Ciclos y Neurastenias en un mundo cruel

Sinfónico

Mike Oldfield – Incantations [Deluxe Edition] (1978-Reed.2011)

 

[Otras Músicas]

 

Entre 1971 y 1973 Mike Oldfield comenzó a ordenar las ideas musicales que bullían en su cabeza. Usando una grabadora de cuatro pistas que le prestó Kevin Ayers, dos pistas en un sentido y las otras dos en el otro, descubrió que si cubría el cabezal de borrado con un trocito de cartón podía grabar en cuatro pistas. De esta forma podría empezar a grabar las ideas necesarias para realizar su gran proyecto: crear una sinfonía, similar a las composiciones de gran escala para orquesta con diferentes movimientos que se podían encontrar en muchas obras de música clásica, pero utilizando para ello instrumentos de toda índole, sobre todo pertenecientes al mundo del pop-rock. Se ha mencionado que la Quinta Sinfonía de Jean Sibelius le influyó profundamente por aquel entonces.

Con la grabadora prestada se metió en el dormitorio de la casa que compartía con los otros miembros del grupo (Kevin Ayers & The Whole World), y las ideas para su nuevo trabajo empezaron lentamente a tomar forma. Ya metido en faena, Mike se decidió a tocar todos los instrumentos él mismo, y pensó que no le sería difícil con su don natural para la música el poder dominar casi cualquier instrumento; desde el xilófono al piano de cola, la guitarra clásica, el órgano Farfisa… Mientras aún trabajaba con Kevin Ayers, ayudaba también en las grabaciones que se hacían en los famosos estudios Abbey Road de Londres, donde tuvo la oportunidad de compartir algunas conversaciones con The Beatles. Pronto descubrió que el estudio tenía un almacén repleto de todo tipo de instrumentos, algunos de los cuales pertenecían al cuarteto de Liverpool, así que se las arreglaba para llegar más temprano y, mientras los demás usuarios del estudio llegaban, él experimentaba con esos instrumentos e incorporaba nuevos sonidos y texturas a su proyecto. Ensimismado en un trabajo que sabía iba a ser revolucionario, se propuso plasmar en él todas las profundas emociones que estaba experimentando como explorador de un campo musical virgen. La obra que estaba componiendo sería, además, un trabajo que se convertiría gradualmente en el vehículo para descargar sus emociones más profundas, y con las que más le estaba costando vivir.

Después de crear una primera maqueta, empezó a recorrer todas las discográficas tratando de convencer a alguien para que apoyase su proyecto. Por toda respuesta obtuvo negativas de las discográficas, que argumentaban que aquello “no era comercial” y que, si en algún caso llegaba a editarse, nadie lo compraría; obviamente, eso le había pasado por poner su fe en aquella poco trabajada maqueta. Tras haber compuesto la hipnótica introducción (la melodía más emblemática de su primera obra), seguiría acordándose de aquello: ¡si tan solo pudiese grabarlo, editarlo y promocionarlo!

El cuarto álbum de estudio de Mike Oldfield, «Incantations», fue producido por Mike Oldfield y publicado por Virgin Records el 24 de noviembre de 1978. Se trata de un álbum doble grabado en Througham Slam, Inglaterra, entre diciembre de 1977 y septiembre de 1978. Durante la composición de “Incantations”, Oldfield se inspiró en poemas acerca de Hiawatha, por Henry Wordsworth Longfellow, y Diana, por Ben Johnson, y leyendas celtas. El resultado es un álbum donde se fusiona rock progresivo con música celta y percusión africana, en un estilo cercano al New Age. Entre los músicos de sesión se encuentran Mike Laird, Pierre Moerlen y Sally Oldfield. “Incantations” llegó al puesto 14 en el Reino Unido durante 14 semanas.

La portada fue nuevamente realizada por Trevor Key. La playa de la fotografía de portada es Cala Pregonda, en Menorca. La funda actual del CD tiene un tipo de letra diferente al de la ilustración del LP original. Las primeras copias del álbum venían con un póster que mostraba una fotografía sutilmente diferente de la utilizada en la portada.

En 2000, Virgin Records reeditó “Incantations” en versión remasterizada para la colección “Mike Oldfield Remasters”. En 2011, Universal reeditó el álbum en un solo CD con el single “Guilty”, como bonus track. La reedición de 2011 del álbum recibió nuevas ilustraciones, mostrando una nueva fotografía de la misma formación rocosa y ninguna imagen de Oldfield. La Edición Deluxe contenía el disco de la edición estándar, así como un segundo disco que contiene singles y otras piezas más pequeñas, y un DVD con mezclas 5.1, vídeos promocionales y una versión en vivo del álbum.

Fuente: Wikipedia

 

 

 

 

CD 1:

  1. «Part One» – 19:11
  2. «Part Two» – 19:34
  3. «Part Three» – 16:58
  4. «Part Four» – 16:57
  5. «Guilty» – 4:14

CD 2:

  1. «Diana» – 6:35
  2. «Northumbrian» – 2:56
  3. «Piano Improvisation» – 5:38
  4. «Hiawatha» – 9:01
  5. «Canon for Two Vibraphones» – 2:49
  6. «William Tell Overture» – 3:55
  7. «Cuckoo Song» – 3:22
  8. «Pipe Tune» – 3:27
  9. «Wrekorder Wrondo» – 2:35
  10. «Guilty» – 6:38
  11. «Diana – Desiderata» – 7:05

Calidad: FLAC

 

 

 


Mike Oldfield – Tubular Bells II (1992)

[Resubida]

 

[Otras Músicas]

 

«Tubular Bells II» es el decimoquinto álbum de Mike Oldfield, grabado en Los Ángeles en 1992, con producción de Trevor Horn, y editado con su nueva discográfica, Warner Music, en agosto del mismo año. El álbum se concibió como una secuela del disco Tubular Bells de 1973. A este le siguió Tubular Bells III en 1998.

La discográfica Virgin Records había estado presionando durante varios años a Oldfield para que publicara una secuela de “Tubular Bells” antes de que terminara su contrato con ellos, pero Oldfield estaba dudando si hacerlo o no. A pesar de todo, el penúltimo disco que hizo con Virgin, “Amarok”, fue más o menos una secuela conceptual de su disco de 1976 “Ommadawn”.

Para “Tubular Bells II”, Oldfield contó con la ayuda de Tom Newman, que también le había ayudado con el original y con Trevor Horn. “Early Stages” es una primera versión de lo que más tarde se convertiría en “Sentinel” se incluyó en la Cara B del single “Sentinel”.

“Tubular Bells II” sigue en parte la estructura musical de “Tubular Bells”. Se cogieron los temas del original y se recompusieron y se tocaron con más instrumentos. El resultado, un álbum con las mismas variaciones temáticas pero musicalmente nuevo. De hecho, muchos temas se pueden considerar como variaciones de temas de “Tubular Bells”, mientras que otros no tienen mucho que ver salvo las sensaciones que puedan generar.

Si en “Tubular Bells” encontramos un tema recurrente, es a partir del final de “Sentinel” donde aparece un tema, siendo al final de “The Bell” donde se hace más notable. Y también, al contrario que el tema final de Tubular Bells, “Moonshine” es una composición original de Oldfield.

El actor inglés Alan Rickman, fue el encargado de anunciar los instrumentos al final de la primera mitad. Y en el estreno en Edimburgo el papel lo interpretó John Gordon Sinclair. Algunos de los títulos se cogieron de los relatos cortos de Arthur C. Clarke, incluyendo “Sentinel” y “Sunjammer”. Otros títulos pueden hacer referencia a la ciencia ficción o al espacio en general, como por ejemplo “Dark Star” y “Weightless”. “Dark Star” es también el título de una película de ciencia ficción de John Carpenter, que salió en 1973, el mismo año de publicación de Tubular Bells.

El álbum vuelve a utilizar el mismo tubo metálico (representando a un tubo de campanas tubulares. Es de color dorado sobre un fondo azul, al contrario que el del anterior disco, en el que la campana es gris sobre un fondo marítimo. Ambas imágenes fueron hechas por Trevor Key. “Tubular Bells II” llegó al puesto 1 en el Reino Unido y al puesto 5 de la lista de álbumes de New Age en 1992.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas de Mike Oldfield)
 

  1.  «Sentinel» – 8:06
  2. «Dark Star» – 2:16
  3. «Clear Light» – 5:47
  4. «Blue Saloon» – 2:58
  5. «Sunjammer» – 2:32
  6. «Red Dawn» – 1:49
  7. «The Bell» – 6:55
  8. «Weightless» – 5:43
  9. «The Great Plain» – 4:46
  10. «Sunset Door» – 2:23
  11. «Tattoo» – 4:14
  12. «Altered State» – 5:12
  13. «Maya Gold» – 4:00
  14. «Moonshine» – 2:20

Calidad: FLAC

 

 

 


Vangelis – 1492, Conquest of Paradise (1992)

[Resubida]

 

[Otras Músicas]

 

 

Evangelos Odysseas Papathanassiou, más conocido como Vangelis, es un afamado tecladista y compositor griego de música electrónica, orquestal, ambient y rock progresivo. Entre sus obras más conocidas destacan las partituras originales para las películas “Carros de Fuego” (ganadora del Oscar a la mejor banda sonora en 1981), “Blade Runner” (1982) y “1492: La conquista del paraíso” (1992).

Su música se caracteriza por el uso de sintetizadores y ocasionalmente instrumentos acústicos para crear atmósferas de sonido envolvente, en un tono generalmente grandioso y solemne. No es sencillo enmarcar su música dentro de un género en concreto, aunque es habitual que se le incluya entre las filas de las llamadas Nuevas Músicas, o de forma más amplia como músico clásico contemporáneo. En cualquier caso, la diversidad y complejidad de la obra contenida en su discografía hace difícil su catalogación como artista puramente New Age, ya que incluso es considerado uno de los pioneros de la vanguardia de la música electrónica nacida a mediados de los años 1970.

Los años ochenta comienzan exitosamente para Vangelis, consiguiendo la estatuilla de la Academia de Hollywood con su banda sonora para “Carros de Fuego” (Chariots of Fire), imponiéndose entre otros a John Williams y su partitura para “En busca del arca perdida”. Es interesante mencionar el método que utiliza el griego para musicalizar películas, ya que suele limitarse a improvisar en los teclados mientras visualiza los montajes provisionales que le facilitan los directores siguiendo una técnica de “creación directa”. Varios cineastas han comentado su asombro ante la capacidad de Vangelis para crear piezas sobre la marcha que encajen perfectamente con sus escenas.

En 1992, y tras la tibia acogida de “The City” (primer trabajo en el sello East West Records) Vangelis obtiene el espaldarazo necesario para continuar en la cima durante la nueva década. Lo consigue con el gran éxito de su banda sonora para “1492: La conquista del paraíso” (1492: Conquest of Paradise) (de nuevo junto a Ridley Scott, con quien ya había trabajado en “Blade Runner”). El tema central, “Conquest of Paradise”, es una de las piezas más conocidas del músico, tanto que John Williams y Klaus Schulze han grabado sus propias versiones de este himno coral.

«1492: Conquest of Paradise» es una banda sonora compuesta por Vangelis para la película de mismo título dirigida por Ridley Scott, grabada en los CTS Studios de Londres y en el estudio propio de Vangelis Epsilon Laboratory de París y editada en 1992 por East West Records, con el propio Vangelis como productor. Contó con la colaboración de diferentes músicos: Bruno Manjarres y Pepe Martinez (guitarra acústica y voz), Didier Malherbe (flauta), Francis Darizcuren (mandolina) y el coro The English Chamber Choir. Las fotografías del film son obra de David Appleby y las interiores de Vangelis fueron tomadas por Sheila Rock.

La celebridad de “Conquest of Paradise” alcanza con rapidez el mundo de la publicidad, como había ocurrido en innumerables ocasiones con la música de Vangelis, siendo adoptado este tema por el boxeador Henry Maske para sus propias campañas de imagen.

 

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas compuestos por Vangelis)
 

  1.  «Opening» – 1:21
  2.  «Conquest of Paradise» – 4:30
  3. «Monastery of La Rabida» – 3:24
  4. «City of Isabel» – 2:08
  5. «Light and Shadow» – 3:31
  6. «Deliverance» – 3:20
  7. «West Across the Ocean Sea» – 2:44
  8. «Eternity» – 1:53
  9. «Hispanola» – 4:39
  10. «Moxica and the Horse» – 6:42
  11. «Twenty Eighth Parallel» – 4:47
  12. «Pinta, Nina, Santa Maria (Into Eternity)» – 12:37

Calidad: FLAC

 

 

 


Vangelis – Spiral (1977-Reed.1993)

[Resubida]

 

[Otras Músicas]

 

 

Evangelos Odysseas Papathanassiou, más conocido como Vangelis, es un afamado tecladista y compositor griego de música electrónica, orquestal, ambient y rock progresivo. Entre sus obras más conocidas destacan las partituras originales para las películas “Carros de Fuego” (ganadora del Oscar a la mejor banda sonora en 1981), “Blade Runner” (1982) y “1492: La conquista del paraíso” (1992).

Su música se caracteriza por el uso de sintetizadores y ocasionalmente instrumentos acústicos para crear atmósferas de sonido envolvente, en un tono generalmente grandioso y solemne. No es sencillo enmarcar su música dentro de un género en concreto, aunque es habitual que se le incluya entre las filas de las llamadas Nuevas Músicas, o de forma más amplia como músico clásico contemporáneo. En cualquier caso, la diversidad y complejidad de la obra contenida en su discografía hace difícil su catalogación como artista puramente New Age, ya que incluso es considerado uno de los pioneros de la vanguardia de la música electrónica nacida a mediados de los años 1970.

Los años ochenta comienzan exitosamente para Vangelis, consiguiendo la estatuilla de la Academia de Hollywood con su banda sonora para “Carros de Fuego” (Chariots of Fire), imponiéndose entre otros a John Williams y su partitura para “En busca del arca perdida”. Es interesante mencionar el método que utiliza el griego para musicalizar películas, ya que suele limitarse a improvisar en los teclados mientras visualiza los montajes provisionales que le facilitan los directores siguiendo una técnica de “creación directa”. Varios cineastas han comentado su asombro ante la capacidad de Vangelis para crear piezas sobre la marcha que encajen perfectamente con sus escenas.

Aunque algunos de sus trabajos más conocidos pertenecen al mundo de la música de cine y televisión, Vangelis ha logrado reconocimiento tanto por sus bandas sonoras como por sus discos de estudio. Entre sus obras se encuentran, además, varias creaciones para obras de teatro: “Elektra” (1983), “Medea” (1992), “Las Troyanas” (2001), “The Tempest” (2002). También ha compuesto para ballet: “R. B. Sque” (1983), “Frankenstein: Modern Prometheus” (1985) y “The Beauty and the Beast” (1986).

Ha desarrollado una carrera paralela como pintor, y ha realizado varias exposiciones internacionales. Su aporte a diversos proyectos de interés cultural le han afianzado como una personalidad de considerable peso mediático, especialmente en Grecia. En su honor, la Unión Astronómica Internacional dio su nombre a un asteroide, el (6354) Vangelis.

«Spiral» es el décimo álbum de estudio de Vangelis, grabado en los Nemo Studios de Londres, con Keith Spencer-Allen como ingeniero, asistido por Marlis Duncklau, y editado en 1977 por la discográfica RCA, con el propio Vangelis como productor. El diseño de la cubierta del LP estuvo a cargo del propio artista. El LP fue reeditado en formato CD en numerosas ocasiones, siendo este archivo perteneciente a la reedición que RCA realizó en dicho formato en 1993 para Canadá.

El álbum es completamente instrumental, salvo la voz procesada de Vangelis en “Ballad” (una de las pocas ocasiones en las cuales su voz aparece en uno de sus álbumes). Vangelis toca el sintetizador, el secuenciador, el piano eléctrico, las baterías y la percusión. Es el primer disco en el que Vangelis usa el sintetizador Yamaha CS-80, el cual sería ampliamente utilizado en trabajos posteriores. Spiral es un álbum con sonido futurístico. Vangelis hace un uso intensivo de la más avanzada tecnología de sintetizadores de ese momento, siendo su trabajo con la mayor utilización de secuenciadores de toda su carrera. Cada pieza tiene un estilo distintivo que las hace únicas.

 

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas compuestos e interpretados por Vangelis)
 

  1.  «Spiral» – 6:57
  2.  «Ballad» – 8:31
  3. «Dervish D» – 5:18
  4. «To the Unknown Man» – 9:07
  5. «3+3» – 9:36

Calidad: FLAC

 

 

 


Pink Floyd – Animals [1977-Reed.1994]

[Resubida]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

 

PinkFloyd-Animals

Pink Floyd es una banda de rock británica, considerada un icono cultural del rock del siglo xx y una de las bandas más influyentes en la historia de la música, que obtuvo gran popularidad gracias a su música psicodélica que evolucionó hacia el rock progresivo con el paso del tiempo. Es conocido por sus canciones de alto contenido filosófico, la experimentación sónica, las innovadoras portadas de sus discos y sus elaborados espectáculos en vivo. Sus ventas sobrepasan los más de 300 millones de álbumes vendidos en todo el mundo.

Pink Floyd comenzó con gran éxito en la escena underground londinense a finales de los años sesenta, con Syd Barrett como principal compositor. La salida de Barrett hizo que el cantante y bajista Roger Waters se convirtiera gradualmente en la fuerza conductora y dominante en la primera mitad de los años setenta, la época de mayor éxito en ventas de la banda, hasta su abandono en 1985. El grupo grabó durante esta época muchos álbumes que se convirtieron en grandes éxitos comerciales, como “The Dark Side of the Moon” (1973), “Wish You Were Here” (1975), “Animals” (1977) y “The Wall” (1979).

Después de 1973, Pink Floyd se distanció de la psicodelia y se convirtió en una banda difícil de clasificar. Los distintos estilos de cada uno de los compositores confluyeron en uno único, que cristalizó en las dos obras más importantes de su discografía, para crítica y público: “The Dark Side of the Moon” (1973) y “Wish You Were Here” (1975). En ambas obras, Gilmour se convirtió en el principal vocalista de la formación, mientras que los coros femeninos y el saxofón de Dick Parry adquirieron especial relevancia. El ambiente de colaboración se había ido enfriando en la época anterior, hasta que Waters tomó el timón compositivo, en el aspecto musical y letrístico, en el disco “The Dark Side of the Moon”. La última colaboración de Wright como vocalista y como compositor se dio en los temas “Time” y “Shine on You Crazy Diamond”, respectivamente, mientras que las aportaciones compositivas de Gilmour descendieron abruptamente hasta que Waters dejó la banda en 1985.

«Animals» es el décimo álbum de estudio de la banda británica de rock progresivo Pink Floyd, grabado de abril a noviembre de 1976 en los Britannia Row Studios de Londres y editado en enero de 1977 a través de Harvest/EMI en el Reino Unido y en febrero en Estados Unidos de Norteamérica por Columbia Records. Es un álbum conceptual que critica de forma mordaz las condiciones sociopolíticas de Inglaterra y la decadencia del mundo industrializado de los años 1970. El disco supone además un cambio en el estilo musical respecto a su anterior trabajo, “Wish You Were Here”.

PinkFloyd-Animals-2Con la publicación de “Animals”, la música de la banda comenzó a ser criticada por parte de los seguidores del punk rock por haberse convertido en demasiado pretenciosa, al haber perdido de vista la simplicidad del rock and roll. Sin embargo, “Animals” está considerado como un trabajo más guitarrero que los anteriores, en parte debido a la influencia del emergente movimiento punk y al hecho de que fue grabado en los nuevos estudios de Pink Floyd, Britannia Row. La producción del álbum se vio salpicada por los primeros signos de discordia que varios años después culminarían con la marcha de Richard Wright de la banda, quien no incluyó ninguna composición en el disco, siendo el primero con esta singularidad.

Como en muchos de sus antecesores, “Animals” posee varias canciones relacionadas entre sí por un mismo tema, en este caso inspirado en la novela “Rebelión en la Granja” de George Orwell. En el disco, las canciones “Sheep”, “Pigs” o “Dogs” se emplean como metáforas de la sociedad contemporánea. En esta metáfora, los perros («Dogs») son los mandamases de la industria, los cerdos («Pigs») representan a la clase política británica de entonces, aludiendo indirectamente a figuras como la de Margaret Thatcher, y las ovejas («Sheep») representan al resto de habitantes, que se dejan llevar por los perros y los cerdos sin rebelarse.

La imagen de la portada del álbum -un cerdo flotando entre dos de las chimeneas de la estación eléctrica Battersea Power Station- fue diseñada por el compositor y bajista Roger Waters, y producido por el colaborador habitual de Pink Floyd, Hipgnosis. El cerdo inflable, al que los miembros de la banda le pusieron de nombre “Algie”, se convirtió en uno de los símbolos de la banda, y permaneció como una parte más de los espectáculos en directo del grupo.

A pesar del protagonismo de la guitarra, los teclados y sintetizadores aún juegan un papel importante en “Animals”, pero el característico saxofón de Dick Parry y los coros femeninos desaparecieron de las composiciones. Muchos críticos no respondieron bien al álbum, calificándolo como “tedioso” y “sombrío”. A pesar de ello, obtuvo reseñas positivas en el Reino Unido, y alcanzó el puesto número dos de ventas. También fue un éxito de ventas en EUNA, en donde llegó al puesto número tres de la lista Billboard 200. Asimismo fue nº 1 en Nueva Zelanda, nº 2 en Australia y Noruega, y nº 3 en Suecia. Aunque sólo permaneció en las listas estadounidenses seis meses, las ventas constantes han conseguido que sea certificado platino en cuatro ocasiones por la RIAA.

PinkFloyd-Animals-3NME llamó el álbum “uno de los pedazos iconoclásticos de música más extremos, implacables, desgarradores y francos en salir a este lado del sol”, mientras que Karl Dallas de Melody Maker escribió: “Es una prueba inconformista de realidad en un medio que se ha vuelto con los años, cada vez más soporífico”. Frank Rose de Rolling Stone escribió que “el Floyd de 1977 se ha tornado amargo y taciturno. Se quejan de la duplicidad del comportamiento humano (y después titulan sus canciones como animales —¿lo cogéis?). Suenan como si acabasen de descubrir esto —su mensaje ha perdido sentido y se ha vuelto tedioso”.

Fue reeditado en CD en 1985, y en EUNA en 1987. En 1994 se volvió a reeditar con una remasterización digital (CD) y nueva presentación, y como LP digitalmente remasterizado en 1997. Ese mismo año se lanzó una edición especial por el 20º aniversario de su lanzamiento en EUNA, seguido de una reedición de Capitol Records en el año 2000. El álbum también se incluye en las cajas recopilatorias “Shine On” y “Oh, By the Way”. Este archivo corresponde a la reedición remasterizada de 1994 a cargo de EMI.

Después de la gira de promoción de “Animals”, cada uno de los miembros de Pink Floyd se embarcó en sendos proyectos en solitario. Gilmour grabó y publicó el álbum “David Gilmour” en 1978, el mismo año en el que Rick Wright publicó “Wet Dream”, y Nick Mason trabajó brevemente en la producción del álbum “Steve” de Steve Hillage (miembro de Gong). El único que no se distrajo de la actividad de Pink Floyd fue Roger Waters, quien trabajó en dos proyectos distintos: “The Pros and Cons of Hitch Hiking” y “The Wall”. El resto de integrantes eligió éste último como el siguiente álbum, y “Pros and Cons” se convertiría posteriormente en el primer álbum en solitario de Waters.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

PinkFloyd-Animals-4

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas de Roger Waters, excepto “Dogs”: Waters/Gilmour)
 

  1.  «Pigs on the Wing (Part One)» – 1:25
  2.  «Dogs» – 17:04
  3. «Pigs (Three Different Ones)» – 11:22
  4. «Sheep» – 10:24
  5. «Pigs on the Wing (Part Two)» – 1:25

Calidad: FLAC

 

 

 

 


Pink Floyd – Atom Heart Mother [1970-Reed.1994]

[Resubida]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

PinkFloyd-AtomHeartMotherPink Floyd es una banda de rock británica, considerada un icono cultural del rock del siglo xx y una de las bandas más influyentes en la historia de la música, que obtuvo gran popularidad gracias a su música psicodélica que evolucionó hacia el rock progresivo con el paso del tiempo. Es conocido por sus canciones de alto contenido filosófico, la experimentación sónica, las innovadoras portadas de sus discos y sus elaborados espectáculos en vivo. Sus ventas sobrepasan los más de 300 millones de álbumes vendidos en todo el mundo.

Pink Floyd comenzó con gran éxito en la escena underground londinense a finales de los años sesenta, con Syd Barrett como principal compositor. La salida de Barrett hizo que el cantante y bajista Roger Waters se convirtiera gradualmente en la fuerza conductora y dominante en la primera mitad de los años setenta, la época de mayor éxito en ventas de la banda, hasta su abandono en 1985. El grupo grabó durante esta época muchos álbumes que se convirtieron en grandes éxitos comerciales, como “The Dark Side of the Moon” (1973), “Wish You Were Here” (1975), “Animals” (1977) y “The Wall” (1979).

«Atom Heart Mother» (“Madre de corazón atómico” en castellano) es el quinto álbum de la banda británica Pink Floyd, grabado entre marzo y agosto de 1970 en los Abbey Road Studios de Londres, con producción del propio grupo y Alan Parsons como ingeniero de sonido, y editado el 10 de octubre de 1970 por la discográfica Harvest (más tarde EMI). Es la primera grabación de la banda con una orquesta y contó con la colaboración del músico Ron Geesin. El nombre fue una decisión apresurada de los integrantes a partir de un artículo de prensa donde se anunciaba que una mujer con un PinkFloyd-AtomHeartMother-3marcapasos atómico implantado había logrado dar a luz. La portada también fue un trabajo casi improvisado; de hecho, el fotógrafo Tony May declaró que, a causa de la falta de tiempo, se había ido al campo a tomar una foto de lo primero que vio. El diseño final de carpeta fue obra de Hipgnosis.

En una cara del disco aparece una suite de rock sinfónico de 23 minutos, titulada “Atom Heart Mother”, mientras que la otra presenta tres temas, cada uno de un vocalista y compositor de la formación (“If”, de Waters; “Fat Old Sun”, de Gilmour; y “Summer ’68”, de Wright). Otra de las canciones, “Alan’s Psychedelic Breakfast”, consiste en un collage sonoro de un hombre cocinando y tomando el desayuno mientras de fondo suenan sus pensamientos acompañados de líneas instrumentales. El hombre en cuestión es Alan Styles, uno de los técnicos de sonido que la banda tenía a su servicio.

La banda se esmeró mucho en la pieza sinfónica, que fue muy difícil de grabar debido a que cada cierto tiempo iban aumentando el número de pistas en el estudio; debido a eso, Waters y Mason tuvieron que grabar las bases rítmicas antes y por separado, de manera muy meticulosa. Además, Ron Geesin (que fue quien escribió las partituras de orquesta para este tema) había escrito partes técnicamente difíciles para los músicos de orquesta, que además se mostraron reacios a que los dirigiera Geesin. Mientras grababan, se vieron obligados a poner la pista de la orquesta (ya grabada) para no perderse en el “tiempo”. La pieza dura cerca de 23:44, siendo ésta la segunda más larga del grupo, después de todas las partes juntas de “Shine on you crazy diamond” (poco más de 25 minutos) y seguida de “Echoes”, del álbum “Meddle”, que tiene 23:31. Existe una versión en directo durante el concierto “Live at Montreaux” en 1971 que es notablemente larga, logrando un PinkFloyd-AtomHeartMother-2total de 31:49 minutos.

Aunque el álbum fue considerado como un paso atrás de la banda y uno de sus trabajos más inaccesibles, alcanzó el puesto más alto de toda su discografía hasta ese momento, llegando al primer puesto en el Reino Unido y al 55 en EUNA. La popularidad de “Atom Heart Mother” hizo que la banda se embarcara en su primera gira completa por Estados Unidos de Norteamérica.

Este archivo corresponde a la reedición en formato CD que EMI Records realizó para Reino Unido y Europa en 1994.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

Lista de canciones:

1. «Atom Heart Mother» (Gilmour, Waters, Mason, Wright, Geesin) – 23:36

1.a- “Father’s Shout”
1.b- “Breast Milky”
1.c- “Mother Fore”
1.d- “Funky Dung”
1.e- “Mind Your Throats Please”
1.f- “Remergence”

2. «If» (Waters) – 4:26

3. «Summer ’68» (Wright) – 5:28

4. «Fat Old Sun» (Gilmour) – 5:23

5. «Alan’s Psychedelic Breakfast» (Gilmour, Waters, Mason, Wright) – 13:01

5.a- “Rise and Shine”
5.b- “Sunny Side Up”
5.c- “Morning Glory”

Calidad: FLAC

 

 

 


Alan Parsons Project – Tales of Mystery and Imagination (1976-Reed.2003)

[Resubida]

  

[Otras Músicas]

 
 
 

AlanParsons-TalesOfMystery

The Alan Parsons Project fue un grupo británico de rock progresivo formado en 1975 en Londres y activo hasta 1990. Liderado por el productor, ingeniero y compositor Alan Parsons y el productor ejecutivo, compositor y vocalista Eric Woolfson, en él participaron varios músicos de estudio y un grupo amplio de cantantes. En conjunto grabaron un total de 11 discos, acreditándose la mayoría de las canciones como Parsons/Woolfson, que lograron vender más de 50.000.000 de copias.

La mayoría de los discos de The Alan Parsons Project son álbumes conceptuales que comienzan con una canción instrumental que se fusiona con la segunda canción. También suele incluir una canción instrumental, en lo que sería el comienzo de la cara B, y finaliza con una canción energética y poderosa o melancólica y de tiempo lento. Una característica destacable es que en cada disco interpretan los temas varios cantantes invitados como Lenny Zakatek, John Miles, Gary Brookers, Chris Rainbow o Colin Blunstone, ejerciendo Eric Woolfson como cantante de manera esporádica. Por contra existe un grupo reducido y bastante estable de músicos de estudio que participaron con regularidad en las grabaciones como el arreglista y director de orquesta Andrew Powell, el guitarrista Ian Bairnson, el bajista y vocalista David Paton o el percusionista Stuart Elliot.

AlanParsons-TalesOfMystery-3Alan Parsons y Eric Woolfson se conocieron en el verano de 1974 durante unas sesiones de trabajo en los Estudios Abbey Road. En aquel momento Parsons ejercía labores de ingeniero de sonido para Pink Floyd y por su parte Woolfson, letrista y compositor, era músico de estudio y estaba creando un disco inspirado en las obras de Edgar Allan Poe. Fruto de su encuentro decidieron unir sus talentos repartiéndose funciones: Parsons ejercería de productor y realizaría labores de ingeniería de sonido en las canciones compuestas por ambos. Su primera referencia se editó en mayo de 1976 “Tales of Mystery and Imagination”, que se convirtió en un éxito, alcanzando el Top40 de la lista Billboard.

El grupo lanzó diez discos más, con un gran cuidado en la producción y creatividad, como “I Robot” (1977). Gozó de gran popularidad entre 1980 y 1985 con los álbumes “The Turn of a Friendly Card” (1980) o “Eye in the Sky” (1982), “Ammonia Avenue” (1983) y “Vulture Culture” (1984). Algunas de sus canciones más destacadas son “Don’t Answer Me”, “Time”, “Eye in the Sky”, “Lucifer”, “Silence & I” o “Games People Play”. Hasta 2015 se han editado además 14 discos recopilatorios con las canciones de diferentes etapas.

«Tales of Mystery and Imagination» es el disco debut de The Alan Parsons Project, grabado y mezclado en los Abbey Road Studios de Londres entre julio de 1975 y enero de 1976, y editado en mayo de 1976 por 20th Century Records. El concepto del álbum gira en torno a la obra del escritor Edgar Allan Poe a través de siete canciones. La portada es obra del estudio Hipgnosis.

La idea original de Alan Parsons era hacer un álbum en el que él y Eric Woolfson aportarían la parte instrumental, mientras que una serie de cantantes invitados aportaban la parte vocal. Los vocalistas invitados para este LP fueron Arthur Brown, John Miles y Terry Sylvester.

La presentación inaugural de este trabajo en 1976 causó sensación, al ser presentado en el Observatorio del Planetario del Parque Griffith, en Inglaterra, acompañado de un show de iluminación láser.

AlanParsons-TalesOfMystery-2Lo que hace al disco único, a diferencia de los posteriores, es que aún con toda la tecnología empleada, y con el concepto de progreso que caracterizó a The Alan Parsons Project, el sonido es maravillosamente antiguo y totalmente alejado del modernismo.

El álbum fue remasterizado y reeditado en formato CD por primera vez en 1987 por Mercury Records. En 2003 se reeditó con portada levemente diferente en formato CD en Iberia, dentro de la colección “Los Discos de tu Vida” que ofrecía el diario El País; este archivo corresponde a esta última reedición.

 

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas compuestos por Alan Parsons y Eric Woolfson, excepto “The Fall of the House of Usher”: Woolfson – Powell – Parsons)
 

  1.  «A Dream Within a Dream» – 4:13
  2.  «The Raven» – 3:57
  3. «The Tell-Tale Heart» – 4:38
  4. «The Cask of Amontillado» – 4:33
  5. «(The System of) Doctor Tarr and Professor Fether» – 4:20
  6. «The Fall of the House of Usher» – 15:28

  7. “Prelude” – 7:02
  8. “Arrival” – 2:39
  9.  “Intermezzo” – 1:00
  10.  “Pavane” – 4:36
  11. “Fall” – 0:51
  12. «To One in Paradise» – 4:46

Calidad: FLAC

 
 
 

 
 


Mike Oldfield – Tubular Bells (1973-Reed.1983)

[Resubida]

  

[Otras Músicas]

 
 
 

MikeOldfield-TubularBells

Entre 1971 y 1973 Mike Oldfield comenzó a ordenar las ideas musicales que bullían en su cabeza. Usando una grabadora de cuatro pistas que le prestó Kevin Ayers, dos pistas en un sentido y las otras dos en el otro, descubrió que si cubría el cabezal de borrado con un trocito de cartón podía grabar en cuatro pistas. De esta forma podría empezar a grabar las ideas necesarias para realizar su gran proyecto: crear una sinfonía, similar a las composiciones de gran escala para orquesta con diferentes movimientos que se podían encontrar en muchas obras de música clásica, pero utilizando para ello instrumentos de toda índole, sobre todo pertenecientes al mundo del pop-rock. Se ha mencionado que la Quinta Sinfonía de Jean Sibelius le influyó profundamente por aquel entonces.

Con la grabadora prestada se metió en el dormitorio de la casa que compartía con los otros miembros del grupo (Kevin Ayers & The Whole World), y las ideas para su nuevo trabajo empezaron lentamente a tomar forma. Ya metido en faena, Mike se decidió a tocar todos los instrumentos él mismo, y pensó que no le sería difícil con su don natural para la música el poder dominar casi cualquier instrumento; desde el xilófono al piano de cola, la guitarra clásica, el órgano Farfisa… Mientras aún trabajaba con Kevin Ayers, ayudaba también en las grabaciones que se hacían en los famosos estudios Abbey Road de Londres, donde tuvo la oportunidad de compartir algunas conversaciones con The Beatles. Pronto descubrió que el estudio tenía un almacén repleto de todo tipo de instrumentos, algunos de los cuales pertenecían al cuarteto de Liverpool, así que se las arreglaba para llegar más temprano y, mientras los demás usuarios del estudio llegaban, él experimentaba con esos instrumentos e incorporaba nuevos sonidos y texturas a su proyecto. Ensimismado en un trabajo que sabía iba a ser revolucionario, se propuso plasmar en él todas las profundas emociones que estaba experimentando como explorador de un campo musical virgen. La obra que estaba componiendo sería, además, un trabajo que se convertiría gradualmente en el vehículo para descargar sus emociones más profundas, y con las que más le estaba costando vivir.

Después de crear una primera maqueta, empezó a recorrer todas las discográficas tratando de convencer a alguien para que apoyase su proyecto. Por toda respuesta obtuvo negativas de las discográficas, que argumentaban que aquello “no era comercial” y que, si en algún caso llegaba a editarse, nadie lo compraría; obviamente, eso le había pasado por poner su fe en aquella poco trabajada maqueta. Tras haber compuesto la hipnótica introducción (la melodía más emblemática de su primera obra), seguiría acordándose de aquello: ¡si tan solo pudiese grabarlo, editarlo y promocionarlo!

Un rayo de luz iluminaría el futuro de Oldfield. Cuando Mike dejó la banda de Kevin Ayers definitivamente, para ganarse la vida trabajó ocasionalmente como guitarrista de sesión. Uno de esos trabajos lo llevó en la banda de acompañamiento de la producción londinense de Hair, el “musical de amor-rock tribal” por 5 £ la noche. También tocó por un tiempo el bajo en una banda comandada por el cantante de soul Arthur Lewis. El grupo iba a grabar a un estudio recientemente inaugurado en una mansión de Shipton-on-Cherwell, a 20 millas de Oxford. Los estudios de grabación The Manor fueron construidos por aquel entonces para Richard Branson por Tom Newman, asistido entre otros por Simon Heyworth. El reunido en The Manor era un equipo de buenos amigos, y también estaban allí las novias de algunos de ellos, así como un cocinero, limpiadoras y jardineros. Como Mike comentó más tarde, “todos los problemas que surgían los tratábamos como si fuesemos una gran familia”.

MikeOldfield-TubularBells-2El magnífico ambiente que reinaba en el estudio y la actitud de Newman y Heyworth dieron a Mike la oportunidad de grabar una nueva maqueta basada en los mismos desarrollos instrumentales que ya manejaba desde hacía tiempo. A Heyworth y Newman les encantó y asombró el abanico de ideas de Oldfield, y emprendieron una campaña de persuasión a Branson para que editara aquello y les dejara el estudio durante algún tiempo para grabarlo. De entrada parecía que aquel no era el momento apropiado; el proyecto debía esperar un poco a la llegada de Simon Draper (que se uniría a Branson, poseedor de una cadena de tiendas de discos) para crear una discográfica propia. Draper tenía un amplio conocimiento musical, y cuando escuchó las ideas de Mike, las apoyó inmediatamente.

Mike continuó desarrollando y refinando sus ideas, a las que ahora podía dar un nombre: “Tubular Bells”, aunque en principio se barajasen nombres como “Breakfast in Bed” (Desayuno en la cama) y “Opus One” (Opus 1). Casi se había agotado la paciencia de Mike Oldfield cuando Draper le ofreció una semana de tiempo de estudio en The Manor. Una amplia selección de instrumentos fue llevada al estudio, y comenzó el trabajo. Durante esa semana se grabó algo más de la primera parte del álbum, y el resto emergió durante sesiones repartidas a lo largo de los siguientes meses.

Durante las sesiones, Mike tocó más de 20 instrumentos y se grabaron aproximadamente 2000 cintas de prueba. La música fue interpretada casi al completo por él mismo, con la excepción de Viv Stanshall (voces), Jon Field (flauta), Steve Broughton (percusión) y Mundy Ellis (voces); Newman y Simon Heyworth recibieron crédito como co-productores. Cuando terminaron las sesiones, Branson se llevó las cintas de Tubular Bells a la feria de la industria musical, MIDEM, en Cannes en enero de 1973. Un ejecutivo de la compañía americana Mercury Records le dijo, “si le pones letra te lo compró por 20.000 $”. Como nadie se mostraba interesado en respetar el concepto original, Branson y Draper decidieron editar el álbum ellos mismos en su nueva discográfica, Virgin Records.

El álbum debut de Mike Oldfield, «Tubular Bells» (“Campanas Tubulares”) vio la luz el 25 de mayo de 1973. Oldfield habría compuesto la música teniendo 17 años, siendo ésta resultado de diversos desarrollos instrumentales que ya manejaba desde hacía un tiempo y que le permitieron desarrollar un abanico de ideas bastante diversas que se plasman en esta pieza musical de dos partes. Surgió de un proceso de grabación y mezcla al que habría podido llamarse arte en estado puro. Los críticos hicieron lo que pudieron para definirlo, pero los aplausos fueron unánimes: el público simplemente abrió su corazón al nuevo artista y su magistral debut. La prensa británica se quedó perpleja. El influyente radio-DJ de la BBC John Peel escribió que aquel era “un disco que cubría genuinamente un nuevo e inexplorado territorio”, con música que “combina lógica con sorpresa, sol con lluvia”. “Una extensa obra, casi clásica en su estructura y en la forma en cómo el tema está establecido y diestramente trabajado”, dijo el Melody Maker. Algunos entrevistadores incluso creían poder enumerar las influencias de Mike: “La textura de Tubular Bells recuerda bastante a Sibelius, Vaughan Williams, Michel Legrand y The Last Night of the Proms”, escribió el productor televisivo Tony Palmer.

MikeOldfield-TubularBells-3“Tubular Bells” fue a la vez el primer lanzamiento discográfico de la Virgin y el disco que logró introducir y consolidar la discográfica, siendo uno de sus discos más vendidos. El disco llegó inmediatamente al número uno de las listas de ventas británicas y permaneció en ellas durante varios meses, y al puesto 3 en la lista de Billboard en Estados Unidos de Norteamérica en 1974. En los primeros años de salir a la venta se registraron cerca de 16 millones de copias vendidas en todo el mundo, mayormente en Europa, y la crítica alabó la calidad y originalidad de la obra. El éxito de este disco fue tal que fue utilizada parte de la música para ser incluida como banda sonora de la película “El Exorcista”, lo cual hizo conocido el disco en todo el mundo.

El éxito sorprendente logrado por “Tubular Bells” hizo millonario a Oldfield a los veinte años, pero también le significó una situación que terminó abrumando al artista, sumado a problemas personales, como la temprana muerte de su madre, que generó en él un inicial rechazo a la sobreexposición en los medios, una actitud que ha sido característica en él desde entonces.

 

Fuente: Wikipedia / Zonde

 
 
 

 

Lista de canciones:

 

  1.  «Part One» – 25:33
  2. «Part Two» – 23:22

Calidad: FLAC

 

  

 
 


Vangelis – Chariots of Fire (1981-Reed.2000)

 

[Otras Músicas]

 

 

Vangelis-ChariotsOfFire

Evangelos Odysseas Papathanassiou, más conocido como Vangelis, es un afamado tecladista y compositor griego de música electrónica, orquestal, ambient y rock progresivo. Entre sus obras más conocidas destacan las partituras originales para las películas “Carros de Fuego” (ganadora del Oscar a la mejor banda sonora en 1981), “Blade Runner” (1982) y “1492: La conquista del paraíso” (1992).

Su música se caracteriza por el uso de sintetizadores y ocasionalmente instrumentos acústicos para crear atmósferas de sonido envolvente, en un tono generalmente grandioso y solemne. No es sencillo enmarcar su música dentro de un género en concreto, aunque es habitual que se le incluya entre las filas de las llamadas Nuevas Músicas, o de forma más amplia como músico clásico contemporáneo. En cualquier caso, la diversidad y complejidad de la obra contenida en su discografía hace difícil su catalogación como artista puramente New Age, ya que incluso es considerado uno de los pioneros de la vanguardia de la música electrónica nacida a mediados de los años 1970.

Los años ochenta comienzan exitosamente para Vangelis, consiguiendo la estatuilla de la Academia de Hollywood con su banda sonora para “Carros de Fuego” (Chariots of Fire), imponiéndose entre otros a John Williams y su partitura para “En busca del arca perdida”. El contenido del álbum en cuestión, tal y como sucederá con el resto de sus futuros trabajos para el cine, no guarda una relación estricta con las piezas utilizadas en la película, sino que éstas son reeditadas y reordenadas para crear una obra musical que funcione como disco de estudio, de cara a su escucha independiente. Es más, a menudo se tiene la sensación mientras se visiona la película “Carros de Fuego”, dirigida por Hugh Hudson, de que en ella están efectivamente los temas del álbum, aunque parcialmente reinterpretados. También aparecen en la película temas del griego, como “Hymne”, compuesto para el seminal “Opera Sauvage”. En cualquier caso, debe aclararse que en las demás películas musicalizadas por Vangelis no cabe la menor duda de que los temas utilizados en el montaje se corresponden exactamente con las versiones del álbum, con independencia de que en éste haya temas inéditos o el orden de las piezas varíe.

Es interesante mencionar el método que utiliza el griego para musicalizar películas, ya que suele limitarse a improvisar en los teclados mientras visualiza los montajes provisionales que le facilitan los directores siguiendo una técnica de “creación directa”. Varios cineastas han comentado su asombro ante la capacidad de Vangelis para crear piezas sobre la marcha que encajen perfectamente con sus escenas.

Vangelis-ChariotsOfFire-2«Chariots of Fire» es una banda sonora compuesta por Vangelis, grabada en los Nemo Studios de Londres y editada en abril de 1981 por Polydor Records, con el propio Vangelis como productor. El álbum fue realizado para el film homónimo del director Hugh Hudson, ganador de cuatro Premios Óscar, siendo uno de ellos otorgado a este disco por Mejor Banda Sonora.

El tema “Jerusalem” no fue escrito ni interpretado por Vangelis, se trata de un poema de William Blake musicalizado por Hubert Parry. Aquí es interpretado por el Coro Ambrosiano.

El álbum fue digitalmente remasterizado y reeditado en formato CD en 2000 por la discográfica Polydor Records. Este archivo corresponde a dicha reedición.

 

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

Vangelis-ChariotsOfFire-3

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas compuestos e interpretados por Vangelis, excepto 6: Hubert Parry, William Blake / The Ambrosian Singers)
 

  1.  «Titles» – 3:31
  2.  «Five Circles» – 5:18
  3. «Abraham’s Theme» – 3:14
  4. «Eric’s Theme» – 4:17
  5. «100 Metres» – 2:02
  6. «Jerusalem» – 2:47
  7. «Chariots of Fire» – 20:41
Calidad: FLAC

 

 

 


Pink Floyd – Wish You Were Here (Extraction Version) [2013]

[Resubida]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

 

PinkFloyd-WishYou2013

Pink Floyd es una banda de rock británica, considerada un icono cultural del rock del siglo xx y una de las bandas más influyentes en la historia de la música, que obtuvo gran popularidad gracias a su música psicodélica que evolucionó hacia el rock progresivo con el paso del tiempo. Es conocido por sus canciones de alto contenido filosófico, la experimentación sónica, las innovadoras portadas de sus discos y sus elaborados espectáculos en vivo. Sus ventas sobrepasan los más de 300 millones de álbumes vendidos en todo el mundo.

Pink Floyd comenzó con gran éxito en la escena underground londinense a finales de los años sesenta, con Syd Barrett como principal compositor. La salida de Barrett hizo que el cantante y bajista Roger Waters se convirtiera gradualmente en la fuerza conductora y dominante en la primera mitad de los años setenta, la época de mayor éxito en ventas de la banda, hasta su abandono en 1985. El grupo grabó durante esta época muchos álbumes que se convirtieron en grandes éxitos comerciales, como “The Dark Side of the Moon” (1973), “Wish You Were Here” (1975), “Animals” (1977) y “The Wall” (1979).

“Wish You Were Here” —en castellano: “Desearíamos que Estuvieras Aquí” u “Ojalá Estuvieras Aquí” (según la edición)— es su noveno álbum de estudio, inspirado en el material que compusieron durante su gira europea de 1974, grabado de enero a julio de 1975 en los Estudios Abbey Road de Londres y editado en septiembre del mismo año por medio de Harvest Records (RU) y EMI (EUNA). Es el segundo álbum de Pink Floyd en utilizar una temática conceptual escrita íntegramente por Waters, y evoca su sentimiento de que la camaradería que alguna vez se había sentido entre los miembros de la banda, hacía tiempo que estaba ausente. Su temática explora la ausencia, la industria musical (o bien la ausencia de sentimientos humanos en el mundo de la industria musical) y los problemas mentales y también la añoranza del anterior miembro de la banda Syd Barrett.

Fue un éxito inmediato; la compañía discográfica EMI ni siquiera pudo editar las suficientes copias para satisfacer la demanda. Al comienzo recibió críticas positivas y negativas, aunque está posicionado en el puesto número 209 de la lista de los 500 mejores álbumes de la historia elaborada por la revista Rolling Stone, y fue el primer álbum en alcanzar el primer puesto en el Reino Unido y en EUNA (con 900.000 copias iniciales, la cantidad más alta de Columbia hasta la fecha).

El álbum fue certificado plata y oro (60.000 y 100.000 copias vendidas, respectivamente) en el Reino Unido el 1 de agosto de 1975, y oro en Estados Unidos de Norteamérica el 17 de septiembre de 1975. El 16 de mayo de 1997 fue certificado seis veces platino, y a fecha de 2004 ha vendido más de 13 millones de copias a nivel mundial. Columbia escogió “Have a Cigar” como primer sencillo extraído del álbum, con “Welcome to the Machine” como Cara B en EUNA.

Los miembros de la banda Richard Wright (“Es un álbum que puedo escuchar por disfrute, y no hay muchos álbumes de Floyd con los que pueda hacer eso”) y David Gilmour (“Yo diría que es mi álbum favorito. El resultado final con todo, lo que fuera, definitivamente me ha dejado un álbum con el que puedo convivir de forma muy feliz. Me gusta mucho”) coinciden en que es su álbum preferido de Pink Floyd.

PinkFloyd-WishYou2013-2«Wish You Were Here (Extraction Version)» es una reedición no oficial del famoso disco de Pink Floyd con grabaciones alternativas de estudio inéditas de los temas que lo componen, editado en 2013 por los sellos alemanes Extraction Records/Beat Schallplatten. En la cara A se ofrece “Shine On You Crazy Diamond” en su versión original, es decir, en una sola pieza completa de 25 minutos grabada en estudio en 1975, tal como fue concebida en una pieza sinfónica sin divisiones. En la cara B se agrupan el resto de temas, en demos de estudio de 1975 (caso de “Welcome to the Machine ” y “Have a Cigar”) y otra versión inédita de la canción homónima del álbum, en la que participa en las voces Stéphane Grapelli, grabada también en los estudios Abbey Road de Londres ese mismo año.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

Lista de canciones:

(Todas las letras escritas por Roger Waters)
 

  1.  «Shine On You Crazy Diamond» (Gilmour, Wright, Waters) – 25:08
  2.  «Welcome to the Machine» (Waters) – 04:48
  3. «Have a Cigar» (Waters) – 07:37
  4. «Wish You Were Here» (Waters, Gilmour) – 06:14

Calidad: FLAC

 

 

 


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