Ciclos y Neurastenias en un mundo cruel

Rock

Green Day – Dookie [1994]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

Green Day es una banda punk integrada por Billie Joe Armstrong (guitarras y voz), Mike Dirnt (bajo) y Tré Cool (batería). El grupo, originario de Oakland (California), se gestó prematuramente en 1987 bajo el nombre de Sweet Children, el grupo adquirió la formación actual en 1989, cuando se cambiaron al nombre actual y se incorporó el baterista Tré Cool. Algunos años después, en 1994, el conjunto firmó con Reprise Records, con este sello lanzaron el aclamado “Dookie”, que llevó el sonido de finales de la década del 70 a la nueva generación, además de convertirse en un éxito internacional y vender más de 10 millones de copias en los Estados Unidos Norteamericanos y 16 millones en todo el mundo.

Green Day, junto a otras bandas como The Offspring y Rancid, fueron los enlaces que produjeron el renacimiento y popularización del punk rock en Estados Unidos de Norteamérica; las masivas ventas produjeron la apertura de una ola de grupos neo punk y punk metal. Diez años después muchos de esos conjuntos se encuentran inactivos o disueltos, mientras que Green Day sigue en plena vanguardia musical con las óperas rock “American Idiot” y “21st Century Breakdown” de 2004 y 2009 respectivamente, ambas con un Premio Grammy al mejor álbum de rock.

El conjunto estadounidense ha vendido alrededor de 65 millones de discos en todo el mundo y 25 millones sólo en su país. A mediados de 2011 la revista Kerrang! los nombró como el segundo grupo más influyente surgido en los últimos treinta años, sólo por detrás de Metallica. Según la publicación quincenal Rolling Stone, es el mejor conjunto punk de la historia.

El segundo álbum del grupo, “Kerplunk”, alcanzó a vender 55.000 copias (numerosa cifra teniendo en cuenta que el disco fue producido de forma independiente), ese éxito underground fue un gran atractivo que vieron las casas discográficas. El productor Rob Cavallo, representante de Reprise Records, logró seducir al grupo. Así, Green Day terminó amistosamente su contrato con Lookout! Records para firmar con Reprise (subsidiaria de Warner Bros) en 1994.

La acción de firmar con un sello multinacional, fue (y siguió siendo) un hecho muy criticado por los fanáticos de la época en que tocaban en el club 924 Gilman Street, llegando a catalogar a Green Day de «vendidos». El club expulsó inmediatamente a la banda luego de que se conociese la noticia de su fichaje por Reprise. Aparecieron grafitis en las paredes del Gilman Street con leyendas como “¡Muerte a Green Day!”. En unas reflexiones que hizo su cantante y líder Billie Joe Armstrong sobre aquel periodo a la revista Spin en 1999, aseguró que “no podía volver a la escena punk, fuéramos el mayor éxito de la historia o el mayor fracaso […] Lo único que podía hacer era seguir e ir adelante”.

El mismo Rob Cavallo, quien había atraído a Green Day para Reprise Records, fue escogido como productor principal del nuevo álbum, mientras que Jerry Finn fue el encargado de la mezcla del disco. Green Day, en un principio, entregó una demo a Cavallo, y tras escuchar la cinta en el coche de camino a casa, sintió que había “tropezado con algo grande”. La sesión de grabación de la banda duró solo tres semanas entre septiembre y octubre de 1993, el álbum fue remezclado dos veces. Pero al conjunto no le había agradado la primera mezcla. Por ello, Cavallo remezcló las pistas en los Fantasy Studios de Berkeley, California. Armstrong aseguró que la banda quería crear un sonido seco “similar al disco de los Sex Pistols o los primeros álbumes de Black Sabbath”. Armstrong, más tarde, dijo de su experiencia en el estudio que “todo estaba ya compuesto, todo lo que tuvimos que hacer era representarlo”.

Así se editó el primero de febrero de 1994 el primer álbum de Green Day con Reprise y tercer trabajo en su trayectoria, se llamó «Dookie», y significó el álbum clásico por excelencia del pop punk, convirtiéndose en un éxito en todo el mundo, consiguiendo llegar al puesto número dos en el Billboard 200 estadounidense y logrando entrar en las listas de seis países más: nº 1 en Nueva Zelanda, nº 3 en Suecia, nº 4 en Austria, nº 6 en Suiza, nº 11 en Finlandia y nº 13 en Reino Unido.

La mayoría del contenido del álbum fue compuesto por Armstrong, excepto “Emenius Sleepus” que fue coescrita por Armstrong y el bajista Mike Dirnt y la pista oculta “All by Myself”, compuesta por el baterista Tré Cool. El álbum está basado en experiencias de los miembros de la banda tales como ansiedad, ataques de pánico, masturbación, orientaciones sexuales, aburrimiento y antiguas novias, y es que en el momento de la grabación ninguno de ellos superaba los 22 años de edad.

Fueron extraídos cinco sencillos: “Longview”, la regrabada “Welcome to Paradise”, “Basket Case”, “She” y “When I Come Around”. El disco es el más exitoso de Green Day en ventas hasta la fecha con 20 millones de copias vendidas en todo el mundo. “Dookie” ganó el premio Grammy al mejor álbum de música alternativa en 1995 y es el único álbum de diamante que posee Green Day. Fue el álbum de rock alternativo más exitoso de la década, solo superado por “Nevermind” de Nirvana, y “Blood Sugar Sex Magik” de Red Hot Chili Peppers. El éxito de Green Day, abrió el camino a bandas como Rancid y The Offspring, saliendo a la venta discos como “Wolves” y “Smash”, respectivamente, y en poco tiempo, el resurgimiento del punk a mediados de los años 1990 se encontraba en pleno apogeo.

El sencillo “Longview” tiene una firma de bajo que el propio bajista Dirnt escribió mientras estaba bajo los efectos de LSD. En principio olvidó gran parte de ello, pero recuerda partes que fueron incluidas en la canción. Armstrong declaró que la canción trataba principalmente sobre el aburrimiento, masturbación y fumar cannabis, con evidencias en las letras (“cuando la masturbación perdió su diversión / estás jodidamente descansado”).

“Welcome to Paradise”, el segundo sencillo extraído de Dookie, ya apareció en el segundo álbum de estudio de la banda, “Kerplunk”. La canción fue regrabada, con un sonido distinto para “Dookie”. No se realizó un videoclip para la canción.

“She” fue un sencillo únicamente distribuido por radio y fue compuesto por Armstrong con relación a una antigua novia que le muestra al novio un poema feminista con idéntico título. A cambio, Armstrong escribió la letra de “She” y se la enseñó. Ella se mudó más tarde a Ecuador y pidió a Armstrong que pusiera finalmente “She” en el álbum. Esa misma ex-novia es el tema central de las canciones “Sassafras Roots” y “Chump”.

En el éxito “Basket Case”, que apareció en muchas listas de éxitos en todo el mundo, también se reflejan experiencias personales de Armstrong que influenciaron la composición del sencillo. La canción trata sobre los ataques de ansiedad de Armstrong y sus sentimientos de “volverse loco” antes de diagnosticársele desórdenes de pánico. El vídeo musical fue grabado en una institución mental abandonada.

El último sencillo extraído del álbum, “When I Come Around”, fue nuevamente inspirado por una mujer, actualmente la esposa de Armstrong pero por aquel entonces su ex-novia, Adrienne. Tras una discusión entre la pareja, Armstrong dejó a Adrienne para pasar más tiempo a solas.

El nombre del álbum es una referencia a la diarrea que sufrían a menudo los miembros de la banda, que se referían a ella como “liquid dookie” (caca líquida, en castellano) tras haber comido alimentos en mal estado mientras estaban de gira. En un principio el nombre del álbum iba a titularse precisamente así, “Liquid Dookie”, pero fue cambiado finalmente ya que lo consideraron “demasiado grosero”, por lo que lo cambiaron a, simplemente, “Dookie”. El diseño de la portada es una ilustración de Richie Bucher, que describió en ella bombas lanzadas sobre personas y edificios. En el centro hay una explosión con el nombre de la banda en la parte superior.

El álbum fue bien recibido por algún sector de la crítica especializada, como Allmusic que describió a Dookie como “una obra estelar de punk moderno que muchos han tratado de emular pero nadie ha mejorado”. En 1994, Time consideró a “Dookie” el mejor disco de rock de ese año y el tercero mejor a nivel global. El New York Times, a comienzos de 1995, describió el sonido de “Dookie” como “punk que se vuelve pop rápido, divertido, pegadizo […]; la apatía rara vez sonó tan apasionada”.

Fuente: Wikipedia

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todas las letras escritas por Billie Joe Armstrong, excepto donde se indique, toda la música compuesta por Green Day)

  1.     «Burnout» – 2:07
  2.     «Having a Blast» – 2:45
  3.     «Chump» – 2:53
  4.     «Longview» – 3:58
  5.     «Welcome to Paradise» – 3:44
  6.     «Pulling Teeth» – 2:30
  7.     «Basket Case» – 3:01
  8.     «She» – 2:14
  9.     «Sassafras Roots» – 2:37
  10.     «When I Come Around» – 2:58
  11.     «Coming Clean» – 1:34
  12.     «Emenius Sleepus» (letra: Mike Dirnt) – 1:43
  13.     «In the End» – 1:46
  14.     «F.O.D.» – 5:47 (contiene el tema oculto «All by Myself»)

Calidad: FLAC

 

 

 


Karmas Colectivos – El Último Sueño [MiniLP] (1987)

 

[Ciclo de Rock Ibérico]

 

A mediados de 1982 nace el grupo valenciano Karmas Colectivos, un sexteto fuertemente influenciado por la música británica de la época, tomando como referentes a grupos de la talla de U2, Simple Minds o The Cure. La formación la lideraba un veterano de la música valenciana, Vicente Comas “Paloma”, antiguo integrante de Stardust, Doble Zero, Fanzine o Tomates Eléctricos, entre otros; junto a Comas, encontramos a Salva Ortiz (batería), Vicente Sabater (teclados), José Luis Granell (saxo), Salva Sanambrosio (bajo) y Sol Rodríguez (coros).
 
Miguel Jiménez, amigo de “Paloma”, se responsabiliza de la banda como manager y así, en 1985, quedan finalistas del certamen Pop Rock’85 de la Comunidad Valenciana, participando poco después en la grabación del disco del concurso (editado por Val-Disc), con el tema “Existencia”, una muestra más que respetable del mejor sonido del sexteto elaborada por toda la banda.
 
Al año siguiente ganan el concurso organizado por la cadena SER, a escala nacional, lo que les lleva a grabar en los Estudios Kirios de Madrid su primer maxi-single, “Psicodependencia”, producido por los propios Karmas Colectivos y José Godofredo, miembro de Ceremonia, que solía colaborar esporádicamente con el sexteto, y editado por DRO en 1986. Cabe remarcar que el tema “Apoyada en el Aire” les sirvió como reclamo para la promoción del Maxi, el cual llegó a estar en el numero dos en las listas de R.N.E.
 
A partir de entonces el grupo disfruta de sus mejores momentos con abundantes conciertos, discográficas interesadas, críticas inmejorables, etc. A mediados de 1987, la banda hace una incursión en los estudios U.M.A. de Castellón para grabar lo que sería su primer Mini-Lp, al que titularon «El Último Sueño», compuesto por seis vigorosas canciones donde predominaron aún más los sonidos eventuales venidos de las islas británicas. Incluso en ocasiones, la voz de Vicente Comes llega a parecerse enormemente a la emitida por el líder de los Simple Minds, Jim Kerr. Con producción de Jo Dworniak y Duncan Bridgeman, los que fueran cerebros de I Level, el Mini-Lp fue editado por la novedosa compañía discográfica valenciana Plataforma Discos, que de esta manera ve como inauguran sus referencias.
 
Como primer sencillo se extrajo “En Cualquier Dimensión”, que apareció como cara B, mientras que en el otro lado se reflejó la misma pieza en inglés, “In Any Dimension”. El disco contaría con ediciones especiales en inglés para Europa y Norteamérica, publicadas por Midnight Music (los mismos temas regrabados en inglés y producidos por Nick Ralph), recibiendo un gran reconocimiento por parte de los críticos musicales de países tan dispares como Francia, Alemania, Holanda y Bélgica, gracias a su versión en Europa de “El Último Sueño”/”The Last Dream”, e incluso celebran importantes conciertos al lado de The Essence, Front 242 o Sad Lovers And Giants.

El disco contó con una modificación en su formación, Sol Rodríguez, compañera sentimental de Vicente Comes hasta la fecha, contrajo matrimonio con éste, y a su vez dejó a Karmas Colectivos desempeñando unas tareas mas hogareñas.

Un segundo single emergió de su Mini-Lp, “Shu Enna”, un vinilo de edición limitada en el que compartirían surcos con otro grupo valenciano del mismo sello Plataforma Discos, Carmina Burana. Siguiendo en 1987 Midnight Music edita un recopilatorio con varios grupos de su alineación llamado ‘Diamonds In The Dark’, y Karmas Colectivos aporta el tema en su versión inglesa de “No Quiero Estar en esta Guerra”/”I Don´t Want to Get into this War”. Front 242, The Essence, A Popular History Of Sign o Carmina Burana figuran en éste extraordinario larga duración.

Por estas mismas fechas, participan en varias ocasiones en “El gran musical”, llegando a actuar ante 50.000 personas en la Playa de la Malvarrosa. A finales de ese mismo año graban “El Joc de Viure (El juego de vivir)” -compuesta por Miquel Gil, miembro de Terminal Sur, y adaptada por los mismos Karmas Colectivos-, que formaría parte del recopilatorio en lengua valenciana “Un Poc de Rock”. Un grupo con estas tendencias y raíces británicas resultaba extrañísimo oírles cantar en valenciano.

Debido a las continuas idas y venidas de sus componentes, que alternaban Karmas Colectivos con otras formaciones, el quinteto se va apagando poco a poco; Vicente Sabater y Salva Ortiz que ya están muy metidos en Presuntos Implicados, prefieren la popularidad de los de Yecla (y dinero), que ir a los, cada vez mas escasos, conciertos de Karmas Colectivos; lo que provocaría su separación definitiva a finales de 1987, echándose a perder un magnífico ejemplar único y difícil de igualar.

Fuente: NuevaOla80s / ValenciaCanta
 

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Karmas Colectivos» – 4:14
  2. «Shu Enna» – 5:34
  3. «Esperaré» – 4:50
  4. «No Quiero Estar en esta Guerra» – 3:52
  5. «En Cualquier Dimensión» – 4:24
  6. «El Último Sueño» – 3:16

Calidad: 320 Kbps

 

Gracias a Surfinbicho en el blog DerribosBajoelAgua por este archivo.

 

 

 


Yardbirds – Greatest Hits (2000)

 

[Otras Músicas]

 

 

 

The Yardbirds es un grupo de rock y rhythm & blues británico formado en 1963, particularmente activo durante la década de 1960, siendo una de las bandas de la llamada Invasión británica. La banda se separó en 1968, aunque volvieron a la actividad en los años 1990.

Su estilo estuvo enfocado en una especie de versión inglesa de lo que estaban haciendo los músicos tradicionales de blues norteamericanos, y del mismo modo llegaron a trabajar en colaboración con destacados bluesmen como Sonny Boy Williamson II. Aparte de la influencia que tuvo en la época, la cual fue moderada, las razones por las que más se recuerda a esta agrupación es porque de sus filas salieron tres de los guitarristas más importantes de la historia del rock: Eric Clapton, Jeff Beck y Jimmy Page, y por ser el grupo precursor a Led Zeppelin.

El grupo se formó en las afueras al sur-oeste de Londres, como derivación del Metropolitan Blues Quartet, grupo que Keith Relf (voz) y Paul Samwell-Smith (bajo) habían formado originalmente. Después de unírseles Chris Dreja (guitarra), McCarty (batería) y “Top” Topham (guitarra), a finales de mayo de 1963, se decidió cambiar el nombre a Blue-Sounds, y luego de un par de conciertos en septiembre de 1963, se decidieron por el nombre definitivo: Yardbirds, que era a la vez una expresión para vagabundos merodeando por los patios del ferrocarril esperando un tren, y también una referencia al saxofonista de jazz Charlie “Yardbird” Parker.

El guitarrista original Anthony “Top” Topham decidió irse y fue reemplazado por Eric Clapton en octubre de 1963. El empresario Giorgio Gomelsky se convirtió en apoderado de la banda y en su primer productor. Bajo la dirección de Gomelsky los Yardbirds firmaron con sello Columbia-EMI en febrero de 1964. Su primer álbum fue el “Five Live Yardbirds”, un directo grabado en el mítico Marquee Club de Londres.

Clapton por su parte también se aleja del grupo para formar Cream, siendo reemplazado por un joven y aún ignoto Jeff Beck en 1965; con Beck grabarían entre 1965 y 1966 los LPs “Having a Rave Up” y “Yardbirds”. El bajista Samwell-Smith se retira de la banda, y es reemplazado provisoriamente por Jimmy Page, un reputado sesionista en aquel entonces, por lo cual Page y Beck convivieron en las filas de los Yardbirds por un breve período, aquel en bajo y este en primera guitarra: a ambos se los puede ver juntos en la fugaz aparición de la banda en la cinta “Blow-Up” de Michelangelo Antonioni (1966), interpretando el tema “Stroll On”. No obstante Beck también se aleja del grupo en 1966, para seguir sus proyectos personales, pasando Jimmy Page a la primera guitarra, y constituyéndose The Yardbirds en cuarteto, con el guitarrista rítmico Chris Dreja pasando al bajo. Con esa formación (Page-Dreja-Relf-McCarty) grabarían el álbum “Little Games” (1967), un disco de rock psicodélico y R&B que marcaría la disolución del grupo.

Cuando The Yardbirds se disuelve, hacia 1968, Jimmy Page decide reunir a una nueva banda a su alrededor que en principio sería bautizada como “The New Yardbirds”; poco después esta nueva banda derivaría en Led Zeppelin.

«Greatest Hits» es un álbum recopilatorio de Yardbirds editado en Alemania en el año 2000 por el sello Flash, con producción de Masters Records. Recoge algunos de sus temas más famosos y algunas rarezas.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

 

  1.  «For Your Love» – 2:30
  2.  «I’m a Man» – 2:32
  3. «Pretty Girl» – 3:02
  4. «Five Long Years» – 1:40
  5. «Jeff’s Blues» – 1:38
  6.  «Shapes of Things» – 2:21
  7. «Steeled Blues» – 1:37
  8. «The Train Kept a Rolling» – 1:40
  9. «Boom Boom» – 2:20
  10. «Got Love If You Want It» – 2:30
  11. «Evil Hearted You» – 2:20
  12. «I Ain’t Got You» – 1:58
  13. «Good Morning Little Schoolgirl» – 2:43
  14. «My Girl Sloopy» – 1:37
  15. «A Certain Girl» – 2:15
  16. «Here’t Is» – 1:35

Calidad: 320 Kbps (a 48000 Hz)

 

Gracias a la compañera Minie por el archivo wav que ripeé a mp3 de máxima calidad.

 

 

 

 


Nirvana – MTV Unplugged in New York [1994]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

Nirvana fue una banda de grunge y rock alternativo estadounidense procedente de Aberdeen, Washington, integrada por el vocalista y guitarrista Kurt Cobain y el bajista Krist Novoselic en 1987. Desde su formación, Nirvana pasó a través de una serie de frecuentes cambios de baterista hasta que en 1990 se les unió definitivamente el baterista Dave Grohl. Nirvana actualmente es considerada como una de las bandas más importantes e influyentes de la era moderna.

A finales de la década de los años 80 Nirvana se estableció como parte de la escena musical de Seattle con su álbum debut “Bleach”, lanzado bajo el sello independiente de Seattle, Sub Pop, en 1989. La banda finalmente llegó a desarrollar un sonido que se basaba en los contrastes dinámicos, a menudo versos tranquilos y coros intensos. Un año más tarde, la banda firmó con la discográfica DGC Records y en 1991 lanzó su segundo álbum: “Nevermind”. El primer sencillo del álbum, “Smells Like Teen Spirit”, escaló las listas musicales en todo el mundo e inició la explosión de lo que hasta ese momento era conocido como punk y rock alternativo en la escena musical mundial, en un movimiento al que los medios de la época se referirían como grunge. Además de Nirvana, otras bandas de la escena musical de Seattle como Pearl Jam, Alice in Chains y Soundgarden también ganaron popularidad; como resultado, el rock alternativo se convirtió en el género dominante en la radio y la televisión musical durante la primera mitad de la década de los 90.

El líder de la banda, Kurt Cobain se encontró a sí mismo referido en los medios de comunicación como «la voz de una generación» y a Nirvana como la «banda símbolo» de la Generación X. Cobain se sentía incómodo con la atención que se les brindaba y decidió enfocar la atención del público hacia la música de la banda, retando a la audiencia con su tercer álbum de estudio, “In Utero”. El álbum no tuvo el éxito ni las ventas esperadas y la popularidad de Nirvana disminuyó en los meses siguientes a la publicación del álbum. Sin embargo, buena parte de su audiencia alabó el interior «oscuro» de la banda, en especial después de su presentación en MTV Unplugged.

La corta carrera de Nirvana concluyó con la muerte de Cobain en 1994, pero su popularidad creció aún más en los años posteriores. Ocho años después de la muerte de Cobain, “You Know You’re Right”, una demo nunca terminada que la banda había grabado dos meses antes de la muerte de Cobain, escalaba las listas de radio y música de todo el mundo. En 2004 fueron colocados en el puesto nº 27 en la lista de los 100 mejores artistas de todos los tiempos de la revista Rolling Stone y en el puesto nº 14 según la revista Vh1. Desde su debut, la banda ha vendido más de 75 millones de álbumes a nivel mundial, incluyendo 10 millones de ejemplares de “Nevermind” en EUNA y 30 millones en todo el mundo. En el año 2014 Nirvana ingresó en el Salón de la Fama del Rock and Roll.

En noviembre de 1993, el grupo decide detenerse en la gira de promoción de “In Utero” y graba una aparición en MTV Unplugged el 18 de ese mes en los Estudios Sony Music de Nueva York, que se titularía «MTV Unplugged in New York», siendo editado un año más tarde, en noviembre de 1994, por Geffen Records. Las sesiones acústicas revelan la profundidad de las composiciones de Cobain, que frecuentemente estaban “enterradas” bajo el “agresivo” sonido de la banda. La selección de canciones también demostró el gran interés musical de Cobain por elegir temas originales de David Bowie, The Vaselines, Meat Puppets (que acompañó en las tres canciones suyas que la banda versionó), y del cantante de folk estadounidense Leadbelly.

“MTV Unplugged in New York” fue aclamado por los críticos como prueba de que la banda podía trascender el sonido grunge al que estaba comúnmente asociada, y también hizo una “radiografía” del diverso gusto de la banda en música. Los críticos resaltaron especialmente los “íntimos” y “menos ruidosos” arreglos, como el acompañamiento de cuerdas en varias canciones así como la batería de Dave Grohl más suave en comparación con su usual forma de tocar, que permitieron que las excelentes habilidades para escribir canciones de Kurt brillaran en todo el concierto.

El álbum abrió su primera semana en el número 1 del Billboard 200 estadounidense (además de ser nº 1 en Reino Unido, Austria, Holanda, España, Australia y Nueva Zelanda), las ventas superan a su tercer álbum de estudio “In Utero” y ganó un premio Grammy por Mejor Álbum de Música Alternativa en 1996. Este se convirtió en uno de los momentos más importantes de la banda, que sería amplificado por la tragedia que se avecinaba, ya que el viernes 8 de abril de 1994, el cuerpo sin vida de Cobain fue descubierto por un electricista en su casa de Seattle.

“About a Girl” fue lanzado como el único single comercial del álbum en octubre de 1994, con la versión del Unplugged de “Something in the Way” como lado b. Fue lanzado en CD sólo en Australia y Europa, y se situó como nº 3 en EUNA, nº 4 en Australia y Lituania, y nº 7 en Canadá y Eslovaquia. Singles promocionales fueron lanzados para “The Man Who Sold the World” (nº 1 en Lituania, 4 en Eslovaquia y 6 en EUNA), “Polly”, “Lake of Fire” y “Where Did You Sleep Last Night”.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas de Kurt Cobain, excepto indicados)

  1. «About a Girl» – 3:38
  2. «Come As You Are» – 4:13
  3. «Jesus Doesn’t Want Me for a Sunbeam» (The Vaselines) – 4:37
  4. «The Man who Sold the World» (David Bowie) – 4:21
  5. «Pennyroyal Tea» – 3:40
  6. «Dumb» – 2:52
  7. «Polly» – 3:16
  8. «On a Plain» – 3:44
  9. «Something in the Way» – 4:01
  10. «Plateau» (Meat Puppets) – 3:38
  11. «Oh Me» (Meat Puppets) – 3:26
  12. «Lake of Fire» (Meat Puppets) – 2:55
  13. «All Apologies» – 4:23
  14. «Where Did You Sleep Last Night» (Huddie Leadbelly) – 5:06

Calidad: FLAC

 

 

 


Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota – Último Bondi a Finisterre [1998]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota (o simplemente Los Redondos) fue un grupo argentino de rock, formado en la ciudad de La Plata en 1976 y liderada por Carlos Alberto «Indio» Solari y Eduardo «Skay» Beilinson. En 1978 realizaron su primera presentación en Buenos Aires, con el reconocido guitarrista Conejo Jolivet, quien oficiaba de la primera guitarra, y el tecladista Roddy Castro quien además facilitó su lugar en las míticas salas de ensayo del subsuelo de la Av. Corrientes casi Av. 9 de julio. Posteriormente siguieron tocando en teatros underground hasta 1979, año en el que la banda decidió interrumpir momentáneamente sus shows. En 1981 el grupo retomó el rumbo de los pubs, para llegar a grabar su primer demo profesional en 1982, registradas en RCA en el demo “Demos RCA + Festival Pan Caliente”, que logran una importante difusión en las emisoras FM porteñas.

La banda creó con su música una original estética del rock, alcanzando masividad sin entrar en el circuito cultural oficial; manteniéndose independiente al margen de la industria musical durante sus 25 años de actividad y transformándose en la única banda (junto con La Renga) que, por principios, jamás se apoyó en los medios para difundir su trabajo. En general los recitales eran promovidos por el “boca en boca”. Por este motivo siempre fue una banda que estuvo al margen de festivales, reconocimiento mediático o premiaciones, sólo la Fundación Konex reconoció su trayectoria en 1995 con un Diploma al Mérito y en 2005 con el Premio Konex de Platino a la mejor banda de rock de la década, compartido con Divididos.

Considerada como una de las bandas más importantes del rock argentino y una de las más influyentes del rock en castellano, su obra siempre estuvo marcada por las metáforas en sus letras, la cultura, el vanguardismo en su puesta en escena y un imperante misticismo en sus obras gráficas. Representa un paradigma contracultural, reforzado y marcado por su producción independiente. Su influencia se ve en bandas como La Renga, Callejeros, Los Piojos, Los Gardelitos, Salta la Banca, El Bordo, La Beriso, Las Pastillas del Abuelo o Árbol.

Musicalmente, se destacan por sus instrumentales sumamente creativos, por una primera guitarra siempre presente ―ejecutando riffs y solos― en combinación con la voz y con agregados de otros instrumentos, tales como el saxofón, el violín, la trompeta, el piano, la armónica o percusión en varias de sus canciones.

En el año 1998 llamaron nuevamente a Conejo Jolivet, para incorporarse definitivamente a la banda. Toca casi todas las canciones del concierto en Racing Club, al que asisten 120.000 personas. Al mismo tiempo graban junto al asistente de la banda El Soldado un álbum llamado “Tren de Fugitivos”, en el que participan Skay, Semilla, Sidotti, Dawi, Indio y Conejo, con gran repercusión under. Para 1998 también, en los shows de Racing, se incorporó a la banda como miembro estable Hernan Aramberri en batería, quien trabajó progresivamente a partir de “Lobo Suelto, Cordero Atado” (1993), programando samplers.

«Último Bondi a Finisterre» es el octavo álbum de estudio de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, grabado en los estudios Del Cielito, con producción del propio grupo, y publicado en 1998 por Patricio Rey Discos, siendo distribuido por DBN. La grabación presenta un giro en el tradicional sonido del grupo, con canciones más melódicas y mayor uso de las posibilidades que brinda el estudio y las computadoras en la confección de una canción de rock. Temas como “Gualicho”, “Las increíbles andanzas del Capitán Buscapina en Cybersiberia”, “Pogo”, “Estas frito Angelito” y “La pequeña novia del carioca” se han convertido en clásicos de la banda. Este material fue presentado las noches del 18 y 19 de diciembre en el estadio de Racing Club de Avellaneda, totalizando 90.000 espectadores.

Musicalmente, la banda revolucionó su sonido ya que el avance en la técnica de los samplers era muy grande, proponiendo sonidos nuevos. Esto hizo que el Indio Solari quisiera que el nuevo CD estuviera centrado en esos nuevos sonidos. Las letras también cambiaron, centrándose en los avances tecnológicos y la superioridad que presentaba la máquina frente al hombre. Según sus propias palabras:

“Nos dimos el gusto de hacer un producto no estándar. Este trabajo del sonido, que parece una novedad, en nuestros demos está hace mucho. Yo ya componía a partir de la computadora y el sampler y después reemplazaba la programación por la banda, pero quedaban muchas texturas por el camino. Ahora decidimos dejar las cosas sin que el pulso rockero de Los Redondos se apoderara de todo el asunto. Y, en realidad, el acto fundacional tiene que ver con Luzbola, que es nuestro estudio propio. La tecnología te permite plagiar, secuestrar sonidos y eso es rico porque amplía el campo posible de la música. Para nosotros, a esta edad sería un castigo tener que estar todos los sábados “chan-chan-chan”. Eso ya es trabajar de uno mismo, hacer de clásico.”

El arte de carpeta fue realizado una vez más por el ilustrador Rocambole. Originalmente iba a ser una caja metálica que se abría como una navaja. El relieve que tiene está tomado de la caja del whisky Chivas Regal. Esta es la primera vez que se vio a Los Redonditos de Ricota en la tapa de un disco, aunque en realidad no son ellos sino sus clones digitales.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas compuestos por Beilinson/Solari, con la ayuda de Semilla Bucciarelli en “Gualicho”)

  1.  «Las Increíbles Andanzas del Capitán Buscapina en Cybersiberia» – 4:44
  2. «Estás Frito, Angelito» – 4:34
  3. «El Árbol del Gran Bonete» – 5:12
  4. «Gualicho» – 4:47
  5. «Pogo» – 4:46
  6. «Alien Duce» – 3:14
  7. «La Pequeña Novia del Carioca» – 4:50
  8. «Drogocop» – 3:06
  9. «Scaramanzia» – 5:29
  10. «Esto Es To-to-todo Amigos!» – 3:37
Calidad: FLAC

 

 

 


Throwing Muses ‎– Chains Changed (EP) [1987-Reed.1998]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

Throwing Muses fue una banda de rock alternativo norteamericana formada en 1983 en Newport, Rhode Island, y que estuvo activa hasta 1997, cuando sus miembros comenzaron a concentrarse más en otros proyectos. El grupo fue liderado inicialmente por dos cantantes, Kristin Hersh y su hermanastra Tanya Donelly, quienes eran las que escribían las canciones del grupo. Throwing Muses son conocidos por interpretar música con ritmos cambiantes, técnicas de percusión evitando el uso de los platillos, progresiones de acordes creativas, canciones con estructuras poco ortodoxas y letras surrealistas.

El grupo se distinguía de sus contemporáneos por el estilo de escritura sincera de Hersh, el toque pop con armonías vocales de Donelly y las técnicas de percusión inusuales de David Narcizo, evitando el uso de los platillos. Las alucinógenas y febriles canciones de Hersh en ocasiones se referían a temas de enfermedad mental, aunque más a menudo dibujaban retratos de personajes de la vida diaria o abordaban relaciones interpersonales.

Tras la edición de su primer EP homónimo en 1984 y las demos agrupadas en lo que se conocería como “The Doghouse Cassette” en 1985, el productor Gary Smith de Fort Apache Studios les procuró un contrato con el sello 4AD, favoreciendo entonces la grabación de su álbum debut, “Throwing Muses”, editado en agosto de 1986 por 4AD en el Reino Unido. De hecho, fue el primer disco de una banda norteamericana publicado por esta discográfica, que se había concentrado únicamente en conjuntos británicos hasta entonces. Este lanzamiento marcó un cambio de dirección en el sello, ya que un año más tarde contrataría a Pixies, basado parcialmente en la conexión entre ambos grupos, y a mitad de los 90 muchos de los trabajos editados por la disquera pertenecían a bandas norteamericanas.

A finales de ese mismo año (1986) grabaron en los estudios The Town House el EP «Chains Changed», con producción nuevamente de Gil Norton, que fue editado en enero de 1987 por el sello 4AD. El trabajo contiene tres temas de Kristin Hersh y uno de Tanya Donelly, de entre ellos destacó “Cry Baby Cry”. El diseño de carpeta fue de 23 Envelope, con fotografía de portada de Andrew Catlin.

El material que acompaña a esta reedición de 4AD realizada en 1998 son canciones compuestas durante los inicios del grupo, en 1983, que permanecían inéditas y fueron regrabadas en 1996 expresamente para esta edición, con producción del baterista David Narcizo.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas de Kristin Hersh, excepto 2 de Tanya Donelly)

  1. «Finished» – 3:50
  2. «Reel» – 2:47
  3. «Snail Head» – 2:37
  4. «Cry Baby Cry» – 4:23
  5. «Catch» (bonus) – 3:03
  6. «Lizzie Sage» (bonus) – 3:26
  7. «Clear and Great» (bonus) – 2:47
  8. «Doghouse» (bonus) – 1:32
  9. «People» (bonus) – 2:25

Calidad: 320 Kbps (a 48000 Hz)

 

 

Gracias al compañero Jaimolin por el archivo wav que ripeé a mp3 de máxima calidad.

 

 

 

 


Elastica – Elastica [1995-Reed.1996]

[Resubida Mejorada]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

Elastica fue un grupo inglés enmarcado en el Britpop, famoso por su música pegadiza y angular, influenciada por el punk rock. Son conocidos por su álbum “Elastica” de 1995, un éxito comercial y crítico tanto en el Reino Unido como en otros países. La banda fue creada a mediados de 1992 por Justine Frischmann y Justin Welch, quienes habían tocado efímeramente en Suede y Spitfire; incorporándose posteriormente, en el otoño de ese mismo año, Annie Holland y Donna Matthews (ex Darling Buds). Inicialmente tocaron bajo el nombre de Vaseline & Onk, pero tras intimaciones legales del grupo escocés The Vaselines, adoptaron finalmente el nombre Elastica.
 
Su primer single, titulado “Stutter”, salió a la venta en 1993, con muy buena recepción gracias a los DJ’s de Radio One de la BBC y al dueño de Deceptive Records, Steve Lamacq, quien los había descubierto a principios de ese año. En 1994, editaron su primer single oficial en el Reino Unido, que incluía las canciones “Line Up” y “Connection” y que tuvo gran repercusión en las radios del viejo continente. Ayudó también a incrementar la popularidad de la banda, el romance que Justine comenzó con el cantante de Blur, Damon Albarn.
 
El primer disco de la banda, llamado «Elastica», fue publicado en marzo de 1995 por Deceptive Records, llegando al nº 1 del ranking inglés y convirtiéndose en uno de los álbumes más rápidamente vendidos en la historia del Reino Unido. Le siguió el single “Waking Up”, el cual se ubicó en el puesto 13. “Elastica” fue nominado a un Mercury Music Prize. En EUNA, Elastica recibió difusión en las radios especializadas en Modern Rock Tracks, llegando los temas “Connection” y “Stutter” a figurar dentro de los mismos rankings pop de Billboard. En 1995 participaron en el festival de Glastonbury y el festival Lollapalooza, estando un año entero de gira.
 
Al paso del tiempo, Annie Holland se alejaría de la banda acusando agotamiento. En 1996 vuelven a los estudios a grabar demos para lo que sería su nuevo disco, proyecto que no se concreta. En 1998, Donna Matthews abandona la banda y reingresa Annie Holland. Un disco con material de los “años Perdidos” será editado en 1999 en forma de EP con 6 tracks, contendiendo gran número de temas inéditos. Después de regrabar esas canciones para un álbum de estudio regular, la banda vuelve a presentarse en vivo tras años de no tocar. En abril de 2000, finalmente editan su segundo disco, “The Menace”.
En 2001, después de la edición de un single de despedida, “The Bitch Don’t Work”, la banda anuncia su amigable separación.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Disco 1 (original):

  1. «Line Up» (Justine Frischmann/Elastica) – 3:15
  2. «Annie» (Donna Matthews/Elastica) – 1:13
  3. «Connection» (Justine Frischmann/Elastica) – 2:20
  4. «Car Song» (Justine Frischmann/Elastica) – 2:24
  5. «Smile» (Frischmann/Matthews/Elastica) – 1:40
  6. «Hold Me Now» (Frischmann/Matthews/Elastica) – 2:32
  7. «S.O.F.T» (Justine Frischmann/Elastica) – 3:57
  8. «Indian Song» (Justine Frischmann/Elastica) – 2:46
  9. «Blue» (Donna Matthews/Elastica) – 2:21
  10. «All-Nighter» (Justine Frischmann/Elastica) – 1:33
  11. «Waking Up» (Frischmann/Hugh Cornwell/Jean Jacques Burnel/David Greenfield/Brian Duffy) – 3:15
  12. «2:1» (Justine Frischmann/Elastica) – 2:31
  13. «See that Animal» (Anderson/Frischmann/Elastica) – 2:21
  14. «Stutter» (Justine Frischmann/Elastica) – 2:22
  15. «Never Here» (Justine Frischmann/Elastica) – 4:26
  16. «Vaseline» (Justine Frischmann/Elastica) – 1:23

Disco 2 (bonus):

  1. «Car Song» (LP Version) – 2:26
  2. «Car Song» (Live en Tokyo) – 2:21
  3. «Bar Bar Bar» (Demo) – 2:30
  4. «Jam (II)» (Live en Tokyo) – 0:41
  5. «Gloria» (Live en Tokyo) – 2:56

Calidad: FLAC

 

 

 


Echo & The Bunnymen – Lips Like Sugar (Maxi) [1987]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

Echo & the Bunnymen es una banda británica de post-punk, new wave e indie-rock formada en Liverpool en 1978. La formación original la constituían Ian McCulloch (ex Crucial Three), Will Sergeant y Les Pattinson, complementados por una caja de ritmos que muchos dedujeron que era “Echo”, aunque la banda siempre lo haya negado. Su discografía consiste en once discos de estudio, diez álbumes en directo, nueve álbumes recopilatorios, ocho EP y treinta sencillos publicados por Zoo Records, WEA y sus subsidiarias Korova, Sire Records, London Records y Rhino, Cooking Vinyl y Ocean Rain Records, además de cinco VHS/DVD y veintidós videoclips.

Cuando lanzaron su álbum debut en 1980, “Crocodiles” -un éxito moderado en el Reino Unido- la caja de ritmos se reemplazó por Pete de Freitas. El siguiente trabajo, el aclamado por la crítica “Heaven Up Here”, alcanzó el Top Ten en 1981, igual que “Porcupine” en 1983 y “Ocean Rain” en 1984. Sencillos como “The Killing Moon” (más tarde usado en la banda sonora de Donnie Darko, una película cuya imaginería debe mucho a los diseños de los primeros discos de la banda), “Silver”, “Bring on the Dancing Horses” y “The Cutter” ayudaron a mantener la atención del público en el grupo cuando se tomaron un breve descanso a finales de los años 80. El álbum de 1987 homónimo tuvo un cierto éxito en Estados Unidos de Norteamérica y fue el único trabajo que consiguió ventas significativas allí.

McCulloch abandonó la banda en 1988. De Freitas murió en un accidente de motocicleta un año más tarde, en la Isla de Man. Los demás decidieron continuar, reclutando a Noel Burke para reemplazar a McCulloch como cantante en “Reverberation” (1990), que no consiguió mucha repercusión entre los seguidores ni la crítica. Burke, Sergeant y Pattinson se separaron después, pero los tres miembros supervivientes de la banda original volvieron a unirse en 1997 y lanzaron “Evergreen, What Are You Going to Do with Your Life?” (1999), “Flowers” (2001) y “Siberia” (2005). Jake Brockman, ex-teclista de la banda murió en 2009 en circunstancias similares a De Freitas.

El maxi «Lips Like Sugar» es un sencillo de Echo & the Bunnymen editado en agosto de 1987 por Korova en el Reino Unido y por Sire Records en el resto del mundo, con producción de Laurie Latham, Gil Norton y el propio grupo. Fue el segundo sencillo extraído de su álbum epónimo de 1987 “Echo & the Bunnymen”. El tema alcanzó el nº 24 en Irlanda, el nº 36 en Reino Unido y el nº 43 en Nueva Zelanda.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1.  «Lips Like Sugar» (12″ Mix) – 6:44
  2. «Rollercoaster» – 4:02
  3. «Lips Like Sugar» (Dub) – 6:36
  4. «Lips Like Sugar» (Single Mix) – 4:24

Calidad: FLAC

 

 

 


Caifanes – El Silencio [1992]

 

[Ciclo de Rock Latinoamericano]

 

Caifanes es una banda mexicana de rock que estuvo activa de 1987 a 1995 y que volvió a escena a partir de 2011. Teniendo como origen la formación Las Insólitas Imágenes de Aurora, Caifanes emergió de la escena local de Ciudad de México como parte de la campaña difusora denominada Rock en Tu Idioma a finales de los años ochenta. En dicho tenor, dos de sus canciones (“Antes de que nos olviden” y “Será por eso”) están consideradas dentro de las 100 mejores (musicalmente) del rock mexicano. Cinco más de ellas (“Afuera”, “La célula que explota”, “Nubes”, “No dejes que…” y “Viento”), se encuentran dentro de las 120 más representativas (comercialmente) del rock latinoamericano.

En el lenguaje urbano, un «Caifán» es aquel que se resiste al engaño y a las compensaciones materiales y busca en el alma su recompensa. Por ello, su visión de la vida es siempre la de un abismo, pero un abismo poblado de prodigios. En los años 40 como en los 90, «Caifán» quiere decir inconforme.

La banda empezó como un cuarteto conformado por Saúl Hernández (guitarra y voz), Alfonso André (batería), Sabo Romo (bajo) y Diego Herrera (teclado y saxofón), lanzando en 1988 el álbum debut “Caifanes”. En 1989 se unió Alejandro Marcovich (guitarra líder) y, estructurados como quinteto, publicaron los álbumes “Caifanes. Volumen II” (mejor conocido como “El Diablito”) y “El silencio”. Al final de 1993 Romo y Herrera dejarían la banda y el trío restante publicaría el cuarto álbum, “El Nervio del Volcán”. Eventualmente, diferencias entre Hernández y Marcovich llevarían a la desintegración de Caifanes en 1995. Hernández continuaría con el proyecto Jaguares, el cual incluiría piezas de Caifanes además de nuevo material. Finalmente, en 2011, una vez reconciliado con Marcovich, Hernández formalmente reviviría Caifanes como quinteto.

El trayecto no fue fácil; la banda había juntado un presupuesto y tenían en mente grabar un disco bajo el cobijo de algún productor español; lamentablemente, el dinero comenzó a escasear y solo alcanzó para grabar un demo de cuatro canciones. La primera parada en una casa disquera fue en la desaparecida CBS México, en donde el director general de aquella casa disquera al ver su aspecto gótico, similar al look post punk de aquella época, no tuvo otra descripción de ellos que: “Parecen putos”. El gerente de la sucursal mexicana de CBS, escuchó con atención aquella cinta que la agrupación llevó, el trabajo fue de su agrado, pero por su aspecto y tras escuchar el demo de “Será por eso”, les negó algún contrato en firme, argumentando: “En CBS, nuestro negocio es vender discos, no ataudes”.

Cachorro López (productor de Los Abuelos de la Nada, Miguel Mateos, Andrés Calamaro) estaba midiendo el poder de convocatoria de Caifanes y no vaciló en darles su apoyo incondicional. El resultado fue la grabación de un primer LP, precedido del primer trabajo discográfico del grupo, que sería un EP con tres canciones, producido con la intención de probar la aceptación del grupo entre la posible audiencia; el resultado fue la venta de más de trescientas mil copias y, por lo tanto, la edición del primer LP.

Su primer álbum, “Caifanes” (también conocido por “Volumen I”, en referencia al siguiente álbum: “Caifanes. Volumen II”), fue editado en agosto de 1988 por RCA Ariola con producción de Cachorro López y el propio grupo. Los sencillos de este disco fueron “Mátenme porque me muero” y “Viento”, el primero de ellos fue su primer éxito. Gustavo Cerati, en aquel entonces guitarrista de Soda Stereo, participó como músico invitado en la grabación del álbum tocando la guitarra en “La bestia humana”.

En septiembre de 1989 el guitarrista Alejandro Marcovich se integró al grupo y ya con una formación sólida, como quinteto, se dirigió a Nueva York a grabar su segunda placa entre octubre y noviembre de ese año, de nuevo bajo la dirección de Óscar López en colaboración con Gustavo Santaolalla, Cachorro López y Daniel Freiberg. El resultado de este trabajo fue el “Volumen II”, mejor conocido como “El Diablito” (esto se debe a que en la portada del disco se incluye la imagen de un diablo que recuerda una tarjeta de lotería, acompañado por una leyenda que dice justamente: “El diablito”), editado por RCA / BMG Ariola en junio de 1990.

Después, se dirigieron a Wisconsin a grabar con Adrian Belew su tercer disco y, así, en mayo de 1992 RCA/BMG editó «El Silencio», su álbum más representativo y que es juzgado como la obra cumbre de la agrupación. Este disco se considera un clásico también, porque contiene una gran parte de los temas más representativos de Caifanes, interpretados por su formación como quinteto, además de que el uso de fusiones entre rock y música mexicana y latina se extiende a una gran cantidad de piezas.

Antes de que se publicara “El Silencio”, The Cure estaba en México y se propuso a Caifanes abrirle, pero se rehusaron puesto que primero querían presentar el álbum antes de hacer cosa alguna. Cuando dicho álbum salió a la venta, el grupo ya era un éxito en México, Centroamérica, algunos países de Sudamérica y entre la comunidad hispana de EUNA. En agosto de 1992 llenaron por completo el Hollywood Palladium de Los Ángeles.

Los temas promovidos como sencillos fueron “Nubes”, “Para que no digas que no pienso en ti” y “No dejes que…”. También destacaron del disco los temas “Piedra” (fusión de música mexicana y rock), “Metamorféame” (lo más acercado a un hard rock que Caifanes llegó a tener) y “Mariquita” (donde convierten un son jarocho anónimo en una canción de rock). Forma parte de la lista de los 100 discos que debes tener antes del fin del mundo, publicada en 2012 por Sony Music, y está considerado el álbum más importante del rock mexicano.

Según palabras de Saúl Hernández: “Ahí el grupo vivía otras circunstancias. Inclusive, personalmente. Era un momento extraño. Estábamos algo aislados, ya empezaba a haber como una especie de separación entre nosotros. No nos dábamos cuenta, pero estaba latente. Entonces, para mí, la única forma de plantear el disco era el silencio. Todo mundo pensaba muchas cosas, pero nadie se decía lo que quería. Hicimos el disco y estuvo padrísimo, pero fue de esos discos duros. Pero todavía había ganas de hacerlo, había amor. “Nos vamos juntos” la compuse para ellos. Pase lo que pase, vámonos. Todavía había esos momentos mágicos.”

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas de Saúl Hernández, excepto indicados)
 

  1.  «Metamorféame» (Caifanes) – 2:44
  2. «Nubes» (Saúl Hernández, Alejandro Marcovich, Sabo Romo) – 4:35
  3. «Piedra» (Saúl Hernández, Diego Herrera) – 4:34
  4. «Tortuga» (Saúl Hernández, Alejandro Marcovich) – 4:39
  5. «Nos Vamos Juntos» – 5:08
  6. «No Dejes Que…» – 4:40
  7. «Hasta Morir» (Saúl Hernández, Alejandro Marcovich, Alfonso André) – 3:45
  8. «Debajo de Tu Piel» – 3:31
  9. «Estás Dormida» (Alejandro Marcovich) – 3:37
  10. «Miércoles de Ceniza» – 4:53
  11. «El Comunicador» – 4:57
  12. «Para que No Digas que No Pienso en Ti» – 3:56
  13. «Vamos a Hacer un Silencio» – 5:16
  14. «Mariquita» (Tradicional) (bonus track) – 1:56
Calidad: FLAC

 

 

 


Elastica – The Menace [2000]

[Resubida Mejorada]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

Elastica fue un grupo inglés enmarcado en el Britpop, famoso por su música pegadiza y angular, influenciada por el punk rock. Son conocidos por su álbum “Elastica” de 1995, un éxito comercial y crítico tanto en el Reino Unido como en otros países. La banda fue creada a mediados de 1992 por Justine Frischmann y Justin Welch, quienes habían tocado efímeramente en Suede y Spitfire; incorporándose posteriormente, en el otoño de ese mismo año, Annie Holland y Donna Matthews (ex Darling Buds). Inicialmente tocaron bajo el nombre de Vaseline & Onk, pero tras intimaciones legales del grupo escocés The Vaselines, adoptaron finalmente el nombre Elastica.
 
Su primer single, titulado “Stutter”, salió a la venta en 1993, con muy buena recepción gracias a los DJ’s de Radio One de la BBC y al dueño de Deceptive Records, Steve Lamacq, quien los había descubierto a principios de ese año. En 1994, editaron su primer single oficial en el Reino Unido, que incluía las canciones “Line Up” y “Connection” y que tuvo gran repercusión en las radios del viejo continente. Ayudó también a incrementar la popularidad de la banda, el romance que Justine comenzó con el cantante de Blur, Damon Albarn. El primer disco de la banda, llamado “Elastica”, fue publicado en marzo de 1995, llegando al #1 del ranking inglés y convirtiéndose en uno de los álbumes más rápidamente vendidos en la historia del Reino Unido. Le siguió el single “Waking Up”, el cual se ubicó en el puesto #13.
 
En EUNA, Elastica recibió difusión en las radios especializadas en Modern Rock Tracks, llegando los temas “Connection” y “Stutter” a figurar dentro de los mismos rankings pop de Billboard. En 1995 participaron en el festival de Glastonbury y el festival Lollapalooza, estando un año entero de gira. Al paso del tiempo, Annie Holland se alejaría de la banda acusando agotamiento.
 
En 1996 vuelven a los estudios a grabar demos para lo que sería su nuevo disco, proyecto que no se concreta. En 1998, Donna Matthews abandona la banda y reingresa Annie Holland. Un disco con material de los “años Perdidos” será editado en 1999 en forma de EP con 6 tracks, conteniendo gran número de temas inéditos. Después de regrabar esas canciones para un álbum de estudio regular, la banda vuelve a presentarse en vivo tras años de no tocar. En abril de 2000, finalmente editan su segundo disco, “The Menace”. En 2001, después de la edición de un single de despedida, “The Bitch Don’t Work”, la banda anuncia su amigable separación.
 
«The Menace» (La Amenaza) es el segundo y último álbum de estudio de Elastica, editado por Deceptive Records en abril de 2000 en Reino Unido y en agosto de 2000 en EUNA y Europa por Atlantic. Al igual que su disco de estudio predecesor, “Elastica” (1995), tiene un sonido mas electrónico pero con el mismo estilo, este album fue llamado así porque era “una amenaza en todos los sentidos”, segun palabras de Justine Frischmann en una entrevista con NME, ya que era un periodo complicado: la guitarrista Donna Matthews salia de la banda, Justine terminaba su relación con Damon Albarn y gente nueva llegaba; el disco fue grabado en seis semanas y con un presupuesto de £10,000.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 
Lista de canciones:

  1. «Mad Dog God Dam»   (Frischmann/Elastica) – 3:15
  2. «Generator»   (Frischmann/Elastica) – 1:50
  3. «How He Wrote Elastica Man» (Elastica/Frischmann/Mark E. Smith/Julia Nagle) – 2:02
  4. «Image Change»  (Donna Matthews/Elastica) – 3:27
  5. «Your Arse My Place» (Frischmann/Elastica) – 2:15
  6. «Human»   (Donna Matthews/Gilbert/Gotobed/Lewis/Newman/Elastica) – 3:29
  7. «Nothing Stays the Same» (Donna Matthews/Elastica) – 2:44
  8. «Miami Nice»   (Frischmann/Loz Hardy/Elastica) – 3:21
  9. «Love Like Ours» (Matthews/Elastica) – 2:22
  10. «KB»   (Frischmann/Smith/Nagle/Elastica) – 3:12
  11. «My Sex»  (Frischmann/Loz Hardy/Elastica) – 4:10
  12. «The Way I Like It» (Frischmann/Elastica) – 2:39
  13. «Da Da Da»   (Remmler/Krawinke)  – 3:52

Calidad: FLAC

 

 

 


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