entrega.

La mente hiperactiva de Antón Reixa continua trabajando a un ritmo frenético, y continúan entregándonos un largo por año. En el 86 sale “Fai un Sol de Carallo” (GASA, 1986), disco que contiene el gran hit de la formación, “Galicia Caníbal”, un éxito instantáneo que ha sobrevivido al grupo para traspasar las puertas de la cultura popular. El disco presenta una producción más cuidada y el sonido evoluciona considerablemente. Las programaciones están salpicadas de gaitas y Antón Reixa está más suelto que nunca.

«Música Doméstica» (GASA, 1987), tercer lp de los gallegos, baja el nivel de sus antecesores. Las composiciones de Antón Reixa no son tan brillantes y los arreglos se vuelven más previsibles y monótonos, encontramos aires rythm and blues, funky depresivo, cumbia, ritmos disco y sintetizadores, fusión de estilos marca de la casa que en esta ocasión se queda a medias.

osresentidos-musicadomestica-2Las orquestaciones inundan “Bamboleo (manada dance)”, corte inicial que pone de manifiesto que la cosa decae, lo que se confirma definitivamente en “Contrarios”, musicalmente se mantienen las orquestaciones, el saxo ocupa los primeros planos, mientras que a nivel compositivo algún destello como “a primeira comunión faise vestido de árbitro” o “a auga da cisterna tamén e da traída” pero muy poco para lo que nos tenían acostumbrados. Los ritmos latinos aparecen en “Cumbia china”, homenaje resentido en clave de cumbia a la miseria preservativa y a los barrios chinos de las grandes ciudades. “Zoo lóxico” no logra subir el listón y uno empieza a impacientarse, hasta que “Pandeirada mixta” con el folklore en una mano y una pandereta en la otra, trae de nuevo esa conjunción de tradición y modernidad, de humor y sátira, en la que siempre se movieron como pez en el agua.

En “Vigo 92” asumen con resignación que su ciudad no acogerá los juegos olímpicos y, entre ritmos disco con aires de fiebre de sábado noche, visualizan una olimpíada apocalíptica en la que el mamoneo por relevos, el jockey con pies descalzos y la esgrima con paraguas viejos están a la orden del día. Unas olimpiadas en las que la única final posible es el alcoholismo y en la que lo importante no es participar, sino sobrevivir.

El rythm and blues llega con “Un blues de cando non había tren” y los aires tribales con “¿De qué cor é a pel do maligno?”.“Etcétera” es un alivio fluorescente, la pasión desenfrenada en clave resentida -coros sensuales, lencería de safari y fauna de quita y pon- y es que “cando ti comes bombillas / estoy a anos luz de ti… apaga a luz / que me gusta a media luz”. Cierra “Sex o´clock”, un viaje intercultural sin reloj por el mundo del sexo en el que James Brown tiene su momento de gloria. Es la hora del sexo y vivo sin vivir en mí.

“Música Doméstica” es un disco irregular que nos depara algún que otro buen momento como “Pandeirada mixta”, “Vigo 92” o “Etcétera” pero que en líneas generales supone un paso atrás dentro de su trayectoria.

 

Fuente: Fernando Fernández Rego en LaFonoteca.net / Zonde
 

 

 

OsResentidos-VigoCapitalLisboa-3Lista de canciones:

  1. «Bamboleo (Manada Dance)» – 4:23
  2. «Contrarios» – 3:19
  3. «Cumbia China» – 3:25
  4. «Zoo Lóxico» – 2:40
  5. «Pandeirada Mixta» – 4:25
  6. «Vigo ’92» – 4:02
  7. «Un Blues de Cando Non Habia Tren» – 4:22
  8. «¿De Qué Cor É a Pel do Maligno?» – 2:41
  9. «Etcetera» – 3:53
  10. «Sex O’Clock» – 4:40

Calidad: VBR 128-192 Kbps

 

 

 

Gracias al blog Sangrespañola por este archivo.

 

 

 

 


Os Resentidos – Vigo Capital Lisboa (1984)

[Resubida]

 

[Ciclo de Rock Ibérico]

 

OsResentidos-VigoCapitalLisboaTras la conexión soviética de su primer EP compartido con Siniestro Total, “Surfin’ CCCP” (DRO, 1984), los círculos del poder se amplían con el contacto portugués y la idea de establecer un nuevo eje Vigo-Lisboa-Moscú cobra forma -aunque Portugal siga mirando hacia la pérfida Albión-. «Vigo Capital Lisboa», primer larga duración de Os Resentidos, se graba precisamente en el país hermano/vecino, concretamente en los Estúdios Radio Triunfo de Lisboa, con Sérgio Castro como técnico y bajo la producción de Paco Trinidad (rebautizado F. Trindade en los créditos), y es editado por Grabaciones Accidentales en 1984. El título y el gallo de la portada nos ponen sobre aviso, pero la composición de la contraportada en la que la bandera portuguesa es atravesada por el río Miño no deja lugar a dudas.

Pero que esto no nos despiste, en cuanto comienza la música la política queda a un lado y el delirio acapara todo el protagonismo. Su obsesión por la cultura esquimal se pone de manifiesto en el corte que abre el disco “Rock esquimal”, rock experimental salpicado de iglús, balalaikas y esquimales en posición fetal. De hecho Antón Reixa viajaría a Groenlandia en el 99, lo que le sirvió para verificar el hecho de que hay gallegos en todas partes, ya que se encontró con uno que llegó a bordo de un trasatlántico para turistas en el que tocaba la trompeta en la orquesta del barco y se quedó allí a vivir tras enamorarse de una lugareña.

OsResentidos-VigoCapitalLisboa-2“Dálle beibe dálle” trae la mala hostia, y nunca mejor dicho: “dalle beibe dalle / dunha hostia dunha vez” reza el estribillo entre ritmos repetitivos marcados por punteos de guitarra efectivos, un bajo juguetón y unos coros espaciales. Siniestro Total haría una versión del corte en su disco “Cultura Popular” (Virgin, 1997). “Paloma pómez bolero” es un delirio sexual marca de la casa, dedicado a la corresponsal de TVE en el Vaticano, Paloma Gómez Borrero, lo mejor, el final con un trasnochado “no ahora con las nuevas pastillas ya voy mejor”. El medio tiempo “Que fas Fassbinder” trae aires experimentales, generando una atmósfera enrarecida cargada de efectos siniestros y una letra próxima al surrealismo: “Que fas Fassbinder / que fas / canta este mambo subtitulado / que fas Fassbinder / que fas / sesión das cinco / cine de barrio”.

Tras la conexión gallego-africana de “Abdul”, vuelve el delirio con “Succión” (“mira cariño somos de esa clase de imbéciles que… chupa aquí mama na casa”) e “In the guetto”, con una declaración inicial de principios que capta toda nuestra atención entre un bajo hipnótico y una maraña de efectos: “quero mamarme ata caer / pero poder chejar deica o berbés / onde os mariñeiros cantan in the guetto de Elvis Presley”.

Cierra “Sexo macumba”, una de las grandes canciones del disco, altas cotas de surrealismo galaico: “Sexo macumba / dalle que non mira / baila está rumba / baila esta rumba conmigo / totus tuus / aí que voto útil”, y programaciones electrónicas inquietantes.

 

Fuente: Fernando Fernández Rego en LaFonoteca.net / Zonde
 

 

 

OsResentidos-VigoCapitalLisboa-3Lista de canciones:

  1. «Rock Esquimal» – 2:37
  2. «Dalle Beibe, Dalle» – 2:33
  3. «Paloma Pómez Bolero» – 3:37
  4. «Jet Society» – 2:23
  5. «Ma qui Cosa Dice» – 2:20
  6. «Alcohólica» – 2:24
  7. «Qué Fas Fassbinder» – 3:38
  8. «Abdul» – 4:00
  9. «Succión» – 2:42
  10. «Ponte Palúcida» – 2:34
  11. «In the Ghetto» – 3:15
  12. «Minusválida» – 2:39
  13. «Cazar un Ñu» – 2:42
  14. «Sexo Macumba» – 2:41

Calidad: 160 Kbps

 

 

 

Gracias al blog Sangrespañola por este archivo.

 

 

 


Simon and Garfunkel – Greatest Hits (1972-Reed.1986)

[Resubida]

 

[Otras Músicas]

 

Simon&Garfunkel-GreatestHitsSimon and Garfunkel fue un dúo de folk rock compuesto por Paul Simon y Arthur “Art” Garfunkel. Simon y Garfunkel fueron unos artistas muy populares en la década de los 60. Algunas de sus canciones más conocidas son “The Sound of Silence” (“El sonido del silencio”), “Mrs. Robinson” (“Señora Robinson”) y “Bridge Over Troubled Water” (“Puente sobre aguas turbulentas”). Además, han recibido varios Grammys y se incluyen en el Rock and Roll Hall of Fame.

Paul Simon y Art Garfunkel crecieron en el barrio de Queens en Nueva York. Fueron compañeros de clase en el instituto de Forest Hills, de Nueva York, y sellaron su amistad durante la infancia. En 1955 Simon compuso algunos temas, incluido “Hey, Schoolgirl” (el primer tema del dúo), y le propuso a Garfunkel formar un dúo con tan solo 16 años, juntos comenzaron con el nombre de Tom y Jerry (como los dibujos animados). Simon y Garfunkel han reconocido haber tomado influencias del grupo The Everly Brothers.

En el año 1963, el dúo se dio a conocer con sus propios nombres “Simon y Garfunkel”, actuando en varios clubes de música folk, como el Gerde´s Folk City Club, que fue testigo de muchas de sus actuaciones, y fueron invitados al festival de música folk de Nueva York, actuando con músicos de la categoría de Bob Dylan, además de tocar junto con el grupo The Everly Brothers. Su primer disco, “Wednesday Morning, 3 A.M.”, fue grabado en los estudios CBS Records de Nueva York y editado con la discográfica Columbia Records en octubre de 1964, pero comercialmente resultó ser un fracaso absoluto.

En 1965 el grupo vuelve a grabar 10 canciones del estilo de “The Sound of Silence”, que había obtenido cierto éxito en las radio-fórmulas. Las letras de Simon, en la mayoría de sus canciones, siempre han tenido un tono profundo y pintoresco. El 17 de enero de 1966, el dúo publica su nuevo álbum “Sounds of Silence”, producido por CBS Records. El álbum llegó al puesto 21 en las listas de éxitos. También, en ese mismo año, se reeditó el álbum “Wednesday Morning, 3 A.M.”, alcanzando el puesto 30. Algunos temas del disco en solitario “The Paul Simon Song Book” se regrabaron con equipos electrónicos y se incluyeron en el álbum “Sounds of Silence”, como por ejemplo el single “I Am A Rock”, que logró alcanzar el tercer puesto en las listas estadounidenses en el verano de 1966.

El 10 de octubre de 1966 publican el álbum “Parsley, Sage, Rosemary and Thyme”, en el que también incluyeron algunos temas de “The Paul Simon Song Book”. En 1967, el dúo gozaba de gran popularidad y habían conseguido vender varios millones de discos. Aquel mismo año, Simon y Garfunkel contribuyeron activamente a realizar la banda sonora de la película dirigida por Mike Nichols, “El Graduado”, que se publicó el 21 de enero de 1968, y que contenía un par de canciones antiguas del dúo. La canción más famosa del disco fue “Mrs. Robinson”, que se alzó hasta el primer puesto como sencillo.

En 1968 editan “Bookends”. El álbum contenía una nueva versión regrabada del tema “Mrs. Robinson”, y la canción “America”, aunque el principal atractivo de este disco reside en su especial atención a los ancianos, ya que para este disco, Garfunkel pasó varias semanas en varios asilos con ancianos. El éxito de este álbum hizo que el dúo contara, en aquellos momentos, con dos discos en las primeras posiciones de la lista de la revista Billboard. En marzo de 1969 se celebraron los premios Grammy, y “Mrs. Robinson” fue galardonada como la mejor grabación del año y Simon recibió el premio a la mejor banda sonora original para una película.

En 1969 el dúo era realmente muy popular y conocido. A pesar del éxito obtenido, Garfunkel no se sentía demasiado cómodo, ya que Simon se encargaba totalmente de la composición de los temas, y decidió mostrar sus dotes interpretativas en una carrera cinematográfica. La relación personal entre ambos artistas continuó empeorando. En la gira de 1969, Paul se quejaba de la poca dedicación de Art al dúo. Actuaron en Carbondale (Illinois) el 8 de noviembre y en la Universidad de Miami de Oxford, Ohio el 11 de noviembre, donde estrenaron algunas de sus nuevas canciones, incluidas “Bridge Over Troubled Water” y “The Boxer”, llegando esta última hasta el puesto 7 en las listas.

El 26 de enero de 1970 publican “Bridge Over Troubled Water”. El disco fue uno de los más vendidos de la década (vendiendo alrededor de 12 millones de copias) y tuvo una gran repercusión. Alcanzó el primer lugar en las listas de música y se mantuvo allí durante diez semanas. En marzo de 1971 se celebraron los premios Grammy y tanto el álbum como el sencillo del mismo nombre ganaron el galardón al mejor álbum y mejor single del año respectivamente, además de ganar también el premio a la mejor canción contemporánea y la mejor canción del año.

Inician así una gira que les llevó por Europa, finalizando el 18 de julio de 1970 en el barrio de Forest Hills, el barrio que les vio crecer. Después de esta gira, el dúo se separó definitivamente, y ambos artistas continuaron sus carreras musicales por caminos diferentes.

Simon&Garfunkel-GreatestHits-2«Simon and Garfunkel’s Greatest Hits» es el primer álbum recopilatorio de Simon & Garfunkel, editado en junio de 1972 (dos años después de la separación del dúo) por Columbia Records y producido por Roy Halee y el propio grupo. El disco incluye una selección de éxitos de sus discos originales de estudio y cuatro grabaciones en directo no editadas previamente.

“Simon and Garfunkel’s Greatest Hits” alcanzó el puesto nº 5 en Estados Unidos de Norteamérica y el nº 2 en Reino Unido, vendiéndose muy bien a lo largo del tiempo y siendo certificado con 14 discos de platino en EUNA, 5 en Canadá, 4 en Suiza, 2 en Reino Unido y Alemania, y 1 disco de diamante en Francia. El álbum mantiene el record en EUNA del disco más vendido por un dúo. En 2003, el álbum fue posicionado en el 293 de la lista de la revista Rolling Stone Los 500 Mejores Álbumes de Todos los Tiempos. En 1986 fue reeditado por primera vez en formato CD por CBS Records; este archivo corresponde a esta reedición.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas compuestos por Paul Simon, excepto 7: Tradicional y 12: Daniel Alomía Robles)

  1.   «Mrs. Robinson» (versión temprana) – 3:55
  2.   «For Emily, Whenever I May Find Her» (live) – 2:25
  3.   «The Boxer» – 5:10
  4.   «The 59th Street Bridge Song (Feelin’ Groovy)» (live) – 1:50
  5.   «The Sound of Silence» (versión acústica con doblajes eléctricos) – 3:05
  6.   «I Am a Rock» – 2:50
  7.   «Scarborough Fair/Canticle» – 3:08
  8.   «Homeward Bound» (live) – 2:40
  9.   «Bridge Over Troubled Water» – 4:55
  10.   «America» – 3:35
  11.   «Kathy’s Song» (live) – 3:25
  12.   «El Condor Pasa (If I Could)» – 3:06
  13. «Bookends» – 1:20
  14. «Cecilia» – 2:50

Calidad: FLAC

 

 

 

 


Bonnie Tyler – Total Eclipse Anthology (2002)

[Resubida]

 

[Otras Músicas]

 

BonnieTyler-AnthologyGaynor Hopkins (nacida el 8 de junio de 1951 en Sweken, Neath, Gales) mejor conocida por su nombre artístico Bonnie Tyler, es una cantante galesa, compositora, empresaria y filántropa activa. Dueña de una voz muy característica, como ronca o cascada.
 
Comenzando como cantante local en Swansea, Tyler saltó a la fama con el lanzamiento de su álbum de 1977 “The World Starts Tonight” y sus sencillos “Lost in France” y “More Than a Lover”. Su canción “It’s a Heartache” fue un éxito a ambos lados del Atlántico, alcanzando el número uno en varios países europeos y rompiendo las listas de éxitos estadounidenses. Después de ganar el 10º Festival Mundial de la Canción Popular en 1979 con “Sitting on the Edge of the Ocean”, su carrera alcanzó su punto máximo en la década de 1980 con su colaboración con Jim Steinman, lanzando éxitos internacionales como “Total Eclipse of the Heart”, “Holding Out ​​for a Hero”, “If You Were a Woman (And I Was a Man)”, “Here She Comes” y “Loving You’s a Dirty Job (but Somebody’s Gotta Do It)”.
 

La discografía de la cantante galesa Bonnie Tyler consta de 16 álbumes de estudio, 2 álbumes en vivo, 4 EPs, 83 sencillos y un número incompleto pero grande de recopilatorios. El primer sencillo de Tyler fue en lanzado en 1976 después de firmar con RCA Records. “My My! Honeycomb” nunca fue lanzado en un CD hasta su compilación en 2002 en el álbum recopilatorio “Total Eclipse Anthology”.

BonnieTyler-Anthology-2«Total Eclipse Anthology» es un álbum recopilatorio de Bonnie Tyler, editado por Sanctuary Records en febrero de 2002. Los dos discos que lo componen ofrecen material que Tyler editó en todos sus sellos previos hasta su firma con las grandes multinacionales RCA, CBS, Hansa Records and EastWest, con temas incluidos en sus primeros 10 álbumes, ordenados por orden cronológico.

Así como incluye sus grandes éxitos mundiales (incluso la versión corta para radio de “Total Eclipse Of The Heart”), duetos con Todd Rundgren, Fábio Jr. y Frankie Miller, el recopilatorio agrega canciones de su etapa en Hansa Records que no habían sido editadas previamente en el Reino Unido. Otras rarezas son “Say Goodbye”, de la banda sonora de “Asterix Conquista América”, y “Limelight”, una versión del tema de Alan Parsons Project. El primer sencillo de Tyler de 1976, “My! My! Honeycomb”, también hace su debut en formato CD con esta compilación.

 

Fuente: Wikipedia (en inglés) / Zonde

 

CD 1:

  1. «My! My! Honeycomb»
  2. «Lost in France»
  3. «Baby, I Remember You»
  4. «The World Starts Tonight»
  5. «Here’s Monday»
  6. «More Than a Lover»
  7. «It’s a Heartache»
  8. «Hey Love (It’s a Feelin’)»
  9. «Blame Me»
  10. «Here Am I»
  11. «If You Ever Need Me Again»
  12. «My Guns Are Loaded»
  13. «Goodbye to the Island»
  14. «We Danced on the Ceiling»
  15. «Sitting on the Edge of the Ocean»
  16. «Married Men»
  17. «Hide Your Heart»
  18. «Notes from America»
  19. «Ravishing»
  20. «Streets of Little Italy»

CD 2:

  1. «Total Eclipse of the Heart»
  2. «Faster than the Speed of Night»
  3. «Have You Ever Seen the Rain?»
  4. «Loving You Is a Dirty Job (But Somebody’s Gotta Do It)»
  5. «Holding Out for a Hero»
  6. «Bitterblue»
  7. «You Won’t See Me Cry»
  8. «Angel Heart»
  9. «Save Your Love»
  10. «Silhouette in Red»
  11. «Stay»
  12. «I Can’t Leave Your Love Alone»
  13. «Whenever You Need Me»
  14. «Limelight»
  15. «Islands»
  16. «Sem Limited pra Sonhar»
  17. «Say Goodbye»

Calidad: 320 Kbps

 

 

 


Os Resentidos – Vigo 92 [Sg] (1987)

 

[Ciclo de Rock Ibérico]

 

OsResentidos-Vigo92Podemos hablar de expansionismo cultural, de modernidad con vocación costumbrista, de crítica social, de surrealismo inteligente o de absorción y fusión de múltiples estilos con la mirada en la cultura y el humor característicos del terruño, de la República de Sitio Distinto, como llamaron a Galicia a lo largo de su carrera. Lo cierto es que Os Resentidos abrigaron con su calor La Movida de Vigo junto a bandas como Aerolíneas Federales, Golpes Bajos o Siniestro Total. La utilización del gallego, la irreverencia, una marginalidad poética y reivindicativa de sus raíces, y la fusión con vocación experimental -funky, rock, pop, folk, gaitas, sintetizadores- fueron sus señas de identidad.

El grupo lo tiene claro, se define como “Os Resentidos de Vigo (gora Vigo Camasutra), una esquimal bus band de funkie depresivo. Nuestro trascendental concepto del funkie depresivo y del rock esquimal desborda obviamente la fugacidad del lenguaje y la opacidad traidora de la escritura (lapsus). Los motivos de nuestro resentimiento son amplios y confusos, puestos en situación normalmente, solemos declarar: una vez detectado el cáncer de mama galopante de la Santa Lucía de Miguel Ríos, llegó la hora (god save the mamas not the cancer)”.

OsResentidos-Vigo92-2Tras sus primeros trabajos publicados: el maxi compartido con Siniestro Total “Surfin’ CCCP” (DRO, 1984), su primer largo “Vigo Capital Lisboa” (GASA, 1985) y su segundo “Fai un Sol de Carallo” (GASA, 1986); editan “Música Doméstica” (GASA, 1987), de donde se extrae el sencillo «Vigo 92», grabado con Eugenio Muñoz a los controles y producción de Paco Trinidad, y editado por Grabaciones Accidentales con distribución de DRO.

En “Vigo 92” asumen con resignación que su ciudad no acogerá los juegos olímpicos y, entre ritmos disco con aires de fiebre de sábado noche, visualizan una olimpíada apocalíptica en la que el mamoneo por relevos, el jockey con pies descalzos y la esgrima con paraguas viejos están a la orden del día. Unas olimpiadas en las que la única final posible es el alcoholismo y en la que lo importante no es participar, sino sobrevivir.

 

Fuente: Fernando Fernández Rego en LaFonoteca.net / Zonde
 

 

 

Lista de canciones:

 

  1. «Vigo 92» – 4:00
  2. «Lourdes – Fatima» – 4:12

Calidad: 192 Kbps

 

Gracias a Surfinbicho en el blog DerribosBajoelAgua por este archivo, aunque su bitrate real es de 192 kbps y no 320, ya que son mp3 engordados.

 

 


Bob Dylan – Desire (1976-Reed.2003)

[Resubida]

 

[Otras Músicas]

 

 

BobDylan-Desire

Bob Dylan, nacido como Robert Allen Zimmerman, es un músico, cantante y poeta estadounidense, considerado ampliamente como una de las figuras más prolíficas e influyentes de su generación en la música popular del siglo XX y de comienzos del siglo XXI. Gran parte de su trabajo más célebre data de la década de 1960, en la que se dio a conocer como cantautor folk con composiciones como “Blowin’ in the Wind” y “A Hard Rain’s a-Gonna Fall” con un importante contenido de protesta social. Tras dejar atrás la música folk, Dylan modificó la música popular en 1965 con el álbum “Highway 61 Revisited”, uno de los trabajos musicales más influyentes del siglo XX, en el que combinó la música rock con composiciones complejas y literarias influidas por imaginería surrealista. Su primer sencillo, “Like a Rolling Stone”, fue elegido como la mejor canción de todos los tiempos por la revista Rolling Stone y alcanzó el segundo puesto en la lista estadounidense Billboard Hot 100.

A lo largo de la década de 1970, después de sufrir un accidente de motocicleta en 1966 y no salir de gira durante ocho años, obtuvo un mayor éxito comercial con discos como “Planet Waves”, “Blood on the Tracks” y “Desire”, números uno en su país natal. A finales de la década, abrió una nueva etapa musical con su conversión al cristianismo y la publicación de “Slow Train Coming”, con una profunda temática religiosa. La carrera musical de Dylan resurgió a finales de la década de 1980 con el lanzamiento de “Oh Mercy”, calificado por la prensa como el «regreso a la formalidad musical», y con la formación de The Traveling Wilburys con George Harrison, Roy Orbison, Tom Petty y Jeff Lynne.

Las letras de Dylan incorporan una variedad de temas sociales, políticos, filosóficos y literarios que desafiaron la música pop convencional existente y apelaron generalmente a la contracultura emergente en la época. Influido por Woody Guthrie, Robert Johnson y Hank Williams, Dylan amplió y personalizó géneros musicales a lo largo de cinco décadas de carrera musical, en las que exploró la tradición musical estadounidense con el folk, el blues, el country, el gospel, el rock and roll y el rockabilly, así como la música folk inglesa, escocesa e irlandesa, pasando por el jazz y el swing.

BobDylan-Desire-2A lo largo de su carrera, Dylan ha sido reconocido y honrado por sus composiciones, interpretaciones y grabaciones. Sus discos le han valido varios Grammys, Globos de Oro y premios de la Academia, y su nombre se halla en el Salón de la Fama del Rock and Roll, el Salón de la Fama de Compositores de Nashville y el Salón de la Fama de los Compositores. En enero de 1990, fue investido Caballero de la Orden de las Artes y las Letras por el Ministro de Cultura de Francia Jack Lang. En 1999, fue incluido en la lista de las cien personas más influyentes del siglo XX elaborada por la revista Time. En el año 2000, ganó el Premio de Música Polar de la Real Academia Sueca de Música, y en 2004 alcanzó el segundo puesto en la lista de los cien mejores artistas de todos los tiempos elaborada por la revista Rolling Stone, después de The Beatles. El 13 de junio de 2007 fue premiado con el Premio Príncipe de Asturias de las Artes, y un año después recibió un reconocimiento honorario del Premio Pulitzer por su «profundo impacto en la música popular y en la cultura americana, marcado por sus composiciones líricas de extraordinario poder poético». En este contexto, desde 1996 diversos autores y académicos han nominado a Dylan para la candidatura del Premio Nobel de Literatura.

«Desire» es el decimoséptimo álbum de estudio del músico estadounidense Bob Dylan, grabado entre julio y octubre de 1975 en los Studio E y los Columbia Recording Studios de Nueva York y editado por la compañía discográfica Columbia Records en enero de 1976, con producción de Don DeVito. Fue uno de los mayores esfuerzos colaborativos de Dylan, que incluyó el mismo personal que participó en su gira Rolling Thunder Revue un año antes y posteriormente documentada en The Bootleg Series, Vol. 5. Varias de las canciones, la mayoría coescritas con Jacques Levy, incluyeron también la colaboración de las coristas Emmylou Harris y Ronee Blakley, y dos de ellas generaron cierta controversia: “Joey”, vista como una alegoría del gángster “Crazy Joey” Gallo, y “Hurricane”, tema que narra la acusación de homicidio contra el boxeador Rubin Carter, a quien Dylan defiende. Los sencillos editados fueron “Hurricane” y “Mozambique”.

BobDylan-Desire-3Como sucesor de “Blood on the Tracks”, “Desire” fue bien recibido por la prensa musical (el periodista David Marsh lo definió como «uno de los dos mejores discos que Dylan ha hecho desde John Wesley Harding» y le otorgó cuatro sobre un total de cinco estrellas en el libro “The Rolling Stone Record Guide”) y estuvo en el primer puesto en la lista estadounidense Billboard 200 durante cinco semanas, convirtiéndose en uno de los álbumes con mayores ventas en la carrera musical de Dylan, así como alcanzó el nº 1 de ventas en Australia y Holanda. En el Reino Unido el álbum llegó al puesto tres de la lista de discos más vendidos, la mejor posición para un trabajo de Dylan desde el lanzamiento de “New Morning” en 1970. Fue también certificado como doble disco de platino por la RIAA, al superar los dos millones de copias vendidas en Estados Unidos de Norteamérica, y la certificación de disco de oro en Reino Unido, y obtuvo el primer puesto en la lista de álbumes del año elaborada por la revista NME. Además, Rolling Stone situó a “Desire” en el puesto 174 de la lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas escritos y compuestos por Bob Dylan y Jacques Levy, excepto 4 y 9: Dylan)
 

  1.  «Hurricane» – 8:33
  2.  «Isis» – 6:58
  3. «Mozambique» – 3:00
  4. «One More Cup of Coffee (Valley Below)» – 3:43
  5. «Oh, Sister» – 4:05
  6.  «Joey» – 11:05
  7. «Romance in Durango» – 5:50
  8. «Black Diamond Bay» – 7:30
  9. «Sara» – 5:29

Calidad: FLAC

 

 

 


Jethro Tull – Aqualung (1971-Reed.2003)

[Resubida]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

JethroTull-AqualungJethro Tull fue una banda de rock progresivo británica oriunda de Blackpool (Inglaterra), que comenzó a finales de 1967 y que trabajó de forma ininterrumpida hasta el año 2011, siendo uno de los grupos de rock más longevos. Desde sus inicios, este grupo ha vendido más de 60 millones de copias de sus más de 30 álbumes, siendo uno de los grupos con mayores ventas de la historia del rock.

Siempre ha sido liderado por el cantante y flautista escocés Ian Anderson, que es el autor de prácticamente todas las canciones del grupo, y de hecho el grupo se comporta como el apoyo de este músico, dado que es el único que ha estado en toda la historia de la banda desde el primer disco, y solo el guitarrista Martin Barre se le acerca, estando desde el segundo.

La banda logró mucha popularidad en la primera mitad de los años setenta con álbumes emblemáticos en la historia del rock como “Aqualung” y “Thick as a Brick”, y con el tiempo llegó a convertirse en un grupo de culto. Jethro Tull fue la primera banda en recibir un premio en los años 70 por vender más entradas en el Madison Square Garden (Nueva York) que ningún otro grupo, generalmente teniendo que añadir un cuarto show en sus visitas dada la altísima demanda.

Su música, encuadrada en el rock progresivo, constituye una mezcla muy original de blues, folk inglés y hard rock, con pinceladas de música barroca, música medieval inglesa e incluso renacentista. El grupo desarrolla además una vertiente dedicada a originales canciones acústicas de difícil clasificación. En su sonido, destaca de forma particular la flauta de Ian Anderson, tocada de una forma magistral, que ha sido y sigue constituyendo una de las inconfundibles características de la banda, así como el sonido desgarrado de la guitarra eléctrica de Martin Barre, finamente entrelazado con el de la flauta de Anderson.

Aqualung2Durante algunos años, el grupo incluyó dos teclistas conjuntamente, con lo que obtuvo un sonido de particular colorido: John Evan y David Palmer. Este último realizaba además los arreglos orquestales. La formación también ha utilizado una gran variedad de instrumentos, barrocamente combinados, en su mayoría tocados por el propio Ian Anderson, como el laúd, la mandolina, la balalaica, el saxofón, la armónica, la gaita, el acordeón y diversas clases de flautas.

Su nombre proviene de un personaje real, Jethro Tull, agrónomo e inventor agrícola inglés que vivió en el siglo XVIII y que diseñó la primera máquina agrícola, denominada sembradera.

La obra más universal de Jethro Tull, «Aqualung», cuarto álbum de estudio de la banda editado por Chrysalis Records en marzo de 1971, con producción de Ian Anderson y Terry Ellis, está considerado un disco conceptual cuyo tema central es «la distinción entre la religión y Dios», separado en dos grandes bloques, uno en cada cara del LP, titulados “Aqualung” y “My God”. El álbum, grabado en los estudios Island Records de Londres entre diciembre de 1970 y febrero de 1971, supuso el debut de John Evan como miembro oficial y del bajista Jeffrey Hammond, y fue el último con el batería Clive Bunker. “Aqualung” es uno de los dos discos de Jethro Tull que fue publicado con sonido cuadrofónico; el otro es “War Child” de 1974. “Aqualung” cuenta con más temas acústicos que sus anteriores trabajos y está inspirado por fotografías de vagabundos realizadas por la esposa del líder del grupo Ian Anderson, Jennie. Además, abarca temas como la religión o experiencias personales del propio Anderson.

Este álbum es una combinación de hard rock (en los temas que tratan sobre la marginación o la religión oficial), y acústicas y poéticas canciones —como el tema “Wond’ring Aloud” — sobre lo insulso de la vida diaria. Las letras de Anderson expresaban en el álbum opiniones críticas sobre la religión y la sociedad. El personaje principal de “Aqualung” es un mendigo alcohólico, sin techo y, para más inri, pedófilo; mientras que “Cross-Eyed Mary” (María la Bizca) es una prostituta menor de edad. “My God” (impresionante en su solo de flauta) es un ataque directo a la Iglesia de Inglaterra. En la cubierta, la polémica frase “En el comienzo, el hombre creó a Dios, y le dio poder sobre todas las cosas”, está inspirada en la filosofía de Feuerbach.

Aqualung3La portada del álbum, realizada por Burton Silverman, muestra un retrato en acuarela de un hombre con barba, cabello largo y con la ropa raída. La idea provino de una fotografía que la esposa de Ian Anderson tomó de un vagabundo a orillas del Támesis; posteriormente, el vocalista destacó que habría sido mejor haber utilizado la foto en lugar de encargar la pintura. Anderson recordó posar para una instantánea para el cuadro, aunque Silverman afirmó que era un autorretrato. El artista autorizó su uso únicamente para la portada, no para su uso en el merchandising, por lo que se enemistó con Anderson por exigir remuneración por ello.

“Aqualung” es amado y odiado por igual, aunque la canción titular y “Locomotive Breath” se escuchan frecuentemente en las emisoras de radio de rock clásico. El éxito del disco marcó un punto de inflexión en la carrera del grupo, que consiguió difusión en la radio y realizó giras notorias. Desde el punto de vista comercial, Aqualung obtuvo buenos resultados en las listas. En el UK Albums Chart, alcanzó la cuarta posición y, en EUNA, llegó al séptimo puesto del conteo Billboard 200. También se situó entre los cinco álbumes más vendidos en países como Alemania, Australia, Canadá, Italia y Noruega. El álbum consiguió tres discos de platino de la RIAA, que certifican la venta de tres millones de copias en Estados Unidos de Norteamérica y según el propio Anderson, las ventas mundiales de “Aqualung” superan los siete millones, lo que lo convierte en el trabajo más exitoso de Jethro Tull.

El álbum recibió buenas reseñas por parte de los críticos musicales. Ben Gerson de Rolling Stone alabó su “buena musicalidad” y lo calificó como “serio e inteligente”. Bruce Eder, de Allmusic, le otorgó cuatro puntos y medio de cinco, lo calificó como “una declaración audaz” y añadió que es “uno de los álbumes más cerebrales escuchado por millones de personas”. Por su parte, Sean Murphy de PopMatters le concedió una puntuación de diez sobre diez y comentó que Aqualung “es la piedra angular del por aquel entonces naciente rock progresivo, pero que lo hizo —y hace— enteramente desde los términos propios de un gran álbum de rock”. Diego Manrique del diario El País señaló que “marca la maduración de Ian Anderson como creador ambicioso. Musicalmente, llama la atención su yuxtaposición de riffs roqueros y melodías folk”. Ante su cuadragésimo aniversario, Nancy Dunham, de Ultimate Classic Rock, comentó que “sólo por la risita que Anderson suelta después de cantar “Eyeing little girls with bad intent” —en castellano: “Echándoles el ojo a las niñas con mala intención”— en “Aqualung”, merece la pena el precio del álbum”. Steve Harris, bajista y fundador de Iron Maiden, lo calificó como un “álbum clásico” y aprobó “su fantástica interpretación, sus geniales canciones y su actitud”.

Aqualung4En España, “Aqualung” fue prohibido por la censura franquista (así como, posteriormente, “Thick as a Brick” o “Minstrel in the Gallery”) y salió a la venta recién en 1975, sin el tema “Locomotive Breath”, que fue reemplazado por “Glory Row”. Sin embargo, “Locomotive Breath” ya había sido puesto a la venta tres años antes como parte del recopilatorio “Living in the Past”.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas compuestos por Ian Anderson, excepto «Aqualung», compuesto por Ian y Jennie Anderson)

  1. «Aqualung» – 6:35
  2. «Cross-Eyed Mary» – 4:09
  3. «Cheap Day Return» – 1:23
  4. «Mother Goose» – 3:53
  5. «Wond’ring Aloud» – 1:55
  6. «Up to Me» – 3:15
  7. «My God» – 7:12
  8. «Hymn 43» – 3:19
  9. «Slipstream» – 1:13
  10. «Locomotive Breath» – 4:26
  11. «Wind-Up» – 6:04

Calidad: FLAC

 

 

 

 


America – America (1971)

[Resubida]

 

[Otras Músicas]

 

America-AmericaAmerica es un banda de folk rock y soft rock estadounidense, formado en Londres en 1970, cuyos componentes originarios fueron Gerry Beckley, Dewey Bunnell y Dan Peek. La banda tuvo gran popularidad entre los comienzos de 1970 hasta los inicios de los 80. Sus canciones más conocidas han sido: “A Horse with No Name”, “Sister Golden Hair”, “Ventura Highway”, “Tin Man”, “I Need You” o “You Can Do Magic”, entre otras. Siete de sus álbumes fueron producidos por George Martin, el famoso productor de los Beatles. Su música se aposentaba en lustradas composiciones de corte acústico con un esmerado trabajo en las armonías vocales.
 
Hijos de padres estadounidenses y madres británicas (sus padres pertenecían al personal militar de la base aérea norteamericana de RAF South Ruislip, Londres), los tres asistieron al Londres Central High School en Bushey Hall a mediados de la década de 1960. Beckley y Peek en realidad habían nacido y crecido en EUNA antes de mudarse a Inglaterra, mientras que Bunnell nació en Londres.
 

Finalmente, el trío se autodenominó America, elegido porque no querían que nadie pensase que eran músicos británicos intentando sonar como norteamericanos. Tocaron sus primeros conciertos en el área de London, incluyendo algunos destacados en el Roundhouse de Chalk Farm, donde Pink Floyd actuó al principio de su carrera. Gracias a sus esfuerzos, fueron contratados por Kinney Records (Reino Unido) en marzo de 1971 y asignados al sello Warner Brothers UK.

America-2Su primer álbum fue grabado en los Trident Studios de Londres y producido por Ian Samwell, más conocido por ser el guitarrista principal de Cliff Richard, así como el escritor del hit de Richard “Move It”, en 1958. Aunque el trío inicialmente planeó grabar el álbum de una manera similar a la de los Beatles en “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band”, Samwell les convenció para perfeccionar su estilo acústico en su lugar.

El disco de debut de la banda, «America», fue editado en diciembre de 1971 por Warner Bros. Records. Tanto el álbum como el primer single, “Horse with no name”, fueron nº 1 en Estados Unidos de Norteamérica, permaneciendo el álbum en esa posición durante cinco semanas. El segundo single, “I Need You”, ocupó el puesto 9 del Billboard. Además, figuran otros clásicos de la banda como “Sandman” (largamente rumoreado en la Marina estadounidense que trataba acerca del escuadrón aéreo VQ-2 con sede en la base de Rota, Cádiz) o “Riverside”. Como músicos de sesión figuran Ray Cooper y David Lindley, entre otros.

El álbum fue certificado disco de platino por la RIAA norteamericana por ventas superiores a un millón de unidades en EUNA.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas de Dewey Bunnell, excepto indicados)

  1. «Riverside» – 3:03
  2. «Sandman» – 5:08
  3. «Three Roses» – 3:54
  4. «Children» – 3:07
  5. «A Horse with No Name» – 4:10
  6. «Here» (Gerry Beckley) – 5:30
  7. «I Need You» (Beckley) – 3:05
  8. «Rainy Day» (Dan Peek) – 2:55
  9. «Never Found the Time» (Peek) – 3:50
  10. «Clarice» (Beckley) – 4:01
  11. «Donkey Jaw» (Peek) – 5:17
  12. «Pigeon Song» – 2:18

Calidad: 320 Kbps (a 48000 Hz)

 

Gracias al amigo John Charles por el archivo ape+cue que ripeé a mp3 de máxima calidad.

 

 


Led Zeppelin – III [1970-Reed.1995]

[Resubida]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

 

LedZeppelin-IIILed Zeppelin fue un grupo británico de rock fundado en 1968 por el guitarrista Jimmy Page, quien había pertenecido a The Yardbirds, al incluir en su formación a John Paul Jones como bajista y teclista (al que Page conocía de trabajos anteriores con The Yardbirds), al vocalista Robert Plant y a John Bonham a la batería (que había coincidido con Plant en The Band of Joy).

Led Zeppelin presentó elementos de un amplio espectro de influencias, como el blues, el rock and roll, el soul, la música celta, la música india, el folk e incluso el country, además de desarrollar el hard rock hasta asentar sus bases, sirviendo de influencia a posteriores grupos que seguirían este camino.

Más de treinta años después de la disgregación de la banda en 1980, la música de Led Zeppelin continúa vendiéndose, disfruta de una amplia difusión radiofónica, y ha demostrado ser una de las bandas más influyentes en la música rock. Hasta la fecha, ha vendido más de 300 millones de álbumes en el mundo, incluidos 111 millones sólo en Estados Unidos de Norteamérica, y es la segunda banda con más discos de diamante (otorgados cada diez millones de ventas en EUNA) de la historia de la música, sólo por detrás de The Beatles. Los discos con esta certificación son: “Led Zeppelin IV” (23 millones), “Physical Graffiti” (15 millones), “Led Zeppelin II” (12 millones), “Houses of the Holy” (11 millones) y “Box Set” (10 millones). En 2004, la revista Rolling Stone los clasificó en el número catorce en su lista de los 100 Artistas Más Grandes de Todos los Tiempos.

LedZeppelinIII_TraseraPara la composición del tercer disco de Led Zeppelin, los miembros de la formación se retiraron a Bron-Yr-Aur, una remota casa rural de Gales, en 1970, donde también grabaron el material allí ideado. «Led Zeppelin III» fue editado en octubre de 1970 por la discográfica Atlantic Records. Este álbum añadía acústica y elementos de folk rock al repertorio de la banda, lo cual cautivó a los seguidores del rock progresivo. Los detractores embistieron contra la música heavy calificándola de ruido acrítico, mientras que el material acústico fue tachado de pálida imitación de la música de Crosby, Stills and Nash (and Young). A pesar de no ser muy bien recibido tanto por la crítica como por sus admiradores, contenía composiciones que con el tiempo se convirtieron en clásicos, como “Immigrant Song”, el primer single de la carrera del grupo a pesar de sus negativas a que fuese publicado, o “Since I’ve Been Loving You”, la única de estilo blues rock incluída en el álbum.

«Debe darse crédito a BRON-Y-AUR, una casita de campo en South Snowdonia, por pintar una imagen un tanto olvidada de auténtica completitud que sirvió de incentivo a algunos de estos planteamientos musicales», agosto de 1970.

Esta cita, incluida en la cubierta de “Led Zeppelin III” sirve para explicar el carácter sorprendentemente tranquilo del disco. Page y Plant se retiraron a esta granja para descansar de las giras y de todo el éxito que había alcanzado el segundo disco, y trabajaron en algunas canciones, muy influidas por la atmósfera del campo. Posteriormente grabaron el disco a medias entre Headley Grange, una mansión en Hampshire (con el estudio ambulante de The Rolling Stones) y los estudios Island en Londres.


El disco quedó así dividido en dos caras completamente distintas: en la primera, los clásicos temas de rock y blues totalmente eléctricos, mientras que en la segunda aparecían exclusivamente temas folk o predominantemente acústicos. La crítica, tras la tremenda sacudida de “Led Zeppelin II”, esperaba algo más contundente, y no acogió muy bien al tercer álbum. Sin embargo, a muchos les parece uno de los mejores discos de la banda.

LedZeppelinIII_Libreto

En cuanto al aspecto externo del disco, la portada es mucho más atrevida que las dos anteriores y está plagada de imaginería hippie. En la edición en vinilo, la carpeta está cubierta de agujeros, con lo que se puede ver la funda del disco, con un diseño completamente psicodélico. El conjunto total, ideado por un tal Zacron, no pareció ser del agrado de Page:

«Conocía al artista y le expliqué lo que queríamos… pero se puso muy personal con el diseño. No estaba muy contento con el resultado final; me parecía un tanto exótico. Había un montón de tonterías, como mazorcas de maíz a modo de zepelín y cosas así».

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

Lista de canciones:

  1. «Immigrant Song» (Page/Plant) – 2:24
  2. «Friends» (Page/Plant) – 3:54
  3. «Celebration Day» (Page/Plant/Jones) – 3:30
  4. «Since I’ve Been Loving You» (Page/Plant/Jones) – 7:23
  5. «Out On the Tiles» (Page/Plant/Jones/Bonham) – 4:07
  6. «Gallows Pole» (trad. arr. Page/Plant) – 5:00
  7. «Tangerine» (Page) – 3:11
  8. «That’s the Way» (Page/Plant) – 5:40
  9. «Bron-Y-Aur Stomp» (Page/Plant/Jones) – 4:17
  10. «Hats Off to (Roy) Harper» (trad.) – 3:40

Calidad: FLAC

 

 


The Waterboys – The Best of (1981-1990) [1991]

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

TheWaterboys-BestOfThe Waterboys es una banda formada en 1983 por Mike Scott. La composición de la misma ha girado siempre en torno a músicos de Escocia, Inglaterra e Irlanda. Las sedes de la misma se han alternado entre Dublín, Spiddal, Londres, Nueva York y Findhorn. Su música ha pasado desde una mezcla de folk Celta hasta el rock’n’roll, siempre con un estilo muy personal otorgado por el talento de su líder Mike.
 
Tras diez años de grabar y girar sin interrupción, en 1993 se disolvieron y Mike Scott inició su carrera en solitario. Se refundaron en el 2000 y continuaron girando y publicando discos. Para Mike, “No hay diferencia entre Waterboys y yo porque, para mí, significan la misma cosa”.
 

El sonido de los primeros Waterboys fue llamado The Big Sound tras un tema de su segundo álbum, A Pagan Place. Este estilo fue descrito por Mike como “una metáfora por ver la autoría de Dios en el mundo”. Sus influencias se encuentran entre Simple Minds, The Alarm, In Ta Nua, Big Country, Horhouse Flowers y World Party; este último formado por ex-miembros de los propios Waterboys. A finales de los 80 el sonido de la banda se hizo más folk con una formación más numerosa: según el propio grupo, the Raggle Taggle Band.Waterboys_Interior

Más tarde volverían al sonido rock tras su reforma. Sus canciones, principalmente escritas por Scott, a menudo tratan de referencias literarias relacionadas con la espiritualidad (Mike estudió literatura inglesa y filosofía). Tanto la carrera en solitario de Mike como las de sus otros miembros han tenido éxito comercial, así como buenas críticas musicales.

«The Best of The Waterboys 81–90» es el primer álbum recopilatorio de The Waterboys, editado en abril de 1991 a través de Ensign Records/ Chrysalis Records y distribuido por EMI. El disco fue n° 1 en Irlanda y n° 2 en Reino Unido.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

Lista de canciones:

(Todos los temas de Mike Scott, excepto indicados)

  1. «A Girl Called Johnny» – 3:54
  2. «The Big Music» – 4:40
  3. «All the Things She Gave Me» – 4:31
  4. «The Whole of the Moon» – 5:00
  5. «Spirit» – 1:51
  6. «Don’t Bang the Drum» (Wallinger/Scott) – 6:44
  7. «Fisherman’s Blues» (Scott/Wickham) – 4:23
  8. «Killing My Heart» – 3:37
  9. «Strange Boat» (Thistlewaite/Scott) – 3:08
  10. «And a Bang On the Ear» – 7:25
  11. «Old England» (live) – 4:13
  12. «A Man Is in Love» – 3:50
  13. «The Pan Within» (bonus) – 6:10
  14. «The Return of Pan» (bonus) – 4:19

Calidad: VBR 224-320 Kbps

 

Gracias al compañero Yons por este archivo.