Ciclos y Neurastenias en un mundo cruel

Rock

Massacre – 12 Nuevas Patologías [2003]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

Massacre es una banda de rock argentina, pionera en el género denominado skate rock en Latinoamérica. Originalmente llamados Massacre Palestina, se formaron en Buenos Aires en el año 1986. Se conformó por estudiantes secundarios influidos por bandas de la costa oeste estadounidense, que fusionaban hardcore-surf-punk a fines de los setenta y comienzos de los ochenta. Entre sus influencias, se encuentran artistas como T.S.O.L, Dead Kennedys, Black Flag, Nirvana, The Cure, R.E.M., The Ramones, T. Rex, Sumo, Gustavo Cerati, Luis Alberto Spinetta, entre otros.

La primera formación contaba con Francisco Ruiz Ferreyra (Paco) en batería, José Armetta (Topo) en el bajo, Guillermo Cidade (Walas) en guitarra y Richard Serafini en voz. El primer disco homónimo de la banda fue un EP en vinilo, grabado en 1987 bajo el sello Radio Trípoli, que contenía cuatro canciones, hoy una pieza de colección. Junto a la salida del disco filman su primer vídeo del tema “Diferentes Maneras”, en la actualidad absolutamente perdido. La carrera del grupo se desarrolló durante años sobre la base de presentaciones en vivo y largas ausencias, hasta la posibilidad de grabar el primer álbum. Para octubre de 1989 Richard se despide de la formación y Wallas se encarga de las voces, dejando su puesto a Pablo Mondello (alias Pablo M. o El Tordo), ex compañero del secundario, eximio guitarrista y pilar fundamental en la concepción musical del grupo para los tiempos que vendrían. Con esta formación los Massacre recorrerían larga parte de su carrera.

Tras su primer álbum de estudio, “Sol Lucet Omnibus” (1992), se rebautizaron como Massacre, debido al atentado a la embajada de Israel en Argentina, en donde su apelativo “Palestina”, pudiera generar polémica.

Aunque la banda era conocida por su actitud basada en la autogestión durante más de veinte años de carrera, se la consideraba como una de las pocas bandas verdaderamente de culto de la Argentina, hasta la edición de su sexto disco de estudio, titulado “El Mamut” (2007); que alcanzó gran éxito, por lo que la banda alcanzó masividad a nivel popular, no solo en Argentina, sino también en el resto de Latinoamérica.

«12 Nuevas Patologías» es el quinto disco de Massacre, grabado en julio de 2003 en Estudios del Abasto, Buenos Aires, por Gonzalo Villagra y editado ese mismo año por el sello independiente Laika Records.

El álbum contiene doce temas agrupados por diferentes patologías individuales y colectivas, como obsesiones, culpas, fobias, miedos y dudas. En tanto a lo musical, el disco juega con sonidos electrónicos creando una atmósfera y clima de psicodelia. El corte de difusión fue “Querida Eugenia”, que contó con dos videos (uno de estilo documental, en la inauguración del Skate Park en Parque Sarmiento; el segundo, más artístico). También se destacan las canciones “Seguro es por mi culpa” y “Adiós caballo español”.

Charly Carnota, ex RIP y Tintoreros, que venía de la banda neoyorquina Manhattan Heroes, en su vuelta a Buenos Aires reemplazó a Chachi y se hizo cargo de la batería. El disco es denominado de “rock psicológico” o “rock terapéutico”, según entendidos.

 

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Adiós, Caballo Español» – 4:20
  2. «Querida Eugenia» – 3:46
  3. «La Nueva Amenaza» – 5:07
  4. «Heredarán la Tierra» – 5:06
  5. «Seguro Es por Mi Culpa» – 5:30
  6. «Bienvenido al Mundo de los Conflictuaditos» – 2:42
  7. «Ideal para el Invierno» – 4:34
  8. «Sofía, la Super Vedette» – 4:20
  9. «Río Siempre» – 5:04
  10. «Invasión de Aguavivas en Santa Mónica» – 3:33
  11. «Ambas Estatuas» – 7:17
  12. «Gilda Manson» – 9:02

Calidad: M4A

 

 

 


Los Piojos – Huracanes en Luna Plateada [2002]

 

[Ciclo de Rock Argentino]

 

Los Piojos fue una banda argentina de rock formada a fines de 1988 y oriunda de Ciudad Jardín Lomas del Palomar, en el Gran Buenos Aires. De todas las bandas surgidas durante la década de los 90, Los Piojos se erigió como una de las más populares hasta incluso después de su separación, no sólo por su poder de convocatoria y las importantes cifras de ventas en sus álbumes, sino también por una discografía de carácter sólido que fue cada vez haciéndose más personal.

Durante finales de 1989 y principios de 1990 comienzan sus presentaciones en pequeños escenarios del rock porteño y bonaerense tales como el Teatro Arlequines, Graf Zeppelin, Ma Baker y La Plaza del Avión (en Ciudad Jardín) donde Ciro cantó por primera vez. En 1990 el grupo resultó elegido banda revelación por Los Redonditos de Ricota en la encuesta del “Sí!” de Clarín. Los redondos de Ricota habían presenciado varios de los shows del grupo, e incluso el guitarrista Skay subió a acompañarlos en algunas ocasiones.

En 1991 viajaron a Francia, invitados de una organización de los suburbios de París que luchaban contra los skinheads. Tocaron en el Festival Antirracista de Blondy. Aunque lo único gratis seria tocar. Los gastos del viaje corrieron por cuenta propia de Los Piojos que debieron pagar cuotas de 160 dólares para financiarlo. Así lograron compartir el escenario con grupos de Cuba, África, Marruecos, Burkina Faso, Malí, España y Francia. El contacto con Mano Negra fue importante para que la banda abriese la cabeza y entendiera que en la fusión de estilo estaba su futuro musical.

De regreso a Buenos Aires, el sueño del primer disco comenzaba a rondar por sus cabezas. El apoyo por parte de Patricio Rey resultó imprescindible para el grupo, de manera que la “Negra Poly”, manager ricotera, le recomendó al productor Gustavo Gauvry, de DBN, que se acercara a ver un show. Aquella vez, como tantas otras volvió a subir Skay Beilinson al escenario como para que quedase sellado un padrinazgo absoluto sobre los pibes del Palomar. Gauvry se interesó por ellos y enseguida les ofreció la edición y distribución del primer disco de la banda. Entre junio y agosto de 1992 ingresaron por primera vez a un estudio, en Del Cielito Records, estudios de Los Redondos, siendo su primera experiencia en grabaciones de estudio. En ese corto lapso registraron “Chactuchac”, el álbum debut de la banda. El disco fue editado por DBN/Del Cielito Records en agosto de 1992. El título del trabajo se refiere al sonido del tren.

«Huracanes en Luna Plateada» es el segundo álbum en vivo (y séptimo de su producción musical) de la banda Los Piojos, grabado entre junio de 2001 y septiembre de 2002. Con 20 temas registrados en los recitales en el estadio de Huracán (24 de noviembre de 2001), en el Luna Park (19, 20, 21 y 23 de julio de 2002), en el estadio de Gimnasia y Esgrima La Plata (12, 13, 19, 20 y 21 de abril de 2002), en el estadio de Newell’s Old Boys de Rosario (24 de agosto de 2002), en Pajas Blancas Center de Córdoba (14 de junio de 2002), en el Estadio Ruca Che de Neuquén (15 de junio de 2001) y en el Camping Luz y Fuerza de Mendoza (21 de septiembre de 2002).

El álbum es un doble CD producido artísticamente por su cantante Andrés Ciro junto a Ricardo Mollo (Divididos) y editado en noviembre de 2002 por El Farolito Discos.

 

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

 

CD 1:

  1. «María y José»
  2. «Babilonia»
  3. «Ximenita»
  4. «Taxi Boy»
  5. «A Veces»
  6. «Cancheros»
  7. «Yira Yira»
  8. «Muy Despacito»
  9. «Labios de Seda»
  10. «El Rey del Blues» (B. B. King)
  11. «Extraña Soledad»

CD 2:

  1. «Llevatelo»
  2. «Pensar en Nada»
  3. «El Farolito (La Rubia Tarada)»
  4. «Y Qué Más»
  5. «Fijate»
  6. «Morella»
  7. «Genius (El Mendigo del Dock Sud)»
  8. «El Balneario de los Doctores Crotos»
  9. «Little Red Rooster (Zapada)»

Calidad: FLAC

 

 

 


Mike Oldfield – Incantations [Deluxe Edition] (1978-Reed.2011)

 

[Otras Músicas]

 

Entre 1971 y 1973 Mike Oldfield comenzó a ordenar las ideas musicales que bullían en su cabeza. Usando una grabadora de cuatro pistas que le prestó Kevin Ayers, dos pistas en un sentido y las otras dos en el otro, descubrió que si cubría el cabezal de borrado con un trocito de cartón podía grabar en cuatro pistas. De esta forma podría empezar a grabar las ideas necesarias para realizar su gran proyecto: crear una sinfonía, similar a las composiciones de gran escala para orquesta con diferentes movimientos que se podían encontrar en muchas obras de música clásica, pero utilizando para ello instrumentos de toda índole, sobre todo pertenecientes al mundo del pop-rock. Se ha mencionado que la Quinta Sinfonía de Jean Sibelius le influyó profundamente por aquel entonces.

Con la grabadora prestada se metió en el dormitorio de la casa que compartía con los otros miembros del grupo (Kevin Ayers & The Whole World), y las ideas para su nuevo trabajo empezaron lentamente a tomar forma. Ya metido en faena, Mike se decidió a tocar todos los instrumentos él mismo, y pensó que no le sería difícil con su don natural para la música el poder dominar casi cualquier instrumento; desde el xilófono al piano de cola, la guitarra clásica, el órgano Farfisa… Mientras aún trabajaba con Kevin Ayers, ayudaba también en las grabaciones que se hacían en los famosos estudios Abbey Road de Londres, donde tuvo la oportunidad de compartir algunas conversaciones con The Beatles. Pronto descubrió que el estudio tenía un almacén repleto de todo tipo de instrumentos, algunos de los cuales pertenecían al cuarteto de Liverpool, así que se las arreglaba para llegar más temprano y, mientras los demás usuarios del estudio llegaban, él experimentaba con esos instrumentos e incorporaba nuevos sonidos y texturas a su proyecto. Ensimismado en un trabajo que sabía iba a ser revolucionario, se propuso plasmar en él todas las profundas emociones que estaba experimentando como explorador de un campo musical virgen. La obra que estaba componiendo sería, además, un trabajo que se convertiría gradualmente en el vehículo para descargar sus emociones más profundas, y con las que más le estaba costando vivir.

Después de crear una primera maqueta, empezó a recorrer todas las discográficas tratando de convencer a alguien para que apoyase su proyecto. Por toda respuesta obtuvo negativas de las discográficas, que argumentaban que aquello “no era comercial” y que, si en algún caso llegaba a editarse, nadie lo compraría; obviamente, eso le había pasado por poner su fe en aquella poco trabajada maqueta. Tras haber compuesto la hipnótica introducción (la melodía más emblemática de su primera obra), seguiría acordándose de aquello: ¡si tan solo pudiese grabarlo, editarlo y promocionarlo!

El cuarto álbum de estudio de Mike Oldfield, «Incantations», fue producido por Mike Oldfield y publicado por Virgin Records el 24 de noviembre de 1978. Se trata de un álbum doble grabado en Througham Slam, Inglaterra, entre diciembre de 1977 y septiembre de 1978. Durante la composición de “Incantations”, Oldfield se inspiró en poemas acerca de Hiawatha, por Henry Wordsworth Longfellow, y Diana, por Ben Johnson, y leyendas celtas. El resultado es un álbum donde se fusiona rock progresivo con música celta y percusión africana, en un estilo cercano al New Age. Entre los músicos de sesión se encuentran Mike Laird, Pierre Moerlen y Sally Oldfield. “Incantations” llegó al puesto 14 en el Reino Unido durante 14 semanas.

La portada fue nuevamente realizada por Trevor Key. La playa de la fotografía de portada es Cala Pregonda, en Menorca. La funda actual del CD tiene un tipo de letra diferente al de la ilustración del LP original. Las primeras copias del álbum venían con un póster que mostraba una fotografía sutilmente diferente de la utilizada en la portada.

En 2000, Virgin Records reeditó “Incantations” en versión remasterizada para la colección “Mike Oldfield Remasters”. En 2011, Universal reeditó el álbum en un solo CD con el single “Guilty”, como bonus track. La reedición de 2011 del álbum recibió nuevas ilustraciones, mostrando una nueva fotografía de la misma formación rocosa y ninguna imagen de Oldfield. La Edición Deluxe contenía el disco de la edición estándar, así como un segundo disco que contiene singles y otras piezas más pequeñas, y un DVD con mezclas 5.1, vídeos promocionales y una versión en vivo del álbum.

Fuente: Wikipedia

 

 

 

 

CD 1:

  1. «Part One» – 19:11
  2. «Part Two» – 19:34
  3. «Part Three» – 16:58
  4. «Part Four» – 16:57
  5. «Guilty» – 4:14

CD 2:

  1. «Diana» – 6:35
  2. «Northumbrian» – 2:56
  3. «Piano Improvisation» – 5:38
  4. «Hiawatha» – 9:01
  5. «Canon for Two Vibraphones» – 2:49
  6. «William Tell Overture» – 3:55
  7. «Cuckoo Song» – 3:22
  8. «Pipe Tune» – 3:27
  9. «Wrekorder Wrondo» – 2:35
  10. «Guilty» – 6:38
  11. «Diana – Desiderata» – 7:05

Calidad: FLAC

 

 

 


The Waterboys – The Waterboys [1983-Reed.2002]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

The Waterboys es una banda formada en 1983 por Mike Scott. La composición de la misma ha girado siempre en torno a músicos de Escocia, Inglaterra e Irlanda. Las sedes de la misma se han alternado entre Dublín, Spiddal, Londres, Nueva York y Findhorn. Su música ha pasado desde una mezcla de folk Celta hasta el rock’n’roll, siempre con un estilo muy personal otorgado por el talento de su líder Mike Scott.

Tras diez años de grabar y girar sin interrupción, en 1993 se disolvieron y Mike Scott inició su carrera en solitario. Se refundaron en el 2000 y continuaron girando y publicando discos. Para Mike, “No hay diferencia entre Waterboys y yo porque, para mí, significan la misma cosa”.

El sonido de los primeros Waterboys fue llamado The Big Sound tras un tema de su segundo álbum, “A Pagan Place”. Este estilo fue descrito por Mike como “una metáfora por ver la autoría de Dios en el mundo”. Sus influencias se encuentran entre Simple Minds, The Alarm, In Ta Nua, Big Country, Horhouse Flowers y World Party; este último formado por ex-miembros de los propios Waterboys. A finales de los 80 el sonido de la banda se hizo más folk con una formación más numerosa: según el propio grupo, the Raggle Taggle Band.

Más tarde volverían al sonido rock tras su reforma. Sus canciones, principalmente escritas por Scott, a menudo tratan de referencias literarias relacionadas con la espiritualidad (Mike estudió literatura inglesa y filosofía). Tanto la carrera en solitario de Mike como las de sus otros miembros han tenido éxito comercial, así como buenas críticas musicales.

«The Waterboys» es el álbum debut de la banda del mismo nombre, grabado entre diciembre de 1981 y noviembre de 1982 en los Redshop Studios de Londres, aún sin formar el grupo, y editado en julio de 1983 por el sello Chrysalis Records, con producción de Mike Scott y Rupert Hine. La portada del álbum es una fotografía del cantante Mike Scott realizada por Panny Charrington y diseñada por Stephanie Nash. El logotipo de Waterboys aparece en el cuadro azul pálido en la esquina superior derecha de la portada del álbum original (rosa pálido en la reedición de 2002). El símbolo, que simboliza el agua, continuó usándose a lo largo de la historia de la banda. Fue diseñado por Stephanie Nash de Island Records.

Mike Scott comenzó a formar una nueva banda para trabajar. A principios de 1982 reclutó a Anthony Thistlethwaite para el nuevo proyecto, que se convirtió en The Waterboys. Scott escuchó a Thistlethwaite por primera vez en un álbum de Nikki Sudden. Thistlethwaite trajo a un amigo suyo, Kevin Wilkinson, como baterista. Sudden describe los eventos como Scott “robándose” a los dos, pero señala que Scott podía pagar a Thistlethwaite y Wilkinson, mientras que Sudden no podía. Scott y Thistlethwaite grabaron “A Girl Called Johnny” en la primavera de 1982, y con Wilkinson y el bajista Nick Linden grabaron nuevas canciones en noviembre de 1982 en Redshop Studio, de las cuales, “I Will Not Follow”, aparece en este álbum.

“A Girl Called Johnny” fue lanzada tanto en sencillo como en maxi en marzo de 1983, precediendo al álbum por cuatro meses. La canción, un tributo a Patti Smith, “fracasó” para convertirse en un éxito. “December” también se lanzó como single (para la temporada navideña) en formatos de siete y doce pulgadas, con resultados comerciales similares.

Allmusic describe el sonido del álbum como “parte Van Morrison, parte U2”.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas escritos y compuestos por Mike Scott, excepto 12: John Caldwell)

  1. «December» – 6:47
  2. «A Girl Called Johnny» – 3:56
  3. «The Three Day Man» – 4:07
  4. «Gala» (Unedited) – 9:30
  5. «Where Are You Now When I Need You?» – 5:06
  6. «I Will Not Follow» – 5:16
  7. «It Should Have Been You» – 4:28
  8. «The Girl in the Swing» – 4:26
  9. «Savage Earth Heart» – 6:37
  10. «Something Fantastic» (bonus) – 3:11
  11. «Ready for the Monkeyhouse» (bonus) – 3:57
  12. «Another Kind of Circus» (bonus) – 4:04
  13. «A Boy in Black Leather» (bonus) – 7:03
  14. «December (Original 8-Track Mix)» (bonus) – 6:48
  15. «Jack of Diamonds» (bonus) – 0:50

Calidad: 320 Kbps (a 48000 Hz)

 

Gracias al compañero DjJohnny por el archivo flac que ripeé a mp3 de máxima calidad.

 

 

 


The Police – Live! [1995]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

The Police fue una importante e influyente banda inglesa de rock activa desde finales de la década de 1970 y comienzos de la de 1980. Su estilo musical estuvo marcado por influencias del rock, reggae y jazz. Se formó el año 1977 en Londres, comenzando a intentar abrirse paso en la movida punk. La formación habitual del grupo incluyó a Sting, voz y bajo; Andy Summers, guitarra y coros, y Stewart Copeland, batería y coros. Su debut discográfico se produjo con el single “Fall Out”, canción compuesta por Copeland, la que fue editada en el sello independiente IRS. El tema recogió una relativa resonancia, pero no fue suficiente para el despegue de la banda.

Liderados por Gordon Matthew Sumner, más conocido como Sting (nombre que significa “aguijón” en inglés, y que deriva de un jersey de rugby a rayas amarillas y negras, estilo avispa, que el bajista siempre llevaba puesto en su juventud), Andy Summers en la guitarra, y Stewart Copeland como baterista, The Police fue el conjunto británico más exitoso de los 80’s gracias a su impetuoso pop-rock “new wave” enriquecido por algunas dosis de reggae y un talento instrumental y compositivo sublime. Tocaron oficialmente hasta 1986, con un hiato entre marzo de 1984 hasta julio de 1986 y nunca emitieron un comunicado sobre su disolución. La banda ha vendido casi 70 millones de copias por el mundo.

Tras cinco álbumes exitosos y su separación sorpresiva en 1986, su discográfica -A&M Records- publicó el recopilatorio “Every Breath You Take (The Singles)” en octubre de ese mismo año, a modo de grandes éxitos como colofón de la carrera de The Police. Para la ocasión se regrabó “Don’t stand so close to me”, editada como “Don’t stand so close to me ’86”.

«Live!» es un álbum en vivo de The Police publicado en julio de 1995 (originalmente iba a ser publicado en 1985) por A&M Records. El disco uno contiene un concierto casi completo de la banda en noviembre de 1979 en el “Orpheum Theatre” en Boston, Massachusetts (grabado en consola de 2 canales por una emisora de radio). El disco dos contiene partes de dos conciertos el 2 y el 3 de noviembre de 1983 en Atlanta, en los tours del álbum “Synchronicity” (grabado en consola de 8 canales). Respecto a los conciertos de 1983 se vuelven a ver en DVD “Synchronicity” en el 2005. El guitarrista Andy Summer se encargó de la producción.

Además, este álbum demuestra la etapa del grupo durante su influencia punk en la década de ’70 y la etapa experimental de los ’80 de The Police arriba de un escenario. El álbum fue disco de platino en Estados Unidos de Norteamérica.

Fuente: Wikipedia

 

 

 

 

CD 1 (Orpheum WBCN / Boston Broadcast):

  1. «Next to You» – 2:58
  2. «So Lonely» – 7:33
  3. «Truth Hits Everybody» – 2:33
  4. «Walking on the Moon» – 4:59
  5. «Hole in My Life» – 4:08
  6. «Fall Out» – 2:46
  7. «Bring on the Night» – 5:16
  8. «Message in a Bottle» – 4:27
  9. «The Bed’s Too Big Without You» – 8:52
  10. «Peanuts» – 3:08
  11. «Roxanne» – 4:42
  12. «Can’t Stand Losing You» – 7:54
  13. «Landlord» – 2:27
  14. «Born in the 50’s» – 4:18
  15. «Be My Girl / Sally» – 4:51

CD 2 (Atlanta / Synchronicity Concert):

  1. «Synchronicity I» – 2:53
  2. «Synchronicity II» – 4:44
  3. «Walking in Your Footsteps» – 4:55
  4. «Message in a Bottle» – 4:35
  5. «O My God» – 3:36
  6. «De Do Do Do, De Da Da Da» – 4:32
  7. «Wrapped Around Your Finger» – 5:21
  8. «Tea in the Sahara» – 4:52
  9. «Spirits in the Material World» – 2:57
  10. «King of Pain» – 5:53
  11. «Don’t Stand so Close to Me» – 3:46
  12. «Every Breath You Take» – 4:37
  13. «Roxanne» – 6:10
  14. «Can’t Stand Losing You» – 6:48
  15. «So Lonely» – 7:26

Calidad: 320 Kbps (a 48000 Hz)

 

Gracias al compañero Duncan Jacques por el archivo flac que ripeé a mp3 de máxima calidad.

 

 

 

 


Os Resentidos – Por Alí, por Alá [Sg] (1988)

 

[Ciclo de Rock Ibérico]

 

Os Resentidos abrigaron con su calor La Movida de Vigo junto a bandas como Aerolíneas Federales, Golpes Bajos o Siniestro Total, y acercaron el rock gallego a todo el territorio nacional con “Galicia caníbal”, aunque para mucha gente siempre será “Fai un sol de carallo”, pero fueron mucho más que todo eso.

El cuarto álbum de los gallegos, “Fracaso Tropical” (GASA, 1988), fue un acierto a la hora de fusionar los ritmos tropicales, el rap, las gaitas, el idioma gallego y la peculiar forma de ver la vida desde el resentimiento.

El segundo sencillo extraido del album, «Por Alí, por Alá» (GASA, 1988), es uno de los mejores cortes del disco, el trabajo emigrante, los juegos de palabras y el humor se dan la mano en esta canción protesta plagada de gaitas y sintetizadores, “un volkswagen por alí / un volkswagen por alá… ningunha noite soñamos / Sherezade donde estás / sete velos te caerán”. La canción sería incluida en el doble CD que Amnistía Internacional editó en 1994 recogiendo temas, entre otros de Burning, Rosendo, Los Secretos y Juan Perro.

Fuente: Fernando Fernández Rego en LaFonoteca.net / Zonde
 

 

 

 

 

Lista de canciones:

 

  1. «Por Alí, por Alá» – 3:32
  2. «Camarada Sitting Bull» – 3:03

Calidad: 128 Kbps

 

 

Gracias al blog Sangrespañola por este archivo.

 

 

 


R.E.M. – Automatic for the People [1992]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

R.E.M. fue una banda de rock alternativo estadounidense formada en Athens, Georgia, en 1980 por el cantante Michael Stipe, el guitarrista Peter Buck, el bajista Mike Mills y el baterista Bill Berry. De las primeras bandas pioneras del rock alternativo, R.E.M. fue fundamental en la creación y desarrollo del género de rock alternativo. Allmusic declaró: “R.E.M. marcó el punto en el que el post-punk se convirtió en rock alternativo”. A principios de la década de 1980, el estilo musical de R.E.M. contrastaba con los géneros post-punk y new wave que la habían precedido.

R.E.M. consiguió rápidamente atención por el estilo arpegiado de la guitarra de Buck y las voces poco claras de Stipe. R.E.M. lanzó su primer sencillo, “Radio Free Europe”, en 1981 en el sello discográfico independiente Hib-Tone. Pronto se expanden por todo el estado y en 1982 publican un EP, “Chronic Town”, con la discográfica I.R.S. Records.​ Combinando folk-rock y punk logran que la crítica les defina como auténticos innovadores de la música. Pronto su expansión se traduce a todo el país. A principios de los años 1990, R.E.M. era enmarcado como una de las principales bandas pioneras del rock alternativo en haber alcanzado gran popularidad, lanzaron los álbumes más exitosos de la banda: “Out of Time” (1991) y “Automatic for the People” (1992), los cuales consolidaron totalmente al grupo. “Monster”, el siguiente álbum, fue un retorno a un sonido más orientado hacia el rock, con el que comenzaron una gira que se vio estropeada por emergencias médicas sufridas por la banda. En 1997, R.E.M. renovó su contrato con Warner Bros.

A finales de ese año, Bill Berry dejó la banda, dejando a Buck, Mills y Stipe como únicos miembros oficiales. Pasando por varios cambios en el estilo musical, el grupo continuó su carrera en la próxima década con variadas críticas y éxitos comerciales. R.E.M. vendieron más de 80 millones de discos en todo el mundo. ​En 2007, R.E.M. fue introducido al Salón de la Fama del Rock.​ R.E.M. se disolvió en septiembre de 2011, anunciando la separación en su sitio web.

«Automatic for the People» es el octavo álbum de la banda estadounidense de rock alternativo R.E.M., grabado entre 1991 y 1992 y editado por Warner Bros. Records en octubre de 1992, con producción de Scott Litt. Los sencillos extraídos fueron “Drive”, “Man on the Moon”, “The Sidewinder Sleeps Tonite”, “Everybody Hurts” y “Nightswimming”.

El álbum continúa con los elementos folk/country pop/rock clásico de discos anteriores como “Green” y “Out of Time”, pero con menos elementos pop y en general con un tono sombrío. Bono, líder de U2, se refirió a este álbum como “el disco de country más grande jamás hecho”. El título del álbum se refiere al lema de un restaurante de Athens, Georgia. La fotografía de la carátula no está relacionada con el restaurante, es un símbolo de un motel de Miami, donde fue grabado parte del álbum. El disco además fue grabado en New Orleans.

Después de “Out of Time”, un álbum exitoso, “Automatic for the People” entró a las listas de ventas de EE.UU. en el segundo puesto, vendiendo más de cuatro millones de copias, y se mantuvo varias semanas en el primer puesto en el Reino Unido. A pesar del éxito del nuevo álbum, R.E.M. rechazó hacer una gira, porque ya lo habían hecho para “Out of Time” el año anterior.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Drive» — 4:30
  2. «Try Not to Breathe» — 3:49
  3. «The Sidewinder Sleeps Tonite» — 4:06
  4. «Everybody Hurts» — 5:17
  5. «New Orleans Instrumental No. 1» — 2:12
  6. «Sweetness Follows» — 4:19
  7. «Monty Got a Raw Deal» — 3:16
  8. «Ignoreland» — 4:24
  9. «Star Me Kitten» — 3:15
  10. «Man on the Moon» — 5:12
  11. «Nightswimming» — 4:16
  12. «Find the River» — 3:49

Calidad: FLAC

 

 

 


Zer Bizio? – Gasolina y Fuego (1988)

 

[Ciclo de Rock Ibérico]

 

Inclasificable grupo bilbaíno liderado por Iñaki Pérez (voz y guitarra), donde también estaría Gatxet (guitarra), proveniente de Naste Borraste donde tocaba el bajo. Se puede encuadrar a Zer-Bizio? dentro de lo que se conoció como rock radical vasco.

En 1986 aparece su primer trabajo para Discos Suicidas, sello local que a la postre sería con el que grabarían el resto de sus incursiones discográficas. Este primer álbum se tituló Sentimientos y Venganzas”. Considerado como su disco más popular, parte del mismo se grabó en directo, en un claro alegato al rock que salta desde las profundidades de los barrios inquietos.

Al año siguiente aparece «Gasolina y Fuego», su segundo álbum y uno de los que crearon escuela, con estilo propio y muy maduro. Letras caracterizadas por su buena elaboración y por su temática social, es decir, un referente del rock radical y del mejor y más genuino punk-rock.

“Los Unos, los Otros y Nosotros” es el tercer trabajo de este grupo, ya en 1989, en el que vuelven a destilar su genuino punk-rock callejero y salvaje, en uno de los discos más representativos de esta mítica banda vasca. Seguido del disco “Buen Agujero y Sin Salida”, editado por Discos Suicidas en 1990.

Al año siguiente graban una actuación en vivo en el álbum “Directo”, editado por DDT Diskak. En 1993 graban un disco en directo compartido con los grupos Platero y Tú y Sedientos, de la mano del sello, también vasco, Oihuka, que se conoce como “A todo gas en directo”.

Su última referencia en formato disco data de 1999, cuando, de nuevo con su disquera de siempre (Discos Suicidas), publican “Bilbon”, grabado íntegramente en directo que reúne 23 cortes.

En 2001, se reedita “Gasolina y Fuego” a cargo de Hilargi Records.

Fuente: NuevaOla80s / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Rokaputo» – 2:01
  2. «Sin Nada Más» – 3:10
  3. «Eres Incansable» – 2:49
  4. «Gasolina y Fuego» – 3:25
  5. «Epilepsia» – 3:35
  6. «Unos Tragos» – 3:11
  7. «Venganzas y Sentimientos» – 4:13
  8. «Mala Carne» – 2:36
  9. «Con la Vista Atrás» – 2:28
  10. «Pervirtiendo» – 2:05
  11. «1987» – 3:29
  12. «La Pizzería» – 1:25

Calidad: FLAC

 

Gracias al compañero Bizio por este archivo.

 

 

 


Bad Religion – Recipe for Hate [1993]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

Bad Religion es una banda estadounidense de punk rock fundada en 1979 en el sur de California por Greg Graffin (voz), Jay Bentley (bajo), Jay Ziskrout (batería) y Brett Gurewitz (guitarra), a la que se le adjudica haber guiado el resurgimiento del punk rock en el mainstream, así como haber influenciado a lo largo de su trayectoria a un gran número de músicos del punk y del rock.

La banda ha contado con diferentes alineaciones a lo largo de sus 38 años de existencia, siendo Graffin el único miembro que ha sido constante; no obstante, la banda cuenta en el siglo XXI con tres de sus miembros originales: Greg Graffin, Brett Gurewitz y Jay Bentley.

Ha lanzado dieciséis álbumes de estudio, dos EP, tres álbumes compilatorios, un álbum en directo y tres DVD. Su álbum Suffer ha sido valorado por algunos críticos como el álbum de punk rock más relevante de todos los tiempos, aunque nunca tuvo un puesto en la lista de popularidad la Billboard. En 1993 la banda alcanzó un puesto de cartelera con su álbum Recipe for Hate, ese acontecimientos les dio fama mientras les aseguró el puesto número 14 de la lista Heatseekers de la Billboard de ese año. Su mayor éxito vino con Stranger than Fiction el primer álbum con el que consiguieron el disco de oro en Estados Unidos, desprendiéndose de él reconocidos singles como “21st Century (Digital Boy)” e “Infected”. La banda se mantuvo cosechando éxitos de manera más discreta en su nueva discográfica, Warner, sin Brett Gurewitz, quien se retirara en 1994 por motivos personales. El 2001 fue un año importante para la banda ya que marcó la vuelta de Gurewitz y el regreso de Bad Religion a Epitaph, discográfica de música independiente de la cual es el dueño. Desde este «renacer» para la banda, se ha mantenido con la misma alineación durante más de diez años seguidos y cinco álbumes.

Son conocidos particularmente por su sofisticado uso del estilo, metáfora, vocabulario, uso de iconos y armonías vocales (los denominados por la banda como oozin’ aahs); esto último consagrándolos como pioneros del naciente hardcore melódico. Sus letras suelen ser reflexivas en torno a sentimientos personales, ideologías de vida y responsabilidad social.

«Recipe for Hate» es el séptimo álbum del grupo de punk Bad Religion, grabado entre 1992 e inicios de 1993 en los estudios Westbeach Recorders de Hollywood, con producción del propio grupo, y editado en junio de 1993 por el sello independiente Epitaph. Este fue su último álbum en Epitaph Records durante nueve años (hasta “The Process of Belief”, 2002) y la banda se cambió a Atlantic Records, quien reeditó el álbum varios meses después de su lanzamiento.

Cuenta con la participación del vocalista de Pearl Jam Eddie Vedder, que canta algunas estrofas en la canción “Watch It Die”. El álbum comienza con el tema que da título al mismo, “Recipe for Hate”, canción que la banda suele tocar en sus conciertos.

Mientras que el álbum fue reeditado en una gran discográfica, “Recipe for Hate” recibió inicialmente reseñas mixtas de críticos de música. También fue el primer álbum de Bad Religion en EUNA debutando en el n° 14 en la lista de Heatseekers de Billboard, con los sencillos “American Jesus” y “Struck a Nerve”, en particular, convirtiéndose en los principales éxitos de la radio. El álbum también contiene canciones importantes como, “Recipe for Hate” y “Skyscraper”, que son las favoritas de los fanáticos y son elementos básicos de su show en vivo hoy; la primera es una canción con la que Bad Religion abre a menudo su espectáculo.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

Lista de canciones:

  1. «Recipe for Hate» (Graffin) — 2:02
  2. «Kerosene» (Gurewitz) — 2:41
  3. «American Jesus» (Gurewitz/Graffin) — 3:17
  4. «Portrait of Authority» (Graffin) — 2:44
  5. «Man With a Mission» (Gurewitz) — 3:11
  6. «All Good Soldiers» (Gurewitz) — 3:07
  7. «Watch It Die» (Graffin) — 2:34
  8. «Struck a Nerve» (Graffin) — 3:47
  9. «My Poor Friend Me» (Graffin) — 2:42
  10. «Lookin’ In» (Graffin) — 2:03
  11. «Don’t Pray on Me» (Gurewitz) — 2:42
  12. «Modern Day Catastrophists» (Graffin) — 2:46
  13. «Skyscraper» (Gurewitz) — 3:15
  14. «Stealth» (Bentley/Gurewitz/Schayer) — 0:42

Calidad: FLAC

 

 

 


Nirvana – In Utero [1993]

[Resubida Mejorada]

 

[Ciclo de Rock Alternativo]

 

Nirvana fue una banda de grunge y rock alternativo estadounidense procedente de Aberdeen, Washington, integrada por el vocalista y guitarrista Kurt Cobain y el bajista Krist Novoselic en 1987. Desde su formación, Nirvana pasó a través de una serie de frecuentes cambios de baterista hasta que en 1990 se les unió definitivamente el baterista Dave Grohl. Nirvana actualmente es considerada como una de las bandas más importantes e influyentes de la era moderna.

A finales de la década de los años 80 Nirvana se estableció como parte de la escena musical de Seattle con su álbum debut “Bleach”, lanzado bajo el sello independiente de Seattle, Sub Pop, en 1989. La banda finalmente llegó a desarrollar un sonido que se basaba en los contrastes dinámicos, a menudo versos tranquilos y coros intensos. Un año más tarde, la banda firmó con la discográfica DGC Records y en 1991 lanzó su segundo álbum: “Nevermind”. El primer sencillo del álbum, “Smells Like Teen Spirit”, escaló las listas musicales en todo el mundo e inició la explosión de lo que hasta ese momento era conocido como punk y rock alternativo en la escena musical mundial, en un movimiento al que los medios de la época se referirían como grunge. Además de Nirvana, otras bandas de la escena musical de Seattle como Pearl Jam, Alice in Chains y Soundgarden también ganaron popularidad; como resultado, el rock alternativo se convirtió en el género dominante en la radio y la televisión musical durante la primera mitad de la década de los 90.

El líder de la banda, Kurt Cobain se encontró a sí mismo referido en los medios de comunicación como «la voz de una generación» y a Nirvana como la «banda símbolo» de la Generación X. Cobain se sentía incómodo con la atención que se les brindaba y decidió enfocar la atención del público hacia la música de la banda, retando a la audiencia con su tercer álbum de estudio, “In Utero”. El álbum no tuvo el éxito ni las ventas esperadas y la popularidad de Nirvana disminuyó en los meses siguientes a la publicación del álbum. Sin embargo, buena parte de su audiencia alabó el interior «oscuro» de la banda, en especial después de su presentación en MTV Unplugged.

La corta carrera de Nirvana concluyó con la muerte de Cobain en 1994, pero su popularidad creció aún más en los años posteriores. Ocho años después de la muerte de Cobain, “You Know You’re Right”, una demo nunca terminada que la banda había grabado dos meses antes de la muerte de Cobain, escalaba las listas de radio y música de todo el mundo. En 2004 fueron colocados en el puesto nº 27 en la lista de los 100 mejores artistas de todos los tiempos de la revista Rolling Stone y en el puesto nº 14 según la revista Vh1. Desde su debut, la banda ha vendido más de 75 millones de álbumes a nivel mundial, incluyendo 10 millones de ejemplares de “Nevermind” en EUNA y 30 millones en todo el mundo. En el año 2014 Nirvana ingresó en el Salón de la Fama del Rock and Roll.

«In Utero» es el tercer y último álbum de estudio de la banda estadounidense de rock Nirvana, grabado en febrero de 1993 en el Pachyderm Studio de Canon Salls (Minnesota) y editado en septiembre del mismo año por DGC Records. Nirvana pretendía que esta grabación sonara diferente a la pulida producción de su anterior álbum, Nevermind (1991). A fin de lograr un sonido más natural y áspero, el grupo escogió trabajar con el productor y músico Steve Albini, conocido por su trabajo de producción en “Surfer Rosa” de Pixies. Las sesiones con Albini fueron productivas y notablemente rápidas: la versión inicial del álbum fue grabada y mezclada en dos semanas, lejos de los meses de grabación y mezcla en “Nevermind”. La música se grabó rápidamente con pocos trucos de estudio, y las letras de las canciones y la presentación del álbum incorporaban imágenes médicas que transmitían los puntos de vista del líder Kurt Cobain sobre su vida personal, su reciente paternidad y la nueva fama de la banda.

Usar a Albini como productor fue una jugada deliberada por parte de Nirvana para darle al álbum un sonido menos “artificial”, como si la banda hubiera querido alienar o distanciarse de su nueva audiencia que le prestó poca o nula atención a las bandas alternativas, oscuras o experimentales que Nirvana intentó apoyar (como es el caso de The Jesus Lizard). Por ejemplo, una de las canciones del álbum, llamada irónicamente “Radio Friendly Unit Shifter”, mostraba prolongados periodos de ruido de feedback o “retroalimentación”.

Poco después de terminar la grabación, comenzaron a circular rumores en la prensa acerca de la posibilidad de que DGC no lanzara el álbum en su estado original, ya que consideraba que el resultado no era viable comercialmente. Aunque Nirvana negó públicamente estas afirmaciones, el grupo no estaba completamente satisfecho con el sonido logrado por Albini. Este rehusó modificar aún más el álbum, por lo que al final la banda contrató al productor por largo tiempo de R.E.M., Scott Litt, para hacer cambios menores en el sonido del álbum y volver a mezclar los sencillos “Heart-Shaped Box” y “All Apologies”, con Cobain adicionando instrumentación y vocales.

Con “In Utero”, la banda también se enfrentó a la censura. Grandes cadenas de almacenes como Kmart y Wal-Mart se negaron a tener el álbum en sus estanterías, alegando que títulos de canciones como “Rape Me” y el collage de fetos plásticos en la contraportada del álbum eran muy “controvertidos” para cadenas “orientadas a la familia”. Entonces la banda aceptó cambiar el diseño del álbum, lanzando una versión “limpia”, que también cambiaba el nombre de “Rape Me” por “Waif Me”. Sin embargo, con la excepción de la mezcla de Litt de “Pennyroyal Tea”, la música incluida era idéntica al lanzamiento común. Cuando le preguntaron sobre la versión editada, Cobain dijo que muchos residentes de pequeños pueblos (especialmente en el centro de EUNA) no tenían tiendas locales de música, y tenían que comprar sus álbumes en grandes cadenas de almacenes como Kmart.

Si bien no tuvo el mismo nivel de ventas que “Nevermind”, “In Utero” entró, tras su lanzamiento, en el número 1 del Billboard 200 y recibió los elogios de la crítica por suponer un cambio drástico con respecto a su anterior álbum. La grabación fue certificada cinco veces con disco de platino por la RIAA, al vender más de cinco millones de copias en Estados Unidos de Norteamérica, y tuvo ventas mundiales de quince millones de copias.

Fuente: Wikipedia / Zonde

 

 

 

 

 

Lista de canciones:

(Todos los temas de Kurt Cobain, excepto 2: Nirvana)

  1. «Serve the Servants» – 3:34
  2. «Scentless Apprentice» – 3:47
  3. «Heart-Shaped Box» – 4:39
  4. «Rape Me» – 2:49
  5. «Frances Farmer Will Have Her Revenge on Seattle» – 4:07
  6. «Dumb» – 2:29
  7. «Very Ape» – 1:55
  8. «Milk It» – 3:52
  9. «Pennyroyal Tea» – 3:36
  10. «Radio Friendly Unit Shifter» – 4:49
  11. «Tourette’s» – 1:33
  12. «All Apologies» – 3:50

Calidad: FLAC

 

 

 


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